Abstraktion für Fortgeschrittene – Designprinzipien

1. EINFÜHRUNG: Hallo, ich bin Alexandra gelesen oder Lexi kurz, ich bin ein Mixed Media Künstler und Schmuckdesigner. Ich liebe es, sowohl hier in meinem Studio als auch auf Skillshare die Hände zu lehren. Also willkommen zu meiner Klasse Abstraktion zu einem Eins, Design-Prinzipien. Diese Klasse soll also ein Nachfolger meiner Abstraktion 101 Design-Elemente-Klasse auf Skillshare sein. Die Elemente des Designs sind Bausteine, die verwendet werden, um ein Kunstwerk zu schaffen. Also, wenn Sie noch keine Chance hatten, diese Klasse zu nehmen, würde ich Ihnen empfehlen, es zuerst zu sehen, weil diese Klasse auf den Erfahrungen aus der Abstraktion 101 aufbauen soll. Diese Klassenserie ist also für Anfänger gedacht, die neu in der abstrakten Malerei sind oder erfahrene Künstler, die sich lockern und neue Wege zur Inspiration finden möchten. Wir beginnen also mit einem Überblick über die sieben Prinzipien des Designs und wie sie mit den Elementen des Designs arbeiten. Danach werden wir in das Lernen über jeden der Prinzipien eintauchen. Wir werden Muster, Rhythmus, Bewegung, Kontrast, Betonung, Balance und Einheit betrachten . Dies wird also eine Kombination aus Lernen über die Rolle jedes Prinzips und dann eine praktische Aktivitätsein jedes Prinzips und dann eine praktische Aktivität weil dieses Prinzip in größerer Tiefe zu Boden. Was Sie in dieser Klasse lernen werden, wird Ihnen die Fähigkeiten und das Vertrauen geben, einzigartige und intuitive abstrakte Kunst zu malen. Du wirst lernen, deine Kunst zu kritisieren und einfache Fragen zu stellen, um festzustellen, ob deine Arbeit fertig ist. Ich kann es kaum erwarten, Ihre Projekte zu sehen. Wir haben eine Menge zu decken. Also lasst uns direkt in die Klasse springen und anfangen, mit Design-Prinzipien zu spielen und einige lustige abstrakte Kunst zu kreieren. Wir sehen uns in der Klasse. 2. Übersicht: In der Abstraktion, Eins-zu-Eins-Designelementen, haben wir Linie, Wert, Form, Raum und Farbe untersucht . Form ist in der Regel eher ein dreidimensionales Element, das in der Skulptur gesehen wird, aber Sie können Schatten betrachten, die Formen Form geben. Wir werden Texturen Teil des Musters in dieser Klasse betrachten. Ich finde es hilfreich, die Elemente und Prinzipien von Kunst und Design als Zutaten und Methode eines Lebensmittelrezepts zu betrachten. Für eine erfolgreiche Malerei, müssen Sie nicht jedes einzelne Gewürz aus Ihrem Schrank, Ihre Elemente, und Sie müssen nicht auf Basis Baker flam Bay Ihre Prinzipien die ganze Zeit entweder. Sie können darüber nachdenken, ein Gemälde zu entwerfen, wie die Entscheidungen, die Sie während Ihrer täglichen Aktivitäten treffen. Es könnte überlegen, was Sie bereits in Ihrem Schrank haben , während Sie für ein neues Outfit kaufen. Planen Sie eine Mahlzeit im Lebensmittelgeschäft, oder Coaching-Strategien basierend auf Spielerfähigkeiten und Position. verstehen, wie die Elemente und Prinzipien zusammenarbeiten, können Sie durchdachte Entscheidungen während Ihres Malprozesses treffen. Als nächstes werden wir Textur erforschen. 3. Textur: Textur bezieht sich auf die unverwechselbare Oberflächenqualität in allen Dingen sowie die allgemeine visuelle Muster und das taktile Gefühl von Objekten und ihrer Umgebung, sowohl simuliert als auch tatsächlich. Textur kann glatt, holprig, rau, hart, visuell und taktil sein. Es ist ein Element, das Interesse an Ihrer Arbeit hinzufügt. Wiederholende Linien erzeugen Muster, die Haaren oder Grashalmen ähneln können. Die nickten Garnsträhnen in einem Pullover können auch visuelle Textur bilden. Visuelle Textur ist oft als Muster zu betrachten, weshalb ich es gerne mit den Prinzipalen einschließe . Techniken, die in der Malerei verwendet werden, um Textur zu zeigen, IE, die Trockenpinsel-Technik erzeugt eine grobe simulierte Qualität und eine schwere Anwendung von Pigment mit einem Pinsel oder anderen Implantat erzeugt eine grobe tatsächliche Qualität. Das nennt man Impasto. Physikalische Textur kann auch mit natürlichen oder gefundenen Objekten für echte taktile Effekte einbezogen werden. Es gibt einige Künstler, die Textur für maximale Wirkung verwenden. Es ist schwer zu sagen, was der beste Weg ist, sich ihm zu nähern. Wie bei den anderen Grundelementen gibt es in der Regel eine Mischung, die Farbe, Linie, Form haben kann , die sich mit den texturalen Qualitäten des Kunstwerks verbinden. Als nächstes werden wir sowohl reale als auch visuelle Texturen erforschen. 4. Texture 1: In dieser Demo werden wir verschiedene Arten von Acrylmedien und -gelen untersuchen. Hier können Sie die verschiedenen Arten von Medien und Gelen sehen, die ich in meinem Studio von Golden Liquitex und anderen Marken habe. Verschiedene Marken desselben Mediums können sich etwas anders verhalten. Also hier werden wir ihre Qualitäten zu erkunden und einige Texturblätter für zukünftige Referenz zu machen . Zuerst bereiten wir Aquarellpapier mit Jessup vor. Dadurch erhält das Papier einen Zahn, damit das Medium kleben kann, um dem Papier jemanden zu geben, der den feuchteren Medien und Gelen standhält. Ich benutze einen Silizium-Katalysator-Keil, um den Jess auf dem Papier zu verteilen. Aber Sie könnten auch ein Palettenmesser für Hotelschlüssel verwenden. Um das zu tun. Lassen Sie diese Papiere gründlich trocknen. Als nächstes in der Klasse gilt gibt es ein Handzettel namens Texturmediums Vorlage. Sie können dies als Anleitung ausdrucken, um Ihr Jessup-Papier mit einem Lineal aufzuteilen. Teilen Sie Ihr Papier in acht Abschnitte