Os seis estágios da ilustração: atraindo clientes através de sua arte

1. Trailer: Esta é provavelmente a aula mais chata que já vou ensinar, mas também é o tópico mais importante para qualquer ilustrador que queira ganhar a vida fazendo sua arte. Estou falando sobre o processo de ilustração para os clientes. Uma coisa é ser capaz de fazer uma ótima arte, mas é outra coisa poder fazer isso em nome de outras pessoas. Um dos meus heróis, Christoph Niemann disse certa vez: “Confiar no artesanato e na rotina é muito menos sexy do que ser um gênio artístico. Mas é uma excelente estratégia para não ficar louco.” Esta aula é minha tentativa de lhe dar essa estratégia. Meu nome é Tom Froese, e sou ilustrador e professor de topo aqui no Skillshare, onde ajudei mais de 100.000 alunos desbloquear o mundo da ilustração comercial. Embora todos venham com sua própria maneira de ilustrar, seja com tinta ou pixels, existem alguns estágios comuns que quase passamos especialmente quando trabalhamos comercialmente para clientes pagantes. Se você está trabalhando como ilustrador agora ou planejando isso, essa classe identifica e sistematiza esses estágios para que você possa fluir através deles mais habilidade com seus clientes. Se você quer fazer o trabalho que ama ou fazer seus clientes felizes, fiz essa aula para você. Se você quiser aprender a preparar cada trabalho para o sucesso e vê-los até o fim, até o ponto em que você é pago, fique por aqui porque eu fiz essa aula para você. Com base em minhas quase duas décadas de experiência trabalhando para centenas de clientes em todo o mundo, incluindo Yahoo, Airbnb e GQ France, essa classe oferece um sistema, um estrutura organizada para fazer seu trabalho e mantê-lo no caminho certo. Como parte do sistema, você não só aprenderá a superar os desafios de ser criativo sob demanda, também terá acesso a recursos exclusivos que o levarão pé e correndo imediatamente, incluindo meu sistema de arquivamento proprietário e modelo de deck de apresentação, e até mesmo um mapa ilustrado do processo. Como ilustradores, não fazemos apenas fotos bonitas, lideramos nossos clientes pelo deserto de nossa criatividade. É somente conhecendo nosso próprio caminho através desse deserto que podemos conduzir os outros através dele com segurança e confiança para o outro lado. Esta classe é a combinação de anos vagando pelo deserto, tentando responder à pergunta, tentando responder à pergunta, como posso liderar melhor os outros através meu próprio processo de ilustração? Agora, estou animado para finalmente compartilhar o que encontrei com você. Vejo você na aula. [MÚSICA] 2. Sobre este curso: [MÚSICA] Esta aula é para quem quer aprender mais sobre como ilustrar para clientes pagantes. Você pode ser um ilustrador experiente procurando maneiras de tornar seu processo mais eficiente, ou pode ser um iniciante procurando aprender sobre como todo o negócio de ilustração comercial funciona. Bem, existem todos os tipos de aulas e livros sobre a indústria da ilustração e como começar no negócio de arte comercial. Há surpreendentemente poucos recursos que dão aos artistas uma maneira clara de orientar seus clientes em seu próprio processo criativo. Não há quase nenhum que o faça com foco em maximizar sua taxa de sucesso em obter seu melhor trabalho aprovado com poucos soluços ao longo do caminho. Quero mudar isso. Muitos dos insights que compartilho nesta classe não são de trabalhar como ilustrador freelancer, mas de ser designer e diretor de arte em agências de publicidade menores e maiores. Trabalhando como parte de equipes inteiras, pude ver como os projetos criativos profissionais são liderados. Também fui empenhado em trabalhar com clientes que eram muito maiores do que eu teria conseguido sozinho na época como freelancer. Prestei atenção especial à forma como os problemas criativos foram enquadrados no resumo, como as ideias foram desenvolvidas e apresentadas, e como o feedback dos clientes foi tratado e, em alguns casos, mal tratado. Acredito que trazer esses insights para minha prática como ilustrador freelancer me fez mais sucesso. Poucos ilustradores têm a chance de começar como designer trabalhando para clientes maiores como esse, então estou animado para compartilhar o que aprendi com você agora. Veja como essa aula funciona. Primeiro, passaremos por alguns conceitos e ferramentas básicos que são fundamentais para o processo que uso e ensino. Em seguida, passaremos por cada uma das seis etapas do processo de ilustração, incluindo integração, compreensão, ideação, realização, entrega e fechamento. No final da aula, vou enviá-lo para um exercício de reflexão guiado que o ajudará a entender melhor a base do que você faz, o que você quer fazer e o valor que você forneça aos seus clientes como ilustrador. Agora, só para ficar claro, isso não é uma classe executiva no sentido adequado. Não vamos aprofundar tópicos como preços ou gerenciamento de projetos. Isso é mais uma classe de estratégia. É sobre como estruturar seu próprio processo criativo para que você possa liderar os clientes com mais clareza e confiança. Esta classe foi fundada na crença de que fazemos mais do que apenas fazer arte para nossos clientes. Para realmente fazer nosso trabalho, temos que liderar proativamente nossos clientes durante o processo de chegar lá. Não existe tal coisa como um cliente ruim. Existe um processo criativo mal guiado. A maior parte dos conflitos que temos com nossos clientes vem de uma falha de nossa parte em liderá-los pelo que fazemos. A criatividade é um deserto e é nosso trabalho liderar nossos clientes através dela. Esta classe é um mapa por esse deserto. Pegue um café, um caderno e um lápis, e se acomode para um mergulho profundo, porque este vai ser um maluco. Vamos. [MÚSICA] 3. O processo: Quando você sai em uma jornada, você precisa de um mapa. Um mapa mostra a posição da terra e um caminho através dela. Isso não garante que você passará, nem diz exatamente quais aventuras você terá ao longo do caminho, mas certamente torna a jornada mais previsível. O processo de ilustração para clientes é sempre diferente. Clientes diferentes, problemas diferentes para resolver, momentos diferentes em sua vida, mas os estágios e passos que você passa são sempre os mesmos. É como viajar pelo mesmo estado, passar pelas mesmas cidades, ver os mesmos pontos turísticos, tomar a mesma estrada, mas toda vez que você vai é diferente. Pessoas diferentes, clima diferente, estações diferentes e talvez cada viagem tenha um propósito diferente. Mas vamos voltar para essa palavra previsível. Essa não é uma palavra que gostaríamos de associar ao que fazemos como criativos, mas é exatamente o que precisamos para sermos profissionalmente criativos. Claro, não queremos fazer um trabalho previsível, e a boa notícia é que não precisamos, e eu recomendo vivamente que você tente não fazer isso. O paradoxo da criatividade profissional é que para produzir resultados imprevisíveis de forma confiável, precisamos confiar em um processo altamente previsível. É esse processo que eu gostaria de mostrar a vocês agora. Eu chamo isso de processo 6S porque ele tem seis estágios. 6S também soa muito como sucesso, e isso é uma ótima piada de pai ali mesmo, piada hilária. Vamos dar uma olhada nos estágios gerais do processo 6S. Identifiquei esses estágios gerais e organizei suas respectivas etapas com base em muitos anos neste negócio. Embora todos tenham sua própria visão única sobre esses passos, acredito que eles são todos comuns à maioria dos ilustradores e, até certo ponto , designers também, e eles são os seguintes: integração, compreensão, ideação, realização, entrega e fechamento. Vejamos cada estágio agora apenas no alto nível. O primeiro estágio é a integração. integração é o processo de assumir um novo cliente e determinar a natureza geral do projeto. integração começa quando o cliente entra em contato com uma consulta e termina quando você oficialmente assume um ao outro e inicia o projeto. principais etapas nesta etapa incluem o resumo, a cotação e o pontapé inicial, além de lidar com quaisquer contratos ou outra papelada necessária para estabelecer o relacionamento. O próximo estágio é o entendimento. Compreender é um estágio em que você como ilustrador, trabalha para entender o máximo que puder e precisa sobre o assunto da ilustração. A primeira parte do estágio é pesquisa em que você ganha mais uma compreensão mental do seu assunto e das necessidades do projeto. A segunda parte são estudos, onde você usa desenho de referências para obter mais compreensão visual do assunto. O próximo estágio é a ideação. ideação é um estágio em que realmente começamos a criar ideias ou soluções para o problema criativo, conforme definido no resumo. A ideação começa com esboços grosseiros onde você está essencialmente minerando ideias, e então se move para esboços refinados, onde você seleciona sua melhor ideia e melhora ainda mais nelas. O estágio de ideação é o primeiro ponto no processo em que você apresentará seu trabalho ao cliente. Seu cliente terá a chance de visualizar os esboços, fazer seleções quando necessário, oferecer feedback e solicitar alterações. O estágio de ideação termina quando o cliente aprovou o esboço ou esboços para você levar para a ilustração finalizada. O próximo estágio é a realização. O estágio de realização é o segundo ponto no processo em que você apresenta seu trabalho ao cliente. Desta vez, o cliente tem a chance de visualizar a ilustração finalizada, oferecer alguns comentários e solicitar pequenas alterações, se necessário. O estágio de realização termina quando o cliente aprovou a arte finalizada para que você comece a se preparar para a entrega final. Nesta fase, o cliente vê o trabalho artístico finalizado, mas não recebe nenhum arquivo, é para isso que serve o próximo passo. A próxima etapa é a entrega. A entrega é uma etapa em que você prepara os arquivos de arte para uso final e os envia para o cliente. Aqui você passa algum tempo certificando-se de que a arte é livre de erros e fácil de usar e que todas as camadas certas estejam incluídas, se solicitado. Finalmente, você envia o arquivo para o cliente. A última etapa está se fechando. O fechamento é um estágio em que você envia a fatura final para o cliente e recebe o pagamento. Nesta fase, você também pode aproveitar a chance arquivar sua pasta do projeto para segurança. Bem, nada no palco é essencial para fazer seu trabalho como ilustrador, é importante para garantir que você seja pago, e também vale a pena marcar o fim de um trabalho bem feito. Agora, por toda essa conversa sobre mapas, eu queria lhe dar um mapa real do processo. Eu incluí isso como um PDF para download e imprimível na página de projetos e recursos da classe. Para os interessados, o mapa também está disponível para compra como impressão, para saber mais visite tomfroese.com/processmap. Agora eu apenas uma nota antes de seguirmos em frente, a maneira como eu nomeei esses estágios não são termos padrão do setor. São apenas categorias úteis que se tornaram minha própria nomenclatura pessoal. Ao falar com seus clientes, especialmente diretores de arte e designers da indústria criativa, haverá mais familiaridade com termos como breve, esboços iniciais ou rugosos e finais ou arte acabada, e às vezes eles chamam de arte colorida. Eu digo isso para que você não sinta a necessidade de falar sobre o estágio de realização com seu cliente que pode não estar familiarizado com minha terminologia inventada. 4. As ferramentas: [MÚSICA] Você não precisa de muito para ser ilustrador. Além do aluguel e do nosso equipamento digital ou mídia física, não precisa haver muita sobrecarga. Nesta aula, vamos supor que você sabe quais ferramentas precisa para criar sua arte. As ferramentas sobre as quais falaremos aqui estão diretamente relacionadas ao processo 6s descrito na classe. Embora você possa achar que precisa de mais do que apenas essas ferramentas. Isso é o que eu considero o essencial dos ossos nus. As ferramentas sobre as quais falarei neste vídeo incluem o deck, o sistema de arquivamento, o software de faturamento e o compartilhamento de arquivos no Cloud. Agora vamos passar por cada um pouco de detalhes. A primeira ferramenta é o sistema de arquivamento. Um sistema de arquivamento é como estruturamos nossos arquivos e pastas em nossos discos rígidos. Isso pode parecer uma coisa estranha de incluir como ferramenta nesta classe. Mas, como ilustradores, acumulamos muitos arquivos ao longo da vida de um projeto, e eles precisam ir a algum lugar. Um sistema de arquivamento nos ajuda a permanecer organizados, ajudando-nos a saber como nomear e armazenar diferentes tipos de arquivos, como modelos, contratos, imagens de referência e, claro, nossos esboços e arquivos de arte. Os arquivos mais importantes que você deseja acompanhar são aqueles que você produzirá e apresentará para seu cliente. Isso inclui esboços e obras de arte final. Pelo menos, você deve ter um sistema para nomear seus arquivos de trabalho e acompanhar as versões ou revisões enviadas para seu cliente. Você pode ter um sistema de arquivamento que já funcione bem para você. Se for ótimo. Não quero dizer que tenho um sistema de arquivamento melhor do que você. No entanto, se você é como eu quando eu estava começando me perguntando como um profissional organiza seus arquivos, estou dando a você meu próprio sistema de arquivamento para começar. Você é livre para usá-lo e construir sobre ele como desejar. Ele estará disponível para você como um arquivo zip para download na seção de projetos e recursos de classe desta classe. Meu sistema de arquivamento é apenas um conjunto pré-fabricado de pastas aninhadas principalmente nomeadas e organizadas pelas etapas do meu processo. Ele também inclui um modelo do InDesign para apresentar esboços e ilustrações finais. É super útil ter um sistema de arquivamento organizado como este enquanto você está trabalhando em um projeto, é ainda mais útil quando você precisa encontrar um arquivo antigo por algum motivo, ter todos os seus arquivos organizado exatamente da mesma forma toda vez torna muito mais fácil encontrar arquivos antigos anos no futuro. A próxima ferramenta é o Deck. Quando os profissionais compartilham seu trabalho criativo com seus clientes, eles o apresentam em um deck. Um deck é basicamente um formato de apresentação de slides para apresentar nossos esboços e arte acabada aos nossos clientes. No meu processo, o deck é a única ferramenta mais importante quando se trata de incluir o cliente em seu processo criativo. Um deck emoldura meu trabalho em uma luz profissional. Isso me dá a oportunidade de explicar o trabalho e me ajuda a acompanhar as revisões. Sei que muitos ilustradores preferem enviar seu trabalho como anexos de e-mail soltos para seus clientes. Mas não acho que essa seja uma boa ideia. Quer eu esteja compartilhando esboços ou uma ilustração finalizada, quero que meu cliente perceba o trabalho como importante e exigindo toda a atenção deles porque é e faz. Pelo contrário, se eu enviasse minhas idéias como anexos soltos, meu cliente pode ter a impressão de que eu as desenhei rapidamente em um guardanapo ou algo assim. Como resultado, eles podem passar menos tempo e prestar menos atenção ao trabalho. Teremos a chance de olhar mais de perto o deck começando no Estágio 3, ideação. Também incluí um modelo de mesa simples na seção de projetos e recursos da classe, que você é livre para usar e se adaptar às suas próprias necessidades. A próxima ferramenta é o software de faturamento. O software de faturamento é um aplicativo ou um serviço que permite criar, enviar e rastrear cotações e faturas. Incluí o software de faturamento como uma ferramenta chave porque cotações e as faturas reservam todo o processo. Embora essa classe não seja sobre como precificar seu trabalho, falarei sobre como usar o software de faturamento para comunicar escopo e custo no início e garantir que você seja pago no final do projeto. Pessoalmente, tenho usado o Harvest como meu aplicativo de cobrança e parece fazer o trabalho muito bem. Mas, na verdade, qualquer aplicativo ou software de faturamento hoje serve. A próxima ferramenta é o compartilhamento na nuvem. O compartilhamento em nuvem é usado para compartilhar arquivos como links em vez de enviar os arquivos reais por e-mail, usa tecnologia simples e imediatamente se elevar acima de muitos outros ilustradores. Como você sabe, não recomendo enviar seu trabalho como anexos de e-mail soltos, mas sim apresentá-lo em um deck. Mas isso também significa evitar o envio de seus decks como anexos de e-mail. Em vez disso, carregue sua apresentação e seus arquivos de ilustração final para um serviço de compartilhamento de arquivos do Cloud, como Dropbox ou WeTransfer. Em seguida, basta enviar ao seu cliente o link de download. Tanto para o software de faturamento quanto para o compartilhamento na nuvem, incluí algumas