Prepare seu discurso de vendas (e venda!!!) Seu romance gráfico: um guia para iniciantes sobre como conseguir ser publicado

1. Introdução: Você sempre imaginou andar pelo corredor de uma livraria e encontrar sua própria obra de arte olhando de volta para você? Se você é um criativo que acha que os livros são os melhores e sonha em um dia ver suas histórias impressas, essa aula é para você. Meu nome é [inaudível], sou um dos melhores professores aqui no Skillshare. Também sou ilustrador, autor e romancista gráfico. Foi há seis anos quando decidi definir minha visão em assinar um contrato de livro com uma das cinco grandes editoras. Houve muitos testes e tribulações ao longo do caminho, mas quando tudo foi dito e feito, eu publiquei meu primeiro livro com uma grande editora. Não só isso, mas eu tinha contado uma história que estava se conectando com jovens leitores, através de recomendações do New York Times, American Library Association e Junior Library Guild. O mercado de graphic novel está crescendo, pais, professores, bibliotecários, vendedores de livros em todo o mundo estão buscando essa forma única de contar histórias em quadrinhos para inspirar a próxima geração de leitores, então isso me pareceu o momento perfeito para compartilhar as lições que aprendi através de um curso abrangente tudo em um sobre como vender seu primeiro graphic novel. Esta aula é uma mistura de arte e negócios com base na minha própria experiência de publicação e uma paixão ao longo da vida por graphic novels. Mas eu realmente não poderia chamá-lo de um curso tudo em um só sem poder iluminar os segredos por trás do grande e velho mundo corporativo da publicação, então entrei em contato com agentes e editores com décadas de experiência no negócio de livros. Com a honestidade e o insight deles, posso dizer com confiança que esse é exatamente o tipo de curso que eu precisava quando eu estava começando todos esses anos atrás. A verdade é que as cinco grandes editoras são capazes de oferecer os melhores avanços e os melhores recursos criativos e insights que você poderia pedir, e as oportunidades estão abertas para criativos em todas as etapas de suas carreiras. Tudo o que você precisa são as estratégias de arremesso que compartilho nesta classe e um desejo inextinguível e ardente de cumprir uma ambição ao longo da vida de ver sua história encadernada nas páginas da humanidade maior tecnologia, o livro. Ou talvez seja apenas o seu dia de folga do trabalho e você pense, graphic novels são legais. O que quer que tenha trazido para a classe , fico feliz que esteja aqui, porque falar livros é minha coisa favorita a fazer, e acho que é hora de começarmos a trabalhar. [MÚSICA] 2. Visão geral do curso: Ei. Bem-vindo à aula. Obrigado novamente por se juntar a mim. Agora, se você já fez cursos meus antes, você sabe que eu gosto de me envolver no lado conceitual e criativo das coisas. Na verdade, esta será minha classe mais focada nos negócios. Isso porque é isso que a indústria de graphic novel é. É uma empresa, uma empresa em que uma empresa licencia o direito de publicar sua arte e história. Agora, para ter um editor interessado em fazer negócios com você, você precisa criar um discurso, refinar esse discurso com um agente e um editor e, em seguida, convencer o editor que sua história é vai ganhar dinheiro para eles. Essa é apenas a fria e dura verdade disso, que vamos quebrar com mais detalhes ao longo das outras lições deste curso. Esse é o negócio em suma realmente, mas é claro, para perseguir o objetivo de uma carreira criativa fazendo graphic novels, você tem que amar e apreciar verdadeiramente a forma de arte. Os primeiros capítulos deste curso são realmente projetados para familiarizá-lo com os mercados de graphic novels para jovens leitores. Esse é o mercado em que meu trabalho está, então esse é o ponto de vista do qual vou falar. Vamos falar sobre o meio em si, o que faz uma ótima novela gráfica, alguns dos detalhes do mercado e quem são os mais vendidos que estão convencendo as crianças de que os graphic novels são legais de ler. Meu objetivo geral aqui é ajudá-lo a se familiarizar com as realidades do mercado de graphic novel e ajudá-lo a encontrar seu lugar nele. Agora, além desta introdução ao mundo dos graphic novels, e conhecendo um monte de grandes artistas e autores que já estão estabelecidos e por aí, estaremos aprendendo os elementos de um campo e como montar um sucesso para, espero, dia conseguir um acordo com o livro. Você pode ser tão casual ou ambicioso quanto quiser com este projeto de classe. Quero ser capaz de atrair todos os tipos de alunos. Dito isso, vamos começar por familiarizar com os elementos essenciais de um campo eficaz, incluindo projetar uma história, desenvolver personagens, criar um esboço de enredo, criando algumas páginas de amostra. Seu projeto de classe pode ser tão simples quanto compartilhar um pouco de uma história e um pouco de amostra de arte, ou pode ser tão aprofundado quanto um esboço completo de sua história, desenhos de personagens e arte de amostra. Levarei seu trabalho tão a sério quanto você gostaria e oferecerei qualquer feedback que você quiser para ajudá-lo a se aproximar do seu objetivo, seja isso apenas criando um projeto divertido para uma tarde e conseguir um polegar para cima, ou realmente desenvolver um discurso que vai chamar a atenção de um agente e, espero, um dia um editor em uma das cinco grandes editoras. Agora, antes de avançarmos, quero ter certeza de que você entenda que este é um curso sobre lançar um livro, conhecer uma história, criar um pouco de amostra de arte e envolver nossa dirija-se ao redor do que queremos fazer se tivermos a oportunidade de criar uma graphic novel. Fazendo graphic novels, esse é um curso diferente que estou chegando em breve. Recebi muitas anotações sobre isso agora, mas hoje, isso é tudo sobre conseguir um negócio de livros e entender o que é o mercado e o que precisamos criar para encontrar um lugar nesse mercado. Dito isso, vamos começar a dar uma olhada cada vez mais de perto o que realmente é um tom. 3. O passo: A grande questão do dia é o que exatamente é um discurso de graphic novel? Agora, aqui está minha definição a partir da minha própria experiência, da pesquisa que fiz e das pessoas com quem conversei. Um discurso de graphic novel é uma coleção de materiais gerados por você, o criador, que são passados para um editor em uma editora tradicional. Eles usam esses materiais para apresentar seu livro durante uma reunião de aquisição e espero garantir uma oferta de livro. Um discurso abre muitas portas e eu não preciso convencê-lo de que se você assistiu até aqui, é uma parte muito importante do processo criativo e há muitos negócios envolvidos nele. A boa notícia é que, no reino da publicação tradicional, na verdade, há uma lista bastante clara de coisas que você precisa incluir com seu discurso que será universal as editoras Big Five que vamos cavar um pouco mais no próximo capítulo. Cada coisa nesta lista precisa responder a uma pergunta muito específica. O editor e o editor precisam saber se vão considerar adquirir seu livro. Agora, meu editor atual da Little Brown Publishing, Andrea Colvin, vai surgir muito ao longo deste curso. Eu queria realmente puxar para trás a cortina sobre o negócio de lançar um romance gráfico. Claro, eu só conheço o meu lado disso, Andrea conhece o lado dos negócios e ela foi legal o suficiente para me dar mais três horas de seu tempo para lançar alguma luz sobre esses tópicos. Vou citá-la aqui e ali. Eu só gostaria de agradecer a ela e muito do conteúdo que tenho neste curso veio do tempo que passamos conversando e trabalhando juntos. Aqui está o grande takeaway que recebi dela e de toda a nossa conversa. Andrea diz que quando adquire um arremesso, o que ela realmente está fazendo é “Comprando o sentimento da visão do criador para seu livro”. Comprar um sentimento não é comprar um produto acabado. Um editor quer ver o potencial de um ótimo livro que eles podem ajudá-lo a criar um best-seller. Agora vamos ver todas as coisas que um editor espera ver em um discurso profissional. Primeiro, eles vão olhar para o campo em si. Isso responde à pergunta, sobre o que é a história? É apenas um pequeno parágrafo que resume sua história em quatro ou cinco frases. Em seguida, na lista, está o produto. Esta é a parte da pesquisa do campo, responde à pergunta, onde sua história se encaixa na prateleira de uma biblioteca ou livraria? A pesquisa que você vai fazer aqui será especular sobre o público e o gênero que se adequam ao seu livro. Você está fazendo um graphic novel de nível médio sobre magia e amizade? Você está fazendo um romance gráfico para jovens adultos sobre um romance sobrenatural de verão? O editor precisa vender o editor sobre onde seu livro pode se encaixar em um mercado pré-existente. Esse é o lado comercial das coisas com as quais você precisa se familiarizar. De volta à história, a próxima parte desta lista é o esboço. Isso responde à pergunta, qual é o enredo deste livro que você quer fazer? O esboço de uma maneira muito clara e concisa identificará personagens principais, seus arcos de história, e garantirá ao editor que você, o criador, tenha um senso claro de um começo, um meio, e fim de sua história. Lembre-se que isso é apenas um esboço, é como a silhueta da sua história. Ele mudará e crescerá à medida que você desenvolver o projeto junto com seu editor. Em seguida, mostramos ao editor uma olhada em nossos personagens. Isso responde à pergunta, são os personagens da história como são os personagens da história e o que eles representam? Estes são basicamente desenhos de arte conceitual que mostram os personagens principais da sua história e talvez insight de alguns dos momentos destacados do seu esboço. Por último, mas certamente não menos importante, é a amostra de arte para o seu campo. Andrea diz que isso pode ser definido como uma propagação de duas páginas de uma cena de amostra da história que você quer contar. A arte da amostra realmente mostra sua estética. Ele destacará sua narrativa de arte sequencial revelando o layout, a arte da linha, o idioma, cor e as letras do seu livro em potencial. Não importa o quão bem sucedido você tenha sido em sua carreira, toda vez que quiser criar um novo livro, você tem que gerar um discurso que seja apenas parte do sistema. Não há atalho aqui. Acho que isso é ótimo porque o discurso que você cria realmente ajuda você a chegar ao cerne da sua história. Quando você vai finalmente fazer seu livro, o que pode ser um longo esforço, você já está super focado no que está tentando dizer e como está tentando dizer isso. Agora, esta aula vai estar cheia de muita informação. O que eu recomendo fazer é fazer anotações e fazer esboços enquanto estou falando para ajudá-lo a criar impulso sobre qual será o seu discurso. 