Os impressionistas: uma revolução no mundo da arte

1. Uma introdução ao impressionismo: Olá, Olá pessoal. Hoje vamos falar sobre um movimento e um estilo que você provavelmente já ouviu falar antes. É muito improvável que você não tenha ouvido a palavra impressionista antes, certo? Já está em nossa cultura e consideramos basicamente um clássico da arte. Quando a impressão de falar é hoje em dia, existem algumas palavras que não viriam precisamente à mente. Revolucionário, rebeldes, aventureiro. Mas é verdade. Hoje vamos descobrir como é que um grupo de principalmente franceses e algumas mulheres muito audaciosas mudaram sua arte amorosa para sempre e abrem as portas da modalidade. 2. O nascimento de uma revolução: Foi Louis Leroy, crítico de arte que usou a palavra Impressionismo, considerando o trabalho uma mera impressão longe da realidade, usado para pinturas cuidadosamente compostas e realistas exibidas anualmente no Salão de Paris. Leroy ficou chocado com suas pinceladas soltas e composição casual de dinheiro. E seus amigos. Ele pensou que o assunto principalmente paisagens ou cenas das pessoas de rua indo sobre suas vidas cotidianas, vulgar e lugar-comum. Além disso, ele considerou que a maneira de pintura adotada era muito atraente e incompleta. Inspirado precisamente pelo título desta pintura, ele intitulou seus anfitriões têm crítico no jornal. Eles exibem o nome impressionista em um terceiro, amigável ao canal de exposição do movimento os pintores tinham no século XIX A França era o Salão de Paris, ligado à Escola de Belas Artes, que tinha um júri de prestígio selecionado pelas obras enviadas. O único problema, era que algum artista tentando ser moderno ou trazer uma pequena mudança para o Salão foi imediatamente rejeitado. Os artistas estavam em uma posição desesperada porque eram aceitos isso junto com a única maneira real de fazer com que os outros soubessem seu nome. Ter segurança financeira. Ventrally, essa viria a ser a única solução. Os pintores que se reuniram em torno da rede decidiram criar um fórum de exposições diferente dos oficiais em que todos os artistas independentes pudessem mostrar seu trabalho. Assim surge. A primeira exposição da Sociedade Anônima de pintores, esculturas e gravador, aconteceu entre abril e maio de 1874 nas salas que o fotógrafo não lhes empresta. 3.500 visitantes vieram, mas a maioria deles, e só para rir das pinturas da mãe que viram. Para colocar apenas alguns exemplos. Neste elemento, direi que começamos a pintar Symphony Número um, jovem e branco foi apresentado, criando um grande choque, pois já havia sido rejeitado pelo Salão Francês e pelos britânicos Royal Academy. Temos que considerar que, a princípio ele só chama a jovem de branco, tentando evitar qualquer tipo de mensagem secundária. Seu ponto de vista, uma pintura não deve ter uma narrativa ou conteúdo oral, mas apreciamos tudo por si só da mesma forma que uma licença para uma obra musical. Foi só depois que ele começaria adicionar esses outros títulos, harmonia, sinfonia, arranjo, Nocturne, para fazer esta ponte com todas as peças musicais que ele amava e admirava. Será nesta mesma ocasião em que minha rede apresentar sua visão de trabalho mais controversa. Também. Ele será rejeitado pelo júri oficial e totalmente censurado pelos críticos. Apesar de mais uma vez receberem a aeração dos jovens artistas que se sentiram muito atraídos por seu trabalho. Esta pintura minúscula é novela na que apresenta nó da vida cotidiana ou seja, sem a necessidade de nós no passado para restaurar figuras mitológicas para mostrar beleza feminina. Sem fechar, ele empregou seu modelo favorito entre romance, que aparece acompanhado pela escultura da duquesa Fernando, o casco, Angus tap, o irmão pintores. Mas o que é mais marcante é um contraste entre a nudez da mulher humana e os dois homens que a acompanham fecham completamente. Este é o caso também do trabalho que vemos à direita. Neste trabalho, a pintora apresenta uma figura de uma prostituta de alta classe, nua, deitada em um sofá acompanhada por sua empregada