Produção musical com o FL Studio: componha e crie arranjos para sua faixa

1. Apresentação: O alcance é um conceito muito importante para entender em todas as formas de música, porque é assim que você vai do ponto A ao ponto B. Em última análise, é o fluxo de sua faixa, sua exposição, sua ação ascendente, seu clímax, sua conclusão. Meu nome é Dom McLennon. Sou músico, artista visual, produtor, ou talvez você tenha visto meu trabalho do Boy BrockHampton, também estive nos bastidores, ajudando todos os músicos e produtores a aprender mais sobre como eles podem se expressar como artistas criativos. O que vamos falar nesta aula é como você vai da introdução de sua música ao final de sua música. Realmente um componente central de seu verso em seu gancho, quebrando e sendo harmonia, melodia e como tudo isso desempenha um papel muito importante em suas produções. Depois disso, você entenderá melhor como a música funciona e encontrará maneiras de, por meio de composição e arranjo, pegar coisas que normalmente não funcionariam e juntá-las para fazer com que pareça algo completo. Se você ainda não teve nenhuma experiência musical, esse seria um curso incrível para você entender como essas coisas funcionam. Eu quero que você seja capaz de criar um loop e depois organizá-lo em uma playlist para que você possa dizer, ei, eu fiz essa batida. Vamos começar. 2. Decompondo um beat: Para começar nossa aula, vamos começar quebrando uma batida. Vamos falar sobre todos os componentes do que você normalmente ouviria como uma batida e o que você fará para recriar essas coisas dentro de sua própria estação de trabalho de áudio digital. A primeira coisa que você ouvirá tradicionalmente em sua batida será seu padrão de bateria ou seu padrão básico. Sua pista de chute servirá essencialmente como sua batida de apoio para tudo o que você colocar em cima dela. Se você dar um toque especial em cada batida de um bar, você vai usar uma forma tradicional de padrão de piso que ouvirá muito do seu tradicional. Discos caseiros, talvez alguns discos pop, coisas dessa natureza. Isso soa mais ou menos assim. [RUÍDO] Vamos falar sobre como a sincopação funciona dentro de uma batida para oferecer um pouco mais de variação em seu ritmo. Tradicionalmente, você pode ouvir um padrão de agitador ou um padrão de chapéu alto que soará assim em uma batida. [RUÍDO] Esse padrão de agitador não tem sincopação no momento, o que significa que não há variação no ritmo. Para adicionar um pouco de movimento a esse padrão rítmico, vou começar a mexer um pouco algumas notas. [RUÍDO] Estamos mudando isso um pouco. Já criamos um pouco de sincopação em nosso padrão rítmico. FL Studio e muitos outros programas têm um botão principal de natação que você pode alterar para obter um pouco mais de variação em sua batida. Esse botão giratório principal existe na parte superior do rack de canais dentro do FL Studio, no lado direito, próximo ao comprimento do padrão, ao editor gráfico e ao sequenciador de etapas. Se você seguir em frente e começar a mover um pouco esse botão giratório, ouvirá ainda mais sincopação entrar em sua batida. Vamos ver o que acontece. [RUÍDO] Isso não é um balanço. [RUÍDO] Vou começar gradualmente a adicionar mais swing enquanto ele está tocando. Também vou adicionar padrões de chute de quatro no chão, que vocês podem ouvir um pouco mais, como essa variação de apenas durante o resto da batida. O que pudemos fazer aqui foi entrar em nosso padrão rítmico e adicionar coisas como swing e sincopação para poder trazer um pouco mais de variação à nossa batida. Outro componente importante da redução da batida é a seleção do som, não apenas as amostras que você escolhe dentro da sua estação de trabalho de áudio digital para trabalhar, mas como você as manipula para poder influenciar os padrões das batidas que você está produzindo. Digamos, por exemplo, que entremos e criemos um novo padrão, faremos um padrão de armadilha tradicional