4. Os cinco grandes: O graphic novel é um meio de arte que vem estabelecendo rapidamente um lugar no mercado editorial tradicional desde o final dos anos 80, início dos anos 90. Agora, acho que a melhor coisa sobre esse negócio é que ele está sempre procurando novas vozes. Dito isso, sua história é o aspecto mais importante do seu discurso. Mas também saber o que as cinco grandes editoras estão colocando no mercado pode realmente ajudá-lo a criar essa história uma forma que responda a uma das grandes perguntas, onde o seu produto sentar na prateleira? Lembre-se, este é um negócio e, para vender um livro, você precisa criar algo que se encaixa em outros títulos. Agora, as cinco grandes editoras são Hachette, HarperCollins, Simon & Schuster, Macmillan e Penguin Random House. Por que estou colocando tanto foco nessas corporações gigantes? Bem, para ser honesto, é porque eles são os mais influentes e trabalhar com eles pode ser extremamente benéfico para você, o criador. Esses editores podem oferecer os maiores avanços, ser recursos criativos excepcionais em termos de fornecer ótimos editores e diretores de arte, eles oferecem o melhor marketing e a mais ampla distribuição. Isso não é para derrubar editores independentes. Adoro muitos editores independentes e você pode ter uma ótima carreira nesses espaços e, claro, você não vai necessariamente ficar rico e famoso só porque trabalha com um dos cinco grandes. Só estou dizendo que eles oferecem muito apoio para você construir uma carreira. Agora você pode não estar vendo esses logotipos em todos os graphic novels da biblioteca ou livraria. Isso porque cada um desses cinco grandes tem suas próprias impressões de graphic novel que publicam quadrinhos para leitores de médio grau e jovens adultos. Algumas das grandes impressões incluem Graphix da Scholastic, First Second, HarperAlley e Little, Brown Young Readers. Agora, os cinco grandes publicam todos os tipos de gêneros, incluindo fantasia , ficção histórica, memórias e romance. Mas a partir da minha pesquisa e das minhas conversas com Andrea, o mercado de romance gráfico de jovens leitores com o maior crescimento é descrito como histórias contemporâneas para jovens leitores ou caudas de jovens modernos amizades, também conhecidas no negócio como histórias escolares. Histórias que atraem uma ampla gama de jovens leitores. Estes são livros nos quais crianças e jovens adultos podem se ver. Histórias contemporâneas podem incluir elementos de gênero como livro de memórias, realismo mágico, aventura de fantasia, horror, ficção científica e, novamente, romance. Tudo pode fazer parte desse estilo de contar histórias. Por exemplo, os livros que estou criando atualmente com Little Brown são contemporâneos de grau médio, mas também têm sabores de ficção histórica, horror e mistério. Agora é provável que seu livro seja uma história muito diferente dos livros que eu faço. Mas vou falar de um ponto de um ponto comum aqui para que possamos nos concentrar em histórias projetadas para inspirar e ser representativas do jovem leitor moderno. Agora vamos ver alguns dos livros reais que esses jovens leitores estão tirando das prateleiras. 5. O mercado / leitores rápidos: Agora, para ajudá-lo em sua própria pesquisa do mercado, estou em um toque em alguns dos grandes players no espaço atual de graphic novels contemporâneos para jovens leitores. Livros que eu realmente admiro que me inspiraram e também têm um grande impacto no que será o futuro deste mercado. Vamos cronologicamente dos leitores mais jovens para jovens adultos, porque acho que isso lhe dará uma ótima noção de como o estilo de contar histórias evolui com a alfabetização dos leitores. No mundo ocidental, os Estados Unidos de onde eu tiro a maior parte da minha experiência de vida, graphic novels são um novo espaço para professores, pais e jovens leitores se envolverem. Nos anos 80, quando eu era criança, esse mercado realmente não existia. Sim, havia coleções de quadrinhos de super-heróis, e havia Will Eisner e havia Alan Moore e algumas dessas grandes figuras de arte cômica entrando no espaço da graphic novel, mas o mercado realmente não tinha um ponto de entrada para crianças e jovens leitores. Na verdade, eu realmente acho que é o trabalho da série Capitão Underpants de Dav Pilkey que tem animado jovens leitores sobre a forma de arte em quadrinhos. Eu acho que seus livros em atividades em sala de aula e toda a mídia em torno dos romances que ele escreve seu realmente criou uma geração de crianças para se tornar alfabetizadas em quadrinhos e vê-lo como uma forma de arte que é adequado exclusivamente para que eles leiam e interajam. Agora vamos ver como o mercado define uma novela gráfica. Está combinando o termo gráfico com o mercado bem estabelecido do romance. A novela gráfica é definida como uma longa narrativa de forma que lida frequentemente imaginativamente com a experiência humana por meio de uma cadeia contínua de eventos relativos a vários personagens em um ambiente particular. Nesse caso, ele está usando arte sequencial para contar essa história e está mostrando na estética de painéis desenhados à mão, elementos ilustrados no texto. Um romance gráfico pode parecer muito pessoal. É quase que foi extraído de um diário. Os artistas geralmente estão trabalhando com cerca de 60% de sua capacidade causa da quantidade de trabalho que precisa desenhar um romance gráfico, você não pode renderizar todos os painéis com altos níveis de detalhes. Eu acho que isso realmente vai um longo caminho para ajudar o leitor a sentir que eles se conectam com a arte e quase conseguiram realizá-la sozinhos. À medida que os graphic novels crescem em popularidade, novos cantos do mercado se abrem. Neste momento, na primavera de 2022, quando estou gravando isso, uma primeira introdução aos novos leitores a graphic novels pode acontecer assim que estiverem prontos para reservar um livro de imagens. Neste espaço no mercado realmente decolou por volta de 2020, e é referido como o mercado inicial de graphic novel. Minha editora Andrea, diz que são livros para crianças de 6 a 8 anos que acabaram de se formar na leitura de coisas como Mo Willems, Elephant in Piggy. Atualmente, o grande vendedor neste mercado é a série de livros de Ben Clanton, Narwhal e Jelly. São histórias centradas em animais com formas geométricas atraentes e seu design de personagens e texturas que lembram livros infantis. Agora, os livros de Ben Clanton usam a estética dos livros ilustrados infantis, mas formatados em arte sequencial. Isso é painéis e bolhas de fala, geralmente o quadro e é bastante simples. O rosto do personagem para fora na platéia, vemos de um a três a quatro painéis por página. O texto é bastante grande e claro de ler e expressões faciais são muito simples e diretas. Personagens geralmente são felizes, tristes, confusos sem muita variação e expressões sutis. Tudo está praticamente na superfície. Os livros estão em torno de 60 a 80 páginas. por isso que esse mercado está explodindo, porque embora eles exijam muita arte em termos de simplificação de uma história para atrair esses públicos jovens, eles podem ser criados muito mais rápido do que um grau médio ou um romance gráfico para jovens adultos. Owly se encaixa bem no mercado com Captain Underpants e Dog Man como o que é chamado de livros iniciais do ensino médio. Por leitores de oito anos que procuram ser desafiados por histórias mais longas de uma gama mais ampla de gênero com mais sutileza e complexidade para suas narrativas. A série Owly de Andy Warhol apela a um leitor um pouco mais alfabetizado. Owly é um personagem com um senso mais profundo de si mesmo e um estilo ilustrativo mais complicado. Owly é um protagonista, é capaz de executar uma gama mais ampla de emoções, graças ao estilo de arte de linha de desenho animado. Os ambientes são muito mais ricos em como são renderizados. Temos luz e sombra, o que pode percorrer um longo caminho para adicionar complexidade emocional a uma história. Os personagens secundários também são muito mais interessantes. As séries Pea, Bee e Jay de Brian Smitty Smith são romances gráficos curtos para crianças de 6 a 10 anos. Ao contrário de Owly, eles têm um amplo estilo de desenho animado para eles. Suas histórias de identidade se encaixam no tropo feio de contar histórias de patinho. Com esses primeiros livros do ensino médio, os artistas são capazes de introduzir o enquadramento e o ponto de vista de uma forma que os livros de Narwhal e Jelly não são. Podemos ter momentos de silêncio onde um leitor é solicitado a interpretar parte da narrativa através das expressões faciais dos personagens. É necessário muito mais engajamento do leitor com esses livros. 6. O mercado/grau médio: Agora, do outro lado do primeiro grau médio, temos o grau médio superior. Esses livros visam leitores de 8 a 12 anos, e a contagem de páginas aumenta para cerca de 250 a 314 páginas em média. É um salto significativo no potencial para contar histórias, a quantidade de investimento do criador e o investimento de valor do leitor. Você notará que a estética realmente muda quando você entra no nível médio superior em geral. Agora, os personagens têm proporções mais humanistas e são muito mais representativos das pessoas do mundo real do que o desenho animado é o estilo do primeiro grau médio. É aqui que entramos em livros onde queremos que as crianças se vejam na história. Agora, com essa maior contagem de páginas, podemos contar histórias que são semelhantes a algo você veria em um filme de animação como em três atos traçando estrutura e arcos de personagens dinâmicos realmente satisfatórios. Agora, é claro, ainda há espaço para uma realidade aumentada e ação extremamente boba e caricata no alto grau médio. Mas, em sua essência, estamos olhando para esses livros como retratos realistas da vida jovem contemporânea, mesmo que eles estejam em uma galáxia muito distante ou em uma civilização antiga. Por enquanto, apenas para nos fundamentar, vamos dar uma olhada em dois livros contemporâneos populares que apresentam crianças modernas relacionáveis e o que é conhecido como uma história escolar. New Kid by Jerry Craft foi publicado em 2021. É o primeiro graphic novel a ganhar o incrível Newbury Award, que é realmente um grande negócio e vai realmente mudar o que o mercado de graphic novels de grau médio daqui para frente. Na verdade, minha editora Andrea trabalhou em um rascunho inicial deste livro com Jerry Craft, e mesmo que ela não tenha chegado a publicar, ela tem algumas palavras muito gentis a dizer sobre este projeto. Os editores apoiam a indústria como um todo, mesmo que não consigam ter seu nome no livro, isso é encorajador ouvir. Agora New Kid é uma história de chegada da maioridade sobre um menino chamado Jordan que vive com sua família no bairro de Washington Heights. Este é um verdadeiro bairro da cidade de Nova York no norte de Manhattan. O livro segue Jordan quando ele começa em uma nova escola e ele aprende a lidar com a dinâmica em mudança de suas antigas amizades e dessas novas crianças que ele está encontrando nesta escola privilegiada privada. O livro tem um elenco diversificado de personagens e relacionamentos jovens realmente complicados que são tratados uma maneira sutil que você pode não necessariamente pegar na primeira leitura. Cada relacionamento que ele encontra mostra outro lado da vida de Jordan e como ele tenta se encaixar enquanto também luta para ser ele mesmo e outra história de identidade. Esta não é uma premissa incomum, é claro, você provavelmente já leu muitos livros como este. Mas o que o torna único é estilo Jerry Craft de contar histórias. Ele tem uma estética ousada que para mim lembra tiras de quadrinhos de jornais como Curtis e até mesmo os circuitos familiares em algum grau. New Kid é certamente uma história pessoal, mas você não pode exatamente chamá-lo de livro de memórias. Vejamos um exemplo disso neste mercado. Apenas Pretend by Tori Sharp tem um protagonista de 12 anos como New Kid, mas você notará que o nome do autor no nome do personagem principal corresponde. Podemos chamar isso de livro de memórias, e é uma história tirada diretamente de sua jovem vida. Como eu sei disso? Bem, eu sou amigo dessa autora e organizei a festa de libertação dela. Eu tive um monte de visão sobre como ela contou essa história, o que foi super legal porque eu realmente acho que Just Pretend fala para um verdadeiro nível de alfabetização de jovens leitores no reino dos romances gráficos. Tori divide sua narrativa através dois aspectos do ponto de vista do desenho animado Tori. Às vezes estamos vendo Tori trabalhar através dos efeitos do divórcio bagunçado dos pais dela na vida real. Mas para escapar desse drama, também saltamos para a imaginação dela, onde vemos a história que ela está contando e temos uma personagem que está buscando estabilizar sua vida usando sua imaginação. É essa abordagem da narrativa de desenhos animados que recompensa o jovem leitor por voltar e ler o livro pela segunda vez, o que é algo muito fácil fazer com graphic novels porque eles não são tão pesados quanto um romance tradicional. Agora nem sempre é o caso que o artista e escritor de uma graphic novel ou a mesma pessoa. Vejamos uma colaboração bastante popular. Este livro é chamado When Stars Are Scattered, título muito grande, é de Victoria Jamieson e Omar Mohamed. O livro é finalista do National Book Award e é um livro de memórias sobre vida de Omar com seu irmão mais novo Hassan enquanto eles crescem em um campo de refugiados. A história é contada através do ponto de vista de Omar e sua vida como um ex-refugiado somali. Durante esse tempo, o pai