Animation mit Ebenen: Einführung in After Effects (Teil 2)

1. Einführung: Willkommen bei Intro zu After Effects Teil zwei. Der zweite Teil einer vierteiligen Serie, in der Adobe After Effects den angehenden Animatoren und Motion-Designern vorgestellt werden, die wenig bis gar keine Erfahrung mit der Software haben. Mein Name ist Morgan Williams und ich bin seit über 25 Jahren Animator und Animationsregisseur. Und ich unterrichte seit fast zehn Jahren Animation und Motion Design am Ringling College of Art and Design Online an der School of Motion, und jetzt hier auf Skill Share. Wenn Sie nicht Intro zu After Effects Teil eins genommen haben, Sie sicherstellen wollen, dass und sehen Sie diese Klasse zuerst, weil wir auf die Lektionen aus Teil eins hier in Teil zwei aufbauen werden. Diese Serie ist perfekt für Grafikdesigner oder Illustratoren, die sich für Animation oder Motion Design interessieren, und entweder noch nicht nach Effekten ausprobiert haben oder sie vielleicht ausprobiert haben und von ihrer Komplexität abgeschoben wurde. Intro to After Effects ist eine umfassende Übersicht über die Grundlagen der Software, nicht nur um eine oder zwei spezifische Techniken zu betrachten, so dass Sie in der Lage sein, dieses leistungsstarke und flexible Werkzeug zu verwenden , um Ihre eigenen einzigartigen Animationen zu erstellen mit Zuversicht. Während der gesamten Serie werde ich Ihnen professionelle Techniken und Praktiken beibringen und Ihre Arbeitsabläufe intelligent und effizient gestalten. Wir verbinden nicht nur das, was wir über die Software lernen größeren kreativen Prinzipien und Konzepten und Animations- und Motion-Design, um Ihnen eine starke Grundlage zu geben, sowohl technisch als auch kreativ. In Teil 2 der Serie werden wir uns vorstellen, dass wir diesen Titelrahmen für eine hippe kannte Werwolf-Show namens Howl erstellen . [ MUSIK] Auf dem Weg lernen wir mehr über die Arbeit mit verschiedenen Arten von Ebenen und nach Effekten, einschließlich Video-Ebenen, Bildebenen, Textebenen, Anpassungsebenen und Volumenkörpern. Wir betrachten das Hinzufügen und Animieren von Effekten auf Ebenen. Lernen Sie eine Reihe von coolen neuen Tastaturbefehlen und vieles mehr. Lassen Sie uns nach Effekten öffnen und loslegen. 2. Projektordner: Stellen Sie sicher, dass Sie den Projektordner heruntergeladen und entpackt haben. Denken Sie dann an unsere erste Klasse in der Serie, dass sich innerhalb des Projektordners die Projektdatei, die.aep-Datei befindet. Dann gibt es den Footageordner, der die Assets enthält, die wir im Projekt verwenden werden. Nun, nur um ein wenig tiefer in das einzutauchen, ist es wichtig zu verstehen, wie After Effects mit Asset-Dateien arbeitet. Wenn Sie ein Asset oder ein Stück Filmmaterial importieren, wenn After Effects in ein After Effects-Projekt zurückkehrt, die Datei nicht in die Projektdatei übernommen. Stattdessen erstellt die AAfter Effects Projektdatei einen Link zur Asset-Datei im Finder, wo auch immer sie importiert wird. Wenn Sie also ein Stück Filmmaterial oder ein Asset auf Ihrem Desktop haben und es in Ihre Projektdatei importieren, wird es mit dieser Datei auf Ihrem Desktop verknüpft. Wenn Sie diese Datei verschieben oder diese Datei löschen oder diese Datei umbenennen, weiß After Effects nicht mehr, wo sich diese Datei befindet, und wenn Sie das Projekt öffnen, erhalten Sie eine Warnhinweis für fehlende Footage und Ihr Projekt wird nicht in der Lage sein, korrekt wiederzugeben oder zu rendern. Dies ist ein wirklich wichtiges Konzept, um zu verstehen, wie After Effects mit Assets oder Footage funktioniert. Solange es nicht gelöscht wurde, können fehlende Aufnahmen neu verknüpft werden, indem Sie auf die fehlende Datei im Projektfensterdoppelklicken die fehlende Datei im Projektfenster und die Datei im Finder auf Ihrem Computer finden. Aber das ist eine Verschwendung von Zeit und wirklich unnötig, wenn Sie in einer organisierteren Weise arbeiten. Im Allgemeinen besteht der Prozess, den Sie zum Hinzufügen eines Assets zu einem Projekt verwenden möchten, darin , dieses Objekt zuerst in Ihre Assets oder Footageordner im Projektordner zu kopieren und dann in das Projekt zu importieren. Wenn Sie das Projekt dann auf einen anderen Computer verschieben oder das Projekt für einen Kollegen freigeben möchten, stellen Sie sicher, dass Sie den gesamten Projektordner mit der Projektdatei und dem Footageordner verschieben. Wenn Sie auf diese Weise konsequent arbeiten, haben Sie nie Probleme mit fehlenden Dateien in Ihrem Projekt. Sobald Sie die ZIP-Datei heruntergeladen und entpackt haben,können Sie entweder auf die Aep-Datei doppelklicken, um After Effects zu öffnen oder tun, wie wir es können Sie entweder auf die Aep-Datei doppelklicken in der ersten Klasse getan haben, öffnen Sie After Effects, wählen Sie ein Projekt öffnen und wählen Sie diese Projektdatei. Sobald Sie After Effects und die Projektdatei geöffnet haben, denken Sie daran, dass es immer eine gute Idee ist, wie wir es in der ersten Klasse der Serie getan haben, ein Inkrement zu machen und zu speichern, um sicherzustellen, dass wir eine Version dieses Projekts beibehalten für den Fall, dass wir ein schreckliches Chaos machen und wir von vorne anfangen wollen. Wieder werde ich unter Datei nach oben gehen, inkrementieren und speichern, und wir gehen ein Speichern als automatisch diese Versionsnummer von Version eins auf Version zwei voran. Nun, lassen Sie uns beachten, dass wir bereits einige Farbeinstellungen für dieses Projekt vorgenommen haben, auf die ich Sie aufmerksam machen möchte. Wenn wir unter Dateiprojekteinstellungen nach oben gehen und zu den Farbeinstellungen gehen, können Sie zunächst sehen, dass wir die Bittiefe für die Farben auf 16 Bit pro Kanal eingestellt haben, was von den acht Bits pro Kanal ist, auf die es standardmäßig ist. Ich empfehle diese Einstellung in diesem Fall, da wir beginnen, einige anspruchsvollere Bilder und Effekte in diesem Projekt zu verwenden. Wir haben auch den Arbeitsbereich bereits auf sRGB festgelegt, was, wenn Sie sich von der ersten Klasse der Serie erinnern, eine gute Möglichkeit ist, Ihre Farben beim Rendern beizubehalten. Ihre Farben werden immer noch verschoben, wenn Sie bis zu einem gewissen Grad rendern, aber das Einstellen des Arbeitsbereichs hilft, die Farben ein wenig besser zu erhalten. Nun haben wir diese Einstellungen für dieses Projekt bereits vorgenommen, bevor Sie es heruntergeladen haben. Aber ich empfehle, wenn Sie ein neues Projekt starten um Ihre Farbeinstellungen auf 16 Bit und sRGB festzulegen, das wird für die meisten Situationen ziemlich gut funktionieren. Jetzt möchte ich auch noch eine weitere Sache mit unserem Kompositionsfenster hier erwähnen, jetzt, da wir anfangen, mit komplexeren Projekten zu arbeiten. Möglicherweise möchten Sie die Vorschaueinstellungen in Ihrem Kompositionsfenster ändern, insbesondere wenn Sie keinen extrem schnellen Computer haben. Was ich empfehle, ist hier zu diesem kleinen Knopf kommen hier mit diesem kleinen Blitz auf dieser kleinen Box mit einem Blitzschlag und klicken Sie auf das Pull-Down-Menü und ich empfehle, dass Sie schnellen Entwurf wählen. Es ist eine gute allgemeine Einstellung, um die RAM-Vorschau und die Bildschirmaktualisierung zu halten , während Sie Ebenen reibungslos bewegen. Für das Projekt, das wir für diese Klasse erstellen werden, werden wir uns vorstellen, dass wir den Titelrahmen für eine Titelsequenz für eine coole neue TV-Show erstellen , wo Wölfe genannt How. Um diesen Titelrahmen zu erstellen, verwenden wir eine Kombination aus Videobildern, fotografischen Bildern und natürlich Typografie. Auf dem Weg werden wir über die Arbeit mit diesen verschiedenen Arten von Schichten sprechen. Wir werden auch versuchen, diesen Ebenen Animationseffekte hinzuzufügen, mit Mischmodi zu arbeiten und mit Anpassungsebenen zu arbeiten, zusammen mit vielen anderen guten Dingen. Lassen Sie uns eine RAM-Vorschau davon machen, wie Titel hier fertig ist, nur um eine Vorstellung davon zu bekommen, was wir erstellen werden. Wir haben hier einen lustigen Collage-Ansatz mit dem Zeitraffer-Video der Stars als Hintergrund. Diese Überlagerung dieses zu einem blutigen Rot getönten Mond-Fotografien und natürlich unsere Typografie für den Titel. Dies sollte eine lustige kleine Animation zu erstellen sein. Lasst uns eintauchen und loslegen. 3. Dateien importieren: Das erste, was wir tun wollen, ist natürlich, eine neue Komposition innerhalb unseres Projekts zu erstellen, unseren Titelrahmen zu erstellen. Gehen wir also zur Pull-Down-Menü-Komposition und wählen Sie Neue Komposition. Beachten Sie, dass wir auch die Befehlstasten verwenden können, Befehl N. Da ich auf einem Mac arbeite, werde ich MAC-Tastaturbefehle verwenden. Wenn Sie einen PC verwenden, denken Sie daran, dass Sie bei Verwendung der Befehlstaste die Strg-Taste verwenden, und wenn ich die Wahltaste verwende, verwenden Sie die Alt-Taste. Andernfalls sind alle anderen Tastaturbefehle grundsätzlich gleich. Gehen wir also weiter und wählen Sie „Neue Komposition“ und wir nennen es „HowlTitle“. Wir möchten die Voreinstellung verwenden. Meines ist dies bereits standardmäßig, weil ich es zuvor verwendet habe und After-Effects so ziemlich immer die Voreinstellung verwenden, die Sie vor dem Öffnen des neuen Kompositionsfensters hier verwendet haben. Aber überprüfen Sie einfach, dass Sie diese Voreinstellung genau hier verwenden, HDTV 1080 24, 24 Bilder pro Sekunde. Also wollen wir das wählen und dann wollen wir sicherstellen, dass unsere Dauer auf 10 Sekunden eingestellt ist. Denken Sie daran, dass unser Zeitcode hier Stunden, Minuten, Sekunden und Frames ist . Also wollen wir 10 in der zweiten Position hier. Nun, wenn Sie diese Klasse sofort nach meiner ersten Klasse in der Intro to After-Effects-Reihe ansehen . Dieser Wert wird sechs Sekunden lang auf 06 gesetzt, also sollten Sie den Wert 10 ändern. Mine ist bereits standardmäßig auf 10 gesetzt, weil ich den ersten fertigen HowlTitle erstellt habe. Das gilt nun auch für die Hintergrundfarbe. Möglicherweise haben Sie die violette Farbe, die wir in der vorherigen Klasse verwendet haben, oder eine andere Farbe, wenn Sie eine andere Farbe gewählt haben, wahrscheinlich eine gute Idee, dies auf sein Standardschwarz zurückzusetzen. Also denken Sie daran, auf das Farbfeld hier zu klicken, erhalten Sie Ihre Farbauswahl und ziehen Sie diese einfach in die Ecke, diese Ecke oder diese Ecke ist nicht wirklich wichtig, um sich voll schwarz zu geben. Wenn Sie also alle diese Einstellungen korrekt haben, gehen Sie weiter und klicken Sie auf „OK“. Nun, da ich hier eine fertige Version unseres Projekts habe, habe ich bereits alle diese Assets in das Projekt importiert, aber ich habe Kopien des Fotos und des Videos, damit wir den Importvorgang schnell überprüfen können. Ich werde dir auch in der nächsten Lektion einen coolen kleinen Trick zum Importieren zeigen. Lassen Sie uns also beginnen, indem Sie einfach eine dieser Dateien importieren. In der nächsten Lektion importieren wir die andere und ich zeige Ihnen diesen kleinen praktischen Trick. Denken Sie also daran, dass es ein paar verschiedene Möglichkeiten gibt, die wir importieren können. Ich kann entweder Befehl I verwenden, der das Importdialogfenster startet, oder ich kann hier in den leeren Bereich des Projektfensters doppelklicken. Das ist nicht so nützlich, wenn Sie ein sehr großes kompliziertes Projekt mit vielen und vielen Dateien haben. Aber solange das Projekt relativ klein ist und Sie hier etwas Leerraum haben, ist ein Doppelklick eine schnelle Möglichkeit, das zu starten. Eine weitere Möglichkeit besteht darin, mit der rechten Maustaste zu klicken und nach unten zu gehen und Importdatei All diese Dinge starten das gleiche Importdialogfeld und Sie können eine zu importierende Datei auswählen. Also lassen Sie uns voran und wählen Sie die Stars Timelapse Version 1 Filmdatei hier. Wir haben bereits die Version 00 importiert, also lasst uns einfach diese importieren. Also werden wir das auswählen und „Öffnen“ wählen, und wir werden diese Datei importieren. Beachten Sie, dass Sie, wenn die Datei ausgewählt ist, einige Informationen darüber erhalten. Die Bildrate, das Seitenverhältnis, seine Dauer, Farbinformationen, Komprimierungsinformationen. Je nachdem, welche Art von Datei es ist, Bilddatei hier erhalten wir nur Größeninformationen, Farbinformationen, erhalten Sie einen anderen Satz von Informationen. Jetzt habe ich auch eine Bibliotheksdatei für die beiden Farben, die wir verwendenwerden, die Textfarbe und die Farbe, die wir den Mond färben werden, enthalten die beiden Farben, die wir verwenden . Es ist wirklich nicht notwendig, dass Sie diese genauen Farben verwenden, aber wenn Sie genau mit der Klasse folgen möchten, können Sie diese Bibliotheksdatei importieren, indem Sie in das Bibliotheksfenster gehen undhier auf die Schaltfläche Menü klicken, hier auf die Schaltfläche Menü klicken, Wählen Sie „Bibliothek importieren“, erhalten Sie dieses kleine Dialogfeld. Klicken Sie auf „Bibliothek auswählen“, um den Speicherort Ihres Footageordners auszuwählen. Dann können Sie die