Cine de bajo presupuesto: dirigir

1. Introducción: Hola a todos. Esta es mi clase sobre dirección de cine de micro presupuesto, que es la tercera parte de mi serie de cine de micro presupuesto, que te lleva a través de todo el proceso del cine desde el inicio hasta la distribución. En esta clase, me estaré centrando principalmente en lo que hago como director en set. Si quieres saber más sobre el proceso de guion o el proceso de preproducción, entonces te animaría a comenzar por el inicio de la clase. Para que entiendas esos pasos clave que se necesitan antes estés listo para encender la cámara y gritar acción. Podría haber meses de trabajo requeridos para prepararte para el éxito. Y si bien quizá quieras saltar el arma y apenas empezar a disparar, te garantizo que vas a querer poner el trabajo de antemano para que no termines de inicio y sin preparación. Si has visto mis clases anteriores entonces ya sabes, he tenido experiencia en ese momento era un niño empezando como actor infantil. Entonces, de adolescente, empecé a crear mis propias películas e incluso compitió con las de festivales internacionales de cine, convirtiéndome en cineasta galardonada para cuando tenía 18 años. Mi trabajo más reciente ha sido proyectado en el BAFTA y antes de los festivales de cine clasificatorios, así como mi pieza de pasión actual, Samaritan siendo semifinalista en los parpadeos clasificatorios de los Premios de la Academia, Festival Internacional de Cine de Rhode Island . También dirijo una comunidad de 1500 más cineastas indie aquí en Londres donde vivo, se llama cortometraje Kino. Y ofrecemos una variedad de eventos de proyección, networking, apoyo a la producción, y el Festival de Cine Popular. Se puede encontrar más información en Kino short film.com. Suficiente de mí. Esta clase se trata de ti y conseguir que tu película se haga. Ya que me estoy centrando en el cine de micro presupuesto en esta serie, es mi objetivo conseguir que hagas tu película sin importar tu conjunto único de limitaciones. Muchas clases tratan de conseguir que te concentres en la forma correcta de hacer las cosas. Pueden enseñar estándares a los sindicatos, asumiendo que estás totalmente financiado por un estudio y estás trabajando con una gran tripulación donde cada persona puede enfocarse en las minutia de su trabajo en particular. Pero para los efectos de esta clase, voy a suponer que estás trabajando con no más de diez personas. Entiendo plenamente que algunos de ustedes pueden estar trabajando con incluso menos que eso, pero sin preocupaciones, las películas asombrosas todavía han sido hechas por sólo un equipo de unas pocas personas. En esta clase. Voy a tocar muy brevemente el proceso de preproducción, retomando desde donde lo dejé con la segunda parte de esta serie. Pero sobre todo estaré enfocándome en mi proceso, trabajando con actores, trabajando con tripulación, ritmo y ambiente mientras inician trucos y consejos para cine de micro presupuesto y algunos conceptos básicos de cinematografía a tener en cuenta. También me estaré centrando fuertemente en los cortometrajes en mis analogías y ejemplos en esta clase. Y eso no quiere decir que estos principios no se puedan usar para el largometraje, pero siempre creo que es una buena idea empezar con un cortometraje si no tienes experiencia, se mojan los pies con demasiada frecuencia he visto gente talentosa simplemente girar sus ruedas al inicio de su carrera. Acuden a productores, van a agentes, van a distribuidores, van a festivales de cine. Y dondequiera que vayan, las puertas se cierran en la cara porque no tienen el portafolio ni la experiencia. De lo que me apasiona es empoderar a cualquiera para que haga una película como forma de expresión personal y como forma de construir un portafolio para que pueda progresar en la industria. Está bien, listo para empezar. 2. Recapitulación de Preproduction documentos esenciales: En la segunda parte de mi curso de cine de micropresupuesto, cubrí formas creativas de elevar las finanzas y cómo descomponer tu guión en una variedad de documentos administrativos que te ayudarán a organizar tu producción antes de tu inicio. Por lo que para este momento, voy a asumir que usted ha creado su horario de rodaje, su lista de preselección, sus hojas de llamadas, contratos, y costados. Si no sabes cuáles son esos documentos o si aún no has preparado los tuyos. Y te animaría sólo a parar esta clase, volver a la clase de preproducción y empezar ahí tanto de ser director. El inicio se trata de rodar con los puñetazos cuando las circunstancias del día te lanzan una bola curva, va a haber constantes cambios lanzados a tu manera. Podría haber cambios en el clima, podría no aparecer un actor. Vas a necesitar idear planes de contingencia. Y en situaciones como esa, vas a querer a todos tus patos en una fila para que estés listo para pivotar en un centavo hacia lo que sea que tu día de producción necesite. Ya que ese es un proceso muy reactivo, va a ser difícil para mí darte consejos sobre algunos temas específicos que podrías tener individual con tus producciones. Entonces si tienes alguna pregunta, por favor solo deja un comentario a continuación y haré todo lo posible para ayudarte. O podría ser capaz de obtener algunos consejos de algunas otras personas dentro de la comunidad de habilidades compartir. Como director, será tu trabajo mantenerte fresco mientras te inicias cuando las cosas no van a planear. Y puedes usar tus documentos de preproducción para analizarlos y realizar ajustes necesarios para asegurarte de que te alejes con todo el metraje necesario para cortar tu costura juntos. Recordar dos tercios de una película que está perfectamente rodada vale menos que una película completa que cuenta la historia completa, que podría tener algunos bordes ásperos. Una cosa que no cubrí en mi clase de preproducción fue ensayar con actores. Y si bien eso es definitivamente una pieza de preproducción tradicional, creo que decidí no incluirlo porque es un lujo que muchos cineastas de micro presupuesto no tienen. Si estás trabajando con un presupuesto muy pequeño, es posible que no tengas tiempo de ensayo y es posible que necesites ensayar inicio antes de hacer los disparos. Si puedes ensayar antes de tiempo. Genial. Pero para los propósitos de empezar esto, ahora voy a empezar a hablarles a través de mi proceso de trabajo con actores de inicio. 3. Recap: de preproducción: Casting: Incluso en el más micro presupuesto de producciones donde llevas todos los sombreros, la guion, la mitad de la dirección, la cinematografía, el sonido. Incluso en circunstancias como esa, por lo general hay una cosa que no puedes evitar un testamento necesario para encontrar colaboradores y que son tus actores. Seguro es posible que puedas encontrar amigos y familias. Algunos podrían tener más talento que otros. Pero si tienes una cantidad limitada de presupuesto para gastar en algo, los actores serían una de mis primeras prioridades absolutas. Actuaciones asombrosas pueden elevar la película mediocre e incluso la película técnica más impresionante caerá plana sobre su rostro. Si el público no se invierte en tus personajes principales, público necesita suspender su incredulidad y estar convencido que la escena que les mostrabas se siente real y auténtica. Obviamente, bajo restricciones presupuestarias, como cineasta de micro presupuesto, probablemente no tengas acceso a actores profesionales de primer nivel. Pero te sorprendería cuántos actores de clase trabajadora, muy, muy talentosos hay por ahí fuera que están dispuestos a trabajar con producciones más pequeñas de las que se sienten apasionados. El caso es que solo necesitas saber dónde buscar este tipo de talento. Clubes, escuelas de teatro y teatros comunitarios son un gran lugar para fuentes de actores. Por lo general se llenan de personas que se toman muy en serio su oficio. También sitios web como mandy.com o incluso las redes sociales pueden hacer grandes recursos para conectarse con el talento. En mi más reciente cortometraje, realidad pude lanzar a alguien cuyos créditos anteriores incluyen la serie de Netflix la corona, sólo por ponerme en contacto con él en Twitter y preguntarle si estaría interesado en leer el guión. Además, nunca tengas miedo de soñar a lo grande. Ahora, no digo que vayas a hacer que Tom Cruise protagonice tu próximo cortometraje. Pero lo que estoy diciendo es que algunos actores con cierto nivel de créditos que puedes pensar están por encima de ti o tal vez intimidados por ellos y no verlos estaba al alcance. Conocí a una actriz mientras hacía networking. Tiene créditos en Amazon Prime y haciendo algún contenido original para ellos, contenido original de Netflix. Y recientemente ha