de Omar foi morto e ele foi separado de sua mãe. Esta é uma história muito pessoal, inspiradora e importante. Ouvi Victoria Jamieson falar sobre trabalhar neste livro e os desafios de tentar contar a história de outra pessoa através de sua própria obra de arte. Acho que ela fez um ótimo trabalho e os leitores parecem concordar. Agora isso está em seu primeiro livro, ela construiu uma grande reputação para si mesma e contando suas próprias histórias mais pessoais que é a autora best-seller de Roller Girl e All's Faire In Middle School. Acho que este livro é um ótimo exemplo de como as crianças podem ter a chance de se envolver com histórias muito importantes, tiradas das notícias ou da história recente e ter empatia com essas pessoas que lhes contam. graphic novels são um espaço criativo perfeito para se comunicar com jovens leitores. Agora vamos dar uma olhada em algumas das características gerais dos graphic novels de grau médio. Há essa regra na publicação que um jovem leitor quer ler sobre crianças que eram mais velhas do que elas. É por isso que uma das diretrizes mais rígidas do mercado de grau médio é que os personagens principais das histórias sejam envelhecidos em torno de 10 a 13 anos de idade. Dessa forma, leitores de 8 a 11 ou 12 anos podem olhar para esses personagens e estar um pouco mais focados em seus arcos de história, e esses arcos da história geralmente são enquadrados através de conflitos baseados em conflitos em torno do mundo imediato dos personagens e sua relação com ele. Essas histórias geralmente são centradas no ponto de vista do personagem , com muita ação externa e auto-reflexão mínima. os personagens estão sempre avançando e pensando e agindo em rápida sucessão. Pessoalmente, acho que a estética de grau médio tem uma doçura geral ao seu estilo visual e de contar histórias, um pouco de inocência que alivia o humor um pouco. Mas é claro que não devemos julgar livros por suas capas ou dar uma olhada rápida em suas obras de arte. Livros de grau médio estão no seu melhor e são recompensados por serem histórias honestas e inspiradoras em igual medida. 7. O mercado /adultos jovens: Onde termina o grau médio superior e o adulto jovem começa? A resposta é, é uma área cinza. Talvez uma boa maneira de entender a diferença entre esses dois mercados, seja olhar para um livro de grau médio e um livro do YA do mesmo autor. The Witch Boy, de Molly Ostertag, tem um protagonista que tem 13 anos. Já estamos empurrando o mercado de nível médio, e é uma história que se passa em um mundo de fantasia high-end. Para mim, o aspecto de construção do mundo, a maneira como ela o usa para falar sobre personagem, dá ao livro uma experiência de leitura mais profunda do que o habitual livro de fantasia de grau médio. Enquanto os três livros da série Molly's, Witch Boy, são de grau médio, seu livro que vem depois, The Girl in the Sea, é definitivamente categorizado como YA. Esta é uma história sobre romance e amor jovem, e o romance é definitivamente um não-não na série média. Sim, você pode ter uma queda e você pode ter um beijo inocente em um livro de grau médio, mas você não pode explorar romance, temas de amor, sexualidade e paixão da maneira que você pode jovem adulto. Do ponto de vista do marketing, é aí que a linha é desenhada. Conheci crianças que têm oito anos lendo jovens adultos? Sim. Conheci jovens adultos que lêem livros infantis? Sim. As pessoas podem ler o que quiserem. Mas o que estamos falando aqui é a forma como as pessoas nas reuniões que precisam decidir sobre técnicas de marketing, e quanto dinheiro dar a um autor, decidem onde as categorias quebrar. É importante saber isso porque eles são os guardiões no final do dia. Mas tenha sempre em mente que, uma vez que você passar por esses portões, você pode fazer o que quiser para colocar seu livro nas mãos dos leitores que apreciarão as histórias que você quer contar. Agora vamos dar uma olhada no que significa ser um graphic novel YA. O YA tem uma gama muito ampla de tons disponíveis para ele. Falamos sobre como o grau médio tem uma doçura e inocência a ela. YA começa a se aprofundar em temas mais sombrios como abordar a depressão completa, abordar o amor completo e abordar a sexualidade. YA também pode ter uma abordagem mais complicada para a narrativa. Os personagens podem ser mais internos e ambíguos. Emoções elevadas podem realmente chocalhar as gaiolas dos leitores, se você quiser. Os livros do YA podem ser politicamente desafiadores de maneiras que o grau médio, realmente como um mercado no sistema atual, simplesmente não consegue. Lembro-me de quando descobri chinês nascido americano de Gene Luen Yang por volta de 2007, quando o livro foi lançado pela primeira vez. É uma história bastante inesquecível sobre a busca de identidade, mas me enganou no início porque realmente parece que é um estilo de arte adequado para crianças. Mas a história de Yang é bastante complicada, e ele tem uma abordagem realmente única para a narrativa, que a instala na categoria jovem adulta moderna. A história é contada através de três personagens diferentes, o Rei Macaco, Gene Yang, e Danny, alter ego de Gene e o livro percorre esses três pontos de vista narrativos. Chinês nascido nos EUA, muitas vezes vejo emparelhado com livros como Persepolis e Fun Home, memórias que têm uma abordagem realmente confiante e única para contar histórias. Eu considero essas coisas tudo YA. Um livro mais recente, The Magic Fish é uma história semi-autográfica escrita e ilustrada por Trung Le Nguyen, publicada em 2020. O romance começa com a história de 12 anos [FOREIGN], um adolescente vietnamita americano de segunda geração que ajuda sua mãe aprender inglês através de contos de fadas. Estou destacando este livro porque, à medida que aprendemos mais sobre o personagem principal, vemos essa mistura da fantasia no mundo real e como esses contos de fadas capacitam nosso protagonista a ser eles mesmos. É um ótimo exemplo de como a estética em mudança pode criar uma narrativa ainda mais envolvente, algo que só pode realmente ser feito com o graphic novel. Este Verão de Mariko Tamaki e ilustrado por Jillian Tamaki foi publicado pela 1ª, 2º em 2014. Outro livro que me lembro de descobrir e ser surpreendido. Este talvez seja um dos meus livros favoritos de todos os tempos. É ambientado durante os dias quentes de verão em uma pequena cidade de praia chamada Awako, e a história segue dois adolescentes e amigos ao longo da vida, Rose e Wendy, enquanto eles se encontram no meio das histórias de outras pessoas, na verdade. Eles estão lidando com dinâmicas familiares desafiadoras; deficiência mental, sexualidade, drama adolescente, todos os tipos de drama. Rose é 18 meses mais velha que Wendy. Quando eram mais jovens, não parecia importar tanto. Mas essa história faz um ótimo trabalho de colocar em perspectiva, aquele momento de chegada da idade, onde a diferença de idade realmente começa a importar à medida que você se reconecta com pessoas que você não viu ao longo de um ano letivo inteiro voltando e vendo um ao outro desenvolvendo personalidades distintas que podem quase estar em conflito. Esta é uma história realmente sobre Rose se sentir como se estivesse superando Wendy, mas também insegura de onde sua vida está indo a seguir. Você pode contar que esta é uma história para leitores mais velhos. Tem mais temas adultos, ou pelo menos temas adolescentes. A arte também dá essa impressão. O design de personagens caricata é uma reminiscência de romances gráficos mais jovens, mas a estética que Jillian usa é realmente influenciada pelo impressionismo e tem apenas uma relação mais madura com a arte visual, especialmente no enquadramento e nos momentos de silêncio. Aqui está uma das minhas páginas favoritas realmente. Você pode ver que o mundo está muito mais aterrado, mais sombrio. Este livro é especial para mim, e é muito especial para a cultura de graphic novels também. É conhecida por fazer a lista dos 10 livros mais desafiados da American Library Association 10 livros mais desafiados duas vezes. Isso é bastante impressionante ser banido duas vezes. Agora este livro também ganhou, a medalha Caldecott e foi reconhecido como o livro ilustrado americano para crianças no ano em que saiu. Sempre haverá pessoas que querem censurar e banir livros que desafiam sua visão de mundo ou não se alinham perfeitamente com seus valores, mas felizmente, há muito mais pessoas em o mundo que quer defender esses livros. A última vez que verifiquei, This One Summer, ainda é um best-seller. Ser corajoso com suas histórias valerá a pena. Tenha isso em mente. 8. O mercado/novas vozes: O mercado de graphic novel sempre foi sobre descobrir novas vozes e compartilhar histórias não contadas. Por último, mas não menos importante nesta parte da nossa conversa, quero compartilhar um único livro com você, o livro onde tudo começou. Flashback para 1986 quando Pantheon Books, uma marca pertencente à Penguin Random House, publicou a coleção de 296 páginas da banda desenhada em série Art Spiegelman, Maus. Este livro é a história verdadeira ilustrada da experiência de Vladek Spiegelman durante a Segunda Guerra Mundial, conforme contado por seu filho, Artie. É um documento histórico contado através do enquadramento de um livro de memórias sobre um pai e seu filho. A forma como Spiegelman usa a arte em quadrinhos para contar uma história romancista virou muitas cabeças. As pessoas no mainstream nunca tinham realmente lido um quadrinho. Isso foi publicado em um zine subterrâneo, e o Pantheon estava trazendo-o à luz das livrarias convencionais. As pessoas começaram a comprá-lo e os professores começaram a compartilhá-lo com seus alunos, e conversas foram feitas sobre isso e trabalhos de tese foram escritos sobre isso. Em 1992, Maus ganhou o Prêmio Pulitzer, e é aí que começamos nossa história porque com o sucesso de Maus, outras grandes editoras entraram no negócio de graphic novel. Foi provado que isso poderia ser feito. Maus continuou a crescer em popularidade e continuou a ser banido. [RISOS] em algumas comunidades. Este é um ciclo sem fim, aparentemente para histórias que não são para todos. Mas a abordagem estilística de Spiegelman à narrativa teve um grande impacto nos contadores de histórias que vieram atrás dele. Além disso, o que os editores esperam ver e o bar em que podemos aspirar como contadores de histórias. Dos personagens antropomórficos de Spiegelman, suas metáforas visuais caricaturas, suas narrativas em camadas de histórias dentro de histórias, sua meta reflexão através da arte cômica sobre eventos históricos, o sangue de Maus está fluindo por cada romance gráfico que vemos hoje. Em conclusão, uma compreensão do mercado vai ajudá-lo a aspirar a ser um grande contador de histórias e também encontrar um lugar onde seu campo possa caber. Faça o possível para responder a uma das maiores perguntas do campo. Onde essa história se encaixa na prateleira? Qual é o seu produto? Acredite em mim quando digo, o mercado ainda está explodindo com diversidade e os cinco grandes editores estão trabalhando extremamente duro para pegar todas as grandes histórias do nosso tempo. Embora seu primeiro discurso possa não ser aquele que lhe dá esse negócio de livros, para seguir essa jornada, você realmente precisa acreditar que há um lugar para você no mundo da publicação e deixar o de livros como This One Summer e New Kid and Maus inspiram você a seguir sua própria história onde quer que ela o leve. Tenho certeza que haverá leitores esperando para conhecê-lo lá. 9. Processo de céu azul: Agora falamos sobre um monte de outras histórias de criadores e você provavelmente está se perguntando, que história eu quero apresentar? Bem, segure sua resposta sobre isso por um segundo. Vamos apenas apreciar esse momento aqui. Agora, estamos no quê? Os criativos chamam o estágio do céu azul do processo. É um momento em que literalmente tudo é possível. Deve parecer exatamente assim. Imagine-se deitado na grama em um dia quente de verão olhando para o céu. O céu é muitas coisas, mas não é uma página em branco. Há sons ao seu redor. Insetos cantando, galhos esfregando uns contra os outros, ventos se movendo pela grama e as nuvens estão constantemente se acumulando sobre sua cabeça. Ideias