Aeclas2-Bibliotheksdatei auswählen und auf „Öffnen“ klicken. Aber wieder, wirklich nicht so notwendig in diesem speziellen Fall, weil es wirklich nur zwei Farben und Sie können einfach spielen und wählen Sie die Farben, die Sie wollen. Nun, bevor wir anfangen, das alles zusammen zu setzen, müssen wir immer noch unsere Bilddatei des Mondes importieren, aber wir wollen auch anhalten und eine Minute dauern und unser Projektfenster ein wenig organisierter machen. Sehen wir uns das in der nächsten Lektion an. 4. Projektfenster: Jetzt, da wir hier arbeiten, vergessen Sie nicht, oft zu sparen. Möglicherweise möchten Sie sogar einmal inkrementieren und speichern. Nur um die Dinge in diesen Videos in Bewegung zu halten, werde ich wahrscheinlich meine spart eine Menge Zeit bearbeiten. Aber vergiss nicht, wie du jedes Mal arbeitest, wenn du ein paar Dinge machst. Einfach „Command S“ zu speichern, nur um sicher zu sein. Ich habe im ersten Intro zur After-Effects-Klasse darüber gesprochen , wie wichtig es ist, organisiert zu bleiben, wenn du arbeitest. Wir erstellen relativ einfache Projekte für diese Klassen, aber fortgeschrittene After-Effects-Projekte können sehr schnell sehr kompliziert werden. Organisiert zu bleiben ist kritisch und eine Gewohnheit, die Sie früh entwickeln möchten. Wir haben in der First Class einiges darüber gesprochen, in Ihrem Timeline-Fenster organisiert zu bleiben , indem wir Ihre Ebenen benennen und sie farblich codieren. Aber wir wollen auch in unserem Projektfenster organisiert bleiben. Glücklicherweise bietet After-Effects eine Finder-ähnliche Ordnerstruktur, die das einfach macht. Beachten Sie, dass das Projektfenster in vielerlei Hinsicht wie ein Finder ist. Sie können bereits sehen, dass es hier einen Ordner, den Volumenkörperordner, und wir werden später mehr über Volumenkörper und Einstellungsebenen sprechen. Aber Sie können sehen, dass es in diesem Volumenkörperordner einen Volumenkörper und eine Anpassungsebene gibt, die tatsächlich durch Nachwirkungen erstellt wurde. After-Effects versucht automatisch, dort ein wenig organisiert zu halten. Aber da wir Dateien importiert und Kompositionen erstellt haben, stapeln sie sich einfach in diesem Fenster, während wir sie erstellen. Aber wir können auch Ordner in hier erstellen, um die Dinge ein wenig mehr organisiert zu halten. Es gibt zwei Möglichkeiten, Ordner zu erstellen. Ich kann entweder zum unteren Rand des Fensters gehen und dort einen neuen Ordner erstellen auswählen, oder wieder, ich kann hier mit der rechten Maustaste klicken und „Neuer Ordner“ auswählen. Lassen Sie uns diesen Ordner Audio nennen. Ziehen wir unsere Audiodatei in diesen Ordner. Jetzt haben wir hier nur eine Audiodatei, aber es ist immer noch eine gute Idee, Ordner für die verschiedenen Arten von Assets und Filmmaterial zu erstellen , die Sie haben, um die Dinge organisiert zu halten. Ich werde klicken und ziehen Sie diese Audiodatei in diesen Audio-Ordner. Dann machen wir hier eine für unsere Videodateien. Ich werde mit der rechten Maustaste auf neuen Ordner klicken und wir rufen dieses Video an. Wir klicken und ziehen unsere beiden Videodateien in diesen Ordner. Dann machen wir einen Bild-Ordner und ziehen unseren Mond in diesen Bilderordner. Jetzt können Sie auch, wenn Sie beginnen, viele Kompositionen zu sammeln, können Sie einen Ordner oder einen Precomp-Ordner erstellen. Wir werden jetzt über Precomps in einer kommenden Klasse reden, weil wir nur ein paar haben, ich werde diese frei schweben lassen. Aber sofort haben wir einen viel organisierteren Arbeitsbereich hier in unserem Projektfenster. Ich habe dir einen lustigen kleinen Trick versprochen. Wir haben unser Mondbild noch nicht importiert. Wieder erkenne ich, dass wir hier ein Mondbild haben. Ich stelle mir nur vor, dass wir das von Grund auf neu bauen. Wenn Sie Ordner erstellt haben und Ihre Arbeit auf diese organisierte Weise. Sie können tatsächlich direkt in diese Ordner importieren, was ziemlich praktisch ist. Wir werden das andere Mondbild hier importieren und wir wollen, dass es in den Bilderordner geht. Wenn ich zuerst den Bilderordner auswähle und dann den Befehl i zum Importieren drücke, bekomme ich hier meinen Importdialog und wir können diesen Mond jpg auswählen. Jetzt werde ich hier nur für einen Moment anhalten, weil es ein wichtiges Kontrollkästchen gibt , das wir deaktivieren müssen, bevor wir das importieren. Das liegt daran, dass wir hier zwei jpgs namens Moon-v00 und Moon-v01 haben. Dies ist eine ziemlich häufige Sache, dass Sie möglicherweise ein paar Bilder mit ähnlichen Namen oder unterschiedlichen Zahlen zu ihnen haben. Es gibt eine kleine Fallstricke hier, in die Sie gehen, um zu fallen, wenn Sie nicht vorsichtig sind, kann einige echte Verwirrung mit beginnenden After-Effects-Benutzer verursachen. Sehen Sie, was passiert, wenn ich Moon Version 1 jpg wähle. Beachten Sie, dass hier unten unten, es überprüft automatisch diesen Importer jpg-Sequenz. Was das bedeutet, ist, dass es diese beiden Dateien als Bildsequenz liest. Bildsequenzen sind im Grunde eine Möglichkeit, eine Sequenz von Bildern wie einen Film, eine Videodatei, einzubringen . Aber das wollen wir nicht. Wir wollen nur ein Standbild von diesem jpg. Wir werden das nicht bekommen, wenn Importer jpg-Sequenz überprüft wird. Es ist wirklich wichtig, immer danach zu suchen denn je nachdem, wie Sie Ihre Dateien benennen und organisieren, kann dies manchmal standardmäßig überprüft werden, da After-Effects bemerken, dass es zwei ähnlich benannte Dateien mit einer Zahl Sequenz. Es vermutet, dass wir wollen, dass dies eine Bildsequenz ist. Es ist wieder, diese Sache der Nachwirkungen, versuchen, klug und hilfsbereit zu sein, was oft wirklich großartig ist. Aber manchmal wie bei Auto-Korrektur, wenn Sie SMS, kann irritierend sein. Wir wollen sicherstellen, dass ein Deaktivieren Importer jpg Sequenz. Behalten Sie das im Auge, wenn Sie Bilder importieren, stellen Sie sicher, dass das deaktiviert ist, es sei denn, Sie möchten, dass es sich um eine Bildsequenz handelt, was bedeutet, dass es sich einen kleinen Videoclip aus Ihrer Sequenz von Bildern, können Sie dies tun, wenn Sie beispielsweise eine Sequenz von handgezeichneten Animationen in Photoshop erstellen und diese dann in After-Effects importieren. Aber in diesem Fall wollen wir es nicht aktivieren. Wir importieren nur ein einfaches altes jpg-Bild. Jetzt gehen wir weiter und schlagen auf. Sie werden feststellen, dass, weil wir den Ordner ausgewählt haben, bevor wir „Befehl I“, oder das Pull-Down-Menü. Es importiert automatisch direkt in diesen Ordner , der wirklich glatt ist. Jetzt funktioniert das nicht mit der rechten Maustaste. Das wird nicht funktionieren. Wenn Sie diese Option ausgewählt haben, wird sie automatisch vom Ordner entfernt. Wenn Sie den Ordner ausgewählt haben, müssen Sie entweder Befehl I oder das Pulldown-Menü Datei importieren verwenden. Natürlich empfehle ich Ihnen, die Tastenbefehle zu verwenden, die Sie mit möglichst vielen Tastenbefehlen so komfortabel wie möglich machen möchten , um Ihren Workflow professioneller und effizienter zu gestalten. Jetzt, da wir unser Projektfenster ordentlich und organisiert haben, sind wir bereit, unser Projekt zu bauen. 5. Mit Video arbeiten: Beginnen wir mit dem Erstellen unseres Hintergrunds. Wir werden das mit einem Stars Zeitraffer-Video machen. Lasst uns Tab öffnen unsere Video-Ordner hier im Projektfenster und lasst uns Sterne Zeitraffer Version 1 schnappen. Wir werden nur klicken und ziehen das direkt nach unten und legen es in unsere Timeline. Wir wollen sicherstellen, dass wir das direkt nach unten in diesen Layer-Stapelbereich ziehen, nicht in die Timeline selbst, weil es dort platziert würde, wo wir es entlang der Timeline setzen und wir wollen, dass es direkt bei Frame 0 beginnt. Wir wollen klicken und ziehen Sie das gerade nach unten. Lassen Sie uns sofort diese Ebene nennen, weil dieser Name hier lang und unhandlich ist. Wieder einmal, um organisiert zu bleiben, werden wir die „Return“ -Taste drücken und wir werden diese BackgroundStars nennen. Sobald wir ein paar weitere Ebenen hier drin haben, werden wir sie auch farblich codieren. Auch wenn dies kein sehr kompliziertes Projekt ist, ist es immer gut, diese guten organisatorischen Gewohnheiten aufrechtzuerhalten. Beachten Sie, dass unser Videoclip hier so wiedergegeben wird, wie wir es erwarten würden. Ich kann auf die Videodatei klicken und ziehen, um sie rechtzeitig auf der Timeline hin und her zu verschieben. Ich kann auch den In- und Out-Punkt der Ebene auswählen, indem ich die Kanten des Clips so anklicke und ziehe. Es gibt noch einige andere Möglichkeiten, Videos mit einem Nacheffekt zu bearbeiten , aber wir werden nicht zu tief in das mit dieser speziellen Klasse eintauchen. Eine große Idee, über Video zu beachten, ist, wenn Sie eine Menge Videobearbeitung durchführen müssen, Sie wirklich Adobe Premiere verwenden möchten. After Effects ist wirklich keine gute Videobearbeitungssoftware. Sie können einige Videobearbeitung in After Effects durchführen, aber es ist nicht wirklich dafür gemacht. Einer der Hauptgründe ist, dass jeder Videoclip, den Sie mitbringen, eine separate Ebene einnehmen muss. So können Sie nicht, zum Beispiel, sondern mehrere Videoclips zusammen innerhalb einer Ebene. Also sage ich den Schülern immer, dass After Effects bei fast allem großartig ist , aber eines der Dinge, die sehr schlecht sind, ist die Videobearbeitung, besonders komplexe Videobearbeitung. Wenn Sie ein Video kompliziert bearbeiten müssen , bevor Sie sagen, Effekte oder Animationen hinzufügen, möchten Sie dies in Adobe Premiere tun und das Rendering dann in After Effects importieren. Aber wir müssen hier keine komplizierte Bearbeitung vornehmen. Nun, die andere Sache, die ich möchte, dass Sie zu diesem Videoclip, den wir zu unserer Timeline hinzugefügt haben, beachten diesem Videoclip, den wir zu unserer Timeline hinzugefügt haben, Sie, dass es tatsächlich einen Ankerpunkt in der Mitte hat. Wenn ich es öffne, gibt es unsere Registerkarte „Transformation“ und es gibt unsere Transformationen, sie sind alle für uns verfügbar, alle animierbar, genau wie unsere Formebenen waren. Wenn Sie sich von der ersten Klasse erinnern, sagte ich, dass fast jede Ebene und After Effects diese Eigenschaften zur Verfügung hat. So kann ich skalieren und drehen und ich kann alles tun , was ich mit jeder anderen Ebene mit dieser Video-Ebene tun kann. Aber wir werden nichts ganz so verrücktes damit machen. Wir werden das ziemlich einfach halten, aber wir haben ein Problem hier, das ist, dass unser Videoclip nur acht Sekunden und 11 Frames ist und wir brauchen, dass dies 10 Sekunden hier für unseren Titelrahmen sein. Ähnlich wie Adobe Premiere haben wir die Möglichkeit, das Timing eines Videoclips zu ändern. Was wir hier tun müssen, ist, das von acht Sekunden auf 10 Sekunden zu dehnen, was das Video nur ein wenig verlangsamen wird, aber wahrscheinlich nicht genug, was wir sogar besonders bemerken würden. die Ebene ausgewählt ist, gehe ich nach oben zu Ebene, Zeit und wir werden Zeit Stretch wählen. Nun, nur um Ihnen einen etwas alternativen Weg zu zeigen, dies zu tun. Wenn Sie das Pull-Down-Menü von oben nicht verwenden möchten, was ein bisschen mehr Zeit ist, um dort nach oben zu gehen, können Sie auch einfach mit der rechten Maustaste auf die „Ebene“ selbst klicken. Dies ist ein wenig direkter und Sie haben die meisten Optionen zur Verfügung, die Sie im Layer-Pulldown-Menü haben. Klicken Sie also mit der rechten Maustaste auf Zeit, Zeitstrecken Dies ist ein praktischer kleiner Effekt, der uns erlaubt, einen Clip in der Zeit zu dehnen und wir können es auf ein paar verschiedene Arten tun; wir können es entweder mit einem Prozentsatz tun, so dass wir es doppelt so schnell oder doppelt so langsam oder halb wieder so schnell machen können oder halb wieder so langsam oder was auch immer wir tun wollen. Oder wir können einfach eine neue Dauer festlegen, entweder kürzer oder länger. Wir können es auch halten oder fixieren, entweder am Layer-In-Punkt, Aktueller Frame oder am Layer-Out-Punkt. Wir wollen es hier an Ort und Stelle am Layer In-Punkt halten , aber wir wissen, dass es 10 Sekunden lang sein muss. Anstatt zu versuchen, dies mit einem Prozentsatz zu ermitteln, werden wir nur 10 Sekunden lang eingeben, dann klicken wir auf „OK“ und Sie können sehen, dass der Clip automatisch auf genau 10 Sekunden gestreckt wird. Wenn wir es hier mit einer Ram-Vorschau abspielen, ist es vielleicht etwas langsamer als der ursprüngliche Clip war, aber das wird tatsächlich zu unserem Vorteil funktionieren, da wir versuchen, diese gespenstische atmosphärische Stimmung zu schaffen. Nun möchten Sie vorsichtig mit der Zeitdehnung sein, besonders wenn Sie einen Clip länger dehnen als er ist. Wenn Sie es zu viel dehnen, werden Sie anfangen, tatsächlich die einzelnen Frames zu sehen und es wird stotternd. Aber eine kleine Strecke wie diese wird wirklich nicht sehr auffällig sein. den Clip kürzer machen, wird es natürlich beschleunigen und Sie können das wirklich so viel, wie Sie wollen. Beachten Sie jedoch, dass je mehr Sie es komprimieren, es beginnt, Frames zu löschen, sodass Sie nicht jeden einzelnen Frame in Ihrem Clip sehen. Jetzt haben wir unseren Videoclip an Ort und Stelle, und wir haben ihn auf 10 Sekunden gestreckt. Schauen wir uns als nächstes an, einige Effekte zu dieser Ebene hinzuzufügen , damit sie für unseren Titelrahmen besser funktioniert. 