encontrado que pequeñas producciones de Indie ya no la alcanzan por castings. Ella pasa mucho tiempo audicionando. Y sí, podrías llegar a Big gig de vez en cuando. Pero muchas audiciones para actores, la mayoría de ellos en realidad terminan en rechazo. Por lo que los actores están muy, muy hambrientos de conseguir Onset. El principal criterio que buscan si están trabajando a un ritmo reducido va a ser a ¿Les gusta el proyecto? ¿ Les gustó el contenido que les estás brindando para realizar? ¿ Les gusta la escena? Y eres una persona interesante con la que trabajar? ¿ Ven potencial en tu carrera? ¿ Vas a estar avanzando y podría convertirse en la próxima gran cosa con la que quieren tener una relación temprana. Entonces esas son las formas de impresionarlos. De acuerdo, así que aquí están mis comidas para llevar. Trabajar con personas que sean actores. No importa cuánto Hollywood esté dispuesto a pagar a estas personas. Importa cuán en serio se toman su oficio. Aunque tengas poco o nada de dinero, ponte mano para establecer actores sin importar, la respuesta siempre es no. Si nunca preguntas, acércate al talento con confianza y aunque estés ofreciendo a ellos no sea digno de su posición y talento, solo podrías sorprenderte de quién llegas a decir que sí. 4. Trabajar con Actores: Audición: Ahora, la audición es definitivamente parte del proceso de preproducción. De hecho, me estoy dando una patada un poco por no cubrirlo en mi clase de preproducción. Pero de todos modos, lo cubriré ahora ya que estamos en el tema de los actores. La audición ha existido desde hace mucho tiempo. Y hablando como alguien que se sentó a ambos lados de esa experiencia. No es un proceso muy divertido naturalmente con producciones más grandes. Entonces por ejemplo, largometrajes donde tienes involucrados a otros productores. Por lo que querrás sus opiniones o tienes inversionistas que quieres impresionar bajo esas circunstancias, definitivamente vas a querer realizar una audición. Pero para una producción de micro presupuesto, no te sientas presionado para realizar audiciones sólo porque es el estándar de la industria para hacerlo. Eso no significa que no haya cosas que necesitarás para asegurar que estén dentro de tu capacidad de actores antes de contratarlos. Sepan, todo lo que digo es que se puede ahorrar tiempo y se puede ahorrar dinero evitando el proceso de audiciones. Y hay un conjunto único de dinámicas que pueden hacer que el proceso de audición sea difícil o imposible para algunos cineastas de micropresupuesto. Por ejemplo, si te estás acercando a un actor trabajador que puede estar uniendo a tu producción como un favor haciendo una tarifa reducida o gratis porque realmente tienen una creencia en ti y en tu proyecto, entonces vas a querer que sea tan fácil como sea posible para que te digan que sí. Incluso al principio de llegar a ellos. Si le tocas a su ego y les das el papel diciéndoles eso, oye, creo que vas a ser perfecto en este papel, los papeles tuyos si lo quieres, entonces esa adulación puede recorrer un largo camino. En casos como este, alquilar un espacio para realizar una audición es un recorte fácil de tu partida de línea presupuestaria. Si tienes finanzas limitadas, también, las audiciones no siempre son la mejor manera de juzgar el talento de alguien. El proceso de audición puede ser muy, muy intimidante y muchas veces, los actores en realidad no hacen su mejor trabajo en la audición. Encontré que la mejor manera de obtener una imagen más precisa de la capacidad del actor es mirando su trabajo anterior. La mayoría de los actores tendrán carretes demo que contienen un montón de clips cortos para resaltar su rango como actor. Estos son grandes insights de su talento. Además, echa un vistazo a sus sitios web y cualquier otra pieza de cartera que pudieran tener. También, algo clave para mí es que no siempre se trata de la capacidad del actor y con quién elijo trabajar. A veces se trata más de la relación de trabajo entre ustedes dos y lo bien que se llevan bien. Entonces, en lugar de una dinámica de poder de una audición, que es una entrevista de trabajo, tú eres el empleador ahí, el empleado cuando hay dinero limitado, no van a tener ese incentivo para desempeñarse. Por lo que realmente quieres trabajar con alguien que sea realmente apasionado de tu película y de tus ideas. Y la mejor manera de hacerlo es meterse en una habitación con una persona, comprarle una taza de café y preguntar sus pensamientos sobre el proyecto y ver lo apasionados que están al involucrarse con tu proyecto de pasión. Además, ten cuidado al hablar con un actor. No hagas demasiado de la charla. Hacer más escuchando, plantearles preguntas interesantes sobre el personaje, sobre la película, y luego sacar sus reacciones de ella. Al escuchar, vas a poder entender cuánto entienden tu proyecto y la dirección que probablemente querrán tomar su actuación. Evalúe esto. Y si te funciona, entonces acabas de contratar a tu actor sin tener que hacer una audición. Ver el trabajo previo de un actor te dará una mejor idea de su capacidad que una audición. Al reunirse habilita al actor para compartir sus pensamientos, para asegurarse de que estás en la misma página. 5. Trabajar con Actores: ensayo: Típicamente, cuanto más tiempo tengas para hablar de la actuación y ensayar, mejor será esa actuación. Si bien en algunas circunstancias atenuantes, una primera toma sin ensayar puede realmente ser más auténtica y más natural rendimiento superior luego tomar tras toma, donde la repetición de la misma tipo de chupa la vida de la actuación en una producción de micro presupuesto donde estás sacando algunos favores y pidiendo reducir tasas, ensayando con anticipación, podría ser un lujo que no puedes permitirte. Pero sin importar, no hay manera de que alguna vez vas a poder deshacerte de ese proceso de ensayo aunque ocurra inicio unos minutos antes de que grites acción. Entonces este es mi proceso cuando se trata de trabajar con actores. Creo que lo que estoy tratando de decir es, que si, si pasara por alto una oportunidad de conocer a alguien para ponerme una vida curva para la muerte, ya sabes, en un mundo ideal, deberías empezar con una mesa leída dentro unas semanas antes de planear estar en producción. Reúne a todos y simplemente lea los guiones dando a los actores ninguna dirección. Simplemente siéntate y ve qué hacen. Deja que los actores se sientan cómodos con el material y se sientan cómodos entre sí. Después de la lectura, ahora es el momento de poner la escena en pie, lugar de proporcionar a los actores algún bloqueo, diciéndoles cuándo y dónde moverse. A menudo sólo les dejaré sentir la escena por sí mismos. Primero veo qué ideas únicas traen a los personajes, su instinto natural con bloqueo. Y luego uso todas esas cosas y las retoque hasta que esté en una posición donde la actuación esté lista. Es más como moldear y esculpir la performance que dictar la performance. Este es un gran método porque hace que los actores se sientan como si estuvieran en control de sus propias actuaciones, lo que los hace más invertidos emocionalmente en tu proyecto. Deberías deleitarte en el hecho de que un actor está trayendo algo a la mesa más allá de lo que viste en tu visión están realmente bien entrenados actor alcanza profundamente dentro de su experiencia para sacar alguna lectura emocional de una línea que se siente muy auténtico para ellos. Y si bien esa lectura podría no sonar de la forma en que la imaginaste en tu mente, te reto a cuestionar siempre tu intención, ver si la dirección que está tirando el actor. Es una dirección interesante para ir. No siempre digas, tiene que ser a mi manera. Así es como lo escuché. Sube a esta palabra, termina abajo en esta palabra. Vas a tener un rendimiento muy, muy robótico, antinatural si diriges así. Por lo que algunas de las actuaciones más infructuosas que he visto siempre se han basado en micro gestionar a ese actor para tratar de conseguir que hagan algo específicamente técnicamente que tú quieras que hagan. Haz diciéndoles que se sientan de cierta manera y lo que su cabeza de esta manera y Kauket así. Es el equivalente a una foto problemática incómoda. Creo que es Alfred Hitchcock, quien es famoso por referirse a los actores como capital y vivirá masivamente respetando su contribución al cine. No podía estar más en desacuerdo. Una de mis cotizaciones favoritas viene de Paul Schroeder. Y si viste mi clase de guion, esto debería sonar familiar. Es cierto en cuanto empezaste a evolucionar, vivir, respirar seres humanos en la creación, tu película, va a tomar una vida propia. Los actores no son sólo trozos de carne para picar o manipular la materia. De acuerdo, me gustaría tomarme un minuto para hablar