Transcripciones
1. ¡Te damos la bienvenida a la clase!: Hola a todos. Mi nombre es Will Elliston y estoy
encantado de tenerlos a todos aquí para la clase de hoy donde estaremos
pintando flores de narciso simples pero
cautivadoras Como artistas, no
sólo estamos pintando una flor. Estamos capturando la
esencia de una temporada. La alegría de los nuevos comienzos y la promesa de días
más brillantes por delante Los narcisos, los pétalos elegantes y el comportamiento soleado lo convierten en el tema perfecto para nuestro viaje y el comportamiento soleado lo convierten en el tema perfecto para nuestro viaje en acuarela. Pintar plantas ofrece una
maravillosa oportunidad para aprender y practicar técnicas
esenciales como mojado o húmedo, mezclar
colores de colocación y agregar detalles
delicados para dar vida a
nuestros dappodils Al trabajar con
estas formas naturales, podemos explorar el control del pincel, mezcla de
colores, las técnicas de mojado sobre húmedo
y húmedo sobre seco. Y el arte de crear
texturas que imiten las delicadas superficies de
pétalos, hojas y tallos Exploraremos la
belleza de la simplicidad, centrándonos en
los fundamentos que te
ayudarán a dar vida a tus
composiciones florales He sido un
artista profesional durante muchos años, explorando muchos temas
diferentes, desde vida silvestre y retratos hasta paisajes urbanos y
escenas campestres. Siempre me han fascinado las posibilidades de
la acuarela, pero cuando empecé,
no tenía idea de por dónde empezar
ni cómo mejorar No sabía qué
suministros necesitaba, cómo crear los
efectos que quería, o qué colores mezclar. Ahora, he participado en
muchas exposiciones mundiales, aparecido en revistas
y he
tenido la suerte de
ganar premios de organizaciones
muy respetadas
como la Sociedad Internacional de
Acuarela,
la Alianza de Maestros de
Acuarela, Windsor y Newton, y la SAA La acuarela puede ser abrumadora
para quienes empiezan. Es por ello que mi objetivo es ayudarte
a sentirte relajado y disfrutar de este medio de
una manera paso a paso. Hoy, te estaré guiando
a través de una pintura completa, demostrando una variedad
de técnicas y explicando cómo uso todos
mis insumos y materiales. Ya sea que recién estés
comenzando o ya tengas
alguna experiencia, podrás
seguir a tu propio ritmo y mejorar
tus habilidades de acuarela. Si esta clase es demasiado desafiante
o demasiado fácil para ti. Tengo una variedad de clases disponibles en diferentes niveles de
habilidad. Me gustaría comenzar con
un enfoque expresivo libre, sin miedo a
equivocarnos mientras creamos texturas emocionantes
para la capa inferior A medida que avanza la pintura, agregaremos más detalles para darle vida y
hacerla destacar. Me esfuerzo por simplificar temas
complejos en formas más fáciles que
fomenten la alegría A lo largo de esta clase, estaré compartiendo muchos
consejos y trucos. Te voy a mostrar cómo convertir
los errores en oportunidades, quitando el estrés de la
pintura para divertirte. También te proporcionaré
mis tablas de mezcla de acuarela, que son una herramienta
invaluable a la hora de elegir
y mezclar colores. Si tienes alguna duda, puedes publicarla en
el hilo de discusión. Abajo, me aseguraré leer y responder a
cada pensamiento que publique. No olvides
seguirme en Skillshare haciendo clic en el
botón de seguir en la parte superior Esto significa que serás el
primero en saber cuándo lance una nueva clase
o publique sorteos También puedes seguirme en
Instagram en Will Elliston
para ver mis últimos trabajos ¿Estás listo para embarcarte en
este viaje creativo conmigo? Genial, pintemos un narciso
e infundamos a nuestra obra la misma alegría y vitalidad que esta hermosa flor
trae
2. Tu proyecto: Ante todo, muchas
gracias por elegir esta clase. Estoy muy contento de que
estés aquí uniéndote a mí. Hoy estaremos pintando el narciso en todo
su Lo que me encanta de este
tema es su versatilidad. Hay innumerables formas interpretar y retratar
su forma agraciada. Puedes ser aventurero
en tus composiciones. Tienes la libertad de dejar tu creatividad y explorar las maravillas de la
acuarela. He diseñado un enfoque simple paso a
paso
para que lo sigas junto con. No obstante,
te animo a infundir tu propia personalidad y
estilo en tu obra de arte Siéntase libre de experimentar
con diferentes colores, pinceladas o técnicas. En la sección de recursos, he agregado una imagen de alta
resolución de mi pintura terminada
para ayudarte a guiarte. Eres bienvenido a
seguir mi pintura exactamente o experimentar con tu propia composición
ya que nos vamos a centrar en el
aspecto de la pintura de la acuarela. Te he proporcionado plantillas
que puedes usar para ayudar a transferir o rastrear el
boceto antes de pintar. Está bien rastrear cuando se usa como guía para
aprender a pintar. Es importante
tener el underdrawing correcto para que
puedas relajarte y
divertirte aprendiendo el propio medio
acuarela Cualquiera que sea la dirección
que tomes esta clase, sería genial
ver tus resultados y las pinturas que
creas a través de ella Me encanta dar comentarios a mis
alumnos, así que por favor tome una foto
después y compártala en la Galería de Proyectos Estudiantiles la
pestaña Proyecto
y Recursos. Siempre me intriga
ver cuántos alumnos tienen diferentes enfoques y cómo progresan con cada clase Me encantaría escuchar
sobre tu proceso y lo que aprendiste en el
camino, o si tuviste alguna dificultad. Te recomiendo encarecidamente
que mires el trabajo del
otro en la galería de proyectos
estudiantiles. Es muy inspirador ver el trabajo del
otro y extremadamente reconfortante obtener el apoyo de tus
compañeros de estudios, así que no olvides dar me gusta y
comentar el trabajo del otro
3. Materiales y suministros: Antes de comenzar la pintura, repasemos todos los materiales y suministros que generalmente uso. Tener los materiales adecuados puede afectar
enormemente el
resultado de su obra de arte. Repasaré todos los suministros que uso para