flutuando sobre esse céu azul é toda boa ideia você teve que tomou um pouco de forma e deixou alguma impressão em você. Algumas dessas nuvens têm uma forma mais clara do que outras, mas todas elas simplesmente estando lá têm algo que provocou sua imaginação de uma forma ou de outra. Agora começar um discurso de livro não é sobre olhar para uma página em branco e se estressar sobre o que desenhar, não se trata de gerar algo do nada, é sobre você aprender a ver e entender tudo o que fez de você quem você é. Se você estiver aberto a essas ideias que passam pela sua mente, as histórias inevitavelmente começarão a se formar nos olhos da sua mente. Você verá a forma de um personagem, uma configuração, um momento especial, um objeto especial. Para ser um bom contador de histórias, você precisa aprender a ficar quieto, ouvir as memórias e ouvir sua imaginação porque tudo está constantemente sussurrando ideias para você. Ideias que podem formar o início de seu primeiro graphic novel. Agora que sua cabeça está cheia de nuvens espero, vamos começar a tomar algumas anotações. Estamos procurando algo que possa ser um bom argumento para um livro, uma história que possa se expandir e crescer à medida que você o explora, e deixá-lo começar com algo simples. Uma foto favorita de todos os tempos em que você aparece com seus amigos e sua família, uma obra de arte histórica que não vai deixar sua mente. Talvez um artigo de notícias que você leu que mantém em um álbum de recortes, um momento de um conto de fadas que aparece na sua cabeça sempre que você está prestes a adormecer, uma música que o leva de volta a um tempo e lugar, uma amizade que precisa ser celebrada, uma perda que precisa ser processada ou uma mensagem que precisa ser compartilhada com o mundo. Como contador de histórias, como me mantenho aberto ao processo do céu azul? Bem, eu uso meu telefone, é claro. Eu me mando anotações constantemente. Podemos estar dirigindo para um restaurante, eu poderia estar passeando com meu cachorro, eu poderia estar sentado e assistindo um filme e diga a mim mesmo, ei, eu adoraria saber mais sobre isso. Para mim, é quando sei que vale a pena colocar uma ideia, quando estou curioso sobre saber mais. Minha caixa de entrada está cheia desses pequenos pensamentos divagantes, links para notícias estranhas de jornais locais obscuros ao redor do mundo. Copie e cole citações de ensaios acadêmicos sobre tópicos que achei interessantes por um momento, mas agora são confusos para mim. Nem todas essas ideias vão se tornar um livro obviamente, mas faz parte do processo. Não se trata apenas de palavras, é sobre coletar imagens também. Estas podem ser fotografias da sua vida, como mencionei antes, mas também podem ser placas de arte conceitual do Pinterest de seus filmes favoritos de ficção científica. Uma coleção de cartões postais antigos, suas capas de livros favoritas, design gráfico vintage ou fotografia de moda. Não há traço comum de onde as ideias podem vir no palco do céu azul. Fora isso, são ideias que passaram por você brevemente e tinham uma forma que o deixou um pouco curioso. Não importa quanta pesquisa eu faça para criar o discurso perfeito do graphic novel, eu realmente só posso falar da minha experiência no final do dia. Ao longo do resto deste curso, vou usar meu livro de grau médio superior, Shark Summer como exemplo. Estou escolhendo este livro porque acho que o discurso para Shark Summer é o discurso mais bem sucedido que eu já farei porque foi o que me deu meu primeiro acordo com um grande editor de cinco. O que olhar para trás agora é realmente surpreendente porque essa não era uma história que eu planejava contar. Eu sempre quis contar fantasia de alto conceito ou história de ficção científica. Eu queria fazer algo realmente enraizado no gênero. Mas quando Andrea estava olhando para o meu trabalho, ela estava rejeitando todas essas ideias. Ela disse, eu quero que você tente me lançar em algo contemporâneo, as histórias de jovem amizade que estão indo tão bem no mercado de grau médio. Eu estava tipo, isso parece chato. Meu céu azul realmente não tem coisas assim. Quero desenhar dragões em naves espaciais, não histórias de amizade. Então eu me deitei e pensei por um momento, o que eu gosto tanto processo do céu azul é que ele está enraizado na imaginação. Eu pensei em minhas amizades e como elas estavam todas enraizadas em nossas conexões através da arte que criamos juntos, fazendo quadrinhos quando crianças, lendo livros do ombro um do outro, indo os filmes juntos, fazendo cenas e curtas-metragens, e escrevendo peças de teatro. Achei que o processo criativo é realmente como me conecto com as pessoas. Na verdade, se estou fazendo isso agora, é por isso que adoro ensinar. De repente, tive essa ideia de contar uma história nos bastidores de um filme. Imaginei ser sobre um grupo de amigos improváveis que foram atraídos pela necessidade de ganhar prêmios em dinheiro em um festival de cinema local. À medida que essa ideia de céu azul começou a assumir sua forma, pensei nessas crianças nesta aventura e como através delas eu poderia compartilhar minha paixão pelo processo criativo e narrativa. Eu nunca tinha lançado uma história como essa antes porque eu simplesmente não conseguia ver que ela tinha estado lá o tempo todo. Mas agora, desde que fiz Shark Summer, nem consigo imaginar um caminho diferente para o meu trabalho. Não posso dizer de onde sua ideia de história virá. Só estou dizendo que não espere que seja óbvio. Deixe isso te surpreender. Agora que você tem um céu cheio de ideias e puxou um casal para baixo e deu uma boa olhada em algumas delas e você se fez um monte de perguntas, encontre a ideia que tem o a maioria dos yeses anexada a ele. Vamos começar a ampliar e encontrar uma história para o nosso campo. 10. Resumo de história: Todos os lançamentos de livros começam com um parágrafo muito curto que resume a história que você quer contar. Algumas frases, no máximo, com média de 50 a 100 palavras. Este parágrafo inclui alguma combinação dos seguintes elementos: uma descrição do personagem principal, a configuração da sua história, o gancho da sua história, o conflito central da sua história, e um pouco de sabor extra para que seu público imaginário queira continuar lendo. Agora, você pode se perguntar, ei, mas estamos lançando graphic novels aqui. Se você tem uma amostra de arte em seu campo, por que alguém iria querer ler o resumo do seu livro? Bem, a arte de amostra definitivamente revelará a estética do seu ofício e, claro, é importante como será o seu livro. Mas esse pequeno parágrafo diz a um agente ou um editor algo muito importante. Essa história vale a pena se estender em uma longa narrativa que eles podem vender em uma reunião de aquisição? Você pode ter uma ótima história com arte sem brilho, mas você não pode ter uma ótima arte com uma história sem brilho. A história é fundamental. Mesmo que você não esteja ansioso para colocar esse projeto de apresentação na frente de um editor ou agente, acho que é super útil aprender a contar sua história em algumas frases, porque exige que você seja brutalmente honesto sobre o que você está tentando dizer com seu trabalho. Este parágrafo é o primeiro passo para se ensinar a compartilhar uma história com um público. Como você sabe se seu parágrafo é digno? Bem, os elementos da sua história precisam se alinhar a uma narrativa romancista em camadas. Precisamos sentir que esses personagens se conectam com a experiência humana. Eles têm que se sentir críveis e têm que se sentir relacionáveis. Temos que imaginar que eles passarão por uma série de eventos que nós, o leitor, queremos seguir. A história pode ser simples, mas as ideias e os temas têm que parecer grandes e importantes. Faça o possível para descobrir esses elementos maiores de sua narrativa agora antes de passar horas ensinando a si mesmo a desenhar para este livro. Não confunda este parágrafo de texto com uma sinopse do enredo. A redação deste parágrafo precisa criar um equilíbrio de elementos convencionais de plotagem. Esta história é uma busca? É uma história de vingança? É uma história de amor? É uma história azarão? Mas, o mais importante, ele tem que apresentar os personagens, sua configuração única e os elementos de você que fazem de você um contador de histórias interessante. Não basta querer nos contar uma história de detetive. Conte-nos o que é único na sua história de detetive. Vejamos alguns lançamentos simples que se transformaram graphic novels de nível médio de muito sucesso. aluno do sétimo ano, Jordan Banks, não ama nada mais do que desenhar desenhos animados sobre sua vida. Mas em vez de enviá-lo para a escola de arte de seus sonhos, seus pais o matricularam em uma prestigiada escola particular conhecida por seus acadêmicos, onde Jordan é uma das poucas crianças de cor em toda a nota dele. Vamos examinar a eficácia desse parágrafo simples. A primeira frase, o aluno do sétimo ano, Jordan Banks, adora nada mais do que desenhar desenhos animados sobre sua vida. Uma história que naturalmente deve vir de um cartunista. Vai se relacionar com crianças que também adoram desenhar e crianças que, em geral, são apaixonadas por seus hobbies. Então, temos uma configuração familiar para uma história da série média. Nada é super notável sobre essa primeira frase além estabelecer um personagem claro com o qual podemos nos relacionar, que é perfeito porque a próxima frase adiciona um monte de camadas para esta história. Através dessa frase, temos um grande senso dos temas do livro e onde o enredo vai nos levar. Este parágrafo nos oferece um conto potencialmente inspirador. É uma história clássica dividida entre dois mundos e é do ponto de vista que, historicamente, não vimos o suficiente na narrativa contemporânea. Vejamos outro parágrafo de pitch. Raina só quer ser um aluno normal da sexta série. Mas uma noite depois de escoteiras, ela viaja e cai, ferindo gravemente seus dois dentes da frente. O que se segue é uma jornada longa e frustrante , com aparelhos de novo, cirurgia, chapelaria embaraçosa e até mesmo um retentor com dentes falsos presos. Além disso, ainda há mais para lidar: um grande terremoto, confusão de meninos e amigos que não são tão amigáveis. Caso você esteja se perguntando, este é o resumo do livro, Sorriso, Número 1 de Raina Telgemeier, livro best-seller do New York Times. É um livro de memórias gráficas vencedor do Eisenhower Award baseado em sua infância. A força da história realmente está em sua especificidade. Os detalhes de seus problemas dentários são o que o faz se destacar. Histórias baseadas em experiências pessoais são muito populares na série média e são muito importantes, mas não são os únicos tipos de histórias que estão sendo contadas. Existem maneiras de se expressar em suas próprias paixões, interesses e drama de sua vida que não o centram como protagonista principal. Deixe-me quebrar meu discurso para o livro, Shark Summer. Tem um gancho bem direto para a história, mas veja como ela ganha vida quando eu começar a revelar a história em si. Três crianças se unem para ganhar primeiro prêmio em um festival de cinema local na ilha de Martha's Vineyard durante o verão de 1974, enquanto um estúdio de Hollywood assume a ilha com seus produção própria estrelando um tubarão sedento de sangue gigante. A especificidade do cenário e o potencial para ele liberar essa aventura única é o que o torna forte. Quando eu estava montando esse arremesso, eu realmente pensei que a força disso era que ele se passou no mundo do making of Jaws, que aqui na América é um filme realmente famoso. Achei que era uma coisa com a qual os pais se conectariam e queriam comprar este livro e compartilhá-lo com seus filhos. Mas meu editor não adorava por esses motivos. Na verdade, ela nem tinha visto Jaws todo o caminho. Ela não gosta de filmes assustadores. Ela viu o potencial nesse cenário pelo qual eu era realmente apaixonado, e os personagens realmente chamaram sua atenção, e o que eles oferecem ao leitor. Claro, acho que o título, Shark Summer, chamou a atenção dela também. Há três exemplos para ajudá-lo a começar a criar este simples parágrafo da sua história. Vou encorajá-lo a fazer uma pesquisa mais aprofundada. A boa notícia é que cada graphic novel que já foi lançado com uma editora Big Five tem uma página dedicada no site da editora que lhe dá este resumo de um parágrafo do livro. Não posso enfatizar o suficiente como esse parágrafo realmente é o coração pulsante do projeto em geral, não porque é a coisa mais artística do mundo, porque é o mais comercial [RISOS] coisa no mundo. Este parágrafo é usado por um agente literário para lançar seu livro aos editores. Este parágrafo é como um editor discute o projeto com sua equipe editorial. Este parágrafo influencia como uma equipe de vendas coloca o livro para seus varejistas. Este parágrafo é como os publicitários lançam aos revisores. Este parágrafo é como você vai falar sobre seu livro nas mídias sociais quando ele finalmente for lançado. Este parágrafo mudará de várias maneiras à medida que você começar a trabalhar com seu editor para criar o livro em si. Mas o sucesso do livro sempre permanecerá conectado à sua escolha de palavras neste estágio inicial. É sua primeira impressão da sua história e vai ressoar da forma como uma primeira impressão de uma pessoa ressoa. Em conclusão aqui, este pequeno parágrafo é o primeiro elemento do seu projeto de classe. Mas talvez você ainda esteja se entregando àquela fase do céu azul, tudo bem. Se você está tentando acompanhar a classe mas ainda não tem seu próprio conto original, o que você poderia fazer é escrever um breve resumo de um conto de fadas que você conhece bem, ou uma fábula, algo, talvez tradicional, que você pode moldar com um contexto mais contemporâneo e transformá-lo em algo único e um pouco mais pessoal. Isso é tudo o que você realmente precisa para participar da próxima lição, que é transformar a história em um esboço. 