sobre el uso de manipulación como herramienta para obtener cierta actuación de un actor. Algunos de los directores más famosos del pasado han utilizado Manipulación. Quizás el nivel de desempeño no estaba a la altura del estándar que debería haber sido. Entonces en lugar de trabajar a través de los temas con el actor o el director decide poner al actor en una situación de compromiso psicológico con el fin de manipular al actor para que reaccione de cierta manera. O tal vez, tal vez ni siquiera le dieron al actor la oportunidad entregar una gran actuación antes de jugar un juego mental con ellos, porque querían meter al Actor en este Headspace que pensaban entregaría algo que era más auténtico. Por ejemplo, algunos de los más famosos son cómo Oliver Stone comenzó a actuar como sargento perforador en el set de pelotón para dar a sus actores la experiencia militar más auténtica o cómo Stanley Kubrick abusó de Shelley Duvall en el set del resplandor. Desde que Chile devolve estaba interpretando a una esposa maltratada y quería que su actuación pareciera más visceral y real. Pero para mí, el que absolutamente toma el pastel como lo peor sería el último tango en París. Bernardo Bertolucci, el director, no le dijo a la actriz Maria Schneider que habría una escena de violación. Por lo que se puso en marcha y todo lo que ella sabía era que Marlon Brando de repente se iba fuera del guión y la atacaba. Esto porque quería que la reacción de ella se sintiera real. Ahora, obviamente, ese es un comportamiento profesional extremadamente poco ético de tener en su momento, se justificó por razones artísticas. Pero siempre hago el argumento de que el bienestar psicológico de sus actores siempre es más importante. Y si contratas actores realmente, realmente grandes, pueden entregar actuaciones increíbles sin tener que manipularlas. Contrata a personas que sean realmente buenas en lo que hacen, y deja que guíen su desempeño. Como director, es tu trabajo dirigir ese desempeño y hacer esos ajustes en set. Entonces siempre vas por la actuación más natural, pero no quieres ser dictador. No te puedo decir cuántas veces he hecho que un actor me entregue una actuación que fue muy diferente a la forma en que vi escrita en la página. Ahora, podría haber sido dictador y dije, no, tienes que hacerlo a mi manera. Pero lo psicológico de hacerlo, entonces les estás pidiendo que vayan en contra de sus instintos naturales. Y ahí es donde realmente te metes en el territorio de una actuación. Empezando a sentirse falso. Ser inicio es un proceso de creación, ¿ pero también es un proceso de dejar ir? Sí. Al ser el director, usted es el responsable de garantizar la calidad del desempeño. Y si la actuación no está a la par, siempre debes hablar. Pero si un actor te está presentando una versión diferente a la esperada, entonces te reto a que te abras a la posibilidad de verlo a través de sus ojos. A menudo, el proceso de colaboración entrega algo infinitamente más interesante. Después la contratación de un actor a robot B0 para traer vida a tu storyboard. De igual manera, como guionista, una vez tu inicio, te animaría a dejar ir las palabras que escribiste en la página. Sí. Quieres asegurarte de que el actor se mantenga en la pista y no estén acariciando el guión con un montón de palabras innecesarias lo que va a afectar tu ritmo más adelante por la línea. No obstante, tu objetivo como director es conseguir la actuación más auténtica. Entonces si las palabras necesitan ser cambiadas para que esa actuación sea más auténtica, y sin duda deberías estar abierto a hacerlo. Y no ordenes que cada palabra que escribiste sea leída exactamente de la misma manera que la escribiste. El público no estará haciendo un guion a comparación cinematográfica. De acuerdo, entonces Tarantino es absolutamente famoso por ser un tirano a la hora de asegurarse de que los actores se adhieran a su diálogo que escribió. Y creo que muchos cineastas indie que idolatraron su talento han tomado el mismo ethos y llevado el mismo nivel de preciosidad a sus propios guiones. Entonces incluso ante un actor que lucha por dar vida a esa parte de diálogo, se doblan y dicen que no, hay que hacerlo a mi manera. El punto que trato de hacer es lo que tiene prioridad es siempre lo que funciona para entregar un rendimiento natural. Sé menos precioso. Empieza con una lectura de mesa, luego ponte la escena de pie. Redirigir. ¿El rendimiento natural te dan tus actores frente a dirección dictada? Cuestiona tu visión cuando se presenta con contradicciones inspiradas de colaboradores de confianza y sé menos preciosa. 6. Herramientas para trabajar con los actores: A las personas que hacen cosas terribles para preservar sus vidas no se les puede perdonar. Tipo de Dios perdona cualquier cosa y a cualquiera por cualquier cosa que hagan, no importa cómo Craven ahora, cobarde. Basado. En primer lugar, es importante entender los antecedentes de un actor donde se formó como actor de método. ¿ Han hecho mucho teatro comunitario? ¿ Están más involucrados en modelar y hacer trabajo comercial? Todas esas cosas en realidad afectarán cómo te comunicas con ellos y a qué tipo de trabajo están acostumbrados a hacer. Además, conoce tu gusto de actores. ¿ Cuáles son sus películas favoritas? ¿ Cuáles son, quiénes fueron algunos de sus actores favoritos? Todos estos son pequeños pedacitos de información que puedes usar para construir referencias para comunicarles más fácilmente ideas creativas a ellos. Diga si, por ejemplo, un verdadero amor y respeto a la obra de Kate Winslet. Y ya sabes, en tus referencias que has visto la película y hay una actuación similar que Kate Winslet ha dado en su geografía cinematográfica. Puedes usar esas escenas para especie de resaltar e ilustra ideas similares. Esto es importante porque el cine con micro presupuesto se realiza a un ritmo tan rápido que quieres encontrar la manera más fácil de llegar a una actuación lo más rápido posible. Y como solo nota al margen, esta es también una estrategia que no sólo funciona para actores que trabaja con cada colaborador que tienes. Por ejemplo, si estás trabajando con tu director de fotografía y sabes que quieres un tiro que sea muy Wes Anderson. Y la otra persona está familiarizada con el trabajo de Wes Anderson. Como me imagino la mayoría de los cineastas lo son. Hay cierta estética que van a entender que vas a estar después. Por lo que vengo de fondo teatral. Empecé a actuar a los cinco años y he estado probablemente en más de 30 producciones escénicas dentro de mi vida. He hecho algo de actuación sobre cine, pero principalmente me ha interesado lo que pasa detrás de la cámara en lugar de convertirme en actor de cine. Ahora la actuación escénica y la actuación cinematográfica son dos cosas muy distintas. Pero hay algunas cosas que aprendí durante mi tiempo como actor escénico creo que me ayudan a comunicarme con actores cuando estoy trabajando en el cine. Típicamente un actor de teatro está acostumbrado a exagerar en el escenario. Tienen que expresar algunas emociones desde la primera fila hasta la parte trasera de la casa, lo que significa que usan grandes gestos amplios y una voz muy fuerte. Pero en el cine todo es mucho más confinado. A veces la cámara está muy, muy de cerca y el actor puede simplemente estar sentado ahí y con un movimiento muy sutil, puedes entender e inflexión emocional que si lo haces más grande, se desprendería como apareciendo muy, muy falso . Entonces si estoy lidiando con muchos actores escénicos, lo que siempre haré es darles casi un barómetro de dónde quiero que esté su actuación. Y siempre es bajar si me entregan algo, está por encima. Se ha actuado como un diez y yo estoy como, OK, el instinto probablemente era correcto, la emoción probablemente estaba bien, pero no parecía lo suficientemente genuina. Entonces, usemos eso y luego volvamos las descargas, marque de nuevo a un siete o un seis. Ese marcado de actuaciones como en realidad una, otra muy útil soy herramienta de comunicación que tienes en trabajar con actores. Por eso estoy enfatizando en esa línea. Saber, exactamente, siempre dar dirección con un giro positivo. No se quiere estar construyendo en los actores en seguridad. Si están haciendo algo que no está funcionando, di algo más como, oye, probémoslo de esta manera y veamos si eso funciona. Y haz estos pequeños ajustes para llegar a donde necesitas ir, en lugar de hacer sentir por completo a tu actor que no pueden entregar lo que les estás pidiendo que entreguen. Esa es la forma segura de poner completamente una bomba en la actuación y cada toma se pondrá cada vez peor. Te lo prometo, actores solo quieren la tranquilidad de Ann afuera i de que confían y ese es tu papel como director. Constantemente están evaluando su desempeño desde adentro hacia afuera. Entonces la forma en que se siente la actuación, por lo que podrían no estar tan en contacto con cómo está siendo percibido por otras personas. Tú, el director estás mirando desde afuera hacia adentro, y es el tipo de combinación mágica de esas dos cosas, la experiencia emocional que está trayendo el actor y la experiencia objetiva que el director está viendo. Te casas con esos dos juntos. Y entonces ahí es realmente donde sucede la magia. Y como probablemente puedas decir, me encanta el proceso de trabajar con actores y probablemente debería hacer toda una clase sobre solo trabajar con actores una vez terminada mi serie de micro presupuesto. Entonces por ahora voy a dejar de hablar de trabajar con actores. Voy a pasar a los otros aspectos de dirigir porque es un trabajo muy polifacético donde hay que estar pensando en muchas partes móviles diferentes. No sólo actores, a pesar de que son una de las partes móviles más importantes. Conoce tus antecedentes de actores, Conoce a tus colaboradores, gusto y películas. Usa los ejemplos que te dan como herramienta para transmitir tus ideas en un contexto que ya entienden y respetan y siempre construyen confianza en tus actores. 