6. Effekte zu Ebenen hinzufügen: After Effects genau wie Photoshop, hat Tonnen von Effekten, die wir auf Ebenen hinzufügen können, um sie auf verschiedene Arten zu ändern. In dieser Klasse werden wir uns nur ein paar Effekte ansehen. Es gibt keine Möglichkeit, dass ich Sie durch jeden einzelnen Effekt im Menü führen könnte. Du wirst es auf eigene Faust erkunden wollen. Aber schauen wir uns die Grundlagen an, wie man einen Effekt hinzufügt und einen Effekt anpasst. Es gibt zwei Möglichkeiten, einen Effekt zu einer Ebene hinzuzufügen. Wenn die Ebene ausgewählt ist, kann ich unter Effekt nach oben gehen. Dann sehen Sie dieses riesige Menü mit Untermenüs mit all den verschiedenen Effekten, die wir hier in After Effects zur Verfügung haben. Wenn Sie mit Photoshop vertraut sind, sind viele von ihnen ähnlich, aber es gibt einige verschiedene, und einige von denen, die Sie vielleicht vertraut sind, funktionieren vielleicht ein wenig anders, aber Sie werden definitiv einige bemerken alten Favoriten, wenn Sie es gewohnt sind, Effects in Photoshop zu verwenden. Die erste, die wir hier verwenden werden, ist die Farbbalance HLS, oder Farbton, Leichtigkeit und Sättigung. die Ebene ausgewählt ist, wählen wir einfach diesen Effekt, und er fügt den Effekt automatisch zur Ebene hinzu. Jetzt werden wir uns die zweite Möglichkeit ansehen, einen Effekt in nur einer Sekunde hinzuzufügen. Lassen Sie uns ein paar Dinge notieren. Beachten Sie zunächst, dass ein neues Fenster aufgetaucht ist, das Effektsteuerungsfenster hier oben mit den Effektsteuerelementen in ihnen. Beachten Sie, dass es standardmäßig als Registerkarte im selben Fenster angezeigt wird, in dem sich unser Projektfenster befindet. Ich kann das Projektfenster kaum sehen, aber wenn ich darauf klicke, gibt es die Registerkarte dafür. Wenn Sie nicht wirklich sehen und klicken Sie auf die Registerkarte „Projekt“, klicken Sie einfach auf diese beiden kleinen Pfeile hier und Sie können sehen, dass Sie zwischen den beiden Registerkarten in diesem einen Fensterbereich hier hin und her wählen können . Beachten Sie aber auch, dass auf der Ebene selbst, wenn ich die Ebene öffne, beachten Sie, dass eine neue Registerkarte hinzugefügt wurde, die Registerkarte Effekte. Wenn ich das öffne, gibt es meine Farbbalance, HLS. Wenn ich das öffne, hier sind die gleichen genauen Steuerelemente, die hier oben verfügbar sind, und sie sind genau die gleichen. Sie können sie hier entweder anpassen oder Sie können sie hier anpassen. Beachten Sie nun auch, dass diese Steuerelemente alle Stoppuhren neben ihnen haben. Sie sollten sich daran erinnern, was das bedeutet, dass diese alle animierbar sind, genau wie unsere fünf Eigenschaften Dies ist einer dieser Aspekte von After Effects, der extrem mächtig ist. Fast alles ist animierbar, einschließlich der Eigenschaften auf Effekte. Wenn Sie nun eine Eigenschaft für einen Effekt animieren, neigen Sie dazu, sie hier unten in der Zeitleiste zu verwenden, da Sie Keyframes usw. erstellen werden , als ob Sie eine andere Ebene animieren würden. Wenn Sie nur die Parameter anpassen und nicht unbedingt animieren, sollten Sie stattdessen das Effektsteuerungsfenster verwenden, nur weil es ein wenig größer und ein wenig einfacher zu erreichen ist, müssen Sie nicht auf geöffnete Registerkarten in um es zu bekommen, aber so oder so wird funktionieren. Werfen wir einen Blick auf die andere Art und Weise, Effekte zu einer Ebene hinzuzufügen. Um das zu tun, lassen Sie uns tatsächlich entfernen unsere Wirkung und dann werden wir auch lernen, wie man einen Effekt entfernt. Beachten Sie, dass der Name des Effekts ausgewählt ist, dieses weiße Feld um ihn herum. Wenn ich wegklicke, klicke in diesen leeren Bereich, der den Effekt aufhebt, aber wenn ich den Effekt auswähle und dann einfach die Taste „Löschen“ drücke, verschwindet dieser Effekt. Wie sonst können wir einer Ebene Effekte hinzufügen? Der andere Weg, der vielleicht ein wenig effizienter ist wenn Sie wissen, nach welchem Effekt Sie suchen, besteht darin, bei ausgewählter Ebene direkt hier in dieses Fenster zu gehen, Effekte und Voreinstellungen, und Sie können entweder durch die -Effekte. Da ist unsere Farbbalance, HLS. Beachten Sie, dass es hervorgehoben ist, weil es das neueste ist, das wir verwendet haben. Oder Sie können dieses kleine Suchfenster wieder verwenden, wenn Sie den Namen des Effekts kennen, den Sie suchen, oder vielleicht die Art von Effekt, die Sie suchen , und Sie können einige andere Suchbegriffe ausprobieren. Wenn wir hier eintippen, Farbe und einfach anfangen, ausgewogen durch die Zeit, die wir zu L bekommen, können Sie sehen, es kommt mit den beiden Farbbalance Effekten. Die eine, natürlich wollen wir Farbbalance HLS. Jetzt, mit der ausgewählten Ebene, muss ich nur darauf doppelklicken und den Effekt automatisch auf die Ebene hinzufügen, genau wie wir es zuvor getan haben. Nun, noch etwas zu beachten, bevor wir hier viel weiter gehen , ist, dass ich einer Ebene so viele Effekte hinzufügen kann, wie ich möchte. Sie können diese stapeln. Wir könnten auch einen Unschärfe-Effekt hinzufügen, und dann könnten wir einen Verzerrungseffekt hinzufügen. Sie werden feststellen, dass sie sich einfach stapeln, es ist auch wichtig, es zu wissen, und wir werden nicht zu tief in das mit diesem bestimmten Projekt eingehen , aber die Reihenfolge der Effekte ist wirklich wichtig. After Effects verarbeitet jeden Effekt in der Reihenfolge, dies ist besonders wichtig, wenn Sie mit Farbeffekten zu tun haben. So können Sie die Reihenfolge der Effekte neu anordnen, indem Sie auf sie klicken und sie nach oben und unten ziehen und Sie können die Reihenfolge ändern, die wiederum sehr wichtig sein kann, je nachdem, welche Arten von Effekten Sie verwenden. Aber für jetzt, lassen Sie uns einfach voran und löschen Sie alle außer unsere Farbbalance HLS. Wir haben Wölbung ausgewählt, lassen Sie uns das löschen. Bilaterale Unschärfe, lassen Sie uns das löschen und kehren Sie einfach zu unserer Farbbalance zurück, HLS. Nun, was ich mit unserer Wirkung hier machen möchte, ist, dass ich das etwas dunkler machen möchte. Ich möchte versuchen, den Himmel ein bisschen mehr in Richtung Mitternachtsblau zu schieben. Ich fange mit dem Hue-Zifferblatt an. Nun, der Farbton ist wirklich mächtig, weil er im Grunde nur die gesamte Farbtonbasis des Bildes verschiebt. Während ich das dreht, können Sie sehen, dass ich meinen Himmel fast jede Farbe machen kann, die ich will. Nun, wir wollen nichts ganz so albern , dass ich das nur ein bisschen mehr in Richtung Mitternachtsblau verschieben möchte. Ich werde das nur ein bisschen unterstützen. Das ist wahrscheinlich ein bisschen zu weit. Das sieht gut aus, genau um minus 10 Grad auf dem Hue-Zifferblatt. Aber es ist auch ein wenig zu hell. Wir wollen auch, dass dies wieder ein gespenstisches atmosphärisches Gefühl verleiht, ein wenig dunkler wird. Lassen Sie uns die Leichtigkeit ein wenig nach unten anpassen und das nur verdunkeln. Nun, da ich das verdunkelt habe, ist es etwas grau geworden. Also möchte ich die Sättigung ein wenig steigern, um einige dieser Farben zurück zu bringen. Lassen Sie uns diese Sättigung nur ein bisschen mehr kriechen, so dass unsere Farbe ein bisschen reicher ist. Bevor wir weitermachen, lassen Sie uns einfach notieren, was wir mit diesem Effekt gemacht haben. Beachten Sie den kleinen FX-Button hier. Das ist eigentlich ein kleiner Knopf. Ich kann darauf klicken und einfach sehr schnell den Effekt ein- und ausschalten. Sie können sehen, dass wir ein tieferes satteres Blau haben, es fühlt sich etwas dunkler und stimmungsvoller an. Gehen wir zur nächsten Lektion über und fügen unser Mondbild hinzu. 7. Bildebenen und Mischmodi: Kehren wir hier zu unserem Projektfenster zurück. Schließen wir unseren Video-Ordner-Tab und öffnen Sie unsere Registerkarte Bilder. Lassen Sie uns auf unser Mondbild klicken und ziehen Sie es noch einmal geradeaus nach unten und setzen Sie es auf, nicht unter, sondern auf unsere Hintergrundsterne. Jetzt ist dieses Mondbild riesig, 2400 mal 2400 Pixel, was großartig ist. Das bedeutet, dass wir viel damit machen können. Beginnen wir mit der Umbenennung unserer Ebene. Ich werde nur den letzten Teil des Namens hier löschen. Jetzt eine wirklich schnelle Notiz über Layer-Benennung. Wir haben die Namen dieser beiden Layer geändert, und wir betrachten sie als Layer-Namen, aber ihre Quelle, die verknüpfte Asset-Datei hat sich nicht geändert. Wenn ich hier klicke, wo es heißt Layer-Name, klicken Sie, Ich ändere es in Quellname und Sie können sehen, die ursprünglichen Namen sind immer noch hier. Mit anderen Worten, die Quelle dieser Ebene ist Mond Version eins JPEG. Die Ebeneninstanz dieses Mondes wird Mond genannt. Ich könnte mehr als eine Instanz desselben Vermögens in diesem Projekt haben, wenn ich will, ich könnte drei verschiedene Monde haben und sie Mond 1, 2, 3 nennen. Aber ihre Quelle wird alle das gleiche JPEG sein. Nun lasst uns die Größe dieses Mondes ein wenig nach unten bringen. Es ist deutlich größer, als wir es brauchen. Wieder einmal, wenn wir unsere Transformationen öffnen, haben wir unsere üblichen fünf Transformationen, genau wie wir es erwarten würden. Lassen Sie uns das etwas skaliert bringen. Nur damit wir sehen können, was wir tun. Wir werden es relativ groß halten. Und wir versuchen hier nicht, ein realistisches Himmelbild zu schaffen. Wir schaffen mehr Collage-Effekt. Sie werden auch bemerken, dass um dieses Bild des Mondes ist schwarz. Jetzt wollen wir das Schwarz natürlich nicht sehen. Wir wollen nur den Mond allein, und wir wollen ihn mit dem Hintergrund mischen, um diesen Collage-Look zu kreieren. Um dies zu tun, werden wir einen Mischmodus verwenden. Wenn Sie mit Photoshop vertraut sind, sollten Sie mit Mischmodi sehr vertraut sein. Aber wenn Sie mit Photoshop nicht vertraut sind und noch nicht mit Mischmodi gearbeitet haben. Mischmodi sind im Wesentlichen Möglichkeiten, verschiedene Arten von Transparenzbeziehungen zwischen Layern zu erstellen . Wir haben unsere grundlegende Deckkraft, und nur indem wir diese nach unten drehen, schaffen wir eine Beziehung zwischen dieser Ebene und dieser Ebene. Mischmodi können jedoch eine komplexere Beziehung zwischen zwei verschiedenen Ebenen erzeugen. Die Mischmodi sind hier in der Spalte Modus verfügbar. Aus irgendeinem Grund sehen Sie die Spalte „Mode“ nicht, wenn Sie die Spalte „Schalter“ sehen, die so aussieht, klicken Sie einfach auf diese kleine Schaltfläche unten am unteren Rand Ihrer Timeline, schalten Sie Schalter und Modi und das wird den Modus -Spalte. Sie können jetzt sehen, dass die Modi dieser Ebenen auf normal eingestellt sind. Wenn ich auf dieses kleine Pull-Down-Menü klicke, können Sie alle verschiedenen Mischmodi sehen. Jetzt noch einmal, ich werde keine Zeit haben, alle verschiedenen Mischmodi mit dir zu durchlaufen . Sie sind in Gruppen zusammengefügt, und innerhalb jeder Gruppe machen die Mischmodi etwas Ähnliches, aber es gibt eine Menge von ihnen. Sobald Sie den allgemeinen Charakter jeder Gruppe kennen lernen, können Sie mit den verschiedenen Mischmodi in verschiedenen Situationen herumspielen. Aber um Ihnen zu helfen, haben wir auch für die Klasse aufgenommen, die wirklich gute Arbeit macht, zu erklären, was jeder Mischmodus tut. Es hat eine schöne kleine Bildreferenz für jeden. also sicher, und laden Sie das herunter und überprüfen Sie das, wenn Sie nicht mit der Arbeit mit Mischmodi vertraut sind. Aber in diesem speziellen Fall, weil wir einen schwarzen Hintergrund haben, den wir im Grunde ausschlagen wollen. Wir werden hier einen der Modi in der Add-Gruppe verwenden. Die dunkle Gruppe oder Multiplikationsgruppe. Multiply ist einer der beliebtesten und gebräuchlichsten Mischmodi. Diese Gruppe wird im Grunde alles machen, was weiß oder hell, transparent ist , und es wird mehr oder weniger transparent machen , je nachdem, wie nah an Weiß es ist. Wenn es zu 100 Prozent weiß ist, wird es zu 100 Prozent transparent sein. Also, nur um das zu sehen, werde ich hier multiplizieren wählen. Sie können sehen, dass alle hellen Bereiche des Mondes durchsichtig sind und die dunklen Bereiche noch undurchsichtig sind. Dies ist sehr effektiv, wenn Sie ein Bild mit weißem Hintergrund haben und diesen weißen Hintergrund ausschalten möchten. Aber es schafft auch Transparenz durch das ganze Bild, je nachdem, wie hell es ist. Aber wir wollen das Gegenteil tun, also werden wir einen der Mischmodi in der Add-Gruppe hier verwenden, ich werde nur add verwenden, und wenn wir das wählen, beachten Sie, dass es alle die dunklen Bereiche und macht diese transparent und wenn es zu 100 Prozent schwarz ist, macht es es zu 100 Prozent transparent. Sie können sehen, dass das Schwarz verschwindet. Wir haben im Wesentlichen unseren Mond ausgeschnitten, aber