esta clase y más allá. Son muy útiles para
tenerlas a tu disposición y te
facilitaremos el seguimiento. Empecemos por las propias
pinturas. Como la mayoría de los materiales
que usaremos hoy en día, tiene mucho que ver
con la preferencia. Tengo 12 colores estables en mi paleta que me
llenan de tubos. Son amarillo cadmio ocre
amarillo, siena
quemada, rojo cadmio, alizarina, carmesí, azul
ultramarino, azul cobalto, azul
ceriliano, lavanda, morado, di, negro Al final de la pintura, a menudo uso guash blanco
para pequeños reflejos No uso ninguna marca
en particular. Estos colores los puedes
obtener de cualquier marca, aunque personalmente
utilizo las pinturas Daniel Smith, Windsor y Newton
Holbeine Pasemos a los pinceles. El cepillo que más uso es
un cepillo sintético redondo, como este cepillo Skoda Pearl
o este cepillo Van Gogh Son muy versátiles porque
no solo los puedes usar para trabajos detallados
con su punta fina, sino que como pueden contener
mucha agua, también
son buenos para
lavados También son bastante asequibles. Tengo bastantes
en diferentes tamaños. A continuación están los cepillos de fregona. Los cepillos de fregona son buenos
para pinceladas amplias, rellenando áreas grandes y creando
transiciones o lavados suaves También tienen una bonita punta que se
puede utilizar para detalles más pequeños, pero para detalles realmente pequeños, reflejos o cualquier cosa
que necesite más precisión. Yo uso una brocha sintética
tamaño cero. Todas las marcas las
tienen y son súper baratas. Otro pincel útil para tener es un pincel de caligrafía china. Suelen tener cerdas largas
y una punta muy puntiagudos. Son perfectos para
agregar textura o crear líneas dinámicas
en tus pinturas. Incluso puedes
avisarlos así para lograr
texturas de pelaje o plumas también. Eso es todo para
pinceles sobre papel. La mejor calidad
de tu papel, más fácil será pintar papel
barato se arga fácilmente
y es muy no permitirte
reelaborar errores, es más difícil crear efectos
atractivos y aplicar técnicas útiles
como eliminar el pigmento. Sin embargo, el papel de buena calidad, como el papel a base de algodón, no solo le permite reelaborar
errores varias veces Pero debido a que el pigmento
reacciona mucho mejor sobre él, las posibilidades de
errores son mucho menores y será más probable que crees
mejores pinturas. Yo uso papel arcos porque eso es lo que hay disponible
en mi tienda de arte local. Un spray de agua es
absolutamente esencial. Al usar esto, te
da más tiempo para pintar las áreas que
deseas antes de que se seque. También te permite
reactivar la pintura si quieres agregar una
línea suave o quitar algo de pintura También tengo un
trapo viejo o camiseta que usé para limpiar mi cepillo. Limpiar la pintura
antes de desenterrarla en el agua hará que el
agua dure mucho más Siempre es útil
tener un pañuelo a mano mientras pinta para eliminar
el exceso de pintura. Además, nunca se sabe cuándo puede
ocurrir
una salpicadura o goteo no deseados que necesita
limpiarse rápidamente. También tengo un cuentagotas de agua
para mantener mojadas las pinturas. Cuando pintas, es
importante que tengan una consistencia
similar a lo
que son en los tubos. De esta manera es más fácil
recoger suficiente pigmento. Un secador de pelo es útil
para acelerar el tiempo de secado y controlar la
humedad del papel Por último, cinta de enmascarar.
Y esto, por supuesto, es solo para mantener el
papel quieto sobre la superficie para evitar que se deslice
mientras pinta. Además, si planeas
pintar hasta el borde, te permitirá crear un borde
muy nítido y limpio. Eso es todo lo
que necesitas para pintar. Te animo a que experimentes y descubras qué
funciona mejor para ti. Ahora preparémonos para
comenzar la pintura.
4. Consejos para el boceto: Al pensar en el dibujo, tenemos que romper
toda la complejidad en tantas
formas simples como sea posible. Comenzamos con pequeñas líneas de
luz o líneas anchas. Por ejemplo, a pesar de que la
flor tiene montones de pétalos, para empezar solo la
voy a meter
como un círculo. Así como así. Muy a la ligera, es posible
que ni siquiera lo puedas
ver en la pantalla. Entonces uno en el medio ahí. Entonces simplemente marcando el centro de donde estarán
esos pétalos, pétalo, el tallo
bajando ahí abajo. Y tal vez puedas tener
otro tallo viniendo de esta manera y solo poner un pequeño
óvalo ahí para eso. Una flor que aún no ha florecido, una cabeza de flor cerrada. Y entonces tal vez una hoja
viniendo por aquí. Son líneas muy sueltas, solo marcando la forma básica. Para empezar, otra
hoja que viene aquí abajo, tiene hojas muy largas, tal vez, no sé si
incluso se llaman hojas Soy especialista en términos
botánicos. Tenemos composición donde todo sale
del centro. Estoy usando un lápiz HB aquí, que es uno de los favoritos. Ahora puedo entrar y ver más
cuidadosamente en qué evolucionarán las
formas. No estoy tratando de
detallar demasiado la pintura, el dibujo simplemente
marcando aproximadamente dónde
se basan las cosas en lo que ya
dibujamos Comparándolo tal vez tenga el centro mismo de la
flor un poco descentrada. Para agregar un poco de profundidad con
esta demostración de dibujo, no
voy a hacer todo
el dibujo porque simplemente
tardará demasiado. Hay demasiado ida y
vuelta y quiero crear una plantilla
para que la sigas. Eso significa que tengo que conseguir un
extra preciso y limpio, lo que lleva mucho tiempo si
quieres hacerlo correctamente. Si quieres usar la plantilla
que te acelera mucho
tiempo y
puedes ir directo
a la práctica de tiempo y
puedes ir directo pintura, que esencialmente es de lo que se trata
la clase. Básicamente, voy a
continuar como he estado haciendo, repasando las formas básicas
con una línea más refinada. Entonces después de eso,
usaré una goma y solo intentaré dejar una línea limpia para
que cuando se trata de la pintura, sepamos exactamente qué bits cuáles. Empecemos la pintura.