7. Trabajar con la tripulación: Como cineasta de micro presupuesto, puede que te sientas tentado a rodar tu película por tu cuenta frente a trabajar con un equipo. Bueno, he construido mi propia cartera de directores, creando mi propio contenido de micro presupuesto. También he estado en muchos otros sets de cine. He actuado y películas, he producido películas para otros directores. Yo he sido el director de fotografía en un par de cortometrajes, fue el subdirector en un video musical. E incluso he sido asistente de producción y corredor en producciones más grandes solo para poder estar cerca personas de la industria que tenían más experiencia que yo. Definitivamente animo a todos que estén viendo a ganar tanta experiencia como puedan empezar, aunque no sea en calidad de director, aunque no sea en calidad de director, si empiezas a sentir otras posiciones de tripulación diferentes, la cantidad de conocimiento que vas a ser capaz de obtener solo te ayudará cuando llegue el momento de dirigir tu propia película. Y necesitas comunicarte con otras personas que estén en los puestos que alguna vez ocupaste. Al hacer mis propias producciones de micro presupuesto, muchas veces he tenido que llenar los papeles de ser mi propio subdirector, ser mis propios cineastas, supervisor de guiones, productor, editor, y más. Creo firmemente que hay que hacer lo que sea necesario para que se haga tu proyecto y la falta de tener un equipo no debería detenerte. Pero tienes que empezar en alguna parte. Creo firmemente en aprender a través de hacer práctica hace perfecto, pero en hacer películas por mi cuenta, realmente he aprendido mis propias debilidades. Y realmente creo que las películas se hacen mejores cuando el proceso es colaborativo. Si tu auto financias tu propia película, tal vez sientas que no puedes permitirte un equipo. Y si estás mirando los créditos finales, haz una película de Hollywood, tienes razón, no vas a poder permitirte un equipo tan grande. Pero aún así, necesitas saber cuáles son todos esos puestos porque tú y tu tripulación que sí tienes estarán trabajando horas extras para cubrir todos esos deberes laborales para asegurarte de que la película que haces sea la más alta calidad posible. personal, creo que la tripulación mínima desnuda que necesitas para hacer una buena película son tres personas. Utilizar el director, director de fotografía, y una grabadora de sonido. Conozco a algunas personas que han hecho grandes películas con aún menos, tal vez un equipo de dos personas tal vez por su cuenta. Pero sé por mi experiencia que siento que obtengo los mejores resultados cuando al menos estoy trabajando con otros dos colaboradores detrás de escena. Mi receta para una tripulación de tres hombres es la siguiente. Tu papel como director es trabajar con actores, inventar ángulos de cámara y decirle al DOP dónde poner endpoint la cámara. Preste atención a la continuidad. Enfoque en el diseño de producción, vestuario, cabello y maquillaje. Establece el ritmo del día para asegurarte de que estás conforme a lo previsto. Estaré hablando más de esto después. Entiendo que las fortalezas y debilidades de todos son completamente diferentes. Y es tu trabajo ser honesto contigo mismo y preguntarte qué puestos puedo atajar de manera realista a mis deberes de director y cuáles no soy? El papel de los cineastas es seguir tu dirección y armar el disparo. Te imaginas. Les dices dónde poner la cámara y luego les dejas montar el trípode, montar las luces, etcétera. Es especialmente importante delegar este trabajo cuando se necesita tener tiempo para ensayar con sus actores en un gran set. Un director de fotografía trabajaría con un asistente, una gaffe, o para ayudar con las luces. gaffers suelen tener asistencia así como los llamados mejores chicos o chispas. Algunos DOPS ni siquiera operan la cámara. Trabajaron con una persona de cámara. El departamento de cámaras en una gran película podría ser enorme. Obviamente en la más ajustada de las producciones de micro presupuesto, el director de fotografía, estaremos llenando todos estos roles. El papel de la persona sonora es sencillo, pero esencialmente es grabar todo el sonido para la escena. Y esto incluye usar un micrófono de boom y amó a Mike para acoplarse a los actores. Y estaré entrando más en detalle en algún sonido en una parte posterior de esta clase. Encontrar un equipo es muy parecido a encontrar actores puede ir en línea en redes sociales o en sitios web diseñados específicamente para ayudarte a encontrar tripulación como mandy.com. Y ahí se puede echar un vistazo a sus reales en su cartera para juzgar su capacidad. Una vez que te interesen algunos individuos en particular, conocerlos en persona y ver si son el tipo de persona con la que te puedes llevar bien. A menudo los DOPS que trabajan y otros miembros de la tripulación están sobrecargados de trabajar en gigs corporativos y trabajo comercial. Y así si les traes una historia narrativa en la que les estás pidiendo que trabajen, eso puede estar más interesado sólo porque es más divertido trabajar o porque querían diversificar su cartera. No obstante, a diferencia de los actores en mi experiencia, los miembros de la tripulación muy buenos son mucho menos propensos a trabajar gratis o por una tarifa reducida. Esto se debe a que muchas veces vienen con su propio arsenal de equipos que les resultaba muy caro comprar. Por lo que necesitan priorizar los gigs de pago para poder pagar sus propias cuentas. Y tendrás que respetar eso ya que necesitas equipo para hacer una película, contratación acumula que posee su propio kit. Simplemente tiene sentido. Estarías gastando el dinero todos modos ya sea en rentar o comprar el equipo. Por lo que también puede contratar a las personas que saben sacar el mejor provecho de ese equipo. Definitivamente será más barato que comprar el equipo. Y muchas veces será el mismo precio que si acabaras de trabajar para rentar la cabeza Whitman. Llevar lejos. Como mínimo desnudo, trabajar con una tripulación de tres hombres. Director, director de fotografía, grabadora de sonido. 8. Terminología para trabajar con la máquina de cámara: Tener confianza en otra persona para manejar los aspectos técnicos del manejo de una cámara es una carga completa fuera durante el inicio. Un gran DOP tomará tu visión y se enfocará en todos los pequeños detalles para asegurarte de que tu película se vea profesional. Se centrarán en la iluminación, en el encuadre, en las tasas de fotogramas, las exposiciones , las elecciones de lentes, probablemente estén muy obstinadas en qué cámara quieren disparar. Y la necesidad de involucrarse en el look final de la película con gradación de color. Una vez que estás en posproducción. no decir que no es necesario entender todos esos aspectos técnicos del cine. Pero con mi estilo de dirección, siempre he encontrado que es mi trabajo traer una visión más amplia frente a las minutiae de microgestión. Si eres un DO pavimentado experimentado, las siguientes cosas que voy a enseñar indudablemente van a parecer muy, muy básicas. Por lo que esto está más orientado a directores de micro presupuesto que ya sea se autodisparan por primera vez o trabajan con un DOP por primera vez. Empecemos definiendo esos aspectos. Acabo de mencionar. Opciones de lentes. El lente es la pieza de vidrio que permite que la luz entre en la cámara. Es la ventana de las cámaras para que pueda ver y capturar la escena que estás realizando frente