e um chapéu preto. Para esta pintura, o dinheiro seria inspirado por Ticiano é Vênus. No entanto, a novidade de Monette é novamente que ele apresenta a figura nua sem o apoio da mitologia ou do orientalismo. É uma cena muito contemporânea. A partir daqui. Muitos outros serão inspirados a fazer outras cenas fraternas que mais tarde se tornariam famosas, como Toulouse-Lautrec. Nesta aula, aprenderemos que não podemos falar de um único artista quando se trata de impressionismo, temos que falar de todos eles como um todo, como uma equipe que, apesar de não terem necessariamente trabalhar em conjunto, o mundo trabalhando para o mesmo objetivo de finalmente libertar do que a arte acadêmica estava pedindo a eles como artistas. Vamos tentar nos colocar no lugar do artista, tentando realmente ver além do que normalmente vemos. Por exemplo, nesta foto, sabemos, entendemos quais nossos sentidos mais básicos que vemos uma paisagem, que vemos um pôr do sol e reflexo da água. Mas como capturamos a cor de uma cena? O último, apenas um instante. Eu não quero pular em frente. Mas listando isso hoje, estamos muito acostumados com a ideia de congelar o momento com a fotografia. Naquela época, a fotografia era nova para muitas pessoas. Então, a ideia de congelar um instante ainda era algo que eles tinham que entender sua mente. Há ainda mais um problema técnico. Até o início do impressionismo, os pintores acadêmicos não usavam pigmentos crus. A arte do pintor consistia misturá-los e sobrepondo-os em camadas para nuanciá-los e imitar tons. Outro mostra-os apenas como variedades traumáticas. O que isso significa que nas aves tem uma nova arte, um dos pontos mais importantes e geralmente ignoramos é o papel que avança na ciência e na técnica. A tecnologia tem as coisas como as menores, usando uma peça de metal para tocar a escova, cerdas na alça. Os novos pincéis eram muito mais resistentes que os antigos e permitem aplicar pinceladas intensas e precisas. Em meados do século XIX, os primeiros pigmentos sintéticos se encontraram de veterinários leiteiros industriais que são comercializados, como ver amarelo, amarelo cádmio, azul laranja, azul ultramarino, carmesim e azul prussiano. Aquele que hoje sabemos que o oxida escurece. Isso nos leva a um dos pontos mais importantes do trabalho do impressionista, como o dinheiro, a possibilidade de trabalhar um ar puro ao ar livre. Até então, os artistas misturavam pigmentos em pó, às vezes também moendo-os com óleo de linhaça, obtendo uma quantidade e densidade desejadas. que nos leva a este belo dia de verão, capturado por Monet em toda a sua glória com todo o suborno e pop é elogiado as nuvens sensatas em um céu azul claro, diluiu os contornos e construiu uma cor para o ritmo com bolhas de tinta começou a partir de uma aspersão de filhotes que esses remendos proporcionalmente grandes em primeiro plano na supremacia da caverna, ele colocou uma impressão visual. Um passo em direção à abstração havia sido dado. 3. Capture o momento passageiro: O grupo de impressionistas inclui, embora esta não seja uma lista exclusiva, marca de nascença. Colmeia vai, Por que não? Alfred Sisley? Esqueci de dizer a eles apenas para me mutilar. Camille Pissarro, filho do chefe. E vou explicar. Por que não estou incluindo um anão? Bem, isso é porque ele era um impressionista impresso. Ele é, no entanto, a base dessa conversa porque ele será admirado e seguido por muitos desses artistas que veremos hoje. Ele sempre foi o pai dos outros impressionistas. E ao lado de Cezanne e Picasso, ele será um daqueles personagens que abrirão o modernismo para o mundo europeu. O terceiro, da esquerda para a direita, vemos o guarda Degas como Edgar de Deus, porque ele estava vindo de uma família aristocrática. Então essa era a maneira de representar de onde você estava vindo. Este mais difícil não é movido como base mono que Tunis precisa interpretar a natureza. Também não entende os interesses que a paisagem desperta em pintores como Pissarro são como a Sicília. Como meu pescoço. O cara é um amante de Paris quando se