sugestões na seção de projetos e recursos da classe. Mas você pode realmente ir com qualquer serviço que desejar, desde que ele forneça as funções descritas nesta classe. Agora que você está familiarizado com essas ferramentas, você poderá acompanhar mais facilmente quando eu as mencionei durante toda a aula. [MÚSICA] 5. A fundação (saiba sua arte): Gerenciar o processo de ilustração comercial significa orientar seus clientes com confiança de um passo para o outro à medida que você faz o que você faz o que quiser. Aquela coisa que você faz, esta é a sua arte. Para orientar seus clientes através de sua arte, você precisa saber o que é essa arte. Para mim, conhecer sua arte significa saber o que você faz, como você faz e também significa coisas como saber por que você quer fazer e para quem. Bem, isso pode ser o assunto de uma aula inteira. Eu queria tocar rapidamente nisso, já que é fundamental para tudo o mais que você fará no trabalho do seu cliente. A base de conhecer sua arte se enquadra no que eu chamo de 3V, seu virtuosismo, sua visão e seu valor. Vamos passar por cada um. virtuosismo é definido como uma grande habilidade em uma busca artística. Absolutamente, como ilustradores, devemos nos tornar mestres no que fazemos. Isso não significa ser artistas mestres no sentido acadêmico antiquado. Quer dizer, seja o que for que você faça, você deve ser exclusivamente muito bom nisso. Isso significa saber o que você faz, o que você é um mestre e saber como você faz isso de forma confiável. O que é que você faz bem? Ou o que você aspira a fazer bem? Qual é a sua coisa única? Qual é o estilo ou a visão ou uma perspectiva para a qual você quer que os outros o reconheçam e contratem? Quais são as ferramentas e técnicas específicas que você usa para fazer o que você faz? Quais são tão importantes para a sua arte que, sem eles, tudo o resto desmorona? Essas perguntas são importantes porque ajudam você a saber quais são os limites do seu trabalho. Ao conhecer seu virtuosismo, você sabe exatamente como fazer o que foi contratado. Você também sabe melhor como identificar clientes que podem não vir até você para esses pontos fortes, o que pode ajudá-lo a evitar trabalhos problemáticos antes mesmo de começarem. Em uma nota mais positiva, conhecer seu virtuosismo ajuda você a saber com o que você precisa trabalhar. Essas são as ferramentas e restrições que você pode usar para resolver os problemas de seus clientes. Isso é o que o torna único e espero que os outros esperam de você. Agora vamos falar sobre sua visão. Como empreendedor criativo, você é um negócio. Todas as empresas têm declarações de visão. Ter uma declaração de visão pode parecer brega, mas é um elemento fundamental para sua identidade e senso de propósito como ilustrador. Para mim, conhecer sua visão significa saber o que você quer. Isso engloba tudo sobre o que você faz como ilustrador. Por que você é ilustrador? O que você quer fazer com isso? quem você quer ilustrar? Que tipo de ilustração você quer fazer? Que influência você quer ter sobre seu público? Quem você imagina que seu público possa ser? Quando você conhece sua visão, você pode tomar melhores decisões sobre quais tipos de projetos você perseguirá e assumirá. Isso torna mais fácil para você se comercializar quando você sabe que tipo de trabalho deseja fazer e para quem você pode se concentrar mais em fazer esse tipo de trabalho e atraente para esses tipos de clientes. Sua visão deve ser forte, mas isso não significa que ela deva ser estática. Como humano, você está evoluindo o tempo todo. Sua ideia do que é digno de perseguição mudará à medida que você aprende e cresce. Ter uma visão forte significa simplesmente que, neste momento, você sabe o que quer ou o que quer mais do que outras coisas. Percorrer regularmente as perguntas que descrevi aqui ajudará você a construir uma visão forte e dinâmica para si mesmo como ilustrador profissional. O último V aqui é o seu valor. Quando falo em saber o seu valor, quero dizer o valor que você traz para seus clientes. O que é único em você que eles não conseguem obter de outro ilustrador? Muito do seu valor é derivado dos aspectos mais técnicos e estéticos de seu virtuosismo. Mas grande parte disso também depende de suas habilidades flexíveis. Quem é você? Com o que você gosta de trabalhar? Qual é a sua perspectiva? Que tipo de pensamento sua solução de problemas você traz para a mesa? Em outras palavras, o que o torna valioso como parte da equipe do seu cliente? Ser fácil de trabalhar pode ser valioso, mas talvez estar confiante e disposto a oferecer uma opinião forte, mesmo quando não é fácil trazer à tona é valioso para seus clientes. Talvez você goste de trabalhar em prazos curtos e trabalhar durante a noite. Talvez você seja super secreto e misterioso, mas sempre emerge a tempo com uma solução surpreendente e deliciosa. O valor que você deseja trazer para seus clientes é em grande parte baseado em quem você é e no que você vê como seus pontos fortes exclusivos. Cada um de nós é nosso próprio pacote de habilidades difíceis e flexíveis. E isso é melhor para alguns projetos e clientes e não é tão bom para outros. Ao considerar o valor que você traz, você pode perguntar, quais são suas habilidades suaves? Além da sua arte, o que as pessoas apreciam em trabalhar com você? Qual é a sua experiência ou experiência única fora do mundo da arte que faz de você um ilustrador de valor único. Eu chamei esse vídeo de fundação porque conhecer sua arte está realmente na base de tudo o resto que ensino nesta aula. É tão importante, lamento não poder ensinar isso de forma mais completa e não poder ensiná-lo antes de fazer essa aula. Mas, à medida que escrevi essa classe, ficou cada vez mais evidente para mim que realmente criar um projeto para o sucesso e mantê-lo no caminho certo começa com essa base. No final desta aula para o projeto, vou enviá-lo em uma série de perguntas guiadas que ajudarão você a conhecer melhor sua arte. 6. Fase 1: embarque no curso: integração é o processo de primeiro assumir um novo cliente e determinar a finalidade em detalhes sobre o que você estará trabalhando. Isso significa definir o problema visual que você está sendo contratado para resolver com sua arte. integração começa quando o cliente entra em contato pela primeira vez com uma consulta e termina quando você oficialmente assume um ao outro e inicia o projeto. O objetivo desta etapa é ganhar o projeto e configurá-lo para o melhor resultado possível. As etapas desta etapa incluem o primeiro contato, o resumo, a cotação e o pontapé inicial. No final desta etapa, você deve ter um projeto breve uma cotação aceita, um contrato ou contrato de algum tipo, eu geralmente apenas trabalho isso em minha cotação e um cronograma que descreve as principais datas para revisão e entrega final. Agora vamos passar por cada etapa do processo. O primeiro passo é a consulta do cliente. Todo projeto começa quando um cliente em potencial entra em contato com você geralmente por e-mail para ver se você está disponível e interessado em um trabalho. As consultas podem ser muito curtas e diretas, e outras podem ser um pouco mais complicadas, mas geralmente envolvem uma descrição de alto nível do trabalho e perguntando se você está interessado e disponível para o trabalho. Muitas vezes você será solicitado a dar uma taxa ou uma cotação de estádio também, mas lidaremos com isso separadamente. As consultas dos clientes podem vir de várias formas diferentes, mas uma muito típica pode ser assim. Estou olhando para um e-mail que vem de um cliente fictício para uma revista fictícia. Seu nome é Ashley e ela escreve: “Olá Tom, eu sou o diretor de arte da revista Crypto Today e tenho um emprego que você pode estar interessado. Precisamos de uma página inteira e quatro lugares para um artigo chamado The Cult of Crypto, que explora os tons religiosos da cultura criptográfica. É devido perto do final do mês. Temos um orçamento de US $1500. Você é capaz de assumir isso?” Neste exemplo, a consulta do cliente é curta e doce. O cliente fornece uma descrição simples do trabalho, para que serve e até inclui um prazo e um orçamento. Este é um começo decente , mas preciso saber mais antes de dizer sim ao trabalho. Antes de qualquer outra coisa, pergunto a mim mesmo se acho que o projeto é interessante. Se eu não estiver interessado e não estou fome por trabalho, posso passar. O que pode tornar um projeto interessante para mim? Aqui estão algumas perguntas que eu me faço, a tarefa é de alguma forma interessante para mim? Por exemplo, eu gosto do assunto? Ou o formato neste exemplo, ilustração editorial, algo que eu quero fazer mais? Quero trabalhar com esse cliente? Eles estão alinhados com meus valores ou um bom nome para ter no meu CV? Outra pergunta que posso fazer é : tenho tempo para assumir o projeto, ou ele comprometerá meus compromissos e prioridades atuais ? Outra pergunta que posso fazer é o orçamento é atraente ou pelo menos justo? E, por fim, o projeto criará novas oportunidades? Espero que eu possa encontrar algo que me interessa pessoalmente sobre o projeto. Claro, se o projeto tiver um orçamento atraente, isso por si só pode ser mais importante do que os interesses pessoais. Eu poderia estar interessado em quase qualquer coisa se o dinheiro for bom. Dito isto, eu principalmente me certifico de que acho que o projeto é realmente interessante porque é isso que facilitará muito a entrada no projeto. Mas o dinheiro também é importante. Eu deixei muitos trabalhos super interessantes irem porque o orçamento era muito baixo. Só porque uma empresa parece legal ou eu realmente acredito no projeto, isso não significa que vou dar um golpe na taxa. Posso, mas tenho meus limites. É claro que, independentemente de quão interessante ou bem remunerado o trabalho seja, precisarei de um certo mínimo de tempo para poder fazê-lo. Muitos trabalhos são filtrados nesta fase porque a linha do tempo é muito agressiva, especialmente dado o orçamento. Este exemplo é bom porque temos um orçamento. Mas às vezes você não receberá um orçamento, mas será solicitado a fornecer uma cotação. Isso é especialmente verdadeiro para agências de publicidade e muitos clientes editoriais conhecidos. Se você obtém um orçamento ou não, neste ponto em que o cliente entra em contato pela primeira vez, você está essencialmente sendo perguntado se está disponível e interessado. Normalmente, a resposta deve ser um retumbante, “Depende”. Claro, não diga assim. Você pode mostrar interesse inicial e profissionalismo dizendo: “Isso parece interessante para mim, mas eu gostaria de saber um pouco mais para ter certeza de que posso assumir isso”. Neste ponto, você iniciou o processo de briefing, que é a próxima etapa. Agora, ao longo desta aula, oferecerei alguns dos meus conselhos mais importantes. O conselho é apenas isso, você pode fazer o que quiser, mas esses são princípios fundamentais que eu cumpro em minha própria prática. Eles são importantes o suficiente para que eu precise chamá-los de regras. Aqui está o primeiro. Regra. Nunca se comprometa com incógnitas. Quando você recebe um resumo, você tem o direito de descobrir o máximo que puder sobre o trabalho antes de dizer sim a ele e antes de enviar uma cotação. Certifique-se de ter um resumo adequado e uma cotação aceita para aprender máximo que puder e certifique-se saber exatamente no que está se metendo. O próximo passo é o breve. Briefing é o processo de estar totalmente informado e preparado para o trabalho à frente. Quando você estiver interessado e quiser saber mais sobre um projeto, você pode passar para o estágio de briefing. É quando você descobre o que o cliente precisa e como você se encaixa na imagem. Em design e ilustração, um resumo criativo descreve quem, o quê, por quê, onde e quando de um projeto. É uma definição de alto nível do que é o problema criativo e quais são as entregas ao seu redor. Um resumo deve dizer tudo o que você precisa saber sobre preço, cronograma e tudo o mais que você precisa para começar o trabalho criativo. Às vezes, um resumo vem do cliente em um único documento ou em um único e-mail, mas com mais frequência, um resumo é uma conversa de ida e volta até o que você está sendo solicitado a fazer exatamente e por que fica claro. Como líder de seu processo criativo, é aqui que você tem a chance de começar a construir a confiança do seu cliente. Ao perguntar-lhes sobre as especificidades de sua solicitação, isso mostra que você presta atenção aos detalhes. Quando você faz perguntas dessa maneira, seu cliente tem a chance de realmente pensar sobre o que eles querem e precisam, e provavelmente apreciarão esse valor agregado. Caberá a você ter certeza de que você tem tudo o que precisa saber sobre o que está sendo solicitado a fazer e, por extensão, o que você está sendo solicitado a precificar em uma cotação. Há quase sempre algo que você não sabe com certeza, algo que você gostaria de saber, alguma informação vital que ainda não lhe foi dada. O resumo é sua oportunidade de perguntar isso. Em nosso exemplo para nosso cliente de revista de criptografia fictícia, mostrarei como eu responderia e as perguntas que eu faria. Na minha resposta à Ashley, eu digo: “Obrigado pelo seu e-mail. Isso parece super interessante. Só tenho algumas perguntas para me certificar de que sei se posso aceitar. Estou feliz em pegar uma chamada se for mais fácil para você. A primeira pergunta que eu faço é,” Sobre o que é a página inteira em spots? O que eles devem chamar especificamente?” Sempre ajuda saber em alto nível do meu diretor de arte ou cliente qual é a opinião deles sobre o que se trata. Outra pergunta que fiz é : “Você pode me enviar o artigo ou o título?” Muitas vezes, um cliente editorial enviará o artigo ou lhe dará alguma sinopse do artigo, mas se não o fizerem, você deve perguntar. “Você tem direção de arte específica para a peça?” A abordagem que eles querem tomar conceitualmente, nunca é demais fazer essa pergunta também. Outra pergunta muito importante a ser feita é quais são as dimensões de cada ilustração? Nunca inicio um projeto ou nem cito em um projeto, a menos que eu saiba os tamanhos específicos das ilustrações que eu deveria estar entregando. Uma coisa com a ilustração editorial é suas ilustrações geralmente estão sentadas no mesmo layout letras, manchetes e coisas assim. Eu pergunto, a página inteira precisará acomodar letras ou títulos? Especialmente com a página inteira, se estiver ocupando a página inteira, talvez eles também queiram ter alguma redação lá. Você precisa perguntar essas coisas com antecedência para garantir que a ilustração possa acomodar isso. Outra pergunta a fazer aqui seria: os pontos serão retangulares ou flutuarão no espaço? Na maioria das vezes, as ilustrações de pontos simplesmente flutuam no espaço e elas não têm como uma borda quadrada dura. Há mais como espaço em branco por trás deles, mas às vezes você só quer se certificar esclarece com o diretor de arte se essas ilustrações spot preencherão diretamente às fronteiras do o espaço retangular em que eles se encaixam. Finalmente, e esta é realmente uma pergunta super importante que você deve fazer com cada cliente é, você é capaz de citar exemplos de outros trabalhos que o fizeram pensar em mim? Esta é uma pergunta importante a ser feita, especialmente se você não tiver certeza sobre o que eles podem estar esperando de você em termos de estilo. Então eu apenas encerro o e-mail e digo: “Depois de ter mais clareza sobre isso, posso confirmar minha disponibilidade”. Para saber mais sobre o que fazer em um breve, incluí uma série de perguntas a serem feitas no momento do briefing, incluindo coisas que você absolutamente deve saber antes de dizer sim a um trabalho em a seção projetos e recursos da classe. No final do estágio de briefing, você deve ter respostas claras para essas perguntas idealmente em algum lugar por escrito. Quero ressaltar o quão importante é obter um resumo completo nesta fase e não ser muito casual sobre isso. Um dos maiores pontos problemáticos ao ilustrar para os clientes é quando parece que o cliente continua mudando as coisas à medida que você avança. Talvez o poste do objetivo continue mudando nos esboços ou você esteja quase terminando a arte final e o cliente altere as dimensões. Isso aconteceu comigo muitas vezes. Para saber o que apontar em seu trabalho, você precisa bloquear um alvo. O resumo é onde você e o cliente concordam com esse alvo. No jogo de boliche, você tem que derrubar vários pinos rolando uma bola pesada neles. Assim como há vários pinos para derrubar, muitas vezes há vários objetivos para você atingir metaforicamente em um trabalho. Você poderia imaginar se os pinos continuassem se movendo no final da pista enquanto você apontava seu tiro? Esses pinos devem ficar colocados para que você tenha uma chance de derrubá-los. O próximo passo aqui é a cotação e o contrato. Depois de ter um breve no lugar e