auf. Als nächstes schreiben Sie Ihre vier Überschriften. Kapazitätsebene, eine pastöse Tönung, Saugfähigkeit und Zeichnung. Und auf diesem Blatt werden zwei verschiedene Medien ausPinselstrich von Acrylfarbe in den ersten vier Abschnitten erkunden zwei verschiedene Medien aus , gefolgt von einer Linie mit einem Sharpie oder Farbmarker gezeichnet. Lassen Sie die Farbe trocknen. Als nächstes wählen Sie Ihr erstes Acrylmedium. Ich benutze ein Heavy Gloss Gel von Liquitex verteilt eine dünne Schicht im ersten Abschnitt. Im zweiten Abschnitt macht ein bisschen von einer anderen Farbe Acrylfarbe mit dem Gel, um es zu färben. Kratzen Sie durch das Gel in der ersten Platte, um die Farbe und die Linie darunter zu sehen. In den dritten, vierten Abschnitten, eine dünne Schicht Gel am getönten Gel auf die zweite Platte verteilen und durch sie kratzen, um die Farbe und Linie darunter zu sehen. Stellen Sie die Jello Seite ein und wählen Sie Ihr nächstes Acrylmedium zu verwenden. Für meine nächste verwende ich ein Fasertempo von Golden. Wiederholen Sie die gleichen Schritte wie vor dem Ausbreiten einer dünnen Schicht des Mediums in der ersten, dritten, vierten Platte. Je nachdem, wie dick das Medium ist, müssen Sie es möglicherweise einige Male verteilen, um eine gleichmäßige Schicht auf dem Papier zu bekommen. Wie zuvor können Sie dem Medium nun Farbe hinzufügen, um es zu färben und zu verteilen. Im zweiten Abschnitt, kratzen Sie durch das Medium, um die Farbe unten in der Linie zu sehen. Lassen Sie das Gel und Medium trocken für ein paar Stunden über Nacht. Die Dicke verlangsamt die Trocknungszeit. Nun, da das Schwerglanzgel und die Faserpaste vollständig trocken sind, können Sie sehen, wie transparent oder undurchsichtig sie sind, wenn sie trocken sind. Das Gel ist klar und die Paste ist undurchsichtig. Fügen Sie als Nächstes einen Pinselstrich Farbe über die Skriptbereiche hinzu. Und in den ersten beiden Abschnitten sehen Sie die Transparenz oder Undurchsichtigkeit des Gelmediums beim Überstreichen. Als nächstes werden wir uns ansehen, wie saugfähig das Gel oder die Paste ist. Wählen Sie zwei andere Farbfarben aus. Ich verwende flüssige Acrylfarbe und füge ihnen Wasser hinzu, um sie bei einem Pinselstrich jeder Farbe nebeneinander verdünnen zu lassen. In den dritten Abschnitten, sprühen Sie ein wenig Wasser auf sie, um zu sehen, wie die, wie sie mischen oder bluten in das Gel oder Paste. Sie können sehen, wie die Farbe nur auf dem Gel perlt, sich aber ausbreitet und denkt, dass sie in die Paste versinkt. schließlich im vierten Bedienfeld Wählen Sieschließlich im vierten Bedienfeldeinige verschiedene Zeichenmaterialien aus. Stellen Sie sicher, dass die Oberfläche des Gels oder der Paste vollständig trocken ist. Ich benutze ein Schwarzes, um gelegt zu werden. Alle Bleistift, ein orangefarbter Bleistift. Vereinbaren Sie Neo Farbe zum Buntstift, einem schwarzen Mikron Pinselstift und einem roten Ölpastell. Das Glanzgel greift die Zeichenmaterialien nicht sehr gut an. Es ist ein bisschen rutschig und die Faserpaste Textur wird durch die Zeichenmaterialien verbessert. Mit diesem Ansatz können Sie also eine Bibliothek von Texturblättern erstellen, die als Referenzlinien für Ihre zukünftigen Bilder verwendet werden können. 5. Texture 2: In dieser Demo werden wir sowohl die reale als auch die visuelle Textur untersuchen. Sie benötigen ein JSR Stück Aquarellpapier und eine leichte oder flexible Formpaste. Außerdem benötigen Sie eine Schablone mit einer Vielzahl von Abstandsausschnitten. Hier können Sie sehen, wie ich meine Schablonen organisiere. Dies ist ein 30,5 x 30,5 cm Sammelalbum Ordner mit Kunststoff-Scrapbook-Schutzbögen und einem Stück Scrapbookpapier dazwischen. Ich würde empfehlen, Altpapier zu verwenden, das auf beiden Seiten gefärbt wurde und das ist einfacher, Ihre Schablonen zu sehen, es sei denn, Ihre Schablonen sind gut geliebt und mit Farbe bedeckt. Sobald Sie Ihre Schablone mit Malerband ausgewählt haben, sichern Sie sie und das Aquarellpapier zusammen auf Ihrem Tisch. Ich hatte eine flexible Formpaste von Liquitex ausgewählt, aber als ich sie öffnete, war sie fest getrocknet. Also stellen Sie sicher, dass ihr Deckel richtig geschlossen ist. Stattdessen verwende ich jetzt eine leichte Formpaste von Golden, mit einem Palettenmesser oder Hotelschlüssel Spread und sogar Schicht der Paste über der Schablone auf das Papier. Die überschüssige Paste von der Schablone abkratzen. Und wenn Sie das Papier abdecken, entfernen Sie die Schablone vorsichtig und legen Sie sie sofort zur Reinigung in ein Tablett mit Wasser. Sie möchten nicht, dass Paste oder Gel in die Löcher stecken. Deine Schablone. Legen Sie Ihr geklebtes Papier für ein paar Stunden beiseite, um über Nacht gründlich zu trocknen. Jetzt werde ich Ihnen ein paar Möglichkeiten zeigen, dieses strukturierte Papier zu verwenden. Zuerst ist eine Farbkratztechnik mit Skizzenbuch Papier, mit verschiedenen Farben von flüssiger Acrylfarbe. Sie können den Hotelschlüssel verwenden, um die Farbe über das strukturierte Papier zu kratzen. Dies wird das Schablonenmuster und Farbe erfassen, wodurch eine visuelle Textur entsteht. Wiederholen Sie diese Schaben Technik mit Deli Papier, das auch trockenes Wachspapier genannt wird. Dieses Papier ist dünn, aber sehr stark, so dass Sie etwas härter kratzen können, um mehr von dem Muster aufzunehmen. Jetzt können Sie sehen, wir sind visuelle Textur wird Muster. Als Nächstes machen wir Mono-Druck mit dem Jelly-Plate. Das hier ist acht mal 10 Zoll und ich habe es auf eine Einweg-Farbpalette gelegt. Oder