Os dez princípios da pintura em aulas diárias de sketchbook

1. Os dez elementos da pintura: Estes são os conceitos básicos que todos precisam saber. Sou Amarilys Henderson, ilustradora de aquarela. Eu tenho que pintar para viver, e eu também pinto meus sentimentos e as coisas que eu tenho que fazer, e por diversão, e minha fé, e tudo o que você pode pensar. Basicamente apenas colocando em uma folha de papel. Ao fazer isso, estou implementando esses princípios que você pode nem perceber que usa constantemente, ou que vê nas grandes obras de arte. Quero guiá-lo através dos 10 princípios da pintura. Você terminará com 10 páginas do caderno de esboços para anotações, ideias e conceitos para ajudá-lo a criar melhores obras de arte. Todo artista precisa saber as coisas, então vamos andando. 2. Visão geral: Se você está criando trabalho e pensando, eu preciso voltar ao básico, eu realmente não entendo bem o que eu estou fazendo, ou o que eu estou reagindo, ou o que eu gosto, eu quero colocar essas palavras na sua boca, Eu quero que você entenda o que é que faz uma pintura grande, olhar para a linha, olhar para a cor, olhar para a composição, todas essas coisas que contribuem para um trabalho maravilhoso. São apenas práticas divertidas que vamos exercer em cada uma dessas lições e vamos embora como sempre com algo que vale a pena mostrar. Eu, pessoalmente, não gosto de fazer aulas onde eu apenas rabisco ou pior anoto notas, e eu não tenho algo para olhar para trás, para mostrar para ele. Sendo um aprendiz tão visual, eu realmente gosto de ser capaz de ver o que é que estamos falando aqui, e é isso que vamos fazer. Você pode fazer este curso sobre trechos todos os dias, na verdade, eu acho que é assim que eu sugeriria, dessa forma você tem essa coleção de lições e você está aprendendo lentamente, e quando você voltar para ele no dia seguinte e você está em Princípio número 2, você está pensando de volta, ok, qual era o número 1 novamente? Ooh certo, e aquela pequena corrida mental que você fez bem ali, que é muito útil na aprendizagem, você vai realmente entender os conceitos mais se você fizer isso como uma prática diária se você tomar um pouco de cada vez. Vamos analisar cada um deles, e vou ensiná-los um pouco sobre cada um antes de chegarmos aos nossos esboços e exercícios, o que eles significam para o trabalho de arte. 3. Sobre cores: Cor. Agora, quando estamos falando de cor, geralmente é a primeira coisa que vem à mente quando estamos pensando em pinturas. É por isso que nos apaixonamos na arte da Play Store e realmente a isca de nos colocar na pintura. Quando falamos de cor, estou falando sobre como a luz atinge um objeto e é percebida pelo olho. Isso é uma palestra científica por dizer que cada um de nós interpreta a cor através de nossos olhos e é realmente leve. Mas quais são algumas maneiras pelas quais as cores são usadas na pintura? Estamos falando de cor, estamos falando de matiz, então essa seria a diferença entre vermelho e verde, amarelo e azul, a tonalidade dessa cor. Então falamos de intensidade, que é basicamente o quão saturada é uma cor. Quanto essa cor é por si só, quão verdadeira é, quão intensa é, ou quão aborrecida ela é. Então, uma cor muito dessaturada seria cinza, e é uma perfeita sequência de valor. Outra maneira de falar sobre cor é em valor tonal. Então estamos falando de luz e escuridão, mesmo dentro da mesma faixa de cores. Algumas palavras para evitar quando você está falando de cor são brilhantes, simplesmente porque pode ser considerado valor ou intensidade, então é por isso que usamos essas palavras grandes para falar sobre cor. Falamos de matiz, falamos de intensidade e falamos de valor. Aqui estão algumas pinturas que melhor exemplificam alguns desses princípios. Temos um monte de cores diferentes e temos cores muito intensas e saturadas. Em seguida, temos cores que são usadas para descrever tons diferentes, valores diferentes dentro de uma pintura. 