saber mais certamente o que você está sendo solicitado a fazer e que deseja fazê-lo, você pode passar para o estágio de cotação. Uma cotação é uma estimativa de quanto seu produto ou serviço custará. cotação pode não parecer necessária se você receber um orçamento do seu cliente, mas ainda vale a pena configurar um e ter o cliente aceitá-lo , porque isso lhe dá a chance de colocar o preço por escrito. Mais importante ainda, dá a você a chance de declarar o que está incluído nesse preço e, por extensão, o que não está incluído. Em outras palavras, juntamente com o breve, uma cotação ajuda você a definir o escopo do projeto. Voltando à analogia do boliche, enquanto o breve é como os pinos que você configurou como seu objetivo, a citação configura os trilhos de proteção que mantêm a bola fora da calha. Agora, apenas uma nota sobre preços. Junto com o tópico das citações vem toda a lata de worms de como você precifica seu trabalho? Nesta aula, estamos tendo uma visão de nível superior de como percorrer um projeto criativo e mantê-lo no caminho certo, então só estaremos realmente arranhando a superfície sobre o tema dos preços. Aqui, gostaria de me concentrar mais em como cotação se encaixa no fluxo geral do projeto. Há recursos disponíveis para precificar seu trabalho, e deixarei links na seção de projetos e recursos da classe para você começar. Ao falar sobre a citação em si, uma citação deve ser sempre específica. Por exemplo, em vez de dizer que uma ilustração de um determinado tamanho custará X valor, você deve elaborar. que rapidez o cliente quer isso? Quantos detalhes entrarão nele? Como ele será usado? Quantos esboços o cliente espera ver no início? E se o cliente quiser a mesma ilustração, mas em duas opções de cores? Embora você não possa explicar todas as possibilidades, você pode escrever exatamente o que seria incluído em uma possibilidade específica. Realmente uma citação é apenas uma reafirmação mais precisa do breve. Provavelmente ajuda ver uma citação em vez de apenas me ouvir falar sobre isso, então vou abrir uma das minhas citações aqui, e fiz isso em Harvest, mas vamos dar uma olhada em algumas das especificidades. Só de olhar para a minha cotação aqui, tenho todas as coisas padrão que qualquer citação terá. Ele terá você e seu endereço, informações de contato. Vai ter para quem é a cotação, então seu cliente bem no topo. Tem um assunto e, neste caso, é de página inteira e pontos. Então, é claro que eu tenho uma pequena seção aqui chamada ID da citação, e para você, pode ser como um número um, e um número dois, número três. Tenho um esquema de nomes mais extravagante para isso. Então eu tenho a data de emissão. Realmente, essa parte superior é quase como um e-mail ou um papel timbrado e, em seguida, abaixo é onde realmente entramos no meu orçamento, e é aí que você começa a listar exatamente o que você estão fornecendo e por quanto. Basicamente, temos uma descrição reiterando o que eu e o diretor de arte conversamos na fase de briefing e colocando-o aqui por escrito. Ilustração editorial, descrevo para que serve e as entregas que falo não apenas sobre o que estou fazendo, mas o que estou fazendo ao longo do caminho. Isso inclui 2-3 esboços ou conceitos por ilustração. Então, é claro que estou entregando uma ilustração de página inteira e, em seguida, tenho apenas as dimensões que concordamos, e depois quatro ilustrações spot, e também faço uma menção sobre o que o formato e a resolução do arquivo serão, só para que fique claro. Eu tive casos em que forneci arquivos do Photoshop porque é nisso que eu trabalho arquivos do Photoshop porque é nisso que eu trabalho e as pessoas esperavam Vector, e você quer ter certeza de que aborda isso bem no topo aqui e não muito mais tarde, depois de fazer o trabalho artístico. Então, também muito importante é ter alguns prazos, mesmo que sejam prazos perdidos. Eu apenas digo que os esboços são vencidos no final do dia 11 de fevereiro, as finais são vencidas no final do dia 18 de fevereiro neste caso. Então, é claro, o valor e os impostos, todas essas coisas padrão. Agora, na descrição, tenho o cuidado de dizer: “Veja os termos e condições para revisões e horários de taxas”. Vamos entrar nisso em um pouco, mas aqui na parte inferior da citação, tenho toda essa seção aqui onde descrevo os detalhes basicamente de como isso funciona. O que é uma revisão? Quantos você recebe? Coisas assim. Vamos falar sobre isso daqui a pouco, mas tenho certeza de incluir isso em minhas citações. Para mim, a cotação não é apenas uma lista de preços ou um número, mas um contrato. Uma cotação descreve o que você fornecerá e por quanto. Ele também afirma o que está incluído ao longo do caminho, incluindo quantos conceitos exclusivos você fornecerá para cada ilustração, quantas rodadas de revisões você permite nos estágios de esboço e finais e o que formato de arquivo que você entregará no final. Na minha cotação, também descrevo o tempo, se possível, e definitivamente incluo um cronograma de taxas e se há ou não uma taxa de morte, e sim, você definitivamente deve incluir uma taxa de morte. Outra coisa que eu construo nas minhas cotações é uma descrição de usos e uma declaração de direitos autorais. A menos que o cliente pergunte especificamente e você tenha negociado uma taxa mais alta, você deve sempre manter os direitos autorais sobre seu trabalho. Eu não inventei essas coisas. A maior parte do que aprendi sobre preços e o que incluir na minha citação e como pronunciar meus termos e acordos seção, aprendi no Manual da Guilda de Artistas Gráficos. Este é um guia super útil para quem quer conhecer o negócio de ilustrar ou projetar. Tem apenas páginas e páginas de informações sobre isso. O bom deste guia é que ele tem essas tabelas específicas onde ele fala sobre cenários muito específicos, como você está criando esse tipo de ilustração para esse tipo de cliente, e é vai custar dentro dessa faixa de preços. Outra coisa legal sobre este guia é que ele não tem apenas essas listas de preços. Ele também tem toda essa seção na parte de trás com esses exemplos de formulários e acordos e contratos e coisas assim. Muitas das palavras que escolhi incluir em meus termos e condições, tirei desses exemplos. É chamado de Manual da Guilda de Artistas Gráficos para Diretrizes Éticas e Preços. É um bocado, algumas pessoas apenas chamam de Guia de GAG, mas sim, super útil. Eu recomendo que você escolha um desses. Eu costumava ter um contrato separado para meu cliente assinar, mas agora acabei incluí-lo na seção de termos e condições da minha cotação. Para ser honesto, tenho certeza de que há uma maneira mais oficial de fazer isso, mas para meus propósitos funciona. Isso não é aconselhamento jurídico, eu encorajo você a fazer sua própria pesquisa para ver o que funciona melhor para você. Para obter mais informações sobre citações e alguns exemplos, confira os links na página de projetos e recursos como sempre. Agora, apenas mais uma nota sobre citações antes de avançarmos para o próximo passo, assim como o breve, a citação deve ser vista como uma conversa. Se o cliente não forneceu um orçamento e solicitou uma cotação, pergunte o que você quer. Se o cliente morder, então ótimo. Caso contrário, volte e pergunte se eles tinham um orçamento que funcionaria melhor para eles. Negociar um preço não significa que você precisa fornecer o mesmo valor por menos custo, você pode negociar removendo recursos ou ajustando as expectativas na linha do tempo ou na entrega. Você pode ter ouvido o ditado, fora do bom, rápido ou barato, você só pode escolher dois, você não pode ter todos os três. Espero que você nunca deixe bem para a negociação, mas às vezes pode mexer em torno do quão rápido e por quanto. O estágio de cotação termina quando o cliente aceita sua cotação. A maneira como faço para obter uma aprovação na minha cotação é baseada em como meu aplicativo de faturamento funciona. No Harvest, depois de configurar minha cotação, eu a envio para o cliente dentro do aplicativo. O cliente recebe um e-mail com um link para a cotação como uma página da Web. Nesta página há um grande botão antigo que diz: Aceitar cotação. Quando eu envio a cotação, sempre escrevo uma pequena nota pessoal dizendo algo como: “Se a citação parecer boa para você, certifique-se clicar em “Aceitar” na cotação da web. Na seção de termos e condições das minhas cotações, incluo um pouco que diz: “Ao aceitar essa cotação, você concorda com o seguinte”, e é assim que sei que o cliente aceitou o meu citação. O cliente deve ter uma maneira de aceitar a cotação de uma forma equivalente a assinar manualmente. Ao clicar no botão Aceitar, este documento prova de que eles concordam com os termos e condições da cotação. Se você preferir uma assinatura de mão, isso não é uma má ideia. Novamente, nada disso é aconselhamento jurídico, só estou mostrando o que faço na minha própria prática. Finalmente, a última etapa aqui é pontapé inicial. Uma vez que você tenha uma cotação breve e aceita, o trabalho é praticamente seu. Você pode simplesmente entrar no trabalho real neste momento, mas eu acho que é bom apenas verificar uma última vez antes de avançar para garantir que o trabalho pareça uma coisa real, é o que eu chamo de kickoff. pontapé inicial pode ser tão simples quanto uma nota para agradecer e você está animado para trabalhar com eles. Também é uma chance apenas firmar a linha do tempo do projeto, definindo datas mais concretas para entregas ou pontos de contato específicos. No processo, os pontos de contato incluem as vezes que meu cliente verá os esboços, a arte finalizada e, finalmente , os arquivos de arte finalizados. O trabalho que estou compartilhando com o cliente é sempre um entregável concluído. Quando trabalhamos na linha do tempo, evito idiomas como check-ins porque não acho que seja criativamente produtivo mostrar o trabalho intermediário do processo. Isso poderia realmente descartar o processo já que o trabalho de ilustração em andamento pode parecer assustadoramente ruim até para nós mesmos enquanto estamos fazendo isso. Se o cliente pedir um check-in, faça esse check-in na primeira vez que ele verá um esboço seu. Vamos entrar mais nisso no estágio de ideação. Mas, por enquanto, meu ponto principal é você quer ter um cronograma que você quer ter um cronograma muito simples e elegante, então você tem menos datas para planejar e menos chances de perder o controle do feedback. No início, primeiro cronograma nesses três pontos de contato abrangentes : primeiro olhar para esboços, primeiro olhar para a arte acabada e entrega final de arquivos. Gosto de dizer primeiro olhar porque pode haver segundo e terceiro olhares depois, mas agendar todas as possibilidades fica complicado. Em seguida, certifique-se de dar tempo suficiente entre cada um desses pontos de contato para que o cliente dê feedback cuidadosamente e que você implemente cuidadosamente as alterações em suas próprias revisões. Normalmente, isso significa pelo menos um dia de retorno para o feedback do cliente e outros 1-2 dias para você virar as revisões. Também gosto de agendar pelo menos 1-2 dias, dependendo da complexidade do projeto após a aprovação final para limpar os arquivos antes de entregá-los ao cliente. Apenas uma dica, feedback e revisões são fáceis de perder o controle se não forem gerenciados corretamente. Você deve evitar que o feedback seja fragmentado ou vindo de várias pessoas vários e-mails ou chamadas. Para evitar confusão e sobrecarga, sempre preciso que o feedback chegue através de um contato e seja reunido em um único documento organizado. Eu comunico isso nos termos e condições da cotação. Uma ótima maneira de fazer um projeto parecer real é criando uma pasta de projeto. Anteriormente, eu apresentei você ao meu sistema de arquivamento de seis S e agora é hora de começar a colocá-lo em uso. O sistema de arquivamento é apenas a estrutura de pastas aninhadas nomeadas e ordenadas pelos estágios e etapas desse processo. Eu sempre tenho um sistema de arquivamento em branco ou fictício no meu disco rígido pronto para duplicar e dar um novo nome a cada projeto. Digamos que eu iniciei esse trabalho para esta revista fictícia, Crypto Today. Eu nomearia minha pasta dessa maneira. Aqui eu tenho apenas minha pasta fictícia e ela tem um nome genérico. A próxima coisa que eu quero fazer é apenas duplicar isso, eu sempre quero manter minha pasta fictícia sozinha apenas para que ela esteja sempre disponível, mas eu quero duplicá-la e começar a dar um nome único. Eu dou aos meus projetos esses nomes gobbledygook, mas há um pouco de razão para isso. As primeiras quatro letras são o nome do cliente, então neste caso é Crypto Today, e vou colocar CRYP como a pequena abreviação para isso. Então a data seria fevereiro de 2022, e isso lhe dá uma boa maneira clara de identificar quando fiz este projeto. Então eu dou um pequeno número de série, apenas um único dígito, caso Crypto Today volte para mim no mesmo mês para outro projeto separado. Eu apenas criaria uma pasta com o mesmo código mas apenas incrementaria esse número de série para dois. Claro, coloquei o nome do cliente aqui, Crypto Today, e vamos apenas dizer ilustrações. O gobbledygook de 11 caracteres é o código do projeto e depois o sigo com uma descrição básica do projeto. Para obter mais informações sobre como concebo códigos de projeto e nomear minhas pastas, incluí algumas notas com o sistema de arquivamento, Zip File, incluído na página de recursos da classe. 7. Fase 2: entendimento: [MÚSICA] Agora que você integrou seu cliente e iniciou oficialmente o projeto, ele acabou com seu ilustrador. O momento em que um projeto começa pode ser intimidante para ilustradores mais novos. Já que a grande questão é, o que você faz a seguir? Talvez a coisa mais natural a fazer seja pegar um lápis ou até mesmo pular direto para o Procreate ou Illustrator e começar a elaborar ideias. Mas antes mesmo de pensar em desenhar ou ilustrar qualquer coisa, você precisa primeiro estabelecer uma base de compreensão. É disso que se trata o estágio de compreensão. Compreender é o estágio de aprendizado tanto quanto você pode sobre o projeto para que você faça seu trabalho corretamente. Esse processo inclui algumas pesquisas básicas e coleta de imagens de referência, no entanto, muito que você precisa para entender adequadamente seu assunto. No processo 6S, essa etapa também inclui estudos, que significa desenhar a partir de suas imagens de referência. Qualquer um que tenha feito minhas outras aulas saberá isso como modo de observação ou esboço do modo O. O objetivo do estágio de compreensão é saber o quanto você precisa para ilustrar cuidadosamente seu assunto. Esse entendimento está nos níveis intelectual e visual. Esse estágio começa com algumas pesquisas primárias básicas e depois passa para estudos visuais, ou o que às vezes chamo de esboço do modo O. Ao final do estágio, você reunirá anotações e documentação de sua pesquisa principal, bem como algumas imagens de referência. Claro, você também terá esboços no modo O, com base em suas imagens de referência. No estágio de compreensão, o primeiro passo é a pesquisa. pesquisa para ilustradores é bastante básica. Não estamos falando de pesquisa acadêmica, mas apenas chegando a um lugar onde você entende sobre o que você deveria ilustrar. Para demonstrar a parte da pesquisa desta etapa, digamos que estamos trabalhando em uma ilustração para um cliente editorial. Em um projeto típico de ilustração editorial, pesquisa realmente começará com o rascunho do artigo do diretor de arte. O artigo geralmente vem como um documento de texto com o título e o corpo principal do texto, embora possa estar em forma de rascunho, o que significa que o título e a redação exata do conteúdo podem mudar antes publicação. No entanto, deve ser suficiente para você obter ideias. Neste exemplo, seu primeiro passo deve ser ler e entender o texto, e também encontrar algo interessante sobre ele. Nem todos os artigos editoriais são exatamente fascinantes. Quando recebo um artigo, leio algumas vezes, com cada passagem tendo um foco diferente. A primeira leitura é apenas para conhecer o artigo, então eu o li sem outro objetivo senão passar por ele. A segunda leitura é descobrir sobre o que o artigo realmente se trata. Desta vez, tenho um lápis ou caneta na mão e sublinho o que se destaca para mim tão interessante, especialmente quanto qualquer coisa que me dê uma forte dica visual. Neste ponto, posso perceber que na verdade não sei tanto quanto pensei sobre o assunto, então posso ir e fazer algumas pesquisas adicionais. Por exemplo, se o artigo é sobre investimento em criptografia, talvez eu tenha que fazer alguma pesquisa adicional para saber o que significam termos como bullish ou crianças pequenas. O bom é que você não precisa ser um especialista em algo para poder ilustrá-lo. Na verdade, quando você lê algo como um estranho total, o processo de aprender sobre isso o