wir können auch durch die dunkleren Bereiche innerhalb des Mondes sehen. Es ist nicht so, als hätten wir den Mond genau ausgeschnitten, aber wir haben diesen schwarzen Hintergrund weggeschlagen und jetzt haben wir eine coole Mischung zwischen Mond und Hintergrund. Lassen Sie uns nun unseren Mond ein wenig positionieren und die Skala anpassen und dann ändern wir seine Farbe mit einem Effekt. Wir wollen diesen Mond in der oberen Ecke hier. Da das Bild ein schönes sauberes Quadrat ist, haben wir unseren Ankerpunkt automatisch direkt in der Mitte, und was ich tun möchte, ist, dass ich das an der Ecke unseres Rahmens einrasten möchte. Ich werde den Mond in Richtung der Ecke des Rahmens bewegen und dann, wenn ich in Richtung der Kante komme, werde ich die Befehlstaste gedrückt halten. Was die Befehlstaste tun wird, ist eingreifen, einrasten. Jetzt ist es vorgegeben, hier nicht mehr engagiert zu sein, und ich kann das überprüfen, um es die ganze Zeit zu aktivieren. Aber es ist ein wenig einfacher, einfach die Befehlstaste zu verwenden, um das Fangen ein- und auszuschalten, für die Situationen, in denen Sie es brauchen. Es wird an den Kanten oder den Ankerpunkten anderer Ebenen gefangen. In diesem Fall wird es an der Ecke unseres Videobilds rasten. Während ich mich in Richtung der Ecke des Videobilds bewege, werde ich die Befehlstaste und den Boom gedrückt halten, er schnappt diesen Ankerpunkt direkt an dieser Ecke, was wirklich praktisch ist. Nun lasst uns auch die Größe des Mondes ein wenig nach oben bringen. Ich werde es auf etwa 85 Prozent setzen. Wir werden die Skala ein wenig später animieren. Es wächst also in den Rahmen, aber wir werden es auf 85 Prozent setzen, um es etwa auf halbem Weg zu bringen. Wieder, weil wir versuchen, dieses gespenstische atmosphärische Gefühl für unsere Werwolf-Show zu schaffen . Wir wollen, dass unser Mond dunkel ist, und wir wollen, dass er blutig ist, ein Blutmond. Um dies zu tun, werde ich den Mond färben. Wir werden einen Effekt verwenden, der Tönung genannt wird. Mit dem Mond ausgewählt, werde ich unter Effekten und Voreinstellungen gehen, und ich werde tippen, Tönung. Da ist unsere Tönung unter Farbkorrektur. Ich werde darauf doppelklicken. Was Tönung tut, ist im Grunde nehmen Sie das Bild und tatsächlich, nehmen wir den Mischmodus vorübergehend hier aus. Wir legen es wieder an. Lassen Sie uns vorübergehend den Mischmodus ausschalten, damit wir sehen können, was passiert. Wenn Sie also den Farbton hinzufügen, schalte ich ihn aus und dann ein, es ordnet im Grunde das Bild von Schwarz nach Weiß zu zwei Farben zu, und es wird standardmäßig das Schwarz auf Schwarz und das Weiß auf Weiß zuordnen, was im Wesentlichen schaltet das Bild schwarz und weiß. Jetzt mit Tönung können Sie jede gewünschte Farbe in diese beiden Kanäle einfügen, um einen beliebigen Effekt zu erzeugen. Aber wir wollen nur, dass sich dieser Mond blutig anfühlt. Ich werde hier den Reset-Button drücken, er wird auf die Standardwerte zurückgesetzt. Das erste, was wir tun möchten, ist, das Schwarz in Ruhe zu lassen weil wir diesen Mischmodus verwenden. Wir wollen das Schwarz so lassen, wie es ist, weil wir das rausschlagen wollen. Wenn wir hier eine Farbe einfügen, wird der Mischmodus hinzufügen das nicht auslöschen. Schauen wir uns das einfach mal an, damit wir es verstehen. Dort haben wir den Blackout geschlagen. Wenn ich eine Farbe reinsetze, dann klopft das plötzlich nicht mehr aus, weil es nicht rein schwarz ist. Also wollen wir das nicht, wir wollen das schwarz lassen. Alles, was wir tun werden, ist, etwas Farbe ins Weiß zu setzen. Jetzt noch einmal, ich habe bereits eine Farbe für den Mond erstellt, aber Sie können gerne jede Farbe hinzufügen, die Sie wollen. Also, wenn ich hier auf das Weiß klicke, bekommen wir unseren Farbwähler und Sie können mit verschiedenen Arten von roten, Blutmondfarben experimentieren . Die Farbe, die ich wählte, war ein Versuch, die verrückten Wolken oder Aurora Borealis zu passen. Ich weiß nicht wirklich, was das ist, auf der anderen Seite hier. Ich wollte, dass diese Farben übereinstimmen. Ich ging voran und benutzte diese Farbe hier, um eine Beziehung zwischen diesen zu schaffen. Aber wieder, Sie können absolut frei wählen, welche Farbe Sie wollen. Also haben wir unseren Mond wirklich cool aussehen lassen. Jetzt sind wir bereit, ihm etwas Animation zu geben. 8. Den Mond animieren: Jetzt haben wir ziemlich viel in der ersten Klasse in der Serie gesprochen, über Leichtigkeit und darüber, wie fast nichts in der Natur ohne irgendeine Art von Leichtigkeit oder Leichtigkeit in bewegt. In der überwiegenden Mehrheit der Zeit, wenn wir animieren, setzen wir Leichtigkeit auf unsere Animation. Aber es gibt bedeutende Zeiten, in denen wir uns entscheiden könnten , keine Leichtigkeit zu verwenden und stattdessen lineare Bewegungen zu verwenden. Eine dieser Zeiten ist, wenn wir wollen, dass eine Bewegung als kontinuierlicher Schwimmer oder Drift ohne Anfang oder Ende erscheint . Ein gutes Beispiel dafür wäre die Bewegung unseres Mondes. Wir wollen so tun, als wäre der Mond nur in ständiger Bewegung in unserer Szene. Wir wollen nicht sehen, dass es sich bewegt, und wir wollen nicht sehen, dass es aufhört, sich zu bewegen. Wir wollen nur sehen, dass es ständig schwebt und driftet. Um das zu tun, wollen wir keine Leichtigkeit verwenden, denn die Leichtigkeit würde uns den Beginn der Bewegung zeigen, wenn sie sich entspannt, und das Ende der Bewegung, wenn sie sich entspannt. Beachten Sie, dass die Sterne in unserem Zeitraffer-Filmmaterial keine Lockerung machen, sie sind in Bewegung, wenn der Schuss beginnt, und sie sind immer noch in Bewegung, während wir am Ende schneiden. Wir wollen das gleiche Gefühl mit unserem Mond, also beginnt die Bewegung am Anfang der Szene und bewegt sich bis zum Ende. hier bei Frame 0, Beginnen wirhier bei Frame 0,indem wir hier einen Rotationsschlüsselrahmen hinzufügen, nur bei Null Rotation. Also werden wir zuerst den Mond ein wenig drehen lassen. Dann gehen wir den ganzen Weg bis zum Ende unserer Komposition, und lassen Sie uns einfach eine Rotation hinzufügen. Wir möchten, dass sich diese in die gleiche Richtung dreht, in der sich unsere Sterne bewegen, also wollen wir, dass sie sich gegen den Uhrzeigersinn dreht. Ich werde nur minus 25 eingeben, nur um etwa ein Achtel des Weges zu gehen. Werfen wir einen Blick darauf, wie das aussieht. Da gehen wir, ein wenig schneller als der Himmel, aber in die gleiche Richtung. Ich will nicht, dass es genau die gleiche Geschwindigkeit wie der Himmel bewegt, denn dann fühlt es sich zusammengeschlossen an und wir wollen diese Trennung beibehalten, dieses Collage-Gefühl. Beachten Sie auch dieses Gefühl, dass es kontinuierlich ist. Wir sind in Bewegung auf sie gekommen, wir beobachten es in Bewegung, die Szene endet, sie ist immer noch in Bewegung. Es gibt keinen Sinn, dass der Mond seine Bewegung beginnt oder beendet. Das liegt daran, dass wir diese linearen Keyframes ohne Leichtigkeit verwenden. Lasst uns dasselbe mit Skala machen. Lassen Sie uns diese sanfte Skalierung ein wenig, so dass der Mond auf uns eingreift. Dies wird diese Idee des Werwolfs unterstützen, wo der Mond offensichtlich sehr bedeutsam für die Person ist, die ein Werwolf ist. Es wird definitiv in das Leben dieser Person eingreifen , die sich in einen Werwolf verwandelt. Also werden wir den Mond in unsere Szene eindringen lassen. Ich werde hier mit einem Skala Schlüsselrahmen beginnen, aber ziehen wir die Skala ein wenig zurück. Ziehen wir es auf 80 Prozent zurück und dann lassen wir es bis zu 90 Prozent skalieren. Das bedeutet, dass es in der Mitte 85 Prozent passieren wird, was die Größe war, die wir für unser Design festgelegt haben. Ich werde die K-Taste verwenden, um vorwärts zu unserem Schlüsselbild am Ende hier auf unserer Rotation zu springen , und wir gehen voran und tippen 90 Prozent ein, um das um 10 Prozent zu skalieren. Lassen Sie uns eine Vorschau ausführen. Alles klar, großartig. Wir haben wieder diese kontinuierliche Bewegung des Mondes, die sich dreht und wächst, auf unheimliche Weise zukommt , die zu unserem Thema und unserem Gefühl wirklich gut passt. In der nächsten Lektion werden wir uns mit dem Hinzufügen unserer Typografie beschäftigen. 9. Textebenen: Das Hinzufügen von Typ und Nachwirkungen ist dem Hinzufügen von Typ in Illustrator oder Photoshop sehr ähnlich, Sie können in unserem Toolbar-Menü hier sehen, gibt es ein Type-Werkzeug. Ich gehe voran und wähle das aus, und wenn ich dieses Typwerkzeug wähle, öffnet sich das Zeichenfenster. Auch wenn Sie mit Illustrator und Photoshop vertraut sind, wird Ihnen das alles ziemlich vertraut sein, aber wenn Sie nicht sind, werden wir die Grundlagen hier sehr schnell durchlaufen. Ich werde nur in unserem Bild hier klicken, um uns zu beginnen, lassen Sie uns einfach klicken und wir werden in das Wort Loch in alle Großbuchstaben eingeben. Jetzt werden Sie bemerken, wenn wir geklickt und eingegeben, dass wir eine Textebene in After-Effekten erstellt haben, können Sie das kleine t dort sehen. Es ist standardmäßig rot codiert, wird diese Farbcodes optimieren und ein wenig, und es wird standardmäßig reguläre Helvetica in schwarz in einer mittleren Größe. Jetzt mit der hier ausgewählten Type-Ebene kann ich all diese anpassen, wie ich möchte, so kann ich hier verschiedene Schriftarten im Pull-Down-Menü auswählen und Sie können wählen, welche Schriftart Sie für dieses bestimmte Projekt mögen, ich werde Verwenden Sie Gill Sans. Ich werde nur anfangen, Gill zu tippen, du kannst sehen, wie Gill Sans kommt. Ich werde hier mit Gill Sans anfangen, und dann werde ich das einfach in Licht umwandeln. Gill Sans Licht, und wieder, verwenden Sie bitte die Schriftart, die Sie mögen. Übrigens, ich wähle Gill Sans, weil ich das perfekt kreisförmige o mag, was mich an den Vollmond denken lässt. Es ist auch eine modern aussehende Schrift, und das wird eine dieser hippen Werwolf-Shows sein, wie die angesagten jungen Vampir-Shows. Anstatt eine Serifenschrift zu wählen, wähle ich eine moderne Schrift, dann möchte ich, dass o den Mond vorschlägt. Ich kann die Schriftgröße auch hier ändern, indem ich rechts oder links klicke und ziehe, um die Schriftart größer oder kleiner zu machen. Ich werde mit 130 gehen, nur um es schön und groß zu machen. Wir wollen, dass der Typ eine rote Farbe hat, um zu unserem blutroten Thema hier zu passen. Jetzt habe ich tatsächlich eine Farbe, die wir verwenden können. Ich werde dir nur schnell zeigen, wie ich zu dieser Farbe gekommen bin und dann gehe ich voran und wähle einfach die Farbe aus, die ich bereits gewählt habe. Sie können wieder wählen, welche Farbe Sie wollen, aber wir können die Farbe ändern oder wählen Sie eine Farbe, indem auf das Farbfeld hier klicken und das gibt uns unsere Farbauswahl. Aber es gibt auch eine Pipette hier und es ist manchmal gut, Ihre Farben durch Sampling aus dem Hintergrund zu beginnen Ihre Farben durch Sampling aus , den Sie verwenden, damit Sie Farben erstellen können, die sich beziehen. Ich werde die Pipette hier nehmen, und ich werde vielleicht eine der Farben meines Mondes wählen. Aber es ist ziemlich grau drin und es ist vielleicht auch ein wenig zu fuchsia. Ich will, dass es ein bisschen blutiger wird. Sobald ich das gesampelt habe, werde ich jetzt meine Farbauswahl wählen und jetzt werden wir etwas von diesem Grau herausziehen und wir werden es ein wenig mehr in Richtung der Orangen bewegen, um es mehr von einer blutroten Farbe zu geben. Wir begannen mit dieser abgetasteten Farbe und haben sie dann optimiert, das ist eine ziemlich gute Methode, um alle Ihre Farben zu einem gewissen Grad bezogen zu halten. Wie gesagt, Ich wähle bereits eine Farbe hier, Wenn Sie die Farbe wählen möchten, die ich verwendet, wir werden müssen, Augentropfen diese Farbe aus der Bibliothek, wir wollen mehr als nur eines dieser Fenster öffnen. Ich werde die Befehlstaste gedrückt halten und auf „Bibliotheken“ klicken, das wird alle diese Fenster schnell hier öffnen und ich werde nach unten scrollen. Ich werde diese Pipette greifen und ich werde die Textfarbe tatsächlich ging mit etwas, das aussieht wie ich noch mehr orangey mit dieser Farbe. Jetzt befehle ich erneut klicken, alle schließen. Jetzt werden wir auch einen Mischmodus in etwas Transparenz verwenden, wir lassen ein wenig von dem Hintergrund durch. Im Moment ist unser Typ wirklich nur eine flache Farbe, nur auf dem Bild sitzen. Fühlt sich nicht wirklich mit dem Bild integriert an, fühlt sich nicht mit dem Bild gemischt an, das ist Teil dessen, worum es bei Mischmodi geht. Jetzt werde ich wieder einen Mischmodus hinzufügen, da das Hinzufügen von Mischmodi dazu neigt, eine Menge von Luminanz und Farbe hervorzubringen, und das wird diese Farbe ziemlich viel aufhellen. Gehen wir weiter zu unserer Textebene und fügen Sie unseren Anzeigenblendmodus hinzu, und Sie können sehen, dass es erhellt, bemerken Sie jetzt, wie die Farbe tatsächlich fühlt sich viel mehr wie die Farbe im Mond. Nur ein kleiner Tipp hier, Teil der Grund, warum ich diese Farbe gewählt habe, ist dass ich die Farbe mit dem Mischmodus angepasst habe. Es