alegra vagando em matemática de servir os habitantes da grande cidade em cafés na ópera. Longe da luz natural. Chamamos isso de pintura mental. Trancado em sua oficina com as costas voltadas para a Natureza. Ele se encontra à distância de uma espontaneidade de TI. Ele viria a ver ao longo da transformação, a imaginação colabora com a memória e o pintor reproduz o que mais lhe interessou. Ou seja, o que é mais necessário. Por exemplo, na pintura da orquestra de ópera, o principal objetivo é fazer o retrato de seu amigo nesta época acordo. Mas parte do tema de desenvolvimento da Ópera de Paris é sugerido na parte superior da pintura. Um tema que acabará invadindo toda a composição, se tornará um de seus motivos favoritos, pois lhe permite combinar o estudo da forma, do movimento e da cor. Podemos comparar sua representação e manuseio dos personagens com a forma como muitas pessoas representavam. dinheiro que nasceu em 1832 estava determinado a ser pintor. Ele adquiriu um treinamento sólido nas oficinas da Thomas Couture. Então ele teve muita sorte sobre isso, complementado com inúmeras viagens ao exterior para ver o trabalho dos clássicos em C, para copiar as obras dos salões Ticiano, Rembrandt, Velazquez, entre outros, e pintores profundamente admirados do barroco espanhol. Você pode reconhecer dinheiro porque seus personagens estarão principalmente em posts mais ofensivos ou sabendo que um retrato está sendo feito. Muitos deles estão olhando para o que seria a câmera. E os temas em torno deles são temas que provavelmente o Salão de Paris aceitaria. Por outro lado, deve sua fama acima de tudo à série de dançarinos. Um universo que não podia viver em artistas preocupados com o equilíbrio e o movimento, indiferente. O mundo do balé oferece a um cara um vasto repertório de motivos. Dançarinos amarrando o sapato, descansando , fazendo exercícios de bar, amigos nas mãos que sofrem com o esforço. Porque o equilíbrio instável, desafia a lei da gravidade. A aula de dança é uma homenagem a joules paralelos, o grande dançarino e coreógrafo do Romantic Ballet. inclinação paralela ou sua bengala ocupa o centro da composição e contrasta com a leveza dos dançarinos. Embora o gato não dissolva a forma, a influência do impressionismo é revelada no uso de tons claros. Isso conhece os contornos. Qual fotografia o gato descobre que o olho é como um projetor que pode ser colocado a qualquer altura e em qualquer lugar. Assim, os fragmentos que a visão, a introdução de novos ângulos, visões de cima ou de baixo, fecham também, é claro como importante concedido aos detalhes das impressões japonesas. As cores também sobre a assimetria sistemática da composição. Isso é algo que para o espectador ocidental é altamente original. Há algumas coisas ou detalhes que hoje em dia não pareceriam ser um grande negócio. Mas naquele momento eles estavam. Primeiro de tudo, é dinamismo da cena? Segundo, que pela primeira vez na história da arte, maioria dos personagens e há muitos, e isso é visto são principalmente anônimos. Terceiro efeito, e este é provavelmente o mais importante, é que agora entendemos que natureza humana está de fato no momento, vivendo no momento de tentar congelar o instante que estamos saindo. Mesmo que não seja algo que seja realmente heróico. Eles não são afinal, mudança de vida são momentos que alteram a vida, mas é disso que a vida humana é feita. 4. Impressionismo, a joie de vivre: Convencionalmente, em 1839, a fotografia, que apenas uma década depois já seria a arte visual mais popular do século era o elemento mais influente da sensibilidade visual da época. Na medida em que o pintor acadêmico Paul, o La Roche, afirmou em 1850 que a pintura estava morta. Alguns como o SAM curl, o selo, o cara só usa uma nova invenção como ponto de referência e inspiração e mais de uma ocasião. Embora alguns deles estivessem relutantes em reconhecê-lo. O ponto de partida da pintura moderna, oposição ao das vendas acadêmicas, consistiu em comparação e destacando o caráter da pintura da obra, distinguindo-a da fotografia, que já era