tornará melhor em ilustrá-lo. Você pode se colocar no lugar do leitor médio e, portanto, saber qual pode ser a maneira mais compreensível de se comunicar sobre isso. Depois de entender o texto e retirar algumas idéias-chave, o próximo passo será começar a procurar imagens de referência. O objetivo desta etapa é construir uma biblioteca visual do seu assunto. Aqui, você está apenas procurando por imagens na Web e salvando-as em uma pasta no seu computador. No exemplo acima, o artigo é sobre investimento em criptografia. Este é um tópico muito abstrato, então você precisará de algum tipo de ponto de entrada visual. Quais são os símbolos e visuais que podem ser significativos dentro desse assunto? Especificamente, como é a criptografia? Como a criptografia não tem forma física real, você verá muitos recursos visuais que mesclam tropos monetários e digitais ou eletrônicos. Isso significa muitas moedas de ouro com motivos de circuito. Que outros visuais existem dentro desse tópico ou da cultura que o rodeia? Quem são as pessoas neste espaço e como elas se parecem? Quais são as metáforas que você pode desenhar como bullish? Qualquer que seja o visual que você acha que precisa fazer referência, procure-o e salve-o na pasta de imagens de referência. Também esteja atento a novos visuais possíveis à medida que você avança. Esse é outro benefício de fazer essa etapa de pesquisa de imagens. Agora, quando você está procurando imagens de referência, você não está procurando uma solução para seu problema de ilustração. Você provavelmente não encontrará um conceito completo pronto para sua pesquisa. Em vez disso, você está apenas procurando por imagens de referência e, em um momento, vamos nos aprofundar mais sobre o que você fará com elas. Para orientar essa pesquisa de imagens, acho que ajuda escrever uma lista de palavras-chave primeiro e depois usar isso como base da minha pesquisa primária. Eu posso passar por essas palavras uma a uma. Depois de encontrar imagens para cada palavra-chave, posso passar para a próxima etapa. Agora, apenas um aviso amigável. A Internet está cheia de clichês e visualizações altamente sem imaginação para cada tópico. Olhando para as criptomoedas, você descobrirá rapidamente que as pessoas não conseguiram imaginar mais do que moedas com vários símbolos de criptomoeda nelas cercadas por motivos digitais. Embora você precise incluir algo assim para que sua arte tenha significado para o leitor comum, seu trabalho é pressionar por algo que seja de alguma forma extra. Como você pode empurrar os clichês para algo mais inteligente ou dar a eles mais personalidade? Ou como você pode girar as idéias antigas de uma nova maneira? Que novas conexões você pode criar entre as ideias específicas do artigo e os motivos comuns do assunto? pesquisa pode levar 15 minutos lendo os materiais fornecidos e reunindo um punhado de imagens de referência, ou pode levar um dia inteiro de se perder em buracos de coelho, à medida que você descobre um novo tópico e se encontra bastante interessado no processo de aprendizagem. Como você sabe quando você está concluído a pesquisa? Costumo reservar meio dia para pesquisa e coleta de imagens. Saberei que terminei quando tempo acabar ou quando encontrei imagens para toda a minha lista de palavras-chave ou até que eu esteja cansado de pesquisar. O próximo passo são estudos visuais. Para artistas, estudos são desenhos feitos para prática ou como um experimento. Mas no meu processo, os estudos têm um propósito mais pontual. Em algumas das minhas aulas, chamo isso de esboço observacional ou de modo O. É um esboço que eu faça antes de começarmos a tentar criar ideias reais. Nos esboços do modo O, passamos por nossas imagens de referência coletadas e desenhamos o que vemos. Não estamos chegando com ideias, apenas desenhando o que está na página. Nem estamos necessariamente tentando desenhar isso bem. Muitas vezes, basta desenhar algo rapidamente e mal, desde que esse ato nos faça ver o assunto mais perto e reter algo de sua forma em nossa memória. Às vezes me refiro a isso como baixando informações visuais para nossos cérebros. Mais tarde, quando começarmos a procurar ideias no estágio de ideação, teremos um repertório de formas visuais relacionadas ao nosso assunto, frescas em nossa memória. Isso torna muito mais fácil criar ideias naquele momento. Enquanto isso, nesta fase, a pressão está desligada, mas ao mesmo tempo temos essa sensação de que estamos progredindo fazendo o trabalho real, e esse senso de progresso é enorme em impedindo-nos de nos sentir presos. Para esboços ou estudos do modo O, eu apenas passo o maior número possível de minhas imagens de referência. Eu tento não pensar muito sobre isso. À medida que você aprende essa habilidade e faz isso algumas vezes, você fica melhor ao escolher imagens em sua pesquisa inicial e coleta de imagens e sente quais você precisa prestar mais atenção para em seus estudos. Quando você sente que empacotou seu cérebro com informações visuais suficientes ou ficou sem tempo, é hora de passar para o próximo estágio, a ideação. Costumo definir um limite de tempo para estudos visuais de uma hora a meio dia, dependendo do quanto eu sinto que preciso. Regra. Não compartilhe esboços do modo O com seu cliente. Esses esboços são só para você. Embora você possa realmente gostar de como eles se parecem e podem acabar usando-os em seus esboços ideacionais no próximo passo, eles provavelmente são apenas um trampolim. Nesta fase, talvez você queira compartilhá-los com o cliente para que eles saibam que você está no trabalho, especialmente se ele perguntar. Mas se você mostrar os esboços do modo O do seu cliente, o risco é que eles respondam a eles como se você os significasse como um conceito real. Eles podem realmente gostar e ficar presos neles, o que tornaria mais difícil para você realmente desenvolver ideias mais interessantes e únicas. Ou, por outro lado, eles podem pensar que são muito ruins e preocupados, é o melhor que você pode fazer. De qualquer forma, mostrar esboços no modo O para o cliente corre o risco de perder o controle do processo criativo neste estágio anterior. Aguarde até o final da próxima etapa, ideação, para mostrar qualquer coisa com seu cliente. [MÚSICA] 8. Fase 3: ideação: [MÚSICA] Agora que você se aqueceu do estágio de compreensão, você se sentirá muito mais preparado para criar ideias reais, que é exatamente para que serve o estágio de ideação. Ideação é o processo de criar soluções reais para o problema visual do cliente. Para ilustradores, isso significa criar conceitos na forma de esboços. O processo de ideação começa com esboços aproximados e, em seguida, entra em um processo de seleção e refino e, finalmente apresentando seus melhores para o cliente. partir daqui, o cliente aprovará o conceito para entrar nas finais ou muito provavelmente fornecerá feedback ou alterações para incorporar em um esboço revisado antes de avançar. Claro, todo o processo de elaborar ideias e apresentá-las ao cliente e especialmente trabalhar com ao cliente e especialmente trabalhar feedback e revisões é um grande ponto importante para nós. Como esta aula é, em última análise , sobre como manter o controle do processo criativo para que possamos alcançar os objetivos do projeto, estaremos dando a esse aspecto uma atenção mais detalhada. O objetivo final do estágio de ideação é ter um esboço aprovado pelo cliente para cada ilustração em que você está trabalhando. Se houver apenas uma ilustração, você quer ter um esboço aprovado que você pode transformar em uma peça acabada na próxima etapa. Se houver 10 ilustrações, você deve ter 10 esboços aprovados e assim por diante. As etapas desse processo incluem esboços aproximados, esboços refinados, apresentação e feedback e revisões. No momento em que começamos nossos esboços aproximados, nos deparamos com a página em branco. Se tivéssemos tentado começar aqui sem passar pelo estágio de compreensão, especialmente os estudos, isso poderia ter sido muito mais intimidante. Mas, tendo preparado nossa imaginação com alguma informação visual, provavelmente temos algo em nossas mentes para começar. Se você quiser ir mais fundo em como abordo esboços grosseiros, mostro isso na minha aula Desenho em direção à ilustração. Às vezes, um cliente terá algo em mente que quer que você ilustre, às vezes até lhe dará seu próprio esboço pelo menos como ponto de partida, outras vezes o cliente financia para deixe as ideias completamente com você. Nos dois exemplos a seguir, analisaremos como cada situação pode ser. Muitas vezes, um diretor de arte terá um conceito em mente para você trabalhar. Embora possa parecer que isso facilita seu trabalho, pode realmente dificultar, já que você pode nunca ter abordado o problema visual dessa maneira e, portanto, você gasta muito tempo adaptando seu estilo e forma de pensar para o de outra pessoa. Tanta parte do estilo de alguém não é apenas o que uma ilustração se parece, mas as próprias ideias nas quais a ilustração se baseia. A ilustração não é apenas fazer fotos, é toda a abordagem para chegar lá. Felizmente, na maioria dos casos, o esboço ou conceito dado a você pelo cliente está aberto à sua interpretação; é um ponto de partida, seu trabalho é encontrar uma maneira de interpretar o cliente ponto de partida à sua maneira. Aqui está uma dica. Quando o cliente lhe dá um ponto de partida como este, ainda é uma boa ideia passar pelo estágio completo de compreensão, incluindo pesquisa e esboço de modo, antes de passar para estágios posteriores do o processo. Quando um cliente lhe dá um esboço aproximado, você pode perguntar se há mesmo um ponto em fazer seus próprios esboços grosseiros. Claro, a resposta é um retumbante sim. Nesse caso, eu tentaria pelo menos duas abordagens diferentes : uma que segue um esboço do cliente mais perto e outra que interpreta o esboço mais vagamente de uma forma mais natural ou intuitivo para você. Muitas vezes também gostaria de tentar uma terceira abordagem em que deixo de lado as ideias preconcebidas do cliente e abordo o problema de uma maneira completamente nova. Eu só faria isso se parecesse que eu poderia fazê-lo sem contradizer os objetivos do breve. Em um exemplo, um cliente veio até mim com um conceito e esboços que já haviam sido aprovados por seu cliente, uma associação automotiva que fornece suporte emergencial na estrada para seus membros. Esta era uma agência de publicidade e eles estavam vindo até mim para executar suas ideias no meu estilo. Parte do trabalho era letras personalizadas e a outra parte foi ilustrar alguns ícones simples para suportar o texto. As letras seriam bem simples, era o ícone que me pareceu mais incerto. Eles queriam que eu retratasse uma bateria de carro, um pneu furado e um reboque. Nos ásperos, passei algum tempo tentando descobrir como desenharia uma bateria de carro, um pneu furado e um caminhão de reboque. Este seria o Nível 1, onde estou apenas redesenhando o que o cliente já esboçou. Aqui, estou pensando nas qualidades do meu estilo. Que personagem posso trazer para esses objetos de outra forma bastante simples? Pode haver muito espaço aqui para interpretação. O próximo nível, vamos chamá-lo de Nível 2, seria levar as ideias um passo adiante. Agora, estou pensando mais conceitualmente. O que o texto diz e qual é o tom geral do projeto e como posso integrá-lo mais criativa na ilustração? Neste exemplo, o tom geral é temático de Natal e o texto é reproduzido na ideia de cartões de Natal em situações em que se pode precisar de serviço de emergência na estrada. Ao avançar, comecei a pensar como reunir essas duas ideias. Para a bateria, pousei na ideia de cabos de jumper como uma corda de luzes de Natal, para o pneu furado, pousei na ideia cômica de a punção ser causada pela condução sobre o vidro fragmentos de ornamento, para a terceira peça, eu sabia que o cliente queria literalmente retratar um de seus rebocadores de marca reconhecíveis. Era apenas uma questão de como girar um pouco para que houvesse mais um conceito para ele. Aqui, adicionei uma fantasia Rudolph com um nariz vermelho na frente e os chifres amarrados ao topo. Nos meus ásperos, acabei de brincar com variações nessas duas coisas; o Nível 1 e o Nível 2 se aproximam com cada peça. Vamos ver como isso se desenvolveu na próxima etapa, mas primeiro, vamos ver quando o conceito depende totalmente de você. Eu prefiro não receber um esboço para o meu cliente. Como um colega artista no Twitter disse: “Por favor, não me envie um esboço, é por isso que você me contratou, eu faço as fotos.” Espero que eu tenha mostrei a você como você ainda pode ser criativo quando dado um esboço. Mas agora vamos ver o desafio de trabalhar a partir de uma ardósia limpa. Neste exemplo, o diretor de arte me deu um resumo bastante simples e aberto. Este artigo é sobre trabalhar em casa durante o COVID. Procurei imagens que me deram uma noção do que é trabalhar em casa. Nesse caso, são pessoas em casa ampliando os computadores, elas estão em um ambiente doméstico, talvez em uma cozinha ou em um quarto. Passei esse estágio de descanso apenas iterando essa ideia simples e vendo onde minha imaginação iria. Neste passo mais difícil, estou apenas explorando e deixando minha mão e minha mente vagarem. Às vezes minhas ideias se reúnem na íntegra aqui e eu só preciso refiná-las um pouco no próximo passo, mas outras vezes as coisas vêm em partes ou em pedaços incompletos. Muitas vezes, acho que não tenho nada de bom, então, em certo momento, tenho que parar, fazer uma pausa e voltar com uma mente fresca, que pode ser depois de um lanche ou até mesmo no dia seguinte. Regra. Não compartilhe o trabalho em andamento em seu estágio difícil. Quando você apresenta esboços ao seu cliente, seu objetivo deve ser pregar sua ideia e obtê-la aprovada pelo cliente imediatamente. Se você apresentar esboços que não resolveu completamente, seu cliente pode sentir a necessidade intervir e resolvê-los para você, o que duvido que qualquer um de vocês queira. Igualmente importante, você não quer lançar um conceito que você não pode realmente desenvolver em seu meio e estilo? Bem, é bom deixar algum espaço para surpresa entre esboços e finais, você não quer configurar o cliente com expectativas que realmente lutará para cumprir. Na etapa de esboços aproximados, você está minerando ideias, mineração para esses diamantes em bruto. Mas ao final dos esboços grosseiros, você terá encontrado algo mesmo que eles pareçam incompletos ainda. Nos estágios refinados, é aqui que você tem a chance de moldar o esboço para algo mais específico. Você pode ter tido todas as ideias legais, mas é hora de selecionar as mais viáveis. Uma ideia é viável quando ela primeiro, atende ao objetivo do breve, segundo, promete ser algo que você pode entregar em seu estilo e, terceiro, é algo que você pode descrever facilmente. Se você não pode colocar em palavras, provavelmente não tem uma ideia; além disso, você realmente só precisa gostar da ideia e ter que viver com ela. Regra. Se você não quiser que o cliente escolha suas piores ideias, não as apresente. Vamos nos aprofundar mais na próxima etapa, a apresentação. Mas uma reclamação comum dos ilustradores é que o cliente sempre escolhe suas piores ideias. Para mim, isso parece evitável; não apresente ideias que você não gosta. Embora você possa ter uma ideia favorita, você deve ser capaz de ficar por trás todas as ideias que você apresenta. Se houver alguma ideia que você não gostaria executar por qualquer motivo, você não deve incluí-la. Se isso significa apresentar dois conceitos em vez de três, basta apresentar dois. Se isso significa que você não tem ideias, então você tem mais trabalho a fazer no estágio difícil ainda. Nesse caso, pergunte a si mesmo o que não está funcionando sobre seu conceito e, em seguida, continue. Regra. Não apresente mais de três opções por ilustração. Mostrar muitas opções torna mais difícil para o seu cliente escolher e indica que você não pode se decidir sobre o que você acha que é o melhor caminho a seguir. Venha com uma forte recomendação, seja decisivo. Por mais difícil que seja, escolha seus três melhores conceitos e deixe todo o resto ir. Em um mês, você terá esquecido todas essas ideias preciosas de qualquer maneira. Ajude seu cliente a decidir mostrando apenas suas ideias mais fortes. Faça do seu trabalho decidir quais são suas ideias mais fortes e não os clientes. Esta é uma maneira importante de se manter no do motorista criativo e evitar que o projeto saia dos trilhos. No primeiro exemplo, as peças de bateria, pneu e caminhão de reboque, meu objetivo é criar pelo menos um nível 1 e Nível 2 assumir seus esboços, com o Nível 1 seguindo seus esboços mais literalmente, e Nível 2 trazendo mais da minha própria tomada para a mesa. Na verdade, acabei com três direções para compartilhar com eles. Aqui, para refiná-los o suficiente para seus comentários, eu me certifiquei de que todos eles