Sie können weißes Gefrierpapier verwenden. Ich benutze flüssige Acrylfarben und eine Satinglasflüssigkeit von Golden. Dies hilft, die Farbe länger nass zu bleiben, was beim Delhi-Druck notwendig ist. Ich habe die Farbmischung auf die Gelee Platte hinzugefügt und dann eine Gummibrayer verwendet, um die Farbe sehr dünn und gleichmäßig zu verteilen. Dann verwende ich strukturierte Paste Papier, um als Stempel auf die Gelee Platte zu wirken. Sie können sehen, dass die Farbe auf die Textur übertragen wird. Jetzt gibt es Muster auf dem Gelee-Teller. Ich benutze Skizzenbuchpapier auf beiden lackierten Oberflächen, um die Muster aufzunehmen. Sie können den Gelee Druck auf dem Papier und dann einen schwachen Geisterdruck aus dem strukturierten Papier sehen. Dies ist ein guter Schritt, um Ihre Platte oder strukturiertes Papier zu bereinigen. Ich putze auch die Farbe von meinem Brayer auf meinem Geisterdruckbogen. Sie können die Farbe und die Liaising-Flüssigkeit direkt auf dem Gelee mit Ihrem Gebet mischen. Dies beschleunigt den Farbdruckprozess, wie zuvor. Verwenden Sie Ihr strukturiertes Papier als Stempel auf dem Gelee-Teller. Sie können sehen, wie Ihr Stempel visuell interessanter wird , wenn jede Ebenenfarbe hinzugefügt wird. Diesmal verwende ich das Deli-Papier, um die Drucke von der Platte und Dell und strukturiertem Papier zu ziehen . Und dann putze ich meinen Gelee-Teller mit dem Geisterdruckpapier. Sie können diese Kombination aus Paste und Schablonen verwenden, um sowohl reale als auch visuelle Textur zu schaffen , indem Sie diese gedruckten Papiere in Ihre Bilder collagen. 6. Muster und Wiederholung: Muster ist die geplanten oder zufälligen Wiederholungen von Farben, Linien, Werten und Texturen, um Muster zu erstellen und Oberflächen von Gemälden zu verbessern. Muster treten oft in der Natur auf und Künstler verwenden ähnliche wiederholte Motive, um Muster in ihrer Arbeit zu schaffen. Muster erhöht die visuelle Aufregung durch Bereicherung des Oberflächeninteresses. Sie können regelmäßige Muster haben, ein Tropfenmuster oft in Stoffen gesehen und in einem regelmäßigen Muster, das als visuelle Textur gelesen werden kann. Wiederholung von Linie, Farbwert oder Form verstärkt Ihre Idee, die Sie versuchen, mit diesem Designelement zu kommunizieren. Ihr Betrachter singelt oft in einer bestimmten Farbe oder Form und fällt es durch die Komposition. Verwenden Sie gutes Urteilsvermögen in Ihren Wiederholungen und vermeiden Sie zufällige Platzierung. Planen Sie sorgfältig an Ort und Stelle Wiederholungen, wo sie Rhythmus, Bewegung und Muster verbessern und helfen Sie den Zuschauern, durch die Komposition zu reisen. UserID mit Wiederholung, um Langeweile zu verhindern. Betrachten Sie Wiederholung oder Gerät sorgfältig in achtsam verwendet werden, was wiederholen Sie? Eine Form, richten Sie eine Farbe oder ein Muster aus. Was zählt, ist Wiederholung? Kannst du deinen Frieden ohne Wiederholung schließen? Wie eine kleine Wiederholung können Sie davonkommen, wie viel Wiederholung und welche Elemente können Sie verwenden und noch Dinge haben jetzt Freitag, um das Stück interessant zu machen, diese Zeile der Befragung kommt darauf an wie viel oder wie wenig Kontrast Sie wollen, in welchen Bereichen. Es gibt keine Regel oder Lösung, die für jedes Gemälde funktioniert, noch gibt es spezielle Richtlinien. Die Wiederholung einiger Elemente ist nur ein Aspekt, der in der Komposition berücksichtigt werden muss. Als nächstes werden wir Muster und Wiederholungen erforschen. 7. Pattern 1: Eine der einfachsten Möglichkeiten zum Erstellen von Mustern ist die Verwendung von Linien und Formen. Hier zeige ich Ihnen mein Muster Skizzenbuch, das neun mal 12 Zoll und eine Vielzahl von Größen ist, eine schwarze scharpie Marker in den Handouts Ich habe eine Musterkarte Vorlage, die ich ausdrucke und verwende unter meiner Skizze Buchseite für zwei Dinge. Erstens, es verhindert, dass die Sharpie Tinte auf die nächste Seite darunter blutet. Und 2. Dann können Sie Ihre Skizzenbuchseite mit Mustern scannen und auf einem weißen Karton drucken , um es als Musterkarten für zukünftige Referenz zu schneiden. Sie verwenden also Malerband, um die Musterkarten-Vorlage auf der Rückseite Ihrer Skizzenbuchseite zu sichern . Als Nächstes können Sie mithilfe einer anderen Kombination von Markergrößen wiederholte Linien oder Formen und in jedem der acht Abschnitte Vorlagen so einfache oder komplexe Muster erstellen, Linien oder Formen und in jedem der acht Abschnitte Vorlagen so einfache oder komplexe Muster erstellen, wie Sie möchten. Wenn er nach Ideen stecken bleibt, gehen Sie zu Pinterest oder Google Images und suchen Sie nach Zen-Gewirr. Dies ist eine kritzelnde Kunstform, die auf schwarzen und weißen handgezeichneten Mustern basiert. Es ist eine gute Idee, die Größe Ihrer Muster auch zu vermischen. Es ist gut, eine Vielzahl von Mustern in Ihren Bildern zu haben , um Interesse für den Betrachter zu schaffen. Also, sobald Sie Ihr Deck ein Muster Karten haben, können Sie dieses Werkzeug verwenden, wenn Sie in Ihrem Gemälde stecken bleiben und etwas brauchen, um starten Sie aus einem Block. Sie können die vorhandenen Muster in Ihrem Gemälde studieren und durch das Deck schlurfen, ein neues Muster definieren, um es hinzuzufügen. Sie können auch das Muster in Ihrem Gemälde umkehren. Wenn Ihre Karte dunkle Flecken auf einem hellen Hintergrund zeigt, um helle Flecken auf einem dunklen Hintergrund. Diese Musterkarten sind eine großartige Ressource, um als abstrakter Maler zur Hand zu haben. 