5. Capa inferior de flores: Entonces, voy a comenzar
esta pintura haciendo la capa inferior para los
pétalos en las cabezas de las flores Voy a usar
para mis narcisos, una Sé que algunos narcisos son blancos y dorados y tienen toda una
gama Voy a quedarme con
el amarillo clásico. Tengo amarillo cadmio. Aquí hay una buena, una buena oportunidad para explorar todos los diferentes
amarillos que hay para ofrecer desde amarillo limón, amarillo
taxi, amarillo Gabón, un poco de ocre amarillo
aquí usaremos también Voy a hacerlo así como
es el comienzo de la pintura y no hay
estrés durante el underlay Yo sólo voy a llenar esa sección
muy céntrica aquí. Si
miras cuidadosamente mis amarillos aquí, creo que
tengo unos tres amarillos
diferentes
mezclados Todos vienen bajo el título de Cadmio amarillo en mis ojos El amarillo cadmio es solo
el núcleo amarillo brillante. Simplemente me gustan todos esos
amarillos juntos y ellos hacen su propio amarillo único cuando entro y
salgo todo el tiempo Lo mismo va con
muchos de mis otros colores, como mi rojo, mi verde ahí. solo hecho de poner diferentes
variaciones de tonalidades que están en la misma familia solo hace que
todo sea un poco más único Además me gusta experimentar
con nuevos tonos todo el tiempo. Nuevos tubos de pintura. Siempre los pruebo. Antes de usarlos, puedo
ver lo similares que son. Sé que son seguros para
poner en la misma sartén. Ahí acabamos de pintar la cabeza
central. Está bien ir por encima del
borde si quieres ahí. Solo estoy tratando de pensar en
una marca de verificación a la que puedas pintar y luego puedes relajarte un poco mientras
piensas en la siguiente etapa. Creo que en la siguiente etapa
vamos a incorporar un poquito de ocre amarillo Eso lo activaré en la
paleta con un poco de agua. Agrega un poco de Dm y
amarillo a eso, porque no quiero ocre amarillo
puro De hecho, lo que podemos hacer
es dejarme limpiar mi cepillo. Voy a mantener mi cepillo lleno de
agua, pero agua limpia. Y yo sólo mojaré algunos
de estos pétalos aquí. Se trata de ser juguetón. No tienes que
preocuparte por los bordes. Abraza la libertad. Mira, ahora solo toco ese borde. Ya empieza
a desangrarse, pero no me preocupa. Estoy tratando de aprovechar
esa mentalidad lúdica. Porque si haces eso, pase lo que
pase en la pintura, siempre y cuando estés juguetón
y lo pases bien, habrá un sentimiento
y una emoción en ella que te
vendrá a través. Aunque el resultado final no sea
lo que planeaste que desde el principio,
lo que imaginaste, seguirá teniendo algo
único al respecto, eso es lo que se trata Al final del día, como el
arte es muy objetivo, es bastante difícil pensar en pinturas en términos
de buenas o malas, o exitosas o fallidas Porque algo que creas
tú mismo, que crees que no tiene éxito, puede ser adorado por otras personas
6. Ventajas de la acuarela: Algunos bits son
más oscuros que otros, algunos bits son
más claros que otros. A lo mejor un poco de ocre
amarillo puro ahí. Todo cambia. Hace 5 minutos
dije que no haría eso. Bueno, menos que eso,
hace 2 minutos dije que no haría eso, ocre amarillo puro Pero se sintió bien. Entonces lo hice. Esa es una de las cosas que
realmente disfruto de la acuarela, que no es tan relatable
con otros medios La espontaneidad de la misma, el cambio de planes Con acuarela,
puedes ser espontáneo. Puedes mezclar las cosas, ser juguetón con el médium y dejar que haga algo de magia
por su cuenta. Puedes permitir que el agua y el pigmento hagan
cosas que están fuera de tu control con
aceite y acrílico. Sin embargo realmente tienes que hacer, alguna vez pensarte a ti mismo,
por así decirlo. No juega en el papel por sí mismo como lo hace el color cortado al
agua, lo que en algunos derechos es bueno. Es más fiel a lo
que se quiere expresar. Pero me gusta el acuarela
porque interactúa de una manera
interesante Es bastante etéreo casi porque está haciendo algo
por su propia voluntad. Por supuesto, tú eres el
que lo está manipulando y animando a que
vea esas cosas Pero es interesante, salpicar un poco de papel blanco
puro solo por un poco de textura A lo mejor voy a hacer esto un
poco más vibrante aquí en el centro fregar que poco ahí, el agua pura. No me importa si
crea bordes feos
o bordes duros, es
solo una capa inferior Por el momento,
esos bordes feos son en realidad bastante
interesantes para la capa base. Avanzando,
mirando la anatomía de un narciso en el
tallo cerca de la Por lo general hay un
poco marrón, no sé el término, pero si ves fotos
o referencias, puedes ver
que tiene esta textura de sensación de hoja seca . Así que sólo voy a pintar que el final de
capa para esto de aquí.
7. Segunda flor: Ahora pintando esta cabeza de flor. Antes de empezar a pintar, como lo hice antes de llegar a
grabar en esta clase, me tomé unos buenos minutos solo mirando lo que estoy a
punto de pintar para ver qué áreas voy a pintar primero y qué áreas
voy a superponer. Si miras la imagen final
en la sección de referencia, verás que ahora estoy
repasando esta área. Pero lo sé más tarde
porque es más oscuro, voy a repasar este
bit con un verde más oscuro. No importa
si lo superpongo ahora usando la punta de mi pincel. Estoy usando mi cepillo de perlas, talla ocho en
este momento, un Skoda. Intentaré hacer la mayor parte de la
pintura con este pincel porque si se aplica con
mucha presión así, se puede lograr
un trazo de pincel bastante grueso. Pero luego también tiene un buen
consejo al final también. Mezcle un poco de cobalto
en este extremo y deje que ese verde salga del azul
ultramarino Dos, mezclándose con ese
amarillo para hacer un verde. A lo mejor si tengo mucho cuidado, pueda mezclar un poco de rojo con este
amarillo para hacer una naranja. Solo tómalo un poco aquí para la capa base Eso es más
o menos. Ahora, podemos continuar y construir algunas
texturas más encima de ahí,
pero antes de hacer eso,
tenemos que asegurarnos de que
esté completamente seco, así que voy a usar mi
secador de pelo para asegurarme de que esté seco. A lo mejor pueda, antes de hacer eso, agregar un poco más de tonterías
de ese verde aquí
8. Regala forma de pétalos: Ahora podemos volver a entrar y hacer otra capa
a las cabezas de las flores. Y voy a usar el ocre amarillo para
comenzar mezclando bastante agua en mi pincel Simplemente acariciando en algunas líneas, pintando hasta esa sección
media ahí A lo mejor voy a tocar un poco
de rojo ahí dentro. Oh, eso es muy fuerte. Demasiado. Eso está bien. Eso lo puedo diluir aún más. Un poco de eso ahí dentro. Simplemente
agregando un poco más de profundidad. A lo mejor algo de este marrón hace algo de ese marrón ahí dentro. Simplemente explora realmente
lo que quieres hacer. Una línea así,
tal vez solo pasando por los
diferentes pétalos uno por uno, puedes experimentar con un pigmento espeso como
estoy a punto de hacer ahora. Una de las
cosas más emocionantes del uso pigmentos
gruesos en