11. O esboço de pt. 1: Depois de conectar seu agente ou editor com esse parágrafo de abertura e eles olharem sua amostra de arte e eles adorarem o que você está fazendo, eles vão querer ler um esboço completo da sua história. O esboço não deve ter mais do que algumas páginas. Você poderia chamar isso de um resumo da história, mas eu estou escolhendo o esboço da palavra porque considero isso a parte em que sua história assume sua forma geral, mas o que há dentro dela, todos os detalhes, ainda para realmente ser definido. Neste ponto, precisamos expandir a distinção entre história e enredo se quisermos escrever um ótimo esboço. Durante a contagem de sua história, o enredo se revelará. Talvez sua história acabe sendo a busca de um herói, talvez acabe sendo uma história de vingança, talvez seja um conto de descoberta, um conto de amor proibido, ou uma história azarão, todos esses tropos de enredo que percorre a narrativa contemporânea a cada geração. Existem muito poucas parcelas realmente disponíveis para nós como contadores de histórias. Alguns dizem que na verdade há cerca de 20 deles. Embora existam algumas tramas, há histórias infinitas para contarmos. Um enredo suporta uma história e a torna mais coerente. Mas como o contador de histórias que segue muito de perto do enredo certo também restringe o potencial de onde sua história pode levá-lo. Vamos nos mudar para a forma de estruturar uma história com esta citação de uma autora e professora favorita minha, Ursula K. Le Guin. Em seu livro, Steering the Craft, um Guia do Século XXI para Sailing the Sea of Story, ela descreve uma história como uma narrativa de eventos que se movem no tempo e envolvem mudanças. Ela descreve o enredo como a forma da história que usa a ação como seu modo, geralmente alguma forma de conflito, e de perto e intrincadamente conecta um ato da história ao outro através uma cadeia que termina em um clímax, muito técnico e formal. Agora, para citar seu livro, “As ficções modernas mais sérias não podem ser reduzidas a um enredo recontado sem perda fatal, exceto em suas próprias palavras. A história não está na trama, mas no conto. É o dizer que se move.” Esse é o nosso objetivo com esse esboço, criar uma história que mova o leitor através da sua narração dela. Agora em termos de conteúdo, o esboço define todas as principais batidas da história da forma mais clara possível. Mas o esboço em si não é uma história destinada a entreter. É basicamente um documento interno que revela seu plano mestre para um agente ou editor, que significa que não se preocupe em tentar impressionar alguém com suas palavras de US $0,50, salve essa linguagem extravagante para um aula de poesia. O esboço deve ser mais como notas de penhasco ou uma lista de compras. Bem, talvez não tão chato quanto uma lista de compras, mas você entende o ponto. Um esboço é melhor usado como registro de eventos para que alguém saiba o que vai acontecer. Ao compor seu esboço, assuma o papel de um escritor preparando uma história para um ilustrador, descreva uma cena claramente, ofereça informações sobre um personagem, se necessário. Para mim, a maneira mais concisa estruturar um esboço é através uma narração em terceira pessoa sobre o arco dos protagonistas principais personagens. Aqui está o parágrafo de abertura do esboço para Shark Summer. É muito longo, eu não vou ler em voz alta, então se você gostaria de aceitá-lo, por que você não pausa essa aula por um momento. Agora aqui está a arte que veio desse esboço. Você pode ver que o esboço é realmente apenas servir batidas de histórias que mais tarde podem ser embelezadas e dirigidas através dos visuais. Mas agora a arte da sua narrativa não é super importante. O esboço deve simplesmente provar que sua história tem as batidas certas para levar seu personagem do começo, ao meio e ao fim de sua narrativa. Claro, um agente e um editor vão querer ver surpresas ao longo disso, e essas se tornam as cenas da sua história. Essas cenas precisam desafiar e entreter um leitor. Agora acho que o maior desafio ao desenvolver as cenas para o meu esboço é como eu colo essas batidas da história? Bem, é aqui que a estrutura do enredo é super útil. Uma visão geral da estrutura do enredo nos mostra basicamente uma lista de verificação de eventos em todos os níveis da estrutura da história. No nível superior, podemos dividir uma história em três atos distintos, uma configuração, um confronto e uma resolução. Em seguida, podemos criar cenas que cumpram a promessa de cada um desses atos. Por exemplo, uma configuração precisa de uma introdução ao personagem principal e seus desejos e necessidades, então ela precisa de uma chamada à ação para o personagem. Dentro dessa configuração, é bom mostrar talvez uma fraqueza desse personagem, para talvez uma fraqueza desse personagem, que possamos ter empatia com eles. Então precisamos de um incidente incitante que deixe seu personagem nenhuma escolha a não ser seguir no curso da próxima etapa desta história. Uma vez que nos movemos para a parte central da história, precisamos de algum confronto. Precisamos de um aumento na ação do Ato 1, precisamos de testes mentais e físicos para o personagem, precisamos de falhas e insights, precisamos de coisas para motivar suas ações. Por volta do final do Ato 2, podemos ver um aumento na confiança. Então, para construir alguma tensão, um revés surpreendente que faz parecer repentinamente impossível que eles cheguem ao fim desta aventura. No terceiro ato, o personagem geralmente enfrenta algum confronto final inescapável, seja interna ou externamente. Esperamos que eles sejam capazes de superar sua fraqueza ou estejam definindo falhas. Uma vez que eles enfrentaram esse conflito, eles são transformados pelo confronto. Em conclusão, o personagem retorna a algo familiar que contrasta com seu novo senso de si mesmo. 12. O esboço de pt. 2: Há uma clareza e satisfação que vem do uso da estrutura tradicional de três atos para uma história. Eu realmente aprecio um processo que oferece clareza porque meu cérebro geralmente é um emaranhado gigante de ideias, mas também estou realmente interessado em quebrar regras. Acho que muitos criadores se sentem assim porque estou feliz em relatar essas tendências na série média e por que Os graphic novels estão ativamente empurrando contra esse tipo de tropo de estrutura de contar histórias. Muitos editores estão procurando histórias com um senso mais realista de plotagem. Shark Summer e meus livros que fazem parte dessa série são muito fundamentados na realidade. Há batidas que ecoam uma estrutura de três atos, mas não há heróis e vilões claros que essa estrutura geralmente evoca. Eles são apenas personagens impulsionados por seus próprios desejos e necessidades pessoais. Considero o enredo dos meus livros, mistérios, não mistérios que são resolvidos externamente como uma história do Scooby Doo, mas para realmente serem resolvidos internamente. São histórias aventureiras, mas os personagens não estão em algum tipo de jornada de herói épico. Mas eu percebi por mim mesma que há uma maneira contar uma história em que os sentimentos do personagem e o espírito de suas ações podem se sentir heróicos enquanto também fundamentados. Aqui está minha variação na estrutura de três atos que analisamos anteriormente. É um modelo que uso para meus livros. Você é bem-vindo a usá-lo se quiser. Se você tiver problemas com isso, por favor, faça o seu. Se você quiser compartilhar isso na discussão para esta aula, eu adoraria vê-lo. Este modelo que eu acho é realmente adequado para uma estrela misteriosa de grau médio em um pequeno elenco de jovens personagens reunidos pela vontade de resolver um mistério. A história é resolvida pela transformação dos personagens na busca dessa solução. Agora, o truque com o uso deste modelo é que penso na ação da história como um pouco mais interior. Para me manter nesse caminho, chamo que a história bate a missão do protagonista. Vamos ver como Shark Summer segue essa estrutura de plotagem. Ato 1, depois de literalmente entrar em conflito com seu companheiro de equipe Lex, Gail opta por não se desculpar e se isolar. Gail mantém a ilusão de que ela ainda é uma atleta superior e campeã ao longo da vida. É sua nova equipe aqui em Martha's Vineyard que a está segurando. Para distrair esse problema, Gail encontra uma nova maneira de ser campeã ganhando o prêmio em dinheiro em um Festival de Cinema local e usando esse dinheiro para ajudar sua mãe em dificuldades a abrir sua sorveteria. Ato 2, depois de se juntar a Elijah, um menino com uma câmera e um amor pelo cinema, Gail empurra sua produção, mesmo sem uma ideia clara do que se trata o filme deles. Muita ação neste ato sem consideração real por onde projeto de Gail a está liderando, desde que não seja para o Lex. Ato três, entre Maddy, a garota com a história premiada e suas próprias motivações secretas para contá-la, Gail e sua equipe de três filhos estão agora em um caminho para ganhar esse prêmio em dinheiro. A história que eles estão contando tomou a forma do conflito interno de Gail. Como um lembrete constante para o leitor de que a necessidade de Gail de resolver seu relacionamento com Lex está ficando completamente sem ser abordada. Ato quatro quando Maddy revela sua intenção usar seu filme para desonrar o ex-companheiro de equipe de Gail, Gail vê que seu ressentimento por Lex capacitou a escuridão que torna seu filme digno do prêmio dinheiro. Para escapar desse mal, Gail deve intensificar e resolver a tensão com Lex e começar o longo caminho para reconstruir a confiança quebrada em seu relacionamento. Agora, espero que, através do meu colapso, você possa ver como essa abordagem para construir um esboço me coloca dentro da cabeça de Gail de uma maneira que trabalhar em uma estrutura de três atos não. Além disso, você pode ver que eu pessoalmente preciso de muita estrutura para construir minhas histórias. Algumas pessoas simplesmente começam no ponto A e trabalham até o fim por conta própria e isso se torna seu primeiro rascunho. Não há uma maneira correta ou errada de fazer isso. Espero que você encontre seu próprio lugar de conforto em algum lugar no meio. Qualquer que seja o estilo de construção de um esboço que funcione para você, certifique-se de que ele está colocando você através de histórias interessantes que vão entreter e surpreender seu editor e seu agente. Em suma, criar um esboço pode ficar confuso. Aqui estão algumas dicas profissionais sobre como se manter organizado e no caminho certo. Sempre volte a esse pequeno