um concorrente mais difícil. Então, vamos dar uma olhada nesses exemplos. À esquerda, vemos a caixa dos artistas acentua e a evidência é uma pintura e o que realmente é, que é pano manchado. O espectador, também como espectador, não vê mais essa cena como através da janela, temos que parar e considerar a pintura também uma superfície do outro lado à direita. Sem recorrer a nenhum islã sentimental ou comentário moral. O carro nos confronta através composição de seis sacos com essas dessa composição de seis sacos com essas figuras bêbadas, marginalizadas e solitárias. Ló, apesar de sua proximidade com outros seres humanos em sua própria solidão. Em vez daquele aveludado servem como defendido pelas pinturas acadêmicas. Os impressionistas fazem pinceladas soltas visíveis com muito impasse que para criar alívio ou diluído que a largura da tela é perceptível. Em qualquer caso, exibindo a materialidade da superfície. Em defesa da realidade visual, os impressionistas descobrem que a natureza está viva e mudando. Sombras ou transformadas. Eles são refletidos pelas nuances do meio ambiente. Cores puras não existem. Eles são completamente influenciados pelo ambiente cromático. A luz não é estática, mas mutável, inabalável. Você já notou isso em seu entorno? O nascimento de uma nova classe, o livro Gua foi outra consequência da Revolução Industrial. A maioria dos impressionistas, como muitos de seus clientes, pertence a suas famílias. As únicas exceções em que o dinheiro, que vemos nesta imagem, é um pouco irônico que fosse precisamente ele quem se tornaria o impressionista mais monista, que o aprecia, o gozo da vida na Paris de seu tempo. O resto de nossos artistas vieram de famílias aristocráticas. Por exemplo, com pais magistrados ou empresário, comerciantes, senhorio, imóveis de especuladores. No final, eles faziam parte de uma França próspera, que na época havia se expandido e pirata na África e na Índia, na China. O período impressionista entre 18751914 coincide com este Tajik Belle Epoch. Aquele momento em que Paris deixa qualquer vestígio rural para se tornar o critério que conhecemos a capital em seus objetivos, um tempo completo de transformação para Napoleão o terceiro e o Hausman viral que promoveu o maior reforma urbana. Você poderia vê-lo novos sistemas de água, esgotos que eliminaram os maus cheiros da rua e reduzem pandemias. A construção de novas estações e mercados. Grandes residências privadas, edifícios públicos espetaculares, como avenidas, parques públicos e cafés e restaurantes ao ar livre. O favorito desses estabelecimentos para o nosso grupo de artistas. Eles Orlando em Amã matemática ainda está na periferia da cidade com um ar rural que ainda perderia. Mas a palavra que eles gostaram de encontros contínuos e uma atmosfera festiva onde muitas de suas pinturas mais importantes veriam a luz. Muitos dos impressionistas, especialmente a renovação, seriam criticados duramente porque muitas das pinturas pareceriam inofensivas ou suaves. E quando não recebemos seus críticos que disseram, sim, estamos tentando encontrar beleza e mostrar beleza e mostrar nossas vidas no rio e confessar com nossos amigos. E sim, essa vida é feliz e bonita. Sim, Pretty. Seu principal objetivo, afinal, não era ter temas ofensivos ou sombrios, mas ter uma técnica revolucionária. E falando precisamente sobre técnica. Qual o papel da metade do desenho nesse processo? desenho foi descartado por muitos dos impressionistas que consideram um obstáculo para o ismo acadêmico. Eles preferiram pintar diretamente na tela. O cara do outro lado achou que o desenho era a maneira de realmente apreender a realidade. Ele disse: Não é a forma, é a forma como vemos o formulário. Por exemplo, no cantor com a luva. O ponto de vista escolhido para este close-up é o do espectador ou abaixo da decisão do esquema de linhas e do ar caricata, bem como o tema do globo, serão recursos que Toulouse-Lautrec usará. Esses cartazes, abrindo a porta da técnica do anúncio. 