acuarela es esa capacidad crear efectos ricos y
texturizados que han tenido profundidad
y dimensión. El uso de pigmento grueso
da ese trazo audaz y
expresivo que puede evocar como esa energía y
vitalidad en las pinturas
9. Pistas de otros colores: A lo mejor pueda ayudar un poco de
pigmento más oscuro ahí mismo donde
golpea la sección interna,
dejar que se desangre. El primer poco de
pigmento fuerte que estamos aplicando, como fue la sienna quemada agregué Por cierto,
puede parecer un
color extraño para agregar al amarillo,
pero al pintar
diferentes tonos y tratar de expresar volumen
con áreas claras y oscuras, en lugar de usar el negro
para hacerlo más oscuro, solo
me gustaría usar una
variedad de otros colores. Podría haber usado el morado porque ese es un color
complementario. A lo mejor voy a hacer lo
mismo otra vez aquí. A
lo mejor debería arriesgarme con un poco de verde aquí abajo solo
por un poco de variedad. Lo que trato de hacer es tener un esquema de color primario
principal. Entonces influyo en otros colores, solo pequeños indicios
de ellos para
hacerlo más interesante
y agregar profundidad. Al integrar estos
pequeños toques de matices secundarios o terciarios, potenciamos la
complejidad visual de la misma. Y la ubicación estratégica de estas sutiles influencias
puede ayudar a crear equilibrio, evocar estados de ánimo y guiar
la mirada del espectador. Este enfoque agrega un
poco de sofisticación e invita a un compromiso más profundo
con la obra de arte general Vuelve allá arriba con los quemados. Ahora voy a trabajar de arriba a
abajo en el otro lado. A curiosamente,
la primera pintura que realmente me
interesó por el arte
cuando estaba en la escuela,
es una pintura de
Salvador Dar llamada la
Metamorfosis de Narciso la primera pintura que realmente me
interesó por el arte
cuando estaba en la escuela, es una pintura de
Salvador Dar llamada la
Metamorfosis de Salvador Dar llamada la
Metamorfosis Narciso, en realidad representa un narciso en esa pintura,
porque el nombre latino para narciso porque el nombre latino La pintura en sí trata sobre
el mito griego de Narciso, quien se enamora de su
propia reflexión y conduce a su transformación en
los narcos, el Eso se puede ver en la pintura una manera muy surrealista El uso del narciso en
esa pintura es altamente simbólico y es donde
la flor recibe
10. Interacción de luz y oscuridad: Creo que eso es un poco
demasiado fuerte arriba en la parte superior, así que solo voy
a usar un pañuelo. Vamos a darle un poco. ¿Por qué eso? Pasando al siguiente pétalo, tal vez debería incorporar
un poco más de amarillo ahora. Debido al resto de ellos
han sido un poco marrones o dorados para un poco de variedad. Creo que solo quiero
experimentar con el amarillo de
nuevo usando el pago grueso. De hecho, he tenido
una pequeña idea como ven aquí. Tenemos los bits oscuros contrastando con la
luz del medio. Creo que de este lado
voy a hacerlo un poco más dinámico haciéndolo más
oscuro en estos bits, en más oscuro sobre luz. La interacción entre la
luz y la oscuridad es crucial para crear obras de arte dinámicas
y convincentes Tener áreas claras contra áreas
oscuras o fondos oscuros, y luego elementos oscuros contra fondos
claros agrega profundidad, contraste e
interés visual a la composición. Este contraste define formas,
resalta los puntos focales y crea una sensación de tridimensionalidad a lo que básicamente
es una superficie
bidimensional También contribuye al ánimo general y
la
atmósfera de la obra de arte, permitiendo a los artistas
transmitir emociones, drama y tensión, si eso lo que la emoción es que
quieres transmitir. Dominar el equilibrio
entre la luz y la oscuridad mejora la legibilidad general
y el impacto de la pieza Llamando la
atención de los espectadores y guiando su mirada
a lo largo de la composición. Ya sea
pintando o dibujando, la colocación de la luz
sobre la oscuridad y la oscuridad sobre la luz es esencial para crear obras de arte atractivas y
memorables. A lo mejor puedo ser particularmente
valiente aquí e ir muy oscuro con un poco de
rojo ahí mismo. No sé por qué digo
porque supongo que es un riesgo porque
no hay nada que perder si sale
mal al final del día.
11. Encuentra tu estilo: Abrazar la valentía y asumir riesgos en la pintura es esencial para el crecimiento artístico y la creación de obras realmente
impactantes Porque implica
superar las zonas de confort y explorar nuevas técnicas y desafiar los enfoques
convencionales del arte. Y eso es lo que hace que sean únicos y ahí es donde
encuentras tu propio estilo y visión. Y ser artistas valientes se
abren a
esta experimentación. Permitir el descubrimiento,
tomar riesgos, significa no tener miedo
de cometer errores Y reconocer que el
fracaso es intrínsecamente parte del proceso creativo y de la oportunidad de
aprendizaje y crecimiento Se trata de dejar ir perfeccionismo y
abrazar la espontaneidad, permitiendo que la intuición y la emoción guíen las pinceladas y las elecciones Tomando un poco de azul y verde porque ahí
ya es amarillo. Ni siquiera voy a añadir ningún amarillo nuevo a ese
azul porque sé que se
va a convertir en verde
mismo cuando vaya
encima del amarillo que
ya está en el papel. Es importante tener en cuenta
los colores en la capa
inicial de pintura porque sirven como base sobre las capas
posteriores Por supuesto, los primeros colores utilizados en esa capa pueden
influir e interactuar con cualquier nuevo color
aplicado afectando la apariencia general y la
armonía de la obra de arte. Por ejemplo, si
se establece un subtono cálido en
la capa inicial, entonces los tonos fríos posteriores
pueden aparecer más apagados o
tenues cuando se aplican
sobre ella, Cuando tienes colores vibrantes
aplicados sobre colores apagados, la base neutra puede
parecer menos intensa Y eso es algo que quizás
quieras o
quizás no quieras. Algunos stands agregan un poco más de textura
e implican la forma. Ser consciente de los
colores en la primera capa de pintura y cómo pueden
interactuar con los nucers aplicados Podemos
planificar estratégicamente nuestras composiciones, crear profundidad y dimensión Por supuesto, la experimentación y la observación son claves para
dominar este aspecto La única manera de
hacerlo es practicando y averiguando por ti mismo Pero puedes hacerlo a través de
lecciones como esta y a través de tus propios estudios
si quieres también. Déjame ir con un poco
más de amarillo puro a algunas de estas zonas. Bien, sólo voy
a darle un poco eso ahí con mis propinas, y creo que fue
un poco demasiado colorido. No quiero que esa
parte sea tan brillante, así que en realidad voy
a usar el mismo azul. Simplemente baje la
vitalidad un poco así. Ahora voy a volver a secar esto para que podamos pasar
a la siguiente capa. En realidad, para lo siguiente
voy a pintar aquí, pero necesito que todo esté más seco
por fuera para que
no lo manche cuando lo pinto Entonces voy a usar
el secador de pelo.