ist keine schlechte Idee, wenn Sie einen Mischmodus verwenden, umden Mischmodus hinzuzufügen und dann mit Ihrer Farbe herumzuspielen, da der Mischmodus beeinflussen wird den Mischmodus hinzuzufügen und dann mit Ihrer Farbe herumzuspielen, , wie diese Farbe erscheint, ist dies offensichtlich sehr anders als das, was diese sieht so aus wie hier. Es gibt viel mehr Leuchtkraft, es ist zurück in den Fuchsia-Bereich, den wir mit unserem Mond haben, wie der Mischmodus, aber es ist immer noch irgendwie von diesem Hintergrund ein wenig mehr, als ich es für dieses atmosphärische, gruselige Gefühl, das wir wollen, ich möchte, dass es ein wenig mehr fühlt, ein Teil dieses Sternenhimmels, etwas mehr integriert in den Hintergrund. Lassen Sie uns unsere Typ-Layer öffnen und bemerken, wie alle unsere anderen Ebenen, dass es unsere fünf Transformationen so gibt, wie wir sie erwarten würden. Lassen Sie uns die Deckkraft nur ein wenig runter nehmen, nehmen wir sie 10 Prozent runter, ich werde auf 90 Prozent gehen, und da fühlt es sich jetzt nur ein wenig mehr an, ein Teil dieses Hintergrunds, ein wenig mehr in den Raum gesetzt. Schauen wir uns nun ein paar unserer anderen Einstellmöglichkeiten hier an, in unserem Charakterfenster haben wir das Tracking hier. Tracking ist natürlich der Abstand zwischen allen Buchstaben innerhalb eines Wortes oder einer Zeile vom Typ. Ich werde das tatsächlich bei Null belassen. Oben oben haben wir die Vermietung, die der Abstand zwischen den Zeilen des Typs ist, aber wir haben nur eine Zeile vom Typ hier, also werden wir uns nicht darum kümmern. Aber dann hier drüben haben wir den Kerning und wir wollen auf jeden Fall das Kerning in Betracht ziehen. Die Unterschneidung ist der Abstand zwischen jedem Buchstaben Sie möchten die Einstellungen für das automatische Kerning nie so belassen, wie sie sind, die verschiedenen Formen der Buchstaben. Fast immer bedeutet, dass man das Kerning individuell anpassen muss. Das Ziel ist natürlich, mit Kerning eine ähnliche Menge an negativem Abstand zwischen jedem Buchstaben zu haben. Diejenigen von Ihnen, die Grafikdesigner sind , werden natürlich mit Kerning sehr vertraut sein, ich werde nicht viel Zeit nehmen, um hier darauf zu gehen, aber wir müssen definitiv ein paar kleine Anpassungen vornehmen. Um das Kerning anzupassen, klicke ich in den Typ mit meinem Type-Werkzeug, um meinen Cursor zwischen zwei Buchstaben zu setzen. Ich kann das Kerning anpassen, indem ich diesen Wert hier anpasse, aber die Verwendung von Tastaturbefehlen ist ziemlich viel einfacher, mit meinem Cursor zwischen den Buchstaben werde ich die Optionstaste gedrückt halten, und dann werde ich auf die Pfeiltasten vorwärts und rückwärts, um diese Kerning zu ändern. Ich will das ein bisschen enger, ich will, dass H ein wenig näher an das O ist, wie es standardmäßig ist, es gibt viel Platz zwischen H und O, also werde ich das ein wenig anziehen. Übrigens, Sie sollten immer zuerst Ihr Tracking einstellen, zuerst festlegen, dass Sie Tracking durchführen und dann eingehen und Ihr Kerning anpassen. Ich verlasse das Tracking dort, wo es ist, weil ich den Gesamtabstand mochte und ich passe nur ein wenig dort an. Ich denke, der Rest dieses Feldes ist ziemlich gut. Jetzt werden wir diese Typ-Layer animieren. Beachten Sie, dass sich die Standardposition des Ankerpunkts unten links befindet, nur um die Animation ein wenig zu erleichtern und diesen Ankerpunkt und den Mittelpunkt an der Basislinie des Typs setzen zu wollen . Ich werde unser Ankerpunktwerkzeug schnappen und das bringen, und wieder, wie wir es mit dem Mond gemacht haben, werde ich die Befehlstaste gedrückt halten und die es mir erlaubt, den Ankerpunkt an die Ecken zu schnappen oder die Mitte unten oder oben oder die Mitte des Typs. Ich werde in die Nähe dieses Gebiets kommen. Ich werde die Befehlstaste gedrückt halten und die einrasten. Lassen Sie uns einfach unsere Ausgangsposition für diesen Typ festlegen, bevor wir ihn animieren. Um das zu tun, werde ich zu unserer Netzstruktur zurückkehren. Nun hoffentlich sahen Sie und folgten zusammen mit der ersten Klasse in der Serie, wo wir unser 16 mal 9 Raster gesetzt. Wenn Sie es nicht getan haben, empfehle ich Ihnen, zurückzugehen und sich das anzusehen, aber wenn Sie es taten, dann sollten Sie Ihr 16, 9 Raster einsatzbereit haben . Ich gehe unter wählen Sie Gitter- und Führungsoptionen und schalten Sie unser Raster ein, wir wollen sicherstellen, dass wir Snap to Raster überprüft haben. Ich werde weiter gehen und unser regelmäßiges Auswahlwerkzeug greifen, lassen Sie uns das auf das erste Gitter setzen, quadratisch von unten oben, um uns einen kleinen Spielraum auf der Unterseite zu geben. Beginnen wir das hier , versteckt in diesem negativen Raum unter dem Telefonmast. Jetzt lasse ich das Gitter auf, denn das wird uns helfen, wenn wir unsere Animation für unseren Typ erstellen. Aber bevor wir unseren Typ animieren, möchte ich mir eine Minute Zeit nehmen und einen anderen Schlüsselrahmen ansehen. Wir haben uns lineare Schlüsselrahmen angesehen, kleinen Diamanten, wir haben auf einfache Leichtigkeit Enden, einfache Leichtigkeit Outs und die einfache Leichtigkeit, die in und aus einem Schlüsselrahmen. Das sind die kleinen Sanduhr-förmigen Schlüsselrahmen. Aber ich möchte mir einen anderen Typ von Schlüsselbild ansehen, den automatischen Bézier-Schlüsselbild. Schauen wir uns das in der nächsten Lektion an. 10. Auto Keyframes: Um also einen Blick auf AutoBezier-Keyframes zu werfen, gehen wir voran und doppelklicken Sie auf die AutoBezier-Komposition im Projektfenster. Doppelklicken Sie darauf, um es zu öffnen. Was ich hier drin eingerichtet habe, ist sehr einfach. Es ist ein kleines Quadrat, animiert über den Rahmen, und es wird in zwei Teilen animiert, das erste ist sehr, sehr schnell, so dass Sie den Abstand zwischen diesen Frames sehr, sehr breit sehen können. Es wird sich sehr, sehr schnell bewegen, und dann wird es diesen Keyframe hier treffen, genau in der Mitte, und dann wird es sich verlangsamen. Es ist auch ein gutes Beispiel für Timing und Abstände. Wir bewegen den gleichen Abstand zwischen diesen Schlüsselbildern. Unser Timing ist viel kürzer, was diese Bewegung sehr schnell macht, und dann von hier nach hier ist unser Timing viel länger, was die Bewegung sehr langsam macht. Jetzt, wenn Sie diese radikale Änderung der Geschwindigkeit haben, neigen Sie dazu, eine Kleinigkeit oder einen Ruck zu bekommen, an dem Keyframe, wo sich diese Geschwindigkeit ändert. Also schauen wir uns das an. Ich werde rammen Vorschau dies. Dort können Sie sehen, dass, wenn es die Geschwindigkeit ändert es wirklich klopft, direkt dort. Es gibt fast einen Ruck, da er die Geschwindigkeit ändert. Ihr erster Instinkt als beginnender Aftereffects-Benutzer, könnte sein, Leichtigkeit zu verwenden, um zu versuchen, dies zu glätten. Jetzt in einigen Fällen, wenn die Geschwindigkeitsänderung nicht zu drastisch ist, können Sie eine einfache Leichtigkeit in verwenden, um in die langsamere Bewegung zu erleichtern oder umgekehrt, wenn Sie langsamer gehen, um schneller zu erleichtern, und das wird glätten Sie den Übergang. Leider funktioniert es nicht immer, weil der Prozentsatz der Leichtigkeit möglicherweise nicht ausreicht, um die Änderung der Geschwindigkeit zu glätten. Ich werde eine kommende Serie machen, tiefer in Aftereffekte eingehen, die den Motion Graph-Editor adressieren, mit dem Sie viel weiter gehen können als die einfachen Leichtigkeit bei der Steuerung von Geschwindigkeit und Geschwindigkeit in und aus einem -Schlüsselbild. Aber im Moment, bevor Sie in den Bewegungsdiagramm kommen, nur mit einer einfachen Leichtigkeit, werden Sie nicht genug Kontrolle über diese Geschwindigkeitsänderung haben, um notwendigerweise den Ruck herauszunehmen. Aber es wird manchmal funktionieren, in diesem speziellen Fall ist die Änderung der Geschwindigkeit ein wenig zu drastisch. Also schauen wir uns das an. Ich werde mit der rechten Maustaste auf diesen Schlüsselrahmen klicken und ich werde eine einfache Leichtigkeit hinzufügen. Sie werden feststellen, dass der Abstand auf diesen Keyframes näher kommt, aber es ändert sich immer noch sehr, sehr radikal von diesem Abstand zu diesem Abstand, und Sie werden sehen, dass wir immer noch einen großen Ruck haben, wenn wir zu diesem langsameren Teil kommen. Also lasst uns eine Vorschau darauf rammen. Sie können sehen, dass es immer noch ruckelt. Es ist besser, aber es ist immer noch irgendwie wichsen, wenn es diesen langsameren Keyframe trifft. Jetzt wieder, diese Methode, da Sie eine Änderung der Geschwindigkeit von langsam zu schnell oder schneller langsam mit einer Leichtigkeit haben, wird es manchmal funktionieren. Die andere Sache, die Sie versuchen könnten, ist eine einfache Leichtigkeit, mit anderen Worten, einfache Lockerung in und einfache Lockerung. Aber das wird ein etwas anderes Problem schaffen. Also lassen Sie uns dies auf einen linearen Keyframe zurücksetzen und lassen Sie uns mit der rechten Maustaste klicken und eine einfache Leichtigkeit hinzufügen. Jetzt sind wir leicht zu lockern und einfach zu lockern, also wird es glatter sein, aber es wird ein neues Problem hier geben. Werfen wir einen Blick auf das. Sie können sehen, dass es glatter ist. Aber beachten Sie, dass es jetzt wirklich die Aufmerksamkeit auf diesen Moment der Veränderung lenkt, weil es fast zum Stillstand kommt und dann wieder in die nächste Bewegung beschleunigt. Wir haben einen Stopp und dann eine Beschleunigung, die vorwärts geht. Was wir hier vermissen, ist nur ein fließender Übergang von einer Geschwindigkeit zur anderen. Abhängig von der Art der Animation, die Sie erstellen, möchten Sie möglicherweise diesen Stopp und dann wieder starten, und in diesem Fall ist das einfache Ein- und Ausweichen einfach in Ordnung. Aber was wir wollen, ist nur ein reibungsloser Übergang von einer Geschwindigkeit zur anderen, und in gewisser Weise haben wir fast mehr Aufmerksamkeit auf die Veränderung der Geschwindigkeit hier gelenkt. Um uns diese reibungslose Änderung der Geschwindigkeit zu geben, was wir verwenden möchten, ist ein AutoBezier-Keyframe. Lassen Sie uns dies durch Befehl auf einen linearen Keyframe zurücksetzen, indem Sie darauf klicken. Also, was ist ein AutoBezier-Schlüsselbild? Was ein AutoBezier-Keyframe tut, und der Begriff Bezier hat mit seiner Wirkung auf den Bewegungsgraphen zu tun, und wir werden nicht in den Bewegungsgraphen in dieser Serie eintauchen, da dies nur eine einleitende Serie ist. Aber der AutoBezier nimmt im Grunde die Geschwindigkeit, die in einen Keyframe kommt , und passt sie mit der Geschwindigkeit, die aus dem Keyframe kommt. Es bringt die beiden Geschwindigkeiten zusammen. An der Stelle dieses AutoBezier-Schlüsselbilds sind die Geschwindigkeit ein- und ausgehende Geschwindigkeit gleich, aber es erzeugt keine vollständige Leichtigkeit in oder erleichtert es, es bringt nur die Geschwindigkeit zusammen, um die Geschwindigkeit zu erfüllen, die in und in der Mitte rauskommen. Jetzt funktioniert dies sehr gut, um Geschwindigkeitsänderungen zu glätten , bei denen Sie keine vollständige Leichtigkeit oder eine vollständige Leichtigkeit wünschen oder wenn ein leichtes Ein- oder Auslassen die Änderung der Geschwindigkeit nicht vollständig glätten möchten. Also werfen wir einen Blick auf das, ohne etwas auf diesem Keyframe, nur linear, erinnern uns an das Problem hier. Es gibt also diesen großen Krampf , der in diese Veränderung der Geschwindigkeit einrastet. Nun fügen wir den AutoBezier-Keyframe hinzu und wir tun dies durch Befehl auf den linearen Keyframe. Also Befehl klicken, und wir bekommen diesen kleinen Kreis, diese kleine Kreisform, und diese Kreisform sagt uns, dass wir den AutoBezier-Schlüsselbild haben. Jetzt werden Sie sehen, dass wir einen viel reibungsloseren Übergang von einer Geschwindigkeit zur anderen haben. Es ist immer noch eine ziemlich radikale Veränderung, aber es ist ein viel glatterer Übergang von einem zum anderen. Wir haben fast kein Gefühl, dass es dort einen Keyframe gibt. Es ändert sich einfach die Geschwindigkeit reibungslos von einem zum anderen. Ich gewähre Ihnen, dass diese Unterschiede sehr subtil sind, aber in der Lage zu sein, die Subtilität Ihrer Bewegung zu sehen und zu verstehen und zu kontrollieren, ist wirklich das, was die Profis von den Amateuren in die Welt des Animations- und Motion-Designs. Es ist also wirklich wichtig, diese subtilen Unterschiede sorgfältig zu untersuchen und damit zu beginnen Ihr Auge wirklich zu trainieren, um die Unterschiede zwischen diesen subtilen Veränderungen in Geschwindigkeit, Geschwindigkeit, Leichtigkeit und so weiter zu sehen . Gehen wir nun zur nächsten Lektion über, in der wir unseren Typ animieren werden, und wir setzen diese AutoBezier-Keyframes ein, um eine bewegliche Halteanimation für unseren Typ zu erstellen. 