8. Pattern 2: In dieser nächsten Demo werde ich Ihnen zeigen, wie Sie Ihre eigenen benutzerdefinierten Stempel erstellen, um Muster zu erstellen. Die erste Technik ist es, einen Stempel mit dem Speedball zu schnitzen, einfach geschnitzte Block. Dies ist fast wie ein riesiger rosa Radiergummi, und es ist wirklich einfach, mit Lineup Cutter zu schnitzen. Ich finde es am einfachsten, auf dem Sprung Schnitzer zu haben. Eine mit einer größeren Schneidklinge zum Entfernen von Schüttgut und eine mit einer kleineren Schneidklinge. Für die detaillierte Arbeit habe ich einen Schwarzen unter allen Bleistift verwendet, um mein Design auf den Block zu zeichnen. Sobald Sie Ihr Design geschnitzt haben, können Sie entweder Acrylmalerei oder Druckfarbe auf Ihrem Stempel verwenden. Ich verwende schwarze Acrylfarbe auf Einweg-Palette und Skizzenbuch, Papier zum Drucken. Sie können die Richtung des Stempels ändern, um eine Sorte in Ihrem Muster zu erstellen. Die nächste Registerkarte, die wir machen werden, ist die Verwendung von Craft Schaumstoffplatten, Gator Board, die Kunststoff Wellpappe ist, und doppelseitiges Teppichband. Sie können diese letzten beiden Artikel in einem großen Box-Baumarkt zu finden. Sie können auch Acrylgel Medium als Klebstoff für den Schaum verwenden. Wenn Sie kein Teppichband finden und dickes Pappe als Basis verwenden können, sollten Sie möglicherweise beide Seiten des Kartons beschichten, um es haltbarer für den Druck zu machen. Ich habe eine Reihe von Filmstreifen geschnitten und sie in das Gel gelegt. Dies muss für mehrere Stunden oder über Nacht trocknen. Als nächstes schneide ich eine Vielzahl von Kreisen in verschiedenen Größen und lege sie auf das klebrige Teppichband. Sie können auch Muster erstellen sind Linien in den Schaum mit der Spitze des Bleistifts. Auch hier verwende ich schwarze Acrylfarbe, um auf mein Skizzenbuch Papier zu stempeln. Wenn Sie den Stempel direkt in die Farbe legen, ergibt sich manchmal eine ungleichmäßige Lackierung. Also für den nächsten Druck malte ich die Farbe tatsächlich mit einem Pinsel auf den Stempel. Sie können auch einzelne Stempel erstellen. Hier habe ich Schaum an Korken unterschiedlicher Größe befestigt, um einzelne Stempel zu machen. Sie brauchen auch nicht mit dem ganzen Stempel zu stempeln. Sie können einen Teil davon auch von der Seite gehen lassen. Sie können die leeren Felder auf dem Papier mit einem kleineren Korkstempel füllen. Es liegt an Ihnen, wie Sie Ihre Stempelmuster erstellen möchten. Überlegen Sie erneut, ein regelmäßiges Muster, Fallmuster oder unregelmäßige Muster zu haben . 9. Rhythmus: Rhythmus ist die Wiederholung von visuellen Bewegungen, Farben, Formen oder Linien. Abwechslung ist wichtig, um Rhythmen spannend und aktiv zu halten, und um Monotonie Bewegung und Rhythmus zu vermeiden , arbeiten zusammen, um das visuelle Äquivalent eines musikalischen Beats zu schaffen. Es schafft ein visuelles Tempo in Kunstwerken und bietet einen Weg für die Zuschauer Auge weiter in Malerei folgen definiert ist als die Schaffung bestimmter Markierungen, Farben, Linien oder Formen in ihm, kontinuierliche und wiederholende Art und Weise. Mit anderen Worten, ein Muster. Sie werden regelmäßig progressiven oder fließenden Rhythmus haben. Wiederholung und Muster helfen, das Auge des Betrachters auf einfache und flüssige Art und Weise um ein Bild zu bewegen . Sie fungieren als Moderatoren, um das Auge auf Komponenten zu lenken , die Sie betonen möchten, und um Bewegung, Interessen, Fluss und allgemeine Einheit zu fördern . Etablierte Rhythmus durch Variieren der Räume zwischen verwandten Elementen in einer Komposition. Sie können Linien und Farben verwenden, um den Rhythmus zu unterstützen, z. B. mit einem Staccato, rosa Zickzack oder zentristischen eleganten blauen Fluss. Vermeiden Sie die Unterbrechung der arithmetischen Progression es sei denn, Sie möchten die Bewegung absichtlich stoppen. Seien Sie konsistent mit der Reihenfolge von Formen und Farben, aber stellen Sie IT. Widersprüchliche Rhythmen stören die Einheit. Versuchen Sie also nicht, sich mitten in einem Walzer zu verheddern. Kannst du spüren, wie sich dein Auge schnell über enge Vertikale bewegt? Der beste Ort für einen Brennpunkt ist, wo sich das Auge in einem gemächlichen Tempo bewegt. Rhythmus bewirkt, dass sich Ihr Gegenstand schnell durch eng angeordnete Elemente bewegt und langsamer über größere Intervalle hinweg bewegt. So variieren Sie Ihre Räume in Ihren Intervallen während Ihrer Komposition, um das Auge in Bewegung zu halten. Als Nächstes werden wir den Rhythmus erforschen. 10. Rhythm: In dieser Demo, werden Sie ein Blatt weißes Bristol Papier und verschiedene Werte von Kartonbestand und hell und dunkelgrau und schwarz schneiden diese farbigen Papiere in einfache Formen, entweder mit Papierstanzungen oder mit Schere. Die Ziele Taucher Vielzahl von Formen, Größen und Werten. Sobald Sie Ihre Formen ausgeschnitten haben, können Sie beginnen, sie auf dem weißen Hintergrund zu bewegen, um ein intuitives Gefühl für Rhythmus zu erhalten , macht die Größe und den Abstand dieser Formen. Sie können wählen, um die Formen des Klebestifts nach unten zu kleben, wenn Sie die Arrangements beibehalten möchten. Oder Sie können tun, was ich tue und einfach Fotos mit Ihrem Smartphone oder Digitalkamera machen, um später als Referenz zu betrachten. Spielen Sie mit der Anordnung der Formen in verschiedenen Winkeln zueinander und mischen Sie die Dunkelheit und Lichter oder Größen. Es ist fast so, als würden Sie versuchen, ein Musikstück visuell zu schreiben, ein Gefühl für die Beats und das Tempo zu bekommen. Geht es zu schnell oder langsam? Ist es ein stetiger Beat? Studieren Sie Ihre Rhythmusfotos und sehen Sie, welche Arrangements Sie mehr ansprechen. 