com este. Vai soar mais ou menos assim. Isso soa como um padrão de armadilha tradicional, mas contém algumas amostras e sons de nossos outros trabalhos anteriores. Por causa disso, teremos que aumentar um pouco os sons para que ele se conceitue um pouco mais sobre como essa batida deve soar. Vou entrar e ver minhas fotos únicas, e vou encontrar um som que pareça um pouco mais em sintonia com o padrão que estamos criando. Vou trocá-los um pouco. Vamos ouvi-lo novamente e ver como é. [RUÍDO] Encontrei alguns sons que pareciam um pouco mais confortáveis e confortáveis com esse padrão rítmico com o qual eu estava trabalhando. Então eu os substituí, os lancei, mexi um pouco com eles. Essa é uma das coisas mais legais de parar o ritmo quando você começa a ouvir outras músicas que você está curtindo e das quais é fã, e começa a entender melhor como esses diferentes componentes da música funcionam. Você vai ficar tipo, uau, eu estou muito impressionado com a forma como eles organizam os padrões da caixa para garantir que a história seja contada nessa batida, ou oh uau, a forma como essa percussão segue voz desse vocalista é um momento tão especial que está acontecendo em uma música agora. Mas quanto mais você puder articular e entender como as batidas funcionam e dividi-las, você poderá entender e apreciar melhor a música como um todo enquanto aprende um todo enquanto a usar uma estação de trabalho de áudio digital. Agora vamos passar para a teoria dos grupos. 3. Definindo a teoria do ritmo: Agora que nos aprofundamos um pouco na derrota, a melhor coisa para o futebol seria essa coisa que eu gosto de chamar de teoria do groove. A forma como a teoria do groove funciona é, em última análise a maneira como seus microajustes dentro de seus padrões rítmicos fazem com que nossos corpos se movam ao som da música da maneira que eles fazem e fazem nossas cabeças não do jeito que eles fazem. Muito disso gira em torno de pequenas variações entre um chapéu alto, aquele momento tardio antes de uma caixa atingir, ou aquele momento inicial em que um tambor entra. Quando se trata de adicionar mais complexidade à produção em que você está trabalhando, acho que a teoria do groove e a ideia de ter um pouco mais de swing and bounce realmente lhe darão ainda mais controle sobre a sensação e o som de sua música. Agora que temos uma visão geral básica de como um conceito como a teoria do groove funciona, vamos vê-lo em ação dentro do FL Studio. Vou adicionar um novo padrão rítmico dentro do estúdio FL adicionando outra faixa de chapéu alto. Você ouvirá como soa um pouco reto e como não há muita sincopação acontecendo no padrão rítmico. Vamos adicionar um pouco de ranhura a isso simplesmente pegando um padrão muito normal e desviando-o da grade normal. Vamos entrar no Padrão 1 e abriremos nosso rolo de piano. Você acessará suas opções de snap, que estarão na parte superior da barra de ferramentas, esse ímã verde. Se você clicar no ícone magnético, verá todas essas diferentes opções de encaixe. Originalmente, ele será configurado em etapas. Esse é o seu padrão. Mude isso para nenhum. Você usará a opção “Selecionar” e escolherá tudo dentro da sua faixa de chapéu alto. Agora vamos clicar na ferramenta “Desenhar”. Podemos ampliar um pouco para ter um pouco mais de controle sobre isso e um pouco mais de precisão. Vamos, ele vai tirar isso um pouco da rede. A quantização é uma parte muito importante da teoria do sulco. Isso é o computador ser capaz de corrigir as imperfeições que normalmente existiriam dentro de uma gravação humana, mas o que estamos fazendo é adicionar novamente esse toque humano desquantizando e movendo coisas pela desquantizando e movendo coisas pela grade para podermos uma sensação diferente na pista. Isso adiciona um pouco de ritmo sutil. Vamos aumentar um pouco a aposta e mover alguns outros sons e outros instrumentos e desquantificá-los um pouco propósito para adicionar um pouco mais de ritmo