4. Prática com cores: Tenho o meu caderno de esboços pronto para a minha primeira lição. Cor. Tudo bem, eu tenho minhas tintas de aquarela para fora. Esta é uma paleta de ouro da missão Mijello. É bastante caro. Você pode usar qualquer paleta de aquarela que quiser porque estamos apenas brincando com as cores que temos. Vou usar um pincel redondo tamanho 4. É muito útil. É pequeno. Você poderia ir um pouco maior do que isso e mais tarde eu vou usar uma escova plana realmente grande. Agora eu só quero que você comece com a sua cor favorita e dê um pouco de swash, então crie um pequeno círculo. Agora, na nossa roda de cores, vamos pensar, qual cor eu quero ir que salta um e depois vai para este. Rosa é um derivado do vermelho. Então, se eu pular em direção a cores quentes, eu pularia sobre vermelho, laranja e iria para laranja em linha reta. Direto para o outro lado, é este verde. Aí está o meu esquema complementar dividido. Agora eu quero fazer um esquema análogo desta primeira cor. Minha primeira cor era rosa, e eu puxei isso de novo depois de rosa. Um esquema de cores análogo escolhe cores que estão ao lado dele. Bem ao lado, eu tenho laranja vermelho e laranja. Só para torná-lo um pouco mais leve, nós vamos esticar sobre a laranja amarela. Você vê como essas cores tipo de ir tudo em uma linha, esse é o meu esquema de cores análogo. Agora, eu só vou escolher uma cor. Estou usando um pequeno pincel plano, este é o tamanho 6. Mas, honestamente, parece que deve ser menor que isso, um número menor que isso. Você não tem que ter este pincel. Só estou criando um pouco de cor com ele. Agora eu tenho duas cores legais, verde e azul, e um monte de cores quentes. Eu vou tentar o meu melhor para manter essas cores, e eu posso adicionar preto ou clarear então como eu quiser, e eu posso misturá-los juntos. O que vai ser muito divertido. É tão divertido que tenho que te mostrar. Vou misturar o meu rosa com a minha laranja. Veja como criar um pequeno círculo de rosa sobre a laranja, apenas reativou. Eles se misturam. Vou misturar o meu rosa com o verde. Para reativar suas cores, basta molhar seu pincel. Assim, desperta as tintas no seu papel de novo. Vou fazer o mesmo com a laranja. Aqui está laranja mais rosa. Que cor é que isso faz? É um pouco como a laranja queimada. O laranja com o verde faz um belo marrom lamacento e bonito, que é muito bonito. Essas são todas as combinações de cores que podemos fazer misturando essas três cores juntas. Porque se eu misturar o verde com a laranja, é o mesmo que misturar a laranja com o verde. Mais um passo que vou dar é usar branco, estou usando caneta branca pelo Dr. P.H Martins. Vou misturar um pouco desse branco com meu rosa para que eu veja como é quando está claro. Lave minha escova, misture um pouco de laranja com o branco. Lave meu pincel, branco com o verde. Um pouco de hortelã. Muito escuro, vou adicionar um pouco mais de branco. Lá vamos nós. Eu posso até trazê-lo para este marrom, misturar isso. Você fica com este marrom fresco e silencioso. Colocando um pouco do branco neste tipo de cor violeta que eu tenho de rosa mais verde, mais branco, e que seria o mesmo, rosa branco e laranja. Isso é um monte de cores que temos que escolher. Então podemos fazer uma pintura muito completa e nem precisamos marcar para esse tipo de azul bônus que eu joguei só por diversão. O que eu vou fazer é agora eu vou usar meu grande pincel plano. Pode continuar usando o pincel que temos usado. Isto vai ser mais rápido. Então eu vou primeiro molhar minha escova. Este é um tamanho 20. Eu só vou criar um gradiente de cores com essa camada inferior. Vou começar com aquela parte molhada da minha página no topo. Vou adicionar rosa. Este método é chamado de método de pintura molhada sobre molhada, é porque estamos pintando tinta molhada em uma folha branca