a ella. Diferentes lentes tienen diferentes longitudes focales. Un lente gran angular es esencialmente una ventana más ancha para capturar más de la escena. Y un teleobjetivo es esencialmente una pequeña ventana que puede hacer que una toma parezca un primer plano, aunque la cámara esté lejos. Todas las lentes tienen un número de milímetro adherido a ellas. Cuanto menor sea el número, más ancha será la lente. Encuadre. Un marco son las esquinas de tus cámaras. Ventana. encuadre es la colocación y posición de los sujetos en tus tomas. Los disparos son todo sobre composición, mucho como un cuadro, lugar de apuntar con la cámara al sujeto y simplemente ver lo que sucede. Necesitas tener un plan y componer un tiro de una manera estéticamente interesante. Película de velocidad de fotogramas fue creada por una serie de imágenes fijas jugadas rápidamente para dar la ilusión de movimiento. Una velocidad de fotogramas es cuántas de esas imágenes fijas se toman por segundo. Exposición. El cine es todo sobre dejar que la luz entre por la ventana de tu lente de la cámara. La exposición se refiere a la cantidad de luz que dejas entrar. Si la lente de la cámara es un ojo, la exposición sería lo amplia que la IA está abriendo la iluminación. Esto es justo lo que suena. Puede involucrar iluminación natural desde el sol si estás disparando afuera, puede incluir equilibrio, que no es una luz, sino más bien un dispositivo para redirigir la luz desde el sol. Y por supuesto, hay un medley de diferentes luces eléctricas y geles de colores. Graduación de color. Cuando se haga la película, será coloreada graduada en postproducción. Aquí es donde realmente se puede poner una mirada cinematográfica específica en la película. Hay muchas, muchas, muchas otras cosas que puedes aprender sobre los aspectos técnicos de trabajar con una cámara. Pero por ahora, solo te voy a dejar con esos conceptos básicos. 9. Chozas de cámara y lentes: lo primero de lo que voy a hablarte es de la velocidad de fotogramas. Película tradicional se grabó como 24 fotogramas togados dentro de 1 segundo para dar la ilusión de movimiento. El estético de 24 cuadros por segundo es uno que está tan fuertemente arraigado en la historia del cine que si usas algo más, es probable que o bien parezca una producción amateur o una telenovela con consumidores comenzó a comprar cámaras de video caseras, tenía una velocidad de fotogramas de 30 cuadros por segundo. Y así la estética se sintió muy, muy diferente a ir a ver una película. hoy. Práctica cada cámara con la que trabajes va a tener al menos esas dos opciones, 2430. Aunque estés trabajando en algo así como un iPhone, van a tener esas dos opciones. Siempre asegúrate de rodar a 24 fotogramas por segundo para asegurarte de que estás logrando el look cinematográfico más cinematográfico. Por supuesto, siempre hay excepciones a la regla e inciertas cámaras de extremo superior quizá quieras disparar a una velocidad de fotogramas diferente, siempre y cuando luego pueda transferirse a 24 fotogramas por segundo en postproducción, si tu objetivo es vender tu película de algunos mercados internacionales, requieren una velocidad de fotogramas distinta de 24 fotogramas por segundo. Por lo que tu director de fotografía puede aconsejarte que rodes en una velocidad de fotogramas diferente. Si ese es el caso, asegúrate de tener esta conversación con tu director de fotografía. Por lo que al final del día, tendrás al menos una versión de la película que es la más cinematográfica para que coincida con tu visión. Ahora hablemos brevemente de las elecciones de cámara. Se puede disparar en todo, desde un iPhone hasta una cámara de cine y como una Alexa roja o aireada, las cámaras están cambiando constantemente y la increíble tecnología se está volviendo más barata y barata. En lugar de darle mi opinión sobre cámaras específicas, voy a dejar eso como una conversación para que usted tenga con su director de fotografía o para que usted haga su propia investigación en línea. Recuerda que la cámara más cara no necesariamente significa que vas a hacer una mejor película. El cine es sobre creatividad. Se trata de cómo usas esa cámara. Por lo que incluso una cámara increíble puede hacer una película terrible, e incluso un iPhone puede hacer algo que es increíble de ver. Voy a descomponer las cámaras en tres grupos. Teléfonos de cámara, DSLR, y cámaras de cine. En este punto de mi carrera, siempre meto mis manos en una cámara de cine. No obstante, sí he experimentado el rodaje en los tres de esos, recomendaría usar un teléfono con cámara solo si es su única opción o si funciona mejor por razones narrativas. Por ejemplo, estás haciendo una película de terror de metraje encontrado como Blair Witch. Sí, el teléfono ya está en tu bolsillo. Sí, hay algunas apps increíbles por ahí que hacen todo lo posible para intentar darte un look cinematográfico fuera del teléfono. Pero en mi experiencia, nunca he estado completamente satisfecho con mis resultados provenientes de un teléfono con cámara. Si tienes algún presupuesto de cámara que una DSLR es mucho mejor. Vienen con lentes desmontables, por lo que tendrás mucha más versatilidad. Un gran lente puede incluso elevar la calidad de un Canadá menor. Incluso si un iPhone dispara y 4K y una vieja DSLR podría no, seguiría eligiendo la DSLR por ese hecho. Y por supuesto, si el dinero no es un problema, entonces las cámaras de cine son increíbles. Son muy complicadas, razón por la cual siempre uso un DOP al trabajar con ellos. Pero los resultados que obtienes son de noche y día diferentes en elevar tu película de un look amateur a un look profesional. Ahora hablemos de las elecciones de lentes. Si estás grabando en una cámara que tiene una lente incorporada, entonces es posible que no tengas mucha versatilidad. No obstante, incluso están haciendo pequeños lentes de clip para iPhones en estos días. Si trabaja con un teléfono con cámara, tenga en cuenta que al acercar a través de su aplicación de cámara se degradará la calidad de su imagen. Entonces no hagas eso. Si necesitas acercarte. Hay tantas opciones por ahí. Pero lo cierto es que puedes hacer una película con solo una lente si estás tan inclinada. Idealmente, recomendaría disparar con tres tipos diferentes de lentes, una lente gran angular, una lente de rango medio y una lente teleobjetivo. Si estás atado por dinero y necesitas cortar algo ese teleobjetivo sería la primera lente que cortaría porque típicamente uso la menor cantidad. Aquí te mostramos un ejemplo de cómo se ven esos tres tipos de lentes diferentes. Ahora bien, no moví la cámara en ninguno de estos ejemplos, todo lo que hice fue mantener la cámara en el mismo lugar e intercambiar lentes. No todas las lentes se crean iguales, pero en mi experiencia, lentes prime cinema siempre me han entregado mis resultados favoritos. Una lente prime no se acerca ni se aleja. Simplemente tiene una distancia focal de un solo conjunto. Y debido a eso, suele ser de mayor calidad porque no tiene que entregar esa diversidad. Takeaways siempre usan 24 fotogramas por segundo para una velocidad de fotogramas. Las cámaras con lentes desmontables son superiores a las que no lo son. Y mi idea LensKit tendría tres longitudes focales diferentes, una amplia, una de gama media, y un teleobjetivo. 10. Conceptos básicos de encuadre de tomas y composición: En mi clase de preproducción, te ayudé a crear tu lista de tomas. Entonces voy a asumir que ya lo has hecho. Si no lo has hecho, ya sabes dónde buscar en esa clase, tomo una escena de una de mis películas y disecciono todas las diferentes tomas que usé para armar esa escena. Ahora me gustaría centrarme brevemente en el encuadre y la composición. Ahora, de manera similar a mi sección sobre actuación, probablemente podría dar una clase entera sobre sólo cómo dirigir la cámara. Pero por el bien de esta clase, sólo voy a dejarlo a algunos consejos de primer nivel. Por supuesto, son opciones realmente infinitas a la hora de configurar una toma, pero un buen encuadre no se trata solo de encontrar el ángulo más bonito. Es necesario pensar en el panorama general y cómo esas tomas encajarán realmente una vez ensambladas en la bahía de edición. A modo de ejemplo, voy a tomar una escena para mi cortometraje, La última confesión para ilustrar algunos puntos. Perdón m longitud. el tráfico en libro de frente en esta época del año al tratar a pacientes de Apareceel tráfico en libro de frente en esta época del año al tratar a pacientes de un sitio o de un padre, aún no he muerto. Aquí está muy Duncan. ¿ Debo dibujar las cortinas? Es una tarde de invierno encantadora ahí. Gracias. Al menos déjame abrir la ventana. Está terriblemente tapada. ¿ Quieres que coja mi escritorio