11. Überprüfen von Design-Fragen: Design-Frage, Check-in, Wiederholung, Rhythmus und Muster. So Ihr visueller Beat, der hilft oder behindert die Anzeige des Bildes. Und wenn ja, welche Rolle spielt es bei der Schaffung von Bewegung, Stimmung oder Struktur? Ist die Verwendung von Muster, dekorativ oder unterstützend? Wie wird Muster verwendet, um Maßstab oder Raum zu schaffen? Gibt es ein visuelles Echo oder Wiederholung von Elementen, die das Thema des Stückes unterstützen? 12. Bewegung und Gradation: Bewegung und Rhythmus. Sie sind eng mit Muster und Wiederholung verwandt. Der Unterschied ist der Abstand zwischen den wiederholten Formen, Linien, Farbe. Indem Sie Dinge in verschiedenen Größen um die Komposition platzieren, bilden Sie einen wunderbaren Tanz von Elementen, die einen illusionären Sinn für Musik vermittelt. Sie schaffen einen Rhythmus in Ihrer Komposition. Gleichmäßig angeordnete Objekte sind sitzend, während unregelmäßige Objektplatzierungen in einem Winkel Aufregung und Rhythmus erzeugen , abhängig von der Stimmung, die Sie ausdrücken möchten. Verstehen Sie diese Prinzipien können einen langsamen Tanz zu einem Hip-Hop bestimmen , wo Ihr Auge bewegt sich in einem Gemälde hat viel mit visuellem Gewicht zu tun. Und visuelles Gewicht bezieht sich darauf, wie viel Aufmerksamkeit die verschiedenen Teile Ihres Stückes Befehl. Wohin geht dein Auge zuerst und wohin geht es weiter? Die Bewegung wird von Künstlern genutzt, um die Zuschauer durch ihre Arbeit zu lenken, oft in einen Brennpunkt. Eine solche Bewegung kann entlang Linien, Kanten, Formen, Farben innerhalb der Arbeit gerichtet sein , bewegt aber das Auge am leichtesten auf gleichwertigen Pfaden. Diagonale Linien wirken dynamisch und vertikale und horizontale Linien sind stabil und beruhigend. Gekrümmte Linien erzeugen fließende Bewegungen, während fortschreitende Werteänderungen das Auge in oder von den Mittelpunkten führen können. Schrittweise Änderungen der Konstruktionselemente weisen auf eine Bewegung hin und ermöglichen einen anmutigen Übergang von einem Farbbereich zum anderen. Sie können beispielsweise die Farbtemperatur schrittweise von warm zu kühl ändern oder die Farbwerte von hell zu dunkel ändern. Wenn sich Shapes ändern, unterstützt Unity besser als abrupte Änderungen. Wenn Sie also nicht ein Konzept wie Gewalt oder wütend ausdrücken möchten, überlegen Sie, wie Sie Abstufung mit Elementen des Designs verwenden können, um Veränderung und Bewegung zu schaffen. Schrittweise Änderungen in Gestaltungselementen können auf vielfältige Weise ausgeführt werden , die zu rhythmischen Bewegungen über ein Stück oder im Hintergrund beitragen. Wie könnten Sie einige der Abstufung mit Ihrem Thema gezeigt. Als Nächstes erforschen wir die Bewegung. 13. Demo für die Bewegung: In dieser Demo benötigen Sie Skizzenbuch Papier, Zeichenmaterialien. Ich benutze einen Graphitstift und deine ausgeschnittenen Formen aus der vorherigen Übung. Zuerst erwärmen Sie sich mit Zeichenlinien in verschiedenen Ausrichtungen. Und Sie können den Druck der Linie auf dem Papier variieren. Sie können ein paar dieser Zeichnungen zum Ausdruck bringen verschiedene Arten von Werbeaktionen oder Musik hören und versuchen, zu zeichnen, was Sie hören. Experimentieren Sie als Nächstes das Zeichnen von Linien und lassen Sie sie mit den Papierformen interagieren. Auch wenn Sie diese Studien behalten möchten, kleben Sie die Formen mit einem Klebestift herunter oder nehmen Sie digitale Fotos auf, um später zu verweisen. Die Idee hier ist, Ihr Auge um das Papier zu bewegen und ob Sie Linie verwenden möchten, um Ihr Auge zu einer bestimmten Form oder weg von ihm zu führen. 14. Überprüfen von Design-Fragen: Design-Frage, Check-in, Bewegung und Richtung. Wie wird das Auge des Betrachters durch die Komposition geführt? Wo oder warum verlasse ich das Bild. Gibt es irgendetwas, was behindert oder ablenkt, dass ich Bewegung habe? Und wenn ja, ist es beabsichtigt? Sind ihre Winkel, Kurven, Pfeile oder implizierte Bewegungen sind Unterströme, die den Betrachter daran hindern, das gesamte Stück zu erkunden. 15. Kontrast und Vielfalt: Kontrast bezieht sich auf die Anordnung von gegenüberliegenden Elementen und Effekten. Zum Beispiel aufgehellte dunkle Farben, glatte und raue Texturen, große und kleine Formen. Kontrast kann verwendet werden, um Abwechslung, visuelles Interesse an Drama in einem Kunstwerk zu schaffen . Dynamischer Kontrast zieht die Aufmerksamkeit auf den wichtigsten Bereich. Verwenden Sie Wertekontrast für visuelle Empfindung und Farbkontrast für emotionalen Ausdruck. Kontrastieren Sie Kanten, Linien und Formen, ändern Sie Farben, um Aktivität und Bewegung zu erzeugen. Zu Donna fügen ihre Horizontale sanfte Schrägschrägen zu analogen Farben hinzu. Ein flackernder Kontrast zu einer hohen Tastenfarbe, mehr Wert Kontrast. Lassen Sie Ihr Stück mit kontrastierender Energie zu Farbe vibrieren, indem Sie Farbschemata verwenden, die auf Unterschieden und nicht auf Ähnlichkeiten basieren. Übertreiben Sie Farb- und Wertkontraste für Auswirkungen. Sie können viele Aspekte eines Gemäldes durch die Linse betrachten wie viel oder wie wenig Kontrast Sie haben. Und das berücksichtigt Optionen und Vorwärtsbewegung. Ich meine nicht, dass Sie viel Kontrast haben müssen und eine gute Komposition machen müssen. Aber wenn Sie in einer Reihe von Aspekten auf den Grad des Kontrastes achten, können Sie Ihre Idee und das