11. Animieren: Gehen wir zurück zu unserem Howl Title Frame hier, und lassen Sie uns einige Animationen erstellen, um unseren Typ auf und bringen Sie unseren Typ aus. Beginnen wir damit, uns eine Audiospur zu geben, mit der wir synchronisieren können. Denken Sie daran, während wir im ersten Teil der Serie darüber gesprochen haben, wie wichtig es ist, immer mit einem Track zu synchronisieren. Nun, dieser Track hat keinen sehr, sehr starken Rhythmus und wir machen nur ein bisschen Animation. Aber auch mit einfachen Animationen wollen wir eine Beziehung zu diesem Track. Nun, ich habe die Strecke bereits in der fertigen Version Timeout. Also, nur um ein wenig Zeit zu sparen, lassen Sie uns das einfach kopieren und einfügen. Gehen wir zu Howl Title Fertig. Nehmen wir die Musik-Ebene hier, wo Sie sehen, ich habe ein paar Marker gemacht. Lassen Sie uns Befehl C, um diese Ebene zu kopieren, gehen Sie zurück zu unserem aktuellen Projekt hier, und Befehl V zum Einfügen. Lassen Sie uns klicken und ziehen Sie das nach unten in unserem Stapel. Nun, da wir anfangen, mehr Schichten hier zu sammeln, lassen Sie uns voran und auch einige dieser Farben codieren. Wir werden hier ein kleines Regenbogenmuster erstellen , nur um unsere verschiedenen Ebenentypen zu trennen. Sie können wählen, welche Ebenenfarben Sie mögen. Ich mag immer Spaß mit den Layerfarben ein wenig zu haben und ein paar Muster zu erstellen. Also machen wir hier einfach ein einfaches Regenbogenmuster. von Grün kommen, ändern wir unsere beiden Bildebenen, unsere Hintergrundsterne und unseren Mond. Da es sich sowohl um Bildebenen von Video, als auch um Fotografie handelt. Lassen Sie uns diese gleich machen, wir werden diese gelb machen, und dann lassen Sie uns unsere Textebene orange machen und dann werden wir zwei letzte Ebenen oben hinzufügen, wir werden diese rot färben. Auch hier können Sie wählen, welche Farbe Sie mögen. After Effects verfügt über Standardfarben für verschiedene Ebenentypen. So können Sie diese auch verwenden, bis es ein wenig unhandlich wird, dann möchten Sie vielleicht anfangen, über die Farbcodierung in einer Weise nachzudenken, die Ihnen hilft, Ihr Projekt zu organisieren. Jetzt, nur einen kurzen Blick auf unsere Musik hier, ich habe nur ein paar Beats markiert, basierend auf diesen kleinen Noten, die Sie hören. Lassen Sie uns also die Wellenform öffnen und Sie werden sich natürlich daran erinnern, dass wir dies im ersten Teil der Serie behandelt haben. Wenn Sie also wissen möchten, wie Sie einen Track ausschalten und diese Marker machen, werden Sie Teil 1 der Intro To After Effects Serie ansehen wollen, aber Sie werden sehen, dass wir diese einfachen Beats durch die Audiospur haben. Lassen Sie uns eine Vorschau starten und einfach nur zuhören. Wir haben nur diese Tastaturnoten auf diese langen langsamen Beats getroffen, und sie sind sehr leicht in der Wellenform zu sehen. Aber das wird uns ein grundlegendes Muster für die Animation unseres Typs geben. Sie werden auch bemerken, dass ich ein wenig Animation zu den Audiopegel hinzugefügt habe, nur um hier am Ende ein Fade zu erstellen. Der Anfang der Strecke hier ist der eigentliche Anfang der Strecke , der gut funktioniert, um uns in die Strecke zu bringen, aber wir haben die Strecke unterbrochen, was natürlich noch ein paar Minuten dauert, mit unserem kurzen kleine 10 zweite Stück, und ich habe gerade ein wenig verblassen hier am Ende hinzugefügt, fallen die Lautstärke unten auf nichts am Ende hier. Also werden wir diese einfachen Notizen verwenden, um die Animation unseres Typs zu Timeout. Lassen Sie uns jetzt für einen Moment über die Animation unseres Typs sprechen. Was wir tun werden, ist, es zu schieben, während es verblasst, und dann halten Sie es für eine Weile, damit wir es lesen können, und dann schieben wir den Typ ab, wenn er verblasst. Das Konzept hinter dieser Art Animation ist ein Gefühl von Schleichen und Schleichen. Wir schleichen den Typ an und schleichen den Typ ab stellen uns die Bewegung eines schleichenden Werwolfs vor. Jetzt, wenn wir Type- und Motion-Design animieren, gibt es ein paar Ideen, über die wir nachdenken möchten. Zunächst einmal wollen wir sicherstellen, dass wir nie die Lesbarkeit stören. Wir wollen immer in der Lage sein, den Typ zu lesen, während er auf dem Bildschirm ist. Wenn Sie den Typ an- und ausschalten, je nachdem, wie Sie den Typ an- und ausanimieren, ist es normalerweise nicht der Zeitpunkt, an dem unser Publikum in der Lage sein wird , den Typ klar zu lesen. Das Publikum wird in der Regel den Typ lesen, nachdem er erscheint und bevor er während der Zeit verschwindet, die er auf dem Bildschirm hält. Aber eine andere große allgemeine Idee in Motion Design und Animation ist, dass wir selten wollen, dass Bewegung vollständig stoppt. Wir wollen nicht, dass der Rahmen jemals aufhört, sich vollständig zu bewegen. Nun, mit dem Typ, können wir manchmal mit Stille davonkommen , für eine Weile dazwischen und weiter. Aber es ist oft wünschenswerter und schafft ein wenig mehr visuelles Interesse, wenn der Typ sich nur ein wenig bewegt, auch während der Zeit, in der er hält, so dass wir es lesen können. Diese kleine Bewegung, bei der wir an dem Typ festhalten, damit wir ihn lesen können, aber es bewegt sich auch noch ein wenig, ich nenne gerne einen beweglichen Halt. Ein beweglicher Halt ist eigentlich ein Begriff, der in der traditionellen Charakteranimation verwendet wird, was mein Hintergrund ist, und das Konzept ist sehr ähnlich. Die Idee ist, dass Sie nie wollen, dass Ihr Charakter vollständig aufhört, sich zu bewegen, auch wenn Sie möchten, dass der Charakter in einer Pose hält damit das Publikum diese Pose klar lesen kann, genau wie wir möchten, dass unser Publikum unseren Typ liest. So haben Sie die Figur halten eine Pose, aber bewegen Sie sich nur ein wenig, ein bewegliches Halten. Das ist genau die gleiche Idee, die wir mit diesem Typ verwenden werden. Wir werden es schnell einziehen, dann halten wir es fest, damit das Publikum es lesen kann, aber bewegen Sie es gerade genug, um es am Leben zu halten, und dann ziehen wir es schnell ab. Wir werden diese automatischen BCA-Keyframes verwenden, um den Übergang zwischen der schnelleren Bewegung, der langsameren Bewegung des beweglichen Halts und der schnelleren Bewegung zu glätten. Lassen Sie uns unsere erste Animation mit unserem Typ erstellen. Wir werden mit einer Positionsbewegung beginnen, um den Typ in Position zu schieben, dann werden wir es für eine Weile in diesem beweglichen Halt schweben und dann wieder herausschieben und wir fügen Opazität und einige andere Effekte hinzu. Gehen wir also zu unserer Howl Layer hier, unserer Type Layer, und lassen Sie uns mit unseren J-Tasten zurück zu unserem ersten Marker springen. Wir verwenden diese erste Note im Audio als Synchronisierungspunkt, um unseren Typ auf den Bildschirm zu bringen. Nun, wir gehen voran und animieren die Position hier, aber ich werde Ihnen einen weiteren schnellen Satz von Schlüsselbildern beibringen , die das ein bisschen einfacher machen werden. Bis jetzt haben wir auf unsere Transformationseigenschaften zugegriffen, indem wir die Registerkarte „Ebene öffnen “ aktivieren und dann die Registerkarte „Transformieren“ öffnen, um zu unseren Transformationseigenschaften zu gelangen. Aber wir können Tastenbefehle verwenden, um zu diesen ein wenig leichter zu springen und es ist beides ein wenig schneller. Es erspart uns auch einige Bildschirm-Immobilien hier in unserer Zeitleiste. Es ist eine einfache Reihe von Schlüsselbildern, die man sich merken kann. Sie müssen sich nur an das Wort TRAPS erinnern; T-R-A-P-S, FALLEN. Lasst uns diese Briefe durchlaufen und sehen, wie sie funktionieren. Ich werde unsere Textebene hier auswählen und beginnen wir mit dem T in Fallen. Wenn ich die Taste T drücke, beachten Sie, dass es nur die Opazitätseigenschaft öffnet. Nun, warum ist es nicht O? Nun, das liegt daran, dass O für einen anderen Zweck verwendet wird. Sie mussten einen anderen Buchstaben als O verwenden. Die Art, darüber nachzudenken, ist T für Transparenz, dh Deckkraft. T für Transparenz, und das öffnet die Opazitätseigenschaft. Wenn ich wieder T klicke, schließt es diese Eigenschaft. R natürlich ist Rotation, offen und nahe Rotation. A ist natürlich, Ankerpunkt. A wird geöffnet und A schließt die Ankerpunkteigenschaft. P ist Position, offene und schließende Position. S ist Skalierung, Öffnen und Schließen „Skalieren“ mit der Taste S, T-R-A-P-S, TRAPS, Transparenz, Rotation, Ankerpunkt, Position und Skalierung. Sehr leicht zu merken und eine gute schnelle Art zu arbeiten. Jetzt in ein wenig, zeige ich Ihnen weiteren Tastenbefehl, sobald wir ein paar Keyframes hinzugefügt haben. In einer Minute zeige ich Ihnen einen weiteren praktischen Tastenbefehl sobald wir hier einige Keyframes hinzugefügt haben. Lassen Sie uns voran und drücken Sie die „P“ -Taste, weil wir zuerst Position animieren und lassen Sie uns ein wenig rückwärts hier tatsächlich machen. Anstatt mit diesem ersten Marker zu beginnen, hätte ich zur zweiten springen sollen, also ist das „K“ vorwärts zum zweiten Marker und fügen wir einen Keyframe direkt dort an dieser ersten Position hinzu, die wir erstellt haben. Dann lassen Sie uns „J“ hier rückwärts wo wir wollen, dass unsere Animation beginnt und lassen Sie uns klicken und unseren Typ zurück ein ganzes Gitterquadrat rechts dorthin ziehen. Wir werden mit diesem ersten Gitterquadrat animieren. Beachten Sie, dass wir hier nicht die Stromleitung überlappen, also schaffen wir dort keine hässlichen Tangenten. Wir befinden uns immer noch in diesem negativen Raum, also werden wir bis zu diesem Punkt animieren. Dann werden wir den Typ während seiner Zeit der Lesbarkeit sitzen lassen. Aber wieder, anstatt es einfach aufhören zu lassen, lassen Sie es uns mit dieser bewegenden Idee am Leben halten. Aber wir wollen, dass sie sich bewegen, ziemlich langsam ist, so dass die Bewegung sehr subtil ist, so dass sie die Lesbarkeit des Typs nicht beeinträchtigen wird. Lasst uns zwei dieser Marker vorwärts gehen, also gehen wir zweimal in die Zeit hinein und lassen es uns die halbe Distanz gehen, also wird es viel, viel langsamer. Jetzt ziehe ich das einfach vorwärts zum nächsten Marker hier, so dass wir das einfach ein halbes Gitterquadrat nach vorne ziehen und es bis zu diesem Punkt einrasten. Wir gehen die halbe Distanz in der doppelten Zeit, um das wirklich schön und langsam zu machen. Es ist nur ein Schwimmer, nur ein Drift, ein beweglicher Halt. Es hält im Grunde in dieser Position, bewegt sich nur ein wenig und dann lassen Sie uns das animieren. Wir werden es gleich weit gehen lassen, aber vielleicht etwas kürzer, um es ein wenig schneller zu machen. Das liegt zum Teil daran, dass uns hier die Zeit ausgeht, sondern auch, um diese Idee des Schleichens und Verstecke wieder zu geben, fast so, als hätten wir den Typ entdeckt und der Typ erkannt, dass er gesichtet wurde, und wie ein Werwolf, der sich herumschleicht, Es wird sich schnell entflicken und verstecken. Wir gehen hier eine kürzere Distanz, lass uns nur zu neun Sekunden hier gehen. Aber wir werden es die gleiche Entfernung bewegen lassen, ein komplettes Gitterquadrat rüber, um weglaufen und Versteck. Jetzt rammen wir eine Vorschau dieses jetzt, und wir werden definitiv diese Rucke sehen, wenn sich die Geschwindigkeit ändert. Da ist unser beweglicher Halt, und dann schleicht er sich ab. Jetzt haben wir die Ampacity-Animation offensichtlich nicht hinzugefügt. Aber Sie können sehen, wie das wirklich klopft, wenn es an den Punkt trifft, an dem sich die Geschwindigkeit ändert, und dann wieder hier, wichst es vorwärts, wenn es vorwärts bewegt. Auch hier könnten wir potenziell „Easy Easy“ in diesem Keyframe und eine Easy Easy“ auf diesem Keyframe verwenden . Aber mit dieser Änderung der Geschwindigkeit werden wir wahrscheinlich immer noch einen Ruck haben. Dies ist eine perfekte Zeit, um die Auto Beziers Keyframes zu verwenden, um dies wirklich zu glätten. Lassen Sie uns diese Auto Beziers hinzufügen, so werde ich Befehl „Klicken“, um diese kleine Kreisform hinzuzufügen und den Befehl „Klicken“ auf diesem Keyframe hier, um die Kreisform dort hinzuzufügen. Nur um sicher zu sein, lassen Sie uns auch einen Halteschlüsselbild am Ende unserer Animationssequenz hinzufügen. Wir müssen das hier nicht wirklich zu viel tun, aber ich mag immer diese guten Gewohnheiten zu üben, nur wenn der Kunde zurückkommt, eine Änderung vornehmen will, etwas ändert sich. Wenn Sie immer diese guten Sicherheitstechniken praktizieren, dann müssen Sie sich viel weniger Sorgen machen. Lassen Sie uns voran gehen und Befehl „Option“ klicken, nur um einen Halt am Ende dieses Keyframes zu setzen , also jetzt werfen wir einen Blick auf unsere Bewegung und wir sollten viel bessere Übergänge in und aus diesem beweglichen Halt haben. Viel glatter viel schöner so dass wir reibungslos in und aus diesem beweglichen Halt viel sanfter übergehen. Wir haben diese kleinen Ruckeln und Sprünge verloren. Jetzt wollen wir auch, dass dies verblasst und verblasst, also erscheint es vom Nachthimmel, verschwindet wieder in den Nachthimmel, hallt dieses größere Konzept des Werwolfs und weil es verblasst und dann aus, fügen wir keine Leichtigkeit zu den Keyframes der ersten und letzten Position hinzu, genauso wie wenn der Typ außerhalb des Rahmens ein- und verlassen würde, wir möchten, dass der Typ bereits in Bewegung