12. Crear profundidad: Usando los mismos colores que
ya tengo en mi paleta, solo para pintar en unas cuantas texturas en el medio, tengo muchas de las
líneas de lápiz ya marcadas, así que mucho tiempo se
trata de llenarlas. Volviendo a lo que estaba
hablando antes, realmente no
es raro que los artistas se sientan desconectados
de su propia obra. Encuentran defectos o se sienten insatisfechos incluso cuando
otros realmente lo admiran. Este fenómeno resalta
la naturaleza subjetiva de apreciación del
arte y las
diversas perspectivas que los espectadores aportan a una pieza. A pesar de la valoración
personal de un artista de que una pintura es un fracaso, otros pueden percibirla de
manera diferente. Encontrar resonancia de belleza, o profundidad emocional que
resuene con ellas. Esta disonancia, por así decirlo, entre la
percepción del artista y el subrayado de reacción
del público fue complejidad de
la interpretación
artística y toda la miríada
de factores que influyen en las respuestas individuales Sirve como recordatorio de
que el impacto de las artes se extiende más allá de las intenciones o juicios de su creador. Con un espectador aportando sus propias
perspectivas y
experiencias únicas a la
interpretación de la pieza. Tantos artistas a lo largo historia no
han quedado satisfechos con su trabajo más adelante para ser
su obra principal, ya sean músicos
o pintores. En última instancia, esta disparidad
en la percepción subraya la riqueza y diversidad
de la experiencia artística, destacando el poder del arte para evocar emociones y conexiones variadas Incluso cuando los
propios artistas pueden no
apreciar completamente el trabajo, entonces puedes comenzar a colocarlo en
capas, volviéndose un poco
más y más grueso Cuanto más cerca del
centro te acerques. La razón por la que nos estamos volviendo más oscuros
a medida que llegamos al centro de esta flor es porque estamos tratando de crear
profundidad y forma. Al manipular la luz y sombra a través de diferentes valores, creamos una de forma
tridimensional, algo de negro puro
justo en el medio para crear un
contraste agudo ahí mismo
13. A rayar la pintura: Si bien es pigmento espeso
y aún no está seco, puedes usar una púa de césped. ¿Por qué? Tengo esto a mano. Sólo voy a raspar algunos. He olvidado lo que
llamaban los trozos de polen. Rasparlos así. Normalmente hago esto
al final, pero bien podría hacerlo
ahora mientras esté en mi mente. Voy a tomar un
poco de blanco puro y simplemente rellenar un par de esos bits que acabamos de
raspar solo para
que realmente salga directamente del tubo Ahora empecemos a pensar en
las hojas y los tallos. Me gustaría empezar de izquierda a derecha ya que soy
diestro para no manchar lo que ya
he hecho Con el fin de tener todos
los colores armonizados. Es una buena idea
mezclarlos todos primero. Porque si mezclas un
color aquí y no sabes volver a mezclarlo
y te quedas sin él, entonces no creará la sensación
de ilusión que queremos, sobre todo si es
el mismo tallo de la hoja. Voy a pasar a un pincel un
poco más grande. ¿A qué cepillo debo moverme? Esta camioneta número diez cepillo para la tos. No tengo un cepillo Skoda número
diez el
momento este cepillo Van
Gogh servirá, podemos usar los amarillos
que ya tenemos aquí para ayudarnos a mezclar algunos greens Voy a usar el verde como base. De todas formas,
mézclalo con el amarillo ahí, pero sí siento que el idiano es un verde
bastante artificial Voy a mezclar algo de azul ultra
marino con eso. Eso es bastante agradable. Aunque creo que es más de
un color de sombra. Es una obscuridad. Vamos a mezclar este
un poco. Eso es demasiado marrón. De hecho voy
a usar mi pañuelo para limpiar esa sección ahí. Voy a tomar
algo de eso y tomar un poco más de amarillo cadmio, bastante de él, y
mezclarlo ahí Eso es un verde brillante. Pero, ¿ese es el tipo
de verde que quiero? Creo que voy
a añadir un poco de turquesa o azul seriliano, eso es un poco más parecido A lo mejor voy a añadir un
poco más de eso. Verde varidiana,
tal vez no tanto. A lo mejor un poco más. Vamos a pasar esto a una sección
diferente. Así que toma un poco
de tiempo solo
pensar en qué color realmente
quieres.