de papel. Faz com que as cores se misturem muito melhor do que se passássemos de um pincel molhado para uma folha de papel seca. Eu tenho meu pincel ainda molhado, mas desta vez eu adicionei um pouco de laranja, eu vou deixá-los cruzar um pouco. Verificando se meu jornal ainda está molhado. Na verdade não, então vou adicionar mais água. O pincel estava um pouco sujo, então já tinha um pouco de rosa, mas tudo bem. Minha próxima cor, amarelo, laranja. Você pode até pular cores porque se formos direto para amarelo, o amarelo e o laranja se misturariam, certo? Então eu não preciso adicionar este laranja vermelho aqui. Já é laranja vermelho. Já é o rosa e a laranja se misturando. Penteie esses tanto quanto quiser. Você pode continuar se você quiser fazer um arco-íris completo e fazer mais cores, eu vou parar no amarelo porque eu realmente quero manter meu esquema de cores como eu tenho aqui. Eu só estou reaplicando tinta como eu preciso, onde eu estou vendo que há algumas manchas que precisam de mais cor. Honestamente, estou me divertindo tanto. Esta é uma atividade tão simples e você aprende tanto sobre cor apenas olhando para essas cores se interagem e se misturam umas com as outras. Faça mais destes, se quiser. Mas isto é tudo o que vamos fazer hoje. Estamos brincando com as cores que escolhemos, nosso esquema de cores complementar dividido, criando camas molhadas de cor, e depois preenchendo-o com mais para que eles degradem juntos. É muito divertido de assistir. 5. Sobre tonalidades: Dizem que o valor é a coisa mais importante em uma pintura, mas a cor recebe todo o crédito. Valor é um ótimo segundo passo para pensar. É a pedra angular de muitas pinturas. Se você pode pegar uma pintura e simplesmente remover completamente a cor, o que é algo que eu muitas vezes realmente faço no meu telefone apenas para ver as intensidades de valor acontecendo, isso vai ajudá-lo a decidir o que fazer em seguida em sua pintura. Algumas pessoas chamam de tom, mas estamos falando sobre a cor clara e escura, ou não. Talvez preto, talvez Grey. Quando estamos nos aproximando do valor, estamos pensando em contraste. Seria uma maneira muito clara, escura e clara de apreciar o valor. Estamos falando de gradação. direito falar sobre algumas gradações muito lentas no valor, e então usamos o valor como um ponto focal. Aqui estão alguns visuais para ajudá-lo a entender essa idéia de contraste, ou alguns podem querer parecer extravagantes, você pode chamá-lo de Chiaroscuro, onde temos este termo italiano para descrever esta luz escura e dura, e como faz com que nossos olhos se concentrem em contornos nítidos. Nós realmente estabelecemos valores nesta gradação e pontos focais que são criados através do valor. Estas são algumas pinturas que mostram estes diferentes princípios de valor, o alto contraste da Mona Lisa. Na segunda pintura de John Burton, você vê uma gradação de valores de contraste muito nítido para alguns tons muito claros à medida que as figuras crescem cada vez mais longe. Então, na terceira pintura, chamada “O Matchmaker”, você vê como o ponto focal é realmente desenhado por esse valor de contraste áspero. Temos muita escuridão e muita luz, e então nossos olhos são atraídos para aquele lugar, e essa é uma ótima maneira de usar os princípios do valor. Vamos exercitá-los agora. 