tivessem um nível de acabamento semelhante ao deles. Ao elaborar ideias para um conjunto de ilustrações, os esboços devem ser consistentes para evitar questões de por que um pode parecer diferente do outro. Também me certifiquei de que as letras e meus esboços tivessem um sentimento semelhante a eles, mesmo que fosse bastante difícil nesta fase. Foi nisso que me concentrei em meus esboços refinados aqui. Eu queria tão pequena variação na qualidade dos meus esboços e tanta variação nos conceitos distintos que eu estava apresentando. Ao apresentar várias opções, torne cada opção o mais distinta possível. Desta forma, você pode evitar solicitações para misturar e combinar, também conhecido como Frankenstein seus esboços. Isso poderia realmente enfraquecer seu conceito geral. Também mostrar diferentes opções com apenas pequenas diferenças torna a decisão mais difícil para você e seu cliente. Quando cada conceito é tão diferenciado dos outros quanto possível, seu valor único é claro. Se houver um pequeno detalhe que você não tem certeza de incluir ou não, evite a tentação de incluí-lo como uma opção extra. Isso enfraqueceria sua posição como líder criativo. Você deve descobrir esse detalhe você mesmo. Basta cortar uma das variações e saber que, se for realmente tão difícil de decidir, provavelmente não faz diferença de qualquer maneira. Um aspecto notável desse projeto foi que eu estava trabalhando com um diretor de arte em uma agência de publicidade e estávamos juntos trabalhando criativos, para apresentar ao cliente deles. Embora eu geralmente permita três rodadas de esboços, aqui, eu tenho que permitir alguns vai-e-vem entre mim e o diretor de arte primeiro, porque a equipe criativa da agência vai querer examinar meu trabalhe antes de enviá-lo para o cliente. Nesse caso, os primeiros esboços que compartilhei foram um pouco mais soltos do que eu costumo gostar porque eu precisava elaborar os conceitos gerais com eles primeiro, e os conceitos precisam de menos refinamento do que conteúdo na composição. Uma vez que o diretor de arte voltou com seu feedback interno, consegui refinar ainda mais todo o conjunto de conceitos, desta vez pronto para ser revisado por seus clientes. No caso dos meus esboços para meu cliente editorial, uma vez que selecionei minhas melhores opções, simplesmente as refino rastreando e fazendo com que pareça o mais próximo de como ilustro no meu estilo final quanto possível. Embora muitos possam se aproximar de esboços uma maneira muito mais rápida e solta, prefiro passar muito tempo aqui. É por isso que faço esboços grosseiros e os refino com base no meu próprio senso do que precisa ficar claro, em vez de apresentar esboços mais ásperos ao meu cliente e ter refiná-los com base em seus feedback. Embora o feedback e as revisões sejam muitas vezes apenas parte do processo, gosto de simplificá-lo o máximo possível, e acho que meus clientes gostam não ter que pedir muitas mudanças. Isso é apenas um palpite. Tentei usar minha experiência e intuição para antecipar o que o cliente poderia dizer e consertar essas coisas sozinho. Se eu não puder dizer o que o cliente dirá, mostrarei meu melhor trabalho e deixarei que o feedback do cliente me dê mais direção na próxima rodada. Embora se preocupe com meus esboços refinados, dessa forma pode parecer levar muito tempo, economiza mais tempo em etapas de revisão e, especialmente, na fase final da arte. Tire seu tempo para acertar nos esboços. Em sua fase de arte acabada, será muito mais suave. Faça isso nos esboços, não nas finais. Se você prega os esboços e o cliente aprova sem feedback, ou eles têm muitos comentários para você malhar, é sempre melhor trabalhar nos esboços, não no execução concluída. É sempre mais fácil mudar as coisas lápis do que pintar [NOISE]. Até agora, não nos encontramos com o cliente desde o início. Talvez possamos acompanhá-lo com algumas perguntas adicionais no início, mas ainda não mostramos nenhum trabalho a elas. Agora, com alguns esboços refinados na mão, você está pronto para sua primeira apresentação do cliente, nosso primeiro ponto de contato desde o início. Bem, você pode imaginar que uma apresentação do cliente acontece em tempo real com você levando seu cliente através de seus conceitos, eu recomendo enviar seus conceitos por e-mail, pois isso lhes dá tempo e espaço para formular sua resposta. Isso significa que você recebe um feedback mais atencioso, em vez de tomadas quentes. No vídeo Ferramentas anteriormente, aludi ao deck como sendo sua ferramenta mais importante para orientar seu cliente durante seu processo criativo. Agora que você tem seu esboço ou esboços para compartilhar com seu cliente, você vai precisar desse deck. Seu deck é como você deve apresentar todo e qualquer trabalho ao seu cliente. Estou surpreso com quantos ilustradores ainda enviam seu trabalho como anexos de e-mail soltos para seus clientes. Se você é um novo ilustrador trabalhando para seu primeiro cliente, você pode facilmente se destacar de cabeça e ombros compartilhando seu trabalho em um deck. Um bom esboço apresentado em um deck pode parecer muito mais valioso do que um esboço incrível enviado como um anexo de arquivo solto. Apresentar em um deck, ajuda o ilustrador a manter controle de seu processo fazendo o seguinte: Fica mais fácil acompanhar as versões desde todos os esboços, especialmente quando você estão trabalhando em múltiplos, podem ser agrupados em lote e rotulados com um número de versão comum. Apresentar em um deck garante que seus esboços e suas descrições permaneçam sempre juntos. Se você enviar esboços soltos, eles podem ser enviados sem suas descrições ou outras informações importantes de configuração de contexto que possam gerar feedback irrelevante. Apresentar em um deck enquadra seu esboço da mesma forma que um quadro pode elevar qualquer obra de arte, mesmo um rabisco. Por fim, torna mais provável que seu cliente gaste tempo e cuidado suficientes revisando seu trabalho. A última coisa que eu quero é que meu trabalho seja rapidamente desnatado em uma pequena tela do telefone e feedback dado com base nessa visualização menos cuidadosa. Há um risco maior de que algo seja perdido e eu vou ter que lidar com as mudanças mais tarde no processo quando elas forem mais caras de fazer. Na seção de ferramentas, introduzi rapidamente o que chamo de deck e, em alguns dos exemplos acima, vimos o deck em ação. Agora eu gostaria de dar uma olhada mais de perto. Para qualquer pessoa interessada, incluí um modelo de deck básico como download gratuito na página de projetos e recursos da classe. Voltando ao exemplo acima para o projeto editorial, é assim que meu deck para aquele se parece. A primeira página obviamente é a capa e, claro, você coloca coisas como nome do cliente, descrição do projeto, tipo de apresentação, data e número da versão. Esse número de versão é realmente importante. Você quer sempre ter o número da versão na capa. Então, por dentro, na primeira página, optei por apresentar um esboço por página, pois só tenho uma ilustração para a qual estou compartilhando conceitos. No entanto, se eu estiver apresentando vários esboços para várias ilustrações, é melhor mostrar todos os conceitos para cada ilustração em sua própria página, que eles sejam fáceis de visualizar e comparar para o cliente. Ao apresentar esboços, você não precisa de muito, apenas seus esboços e algum texto descritivo para apoiá-los para deixar claro o que o cliente está olhando. Os esboços devem ser claros e autoexplicativos e não precisam texto adicional para dar sentido a eles. Os textos descritivos só ajudam a reforçar um pouco seu pensamento. Eu diria apenas mantê-lo em um parágrafo curto, talvez um par de 100 caracteres ou menos. Agora, na última página, gostaria de mostrar etapas acionáveis para o cliente, que eles saibam como responder ao trabalho e o que estou esperando deles na forma de feedback. Se você estiver usando o InDesign, exporte seu deck como PDF e faça o upload para a nuvem e, a partir daí, você pode copiar um link compartilhável. Em seguida, escreva seu e-mail, inclua o link e envie-o para o cliente. Você pode escrever seus e-mails da maneira que quiser, mas recomendo manter o e-mail curto e direto ao ponto. Aqui está um exemplo do que posso enviar. “Oi Ashley, muito obrigado por sua paciência enquanto eu coloco esses esboços juntos. Aqui está um link para os esboços”, e então, é claro, eu colo esse URL no meu arquivo na nuvem, e então eu apenas fecho e digo: “Por favor, dê uma olhada, me avise qual conceito você gostaria de ir com ele.” Uma vez aprovados, podemos passar para a arte final. Primeiro com a linha de assunto. É um novo assunto, específico para o estágio de esboços, e eu claramente o rotulei como esboços. Em seguida, reconheci o cliente com uma saudação agradecida. Em seguida, compartilho o link da apresentação imediatamente. Então, finalmente, dou uma promessa acionável rápida. Se o cliente escolher e aprovar o esboço, ele poderá começar a ver a ilustração mais cedo. Então eu assino. Nunca expresse dúvidas em seu trabalho. O que quero salientar, especialmente é o fato de não expressar nenhuma dúvida ou desculpas pelo meu trabalho, mesmo que eu seja um pouco incerto. Sempre há espaço para incerteza e é por isso que apresentamos esboços e temos revisões incorporadas ao processo. No entanto, meu trabalho o tempo todo foi criar boas ideias e eu não apresentaria ao meu cliente nada que eu achasse que não funcionasse ou pelo menos funcionasse principalmente. Se estou apresentando algo, ele deve passar por meus próprios padrões. Se ele ultrapassar meus padrões, eu fico por trás disso. Portanto, não sinto muito por isso e quero que meu cliente siga minha recomendação. Por essa razão, eu nunca digo coisas como, espero, isso funcione para você ou por favor me avise se você precisar de alterações ou explorações extras ou algo assim ao longo dessas linhas, porque isso sinaliza que eu não fico por trás do meu trabalho. Ele abre as coisas demais para duvidar da parte do cliente. Além disso, se eu solicitar um feedback que possa sugerir a eles que eles deveriam ter feedback, mesmo que não tivessem tido nenhum. Ao apresentar trabalho ao seu cliente, dependendo do que você e seu cliente concordaram no estágio de integração, para cada ilustração, você quer que seu cliente escolha apenas um esboço para passar para o próximo estágio. Se você estiver trabalhando em duas ilustrações spot para uma revista, você pode mostrar três opções para cada um ou seis esboços totais. Destes, seu cliente deve poder escolher apenas um esboço por ilustração. É por isso que, ao apresentar opções diferentes, você quer que cada uma seja o mais distinta possível. Você quer que haja uma escolha clara. Então, o cliente deve ser capaz de dizer, eu gosto da opção B ou do que ele escolher. Em seguida, você pode se concentrar em refinar isso em uma segunda revisão com base em seus comentários ou levá-lo para as finais. Tanto quanto possível, tento evitar situações em que estou levando vários conceitos para a mesma ilustração nas próximas revisões. Depois de enviar seus primeiros esboços para seu cliente, agora é apenas uma questão de tempo até que eles respondam. Dependendo da sua linha do tempo, pode ser dentro de alguns minutos, algumas horas, ou mesmo um dia ou mais depois de enviá-los. Se seu cliente não responder imediatamente, não entre em pânico. Um cliente demorando mais com sua resposta pode significar que ele está realmente gastando tempo com isso, o que é bom. No entanto, se você estava esperando feedback por um determinado tempo que passa, você pode fazer o check-in com um cliente e lembrá-lo de que precisará um determinado período mínimo de tempo para dar a volta a qualquer mudanças. Neste ponto, sugerindo a possibilidade de mudanças, talvez estrategicamente benéficas. Caso contrário, respire e aproveite o fato de que, por enquanto, o trabalho está fora de suas mãos. Seja claro sobre como você deseja que o cliente forneça feedback. No estágio de integração, mencionei ter certeza de que você informa o cliente como você prefere receber feedback. Tudo em um só lugar, vindo de um contato. Se houver alguma dúvida de que seu cliente entendeu isso, certifique-se de deixar claro quando você enviar seus primeiros esboços. Isso irá orientá-lo para receber feedback em seu fórum mais útil. Toda vez que você envia trabalho para o cliente é uma oportunidade para ele pesar sobre o trabalho. Você quer manter essas trocas tão limpas e tão poucas quanto possível, e em cada revisão, para abordar todos os pontos possíveis de feedback. Você quer que seu cliente entenda que, se ele quiser aproveitar ao máximo uma das rodadas de revisão incluídas, ele deve se certificar de que eles são minuciosos e claros em sua resposta. [RUÍDO] Depois de um certo tempo, você receberá esse e-mail altamente esperado ou muito temido de volta do seu cliente. Para mim, é sempre um pouco irritante quando esse e-mail cai na minha caixa de entrada. Será uma aprovação completa sem alterações ou o cliente odiará tudo e me pedirá para começar de novo? Haverá toneladas de mudanças irritantes? Vou me sentir como um vencedor ou um perdedor? Claro, essa é a mentalidade errada. Não se trata de ganhar ou perder. Você fez o seu melhor e o cliente responderá como ele responde. Respire fundo e abra o e-mail. [RUÍDO] Neste ponto, existem alguns cenários possíveis. O primeiro cenário é que o cliente escolhe um esboço e o aprova para entrar nas finais. O segundo cenário é que o cliente escolhe um esboço, mas tem feedback e gostaria de ver algumas mudanças. Isso às vezes significa que eles pediram para ver alguma combinação do que você sente, algum tipo de Frankenstein. O terceiro cenário é menos provável quando eles rejeitam todos os seus esboços e eles querem que você forneça mais opções. Vamos passar por cada um desses cenários, um por um. No cenário mais ideal, seu cliente diz que eles adoram o que você mostrou e, se você mostrou opções, eles escolhem um vencedor claro para você levar às finais. Nesse caso, você está pronto para entrar no estágio de realização. Apenas garante que o cliente entenda que primeiro, eles devem aprovar o esboço para entrar nas finais e segundo, uma vez aprovado, não pode haver volta e mudar o que foi acordado em o esboço. Eu sempre comunico esse ponto nos termos e condições da cotação em vez de trazê-lo à tona nessa idade, o que provavelmente seria injusto para o cliente. Caso contrário, parabéns, veremos você na próxima etapa. O segundo cenário é quando você recebe um pouco mais de feedback e algumas solicitações de alteração. Nesse caso, veja o feedback do cliente como uma aceitação geral de suas ideias. Sua ideia é boa o suficiente para eles trabalharem, e isso é uma coisa boa. Agora é apenas uma questão de interpretar o feedback deles e é aqui que as coisas podem realmente se unir ou desmoronar. Não há regras rígidas sobre o que é e não é aceitável em termos de feedback. Depende realmente do que você considera ser seus pontos negociáveis e não negociáveis, daquelas coisas que você considera integrantes tanto da sua arte quanto das metas estabelecidas no breve. Feedback mais fácil de mim será mais sobre o conteúdo, o que está sendo representado na arte e como. Feedback mais complicado será mais em torno do conceito e da composição. Como criativo no trabalho, pode ser honestamente um pouco chato receber feedback pesado sobre como você deve resolver o problema criativo. Quando um cliente diz para você mudar algo que altere o conceito, talvez até mesmo o descarrilar, pode ser muito difícil de aceitar. O mesmo acontece se eles pedirem mudanças que parecem romper com o seu estilo. Minha abordagem ao feedback é algo assim. Primeiro, não responda imediatamente. Leia e dê a si mesmo tempo para deixá-lo digerir. Leia novamente para se certificar de que você entende completamente. Segundo, não fique na defensiva. Você pode ter todos os tipos de razões pelas quais você discorda do feedback ou por que acha que sua solução é perfeita. Seu cliente não está errado por responder a maneira como eles estão respondendo mais do que poderia ser falhado por gostar de azul mais do que amarelo. Eles sentem o jeito que se sentem sobre o trabalho e é seu trabalho ajudá-los a se sentirem melhor com isso. Pergunte a si mesmo, o que está fazendo com que o cliente responda dessa maneira? O que está fazendo com que eles dêem feedback da forma como eles deram? Quem é o lugar para decidir sobre esse assunto? É uma questão de estilo ou de conteúdo? Dê ao seu cliente o máximo de dizer que puder na forma do conteúdo. Se você apresentou uma cena com quatro maçãs e duas bananas, mas eles dizem que querem quatro bananas e duas maçãs, você provavelmente deve apenas fazer a troca. Outra maneira de abordar o feedback é provar que eles estão errados. Claro, para mim mesmo. Acho que quando escrevi minha defesa contra o feedback do cliente, eu poderia ter ido junto