14. Comienza las hojas: El verde es un color particularmente
difícil de conseguir, correcto, en realidad, porque tienes muchos
colores diferentes desde el amarillo, todos estos
azules diferentes y el verde mismo. Podría agregarle un
complementario,
para que se aclare un poco porque no quiero que
sea tan antinaturalmente vibrante Eso es un poco más
parecido en realidad. Es un poco más natural. Creo que es un buen punto de
partida, así que tal vez un poco más de eso. Voy a empezar por aquí. Creo que me voy a mojar el cepillo. Vamos directo a ello. Lo bueno de estas hojas, pueden ser un poco más abstractas porque este es el punto focal, el que más atención necesita
. Y las otras
partes, una secundaria, no
necesitan ser, que no
necesitan ser correctas. Siempre y cuando no sean tan
incorrectos que aparten
su atención del punto principal,
entonces no debería importar. Tengo suerte como va eso. Ahí se mete ese tono azulado. Tal vez pueda este verde más
artificial aquí
arriba o allá abajo, más bien ponerse un poco más oscuro
justo en la punta. Eso está bien para una primera toma. Vamos a venir con algunos tonos de
sombra un poco más tarde. Pero para la primera toma de la capa inferior, está bastante bien. Creo que permitimos que esos pigmentos hagan su magia
por el momento. Hagamos
lo mismo arriba. Este es un poco más
complicado porque tenemos la superposición del pétalo. Tenemos que asegurarnos de que
haya cierta unidad. Una buena manera de hacerlo es
asegurarse de pintar ambos lados
con el mismo color. Eso es lo que voy
a hacer. Me aseguraré de que definitivamente haya
suficiente pigmento en mi pincel. Y sólo voy a
rellenar hasta el borde esas secciones
iniciales. Entonces tienes que asegurarte de que los tonos
sean similares también. Los tonos, quiero decir, la ligereza
y la oscuridad de la misma. Simplemente agregando un poco de
agua en mi pincel, agua
pura, porque quiero
mantener el color ahí, pero llene esta área usando agua como ahí. Bien, voy a tomar esta azul otra vez y un par de
tontas de azul aquí Un par de, bueno,
yo lo llamo azul. Es decir, el verde azulado, sigue siendo verde.
Aquí se ve verde. Aquí. Se ve azul
porque ya tenemos
un azul muy fuerte en
el pigmento, en el papel. Lo que me gusta de
este pigmento azul, creo que es el
azul seriliano que tengo aquí Es un pigmento de diferente tamaño
que el pigmento verde. Cuando se seca, es
difícil de ver en cámara, pero cuando se seca, se pueden
ver los diferentes pigmentos
en los diferentes lugares. Crea un
pequeño efecto encantador.
15. La diferencia de los pigmentos: Diferentes pinturas de acuarela poseen diferentes espesores de
pigmento E influye en el
comportamiento de las pinturas cuando se mezclan sobre papel seco, o cuando las pinturas están mojadas
sobre el papel juntas. Y da como resultado resultados únicos y visualmente
cautivadores acuarelas con
pigmentos más gruesos tienden a retener su intensidad y opacidad más
prominente creando trazos
llamativos y Por el contrario, las pinturas con pigmentos
más
delgados producen lavados más translúcidos
y capas delicadas, lo que permite que la luz interactúe
con el papel debajo Cuando estas pinturas se
mezclan sobre el papel, sus diversas consistencias
interactúan dinámicamente, produciendo una gama de efectos,
como la granulación, donde los pigmentos se
asientan en las texturas de los patrones del
papel,
o floraciones donde los pigmentos difunden
impredeciblemente Ese es ese hecho. Ahora estoy pasando a esto con ese mismo color base
en el medio. Estoy usando pigmento muy grueso
para empezar para conseguir ese bonito contraste entre el amarillo del pétalo
y el tallo verde. Entonces una vez que lo hayamos hecho,
podemos simplemente llenarlo
con lo que queramos. A medida que el agua se evapora durante el proceso de secado,
los pigmentos se asentaron Los pigmentos se asientan y se
unen con las fibras de papel, capturando la esencia
de su interacción. Esta interacción de espesores de
pigmento da como resultado un rico
tapiz de colores, texturas e Haciendo que cada
pintura acuarela sea verdaderamente única Con su expresión de
las técnicas del Ártico, las cualidades inherentes de
los pigmentos mismos. Siento que está un poco demasiado oscuro, así que solo puedo limpiar mi cepillo y estoy chupando algo
de ese pigmento. Sólo un poquito así. Estoy pensando en más adelante en la pintura cuando
quiero venir con una segunda capa si
ya está demasiado oscuro ahora que no
quedará bien después. Ahora puede
complicarse un poco aquí con todas las diferentes superposiciones
de las diferentes
hojas y tallos verdes Voy a hacer básicamente un lavado para la
capa inferior sobre todo. Y luego la segunda capa
diferenciará, diferenciará diferentes
secciones un poco mejor conectándolo todo básicamente, pero asegurándonos de que sí
pintamos las áreas correctas y
dejando los huecos
blancos un poco más. Sé, sí, creo
16. Usa colores no naturales: Un poco más verde. Ahora como
estamos llegando a la cima, eso es azul casi puro. Pero está bien incorporar colores
antinaturales, por así decirlo, Siempre y cuando tengas las áreas
importantes como las puntas completamente verdes
y tendrá sentido, incorporar colores
antinaturales en una obra de arte puede ser una herramienta
poderosa para crear, intrigar y Cuando nos desviamos de las paletas de colores
realistas, tenemos la oportunidad
de evocar emociones, desafiar las percepciones y despertar curiosidad Además, los colores antinaturales pueden agregar un
elemento surrealista y fantástico a la pieza, y lleva a los espectadores a un lugar mental más imaginativo,
en
lugar de algo que sea directamente Usando algo de este verde
antinatural. No, si no
buscas mezclar tus propios colores, algunos greens que podrías obtener son el verde esmeralda
o el verde bosque. Estos son
tonos típicos que se encuentran en la naturaleza. Tiendo a usar el verde dian, que no
se encuentra tanto en la naturaleza. Simplemente lo uso como
color base porque
se puede mezclar con muchas cosas
diferentes. Incluso puedes,
voy a experimentar usando un poco de negro
solo para gris. Al apagarlo un poco, realmente
golpeamos la
vitalidad de ese amarillo Emparejar colores apagados
junto con otros vibrantes es una técnica poderosa para realzar la ilusión de vitalidad de Suponiendo los
colores tenues con tonos llamativos, podemos crear un
contraste dinámico que hace que los colores vibrantes parezcan
aún más Los colores apagados sirven como telón de fondo permitiendo que
los vibrantes destaquen predominantemente y
capten la atención del espectador Este contraste no solo
agrega interés visual, sino que también crea
una sensación de profundidad y dimensión dentro de
la composición. Los colores apagados proporcionan
un efecto calmante, evitando que
los vibrantes abrumen al espectador al tiempo que
les permiten brillar intensamente Volveré a
esta sección más tarde, pero la llenaré y luego agregaré más definición cuando llegue
el momento después. Incorporando más greens, todos los diferentes tipos de greens pasando en
esta pintura ahora.