erscheint, wenn er einblendet und sich weiter bewegt, während er sich bewegt verblasst. Wir wollen lineare Keyframes dort, also lassen Sie uns ein Opazitäts-Keyframe hinzufügen. Ich werde hier zu diesem ersten Keyframe bezahlen und dann werde ich „K“ wieder zum zweiten Keyframe weiterleiten weil hier wir es mit voller Deckkraft wollen, was, wenn Sie sich erinnern, nicht 100 Prozent ist, es ist bei 90 Prozent. Wählen wir nun die Ebene erneut aus und drücken Sie die Taste „T“ für Transparenz oder Deckkraft. Gehen wir weiter und klicken Sie auf die Stoppuhr, um hier einen Keyframe mit 90 Prozent hinzuzufügen. Jetzt werde ich dir noch einen coolen Tastenbefehl beibringen. Wir haben jetzt Keyframes für Deckkraft und Position. Ich möchte beide sehen können, weil ich die Opazitäts-Keyframes mit den Positionsschlüsselbildern synchronisieren möchte . Aber ich möchte auch weiterhin meinen Bildschirm Immobilien hier speichern, wie ich es mit den T-R-A-P-S, TRAPS, Tastenkombinationen getan habe. Ich werde die „U“ -Taste verwenden. Die „U“ -Taste ist einer meiner bevorzugten Tastenbefehle und nach Effekten verwende ich sie ständig zusammen mit TRAPS, zusammen mit T-R-A- P-S. Was die Taste „U“ tut, ist , wenn Sie eine Ebene auswählen, die Keyframes enthält und Sie die Taste „U“ drücken, wird nur die Eigenschaften mit Keyframes geöffnet. Nun, das ist verrückt praktisch, besonders wenn Sie Keyframes bearbeiten. Angenommen, Sie haben ein paar Keyframes gesetzt und Sie wollen sich ein wenig mit ihnen verwirren. Dies ermöglicht es Ihnen, nur die Eigenschaften zu öffnen, die Sie sehen müssen, nur die Eigenschaften, mit denen Sie arbeiten und keine anderen, spart eine Menge Bildschirmimmobilien und hält Sie konzentriert sich auf das, woran Sie arbeiten, anstatt sich viel ansehen zu müssen von verschiedenen Eigenschaften. Sehr, sehr praktisch, die „U“ -Taste trifft, dass wieder die Ebene schließen , so „U“ -Taste, um alle Keyframe-Eigenschaften zu öffnen, „U“ -Taste, um Keyframes Eigenschaften zu schließen. Praktisch, lassen Sie uns die „U“ -Taste drücken und jetzt können wir unsere „J“ und „K“ Tasten verwenden, die wir j verwenden, um zurück zu springen, und jetzt werden wir unsere Deckkraft hier auf Null setzen. Wir springen vorwärts, springen wieder vorwärts zu unserem nächsten Keyframe hier, wir setzen unseren Opazitäts-Keyframe wieder auf 90, und dann springen wir hier weiter zu unserem letzten Keyframe und setzen diesen wieder auf Null. Lassen Sie uns nun auch einen ganzen Keyframe am Ende setzen. Lassen Sie uns auch einen Halteschlüsselbild auf diesem Keyframe setzen, weil es diesen Wert von 90 Prozent hält. Im Moment verändert es sich nicht in irgendeiner Weise. Aber es gibt bestimmte Situationen, in denen Nachwirkungen seltsame kleine Drifts in Ihren Werten erzeugen, sogar zwischen zwei Keyframes, die gleich sind. Es wird nicht immer passieren, aber es passiert unter bestimmten Umständen, wenn Sie Ihre Keyframes auf bestimmte Weise erstellen und wenn es jemals passiert, kann es sehr frustrierend sein, besonders wenn Sie nicht vertraut sind mit dem, was passiert. Nur um auf der sicheren Seite zu sein, und ich bin ein großer Glaube daran, auf der sicheren Seite zu operieren. Befehlsoption „Klicken“ fügt einen Halt hinzu, so halten wir diesen Wert von 90, bis wir diesen zweiten Keyframe getroffen haben, und dann wird es jetzt auf Null animiert. Werfen wir einen Blick auf diese Animation wieder, großartig, und wir haben schöne Synchronisation mit dem Soundtrack. Es ist sehr einfach Audio, es ist sehr einfache Animation, aber selbst das kleine bisschen Synchronisation ist so wichtig, wenn Sie die Möglichkeit haben, zu synchronisieren, zu gewinnen, es zu tun. Jetzt haben wir definitiv ein lustiges, hinterhältiges Gefühl mit diesem Typ, was wir wollen. Aber ich denke, wir können das noch mehr mit einem Unschärfe-Effekt auf diese Art betonen. Es ist wirklich so, als ob die Unschärfe aus der Nacht auftaucht, wie unser gruseliger Werwolf aus der Nacht hervorgeht, also fügen wir in unserer nächsten Lektion einen animierten, einen Unschärfeeffekt hinzu. 12. Animieren: An diesem Punkt können wir weitermachen und unser Netz abschalten. Wir werden das nicht brauchen. Gehen wir weiter und schalten unser Gitter aus. Lassen Sie uns unseren Typ einen Weichzeichnungseffekt hinzufügen. Der Typ entsteht nicht nur mit Opazität, sondern erstarrt auch, fügt zu unserem gruseligen atmosphärischen Gefühl hinzu, fast wie der Typ kommt aus dem Nebel. unsere Type-Layer ausgewählt ist, gehe ich unter Effekte und Voreinstellungen nach oben und ich werde in Unschärfe tippen. Wir werden die Gaußsche Unschärfe benutzen. Gehen Sie voran und doppelklicken Sie auf die Gaußsche Unschärfe, um diese zu unserer Ebene hinzuzufügen. Sie können sehen, dass sich unser Effektsteuerungsfenster mit der Gaußschen Unschärfe öffnet. Jetzt möchte ich nicht, dass der Typ verschwommen wird, nachdem er verblasst wurde, aber ich wollte anfangen, Unschärfe zu machen. Um nun eine Eigenschaft für einen Effekt zu animieren, verwenden wir die gleiche Prozedur, die wir verwenden, um jede Eigenschaft zu animieren. Wir beginnen mit einem Klick auf die Stoppuhr. Jetzt könnte ich Tab öffnen Sie den Effekt hier und drücken Sie die Stoppuhr direkt hier auf der Timeline, aber ein wenig schneller Weg, um hier zu arbeiten, ist indem Sie die Stoppuhr oben in den Effektsteuerelementen zu starten. Ich gehe voran und klicke auf das, was unsere Einstellung auf Null hat, was wir an dieser Stelle in der Animation wollen. Dann werde ich nach unten kommen, wählen Sie die Ebene, ich werde die U-Taste drücken und das wird sich jetzt zusammen mit der Positionsdeckkraft, der Unschärfe-Eigenschaft öffnen . Denken Sie daran, dass mit der U-Taste alle Keyframe-Eigenschaften geöffnet werden. Sofort haben wir genau das, was wir hier brauchen, wir müssen nicht mit vielen Tabs und Unsinn herumlaufen. Wir sparen uns auch immer noch eine Menge Bildschirmimmobilien, denn wenn wir alle Transformationen öffnen und den Effekt-Tab und die Gaußsche verschwommene Registerkarte mit all seinen Eigenschaften hinzufügen alle Transformationen öffnen und den Effekt-Tab würden, würden wir ziemlich viel Immobilien verbrauchen, wohingegen jetzt haben wir nur diese drei Elemente ist sehr praktisch. Jetzt lass uns J zurück und wir können den Typ an dieser Stelle nicht sehen. Lassen Sie diesen Opazitätswert vorübergehend auf 90 ändern, nur damit wir sehen können, was wir mit der Unschärfe tun. Lasst uns diese Unschärfe ein bisschen kurbeln. Also werde ich Unschärfe hinzufügen. Es hat lange gedauert, bis ich das aufgerissen habe. Wenn Sie beschleunigen möchten, wenn Sie auf einen beliebigen Wert gleiten, beliebigen Wert klicken und auf einen beliebigen Wert ziehen, wenn Sie die Umschalttaste gedrückt halten, wenn Sie die Umschalttaste gedrückt halten,wird es um den Faktor fünf springen , glaube ich, und wir können es viel schneller verschieben. Lass es uns auf etwa 100 springen, und in der Tat, ich gehe einfach voran und tippe 100 in. Jetzt können Sie sehen, dass es neblig und unscharf ist, fast wie unsere Wolken oder unsere Aurora Borealis hier. Wir versuchen, dem Gefühl der nebligen Murkiness zu entsprechen. Also wird unser Typ einfach aus dem hervorgehen. Cool, das ist ein schönes Gefühl. Jetzt animiert es hier in Solidität mit unserem Typ bei voller Deckkraft und unverschwommen. Lassen Sie uns unsere Deckkraft hier auf Null zurücksetzen und lassen Sie uns den Rest unserer Keyframes setzen. Gehen wir vorwärts und wir setzen unseren Unschärfe-Keyframe hier wieder auf Null. Dann springen wir bis zum Ende. Nun lassen Sie uns einfach diesen ersten Keyframe kopieren und einfügen. Also werde ich den Keyframe-Befehl C auswählen, Befehl V zum Kopieren und Einfügen dieser Unschärfe, die am Ende auf 100 gesetzt ist. Es verschwommen zusammen mit dem Fade Out am Ende. Nun, lasst uns auch, weil wir wollen, dass das Timing auch hier glatt ist, lasst uns Befehl klicken, um unsere Auto-Beziers auf unserer verschwommenen sowie Befehlsoption hinzuzufügen klicken Sie, um unseren Hold-Keyframe hinzuzufügen, nur um sicherzustellen, dass wir halten, dass Unschärfe Wert alle den Weg durch. Warum haben wir nicht einen automatischen Bezier auf die Deckkraft gesetzt? Erleichtert oder automatische Beziers auf Deckkraft im Allgemeinen wirklich, wirklich schwer zu sehen. In einigen extremen Fällen habe ich sie benutzt, aber in vielen, vielen Fällen kann man kaum den Unterschied sehen, besonders nur mit leichten Leichtigkeit. Sobald Sie anfangen, den Motion Graph-Editor zu verwenden, ist das eher nützlich, aber in diesem Fall wird es wirklich keinen erkennbaren Unterschied erzeugen, also werde ich das einfach verlassen. Wenn Sie möchten, können Sie einen Auto-Beziers zu diesen beiden hinzufügen wenn Sie möchten und sehen, ob Sie einen Unterschied sehen können. Ich denke, es ist ziemlich vernachlässigbar. Ich musste es wahrscheinlich nicht wirklich für die Unschärfe hinzufügen aber die Unschärfe ist ein wenig mehr eine spürbare Wirkung. Es ist wahrscheinlich ein wenig auffälliger als Deckkraft. Werfen wir einen Blick auf das, was wir hier haben. Awesome, sehr gruselig. Wirklich sieht so aus, wie ist Teil unserer gesamten Umgebung, da es diese verrückten Wolken passt oder dass Aurora Borealis, es hat eine sehr ähnliche Farbe, ein ähnliches Gefühl. Jetzt haben wir dieses gruselige, hinterhältige Gefühl, schleichen Sie sich rein und schleichen Sie sich aus, also benimmt sich unser Typ wie unser Werwolf. Lassen Sie uns eine Befehlsoption setzen, klicken Sie auf Hinzufügen und halten Sie am Ende auch dort. Wieder, ich mag es, sicher zu spielen, wann immer möglich und nur in diese guten Gewohnheiten geraten. Wir sind fast fertig mit unserem kleinen Titelrahmen hier, aber ich möchte die Laune des Rahmens noch ein bisschen mehr mit einer Vignette um den Rand betonen . Um dies zu tun, werden wir eine Einstellungsebene verwenden. Werfen wir einen Blick auf das in der nächsten Lektion. 13. Anordnungsebenen und Mask: Nun, wie gesagt, möchte ich dieser Szene eine Vignette hinzufügen. Mit anderen Worten, so dass sich die Kanten des Rahmens verdunkeln, um unsere Laune hinzuzufügen und auch ein wenig mehr Formgebung im Rahmen zu schaffen. Unser Nachthimmel Hintergrund ist alles so ziemlich wie ein bisschen wie ein Gradienten, der nach oben geht, aber die Vignette gibt ihm ein wenig mehr Form und ein wenig mehr Stimmung und Atmosphäre. Nun, um diese Vignette zu erstellen, möchte ich alles im Rahmen verdunkeln, alle unsere Ebenen auf einmal. Wenn Sie mehreren Ebenen einen Effekt hinzufügen möchten, empfiehlt es sich, eine Anpassungsebene zu verwenden. Jetzt ist dies ein weiteres Element, das denjenigen von Ihnen, die mit Photoshop vertraut sind, vertraut sein wird . Sie funktionieren in ähnlicher Weise, obwohl es einige signifikante Unterschiede gibt. Eine Einstellungsebene ist im Wesentlichen eine leere Schale, um Effekte zu halten. Wenn Sie eine Einstellungsebene auf eine oder mehrere Ebenen legen, wirkt sich dies mit jedem Effekt aus, den Sie darauf setzen, auf jede der darunter liegenden Ebenen. Sehen wir uns an, wie das mit unserer Vignette funktioniert. Ich gehe voran und Tab geschlossen meinen Typ hier und ich werde die Auswahl aufheben, indem ich in den leeren Bereich meiner Timeline klicke. Gehen wir nach oben unter „Ebene“, „Neu“, „ Anpassungsebene “ und sehen Sie auch die Option Befehl Y wird auch das Gleiche tun. Ich werde voran gehen und diese Anpassungsebene erstellen, und anfangs wird nichts passieren, denn wieder ist eine Anpassungsebene nur eine leere Shell, der wir Effekte hinzufügen können. Ich werde diese Schicht sofort benennen, Vignette, also wissen wir, was es ist und was sie tun wird, und lassen Sie uns es rot färben. Was wir tun wollen, ist die Kanten unseres Rahmens zu verdunkeln, wir wollen alle Schichten zusammen verdunkeln. Fangen wir damit an, diese Verdunkelung zu erschaffen. Was wir verwenden werden, ist eine Niveauanpassung. Ich werde unter Effekten und Voreinstellungen gehen und Levels eingeben. Sie können „Ebenen“ hier unter „Farbkorrekturen“ sehen. Gehen Sie voran und doppelklicken Sie darauf, um Ebenen hinzuzufügen. Levels sollten denjenigen von Ihnen, die mit Photoshop vertraut sein. Levels ist ein sehr leistungsfähiges Werkzeug, mit dem Sie im Wesentlichen die Belichtung eines Bildes ändern können. Es ist für Fotografie und Video konzipiert, funktioniert aber auch sehr gut auf Illustrationen. Für diejenigen von Ihnen, die nicht mit der Funktionsweise der Ebenen vertraut sind, und übrigens, wenn Sie eine Krampfsituation wie diese haben, wo Sie nicht alle Steuerelemente in Ihrem Fenster sehen können , gehen Sie zum Rand des Fensters. Sie werden ein kleines Doppelpfeilbalken-Symbol sehen, und ich kann klicken und ziehen, und ich kann das öffnen, damit wir unser ganzes Steuerungsset hier sehen können. Hier sehen Sie zwei kleine Diagramme, ein Histogramm aller Farben in unserem Bild. Dies stellt die Eingabe dar, mit anderen Worten, das Bild aussieht, wie es ist. Dann haben wir eine Ausgabe, mit der Sie die Eingabefarben über das Spektrum von dunkel bis hell abbilden können. Jetzt können Sie sowohl die Eingabe als auch die Ausgabe anpassen. In vielen Fällen, wenn Sie nur die Gesamtbelichtung eines Bildes anpassen möchten, werden Sie normalerweise den Ausgabesatz unverändert belassen. Mit anderen Worten, Sie möchten eine vollständige Palette von dunkel bis hell. Nun, das wäre anders, wenn Sie versuchen würden, sagen „Kontrast reduzieren“, dann würden Sie tatsächlich von dem Schwarz an der Unterseite oder weg von dem Licht an der Spitze ziehen . Wir wollen hier unser komplettes Kontrastprogramm. Wir wollen das Bild nicht flacher und weniger kontrastierend machen. Wir wollen es nur verdunkeln, als wäre es eine dunklere Belichtung. Stattdessen, was wir tun werden, ist, dass wir den Eingangspegel ändern. Wir werden im Wesentlichen sagen: „Nehmen Sie eine hellere Farbe, heller im Spektrum und ordnen Sie es schwarz zu, um das ganze Bild zu verdunkeln.