com ele e passar para a próxima coisa. Agora, muitas vezes vou levar algum tempo para realmente tentar o que eles disseram. Se eles estiverem errados, parecerá errado e não seria algo em que eu acreditaria o suficiente para mostrá-los. Ao longo do caminho, provavelmente descobrirei alguma maneira de resolver o problema à minha maneira, o que funciona melhor. Se eles estivessem certos, então não deveríamos ter nenhum problema apenas fazer a mudança ou apresentá-la na próxima revisão. Enquanto isso, nosso cliente se sente ouvido e a experiência geral é positiva, pois evitamos nos deparar como inflexível ou difícil. Outra dica aqui é preparar sua defesa. Se o feedback do cliente estiver realmente prejudicando as metas e a integridade do trabalho, você tem duas ferramentas à sua disposição para orientar o cliente adiante. Você tem o escopo conforme descrito no breve e na citação e no precedente de estilo. Se o feedback do cliente contradiz o escopo de alguma forma, você sempre poderá apontar para o resumo ou os resultados descritos no escopo. Se o feedback do cliente estiver claramente pedindo que você faça algo fora do que você faz embora não esteja escrito no resumo, espero que você tenha algum entendimento na integração palco sobre estilo. Por exemplo, se o cliente está pedindo para redesenhar um conceito com uma perspectiva mais 3D, mas seu estilo é mais plano e estilizado, seria justo você apontar isso. Embora devêssemos estar sempre prontos para um desafio criativo, como neste caso, como você poderia dar uma noção de três dimensões sem quebrar suas restrições estilísticas planas, não devemos esperar ser alguém que não somos, ou forçar nossa arte a ser algo que não é. Outra dica aqui é interpretar. Leia entre as linhas. Muitas vezes, um cliente está pedindo algo usando palavras imprecisas. Eles não falam exatamente o idioma que você faz sobre seu trabalho, então eles podem falar sobre representar algo na perspectiva de três quartos, mas não significam isso tão literalmente quanto parece. Isso é exatamente o que aconteceu comigo recentemente. Fiz questão de esclarecer. Só para ter certeza, eu disse: “Quando você está falando sobre a perspectiva de três quartos, você não quer que eu ilustre de forma tridimensional, não é?” E eles concordaram completamente. Não tenha medo de pedir esclarecimentos ao cliente. Se você se sentir inseguro ou se o cliente está pedindo muito, pode ser muito útil saltar em uma chamada de voz ou vídeo real com eles e apenas ouvi-los descrever seus solicitações de feedback ou alteração. Geralmente eles querem que você faça a mudança à sua maneira, mas não sendo você, eles não serão capazes de dizer exatamente como. Outra dica aqui é orientá-los em direção à especificidade. Se o cliente der algum feedback negativo mas não disser por que não está funcionando, não é seu trabalho ler a mente deles. Pressione-os para serem mais específicos. Vou entrar mais nisso no meu próximo ponto. Quando o cliente está sendo claro sobre o que ele quer, mesmo que seja irritante no início, pelo menos eles estão dizendo qual é o problema. O feedback mais problemático é quando o cliente diz, eu não gosto ou isso não está funcionando para mim. Lembrando que a ilustração é uma solução visual de problemas e deve responder às necessidades do cliente conforme configurado no resumo, você precisa voltar ao seu cliente para ser mais específico. Você pode perguntar ao seu cliente o que há sobre o conceito, conteúdo ou composição que não está funcionando. Mais tarde, no estágio final, por exemplo, um cliente pode dizer: “Essa cor não está funcionando. Você poderia tentar algo diferente?” Esta é uma oportunidade para você perguntar ao cliente, o que é essa cor que não está funcionando. Você tem alguns exemplos de cores que você preferiria, há alguma cor que eu deveria estar evitando completamente? Embora vamos nos aprofundar mais em questões de cor na próxima etapa, este é apenas um exemplo fácil de algo que um cliente pode comentar , mas não fornecer nenhuma direção realmente útil para seguir. Você não quer simplesmente jogar as coisas na parede e ver o que gruda. Obtenha específico sobre o feedback. Não é nosso trabalho ler mentes. É seu trabalho levar seu cliente a mais clareza sobre o que eles querem e precisam. Isso acontece apenas pressionando-os mais pela especificidade. Os clientes não são nossos clientes e não somos meros artistas tentando satisfazer seus caprichos. Somos colaboradores criativos com eles e, portanto, não é nosso trabalho simplesmente continuar mostrando novas opções e esperando que algo fique. A única maneira de realmente cumprirmos os objetivos estabelecidos no resumo é se nosso cliente participar de nosso processo, nos dando feedback claro quando algo não está funcionando para eles. Espere especificidade. Não tente ler mentes. Não jogue coisas na parede para ver o que gruda. Peça ao cliente que forneça feedback tão específico quanto possível para que você possa fazer as correções necessárias na próxima revisão. Agora vamos procurar o terceiro cenário, solicitar mais opções. Às vezes, apenas perdemos completamente o alvo. Isso acontece às vezes, especialmente no início de nossas carreiras. isso que servem as revisões. Na sua cotação, espero que você tenha incluído pelo menos três rodadas de esboços ou revisões. Se você forneceu alguns esboços mas o cliente não escolher nenhum, veja o que você pode fazer. Mais uma vez, peça ao cliente para ser específico. O que é sobre o que você apresentou a eles que não está funcionando? Pergunte a si mesmo, você concorda com seu feedback? Talvez você possa dar outra facada nele ou acha que realmente resolveu o problema dando o resumo e dando seu estilo e pontos fortes e o cliente está sendo excessivamente exigente. Outra coisa que você pode se perguntar é quão longe no processo você está? Se você estiver na primeira apresentação v1, provavelmente terá tempo suficiente para voltar à prancheta para mais um ou dois conceitos. Geralmente é melhor ser acomodado , se possível. No entanto, se você estiver na v2 ou mesmo v3, desde que acredite que seu trabalho se mantém, mas o cliente está sendo exigente, você pode informar o cliente que está se aproximando do limite de sua inclusão revisões. Lembro-me de uma vez que apresentei vários conceitos a um cliente de revista. Eles tinham algum feedback razoável, mas também pediram esboços adicionais que mostrassem meus conceitos em ângulos diferentes. Eu tinha fornecido alguns desses ângulos em outras opções, então senti que já havia fornecido alternativas satisfatórias para escolher. Neste ponto, estávamos na versão 2. Mencionei que tentei incorporar o feedback deles, mas não funcionou e que eu teria que criar uma quarta opção, que estaria fora das opções máximas incluídas na cotação. O diretor de arte voltou alguns dias depois concordando que eu já tinha dado a eles algumas boas opções e estas satisfazem seus pedidos e eles concordaram em continuar com um dos esboços que eu fornecido. [RUÍDO] Seu deck é uma ferramenta não apenas para apresentar seu trabalho, mas para rastrear revisões. Quando terminar de fazer suas primeiras revisões em seus esboços, salve uma nova versão do deck como versão 2 e coloque os esboços atualizados no documento. Remova todas as páginas ou instâncias dos esboços que não fizeram o corte. Mostre apenas o trabalho que mudou entre as versões. Se o cliente aprovou um esboço para uma ilustração em uma série de duas, mas não a outra, você pode deixar o primeiro fora nesta próxima rodada. Salve o arquivo, exporte para um novo PDF e envie pela nuvem da mesma forma que fizemos para a primeira apresentação. Para ser organizado, eu sempre atualizo a linha de assunto. Se minha primeira linha de assunto fosse The Cult of Crypto Sketches, minha nova linha seria The Cult of 9. Fase 4: realização: Agora é hora levar seus esboços ou esboços de prova para a arte acabada. Isto é o que eu chamo de fase de realização, onde você torna real o que era apenas uma ideia em seus esboços. Você pega os esboços aprovados e os transforma em obras de arte finalizadas. Na verdade, tenho o mínimo a dizer nesta etapa porque esta é a sua área de especialização. Você pode ser um pintor de óleo ou um artista de colagem, ou pode trabalhar em alguma tecnologia nova que pode ou não ter sido inventada no momento em que você fizer essa aula. Seja o que for, você sabe como contorná-lo e é por isso que seu cliente veio até você. Esta é a sua arte. Agora, é sua vez de fazer o que você faz. O objetivo final desta etapa é uma ilustração bem elaborada aprovada pelo seu cliente e pronta para ir às ruas. As etapas para chegar lá incluem: criar o trabalho artístico finalizado, apresentá-lo ao seu cliente e os comentários e revisões. No meu próprio processo, arte finalizada é mais fácil do que os esboços. Porque eu tenho meu estilo, ferramentas e técnicas bem abotoados, uma vez que tenho um esboço aprovado, sei o que fazer a seguir. Eu posso acionar alguma música ou compulsão ouvir um podcast e apenas aproveitar essa parte menos cerebral do processo. Isso não quer dizer que eu não luto nesta fase. Há sempre um novo desafio que eu não esperava e talvez eu tenha que gastar mais tempo do que o esperado resolvendo isso. Talvez eu incluísse galinhas no meu esboço, o que parecia bom, mas quando eu entrar nas finais, percebo que nunca tive que ilustrar penas antes, então eu poderia passar algum tempo tentando descobrir como as penas se parecem no meu estilo. Às vezes, vou até completar uma ilustração inteira apenas para descobrir que ela ainda não está funcionando e vou reilustrar a coisa toda. Na segunda vez, tenho mais clareza sobre onde estou indo e posso ser mais decisivo e menos provisório na minha execução. Quando você tem um estilo ou uma maneira estabelecida de trabalhar, você tem uma linha de base para o que passa tão bom e o que não. Você pode resolver tudo isso sozinho. Isso é mais verdadeiro para ilustradores que têm uma maneira de trabalhar mais desenvolvida e uma noção de qual é seu estilo. As coisas são diferentes quando você está mais no início porque você está no processo de desenvolver essas coisas. Você está aprendendo no trabalho. Em vez de ser desencorajado aqui, você deve se confortar com esse fato. Bem, é difícil trabalhar em um prazo e lutar para se sentir bem com seu trabalho nesta fase. Espero que isso ajude a saber que isso é normal e não significa que você seja um ilustrador terrível. Isso só significa que você está nessa lacuna entre saber o que quer fazer e aprender a fazê-lo. Quando eu estava apenas começando, teria sido bom saber exatamente com o que eu lutaria. Pelo menos eu não me sentiria como um fracasso completo. Acho que também teria me ajudado a saber em que focar em termos de aprendizado e desenvolvimento. Embora a luta e a dúvida sejam apenas parte do processo de aprendizado, espero que ao compartilhar isso com você, você lutará com mais propósito. Aqui estão algumas coisas com as quais você pode lutar no início mas que ficarão mais fáceis à medida que você crescer. O primeiro ponto problemático é fazer com que suas ilustrações finais pareçam tão boas quanto seus esboços. Um dos maiores pontos principais para os ilustradores é que eles acham que seus esboços parecem ótimos mas eles ficam piores do que esperavam quando são desenvolvidos na ilustração final. Eu acho que esse problema é em grande parte de não conhecer seu estilo, o que inclui não saber como reunir suas ideias na execução de forma consistente. No meu desenho para a aula de ilustração, um dos meus pontos-chave é que, em vez tentar ilustrar como você esboça, você precisa aprender a esboçar, como você ilustra. Isso também significa saber a diferença entre desenho e esboço. Como ilustradores, não desenhamos fotos. Geralmente, há algum processo de desenvolver ideias em um esboço e, em seguida, desenvolver esse esboço em uma ilustração final usando nossas ferramentas e técnicas escolhidas. Vestir um desenho com alguma técnica de mídia digital ou física geralmente resulta em uma obra de arte estranha. Em vez disso, horas extras criamos uma maneira de estilizar em nossas ilustrações finais, especialmente em como representamos fóruns com forma e linha. Dessa forma, desenvolvemos uma linguagem visual. Então, em nossos esboços, usamos essa linguagem visual pensando não apenas na ideia da ilustração, mas também como ela pode se unir em um estilo mais acabado. A cor é outro grande ponto de referência para iniciantes e até mesmo para ilustradores mais estabelecidos. Perguntas comuns sobre cores incluem quantas cores você deve usar? Quais funcionam bem juntos? Como você faz com que as cores se harmonizem adequadamente e não concorram umas com as outras? E se o cliente não gostar das cores que escolhemos? Onde se trata de trabalhar com cores, é sempre mais fácil trabalhar com menos. Quando comecei, trabalhei principalmente com duas ou três cores quando dependia de mim. Eu realmente não gostava de adicionar cores extras porque adicionava mais complexidade do que eu achava necessário no meu estilo e, francamente, não era muito bom em usar mais cores. Horas extras, eu melhorei trabalhando com mais algumas cores e também percebi que tendia a gravitar em torno das mesmas, então eu as formalizo em uma única paleta que uso quase todas as vezes. Questões de cores podem ser quase eliminadas quando você tem uma paleta de cores certa dessa maneira. Eu ensino sobre isso na minha turma, o Illustrator de um palete, então, se você estiver interessado em aprender mais sobre como resolvo meus próprios problemas de cor, acho que você vai apreciar essa aula. Outro ponto principal para ilustradores são questões de estilo, ferramentas e técnica. Isso faz parte integrante da questão de fazer com que suas ilustrações pareçam tão boas quanto seus esboços e também se sobrepõe a questões de cor. Trata-se de saber como são suas ilustrações finalizadas, qual estilo de linha ou qualidade de forma você deve usar. Você representa as coisas de forma realista ou de forma mais abstrata? Você mostra uma sensação de volume ou mantém as coisas planas? Você deve adicionar muitos detalhes ou manter as coisas super simples? Você deve usar o Photoshop ou Procreate ou talvez o Illustrator? Todas essas perguntas atormentam o iniciante porque eles não chegaram a um sistema que lhes diga as respostas a essas perguntas. Para aqueles que lutam para saber em qual estilo trabalhar e quais ferramentas são melhores para trabalhar, exploramos isso em outra das minhas aulas, a classe de estilo. Esses pontos principais não são coisas que você quer descobrir quando você está no trabalho, especialmente nesta fase posterior do processo. No entanto, se você é um iniciante, isso é praticamente o que você estará fazendo. Vai ser difícil, mas não significa que você ruim ou que sua arte será ruim. Há muitas peças que fiz no início, onde tive que descobrir tanto que ainda hoje ainda estou orgulhoso. Eu encorajo você a entrar em cada trabalho que conseguir, sabendo que é a melhor oportunidade que você tem no momento. Você descobrirá à medida que avança e será pago ao longo do caminho. Agora é hora de compartilhar o trabalho com seu cliente. Esta é a primeira vez que você compartilhará algo desde o estágio de esboços. Apenas certifique-se de que, no momento em que você apresentar sua arte acabada ao cliente, ela está realmente terminada. Você deve procurar apresentar apenas o trabalho que você consideraria concluído. O objetivo desta etapa não é fazer check-in com seu cliente ou ver se ele está funcionando. Qualquer dúvida sobre o seu trabalho, como se ele está atingindo todas as notas certas deve, tanto quanto possível, acontecer no seu próprio tempo. Quando você entra na primeira apresentação aqui, você está entrando para obtê-la aprovada e sair pela porta. Esse é o seu objetivo em termos de onde você quer que sua arte esteja neste momento. Realmente deveria ser tão bom. No entanto, você ainda pode esperar algum feedback em pequenas alterações aqui. Ao apresentar sua arte finalizada, mostre apenas o trabalho totalmente completo. Por mais que você possa ajudá-lo a não compartilhar o trabalho em andamento. Por que você pode querer mostrar o trabalho em andamento? Talvez você esteja incerto sobre algo e queira ver o que o cliente pensa ou talvez o cliente tenha pedido para ver algo como um check-in. Em ambos os casos, isso pode descarrilar o processo. No primeiro caso, ele sinaliza que você não pode resolver seu próprio trabalho, o que enfraquece sua autoridade criativa. Neste último caso, corre o risco de ser julgado prematuramente. Mais praticamente, ele quebra o feedback limpo e as rodadas de revisão que você incorporou no projeto. Protegendo-os é crucial para manter o projeto gerenciável. Se você mostrar trabalho em andamento e o cliente começar a pesar no início e depois fizer alterações, isso conta como uma rodada? Mostrar o trabalho em andamento é uma maneira