5. O papel da fotografia no mundo da arte: Outro artista revolucionário desta época foi o nascimento Morrison. Ela começou a desenvolver uma espécie de abreviação visual de traços rápidos e curtos para pintar com o que está na frente de seus objetos de contas ou pessoas. Ela capturou o movimento e acendeu traçando linhas descontínuas com a superfície do pincel, linhas rápidas com a ponta do pincel e, em seguida, arranhando a tinta com a alça. Nenhuma impressão dela é que colegas tiveram trabalho de forma tão experimental. Como ela conseguiu desenvolver um estilo tão autêntico? Ela teve a sorte em citações aéreas de não frequentar nenhum tipo de escola ou academia. Ela pintou basicamente o que viu e até foi proibida de se encontrar no maior efeito de bloco é até entender o impressionismo melhor do que ninguém. Por não ter permissão para entrar nas escolas. Sua pintura nunca foi impregnada da temporada acadêmica que seus colegas estavam tentando desfazer. penteado era muito mais único do que qualquer um dos outros pintores. Então, sim, ela seria criticada e ridicularizaria como sendo feminina demais. Mas havia algumas pessoas que estavam tentando ajudá-la e ele reconheceu seu talento. Um deles foi dado nosso dinheiro, que vimos foi a primeira impressão Impressionistas. Como você acabaria se casando com seu irmão Eugene. Ele a ajudou a entrar no círculo, mesmo que Marissa estivesse trabalhando em um momento em que as mulheres não tinham permissão para tomar Aulas de Anatomia por medo serem sólidas em pensamentos impuros. Acreditava-se que as mulheres não tinham os poderes abstratos necessários para transformar a nudez em nus. Além disso, ser mulher em um livro, tem família. Ela estava constrangida aos temas ao seu redor, como sua casa, o parque, o marido, a filha. Ela trabalhou a vida toda, participou de todas as exposições impressionistas, exceto uma. E foi porque Julie, a filha dela tinha acabado de nascer. Ela levou o impressionismo para os Estados Unidos e a American Heart Association e vendeu mais pinturas do que dinheiro sazonalmente ou Pissarro, chegando a alcançar exposições individuais. Infelizmente, o sistema patriarcal não queria que uma mulher recebesse o reconhecimento que merecia. E ela foi relegada a uma artista feminina por causa de seu tema caseiro. Assim como muitos de seus colegas, como a América, sentaram-se. E se eu puder vender isso hoje, embora ela seja conhecida como uma grande dama da pintura. Então Marika disse que era uma das outras artistas femininas que eram da mais alta qualidade de trabalho e que emitem ou não uma mulher, estaríamos falando dela nos museus ao nível de qualquer um de seus companheiros amigos impressionistas. A América é considerada a primeira impressionista americana. Ela fez parte do grupo desde o início e se juntou entusiasticamente aos seus custos. Ela não compareceu apenas como reuniões de Morisot no passado, mas ela se reuniu com elas em particular e em exposições. Os guardas se tornaram seu grande aliado. Ele foi um dos primeiros a ajudá-la a superar essas fronteiras de comunicação entre a arte americana e quando a Europa esperava ver seu trabalho é relevante não só porque sua técnica também é revolucionária, mas por causa do fato de que ela era muito cínica e ela tentou trabalhar como foto dos assuntos atuais em seu trabalho, mesmo que ainda vejamos alguns dos temas que foram considerados caseiros. Mas a América era feminista e ela apoiava ativamente o sufrágio feminino, lutando pela igualdade. E eu costumo ganhar a liberdade e o direito de votar nas mulheres. amigo dela, o cara, estava ficando progressivamente cego à medida que envelheceu. Então, eventualmente, ele começou a trabalhar cada vez mais em esculturas em caminhadas. Aquele dançarino de 14 anos é um escultor criado por ele em 1881 e representa a jovem dançarina chamada Marie foi recebida. O escultor era originalmente feito de caminhadas e foi fundido em bronze apenas em 1922. Este animal de estimação experimenta e novo osso de cada vez, obras eram uma seleção de material rara para a época. Além disso, a escultura está vestida com um cartunista Kurt, e uma faixa de cabeça