parágrafo você escreveu para estabelecer sobre o que é sua história. Todos os elementos do seu esboço devem apontar de volta para esse parágrafo. Embora um esboço seja sobre escrever, é totalmente bom tirar algum papel e desenhar talvez um mapa mental de todas as suas cenas. Faça mais desenhos de personagens, tire alguns livros, faça algumas pesquisas, crie pontos de bala das batidas da sua história. Eventualmente, você pode pegar todo esse conteúdo e criá-lo neste esboço de duas a três páginas. Pessoalmente, uso uma planilha do Google para rastrear minhas cenas. Ninguém vê isso além de mim. Ainda assim, é uma parte essencial do meu processo de delineamento. O esboço é sobre escrever, mas é muito mais sobre revisão, editar qualquer coisa que não seja necessária, seja claro e conciso, linguagem vaga corre o risco de ser mal interpretado pelo seu agente ou seu editor e, portanto, seu discurso é reservado em favor de uma história contada com mais confiança. Esboçar e rabiscar é bom, mas abstenha-se de desenhar cenas maiores para sua história. Neste ponto, as palavras são melhores pontos de referência e são muito mais fáceis de se adaptar à medida que sua história evolui. Ao escrever seu roteiro, fique atento ao final. Às vezes, o final perfeito aparece imediatamente. Às vezes não chega até você até que seus personagens realmente cheguem lá. Quando você está procurando o final, pergunte a si mesmo, com base no que eu já disse, onde meu personagem deveria estar no final? Eles merecem o que recebem? Espero que a resposta seja sim. Para resolver minhas histórias e fazê-las se sentirem coesas na última cena final, gosto de imaginar que toda a ação foi resolvida da aventura e dar uma olhada no principal personagens em um momento de silêncio. Coloque-os em um lugar que seja familiar, mas pareça diferente após a experiência desta história. Eu ouvi esse tipo de final descrito como estabelecendo o novo normal de um personagem, seja, suas experiências os trouxeram de volta a um lugar familiar, mas eles são significativamente diferentes. Em conclusão, escrever um esboço pode levar um bom tempo. Toda vez que você se propõe a escrever um esboço para um livro, é como se tornar um escritor novamente, a história precisa ressoar e assumir forma. É por isso que não estou exigindo um esboço para o envio deste projeto de classe, embora seja essencial para o seu discurso final. Agora que temos um formulário para nossa história, vamos dar uma olhada nos personagens dentro dela. 13. folhas de personagens: Agentes e editores querem ver como serão os personagens do seu livro , então parte do seu discurso precisa incluir o que é chamado de folhas de caracteres. Como criador, seus personagens são o vaso para sua história. Mas para sua editora lá mais do que isso, eles também são os mascotes do seu livro. Seus designs de personagens precisam atrair o leitor para o seu mundo. Projetá-los é esse bom equilíbrio de sua própria inspiração pessoal e estética e também saber quais estilos atraem o mercado. As folhas de personagens precisam mostrar uma aparência de corpo inteiro no seu elenco principal. Para Shark Summer, criei folhas de personagens para as quatro crianças principais da história. Quando se trata de projetar meus personagens pela primeira vez, gosto de colocá-los em movimento imediatamente. Tenha em mente desenhar bem não é tão importante quanto desenhar emocionalmente. Seu estilo de arte revela caráter através pose e linguagem corporal e expressão facial. Nem sempre é essencial ter proporções de figura corretas. Crie seus personagens de uma forma que destaca seu estilo de desenho, mas também os torne claros e fáceis de ler por causa da sua história. Quando você estiver projetando suas folhas de personagens, encontre maneiras diferentes e criativas colocar seus personagens em ação. Dê a eles um aspecto de uma configuração da sua história, ou talvez entregue alguns prompts para trabalhar. Ao construir seu elenco, pense na química que eles têm e que eles dizem sobre a história que você quer contar. Na minha experiência lançando graphic novels, não há problema em incluir apenas obras de arte de design de personagens, mas para mim, como contador de histórias, quero mostrar algo que se destaca e gosto de adicionar um pouco de personagem backstory para a folha de personagens. Eu faço isso escrevendo uma pequena sinopse de quem esses personagens estão oferecendo, meu agente, meu editor ou até mesmo o editor, um senso de quem são meus personagens, de onde eles são, eles querem, o que precisam, quais são seus pontos fortes, suas fraquezas, qualquer pedaço de sabor que eu possa pensar. Ao trabalhar nessa sinopse, adiciono outros pequenos detalhes conceituais que descrevem seus interesses pessoais, talvez alguns eventos importantes da vida, e o que os torna únicos entre esse grupo. Minha primeira versão dos personagens de Shark Summer talvez seja um pouco surpreendente de ver porque não se assemelha a [RISOS] as versões finais que você vê no livro. Este rascunho inicial dos desenhos dos personagens foi fortemente inspirado pela estética deste verão. Pensei que estava contando uma história de jovens adultos e queria capturar o mundo um pouco mais maduro deste verão em meu próprio livro. imediato, editores especificamente Andrea notaram que a história que eu queria contar e o resto do campo eram realmente de grau médio e minha arte não estava combinando com a história. Ela sentiu que um leitor é jovem como oito não ia se conectar com esses desenhos de personagens e as escolhas de cores que eu estava fazendo, então eu voltei para a prancheta de desenho. Essa é a magia de encontrar um editor que queira trabalhar com você. Eles querem ajudá-lo a seguir o caminho certo para se conectar com os leitores. Talvez se eu estiver sendo honesto comigo mesmo, fui tirado um pouco demais deste verão é inspiração e eu não estava sendo fiel ao meu próprio estilo o que é um pouco mais caricata, meu editor me ajudou a descobrir minha própria dúvida, então, deixe que isso seja uma lição para você enquanto você desenvolve a estética para sua própria história. É fácil ficar autoconsciente com sua arte, especialmente quando se trata designs de personagens, porque eles podem ser tão pessoais, então mantenha-se fiel a si mesmo, mas também ouça conselhos do pessoas que querem ajudá-lo a criar sua história. Ao projetar suas folhas de personagens para o seu campo, conheça e encontre a melhor maneira de apresentá-las ao mundo. 14. Arte de amostras: Depois de conhecermos nossa história, temos nosso esboço e desenvolvemos nossos personagens, é hora de criar algumas páginas de amostra. Isso começa escolhendo uma cena do seu esboço. A cena que você escolher deve ser pelos seguintes motivos. Primeiro, parece muito divertido desenhar, isso é crucial. Dois, a cena apresenta seus personagens principais fazendo algo interessante relacionado à sua história. Três, a cena nos dá uma amostra de onde sua história está indo e quais conflitos estão surgindo para seus personagens. Quatro, a cena mostra diferentes aspectos da sua estética. O que quero dizer com estética? Basicamente, é a maneira como você faz escolhas com sua arte em termos de elementos de arte, como cor, arte de linha, uso de bolha de fala, estilo de painel, a forma como você enquadra uma foto, o caminho você usa efeitos sonoros, e outros floreios de desenho animado. Eu realmente não posso dizer qual amostra de arte foi criada para qualquer graphic novels mais vendidos, mas posso mostrar algumas das amostras de arte que criei para o Shark Summer. Eu queria apresentar Gayle e Elijah nos estágios iniciais de seus esforços de fazer filmes. Enredo sábio, este é o momento em que eles estão prestes a atravessar do mundo normal, prestes a atravessar do mundo normal, um lugar que é familiar neste mundo mágico da produção cinematográfica que vai preencher a história daqui para frente. É a cena em que as crianças passam pelo guarda-roupa para Nárnia, só que não tão mágica. Claro que o livro se chama Shark Summer. Devemos conhecer um tubarão nesta cena. Você quer que sua amostra de arte reforce algumas das escolhas da história que você fez. Dado que essa história se passou em um momento histórico na cultura pop, eu queria mostrar meu compromisso com esse conceito e deixar o editor que está lendo isso soubesse que haverá muitas Jaws, Ovos de Páscoa e referências de Martha's Vineyard ao longo do livro. Se você está lançando seu primeiro livro, acho que pode ser uma boa ideia talvez ser muito ambicioso com sua amostra de arte. Talvez depois de trabalhar com um editor por um tempo ou tiver uma reputação, você pode simplificar um discurso de várias maneiras. Mas se você é um iniciante procurando alguém para se conectar com seu trabalho pela primeira vez, você está competindo pela atenção de editores que já estabeleceram relacionamentos com outros autores. É inteligente ir essa milha extra. Dito isso, eu realmente fui tão milha extra com esse campo e criei duas cenas da minha arte de amostra. A segunda cena foi do final climático do livro, um momento dramático ocorrendo em meio a uma grande tempestade. Essa cena também mostra a imagem que eu adiciono de um estágio realmente inicial da concepção deste livro. Essa ideia de um tubarão fantasma feito de ondas. Minha esperança era que essa imagem fosse tão legal, uma editora não teria escolha [RISOS] senão querer divulgar o livro. Conceitualmente, acho que esta página é realmente importante porque mostra que sou capaz de usar um pouco de realismo mágico, ter um pouco de fantasia horrorizada em uma história que de outra forma se passa no mundo real. Este também é um bom lembrete para não ser misterioso com suas páginas de amostra. Não se trata de ligar um leitor neste momento. Todos já leram seus contornos para que conheçam os spoilers da sua história. Pule para um momento que é inestimável para sua narrativa. Eu escolho essas duas cenas porque queria dar a elas a grande recompensa. Eu também queria mostrar minha dramática gama de narrativas, bem como meu uso de cores e como seria esse elenco completo de crianças . Agora, se você não é bem versado com graphic novels e não tem uma ideia inicial de como criar suas páginas, você pode se perguntar como os cinco grandes editores mostraram páginas de amostra de seus livros? Bem, se você for para a Amazon ou qualquer livreiro online, poderá navegar na seção de graphic novel. Na maioria das vezes, você pode olhar as páginas de dentro do livro. As chances são de que eles escolheram essa cena do livro porque acharam que era representativa da história. Novamente, a pesquisa é fundamental para ajudar você a entender o contexto desses elementos de pitch. Criar arte para um romance gráfico requer uma abordagem diferente de outros campos de ilustração, como livros infantis ou arte comercial, ou até mesmo quadrinhos de forma curta ou histórias em quadrinhos. Um graphic novel é uma maratona. Não é um sprint. Cada painel do seu livro não pode ser uma incrível obra de arte. Acho que uma boa regra para desenhar em um graphic novelist é trabalhar é 60% da sua capacidade. Isso significa simplificar. Não mostre planos de fundo em todos os painéis. Use uma foto estabelecida para configurar uma cena e, em seguida, amplie os personagens e use lavagens de cores e planos de fundo para evocar emoção sem ter que fazer muita configuração de cena repetidas vezes. Crie seus personagens de uma forma divertida e fácil de desenhar, mantenha os detalhes ao mínimo. A contagem de páginas também é um fator no desenvolvimento da estética de um livro. Se compararmos as luzes noturnas Lorena Alvarez com alguns dos livros que já vimos, podemos ver que a arte é muito mais detalhada. Bem, você sabe por quê? Porque isso é um livro de 56 páginas, enquanto algo como Just Fintend é um livro de 304 páginas. A versão de 304 páginas do Night Lights provavelmente seria muito diferente da versão de 56 páginas. Isso terminará nossa conversa sobre a criação de arte sequencial. Mas se você quiser um mergulho mais profundo na arte de fazer quadrinhos, atualmente no meu canal Skillshare, tenho uma aula chamada Making Comics, um guia para iniciantes, que lhe daria algumas informações sobre os elementos-chave da arte em quadrinhos, bem como um estudo mais aprofundado outros romances gráficos e gêneros jovens leitores. Agora, neste momento, compartilhei tudo o que você precisa saber para criar as partes do projeto de classe. Você está teoricamente pronto para projetar e fazer um arremesso. Falamos sobre o negócio da obra de arte, agora vamos falar sobre o negócio da publicação. 