infalível de lançar um projeto fora pista e tornar as rodadas de revisão pouco claras. Aqui está uma dica. Se o cliente solicitar ver o trabalho como um check-in e você preferir esperar para mostrar algo mais acabado, é razoável dizer que você está no trabalho, mas ainda não está pronto para compartilhar. Garanta ao seu cliente que você compartilhará algo até o prazo acordado. Você pode até ser honesto e dizer que ainda está descobrindo as coisas. Os clientes não devem ficar chocados ao saber que os ilustradores passam por um processo de incerteza em seu próprio trabalho. O que você provavelmente não quer é um cliente pesando com suas próprias ideias de como resolver seu problema criativo. Depende do relacionamento que você tem com seu cliente ou diretor de arte, mas de um modo geral, como você descobre essas coisas é exatamente seu trabalho e de ninguém mais. Proteja isso ferozmente. Sempre apresente sua arte final em um baralho. Eu disse isso antes, mas tenho que dizer de novo. Não envie sua arte final como anexos de e-mail de folhas soltas. Embora possa parecer inconveniente passar por toda a coisa do deck, enviá-lo em um deck faz algumas coisas principais. Primeiro, como acontece com esboços, ele enquadra o trabalho significando que você o valoriza. Em segundo lugar, deixa mais claro que você espera o cliente revise cuidadosamente o trabalho antes de aprovar. Se você enviar apenas o arquivo como um anexo solto, o cliente pode achar que está pronto. Um baralho mantém o trabalho artístico com segurança na zona de espera de aprovação, enquanto percorre o labirinto organizacional dos clientes. Bem, não queremos sugerir que o cliente tenha feedback. Também não queremos fazer parecer que estamos encerrando qualquer feedback caso seja necessário. O envio de trabalho em um deck torna mais fácil para você acompanhar as alterações. Você pode colocar um grande V2, V3 e assim por diante, no convés, deixando bem claro onde você e o cliente estão no processo. Nunca enviou os arquivos finais até que o cliente tenha aprovado o trabalho artístico como visto no deck. arte enviada como anexos soltos também pode parecer que você está enviando os arquivos finais. Enviar arte final em um deck garante que o cliente possa aprová-la completamente antes de você passar por todo o problema de preparar e enviar a arte final limpa. Aprovar totalmente a arte significa que não há mais mudanças. Depois de passar para o estágio de entrega e enviar a arte final, você estará protegido contratualmente contra quaisquer solicitações adicionais do cliente para fazer alterações. Apresentar seu trabalho aqui é muito semelhante à apresentação de esboços. Você usará seu deck novamente, mas apenas atualizá-lo para compartilhar finais em vez de esboços. Isso significa salvar como uma nova cópia, desta vez usando finais em vez de esboços no nome, redefinir o número da versão para a versão 1 e, claro, colocar a ilustração finalizada ou ilustrações no layout. Normalmente, isso é simples como trocar os esboços pela arte acabada. Então eu apenas removo as legendas, escrevi para os esboços. Não precisaremos mais disso. Ao apresentar ilustrações, 95% das vezes, você realmente não precisa explicar nada. O trabalho deve ser evidente. Assim como nos esboços, gosto de incluir os próximos passos na última página para dar ao cliente uma direção clara do que fazer a seguir. Assim como na apresentação de esboços, exporte seu deck como PDF e salve-o na nuvem e compartilhe o link com seu cliente. Aqui está um exemplo do que eu normalmente envio aos meus clientes. Oi Ashley, espero que esteja bem. Tenho o prazer de compartilhar a arte final com você. Aqui está um link para o deck e, claro, incluo o link. Uma vez aprovado, posso começar a prepará-los para a entrega final. Ansioso para ouvir de volta em breve. O assunto é naturalmente atualizado para ser sobre finais em vez de esboços desta vez. Para a V1, não incluo o número da versão porque quero viver na esperança de que não haja mais revisões. Tal como acontece com os outros, o e-mail em si é curto e doce, com uma saudação e uma sensação de emoção sobre esse estágio. Esta é a primeira vez que o cliente verá as finais e você pode imaginar que eles estão realmente ansiosos para desembrulhar este presente. Tenha em mente que eu não exagero demais o trabalho. Pode ser estranho para o cliente se ele tiver algum feedback crítico, se eu fizer parecer que estou logo sobre o meu próprio trabalho. Eu tento equilibrar ser entusiasmado e modesto. Mais uma vez, incluo uma direção clara sobre qual será o próximo passo, o que apenas nos reforçaria o que tenho na última página do baralho sem sugerir dúvidas ou que deveria haver qualquer mudanças. Eu não escrevo algo como, espero que você goste. É mais como, aqui está, parada total. Ocasionalmente, vou deixar a porta aberta uma rachadura e dizer, por favor, deixe-me saber o que você pensa. Mas isso realmente depende da natureza do meu relacionamento com o cliente e do quanto eu acho que feedback adicional nesta fase realmente ajudará. Claro, como você fala sobre seus e-mails e quão aberto você quer ser sobre as coisas é uma questão do que você se sente confortável. Assim como da última vez, insisto em enviar o trabalho por e-mail, dando ao cliente tempo e espaço para formular seus pensamentos sobre o trabalho. Não há nada a explicar, então você estar lá não adicionará nada à apresentação exceto estar lá para ouvir o cliente dar suas tomadas quentes. Depois de enviá-lo, você pode respirar enquanto espera que o feedback deles apareça. Vamos entrar nisso em seguida. Assim como nos esboços, você quer que o cliente lhe dê qualquer feedback em um só lugar e faça com que ele venha de um contato. Se você sentir que o feedback está de alguma forma incompleto ou se tiver dúvidas, não se esqueça de perguntar e entrar na mesma página antes volta por uma segunda revisão. Existem alguns cenários possíveis com feedback sobre as finais, assim como há com esboços. No melhor cenário possível, seu cliente adora seu trabalho e não tem alterações. Nesse caso, você está pronto para levar sua arte o estágio de entrega, onde você pode limpar os arquivos e enviá-los para o cliente. Bem feito. Só uma dica aqui. Apenas certifique-se de que o cliente saiba que você precisará de um pouco tempo para preparar os arquivos dessa maneira, pode levar uma hora ou levar um dia ou mais, dependendo da quantidade de bagunça que você fez e o que você precisa fazer para limpá-lo no arquivo de arte. Eu diria que dê a si mesmo pelo menos meio dia para isso, apenas no caso de o processo de limpeza e envio demorar mais do que o esperado. Claro, o segundo cenário é onde você recebe algum feedback e algumas solicitações para algumas alterações. Esteja preparado para qualquer tipo de feedback aqui, mas principalmente será em torno cores, bem como colocação e proporção de certos elementos. Pode haver alguns comentários também sobre detalhes como padrões ou como as características faciais estão parecendo e pequenos detalhes como esse, o que não era possível saber a partir dos esboços. Às vezes, também há pequenos erros, como erros ortográficos ou detalhes que você perdeu completamente. O feedback sobre essas coisas é muito razoável. Às vezes, um cliente terá um feedback mais difícil que parece questionar seu julgamento ou estilo. Às vezes estamos tão perto do nosso próprio trabalho que é difícil detectar certas falhas. Permita-se algum espaço e tempo para considerar se o feedback deles é razoável. Experimente por si mesmo antes de empurrar para trás. Veja como você pode aceitar o feedback e traduzi-lo da sua maneira. O trabalho provavelmente será mais forte e você se deparará como um ilustrador mais forte por ser flexível. Minha abordagem ao feedback sobre arte final é algo assim. Primeiro, leia atentamente o feedback, entenda o que o cliente acha que está funcionando e não está funcionando. Em seguida, anote qualquer feedback que não esteja claro para você. Em seguida, anote as alterações que são razoáveis nesta fase. Se o cliente estiver pedindo alguns pequenos ajustes em tamanho, proporção ou cor, por exemplo, isso provavelmente é razoável. No entanto, se eles pediram para adicionar algo completamente novo ou fazer alterações que quebram significativamente o esboço aprovado. Isso não é um ajuste, é um refazer completo. Nesse caso, eu explicaria ao cliente que você teria que voltar aos esboços para elaborar seus comentários. Muitas vezes isso sai do escopo acordado e justifica pedir taxas adicionais. Desde que o cliente em geral aceite o trabalho e esteja apenas pedindo algumas mudanças, no entanto, irritantes ou inesperadas , fique positivo. Eles estão trabalhando com sua arte, não rejeitando-a. Considere até onde você chegou no processo e se apenas fazer as mudanças o levará à linha de chegada mais rápido e suave. Por outro lado, considere se o feedback deles compromete demais a integridade da sua arte. Talvez valha a pena a luta. Se assim for, certifique-se de conhecer seus motivos para recuar o cliente e, em seguida, explique respeitosamente e gentilmente por que tal e esse feedback não funcionará. Por exemplo, se a crítica é sobre como você atraiu os olhos, mas seu trabalho tem olhos todos desenhados dessa maneira. Você pode apontar isso e perguntar o que eles estavam esperando. Quando o feedback difícil vem, ajuda a perguntar ao seu cliente de forma não confrontacional e sinceramente curiosa. De que forma isso não está funcionando? Você estava esperando outra coisa e, em caso afirmativo, você pode descrevê-lo? Outra grande questão é por que uma determinada solicitação de alteração é importante para o cliente? Você pode pedir isso honestamente sem um tom de exasperação. Ao entender por que, você terá algo mais com o que trabalhar, se isso significa explicar como você já abordou a preocupação dela ou saber como abordar sua preocupação no próxima revisão. Toda vez que você recebe feedback é como um mini resumo para a próxima revisão. Apenas certifique-se de saber exatamente o que está corrigindo ou abordando em cada um. Não é seu trabalho ler mentes ou adivinhar qual pode ser o problema. É seu trabalho ajudar o cliente a definir o problema e depois resolvê-lo com confiança. O terceiro cenário, é claro, é a solicitação de mais explorações. Neste ponto, você tem um esboço aprovado e o desenvolveu na final. Se cumprir os objetivos estabelecidos no resumo e for feito com um nível profissional de artesanato, deve ser considerado aceitável. Você pode ter que passar por algumas pequenas revisões, conforme explicado anteriormente, mas nada importante. No entanto, às vezes um cliente pode pedir para ver várias subopções, como três ou quatro explorações de cores da mesma peça ou algumas opções que mostram pequenas variações nos detalhes. A menos que você tenha incluído explorações extras como parte de seu serviço na cotação, seria razoável considerar isso como um complemento com uma taxa adicional. Se você forneceu sua ilustração em uma coloração e o cliente não gostar, você pode usar a próxima rodada para tentar outra. Agora você tem duas opções de cores para eles escolherem. Mais importante ainda, acompanhe suas rodadas de revisão e deixe claro quando elas se acostumam. Se o cliente precisar de mais alterações do que o que você inclui, normalmente incluo até a versão 3, então você tem o direito de cobrar por isso. Apenas certifique-se de avisá-los antes de entrar em rodadas adicionais para que eles tenham a chance de optar por entrar ou sair. Para ajudar a acompanhar, certifique-se de salvar cada arquivo de acordo com sua contagem de revisões e, da mesma forma, salvar como seu deck com o número de versão apropriado, salvar o arquivo, exportar para PDF e envie pela nuvem como de costume. Certifique-se de atualizar a linha de assunto para V2 ou V3 ou onde quer que ela esteja no e-mail. Os projetos podem sair dos trilhos quando um cliente não está sendo razoável, mas às vezes é devido à nossa própria inexperiência ou a algum outro passo em falso da nossa parte. Temos que ser honestos sobre o problema raiz. Se for o cliente e se você acredita que está segurando sua parte da pechincha, você tem permissão para se defender. Se você chegar ao final das revisões incluídas e o cliente continuar mudando de ideia, talvez seja hora de ligar para o cliente e conversar sobre como seguir em frente. Não resolvemos apenas problemas visuais. Às vezes resolvemos problemas interpessoais e de comunicação. Aqui o cliente fora e espero que eles possam ouvi-lo. Você pode ficar sem revisões ou tempo ou ambos, ou você pode chegar a um impasse em algum aspecto importante do projeto. Outras vezes, o cliente apenas cancela o projeto. Em ocasiões tão extremas ou raras, o projeto morre muito bem antes de ver a luz do dia. Tanto quanto possível, deve ser a escolha do cliente aceitar taxas adicionais para revisões ou desistir do projeto. Ocasionalmente, porém, pode ser você quem tem que demitir o cliente. Disparar o cliente geralmente significa que você não é pago na íntegra. Se é você optando por sair do projeto, então é você quem tem que cortar suas perdas sabendo que é para melhor. Talvez o projeto tenha começado a custar muito mais no tempo do que valia de qualquer maneira. No entanto, se o cliente sair, você ainda deve ser pago pelo trabalho que fez. Mesmo que o projeto falhasse, você ainda forneceu valor e ainda trabalhava digno de pagamento. É aqui que entra a taxa de morte. Se, por qualquer motivo, o projeto abortar, seja por vir a um impasse ou porque a empresa mudou de direção, você ainda deve ser pago pelo trabalho. Uma taxa de eliminação geralmente é uma porcentagem do orçamento total do projeto com valores crescentes à medida que o projeto avança. Normalmente, preciso de uma taxa de mortes de 50% após esboços e 75% depois de apresentar qualquer final. Isso pressupõe que o cliente não usará o trabalho. O extra de vinte e cinco por cento é para o valor que eles perderão ao não usá-lo. Certamente não é um desconto de 25%. Se eu achar que o cliente usou o trabalho de alguma forma, então eu teria o direito de enviar uma conta para os 25% extras. Para obter mais informações sobre como precificar seu trabalho e definir uma taxa de eliminação, confira um dos recursos dos projetos e recursos da classe, especialmente o guia Graphic Artists Guild. Depois que seu cliente aprovar sua arte finalizada, você terminará esse estágio. Na verdade, você fez a ilustração inteira. Bem, quase, até agora, você tem compartilhado todo o seu trabalho em seu deck. Agora, seu cliente vai querer que o arquivo ou os arquivos reais sejam conectados ao design de layout ou onde quer que ele esteja usando. Vamos falar sobre isso na próxima etapa, entrega. 