ao nosso padrão. Por exemplo, esse acorde que estava tocando originalmente soou assim. Pode ser manipulado pegando alguns desses sons e apenas movendo-os um pouco fora da grade para que você quase tenha um efeito de chama. Isso versus isso. Apenas adiciona um pouco de variação ao que você está fazendo. Agora, quando eu movo isso um pouco nesta grade, isso começa a soar assim no contexto do resto da nossa batida. Você pode mover as coisas um pouco antes do ritmo. Você pode mover as coisas um pouco atrás do ritmo. É só uma questão de usar um pouco de toque e sensação para ver o que soa bem para você e o que parece certo para você. Essa é uma das coisas legais do groove, é muito subjetiva. Você sabe o que eu estou dizendo? Você pode ir para a esquerda para a grade quanto quiser ou para a direita para a grade quanto quiser. Tudo o que importa é que você se sinta bem com o que isso soa. Eu adicionei um pouco mais de sincopação a essa amostra de percussão que temos e ela adiciona muito mais força ao primeiro padrão. Isso tem um pouco mais de giro e reflexo com aquele pequeno som estourado ou som de tom, ou som percussivo, se você quiser, do que esse padrão. É disso que trata realmente a Teoria do Groove. É só encontrar aqueles pequenos sotaques esses toques e aqueles pequenos momentos em que você pode mover as coisas um pouco atrás do ritmo ou um pouco à frente do ritmo para ter uma sensação muito legal. Vamos usar essa forma tradicional de padrão de piso sobre a qual estávamos falando antes em nossa última aula. Vamos adicionar um pouco de sincopação a isso também, um pouco de ritmo mexendo com o som do agitador. Quando você adiciona esse aplauso, com um pouco de sincopação e atraso no agitador, isso só traz um pouco mais de ritmo a esse padrão mais tradicional. Então, quando você começa a adicionar mais e mais camadas intrincadas, você tem mais sincopação acontecendo dentro dessas camadas intrincadas, é quando você realmente começa a explorar como as coisas se sentem e soam. Agora que falamos um pouco sobre como a teoria do groove funciona e como sincopação e a quantização podem funcionar na programação de sua bateria, programando seus padrões rítmicos e suas melodias, eu adoraria ver alguns dos grooves que vocês criaram se quiserem compartilhá-los na galeria de projetos abaixo. A seguir, falaremos sobre harmonia e melodia dentro de sua estação de trabalho de áudio digital. 4. Descobrindo a harmonia e a melodia: Nesta lição, falaremos sobre harmonia e melodia. melodia será a sequência de sons que se juntam para criar um fluxo dentro da música. harmonia seria uma mistura de sons, então as harmonias consistem em acordes e progressões de acordes. A maneira como isso funciona dentro de sua estação de trabalho de áudio digital é que você programará acordes e melodias para poder sequenciar como todas essas coisas se juntam. Vamos abrir nosso estúdio e ver o que estamos construindo até agora. Se você observar alguns de nossos padrões, eles incluem harmonia e melodia em uma única faixa. O que vamos fazer é separar essas harmonias dessas melodias para que possamos ter mais controle individual sobre cada componente dos elementos musicais de nossa música. Por exemplo, vamos conferir o padrão 2 e soltar nosso instrumento musical que está tocando harmonia e melodia juntos. Vou duplicar nosso som. Vou colocar a melodia em uma faixa separada da harmonia. Dentro do nosso rolo de piano, vou selecionar as notas que consistem em nossa melodia. Vou recortar isso desse rolo de piano e colocá-lo em um novo rolo de piano para que fique em seu próprio lugar específico. Vou renomear cada uma dessas verificações como harmonia e melodia. Vou fazer a mesma coisa e fazer o padrão quatro também. Vamos selecionar nossa melodia. Vamos recortá-la da faixa de harmonia, abrir nossa faixa de melodia e colá-la dentro dela. O que isso faz é nos dar controle individualizado sobre os componentes de nossa música. Digamos, estamos