17. Por qué el verde es complicado: Esto es más un Barridian
Green pasando en este momento
usando la punta de mi
pincel para asegurarse esta broca final sea un punto fino Él, ahí vamos. Y supongo que tendré que
unirme a este tallo y seguirlo fuera de la
página hasta la frontera. Y esa es la primera toma para
las hojas y los tallos. Ahora tal vez podamos
partir de este fin, de nuevo, mezclando azul cobalto y amarillo. Solo estoy repasando algunas secciones
determinadas solo para agregar un poco más de detalles de profundidad,
lo que implica detalles En lugar de
pintar realmente todos los detalles. Lo que me gusta hacer es esperar unos segundos a que se seque
el borde. Y una vez que se seca el borde, utilizo un pañuelo para
limpiar el resto. Y simplemente deja un borde duro. Pero solo tendré que esperar un poco más antes de que
llegue a ese paso. El verde puede ser un color muy
desafiante de mezclar. Una de las más difíciles, está en una posición única en espectro
de colores
en la rueda de colores, porque no es un color primario,
requiere
un poco más de
pensamiento a la hora de mezclarlo. Lograr el tono de
verde adecuado puede ser complicado porque ligeras variaciones
de estos pigmentos pueden dar como resultado tonos muy
diferentes, desde esmeraldas vibrantes
hasta olivas apagadas Los pigmentos verdes tienden
a ser menos intensos y más propensos a producir mezclas
fangosas o opacas cuando se
combinan con otros colores Porque
los pigmentos verdes naturales contienen impurezas que pueden alterar su tonalidad u opacidad cuando se
mezclan con otros colores A ver si funciona.
No, eso no funcionó. No esperé lo suficiente. Está bien. Puedes
probarlo la próxima vez.
18. Juega: Ser un poco más
juguetón después de hacer todas las líneas finas de llegar
al borde de las líneas. Más bien es hora de volver a aflojarse y volver
a la mentalidad lúdica Voy a ir muy oscuro
en la sección de atrás para separar todos los
diferentes tallos y hojas. Voy a mantener ese
pigmento espeso aquí y necesito un cepillo más pequeño
para esparcirlo. Para continuar con lo
que acabo de decir, si miramos algunos ejemplos
famosos, podría hacernos sentir
mejor acerca de cómo nos
sentimos acerca de los resultados
de nuestras pinturas. Por ejemplo, Vincent Van Van Go con su pintura Star A Night. Famosamente luchó con problemas salud
mental y a menudo, expresó
dudas sobre su trabajo Pero esa pintura es ahora una de las pinturas más
icónicas. Hay mucha gente que
lo ve como el mejor pintor que
haya existido. A pesar de que disfrutó
del proceso de pintura, sintió que estaba
cumpliendo su potencial, nunca
sintió que llegara. Y también, de Leonardo Da Vinci, una de las
pinturas más, si
no la más famosa, que existe, constantemente la
estaba retocando
y refinando,
todo el camino hasta su muerte Puede que ni siquiera
lo haya considerado un éxito completo ahora que nunca sintió
que estaba completo. Oh, puse mi mano en el papel. Hay que desconfiar de eso. Si has visto mis otras clases, sabrás lo
mucho que me gusta usar pigmento
espeso y luego
esparcirlo con agua. Me gusta porque ofrece una pequeña y agradable interacción entre el
control y la espontaneidad Y suele resultar en efectos
cautivadores
que no puedo planear Solo lo manipulo y veo a dónde
lo lleva el color del
agua porque fomenta texturas y resultados
emocionantes. Tengo más fe en ese
proceso que si solo fuera para mezclar la consistencia correcta y simplemente llenar esa
cierta área por mí mismo, un trazo muy grueso ahí, y luego suavizar
con el cepillo húmedo. Algunas marcas de pincel seco,
nuevamente hubo , pigmento espeso de, luego usando agua pura para
influir en ella y manipularla.
19. Teoría del color: Déjame hablar un
poco sobre la teoría del color. Por supuesto, tienes
tus colores primarios que son rojo, amarillo y azul. Luego se
crean colores secundarios mezclando dos de los colores
primarios juntos. Rojo y amarillo
obviamente hacen naranja, amarillo y azul, verde y
azul y rojo hacen púrpura. Los colores terciarios,
por otro lado, se forman mezclando un color primario con un color secundario adyacente
a él en la rueda de colores. Por ejemplo, el color
primario azul. El color secundario verde
produce un color turquesa, un color azul verde. Los colores secundarios y
terciarios ofrecen una gama de tonos de viento que
agregan profundidad y complejidad O al menos
transmite una sensación de complejidad cuando en realidad solo
se puede resolver. Además, al saber
qué colores hay en la rueda de colores, te ayudará a saber qué funciona en conjunto como color
complementario. Por lo general, los colores complementarios
son directamente opuestos. Pero puedes dividir dos colores
complementarios en tres colores complementarios si lo miras en tercios. Si vas alrededor de
la rueda de colores en
tercios en lugar de a
mitad de camino, sé un poco más abstracto. De nuevo, un poco de emoción. No es que esté
tratando de cambiar
mi dirección a todo el
resultado de la pintura, no
estoy tratando de convertirla en una pintura abstracta, solo
estoy
transitando temporalmente a un
estilo más expresivo y suelto para que pueda inyectar
vitalidad y evitar que la
obra se vuelva monótona o abrumada por detalles a medida que avanza la
pintura,
algún pigmento azul oscuro, algún pigmento azul oscuro subiendo por aquí, usando el agua. Nuevamente, misma técnica de usar pigmento espeso y luego
esparcirlo con agua.