Verständnis von Komposition stark erhöhen. Wie viel oder wie wenig Kontrast Sie in Ihr Bild einspritzen, in welchen Aspekten davon liegt Ihnen und welche Gleichheit und wo, wieviel Unterschied hängt davon ab, was Ihnen als Künstler für ein bestimmtes Gemälde richtig anfühlt . Eine Person langweilig könnte eine andere Person meditativ sein. Zum Beispiel kann die aufregende und überzeugende Person ein zufälliges Durcheinander zu einer anderen sein. Sehr niedriger Kontrast in einem Aspekt und hoher Kontrast in einem anderen könnte für ein Bild geeignet sein, während ein anderes Gemälde, mein Ruf nach subtil überall. Vielfalt bezieht sich auf die Elemente der Zusammensetzung, die sich voneinander unterscheiden. Vielfalt schafft visuelles Interesse an Energie. Viel Abwechslung kann ein Kunstwerk belebt oder überwältigend aussehen lassen, wenn es mit Einheit gepaart wird, bietet Vielfalt dem Betrachter Sehenswürdigkeiten. Als Nächstes erforschen wir den Kontrast. 16. Kontrast Demo: Für diese Aktivität möchte ich, dass Sie eine Reihe von Gegensätzen mit einem Design-Elemente für Ihre Inspiration brainstormen . Zur Erinnerung: Die Designelemente sind ausgekleidet, Wert für Raum, Form und Farbe. Und Sie können Textur als auch betrachten. Also für Linie, können Sie dick gegen dünn für Form, organisch gegen geometrisch. Bei Wert, hell im Vergleich zu dunkel für Farbe. Und Sie können weich und gedämpft gegen fett haben. Für die Form könnte der Stift die Größe, kleine Vergrößerung und für Textur keine im Vergleich zu Lose sein. Ich bin mir sicher, dass Sie viele Beispiele finden können, wie harte Kanten im Vergleich zu gezackten Kanten und so weiter. Sie können entweder dieses Brainstorm-Blatt so verwenden, wie es ist, oder verwenden Sie die Kartenvorlage und schreiben oder geben Sie Ihre Gegensätze in die Karten ein. Jetzt haben Sie eine Referenz, um Sie zu führen, wie Sie Ihr Gemälde erstellen und Sie denken, wie Sie mit ihm vorankommen. Überprüfen Sie auf eine gute Mischung von Kontrasten. Schrieb Ihr Stück für IT schafft Interessen für den Betrachter. 17. Überprüfen von Design-Fragen: Design-Frage, Check-in, Abwechslung und Kontrast. Gibt es genug oder zu viel Variation zwischen den Elementen, um die Aufmerksamkeit des Betrachters zu behalten? Oder scheint es eine allgemeine Gleichheit zu geben, die die Dinge langweilig macht? Haben die Elemente zueinander in einer Weise, die die Dinge sogar vorhersehbar macht. Habe ich genug Variationen von Größen, klein, mittel und groß? Hebt sich irgendein Element dadurch ab, dass es einzigartig ist oder sich von denen unterscheidet? 18. Betonung: Schwerpunkt wird von Künstlern verwendet, um Dominanz und Fokus in ihrer Arbeit zu schaffen. Künstler können Farbe, Wert, Formen oder andere Kunstelemente hervorheben, um Dominanz zu erreichen. Verschiedene Arten von Kontrast können verwendet werden, um ein Zentrum des Interesses zu betonen. Ein Brennpunkt ist der Mittelpunkt der Aktion. Es gibt drei primäre Werkzeuge, die der Designer Maler verwendet, um Dominanz zu betonen. Unser Kontrast, Platzierung und Isolation. Der Schwerpunkt hat damit zu tun, Ihren Fokus zu finden oder was Sie möchten, dass der Betrachter am meisten über das Element, das Sie wählen, um dominant zu sein. Sie können Hervorhebungen auf verschiedene Arten erstellen. Erhöhen der Farbintensität, Verdunkelung oder Aufhellung des Kontrastes durch die Verwendung von konvergierenden Linien oder sogar isolieren Sie das Objekt, das er am meisten visuell tragen möchte. Der Schwerpunkt ist der Ort in Ihrem Gemälde, wenn Ihr Auge natürlich auf den ersten Blick gezeichnet wird, Sie malen nur eine Sekunde. Und was Sie sehen, ist manchmal eine Herausforderung, diese Perspektive auf Ihre eigene Arbeit zu bekommen. Also finde ich es hilfreich, von ihm ungefähr 10 Fuß zurückzutreten oder ein Foto zu machen und auf einem Bildschirm zu sehen, dann Blick für nur eine Sekunde. Sei ehrlich über das, was du siehst. Möglicherweise haben Sie dafür gedacht, dass ein Bereich Ihr Schwerpunkt ist, aber das Stück kann nicht mit Ihnen übereinstimmen. Einen Schwerpunkt zu sehen, geht es um leitende Arbeit. Es geht um Beobachtung. siehst du zuerst, wenn du ein Gemälde oder ein Gemälde anschaust und Fortschritte machst? Das ist Ihr Brennpunkt oder Bereich größtes visuelles Gewicht. Als nächstes werden wir den Schwerpunkt erforschen. 19. Demo zum Emphasis: In meiner vorherigen Klasse, Abstraktion, Eins-zu-Eins-Design-Elemente, sprachen wir über die Regel der Drittel und wie Zentren von Interesse oder Fokuspunkte auf die Schnittpunkte dieser Trennlinien fallen. In dieser Klasse haben wir ein Raster über R-Wert-Studien angewendet , um den Kontrast dieser Punkte zu verbessern. Nicht jeder Schnittpunkt muss ein Brennpunkt sein. In der Tat sollte es nur einen Stern der Show geben, wobei die anderen Bereiche die Spieler unterstützen, dabei zu helfen, das Auge um das Bild zu bewegen. Ein weiteres sehr nützliches Kompositionswerkzeug, das im Laufe der Geschichte verwendet wird, um das Auge um das Bild zu Ihrem Brennpunkt zu führen , wird das goldene Verhältnis genannt. Es erscheint wie eine Spirale, wie eine Muschel nach innen spiralförmig ist. Das goldene Verhältnis wird von einer mathematischen Reihe abgeleitet, die Fibonacci-Serie genannt wird, wobei jede aufeinanderfolgende Zahl zu der davor addiert wird. Oder wenn Sie sich die Liniensegmente von a plus b ansehen, erhalten Sie einen numerischen Wert von 1.618. Wenn Sie Google das goldene Verhältnis und Sie können sehen dass es im Laufe der Geschichte auf Architektur angewendet, Gemälde, oder sogar moderne fraktale Designs. Sie können mit diesem Verhältnis experimentieren, um einen Brennpunkt in Ihrem Bild zu erstellen. 