vendo essa melodia e dizemos, eu quero acrescentar mais a isso. Agora, temos mais liberdade, porque é independente da harmonia. Você tem um pouco mais de espaço para brincar com ele. Vou escolher uma nota, uma nota raiz daqui. Nós acabamos de ver. E vou mostrar a vocês um pequeno truque de harmonia e melodia que aprendi com minha experiência e que uso quando se trata criação básica de melodias e básica de melodia, bem como compreensão de harmonia. Pegamos esse C, o que vou fazer é adicionar uma nota que está um passo inteiro acima. Então, vamos ouvir. Mais uma etapa inteira, uma meia etapa e uma etapa inteira, e o que isso cria é chamado de tetracorde. Esse tetracórdio na teoria musical básica são os componentes que compõem um acorde maior e um menor. Então, se você tirar a segunda e a quarta nota de um tetracorde, obterá um acorde maior. Agora, se você pegar sua segunda nota nesse acorde maior e baixá-la em meio passo, obterá um acorde menor. Com esses dois truques simples, você pode entrar e encontrar harmonia e melodia em uma escala básica maior e menor em qualquer nota Se você conhece o nó raiz, basta adicionar um passo inteiro, um passo inteiro, um meio passo e um passo inteiro. Vou usar os mesmos princípios para adicionar um pouco de variação à harmonia e à melodia da batida que estamos fazendo até agora e encorajo você a fazer o mesmo com a batida que está fazendo também. Outro truque que eu uso para melodia às vezes é escrever tetracordes no início do meu padrão. Isso me dirá quais notas eu posso usar que são essenciais e que eu posso usar para uma produção de melodia muito, muito básica. Agora que separamos nossa harmonia e melodia, podemos criar novos instrumentos para nossa harmonia e para nossa melodia, de forma que eles não estejam no mesmo campo sonoro. Outra coisa divertida com a qual você pode tocar e que gira um pouco em torno da melodia, especificamente do tom, é que você pode alterar o tom dentro de todas as suas amostras específicas, bem como o tom dentro do seu VSC. Há algumas maneiras diferentes de fazer isso, mas vou me concentrar especificamente no botão de inclinação do canal, que altera o tom de todo o canal em que você está operando. Vamos entrar em nossas melodias e harmonias de contato. Vamos mudar o alcance do nosso tom para que ele suba mais alguns semitons e, em seguida, vou falar sobre os dois da mesma forma, apenas para ver como soa quando esses instrumentos estão tocando quatro passos acima de onde estão atualmente. Agora que adicionamos um pouco de variação com a harmonia e a melodia, vou incentivar vocês mesmos a experimentarem. Veja se você consegue criar algumas pequenas variações e acréscimos com base em nossa compreensão de como a harmonia e a melodia funcionam. A seguir, falaremos sobre arranjos. 5. Criando arranjos musicais: Agora que reduzimos as batidas, conversamos um pouco sobre teoria de grupos, harmonia e melodia, agora a pergunta pode ser eu tenho essa batida ou esse pequeno loop de quatro compassos que fizemos, mas como faço para transformá-la em uma música ou como faço para transformá-la em uma seção de uma música? Vamos cobrir isso com um acordo. Enquanto examinamos os diferentes padrões que estamos construindo, o que eu gostaria de fazer é começar a separar alguns dos componentes individuais desses padrões para que possamos fazer com que eles sirvam como seções diferentes de nosso arranjo em nossa composição como um todo. Vou pegar alguns de nossos componentes de harmonia e melodia e isolá-los, criar seus próprios padrões separados para eles. Vou colocá-los dentro da playlist para que se tornem nossa introdução para o resto da nossa batida. O que estou fazendo agora é clonar cada padrão individual dentro do FL Studio que fizemos até agora e, nesses padrões clonados, estou removendo todos os componentes da bateria para que nossa harmonia e melodia existam isoladas em seus próprios padrões separados. Quando terminarmos