de código? Si tienes calor, quítate la chaqueta. Filmé esta película de una manera muy clásica. Me enfoqué en el rendimiento y solo moví la cámara cuando era absolutamente necesario. cual no sólo funciona dentro del estilo del drama de época, sino que también hace que la producción sea extremadamente económica. En lugar de centrarme en una plétora de tomas, trabajé con mi director de fotografía para perfeccionar un pequeño puñado de tomas y mantuve el cuadro interesante con las actuaciones. Observe cómo los personajes están en lados opuestos del marco. El sacerdote toma el lado izquierdo del marco y el hombre de la cama toma la derecha. Mantener esto consistente a lo largo de la película, incluso cuando cambias de tomas subliminalmente da al público y la comprensión del espacio similar a ver actores en el escenario, los ojos del público rebotan de ida y vuelta entre los personajes ya que tienen una conversación de izquierda a derecha. Por supuesto, esto parece increíblemente sencillo y básico, pero te sorprenderías de cuántos cineastas de micro presupuesto son. cineastas primerizos no prestan atención a estas reglas. público está acostumbrado a la corriente principal de películas utilizando la misma técnica. Entonces si no lo usas, es muy probable que el público retome eso inconscientemente, aunque no entiendan por qué, empezarán a sentir que están viendo una película amateur en lugar de una película profesional. Por supuesto, no siempre hay que seguir esta regla. Podría usar el encuadre Center, por ejemplo, donde los personajes están siempre en el centro del marco. Y esto suele proporcionar un aspecto más humorístico que encontrarías en algo así como una película de Wes Anderson. Una vez que tienes una comprensión de cómo las audiencias procesan la información visual, entonces puedes empezar a romper algunas de estas reglas y divertirte un poco siempre y cuando tengas un motivo para hacerlo. Pero la orientación izquierda y derecha del personaje para las escenas de diálogo es una herramienta sencilla y eficaz para empezar. Ahora voy a compartir dos sencillos trucos que te pueden ayudar con el encuadre. El primero es la regla de los tercios. Piensa en tu marco de cámara como una serie de nueve cajas, una cuadrícula como esa. Ahora esta cuadrícula tiene cuatro líneas que se cruzan en cuatro áreas diferentes. Esas intersecciones, o tus dulces puntos para la acción. Piensa en poner los ojos, la boca, etcétera de tu personaje , en esas secciones transversales del marco. Típicamente eso da como resultado tomas más interesantes. Ahora hay muchos videos por ahí sobre la regla de los tercios. Y te animo a sumergirte en algunos de esos otros videos si quieres saber más. Pero para los efectos de esta clase, era más sólo una técnica de la que quería hacerte consciente. El segundo es esa regla de 180 grados. Recuerda cuando estaba hablando de mantener los personajes consistentemente en el lado del marco, aunque el shan no cambie. Bueno, una manera fácil de hacer esto es siguiendo la regla de 180 grados. Imagina que hay una línea dibujada en el suelo entre tus dos sujetos. Si siempre mantienes la cámara colocada en un lado de esa línea, es más probable que sigas esa regla. Nuevamente, te recomiendo que vayas a ver una clase completa dedicada a la regla de 180 grados. Y algunas de esas clases incluso te darán ideas creativas para cuándo y cómo romper esa regla de manera efectiva. Adicionalmente, si buscas alguna recomendación de libro, las cinco C's de cinematografía son un gran libro que leo al estudiar cine. Siendo estadounidense, decidí no ir ahora a la escuela de cine porque no creí que no aprendería nada ahí, sino porque no quería pasar el resto de mi vida en deuda estudiantil. Entonces lo que hice es que empecé a hacer investigación en cuanto a qué escuelas de cine estamos enseñando como parte de su plan de estudios. Y fui y compré algunos de esos libros. Yo mismo leí a través de esos libros y empecé a entender algunos de esos conceptos básicos. Entonces esa es una forma económica de darte la semiexperiencia de la escuela de cine. Algo que sí siento que me perdí al no ir a la escuela de cine fueron más las conexiones de otras personas de la industria que conocí. No obstante, hay muchas formas interesantes de establecer redes en la comunidad creativa. Desde festivales de cine, los clubes de cine, hasta una serie de cosas que muchas de las principales ciudades del mundo ofrecen. Creo que lo importante es ser un estudiante de toda la vida y siempre progresar y crecer siempre. Aunque sepas mucho, siempre puedes saber más. Pero no tengo que predicar al coro aquí porque estás aquí tomando la clase. Entonces mis tomas son la regla de los tercios, la regla de los 180 grados. Encárgate de tu propia educación. 11. La psicología de las decisiones de cámara: Ahora me gustaría mostrarles algunos clips de algunas de mis películas para poder ilustrar cómo ciertas elecciones de cámara pueden afectar el estado psicológico de su público. Ahora muchas de las cosas que estoy a punto de ilustrar van a parecer muy sencillas y por lo tanto muy fáciles de robar. Pero te recomiendo totalmente que robes cualquiera y todas estas que crees que serían útiles dentro de tu propia cineasta? Yo lo hice. Todas estas son técnicas que les robé a cineastas anteriores a mí. Y han funcionado muy bien para mí. Roba como artista. He oído que son pasajeros temporales en esta nave espacial. La naturaleza pasará a recuperarse sin un soft.com. Pretendo ser una buena cuenta de activos. Uno que no pone nave de combate causando que se filtre. Suficientes apps, esta línea de tiempo, vida y vida en la ciudad. Pero este tiro termina como parte del montaje, que rodarás fundamentalmente diferente a una escena de diálogo como el ejemplo anterior. Ya que se trata de un montaje, no hay necesidad de continuidad ni seguir la regla de los 80 grados. Es sólo un puñado de tomas aleatorias para mostrar el paso del tiempo y para construir carácter. Esto por supuesto, nos libera para ser mucho más juguetones en cuanto a encuadre y en particular con el movimiento de la cámara. Muchos de los disparos en esta secuencia son lo que yo llamaría tomas especiales. Entonces tomas que no priorizaría al inicio de mi jornada de rodaje porque si el horario se ajustaba, hay formas más rápidas y fáciles de contar la historia dentro de estas tomas. El Gimbal dispara o llamativo, pero más que eso, estos tiros cuentan una historia. Entonces recuerda la historia primero. Creo que el movimiento de la cámara siempre debe estar motivado. Entonces para mí, mi toma por defecto siempre es una toma fija, y solo elijo mover la cámara si creo que necesito hacerlo con fines emocionales o narrativos, el tiro que me gustaría señalar en la secuencia es el tiro de Gimbal que gira en torno al personaje principal. El movimiento del tiro realmente sumerge al público en el mundo del personaje. Vemos su reacción a vivir como ermitaño en la naturaleza, que está satisfecho con esta vida. Y luego revelamos la naturaleza que él está admirando. De inmediato, nos empujan a la dura yuxtaposición de la vida de la ciudad, el personaje una vez liderado. Es el contraste de estos dos tiros lo que la convierte en una transición psicológica tan poderosa. En el primer tiro tienes la belleza y el movimiento suave no dimensión, la hermosa puntuación. Y luego en el siguiente disparo, es de mano y entrecortado. Y ahí está este terrible sonido chillido. El movimiento de la cámara tiene un efecto psicológico en el público. Por lo que antes de elegir mover una cámara, asegúrate de entender qué efectos psicológicos tendrá ese movimiento en tus audiencias. Y es el efecto psicológico que quieres que tengan como cineasta de micro presupuesto que puede necesitar cortar esquinas, no muevas la cámara si no es necesario. Aquí hay otro clip de la misma película, samaritano, y espero que se traduzca cuando se sacan de contexto. En ocasiones la falta de movimiento crea tensión para esta escena, que se trata de un personaje que sale a escondidas de la casa. Yo quería mantener al público al borde de su asiento en cuanto a si lo atraparían o no en lo que es de otra manera, soy película de ritmo relativamente rápido. Esta es la única secuencia donde toda la escena es un disparo que dura casi dos minutos. La elección de tocar la escena de esta manera construye la ansiedad dentro del público. Quieren el corte Cámbrico. Quieren tiempo para ir más rápido. Están nerviosos por el personaje y como él. Ellos quieren escapar de la habitación al no proporcionarles ese escape, usted estaba construyendo tensión dentro de ese público. Aquí hay un tercer ejemplo entre todo este horror, lo insinuó. Un acto redentor. Cuéntame al respecto. Fue septiembre de 1944. Prisioneros de Hungría habían sido traídos aquí como siempre, prisioneros, pero escuelas en el cambio de habitaciones, no abordaron preparación de un destrozador y D Laozi quiere que la cámara fuera sellada. Esto se introduciría. ¿ Cuánto tiempo tardó? 