20. Detalles frente a expresión: Yo o algunos artistas
pueden encontrarse atrincherados en una interpretación
meticulosa o demasiado enfocados en la precisión, potencialmente sofocando Al introducir un pequeño cambio
hacia la expresividad, fomenta una sensación de
liberación y permite mayor exploración de la textura y la emoción y la expresión justa Al aflojar las pinceladas,
abrazar colores llamativos y renunciar a una estricta
adherencia al realismo, podemos infundir nuestra obra Este enfoque revitaliza
el proceso de pintura, reavivando de
nuevo la pasión y el entusiasmo, mientras seguimos fomentando una conexión más profunda, profunda con
el tema Además, abrazar
la expresividad
a mitad de una pintura puede servir como una poderosa herramienta para superar los bloques
creativos y superar las limitaciones
autoimpuestas autoimpuestas Adoptar un enfoque más intuitivo
e instintivo anima a los artistas a
confiar en sus instintos, tomar riesgos y abrazar imperfección como Fomenta un sentido de
espontaneidad y fluidez, permitiendo que la pintura evolucione
orgánicamente y se despliegue de formas inesperadas,
haciéndola verdaderamente única permitiendo que la pintura evolucione
orgánicamente y se despliegue de formas inesperadas,
haciéndola verdaderamente única. En última instancia, incorporar la expresividad
a mitad de una pintura revitaliza el proceso
artístico y le da a la obra una
nueva amplitud de vida, en
lugar de empantanarse en detalles
monótonos que en realidad no agregan más Un obstáculo común que casi todos deben
superar cuando
aprenden sobre la pintura,
incluyéndome a superar cuando
aprenden sobre la pintura, mí durante un periodo de tiempo muy
largo, es la tendencia a obsesionarse en dominar los
detalles Muchas veces a costa de abrazar expresión y la alegría
en su trabajo. Si bien adquirir habilidades
técnicas es indudablemente importante
y esencial. Ser demasiado preocupado
por esta precisión puede obstaculizar el crecimiento artístico
y Esta fijación a la
perfección a menudo surge del deseo de producir piezas de trabajo
pulidas o terminadas. Llevando a los estudiantes a acercarse a
sus obras de arte con una sensación de rigidez y presión
autoimpuesta. Sin embargo, la verdadera
expresión artística florece cuando los artistas se permiten
la libertad de experimentar, arriesgarse y jugar
con su medio Adoptar una mentalidad lúdica fomenta la exploración
y Fomentar una profunda, fomentar una conexión más profunda con los propios instintos creativos
y En lugar de esforzarse por
una ejecución impecable, los artistas que
priorizan la expresión pueden dar rienda suelta a su imaginación, infundir su obra con un significado
personal y comunicar emociones que resuenan con los Centrarse únicamente en el dominio
técnico puede resultar en obras de arte que a veces
se sienten estériles o desprovistas de emoción Pero por el contrario, infundir alegría en el proceso
creativo, aunque en la etapa
más temprana, según tengo entendido, está
casi obligado a crear un trabajo
visualmente insatisfactorio para empezar Inyecta la
obra de arte con vitalidad y espontaneidad y un verdadero sentido de autenticidad que
realmente cautiva al público y solo
construye a lo largo del Adoptar los errores
como oportunidades de crecimiento y aprendizaje realmente fomenta la resiliencia y anima a los estudiantes a
ir más allá de sus zonas de confort. Eso en última instancia conduce a un mayor
desarrollo artístico e innovación.
21. Retoques finales: Tratando con un
negro puro justo aquí. El rango completo, algunos puntos en varios lugares, pero no quiero
exagerar. Entonces creo que eso es todo. Limpia mi cepillo. Aquí va a hacer
algo así. No sé qué exactamente. Simplemente siento
que no está funcionando. Entonces lo va a
aplanar un poco. Tenía un poco de marrón. Entonces iba a
mover mi pequeño cepillo. Es un consejo muy solo para algunos aspectos destacados diversos
en ciertos lugares, no muchos en absoluto
pensando en ello solo en unos pocos lugares que son difíciles de decir
lo que está pasando un poco. Pero como dije, no
quiero exagerar. Entonces creo que eso es todo. Creo que ahora me voy a quitar
la cinta. A lo mejor no, a lo mejor voy a hacerlo ahora mismo. Creo que
ya está. De lo contrario, puedes seguir para siempre
con estas cosas. Me quitaré la cinta y
vamos a repasar un poco sobre lo que hemos aprendido hoy.
22. Reflexiones finales: Bienvenida de nuevo y
felicitaciones por completar la clase. Espero que te hayas divertido viendo. Y si aún no has
dado este cuadro y te vas, ahora es el momento de poner en acción lo que
has aprendido. Quiero tomarme un momento para
agradecer a todos y cada uno de ustedes por acompañarme en
esta aventura artística. Ha sido un
placer absoluto guiarte a través del proceso de pintar
esta hermosa flor. Una de las técnicas clave que hemos utilizado es la mezcla húmeda
y húmeda. Al aplicar pintura húmeda
sobre papel húmedo, podemos lograr transiciones suaves y suaves entre colores,
creando una sensación de profundidad y
dimensión en nuestros pétalos de
narciso creando una sensación de profundidad y dimensión en nuestros pétalos de
narciso También hemos experimentado
con técnicas de estratificación para aumentar la intensidad y riqueza de nuestras flores de narcisos Al agregar múltiples capas
de color translúcido, podemos lograr tonos
vibrantes y variaciones
sutiles que imitan la belleza natural
del narciso Recuerda, la acuarela
no se trata solo de habilidades técnicas, sino también de expresar tu creatividad y estilo
personal. Te animo a que sigas
explorando, experimentando y superando tus
límites para crear tus propias obras maestras de
acuarela únicas Al llegar al
final de esta clase, espero que se sienta
más seguro y cómodo con sus habilidades de pintura en
acuarela. La práctica es clave
a la hora de mejorar tus habilidades. Así que sigue pintando
y experimentando. Quiero expresar mi gratitud
por todos y cada uno de ustedes. Tu pasión por la
acuarela es muy inspiradora y me siento honrado de
ser tu maestra. Si quieres comentarios sobre tu pintura, me
encantaría darla. Así que por favor comparte tu pintura en la
Galería de Proyectos Estudiantiles abajo. Y me aseguraré de
responder si lo prefieres, puedes compartirlo en Instagram, etiquetándome en Will Elliston
como me encantaría verlo Skillshare también le encanta
ver el trabajo de mi alumno, así que etiquétalos también en Skillshare después de poner
tanto esfuerzo en ¿Por qué no compartir tu creación? Si tienes alguna duda
o comentario sobre la clase de
hoy o quieres algún consejo específico
relacionado con la acuarela, comunícame en
la sección de discusión. También puedes
informarme sobre cualquier tema, vida silvestre o escena en la que te
gustaría que hiciera una clase. Si encontraste útil esta clase, realmente agradecería
recibir tus comentarios al respecto. Leer tus reseñas me
llena el corazón de alegría y me ayuda a crear la mejor
experiencia para mis alumnos. Por último, por favor haga clic en
el botón de seguimiento arriba para que pueda
seguirme en compartir habilidades. Esto significa que serás
el primero en saber cuándo lance una nueva clase
o publique sorteos Espero que hayas aprendido mucho e inspirado para pintar más en
este hermoso medio Voy a esperar verlos a todos de nuevo en futuras pinturas. Hasta entonces, pintura feliz.
Will Elliston, Award-Winning Watercolour Artist