15. O agente: Digamos que você tenha coletado seu parágrafo da história, seu esboço, suas folhas de personagens e suas páginas de amostra em um pequeno arquivo PDF agradável e elegante. Se você quiser ser publicado por um editor tradicional, a primeira coisa que você precisa fazer é encontrar um agente e, para obter um agente, você precisa de um pouco de sorte e uma carta de consulta muito boa. Uma carta de consulta é um discurso formal atraente para um agente que representa seu trabalho e você nessa ordem especificamente. A coisa mais importante a lembrar é que os agentes literários recebem centenas e centenas de cartas de consulta todos os meses, e uma carta está no seu melhor quando é fácil de ler e responde a dois perguntas, por que essa história é importante? Por que você é o criador, aquele a contar isso? Aqui está um exemplo de uma carta de consulta muito boa. Não vou ler em voz alta para você, mas você pode pausar isso e revisar tudo o que quiser. Isso é o material que uma carta de consulta precisa. Agora deixe-me rever as coisas que não precisa. Ele não precisa de ruminações sobre o tema do seu livro. Descreva sua história por meio ação e conflito de personagens, limite os substantivos adequados e o resumo de sua história, três personagens no máximo em um local central. Se um agente está tentando processar centenas e centenas de histórias todos os meses, isso é um monte de mundo para acompanhar, especialmente se você estiver lançando algo ambientado em um mundo de fantasia, seja descritivo . A descrição será mais memorável do que o nome que você criou para uma cidade mágica. Se você estiver representando configurações do mundo real, certifique-se de apontá-las e ser claro sobre a hora e o lugar. Se o seu livro é um livro de memórias ou se você estiver enquadrando dispositivos, uma parte essencial de sua narrativa como é com Maus. Seja claro sobre isso antecipadamente. O fato de Maus ser a história de um pai contada através de uma conversa com seu filho cartunista, esse estilo de enquadramento faz a história sobre um pai e filho, não apenas um relato histórico, e isso cria uma experiência de leitura muito mais rica. Como você encontra o agente certo para o seu projeto? Bem, você faz alguma pesquisa, procura romancistas gráficos que publicaram com sucesso trabalhos que possam caber na mesma prateleira do seu livro em potencial e, em seguida, tente descobrir quem é o agente deles. Às vezes, eles listam sua representação em seu perfil de mídia social. Você também pode encontrá-lo em seu site ou se você olhar na parte de trás do livro e agradecimentos, os criadores geralmente agradecem a seus agentes nessa seção, fazem uma lista de todos os agentes dos seus sonhos que você acho que pode gostar do seu projeto. Depois de ter essa lista, verifique as mídias sociais e o site do agente para ver se eles estão abertos a envios. Quando você souber que eles estão abertos, encontre um endereço de e-mail para o qual eles querem que a consulta seja enviada. Alguns até têm um formulário que você precisa preencher de antemão. Seja empático, seja educado e seja focado. Agentes são pessoas como você e eu, e quando você faz uma conexão, você quer sair da melhor luz. Agora você não vai encontrar um agente instantaneamente, a menos que tenha muita sorte, ouvirá muitas histórias ou talvez apenas obtenha algum silêncio no rádio. Não há problema em acompanhar se você está realmente falando sério sobre trabalhar com essa pessoa, mas não seja insistente. Se eles ainda disserem não, não implore comentários ou como você pode tornar seu discurso mais eficaz para eles. Se eles não pedirem para ver mais de você ou oferecer qualquer conselho, não é porque seu discurso é ruim, é mais provável porque ele simplesmente não se encaixa lista de desejos ou na experiência de mercado. Há agentes literários para todos os mercados, e eles precisam restringir o tipo de trabalho que representam para serem bem-sucedidos. Não reformate tudo só porque você tem alguns de alguns agentes, a melhor coisa a fazer é apenas repetir, repetir, repetir , continuar fazendo as rodadas, cavando mais fundo. Há muitos agentes por aí e, eventualmente, você encontrará o caminho certo para apresentar seu livro a um editor. Se você está procurando uma maneira de iniciar sua busca pelo agente certo, você pode conferir manuscriptwishlist.com. Este é um espaço online projetado para ajudar pessoas como você a lançar para os agentes e editores certos. Agora, aposto que você está perguntando, posso sobreviver e me sair bem neste negócio sem um agente? Claro, é possível chamar a atenção de um editor sem um agente, mas é provável que você precise ter algumas coisas já no lugar. Por exemplo, um grande seria uma presença excepcional nas mídias sociais. Talvez você já tenha editores seguindo seu trabalho. Normalmente, se alguém assina um acordo sem ter um agente primeiro, é porque um editor pode ter entrado em contato com ele. Mas em termos de construção de uma carreira, um agente é super importante. Em geral, os editores que trabalham com os cinco grandes não aceitam arremessos, a menos que estejam passando por um agente. Quando se trata de ser apresentado a um novo talento criativo, os editores prefeririam lidar com agentes. Os agentes podem facilitar seu trabalho, por exemplo, porque os agentes classificaram muitos lançamentos já em seu próprio tempo, então as probabilidades são o trabalho que vem através de um agente já é forte. Um bom agente entende o negócio muito melhor do que você e tem um milhão de contatos a mais do que você. Eles são capazes de focar e direcionar os editores certos para o seu trabalho. Meu agente, Adrian do Folio Group, descreveu o trabalho em equipe necessário para publicar um livro como um triângulo com você, o criativo é um vértice, seu agente em outro e o editor no terceiro. Gosto dessa ideia porque ser um autor na publicação tradicional não é realmente uma aventura solo para cumprir seu potencial e construir uma carreira, você precisará das pessoas certas em sua equipe para crie uma forte relação de trabalho. Falamos sobre você, falamos sobre seu agente. Agora vamos falar sobre essa terceira parte desse triângulo criativo. 16. O editor: Seu novo agente pode ter algumas notas em seu campo. Coisas que refinarão seu conteúdo para ajudá-lo a atrair o mercado para o qual eles o imaginavam. Quando estiverem prontos, eles começarão a fazer conexões com os editores de graphic novel adequados em sua rede. Um editor de graphic novel é especialista no negócio da arte sequencial. Eles entendem algumas partes do processo conceitual, mas realmente seu foco está na produção e na colocação de um livro no mercado. Eles conhecem todos os prós e contras do negócio e podem ser um recurso incrível para um aspirante a criador. Um editor de graphic novel terá seus interesses e pontos fortes pessoais em cantos específicos do gênero no mercado. Ao procurar por um editor você e seu agente querem ter certeza de que seu trabalho atrai o gosto das pessoas certas e apresentar seus lançamentos, o tipo de livro que eles querem adquirir. Ao contrário de procurar um agente. Você pode fazer um pouco de sua própria pesquisa sobre o que os editores são certos para você. Para fazer essa pesquisa, o que você vai fazer é encontrar graphic novels em seu mercado-alvo. Fale com seu agente sobre o que isso pode ser exatamente. Abra suas capas na página de direitos autorais, e lá você verá o nome de um editor que trabalhou no livro. Pelo que sei ao falar com Andrea, ter paixão por um projeto é realmente apenas uma parte do trabalho do editor. O resto é todo negócio. Não leve isso para o lado pessoal quando receber uma carta de rejeição. Falaremos um pouco mais sobre como usar cartas de rejeição em um pouco. Andrea compartilhou essa pequena citação de um agente literário de longa data que ela é conhecida há anos. Dizem que um livro é trazido à vida por três fatores. Do editor certo, da casa certa como na editora e na hora certa. Quando você finalmente tiver sorte nessa fórmula e encontrar um editor pronto para trabalhar com você, ele terá algumas anotações em seu campo para prepará-la para a reunião de aquisição. Se você tem acompanhado este curso e fez sua pesquisa, você deve ter todas as habilidades certas para conseguir o que eles precisam. Mas também tenha em mente que este editor tem uma perspectiva totalmente diferente sobre a publicação do que você. Acho que entender o trabalho dessa pessoa é fundamental para encontrar sucesso no setor. Tenho trabalhado com Andrea na Little Brown há cerca de quatro anos. Enviamos e-mails sobre projetos um para o outro o tempo todo, e ela era super gentil e me deixou entrevistá-la por cerca de quatro horas sobre seu trabalho, e o que isso implica. Muitas das informações a seguir aqui são baseadas no que ela compartilhou comigo. Por causa da natureza do trabalho, um editor realmente precisa usar dois rostos. Há o lado, esse é o amante de livros de coração caloroso que quer nutrir seus criadores e ajudar a dar vida a esses projetos. Depois, há o outro lado deles que tem que se sentar em reuniões de negócios dia todo discutindo o valor de mercado de criadores como você e eu. Você pode ver como esses dois lados podem estar em conflito um com o outro regularmente. Em uma editora Big Five, as reuniões de aquisição acontecem algumas vezes por mês. É aqui que o editor projeta e constrói seu calendário de lançamentos. Na sala com essas reuniões de aquisição ou as chamadas de zoom, você encontrará editores sênior e júnior que têm livros que desejam adquirir e dar vida. Você também terá membros da equipe de vendas que desejam ajudá-los a adquirir livros que possam vender. Você terá pessoas da equipe de marketing procurando livros comercializáveis. Você terá um diretor criativo que pesa sobre coisas criativas, membros da equipe de relações públicas e um editor que tenha a palavra final sobre se o livro é adquirido ou não. Durante essas reuniões, cada editor recebe uma pequena janela de tempo para lançar os livros que eles querem adquirir. Essa janela de tempo é bem curta. Essas reuniões não são apenas sobre você e seu projeto. Você é apenas um de toda uma série de arremessos, todo mundo nesta sala vai ouvir naquele dia. É por isso que o campo precisa ser tão refinado. Agora, quando for a vez de seus editores, eles defenderão o motivo pelo qual essa é uma boa ideia de negócio para nós. É uma citação direta de Andrea. Esse é realmente o objetivo dessas conversas. De antemão, todos na reunião receberam uma cópia do resumo do discurso dos editores. O resumo do campo é o quê e o porquê do seu projeto. Como no que é o seu graphic novel, e um caso para o motivo pelo qual ele vai vender. O resumo do campo inclui materiais do campo que você criou, que responde ao quê, além de um monte de pesquisas de marketing que propõem o porquê, e essas coisas são geradas por o editor depois de revisar seu tom. Esta pesquisa de mercado inclui coisas como pontos de venda de marketing, alça de vendas, detalhes na plataforma do autor, como nas mídias sociais. Como você pode potencialmente promover o livro e , em seguida, as coisas gerais da P&L, que são lucros e perdas. Lucro e perda é uma projeção das vendas do seu livro ao longo de x quantidade de tempo, levando em consideração o adiantamento que você recebe mais royalties no futuro, e também aumenta custos como um colorista para o seu livro ou um letterer ou outras despesas adicionais. P&L rege a conversa em uma reunião de aquisição. Após a apresentação do seu discurso, seu editor e a equipe de vendas debaterão os números, outros criativos compartilharão seus pensamentos sobre moldar a história para ajudar os livros a apelar. Essa conversa continuará por um tempo e cobrirá todos os aspectos do seu potencial negócio com o livro. Por exemplo, a equipe de vendas pode não se sentir confortável em dar a você um avanço tão grande, e seu editor debaterá com eles. Os diretores criativos podem ter informações sobre aspectos da arte ou da história. Andrea estava me contando sobre um livro que ela estava lançando recentemente que teve uma cena que aconteceu em um evento de RPG de ação ao vivo que foi feito como uma cidade ocidental. A equipe de vendas não sentiu que [RISOS] um cenário ocidental atrairia crianças contemporâneas. Eles debateram mudar essa cena. Isso pode ser um fator decisivo para que esse criador conte sua história. Mas, por mais que a reunião seja resolvida, está tudo sob a alçada do editor. Aquela pessoa solteira na sala que está ouvindo todos os lados da história. No final da reunião, se seu editor criou um argumento convincente para o motivo pelo qual essa é uma boa ideia de negócio para nós e por que seu livro se encaixa perfeitamente na agenda de publicação deles. Esse editor concordará em oferecer uma oferta e adquirir seu livro. Se eles disserem não, isso não significa que sua história não seja boa. Significa apenas algum aspecto do editor certo, certo, a fórmula na hora certa estava faltando neste caso. Mais uma vez, é meu entendimento que tudo realmente se resume à fórmula de lucros e perdas em termos de você conseguir um negócio de livro. Essa é a melhor maneira de comprar livros? Quem sabe? Essa é uma conversa para outras pessoas terem. É simplesmente do jeito que é. Agora vamos falar sobre o que significa adquirir seu livro. 