repousa sobre uma base de madeira. Quando a pequena dançarina foi exibida em Paris durante as seis exposições impressionistas de 1881. Recebeu críticas mistas, mas principalmente negativas. A maioria dos críticos ficou indignada com a peça. Eles o consideravam feio, primitivo grotesco. Essas foram apenas algumas das palavras que eles usam. Então, é claro, de coração partido que Deus decidiu nunca mais mostrar ou se comprometeu em caminhadas. Indo contra sua vontade, os escultores ERS decidiram esvaziar 27 de suas tatuagens em bronze. É por isso que há esse intervalo de tempo de 40 anos entre a confecção das peças. Os bronzes, Tatas, 69 esculturas originais em cera e outros materiais sobrevivem ao processo de fundição. Então agora podemos ver, mesmo que muitos dos artistas fossem noticiários muito diferentes e, em tema, eles estavam todos muito comprometidos com a técnica do impressionismo. Sendo o primeiro, mostra uma consistência de grade. Ao longo de seu trabalho. Este trabalho está mais próximo do fim de sua vida, mas vemos temas que já vimos antes. Ele. Um retrato, uma relação de um a um com uma pessoa que está sendo retratada. Neste caso, há algumas questões técnicas que já foram criticadas antes, mas que ele sempre disse que estamos de propósito. Por exemplo, a escala e a posição das pernas do trapézio superior esquerdo. E o reflexo que vemos, apesar de vermos a pessoa de antemão, há uma espécie de inclinação. Outros impressionistas, por outro lado, mostrarão momentos mais fugazes e, acima de tudo, mais anônimos. Esta pintura pastel é uma de uma grande coleção onde vemos figuras semelhantes realizando gestos semelhantes. Aqui depois de molhar este soco, a banda de mulher soa e inclinada em uma mão, levanta a outra para lavá-la de costas. Vamos tentar ir além da cena cotidiana em que invadimos a intimidade da mulher. Como você analisa a força, o equilíbrio da postura? Como você entende os planos da pintura? A estranha aridade alguns emana das notícias, mas não é a expressão do desejo em seu sentido habitual. No Deus há obsessão em sugerir movimento. Sempre com o desejo de permanente, como o dinheiro nos atingiu não perseguir a pintura. O que é passageiro, o que é transitório, mas sim parar o gesto que sintetiza e resume todos os gestos. Ele diria, nada na arte deve parecer um acidente, nem mesmo movimento. Todas essas peças andam de mãos dadas com um determinado nó na modernidade. Temos que considerar que agora os pintores não precisavam mostrar veracidade, para pudessem realmente mostrar emoção e uma série de outros conceitos através de seu trabalho. Além disso, eles tinham a possibilidade de conexão com o mundo oriental. Foi uma primeira vez, por exemplo, que a impressão em bloco foi trazida do Japão. Artistas como Hokusai ou conhecidos pela primeira vez. Eles eram. No final, momentos emocionantes. Imagine quantas coisas estavam sendo inventadas e descobertas quando elas chegam, acompanha meu pescoço até as corridas. Um desvio muito apaixonado durante o reinado de Napoleão o terceiro. Ele não está interessado no espetáculo mundano, mas no movimento gracioso dos cavalos. A tensão antes da corrida ou mesmo as cores do percurso está se fechando. E a piada é que, como diz a história, quando Murray Bridge foi com seus amigos para o racista, eles não conseguiram descobrir se havia um momento em que o cavalo está parando de tocar o chão completamente. E então ele começou a experimentar fotografia com uma velocidade mais rápida porque geralmente as pessoas tinham que se sentar por horas para fazer um retrato. Então, esse é basicamente o nascimento do que se tornaria cinema. E como você vê, toda arte começa o comerciante juntos. 