“ Ich werde diesen kleinen Schieberegler hier greifen und ich werde ihn nach vorne schieben und ich werde dunkel und unser ganzes Bild. Sie können sehen, dass es so ist, als ob wir die Belichtung sowohl unseres Mondbildes als auch unseres Hintergrunds dunkler machen . Es wirkt sich sogar auf den Typ aus, so dass alles verdunkelt wurde. Das ist cool und alles, aber wir wollen eine Vignette. Wir wollen nicht, dass das ganze Bild dunkel ist. Wir wollen nur, dass die Ränder des Rahmens dunkel sind. Um das zu tun, benutzen wir eine Maske. Jetzt können Masken in After Effects sehr kompliziert werden. Wir werden hier die Grundlagen lernen. einer Maske können Sie eine Form aus einer Ebene oder einem Loch in einer Ebene ausschneiden. In diesem Fall werden wir ein Loch in die Ebene schneiden damit unser Hintergrund in der Mitte sichtbar ist. Die Schicht, in die wir ein Loch schneiden werden, ist unsere Einstellungsebene. Wir werden ein Loch in die Einstellungsebene schneiden, um durch unser normales Bild zu sehen , ohne dass die Auswirkungen darauf. Eine Maske ist ein vektorbasiertes Werkzeug, und Sie können Masken zeichnen, sie mit dem Stiftwerkzeug per Hand zeichnen, aber Sie können auch das Formwerkzeug verwenden, um Masken mit grundlegenden Vektorformen zu zeichnen. unsere Anpassungsebene ausgewählt ist und es ist sehr wichtig, dass wir diese ausgewählt haben , denn wenn wir die Ebene nicht ausgewählt haben, wenn wir das Formwerkzeug verwenden, werden wir nur eine Form erstellen. Aber was wir tun wollen, anstatt eine Form zu machen, ist eine Maske in unserer Ebene zu schneiden. Wir möchten, dass diese Ebene ausgewählt wird. Wir gehen nach oben und wir werden das Ellipsenwerkzeug greifen und ich werde auf diese Einstellungsebene klicken und ziehen, und ich werde eine Ellipse zeichnen. Auch jetzt hätte ich keine Maske auf der Ebene gezeichnet. Ich hätte gerade eine Ellipsenform gezeichnet, wenn diese Ebene nicht ausgewählt wurde, sondern weil die Ebene ausgewählt wurde, anstatt eine Form zu zeichnen, zeichne ich eine Maske. Das ist wichtig, sich daran zu erinnern, ob Sie versuchen eine Form zu zeichnen oder eine Maske zu zeichnen, wenn Sie jemals das Gegenteil bekommen, es liegt daran, was Sie ausgewählt haben oder nicht. Sobald wir unsere Maske zeichnen, öffnet sich der Maskenreiter auf unsere Einstellungsebene und Sie werden feststellen, dass der Maskenreiter „Masken“ lautet, und dann hier ist Maske Eins. Sie können mehrere Masken auf einem Layer haben und Sie können relativ komplexe Beziehungen zwischen ihnen erstellen. Sie können auch Masken animieren, aber wir werden uns das in den kommenden Klassen ansehen. In diesem Fall brauchen wir nur dieses Loch in unsere Einstellungsebene zu schneiden. Im Moment sehen Sie, dass wir tatsächlich das Gegenteil haben. Wir haben eine Form aus unserer Einstellungsebene geschnitten, daher ist unsere Anpassung innerhalb dieser Form und außerhalb der Form, die wir nicht über die Anpassung verfügen. Das ist das Gegenteil von dem, was wir wollen. Lassen Sie uns hier zur Maske gehen und bemerken, dass es standardmäßig eine additive Maske ist. Mit anderen Worten, es schneidet eine Form, anstatt ein Loch zu schneiden. Um das zu ändern, klicken wir einfach auf dieses Pull-Down-Menü und ändern es eine Subtraktionsmaske und jetzt schneiden wir ein Loch in die Einstellungsebene, was wir wollen. Aber wir wollen auch nicht diese harte Kante, die super albern aussieht. Wir wollen eine weiche Kante, so dass es sich einfach so anfühlt, als würde es sanft an der Kante verdunkeln. Wir müssen uns die Maskeneinstellungen ansehen. Wir gehen zu Tab, Öffnen, Maske Eins, und darin sehen Sie unsere Maskeneinstellungen und die, die wir verwenden möchten, ist Maskenfeder. Ich werde klicken und ziehen Sie nach oben auf diese Maske Feder und ich werde die Shift-Taste gedrückt halten , weil wir eine Menge Feder auf dieser Maske brauchen. Ich werde die Umschalttaste gedrückt halten und ich werde klicken und nach oben ziehen und ich gehe ziemlich weit nach oben, vielleicht um 600 oder 700, so etwas. Nun, das ist vielleicht ein bisschen viel, bringen wir es auf 500 da runter. Das ist ein bisschen besser. Ich glaube, ich habe den Effekt ein wenig übertrieben. Das ist ein bisschen zu dunkel. Lasst uns unseren Eingang schwarz ziehen, ein bisschen zurück. Lasst uns das etwas abnehmen, so etwas ein bisschen mehr wie das. Das ist besser. Wir haben einen kleinen weichen Übergang zu Schwarz an den Rändern. Denken Sie daran, dass ich den Effekt ein- und ausschalten kann, damit ich den Unterschied sehen kann, oder ich kann die Sichtbarkeit der Einstellungsebene auch ein- und ausschalten. Entweder einer wird mir erlauben, mit und ohne den Effekt zu sehen. Sie können sehen, wie das uns gibt, wieder mehr Launenhaftigkeit, es ist ein wenig dunkler, es ist ein wenig geheimnisvoller, da diese Kanten in der Dunkelheit verschwinden unser launisches, gruseliges Gefühl wirklich verbessern. Das letzte, was wir tun werden, ist ein Fade in und Fade Out am Anfang und Ende unseres Titelrahmens zu erstellen , um es abzupolieren. Schauen wir uns das in der nächsten Lektion an. 14. Mit Festung arbeiten: Lassen Sie uns voran gehen und Tab geschlossen unsere Vignettenebene hier, und lassen Sie uns ein Fade in und ein Fade Out erstellen. Jetzt werden alle diese Ebenen über einen schwarzen Hintergrund gesetzt. Sie könnten denken, dass wir zum Erstellen eines Fade-In- und Fade-Out die Deckkraft der Ebenen von 0-100 animieren möchten. Aber es gibt ein Problem damit, weil wir mehrere Ebenen haben, Mischmodi, verschiedene Dinge passieren. Wenn Sie versuchen, die Deckkraft jeder Ebene zu animieren, ist es sehr wahrscheinlich, dass Sie am Ende einige sehr ungewöhnliche Effekte haben, die Sie aufgrund der Mischmodi, Anpassungsebenen, was auch immer vor sich geht, nicht geplant haben. Die Dinge werden sich nicht notwendigerweise so verhalten, wie Sie es wollen. Mit unserer einfachen kleinen Szene hier ist es vielleicht nicht so schlimm, aber je komplexer Ihre Kompositionen sind, desto unmöglicher wird es sein, die Deckkraft auf jeder einzelnen Ebene zu animieren. In den kommenden Klassen werden wir einen Blick auf das Pre-Comping werfen, das einige dieser Probleme lösen würde. Aber es gibt auch eine wirklich einfache Möglichkeit, ein Fade-In- und Fade-Out und eine mehrschichtige Komposition zu erstellen , und das ist durch die Verwendung eines Volumenkörpers. Wenn Sie sich an Teil 1 dieser Serie erinnern, ist ein Volumenkörper eine Ebene, die nur ein Quadrat oder ein Rechteck beliebiger Größe oder beliebiger Farbe ist. Dies ist ein perfektes Beispiel für die Situation, in der es sehr einfache, aber sehr nützliche Schicht ist nützlich. Beginnen wir mit dem Hinzufügen unserer festen Schicht. Wieder einmal gehen wir unter Schicht nach oben. Neue Volumenkörper, auch Befehl Y, und wir erhalten unsere solide Einstellungen Dialog. Wir können den Solid genau hier nennen. Ich nenne es „verblassen“, „verblassen“. Ich möchte, dass es die Größe unseres Rahmens hat , der 1920 mal 1080 ist. Wenn Sie nicht 1920 x 1080 in Ihrer Breite und Höhe haben, und Sie möchten, dass Ihr Solid die Größe Ihres Rahmens hat. Sie können einfach auf Komp Größe machen klicken und es wird automatisch die Größe Ihrer comp machen, was praktisch ist. Aber Sie können hier beliebige Zahlen eingeben, die Sie wollen. Sie können es zu einem Quadrat machen, Sie können es zu einem Rechteck jeder Größe machen. Unten unten unten haben Sie Ihren Farbwähler, Ihren Standard-Farbwähler. Was wir wollen, ist schwarz. Wenn Sie aus irgendeinem Grund kein Schwarz hier haben, klicken Sie auf den Farbwähler und stellen Sie sicher, dass Sie schwarz haben, dass Sie unten in einer dieser beiden Ecken sind. Klicken Sie auf OK, um den Volumenkörper hinzuzufügen. Sie können sehen, dass der Volumenkörper hier nur auf der obersten Ebene erscheint. Beachten Sie, dass es standardmäßig rot ist, was praktisch ist, weil ich beide Ebenen möchte, denen es sich nicht um Ebenen handelt, die Bilddaten enthalten. Eine davon ist unsere Anpassungsebene mit unserem Effekt. Einer ist nur ein schwarzer Solid, um unsere Fade in und Fade Out zu schaffen. Sie möchten, dass diese mit der gleichen Farbe markiert werden. Jetzt müssen wir nur noch die Deckkraft dieses Festkörpers animieren. Was dies tun wird, ist, irgendwelche Überraschungen zu beseitigen, wenn wir versuchen , die Deckkraft auf allen unseren Ebenen zu animieren, es ist auch weniger Arbeit, weil alles, was ich tun muss, ist eine Opazitätseigenschaft anstatt eine Haufen Opazitätseigenschaft zu animieren . Das spart uns auch etwas Zeit. Gehen wir weiter und drücken Sie die T-Taste, um unsere Kapazitätseigenschaft zu öffnen, wir werden die Deckkraft hier bei 100 beginnen, und lassen Sie uns einfach zu einer Sekunde voran gehen. Lassen Sie uns eine Sekunde einblenden, und wir werden nur animieren, dass unten auf Null. Lassen Sie uns Befehls-Option klicken, um einen Halteschlüsselrahmen dort hinzuzufügen, nur um sicher zu sein. Dann gehen wir zu neun Sekunden, eine Sekunde vor dem Ende. Hit einen anderen Schlüsselrahmen dort, es wird automatisch ein Halt. Also Befehl klicken, um das wieder in einen linearen Schlüsselrahmen zu verwandeln, und dann gehen wir zum Ende hier und geben 100 ein, um dies auszublenden. Lassen Sie uns rammen eine Vorschau auf unseren fertigen Titelrahmen. Sehr nett. Großartig. Wir sind alle bereit, unser Projekt zu realisieren. 15. Rendering: Jetzt haben wir uns die Renderprozeduren in der letzten Klasse angesehen, aber lassen Sie uns diese hier schnell überprüfen. unsere Komposition ausgewählt ist, werden wir unter die Komposition gehen undzu Adobe Media Encoder Q hinzufügen. Denken Sie daran, zu Adobe Media Encoder Q hinzufügen. geduldig zu sein, während Adobe Media Encoder Q startet und Ihre Komposition zur Warteschlange hinzufügt. Es wird manchmal einige Minuten dauern. Sobald der Media Encoder Q geöffnet und hinzugefügt wurde, Ihr Rendering in die Warteschlange klicken Sie Ihr Rendering in die Warteschlangeunten, und haben Sie wieder Geduld, wenn die dynamische Verbindung eingerichtet ist , und Sie werden sich in den Exporteinstellungen befinden. Sie können den Ausgabennamen ändern, wenn Sie möchten, oder den Speicherort, an dem er gerendert wird. Ich lasse es nur standardmäßig auf den Namen der Komposition und rendern in den AME-Ordner, der automatisch in meinem Projektordner erstellt wurde. Ich werde zu den Videoeinstellungen hier kommen. Scrollen Sie nach unten und wir werden die Bitratencodierung auf 2 Pass ändern. Wir werden die Ziel-Bitrate auf acht und die maximale Bitrate auf 10. Sobald wir das getan haben, klicken wir auf OK und wenn wir bereit sind, zu rendern, drücken Sie die grüne Render-Taste. Denken Sie daran, geduldig zu sein, während Sie rendern. Die Renderzeit hängt von Ihrem Projekt, der Geschwindigkeit und der Einrichtung Ihres Computersystems ab. 16. Wir sehen uns im nächsten Kurs: Ich hoffe, Sie haben viel vom zweiten Intro bis zur AAfter Effects Klasse gelernt. Wir haben viel über die Arbeit mit verschiedenen Arten von Ebenen in After Effects gesprochen. Wir haben uns Bildebenen, Videoebenen, Textebenen, Anpassungsebenen und Volumenkörper angesehen . Wir haben auch untersucht, wie Sie Animationseffekte hinzufügen und wie Sie mit Mischmodi arbeiten können. Wir haben etwas über Auto-Basis-A-Schlüsselbilder und den Wert des Hinzufügens von bewegten Haltegriffen zu Textanimationen gelernt . Auf dem Weg haben wir einen coolen Titelrahmen für unsere neue imaginäre Well Off Show erstellt. Nun, wenn Sie möchten, können Sie Ihre eigene TV-Serie, Film oder Videospiel erstellen oder Ihre Lieblings bestehende Show, Film oder Videospiel verwenden und Ihren eigenen Titelrahmen erstellen. Aber ob Sie genau mit mir mitverfolgen oder ob Sie Ihr eigenes Ding gemacht haben, um dieses Projekt zusammenzustellen, ich würde gerne sehen, was Sie sich einfallen lassen und ich weiß, dass Ihre Kommilitonen es auch tun würden. Denken Sie daran, Ihren Titelrahmen zu rendern und zu veröffentlichen. Wir werden unsere Erkundung von After Effects in Teil 3 der Serie fortsetzen. Vielen Dank für das Zuschauen, und wir sehen uns in der nächsten Klasse.