17. O contrato: Mesmo que seja chamado de reunião de aquisição e eles digam que seu livro foi adquirido, isso realmente significa que a editora está adquirindo os direitos de publicar seu trabalho. Você retém os direitos autorais sobre sua arte. Agora eles vão criar um contrato para você. Seu contrato especificará algumas coisas específicas. Primeiro, o grande aqui é o seu valor avançado, a quantidade de dinheiro que eles vão encaminhar você para criar o livro em si. Você também verá os gatilhos de pagamento para esse adiantamento, como o dinheiro é dividido e as datas ou marcadores de maionese para o projeto quando você recebe o dinheiro. Você também verá um esboço da renda que receberá dos royalties depois que seu adiantamento for pago. Você também verá coisas como porcentagens nas vendas de subdireitos como traduções de seus direitos de livro e filme e outros fatores. Felizmente, você tem um agente em sua equipe e vai rever todo esse contrato com eles. Revisar o contrato colocará em perspectiva muitos aspectos do próximo ano ou mais de sua vida enquanto você cria este romance gráfico. Como eu disse, os avanços com os cinco grandes editores são geralmente mais significativos do que com os editores independentes. Como eles descobriram qual será o seu avanço? É basicamente baseado no que a editora acredita que seu livro tem o potencial de ganhar. Os avanços têm uma vasta gama de números associados a eles, dependendo de alguns fatores. As coisas que sobem com antecedência são o criador tem um público forte já integrado, se houve um leilão para o seu livro onde vários editores estão competindo : o criador tem um público forte já integrado, se houve um leilão para o seu livro onde vários editores estão competindo adquirir os direitos sobre ele? A quantidade do adiantamento é muito importante porque esse é dinheiro que lhe dará tempo para fazer seu livro e, honestamente, não vai cobrir esse tempo todo. Felizmente, tenho meu ensino que me ajuda a complementar o dinheiro necessário para fazer meus livros, e eu diria que a maioria dos autores tem renda vinda de lugares diferentes. Raramente um autor cria e publica livros exclusivamente. Agora, mesmo que você esteja adiantado pareça pequeno, é bom ter um contexto maior do que está acontecendo aqui. O avanço é apenas uma estimativa de quanto dinheiro esse suposto livro vai ganhar, mas se você fizer um trabalho muito bom e chegar ao mercado, basta escrever, seu livro pode ser um grande best-seller e uma vez você pagou de volta seu adiantamento por meio de vendas, você começa a coletar royalties. Pense nisso mais como se estivesse investindo no estoque de si mesmo e se compensar muito, você vai ganhar muito. Gerenciar seu tempo e seu orçamento para esses projetos leva algum se acostumar e alguma experiência. É bom saber quando o dinheiro virá o seu caminho o mais rápido possível. Com as cinco grandes editoras e dependendo da complexidade do negócio, uma quantidade significativa de tempo pode passar entre quando você aceita uma oferta de um editor e quando o contrato está realmente pronto para assinatura. Pode levar meses, às vezes até um ano para fazer essa papelada. Ao longo do caminho, seu agente está ajudando você a refinar a redação desse contrato, então, caso seu livro chegue grande e pegue uma opção de filme ou direitos estrangeiros ou qualquer uma dessas coisas, você está recebendo uma feira porcentagem de todo esse dinheiro daqui para frente. Outra coisa que você pode solicitar com seu agente é a forma como os pagamentos são acionados com antecedência. Agora, dependendo do seu estilo de vida e do avanço e como ele é pago pode fazer uma grande diferença em sua produtividade. Assinar esse contrato é o primeiro gatilho de pagamento para todos os adiantamentos e você definitivamente recebe o restante quando o livro entrar em publicação. Mas você poderia dividir esse dinheiro em diferentes estágios de sua produção, para que você possa ser pago quando assinar o contrato, então você é pago quando terminar os esboços do seu livro, e então talvez obtenha outro cheque quando você liga o trabalho de cores e depois mais um no momento da publicação. Um agente pode ajudá-lo a negociar quando você recebe esse dinheiro. Agora, alguns criadores confundem um adiantamento para um contrato de livro com uma taxa de página. Se seu nome estiver na capa do seu livro, você será pago por meio de adiantamentos em royalties. Se você é o colorista ou um colaborador para a produção do livro, você está recebendo uma taxa de página. Para esclarecer os avanços e as taxas de página, você pode conferir litebox.info, onde os criativos podem enviar taxas anonimamente em seus projetos. Outra coisa que você precisa considerar ao planejar seu contrato são quais são seus prazos. editores estão fazendo malabarismos com muitos livros e insistem em que os prazos sejam cumpridos para que possam manter seu cronograma de lançamento. É claro que é impossível realmente saber quanto tempo você levará para criar seu graphic novel depois de começar, Shark Summer me levou 12 meses. O livro a seguir, Spirit Week levou 18 meses. Todo criador funciona de forma diferente. Alguns podem colocar um livro a cada sete meses. Alguns levam anos para desenvolver um projeto. Como regra geral, Andrea diz: “Um livro geralmente leva cerca duas vezes mais do que você acha que vai”. Agora, não se esqueça de manter seu agente informado durante toda essa conversa. Lembre-se que é um pequeno triângulo de equipe. Temos indo aqui. Se você realmente investiu em tudo isso, conhecerá muitos editores ao longo do caminho e receberá muitas cartas de rejeição. Isso é apenas parte do processo. Vamos falar sobre como podemos colocá-los em uso. 18. Letras de Rejeição: Cartas de rejeição são uma grande parte do processo de arremesso. Andrea diz isso e cito: “Lembre-se, isso é um negócio só porque eu não estou publicando seu livro não significa que não seja ótimo.” Os editores querem incentivar os criadores mesmo quando estão recusando seus lançamentos. Se um editor tiver tomado um tempo para revisar seu trabalho e oferecer uma carta de rejeição encorajadora, peça conselhos sobre onde ir em seguida. Essas pessoas fazem parte de uma grande rede e muitas vezes podem apontar você na direção certa. Aqui estamos dando uma olhada em algumas das minhas cartas de rejeição. Você vê que eles não são tão simples quanto apenas um arrependimento ou nós não queremos, geralmente eles explicam por que e às vezes eles até oferecem um pouco de encorajamento e implicam que “Ei, eu adoraria ver mais se você tem isso.” Você pode tomar isso como verdade. Eles realmente acham que o que você está fazendo é incrível, eles simplesmente não estão se conectando com essa história específica. Muito antes de eu chegar a Shark Summer, eu estava lançando livros de ficção científica e fantasia por anos e não chegando a lugar nenhum. Em uma dessas cartas de rejeição, notei que Andrea tinha gostado do que eu estava fazendo, mas não gostava daquele livro, e que era uma porta aberta apenas o suficiente onde me ajudou a me conectar para ela e, eventualmente, trabalhou meu caminho para criar um arremesso que ela achava incrível e eu também achei incrível. Cartas de rejeição não são becos sem saída, são blocos de construção para ajudá-lo a refinar seu processo criativo. São portas que são deixadas abertas para ajudar você a fazer conexões com os editores certos. Cada estágio de uma carreira criativa terá contratempos, é realmente uma questão de como você aprende a usá-los que decide o destino de sua carreira. De qualquer forma [NOISE] isso é um monte de conselhos. Acho que agora é hora de fazer algum trabalho próprio. Vamos falar sobre o projeto da classe. 19. Projeto do curso: O objetivo do projeto de classe é preparar você para criar um tom completo através desta versão simplificada do processo. Sua tarefa é me consultar, é se eu fosse um agente ou editor em uma das cinco grandes editoras. Meus requisitos de envio são um título para o livro proposto, um discurso de um parágrafo da sua história e uma única página de arte em quadrinhos acabada. Pode ser em cores ou em preto e branco. Eu gostaria de ver diálogo, ação e um senso dos temas do seu livro presentes nesta única página de arte em quadrinhos. Como discutimos, o mercado com maior crescimento está em romances gráficos de jovens leitores na categoria de histórias contemporâneas. Histórias de jovens amizades, histórias escolares. Se você não tem uma história própria para lançar, você pode tirar da tradição, fábulas, contos de fadas. Você pode até lançar uma adaptação de um dos clássicos infantis como The Secret Garden, ou Are You There God It's Me, Margaret ou Matilda. Depois de enviar o projeto da aula, eu o lerei e lhe darei feedback sobre a eficácia do seu discurso. O trabalho que os alunos compartilham é o que dá a essa classe uma vida contínua e constrói além das lições que eu simplesmente compartilhei com você aqui hoje. Minha esperança é que possamos criar essa pequena sala de aula incrível onde os alunos estão indo e vindo, encontrando inspiração em mim e um do outro, e começando uma jornada emocionante para o mundo da publicação de graphic novels. Gostaria de lhe desejar alguma sorte lá fora e estou ansioso para ver suas histórias se juntarem. 20. Juntando tudo!: [RUÍDO] Foi um curso e tanto. Obrigado por se juntar a mim. Espero que você tenha aprendido muito. Se você quiser continuar a discussão por meio de um projeto de aula ou me fazer perguntas na parte de discussão deste curso, você encontrará uma guia de discussão em algum lugar abaixo deste vídeo agora . Você é bem-vindo e compartilhe seu trabalho na seção de projetos de classe. O que você viu agora é realmente apenas o início da conversa. Uma aula não é realmente eficaz a menos que tenha alunos se envolvendo com ela para me desafiar a aprofundar um pouco mais em alguns dos temas e ideias que já abordei neste curso. Se você tiver algumas perguntas de negócios, sinta-se à vontade para me perguntar. Estou aqui o tempo todo conversando com os alunos no Skillshare. Agora, se você gostou deste curso, tenho todos os outros conteúdos que podem ajudá-lo a desenvolver seu lado criativo em desenhos animados, arte conceitual e narrativa em quadrinhos. Tenho cursos sobre design de rostos de desenhos animados, alguns dos fundamentos de desenhos, quadrinhos de forma curta, aulas sobre ficção científica e fantasia, arte em quadrinhos e todas as outras coisas legais. Você encontrará essas coisas no meu canal. Se você gostou deste curso, por favor, compartilhe uma boa avaliação comigo e com os outros alunos, ajude as pessoas a descobri-lo e obrigado por estarem aqui. Adoro livros falantes, como eu disse no início. Boa sorte com o seu discurso e estou ansioso para vê-lo na seção de projetos de classe. Adeus.