20. Überprüfen von Design-Fragen: Design-Frage, Check-in, Dominanz in der Betonung. Was erregt meine Aufmerksamkeit zuerst? Und warum soll das Auge des Betrachters dahin gehen? Gibt es eine visuelle Hierarchie, die deutlich macht, wann eine Sache wichtiger ist als etwas anderes. Gibt es ein Element, das der Stern der Show ist und von den anderen Elementen unterstützt wird? 21. Balance und Proportion: Bounce a art bezieht sich auf die Verwendung symmetrischer Elemente, Formen gleicher Gewichts auf beiden Seiten eines zentralen Punktes oder asymmetrische Elemente, Formen und Formen sind ungleichmäßig, aber immer noch ausgewogen in Bezug auf ihr visuelles Gewicht. Dieses Gleichgewicht zu finden, kann eine Herausforderung beim Malen sein, aber je mehr Sie experimentieren und üben, desto leichter wird es sein, das Gefühl zu bekommen, was Balance bedeutet. Und unsere Arbeit mit symmetrischer Balance ist gut ausbalanciert und sieht sogar stabil aus, wenn eine Seite des Artworks die andere absolute Symmetrie hat. Wenn das symmetrische Gleichgewicht nicht genau ist, es bilaterale Symmetrie genannt. Ein Kunstwerk mit asymmetrischer Balance ist in einigen Bereichen schwerer oder leichter, es kann instabil aussehen und macht den Betrachter unangenehm. Asymmetrisches Gleichgewicht als dynamisches Aussehen zu Kunstwerken und lenkt oft die Aufmerksamkeit auf die Schwerpunkte in der Komposition. Und Artwork mit radialem Gleichgewicht ist um eine zentrale Komponente angeordnet, Formen und Objekte in einer radialen Gleichgewichtskomposition scheinen einem kreisförmigen Brennpunkt des Kunstwerks herauszustrahlen. Asymmetrische Designs sind in der Regel komplexer als symmetrische, halten aber oft Ihr Interesse länger, weil sie zusätzliche Aufmerksamkeit erfordern, um ihre Balance zu identifizieren. Erwägung, im Gegensatz zu Elementen wie Federn und Blei zu kombinieren, können Sie es sehr dichte, visuell schwere Fläche würde nicht expansiven offenen Raum ausgleichen . Dieses Stück wäre nicht symmetrisch, aber es kann sich ausgewogen anfühlen. Proportionate hat mit der Größe und dem Umfang der verschiedenen Elemente in einem Gemälde zu tun. Jedes Element ist in Bezug auf das andere und auch mit dem Ganzen. Diese verschiedenen Elemente sollten sich nicht gegenseitig um Bedeutung kämpfen, wenn sie es sind, die allgemeine Botschaft und Zusammensetzung eines Stückes wird verwirrend und unklar sein. Künstler können Maßstab und Anteil von Kreta verwenden. Empfindungen wie Tiefe, Realismus, Desorientierung und Drama. Scale on ART beschreibt die Größe eines Objekts im Verhältnis zu einem anderen und bezieht sich auch auf unsere Wahrnehmung von Perspektive und Proportion. Kunstwerke, die realistisch aussehen oder ähnlich wie reale Objekte skaliert werden. Skala in der Kunst kann sich auch auf die Gesamtgröße des Werkes beziehen. Hierarchische Skala ist eine Technik, die in der Kunst verwendet wird, die oft in Skulptur und Malerei verwendet wird, in der der Künstler Objekte in einem natürlichen Maßstab darstellt , um ihre Bedeutung oder ihr Fehlen zu zeigen. Diese Größenmanipulation zieht das Auge des Betrachters, wo der Künstler Aufmerksamkeit wünscht. Als Nächstes werden wir das Gleichgewicht erforschen. 22. Demo für die Balance: In dieser Aktivität werden wir radiales Gleichgewicht erforschen, indem wir Mandalas zeichnen. I Mandela, was Kreis und Sanskrit bedeutet, ist ein kreisförmiges geometrisches Muster, das ein Objekt der Meditation sein soll , um eine spirituelle Entwicklung zu unterstützen, Ich habe drei verschiedene Vorlagen zur Verfügung gestellt, um Ihnen zu helfen und beginnen, Ihre Mandela zu zeichnen, jeweils in acht Abschnitte unterteilt. Ich verwende Skizzenbuchpapier und einen schwarzen Scharfstift, um meine Entwürfe zu zeichnen. Auch hier kann der Blick auf Zen-Gewirrmuster eine große Inspiration für die Gestaltung Ihrer Mandela sein. Im Interesse der Zeit zeichne ich nur in einem Segment des Kreises. Normalerweise würden Sie jeden Ring des Kreises beginnen in der Mitte und arbeiten Sie Ihren Weg zur Außenseite des Kreises zu Ihrer Mandela. Sie können Ihrem Mandela Farbe hinzufügen, wenn Sie fertig sind, oder lassen Sie es in Schwarz und Weiß. Wenn Sie fertig sind, können Sie die radiale Symmetrie bewundern, die Sie wie eine Sonnenblume oder Schneeflocke erstellt haben. 23. Überprüfen von Design-Fragen: Design-Frage, Check-in, Anteil und Balance. Betrachten Sie Skala und Proportionen. Dritte Möglichkeit, zu sagen, wie groß oder klein, entfernt oder schließen Sie die Bilder. Wie hoch ist die Augenhöhe des Betrachters und wie wirkt sich dies auf die Reaktion auf das Bild aus? Fühlen wir die Beziehung der Teile des Bildes zum Ganzen? Wie hilft oder behindert das Format der Arbeit das Bild? Balance? Gibt es ein Gefühl von visuellem Gewicht, das die Komposition lopsided anfühlt? Gibt es ein Element, das eliminiert werden kann, ohne die Zusammensetzung auf andere Bereiche zu beeinflussen scheinen unnötig überladen. Haben andere Bereiche fühlen sich leer, um irgendwelche Bereiche scheinen Spannung zu verursachen , weil die Nähe zu einer Kante einer Gesamtform der Arbeit. 