isso, vou colocar isso em nossa playlist e, em seguida, as seções das quais isolei especificamente essas melodias e harmonias se tornarão a introdução de nossa batida. Agora estou abrindo nossa playlist, entrando em nosso arranjo, pegando tudo o que existia originalmente em nosso modo de música atual e estou mudando para mais quatro compassos, que vai me dar a chance seguir em frente e trazer aqueles novos padrões eu estava falando que têm apenas nossos acordes, nossa harmonia ou nossa melodia. Analisando esse intervalo, acho que pode demorar um pouco mais. Vou duplicar a introdução e garantir que isso nos dê tempo suficiente para adicionar um pouco mais de variação antes de entrarmos na bateria, o que eu consideraria o verso da nossa música. Deixe-me duplicar a introdução mais uma vez. Vou começar a adicionar alguns componentes diferentes dentro dele e, em seguida, também duplicarei nosso verso para que ambos tenham a mesma quantidade de tempo e estrutura agora. Construímos uma introdução de oito compassos e compramos versos de 16 compassos em nossa composição por meio de arranjo. Uma das coisas legais que você pode fazer é, digamos que você queira fazer um pequeno solo de teclado ou adicionar um pouco mais de sintetizador principal em algo assim. Agora, com esta introdução, você conseguiu criar um espaço para tocar em cima dele e adicionar mais contexto à sua história musical que está contando. Vou fazer mais algumas mudanças e adições dentro da introdução para dar algumas variações e algumas adições ao verso que construímos até agora. Estou passando por algumas coisas que são menos rítmicas, menos melódicas e mais texturais. Vou começar a adicionar algumas dessas texturas em nossa introdução e talvez adicionar um pouco de coisa ao fundo do nosso verso, apenas dê um pouco de profundidade e ambiente. [RUÍDO] Quando você está entrando nesse elemento de arranjo, você também pode começar a explorar o mixer. Com essa nova textura que adicionamos, vamos atribuir uma faixa de mixagem gratuita a ela pressionando Command L ou clicando no botão de faixa abaixo do canal. Você tem todas essas opções de diferentes plug-ins para adicionar mais texturas e profundidade, coisas como reverberações, equalizadores, compressores, limitadores e distorção. Esse mundo enorme se abre para você quanto mais você começa a mergulhar no design de som. Não vou falar muito sobre design de som nesta aula porque consideraria isso uma técnica de produção musical mais avançada, mas mostrarei o que o design de som pode fazer em arranjos para proporcionar uma paisagem sonora mais ampla. Vou começar mais alguns momentos ambientais na produção. Agora que exploramos um pouco de como um arranjo pode parecer, o que eu gostaria que vocês fizessem é pegar o que estão compondo até agora dentro do FL Studio em seus padrões individuais, seu loop de quatro compassos, quatro compassos, e transformá-lo em algo que tenha uma introdução e um verso, e então, se você estiver se sentindo muito ambicioso, vá em frente e tente explorar esse gancho também. Agora que falamos um pouco sobre arranjo, detalhando o que está incluído nele, falando sobre as introduções, os versos, os ganchos, o que faremos a seguir é falar sobre a amostragem dentro da composição para oferecer ainda mais variação em sua experiência de produção musical. 6. Sampling: Continuando nossa exploração sobre composição e arranjo, acho que uma coisa muito legal para mergulharmos em seguida seria amostrar dentro da Composição. Uma das perguntas que você pode até mesmo fazer é: o que é amostragem como um todo? amostragem seria recontextualizar uma obra que foi gravada e, em seguida, utilizá-la dentro de sua composição para criar mais variação, criar mais autenticidade, mais originalidade. Eu tenho alguns loops de percussão pré-construídos diferentes de mim e de alguns amigos que vou incluir na composição que temos até agora. Só para dar a vocês uma ideia de como essas diferentes