10. Fase 5: entrega: [MÚSICA] Finalmente, as ilustrações são finalizadas e aprovadas. A única coisa que resta a fazer é prepará-los para o uso final e enviá-los para o cliente. Esse estágio é chamado de entrega. Como o processo criativo pode ser confuso, nossos arquivos digitais também podem ser bastante confusos. Antes de enviá-los para o cliente, queremos ter certeza de que eles são bons e limpos. Normalmente, isso significa apenas salvar em um arquivo simples, onde todas as camadas de trabalho são achatadas para que o arquivo não possa ser facilmente alterado. Quando o cliente precisa de um arquivo em camadas. Isso significa que todas as camadas são devidamente nomeadas e bem organizadas para que sejam tão fáceis de usar no lado do cliente quanto possível. O objetivo desta etapa é enviar os arquivos finais para o cliente. As etapas desse estágio incluem a limpeza do arquivo e a entrega do arquivo ao cliente. Vamos passar pela limpeza primeiro. Limpar seus arquivos será diferente dependendo de como você faz suas ilustrações. A razão pela qual queremos limpar nossos arquivos é primeiro torná-los mais fáceis de usar para nossos clientes e, segundo, evitar alterações não autorizadas no trabalho artístico, quer pretendido ou não. Limpar seus arquivos também reflete bem em você como profissional. A primeira pergunta a fazer é que tipo de arquivos você deve entregar? Você concordou em enviar os arquivos com camadas ou apenas como arquivos achatados? Fornecer arquivos em camadas significa que o cliente precisa ser capaz isolar ou mover vários elementos de sua ilustração. Isso é útil quando você está trabalhando com um designer que desejará ser capaz mover as coisas um pouco para acomodar tipo ou outros elementos no layout. Também é útil ao trabalhar com animadores, o que facilitará o trabalho deles. Trabalho no Photoshop e quando estou no modo criativo, não estou pensando em quão fácil usar minhas camadas podem ser para outra pessoa. Mas agora, nesta fase, tento organizar tudo logicamente. Apenas olhando para um mapa que fiz aqui para o Airbnb, este é um mapa de Praga que fiz para eles e, como você pode ver, ainda tenho muitas camadas neste arquivo. Este é o arquivo que eu realmente dei ao cliente, mas cada camada é muito organizada. Eu organizei grupos de camadas, então tenho o mapa base aqui. Na verdade, eu deveria ter nomeado esse mapa base. Vamos fazer essa correção agora. Então eu tenho todos os ícones em um grupo de camadas. Tenho todos os rótulos de ícones em um grupo de camadas. Então eu tenho todos esses círculos numerados, esses pequenos números de índice, aqueles que você pode pegar ou desligar, tornar visíveis ou invisíveis no layout e coisas assim e cada camada é móvel se precisa ser, eu os coloco no lugar onde eles deveriam ir. Mas se, por qualquer motivo, o cliente precisar movê-lo ou mesmo usá-lo em um caso separado em outro lugar. É fácil isolar e se mover um pouco. A ideia de achatamento pode ser diferente dependendo de suas ferramentas. No Photoshop, você pode usar imagem achatada de camada no menu. No Illustrator, também há uma função de arte achatada. No Procreate, você pode achatar suas camadas apertando-as completamente com os dedos no painel da camada. Se você nivelar seu arquivo ou fornecer camadas, certifique-se de também dar ao arquivo um nome útil e adicionar sublinhado para um arquivo simples ou camadas de sublinhado, estiver correto até o final do nome do arquivo. Certifique-se de não sobrescrever seu arquivo de arte de trabalho real caso você precise entrar e fazer alterações mais tarde porque isso é sempre uma possibilidade. Talvez você precise realmente fazer alterações e não quer voltar e tudo está achatado. Agora, passando para a entrega, depois de nivelar seus arquivos, é hora de enviá-los para o cliente. Talvez você esteja pensando que agora você pode enviar arquivos como anexos por e-mail, mas lamento dizer que não deveria. Arquivos de arte talvez menores como cinco megabytes, mas também podem ser realmente grandes como 500 megabytes ou mais. É prática recomendada sempre salvar seus arquivos na nuvem e compartilhar o link de download. Se for apenas um arquivo, você provavelmente pode simplesmente carregar o arquivo como está e enviar o link. Se forem vários arquivos, você deve colocá-los em um arquivo zip primeiro e carregá-lo e seguida, enviar um link para esse único arquivo zip. Você pode estar perguntando, quando você envia seus arquivos finais? Você os envia antes ou depois que o cliente paga? Na verdade, é comum enviar os arquivos de arte antes de enviar ao cliente a fatura final. Meu movimento é enviar os arquivos para o cliente usando um estilo de e-mail igualmente curto e doce , como vimos em outros lugares desta classe. Aqui está um exemplo do que eu escrevo. Oi Ashley, Muito obrigado por me convidar para trabalhar neste projeto. Você pode baixar os arquivos finais neste link e, claro, eu forneço o link. Certifique-se de baixar os arquivos do seu lado imediatamente, pois removo regularmente arquivos mais antigos para abrir espaço para novos no meu Dropbox. Estou super satisfeito com a forma como as coisas acabaram e mal posso esperar para vê-las na natureza. Por favor, me avise quando e onde posso encontrá-los quando eles forem lançados. Só por curiosidade, quando é o mais cedo que posso compartilhar o trabalho nas minhas mídias sociais e portfólio? Vou acompanhar sua fatura em breve. Obrigado. Dom. Depende sempre de você como você escreve seus e-mails. Mas a ideia aqui é que estou claramente enviando a arte final agora e isso conclui o projeto do meu lado. Também tenho certeza de lembrá-los baixar seus arquivos para segurança. É mais comum do que você pensa que os clientes solicitem os arquivos um mês ou mais tarde. Mesmo que eles tenham um prazo de apressado para uso, às vezes eles não conseguem usá-los por algum tempo. Em seguida, eu realmente quero saber quando posso ver as ilustrações no contexto final e quando posso compartilhar o trabalho. Eu faço questão de perguntar, às vezes até peço cópias como se o trabalho para uma revista ou algum outro contexto impresso. Por fim, deixo claro que a fatura chegará muito em breve em um e-mail separado. Depois de enviar os arquivos, é hora de fechar oficialmente o projeto. Isso inclui faturamento e receber o pagamento. Vamos passar para o próximo estágio e falar sobre isso. [MÚSICA] 11. Fase 6: fechamento: [MÚSICA] Você pode pensar que depois de enviar os arquivos de ilustração, o processo acabou. Bem, isso é principalmente verdade. A menos que você seja pago pelo seu trabalho, é só um hobby. Você pode pensar nas etapas de integração e fechamento como os suportes de livros mais orientados para os negócios do resto do processo criativo. Fechamento é o processo de encerrar um projeto. Neste ponto, você pode ligar para o trabalho feito, exceto que você quer ter certeza de ser pago. Este também é um momento para agradecer ao cliente e celebrar um trabalho bem feito. Tanto nós quanto nossos clientes somos humanos e este é um momento para fazer com a coisa toda se sinta menos transacional e mais relacional. Se você fez seu trabalho bem e se manteve como profissional, seu cliente terá bons sentimentos sobre trabalhar com você e, francamente, eles terão muito menos chances de pular pagando você. Finalmente, o fechamento também inclui o processo de arquivamento do trabalho. O objetivo desta etapa é ser pago e fechar formalmente o projeto. As etapas desta etapa incluem: faturamento, recebimento de pagamento e arquivamento do projeto. Agora vamos passar pelas etapas. O primeiro passo é o faturamento. Assim como você abre o projeto com uma cotação, agora você o fechará com uma fatura. A cotação e a fatura são , de certa forma, muito semelhantes. Muitas vezes, a fatura é apenas uma cotação modificada. Na verdade, em um aplicativo de construção como o Harvest, você pode criar uma fatura a partir de uma cotação. Como mencionado na última etapa, acho que é uma boa ideia enviar os arquivos para o cliente e depois faturar em seguida. Para mim, isso homenageia um administrador construído com o cliente durante o processo, e deixa claro que você valoriza o cliente e o trabalho mais do que apenas receber o pagamento. Dito isto, se o cliente perdeu sua confiança durante o processo, pode ser aconselhável faturá-los primeiro e solicitar o pagamento antes que eles possam receber os arquivos. O problema com isso é muitas vezes que o cliente precisa dos arquivos imediatamente, então mantê-los reféns pode ser visto como hostil e apenas piorar as coisas. Na situação mais extrema, no entanto, esta é exatamente a pressão que você precisa para motivar o cliente impertinente, mas eu diria que apenas recorra a medidas desesperadas em uma situação verdadeiramente desesperada. Olhando para a minha fatura, parece exatamente com a cotação que fizemos no início da aula na fase de integração. É uma fatura agora, apenas diz fatura em vez de cotação. Até o item de linha é exatamente o mesmo. A única coisa que é diferente é o que está na parte inferior. Na parte inferior aqui, só tenho algumas anotações. Vou falar sobre como gostaria de ser pago e mencionei que há uma taxa mensal de serviço de um e meio por cento para pagamentos em atraso e coisas assim. Também incluo meu número fiscal, que é importante para alguns clientes, eles precisam desse tipo de informação. Com toda a honestidade, raramente sou pago a data de vencimento em minhas faturas. Muitas empresas maiores têm Departamentos Financeiros em movimento lento, e considero normal receber pagamentos de 2 a 3 meses na estrada. Não é ideal, mas estou acostumado a isso neste momento, e posso planejar isso. Mesmo assim eu permito que o software de faturamento envie avisos de pagamento vencidos toda semana a partir da semana após o vencimento. Isso é irritante? Provavelmente. Ironicamente, os clientes mais propensos a pagá-lo imediatamente são empresas menores ou particulares, já que há menos intermediários em receber você pago. Se você se preocupar que o pagamento está muito atrasado e e-mails automáticos não estão obtendo resultados, [NOISE] aqui está uma boa causa de ação. Por favor, note que isso não é um conselho legal, apenas meu próprio senso do que parece razoável. Primeiro, envie um e-mail para o cliente diretamente sobre isso de forma não acusatória. Faça algo ao longo das linhas de se houver algo que eu possa fazer para ajudar a facilitar o pagamento, por favor me avise. No próximo mês, você pode enviar uma fatura atualizada com a taxa de pagamento por atraso adicionada. Se US$1.000 venciam em 18 de janeiro e você adicionar 1,5 por cento de taxa de atraso por mês, você enviará uma nova fatura para 1.015. O problema com isso é que, se o cliente não fosse pagar você de qualquer maneira, ele não será necessariamente motivado a pagar ainda mais. Para empregos maiores, as taxas atrasadas podem começar a parecer assustadoras o suficiente para fazê-las em movimento. Se o cliente ainda o afastar ou fantasmas você, acompanhe um telefonema. Ouvir sua voz ou saber que você liga o escritório pode ser suficiente para que eles se sintam mal o suficiente para pagar. Talvez tente ligar antes de cobrar taxas atrasadas. Se o cliente ainda lhe der essa corrida; há uma opção desesperada, a vergonha das mídias sociais. Não estou aconselhando você a fazer isso, mas vou contar uma história de como funcionou para mim. Um cliente não me pagou pela maior parte de um ano e ignorou todos os e-mails que eu enviei e não consegui contatá-los por telefone. Eu me perguntava se eu era o único, então procurei o nome da empresa junto com termos de pesquisa sobre pagamento de freelancers e pagamentos atrasados para freelancers. Com certeza, a empresa tinha uma má reputação entre os escritores que contribuíram para a revista, dando-lhes o mesmo tratamento que eu estava experimentando. Sabendo que não era o único, me senti capacitado para recorrer ao Twitter e nomeá-los e envergonhá-los. Twittei uma captura de tela de quantos dias de atraso a fatura estava sendo exibida no meu software de faturamento e incluí um link para um tópico on-line de escritores que tinham reclamações semelhantes, e eu mencionou diretamente a revista usando o identificador do Twitter. Em instantes, eles me deram prometendo pagamento e solicitando que eu retirasse meu tweet. Uma semana depois, recebi um cheque no correio. Se tudo isso falhar, você pode receber uma solicitação legal. Cheguei perto de tomar medidas legais, mas isso foi apenas uma vez e o valor do projeto era pequeno demais para justificar o esforço e a despesa. Se um cliente lhe deve uma quantia significativa e o fantasma, pode valer a pena considerar ações legais. [NOISE] Regra. Sempre informe ao cliente quando você receber o pagamento. Felizmente, clientes que não pagam são raros. Na maioria das vezes você será pago. Assim que você receber o cheque ou ver o pagamento entrar on-line em seu banco, certifique-se de marcar as faturas pagas e enviar ao cliente um último e-mail para confirmar o recibo e agradecer pelo pagamento . Alguns dos meus clientes pagarão por via eletrônica ou diretamente na minha conta bancária, caso em que não saberei a menos que eu mesmo verifique meu saldo bancário. Faça questão de verificar seus saldos semanalmente para garantir que você possa confirmar o recebimento e marcar as faturas pagas integralmente. [RUÍDO] À medida que você continua trabalhando em novos projetos, você acumulará pastas de projeto em seu disco rígido. Com o tempo, você terá centenas desses. Depois de um tempo, eles ocuparão muito espaço necessário no seu computador, mas é claro que você não deseja excluí-los permanentemente apenas para abrir espaço. Não é provável que você precise todas as pastas do projeto que você já criou, mas você precisará de algumas. Quais exatamente? Você nunca saberá, então você tem que mantê-los todos e é por isso que você os arquiva. Todo mundo tem seu próprio sistema de arquivo, mas aqui está o meu. No meu Mac, tenho duas pastas pai chamadas Active and Archive. A pasta Ativa contém apenas projetos que estão abertos no momento. A pasta Archive contém todos os projetos que arquivei recentemente. Quando fecho um projeto, simplesmente o arrasto para a pasta Archive. Acabei de concluir meu projeto de criptografia hoje, tudo está feito, fui pago. Eu posso arrastar isso para a minha pasta Archive, ela está fora do caminho por enquanto. Esses arquivos ainda estão no meu computador, mas pelo menos posso tirá-lo facilmente da minha pasta Ativa. Gosto de poder ver rapidamente o que está no meu prato olhando para a pasta Ativo. Mais ocasionalmente, movo projetos da minha pasta Archive para um disco rígido externo, que serve como meu arquivo permanente de trabalho. Meu sistema de baixa tecnologia é apenas por duas unidades externas de terabytes a cada dois anos e as usa como unidades de backup redundantes ou duplicadas. Eu faço isso porque prefiro gastar alguns US $100 em discos rígidos cada dois anos do que ficar ligado ao caro Cloud Storage de alta capacidade. Você pode arquivar da maneira que quiser, mas precisa manter uma cópia de seus projetos por pelo menos 5-10 anos, caso precise voltar para encontrar um arquivo para você ou seus clientes. Ao usar sempre o mesmo sistema de arquivamento, você sempre poderá encontrar qualquer arquivo para qualquer projeto sem muitos problemas. [NOISE] Regra. Faça backup do disco rígido todos os dias. Eu aproveitaria isso como uma oportunidade para lembrá-lo manter ativamente um backup do disco rígido do seu computador também. Os usuários de Mac não têm desculpa com máquina do tempo capaz de rodar em segundo plano. **** acontece e você quer estar preparado quando isso acontecer. [ESTRANGEIRO], a sorte favorece o preparado. Giro entre duas unidades de backup e armazeno cada uma em um local separado. Se eu fosse roubado e descobri meu computador desapareceu, a máquina é valiosa, mas provavelmente não tão valiosa quanto meus arquivos e todos os meus outros arquivos que estavam nele. Mantenha sempre um backup. Quando um projeto é concluído, sinto-me à vontade para mover essa pasta do projeto da minha pasta Ativo para a minha pasta Archive, então espero receber o pagamento. Quase sempre vem, o pagamento sempre vem. É tão raro que eu não seja pago que gasto quase nenhum tempo me preocupando com isso. Se um pagamento for maior do que dizer três meses de atraso, é quando sinto que preciso fazer o check-in. [APLAUSOS] Quando você estiver totalmente [MUSIC] terminado com o projeto e ele for faturado, pago e arquivado, você deve ficar muito satisfeito. Muito bem. Depois de passar por esse processo uma ou duas vezes, a progressão dos estágios deve parecer natural e você terá uma melhor noção de como seu próprio processo criativo se encaixa nele e o que pessoal adaptações que você deve fazer. Se você já estiver perdido, basta pausar e perguntar onde você está no processo e use-o para orientar seu próximo passo. Basta fazer o que esse estágio exigir e depois passar para o próximo. Ser um ilustrador profissional realmente é sobre consistência. Consistência não apenas em seu estilo, mas em como você percorre seu processo criativo e como você acompanha seus clientes através dele ao longo do caminho. A consistência torna tudo mais previsível. Você saberá o que esperar cada vez e saberá quais etapas você precisa fazer. Você pode até prever quais lutas você encontrará em cada estágio, e isso as fará parecer menos assustadoras e mais conquistáveis. Também facilitará o conhecimento quanto tempo você precisa trabalhar e assim, configurar cronogramas mais realistas e confortáveis. Da próxima vez que um cliente disser : “Você está interessado e disponível?” Você tem muito mais certeza de como responder a essa pergunta. [MÚSICA] 12. O projeto: conheça sua arte: [MÚSICA] No início da aula, falamos sobre como conhecer sua arte é a base de tudo resto que você fará como ilustrador. Para o projeto de aula, gostaria de guiá-lo através de uma série de perguntas guiadas para ajudá-lo a definir melhor o que isso significa para você. Veja como fazer essa parte. Na seção Recursos da classe, incluí uma série de perguntas guiadas como um documento para download. Usando um caderno ou digitando diretamente em seu projeto de classe, passe pelas perguntas e anote suas respostas. Sinta-se à vontade para complementar suas respostas escritas com recursos visuais e exemplos de suporte, talvez algumas de suas ilustrações ou imagens que o inspiram. Quando terminar, compartilhe suas anotações com a classe. Eu encorajo você a compartilhar algumas de suas anotações no seu Instagram, talvez em oposição ou uma série de histórias ou bobinas. Você pode usar a hashtag, seis estágios de ilustração e me marcar no Sr. Tom Froese para que eu e todos os outros possamos encontrar mais facilmente suas postagens. Leve o tempo que precisar passar por essas perguntas e refletir feliz. Estou ansioso para ler o que saber sua arte significa para você. Muito obrigado por compartilhar e muito obrigado por participar desta aula. Por favor, não se esqueça de me informar como essa aula o ajudou nas revisões. Vejo você no próximo [MUSIC]