6. A chegada do mundo moderno: Todos esses ensaios de que o mundo moderno já estava aqui. Provavelmente muitos de nossos avós já nasceram. Kandinsky, que viria a ser um dos mais importantes artistas abstratos e modernos do século XX. Eventualmente disse que ele foi muito inspirado nos palheiros de Monet, não pelo tema, mas pelo ritmo musical de sua cor. Eles se tornariam uma verdadeira revelação para ele e um marco importante ou seu caminho para a destruição. Ele diria que é cor e forma o que desencadeia uma resposta emocional e não os objetos, os textos pressa em si. É como se não houvesse assunto na pintura, apenas luz e atmosfera. Quando o termo impressionista foi aceito por volta de 1887, um crítico ligado ao grupo Josh Líbia, propondo uma definição ainda mais ampla que se aplica a séries sazonalmente de trabalhos. Trate qualquer assunto pelos dedos dos pés e não pelo próprio sujeito. Aqui está o que distingue os impressionistas de todos os outros pintores. Ele pintou cerca de 15 pinturas dessa igreja da aldeia em vários momentos do dia e em diferentes estações. O jogo aqui foi executado em uma multa, mesmo na antiga 94. Baseado no segundo andar de uma casa, meu modo de plasma, protetor de Sisley, suas impressões visuais diretamente na Canvas. As cores claras e ousadas aplicam esta maioria dos traços capturam os efeitos fugazes da luz da noite. Apesar da espontaneidade dessa visão. Nessas pinturas, também encontramos o rigor arquitetônico e a busca de dívidas que caracterizaram toda a composição dos pintores. Cc era tantos outros no grupo, com muita sorte. Ele nasceu em Paris, filho de um rico comerciante inglês que o enviou para Londres e a equipe entrópica para começar seu status comercial. Mas o jovem, no entanto, dedicou-se a estudar pintura inglesa, especialmente pinturas por conceito. E Turner decidiu ganhar a vida com a pintura. Sisley retornou a Paris em 1862, e sua família o apoiou e o incentivou a estudar artes. O edifício é aqui com tanto sazonalmente com dinheiro. Não mais do que uma desculpa de fundo para mostrar o autêntico protagonista da composição. O poder da pintura para representar a qualidade dinâmica da luz e da atmosfera capaz de dar vida a algo como Tony e inanimado como imponente fachada da igreja ou catedral. Quando Monet pintou aquela série errada da Catedral, era uma série muito maior de 40 pinturas. Mandy esta panela entre 18921894, ele havia muito tempo ficou impressionado com a forma como a luz em partes para um assunto. É um caráter distintamente diferente em diferentes momentos do dia e do ano. E uma tristeza muito condições mudam. Por dinheiro. Os efeitos da luz sobre um assunto tornaram-se tão importantes quanto se o próprio sujeito. Este trabalho é uma tentativa de ilustrar a importância da luz, nossa percepção em qualquer momento e lugar. Ao se concentrar no mesmo assunto através de toda uma série de pinturas, Monet conseguiu se concentrar na gravação de sensações visuais. A tarefa era um grande desafio. O dinheiro descobriu que a coisa que ele estava estabelecido em pintar luz era uma coisa quase impossível de capturar por causa de sua natureza em constante mudança e sua extrema sutileza. Por sua capacidade de capturar a essência de uma cena rapidamente, depois terminá-la depois usando um esboço combinado com sua memória dessa cena. Para essas pinturas, ele usou camadas grossas de tinta ricamente texturizada, expressivas da natureza intrincada do sujeito. Esta série seria conhecida como o clímax do impressionismo. Da próxima vez você estiver na frente da pintura impressionista. Não importa o autor da época em que estava acasalando. Considere ver além da paisagem ou além do personagem que é retratado. Tente chegar ao sentimento e a essência do pintor estava tentando transmitir, tentar entender seu processo de tomada de decisão da posição Apollinaire, da hora do dia, as condições atmosféricas, cada pequena coisa, como em muitos outros temas sobre os quais falaremos na história da arte, é uma decisão. Moody com levar essa ideia desta série ao extremo, onde ele pintou aproximadamente 250 Canvas está se referindo a nenúfares e seu jardim de inspiração oriental. E me dê uma obra de arte por si só que você ainda pode visitar a apenas 20 minutos de Paris. Hoje ele está em casa, hospede-os em uma fundação e jardim botânico, que você trabalhou com o mesmo cuidado e fascínio que as próprias pinturas. Motive plantou os líderes da água antes de