20 minutos hasta que el grito de pantalla muriera. Maridos temblando o sin esposas, madres de pie encima de ese niño lo hace en un comando enredo, pirámide agitada de torsos de extremidades. Y esta mañana de septiembre comenzó diferente. Ahora de nuevo, esta es una escena muy sencilla. Lo que lo mantiene interesante son los efectos de sonido y la performance es, ¿notaste el zoom lento y casi imperdible? Esto realmente ayuda a dibujar en audiencias. Les dice que esto es algo a lo que necesitan prestar atención. Esto es importante. Yo quería mantener al público al borde de sus asientos. Entonces en lugar de esperar a que se inclinaran más, elegí acercar al personaje a ellos acercando sutilmente. También notó los disparos de reacción. Estas tomas, de las que hablaré más en mi clase de posproducción, realmente ayudaron a decirle al público cómo se supone que deben sentir acerca de la escena que están viendo. Les da un punto de referencia al que relacionarse cuando el personaje está hablando de algo que es tan claramente horrible. Es como cuando alguien empieza a reír en un cine, repente otras personas saben que está bien reírse de la cola. Y ahora, aquí hay un cuarto ejemplo. Ahora esta escena es de una próxima película mía, por lo que sigue siendo un poco áspera alrededor de los bordes. No ha habido gradación de color en la escena y el sonido no se ha mezclado adecuadamente. Pero quiero mostrarte lo que estoy haciendo aquí. Oye, ya sé de todos modos, vale, bueno, iba a tomar un bocado para comer y pensé, bueno tal vez podríamos. Gates y bastante cansada, así que solo voy a dar clic en él. Y pensé que podríamos pasar por la presentación. Ya sabes, en la entrevista pareces luchar por cumplir con estas capacitaciones. Tú lo haces. ¿ Señor promoción? ¿ Por qué pienso que yo estaba por encima de ti o algo así? ¿ Bien? Es que sí. No encontramos o la vida nocturna indica lo que necesitas es un verdadero hombre de verdad parado frente a ti y lavando los platos hacia abajo. Esta escena se trata de una invasión del espacio personal. ¿ Seguí las reglas tradicionales de encuadre? Bueno, sí y no, los personajes sí empiezan por mantener los lados de sus marcos. Pero como el personaje masculino invade agresivamente el espacio de personajes femeninos, también le hago invadir el marco. Está invadiendo el espacio del público y haciendo que el campo del público tan incómodo como está haciendo el campo de la heroína. Este es un ejemplo de cómo se puede romper el encuadre y las reglas por una razón narrativa psicológica muy específica. Entonces mis comidas para llevar son, siempre mover la cámara con motivación, ya sea emocional o narrativa. Entiende qué efecto psicológico tendrá tu encuadre y movimiento de cámara. Conoce las reglas antes de romper las reglas. Y no rompas las reglas sin saber por qué. 12. Ear del director: Disparos autoenfocados, problemas de continuidad , etcétera, y cómo todas esas cosas son errores. Pero la verdad del asunto es todos esos errores son cosas que la mayoría de los miembros del público bien perdonarán o ni siquiera notarán en comparación con errores sonoros que son singularmente imperdonables en la mente de audiencias hasta aficionados. diálogo bien captado, mezclado profesionalmente con efectos de sonido, atmósfera y música puede convertir una película grata barata en una película de clase mundial. Dicho eso, no debes delegar el sonido a solo algún compañero de piso que quiera involucrarse en tu película, pero no sabe lo que están haciendo. Capturar el sonido es una forma de arte y cuando se hace bien, es un verdadero don del cielo en la posproducción. Por momentos, he tenido que rodar mis propias películas cuando tenía limitaciones de presupuesto y no podía contratar a un director de fotografía. Pero lo único que nunca pude recorrer fue un buen tipo de sonido. Si bien aprecio el gran sonido, sé que capturar sonido y editar sonido no es mi etiqueta de cuatro. No es mi conjunto de habilidades. Entonces no pretenderé enseñarte algo que realmente no me siento calificado para hacerlo. Pero como director, es absolutamente clave que entiendas qué buscar en una buena persona sana para asegurarse de que están haciendo su trabajo y entregando el sonido que necesitas para tu película. Entonces aquí hay algunas cosas que debes estar asegurándote de que tu persona sana esté haciendo. Obviamente, debe pasar sin decir que se necesita un micrófono adecuado. No uses el micrófono en la propia cámara. unas buenas grabaciones de sonido se usará un boom overhead, un micrófono de amor unido a los actores, y tal vez incluso micrófonos adicionales colocados alrededor de diferentes áreas de la sala para capturar múltiples capas de audio para la escena de manera que se pueda mezclar correctamente. El micrófono boom se está acercando lo más al sujeto, está grabando lo más posible. El micrófono de auge solo debe estar apenas fuera de marco y su ángulo debe apuntar directamente a la acción o a la boca de los sujetos. Si captura el diálogo, desea grabar el inicio del sonido natural de la más alta calidad posible para evitar algo llamado ADR. Adr es cuando entras a un estudio después de que se hace la película y le piden a los actores que se sincronicen con su actuación. Es algo muy difícil de hacer bien, y típicamente hace que la actuación, parecía muy falsa. Además, asegúrate de que tu grabadora de sonido capture algo llamado tono de habitación. Kelvin, tres segundos. tono de la habitación es el sonido del silencio en el ambiente particular que estabas filmando. Pero en realidad nunca es silencioso. Es el diminuto zumbido del aparato, la naturaleza, los pájaros, el viento, etcétera. Son los sutiles sonidos de bajo volumen los que siempre están presentes en el fondo. Entonces la comida para llevar es, acerquen los micrófonos. Usa múltiples micrófonos y captura el tono de la habitación. 13. Ritmo del día: Si solo te alejaras con un solo consejo, sería éste. Perfeccionando. Un solo disparo nunca es tan importante como alejarse con una serie de tomas viables con el fin de armar tu escena. Al final de tu jornada de rodaje, quieres poder caminar compensado con confianza que tienes todo filmado en la lata que vas a necesitar para armar tu escena. Si he aprendido algo de la posproducción es que muchas veces tus tomas favoritas son las que terminan en el piso de la sala de corte. ¿ Por qué? Porque al crear estos tiros con demasiada frecuencia estamos enfocados en hacerlos llamativos para que podamos tener algo fresco para nuestros directores real, Tal vez sea un tiro de gimble o tal vez sea un tiro de drones. Pero en esas instancias, muy a menudo es menos probable que te enfoques en hacer avanzar tu historia. Estás más solo dando una textura para impresionar. Y cuando algo necesita ir a la tienda, no va a ir. El innecesario disparo de drones se va a ir. Si puedes apretar en un gran tiro de muñecas al mismo tiempo, entonces te daremos más poder. Pero muchas veces estas tomas terminan siendo no esenciales y tardan tanto en configurarse que si te enfocas en ellas, podrías muy fácilmente quedarte atrás en tu ritmo del día y no pudiste irte con las tomas esenciales que tú necesita contar tu historia. Muy bien, así que el primer disparo del día suele tardar el más largo. Se tarda años en instalarse. Y típicamente empiezo el día un poco atrasado, pero no se preocupe. Me maquillo una vez que empiezo a meterme en el flujo del día, típicamente, cuando se rompe para almorzar, se está rompiendo ese flujo. Entonces cuando vuelvas del almuerzo, habrá un poco de lol. Por eso siempre trato de empacar en la mayor cantidad de tomas que puedo antes del almuerzo y hacer mi tarde un poco más fácil para mí mismo en cuanto a la cantidad de tomas que estoy tratando de capturar. Además, una de las cosas más ahorradoras de tiempo que puedes hacer ya es pensar en cómo se va a editar la escena juntos incluso antes de que la filmes. Demasiado a menudo, los directores de primera vez o aficionados no saben cómo realmente van a unir la costura. Por lo que disparan un montón de material que termina en el piso de la sala de corte. Podrían empezar a rodar toda la escena cuando sólo necesiten los primeros cinco segundos de ancho de la escena para establecer el espacio. Se cineasta con micro presupuesto, es probable que seas el editor. Por lo que puedes ahorrar una inmensa cantidad de tiempo si visualizas la edición previa al rodaje y solo tomas las tomas, ya sabes, lo