24. Einheit und Harmonie: Einheit ist einer der wichtigsten Aspekte der gut gestalteten Kunst und wird von der Künstlerin geplant. Unity bietet die zusammenhängende Qualität, die ein Artwork-Feld komplett und fertig macht. Wenn alle Elemente eines Werkes so aussehen, wie sie zusammengehören, hat der Künstler Einheit erreicht. Einheit, auch als Harmonie bekannt, ist ein Zeichenprinzip, das die Kohäsion eines Kunstwerks fördert. Wie ganzheitlich, konsequent und vollständig. Es scheint. Einheit in der Kunst. Es ist nicht unbedingt nur eine Wiederholung desselben Elements immer wieder, sondern als die angenehme Kombination von Elementen, um eine harmonische Komposition zu schaffen. Harmonie resultiert aus Beziehungen ähnlicher Elemente und Design wie erholsame Linien, monochromatische oder analoge Farbe, serine Bewegung, enge Werte oder vergleichbare Formen und Größen. All diese tragen zu einem Gefühl der Einheit, diesem Leitprinzip Design bei. Einige der Möglichkeiten, wie ein Designer oder Künstler Einheit erreicht, sind die Verwendung von ähnlichen Formen, Verwendung eines ähnlichen Musters, Harmonisierung von Farben, Nutzung von Raum, Verwendung eines einzigen Hintergrunds. Schaffung von Einheit und Kunst basiert oft eher in einem Sinne als in einem strengen Sinne von Regeln. Es hat zwei andere, die widersprüchliche Elemente lösen und die Gesamtarbeit in Harmonie zusammenbringen. Einheit geschieht, wenn die Arbeit ein Gefühl der Vollendung hat und jedes Element seinen Zweck in Bezug auf alle anderen erfüllt. Als nächstes werden wir die Einheit erforschen. 25. Demo für die Unity: In dieser Aktivität betrachten wir die Schaffung von Einheit durch Harmonisierung von Farbfarben. Sie benötigen eine Vielzahl von flüssigen Acrylfarben und auch das SAT und Verglasungsmedium. Hier male ich eine Reihe von farbigen Pinselstrichen auf Mixed-Media-Papier. Sie können sehen, wie lebendig die Farben gesättigt sind, wodurch sie stark miteinander kontrastieren. Wenn ich ein wenig von jeder Farbe zu einer Mischung vermische, erzeugt es eine neutrale Mutterfarbe, die jetzt alle Farben darin enthält. Als nächstes, wenn ich ein bisschen von dieser Mutter Farbe zurück zu jeder der ursprünglichen Farbfarben hinzufügen. Es wird helfen, zu harmonisieren oder haben die Farben Farben zueinander beziehen. Die neuen Farben sind ein wenig gedämpft, aber jetzt als eine Familie verwandter Farben gelesen. Eine andere Möglichkeit zu essen, zu vereinen oder harmonisierte Farbfarben besteht darin, eine farbige Glasur darüber zu malen. Hier verwende ich Quinacridon, Gold macht mit der Glasierflüssigkeit, um eine farbige Glasur zu erzeugen. Glasur muss transparent sein, um zu harmonisieren, als ob Sie durch Glasmalerei schauen. Jetzt wurden alle Farbfarben unter der Glasur leicht zusammen in Richtung einer goldeneren Farbe verschoben . 26. Überprüfen von Design-Fragen: Design-Frage, Check-in, Einheit und Harmonie. Ist die Arbeit abgeschlossen? die Elemente gut zusammen zu arbeiten, um die Hauptfigur zu unterstützen? Kämpfen sie miteinander? Wollen Sie um Aufmerksamkeit wetteifern? Hat die Arbeit das Gefühl, die gleiche Person es geschafft? Oder scheinen einige Teile aus dem Charakter zu bestimmten Bereichen ungelöst oder zaghaft zu sein. 27. Kritische Fragen: Warum sollten Sie Ihre Arbeit kritisieren? Der Hauptzweck einer Kritik ist es, Probleme zu lösen, die Probleme in einem Kunstwerk verursachen , und Ihnen zu helfen, zu entscheiden, ob etwas getan wird. Ziel ist es, Problembereiche zu identifizieren und dann Optionen zu bestimmen, um es zu lösen. Es gibt sieben Schritte, um Ihre Arbeit selbst zu kritisieren. Nehmen Sie zunächst ein Foto von Ihrem Bild, so dass Sie gezwungen sind, die Arbeit zu objektivieren. Zweitens, Inventar, wie jedes Element funktioniert. Drittens, identifizieren Sie, was die Probleme sind. Vier, betrachten Sie die Optionen für Änderungen. Fünftens, machen Sie eine Änderung nach dem anderen. Sechs, bewerten Sie, wie die Prinzipien funktionieren. Und siebten, wiederholen Sie den Vorgang, bis Sie das Gefühl, dass Sie eine gute Lösung gefunden haben. In den Handzetteln habe ich eine Design-Matrix-Vorlage bereitgestellt , die Sie verwenden können, wenn Sie Ihre Selbstkritik durchführen. Möglicherweise haben Sie nicht alle Elemente sind Prinzipien in Ihrem Gemälde. Aber jetzt können Sie sich Fragen stellen, während Sie Ihr Gemälde überprüfen. Zusammenfassend, machen Sie eine Checkliste und studieren Ihre neuesten Grafiken, um zu sehen, wie Sie diese wichtigen Design-Tools verwenden, welche am häufigsten Ihre Arbeit erscheinen, die am effektivsten sind, wo Ihre Schwachstellen. Die Elemente und Prinzipien des Designs sollen Richtlinien sein, auswendig lernen, sie bewusst nutzen und schließlich werden sie zu einer zweiten Natur für Sie. 28. SCHLUSSBEMERKUNG: Vielen Dank, dass Sie meine Klasse Abstraktion zu einem Design-Prinzip gebracht haben. Wir haben viele Übungen in kurzer Zeit abgehalten , um diese sieben Konstruktionsprinzipien zu erkunden. Wir haben gelernt, wie wir diese Prinzipien nutzen können, um unser Kunstwerk zu stärken und zu kritisieren, was fehlt und wie wir es beheben können. In meiner nächsten Klasse dreht sich alles um Farbe. Also habe ich während der Abstraktion 101 und 21 ein bisschen Farbe berührt. Aber Abstraktion Drei-zu-Eins, die Erforschung von Farben wird auf das Mischen von Farben und das Betrachten von Farbbeziehungen konzentriert. Also, wer auch immer Sie Ihre Fähigkeiten und Techniken verwenden, ich würde gerne sehen, was Sie machen. Also bitte laden Sie in den Projektbereich hoch und verbinden Sie sich mit mir auf Instagram bei Lexi liest Studio. Und wenn Sie diese Klasse genossen haben, vergessen Sie bitte nicht, eine positive Bewertung zu hinterlassen. Und ich hoffe, du wirst bald wieder mit mir lernen. Danke, und einen schönen Tag.