6. Prática de tonalidades: Agora vamos trabalhar com valor. valor é a luz e a escuridão. Ainda estamos trabalhando na teoria das cores aqui, então eu vou usar minha mesma rodada para pincel e eu vou apenas ir a partir desta cor. Lá está, na sua forma mais pura. Vou colocá-lo aqui e fazê-lo em diferentes níveis de escuridão, adicionando a cor complementar sendo este verde esmeralda. Eu vou adivinhar que isso é realmente escuro, trazê-lo para cá. Bonito e escuro. Agora, com aquarela, a maneira como ficamos mais claros e escuros não é apenas misturando cores, mas também adicionando água. Vou usar qualquer tinta que esteja no meu pincel, trazê-lo para cá. Você pode adicionar um pouco mais de água para torná-lo mais leve. Você pode remover a cor rolando seu pincel e pegando, e eu estou apenas adicionando um pouco dessa cor roxa que eu ainda tenho na minha escova e para esta lavagem, e seu primeiro não precisa ser perfeito. É tudo uma prática de acertar isso e prever quão claras ou escuras essas cores serão, pela quantidade de tinta que você tem em seu pincel e pela quantidade de água que você está usando. Este é um ótimo exercício se você é novo em aquarela e você está tentando entender o quanto colocar em seu pincel, quanto colocar em sua página com cada exercício, criando uma pequena escala de valor. Rolando o pincel se precisarmos tirar, adicionando uma água se precisarmos que seja mais leve. Então, para o meu último, vou usar o que me resta como uma mistura com branco, e isso é tão leve quanto eu vou ser capaz de combinar com essa cor. Vamos tentar o mesmo com o verde. vez, lavando sua escova obtendo uma quantidade pura de swash puro aqui. Apenas verde esmeralda. Colocando aqui. Agora, como o verde é inerentemente mais escuro, estou absorvendo um pouco dessa tinta para que seja uma cor mais clara. Eu percebi que ele vai ficar escuro muito rápido, então verde em sua forma mais pura provavelmente vai ser mais perto do final da minha escala de valor aqui, enquanto o rosa estava bem no meio. Use-o um pouco com o branco, veja como isso sai. Eu realmente amo essa cor. Tome mais branco. Certo, agora precisamos ficar mais escuros, então vou ficar mais cheio na cor do meu pincel. Vamos ver se isso é o mais longe que eu posso empurrá-lo em sua forma mais pura. Parece que sim. Agora, se eu quiser ficar mais escuro, adivinhe, vai ser aquelas cores lá em cima, então eu não preciso pintar isso de novo. Vou adicionar um pouquinho de rosa. Olha como isso já mudou tanto as minhas cores. Esta mistura tem mais verde do que rosa, essa mistura tem mais rosa do que verde, então há meus valores para o meu verde. Agora, o exercício divertido. Quero que criem nuvens com estas cores. Eu estou indo para ir com a cor legal porque seria mais natural. Não, eu vou com a cor quente, eu vou com o rosa. Nuvens cor-de-rosa, não consigo resistir. Vou começar com uma mistura branca clara com o rosa para fazer minhas nuvens. A maneira como faço minhas nuvens é basicamente fazendo uma coleção de meias círculos em tamanhos diferentes e depois preenchendo-as. Aqui está um meio círculo menor, três ou quatro é um bom número, e depois conectá-los todos na parte inferior. Obviamente não é a única maneira de fazer nuvens, esta é a minha maneira, que eu achei ser a mais divertida. Tudo bem, mas já que estou explorando valor, vou fazer isso. Próxima nuvem, com mais tinta, farei uma versão mais escura. Mesmo motivo, mais escuro, e brincar com meus valores. Eu gosto minhas nuvens fofas, boa variedade, e os valores. Sinto que tenho uma melhor compreensão de como ficar mais escura e mais clara com minhas cores pintando algumas nuvens. 7. Sobre linhas: O terceiro elemento da arte que vamos falar é a linha. Na pintura, nós sempre temos linha porque é essencialmente cada vez seu pincel atinge a tela ou o papel, você cria uma linha, quer você queira ou não. Estes são caminhos de um para outro movendo-se através do espaço. Agora, as linhas podem ser muito definidas, elas podem ser muito simétricas, mas não variando em largura, não muita qualidade de linha, mas então você tem linhas gesturais que são colocadas muito mais livremente. Eles expressam muito mais com uma única linha. Perspectiva é também um grande uso da linha e é o que diz. Usaremos linhas para criar a profundidade e o entorno para entender melhor o ambiente em que o assunto se encontra. Aqui estão algumas pinturas para ajudar a cimentar essa ideia de como as linhas podem definir como Mondrian fez, como linhas podem evocar emoção por serem gesturais, por serem muito soltas, usando muita largura, e linhas grossas e finas para mostrar o contorno de alguma coisa. Não tem que ser vara, linha reta. Uma maneira legal de mostrar perspectiva , não precisa ser um esboço a lápis. Perspectiva é muitas vezes mostrada com linha simplesmente porque estamos guiando o olho de um ponto para outro com o poder da linha. 