variações podem funcionar dentro de suas batidas e como você pode usar isso para criar variações entre sua introdução, seu gancho, seus versos para fazer as coisas parecerem muito grandes e caras ou fazer com que as coisas pareçam um pouco mais moderadas. Em outra de nossas aulas, mergulharemos muito mais fundo no mundo da amostragem e exploraremos como a amostragem funciona, especificamente coisas como manipulação e alongamento do tempo, corte e todos esses tipos diferentes de coisas. Fica muito divertido. Mas o que vamos fazer agora é pegar algumas amostras diferentes que eu pegaram para adicionar alguma variação na composição que estamos construindo até agora. No momento, estou testando algumas amostras dentro do nosso arranjo, vendo como me sinto em relação a elas. Ver se eles são os que eu realmente quero usar ou não. Às vezes, você precisa ter um pouco de tentativa e erro quando se trata desse lado da produção. Pode ser divertido e às vezes um pouco entediante, mas tudo bem, o tédio faz parte do processo quando se trata de usar uma estação de trabalho de áudio digital. Enquanto estou testando todos esses loops diferentes, vendo como as coisas se sentem e soam para mim dentro dessa composição. Quando eu encontro um que eu goste, é quando eu sei, ok, legal. Estou provando isso. Vamos jogá-lo aqui dentro e depois nos dar mais espaço para brincar com a produção que estamos construindo até agora. Vou continuar explorando isso um pouco mais. Isso faz parte do meu componente favorito de amostragem dentro de uma composição, é apenas o lado da experimentação e, tipo, eu me pergunto o que acontecerá se ampliarmos isso e fizermos isso dobrar o tempo ou triplicar o tempo, ou deixarmos isso perfeitamente no ritmo, mas depois cortarmos metade para que usemos apenas parte dele. Estamos apenas examinando essa amostra que escolhemos agora, fazendo um pouco de design de som dentro dela para obter um pouco mais de manipulação no campo estéreo. Eu adicionei um pouco de atenuação e depois adiei essa amostra específica com a qual estamos trabalhando agora, para que ela traga um pouco mais de variação, um pouco mais de elasticidade à nossa produção. Ter algumas coisas tocando para frente e para trás no campo estéreo, quase fazendo uma pequena chamada e resposta com o resto da instrumentação. O que estou fazendo agora está dentro do verso, adicionei outro loop percussivo ao qual também vou atrasar um pouco a variação atrasar um pouco a variação , porque a amostra vem em cada três compassos da composição, apenas traz um pouco de variação à mistura. Oferece algo que o deixa um pouco alerta ou talvez seja algo que você queira ouvir com mais frequência, apenas trazendo esses diferentes tipos de momentos a música com os quais o ouvinte pode passar o tempo e curtir. Além disso, você também pode gostar de fazer, assim como o criador. Adicione um atraso, um phaser e o refrão a alguns dos outros sons que estavam dentro da nossa introdução, só para, como eu disse, dar um pouco mais de variação, pouco mais de variedade estéreo no campo estéreo com o qual estamos trabalhando. Acho que estamos em um lugar muito legal com isso agora. Estou muito feliz com isso. Eu adoraria que você pegasse alguns dos loops que adicionamos daqui recursos da classe e os colocasse em suas próprias produções, veja Veja como você pode mexer com a amostragem e a composição dentro de sua DAW e a mágica que você pode fazer acontecer. 7. Considerações finais: Aprendemos muito hoje sobre o que acontece na composição e na organização de uma estação de trabalho de áudio digital. Eu realmente adoraria ouvir algumas das composições e arranjos que vocês estão construindo, adicionar algumas contribuições dentro da galeria do projeto. Se você tem algo que acha que poderia ser uma introdução muito legal para uma música ou um verso legal para uma música, estou muito animado para ver o que vocês têm para nós. Te vejo na próxima , até a próxima.