pintá-los. Ele organizou sua propriedade para me dar como se fosse uma pintura enorme. Graças ao pequeno exército de jardineiros. Ele desviou o rio. Planeta, nenúfares, flores exóticas, salgueiros chorando e outras plantas exóticas. Ele sentou a peça e adicionou gabinetes com galinhas brancas, patos e fezes. A natureza foi recomposta pelo artista e começou a montar seu coração. Ele diria, minha melhor obra-prima é meu jardim. Ele também gastaria muito dinheiro nessas lâmpadas e mudas jovens. A corrente abrange uma área de 15 hectares, incluindo a coleção botânica, a vegetação local e um pequeno viveiro de espécies raras. Eu imprimo 261974. A propriedade estava inscrevendo o título de monumentos históricos. A entrada, o jardim, a oficina, o pavilhão. E também foi listado como Jack eles, Ei, Mark manteve um jardim notável. Em 1976. O jardim em si trouxe mais felicidade ao dinheiro, provavelmente que a maior parte do trabalho de sua vida. Essas paisagens de água e reflexão se tornaram uma obsessão. Vou corroer. E agosto de 198, isso está além dessa tendência de um homem velho. E, no entanto, quero expressar o que sinto. Eu destruí alguns dos campi. Começo mais uma vez. Espero que algo venha de todos esses em separado. Oh, se esse esforço trouxe mudanças muito em breve e alguma vida para ele após a morte de sua esposa, ele volta a esta tela é um húmico, algumas mudanças radicais. Ele muda a escala dos campi agora eles são monumentais em escala. E ele também muda a paleta usando manchas brilhantes de cor para sugerir as flores. Ele não tem abordagem. E seu uso extraordinário de cores pontuais começou a trilha para movimentos artísticos subsequentes. Seus pulsos contemporâneos, Sam tornou-se afiliado ao pós-impressionismo. Matisse, que havia agredido dinheiro, tornou-se um dos primeiros artistas expressionistas. Vou deixá-los aqui precisamente este exemplo que nos levará à nossa próxima lição para enviar seu trabalho com a estética que seus antecessores estabeleceram paletas de cores muito claras e tratamento de luz. Em debatedores. Ele está quase olhando para a paisagem como através das lentes de um arquiteto. Ele é tudo sobre forma e geometria. E é muito estrutural. Seu treinado para passar da impressão para um olho arquitetônico mais lógico e analítico. Mas ele pegou foi principalmente o processo de sair e capturar a luz. Mas a diferença entre o Sol e impressionismo é que ele aumentou as inundações espaço suficiente. Ele usou a paleta de cores do impressionista, mas distorceu-a para mudar o conceito de tempo e momento. Reorientando esse ritmo enquanto ele está avançando por ele. impressionismo foi uma revolta visual. Os primeiros artistas renegados fluindo contra o sistema. Eles estavam pintando a vida como estava. É tudo sobre observar a natureza, examinar a vida como ela é, pois reflete a de um objeto. No final do período impressionista, os artistas se sentiram libertados de regras rígidas sobre competição, assunto e técnica. Eles não dependem mais da opinião do salão. artistas hoje em dia são livres para fazer ping no que querem experimentar com novas tecnologias e buscar suas próprias ideias e talentos. E a maior parte é graças aos impressionistas. Muito obrigado por estarem aqui, por compartilhar seu tempo comigo e por me deixar falar sobre esses temas pelos quais sou tão apaixonado. Espero que você também esteja. E se você tiver alguma dúvida, se tiver algum comentário, ficarei feliz em discuti-los. Você sabe onde me encontrar. Obrigado. Vejo você na próxima vez. 7. Projeto de classe estilo de impressionistas: Embora em um único movimento, cada artista contribuiu em sua cauda para o que se tornou o movimento impressionista. De acordo com as características e traços de cada artista, procurei identificar o autor das peças que mostro aqui no documento da aula abaixo. Compartilhe seus resultados e comentários como um projeto de classe. E vou me certificar de verificar e responder a qualquer pergunta que você possa ter. Obrigado por estar aqui por assistir a esta aula de história da arte e até a próxima vez.