usarás. Si no sabes estructurar una escena con edición, entonces el momento de aprender esa habilidad es ahora antes de tu inicio. Analizar cómo otras películas han cortado escenas juntas y utilizar sus estructuras como plano. Una vez que entiendas los fundamentos de la edición, entonces puedes crear tus propias estructuras y romper esas reglas. Otra herramienta de ahorro de tiempo para ayudar con el ritmo del día es la del disparo no lineal. A lo que me refiero con esto es que algunos directores filman una escena exactamente como la imaginan. Si saben que quieren empezar con un tiro ancho desde el lado izquierdo de la habitación. Recibirán ese disparo y luego pasarán al siguiente disparo, que es un medio desde el lado derecho de la habitación. Y luego saben que quieren ver un acercamiento del otro personaje. Por lo que se le disparará desde el lado izquierdo de la habitación para después seguir rebotando de ida y vuelta cómo ven que la escena se lleva a cabo en su cabeza. Lo que estás tratando de hacer inicio es minimizar las configuraciones de la cámara y las configuraciones de iluminación. Cada vez que tienes que mover la cámara y mover las luces, va a costar tiempo. Entonces dispara todo lo que puedas desde un lado de la habitación. Aunque eso signifique salir de orden en el guión, eso puede significar que estás pidiendo a tus actores que salten una parte de la escena, tal vez filmó la apertura, salte algunas líneas del final de la escena. Y mientras hayas hecho tu ensayo, los actores profesionales saben cómo hacerlo. Saben dónde están sus arcos dentro de la escena y pueden entrar y salir de esas emociones según sea necesario. De acuerdo, entonces se priorizan mis comidas para llevar. historia esenciales sobre tiros tácticos llamativos. Reserva tiros de trucos no esenciales para el final del día en caso de que corras atrás y necesites cortar tu lista de preselección, planea tu primer disparo del día para tomarte el más largo, espera un Lowell después del almuerzo, y luego ahorra tiempo inicio entendiendo cómo planeas editar la película antes de rodarla. Y disparando todo desde un lado de la habitación antes de seguir adelante, aunque eso signifique disparar fuera de servicio. 14. Atmósfera en el conjunto: Hace tiempo que se acepta en la industria cinematográfica que el inicio de la atmósfera es muy estresante. Pero estoy aquí para decirte que no tiene por qué ser. Si puedes fomentar un inicio de entorno que sea de ritmo rápido, productivo, positivo, alentador y divertido, entonces los colaboradores se aferran a ti. A partir de ahí, es probable que estés haciendo mucho trabajo con mucha gente que está trabajando de forma gratuita o barata simplemente para construir sus carteras. Entonces si no eres agradable trabajar con, no vas a hacer que estas personas vuelvan a trabajar en tus proyectos. Y lo que encontré es típicamente cuando llega el momento de conseguir un trabajo de pago, tu puerta de entrada a ese trabajo de pago es a través esas relaciones que fomentas inicio durante la construcción de portafolio. Y si no eres agradable trabajar con cuando llegue la ganancia pagadora , no vas a recibir la llamada. En su calidad de director, usted es el responsable de establecer el tono en set. Algunos directores optan por tocar música entre tomas para que todo el mundo se esté divirtiendo y se puedan relajar. Otros directores optan por mantenerse muy, muy enfocados y asegurarse de que todo el mundo no se distraiga para que puedan permanecer en la zona. Las decisiones realmente dependen de ti, independientemente de tu enfoque, un elemento importante es la confianza directorial. Siempre exudan inicio de confianza, independientemente de si te sientes seguro internamente o no. No hay nada peor que un equipo que puede oler que su director no tenga visión. Ante la ausencia de esa visión, aunque probablemente empiecen a rebasarse con más sugerencias. Es probable que haya más jugadas de poder. Los tripulantes podrían tratar de ser el director que no eres, y podrían culpar cabezas y toda la producción puede espiral rápidamente la jerarquía creativa con un director en la parte superior está ahí por alguna razón. Y es probable que con una producción de micro presupuesto también seas el productor. El sector. A menudo el productor es la jerarquía absoluta, pesar de que el director tiene el control creativo sobre el proyecto. Eso no quiere decir que no tome ninguna sugerencia, solo prepárese para liderar, tenga un plan. Y cuando tu plan no esté funcionando, ten confianza en el plan al que cambies, lugar de dejar que esa inseguridad separe todo el año el día de rodaje. Otro aspecto importante para mantener un buen ambiente en el set es equilibrar descansos mientras que bajo restricciones apretadas cuando las pasiones corren altas y gente está emocionada por estar trabajando en un proyecto creativo, es común que la gente se olvide de comida. Es decir, si dependiera de mí en un día de rodaje, probablemente no comería nada. Previamente. Mencioné dos de las tres áreas que fueron las más importantes para priorizar en términos de presupuesto. Sonan actores. Y ahora voy a añadir un tercer alimento. Si estabas tirando favores con tarifas de la gente, no puedes escatimar en tu presupuesto alimentario. buena comida hace que el elenco y la tripulación se sientan muy apreciados por su trabajo muy arduo. Y no estoy hablando sólo de comidas, estoy hablando de tener disponibles bocadillos y bebidas inicio también. Idealmente, sería genial si pudieras conseguir que alguien concentre únicamente en la comida para que puedas enfocarte, en lo creativo, pero no siempre es el caso. Hay un montón de veces he disparado todo el día y luego cocinar la cena de pasta para todo el mundo quiere disparar día se hizo. Tienes que hacer lo que tienes que hacer. Entonces mi comida para llevar para este es simple. Es sólo estar centrado en otro, no un egomaníaco. 15. Copper de copia de Footage... ¡AHORa!: De acuerdo, entonces edito todas mis propias películas y en mi siguiente parte de la clase de series de micro presupuesto, te estaré enseñando sobre mi proceso de edición. Entonces lo que necesitas para editar una película es por supuesto, tu metraje. Dependiendo de cómo estés capturando material de archivo, probablemente sea una buena idea programar múltiples pausas durante todo el día para transferir ese metraje a varios discos duros para asegurarte de que lo estás respaldando y no pierdas nada. Un gran set de Hollywood, hay una persona cuyo único trabajo es ser un luchador de datos y transferir metraje a discos duros. Ahora en un conjunto de micro presupuesto, esto o va a ser tú mismo o tal vez eres DOP. Si tienes suficiente espacio para capturar todo el metraje en Tal vez una tarjeta SD o lo que sea que estés filmando sin tener que hacer volcaduras durante el día. Siempre asegúrate de que estás tirando metraje al final del día. Lo último que quieres hacer es sentirte seguro en la pequeña tarjeta SD y luego olvidarte de ella. Y luego cuando vas a editar tu película, te das cuenta de que algo le ha pasado. Ya he perdido metraje en alguna ocasión, y no es una buena posición para estar en. Transfiera inmediatamente tu metraje en tu disco duro y siempre copia de seguridad del metraje en un segundo disco duro, luego envía ese segundo disco duro a casa con otra persona. Por lo que no se almacenan en el mismo lugar. Tampoco seas perezoso en transferir audio a los mismos discos duros. Transferir material de archivo puede tardar horas a veces, pero el audio toma una cuestión de minutos. Así que siempre asegúrate de que todas tus piezas estén en el disco duro para separar los discos duros, lugares separados. 16. Conclusión: Gracias por ver. De verdad espero que te haya parecido útil esta clase a la hora de hacer cine. Podrías seguir y seguir porque es un proceso tan complejo. Pero espero que mi único proceso sea al menos suficiente de una visión general para empezar e inspirarte a que solo salgas por ahí y hagas tu película sin importar los limitados recursos que tengas. Una vez que mi serie de micropresupuesto de cinco partes esté disponible en línea, probablemente empiece a crear más clases que ahonden en ciertas minutia de producción. Por lo tanto, ten un ojo hacia fuera para esos. Si te resultó útil esta clase, por favor considera escribir una opinión para que otros puedan encontrarla. Y prometí no tardaré demasiado en crear mi siguiente parte de la serie y poner eso en línea, que va a estar en posproducción. Entonces si estás viendo esta clase y ya han pasado un par de meses desde que la publiqué por primera vez. Es posible que desee mirar alrededor en esa clase, podría estar disponible. Ahora, si no, se acerca pronto. Gracias por ver.