8. Prática de linhas: Agora estamos entrando em algo que eu realmente tentei incorporar no meu trabalho. Embora a cor seja um biggy, a cor é um pouco exigente. Linha, então eu amo falar sobre a qualidade da linha. É porque podemos fazer linhas que são uniformes e que falam com certeza. Mas há algo sobre realmente aumentar a amplitude de quão grossa e fina sua linha é. Vamos fazer isso em laranja. Agora, vou criar algumas linhas regulares. Tipo de tentar o meu melhor em ser muito consistente com a sua largura, com a sua espessura. Talvez fazer algumas linhas onduladas. Mas, de novo, uniforme. melhor que posso. Agora eu vou jogar com qualidade de linha indo grosso e fino. Estou carregando muita água e muita tinta no meu pincel para que eu seja mais flexível. O tamanho do meu pincel é quatro, mas você vai ver que eu posso usar a ponta dele para fazer isso uma linha muito fina e, em seguida, pressionar para baixo e fazer uma linha grossa e deixar para cima para fazer uma linha fina novamente. Isso vai precisar de muita prática se é algo que é completamente novo para você, mas vale a pena aprender mais sobre isso. Agora, vamos colocar isso em prática. Vamos explorar a qualidade da linha com alguns assuntos diferentes. Talvez um deles seja mais interessante para você do que o outro. Uma delas é borboletas. Então borboletas são divertidas de desenhar porque são apenas simétricas, e são duas orelhas como formas juntas. Mas com a qualidade da minha linha, posso fazer com que as asas da borboleta se sintam mais grossas às vezes, se sintam mais finas. Ele realmente adiciona muito interesse e até mesmo realeza a algo que pode ser tão facilmente rabiscado. Vamos tentar e borboletas de lado. Veja como eu empurrei meu pincel para baixo enquanto eu entro naquelas curvas e deixo para cima enquanto a pesagem se liga à borboleta. Agora vamos tentar o mesmo princípio com um cavalo. Cavalos podem ser difíceis de desenhar. Mas se você olhar para um cavalo, pense que é o movimento mais dominante, e é aí que você quer que a linha seja a mais grossa. Aqui estou eu fazendo isso nas costas dele. Ficando mais fino à medida que entro no focinho. Ficou um pouco pontudo no focinho. Mais pontudo do que eu queria. Uma linha uniforme para o pescoço e para as orelhas. Reparem como estas linhas, estão apenas a dar uma sensação de forma. Não é o cavalo mais realista que você já viu, mas está lá para mostrar o movimento de um cavalo. Se eu tivesse desenhado o mesmo cavalo com uma linha uniforme, ele ficaria mais parecido com isso. Estou desenhando o mesmo cavalo, mas com ele olhando para o outro lado, e você pode gostar mais disso. Mas não há movimento, não há sensação de entender para onde ele está indo e onde ele está colocando sua força. Eu vou fazer apenas a cara de um cavalo. Fazendo duas linhas para as orelhas, duas linhas para os olhos, e duas linhas para as narinas só para me orientar. Em seguida, use uma linha mais fina no interior da orelha. Dê-lhe um pouco de cabelo grosso aqui. Algumas linhas mais finas ao longo das bordas de seu rosto. Você quer voltar para as borboletas. Eu entendo totalmente. Que tal, ao criarmos o que queremos criar, criamos a silhueta com uma lavagem aquosa de aquarela. Estou fazendo a silhueta de uma borboleta. Vou tentar espremer a silhueta de um cavalo. Pescoço, corpo, pernas. Um cavalo muito pequeno aqui. Sentindo que ele precisa preencher um pouco, perto o suficiente. Depois de secar, vou entrar com uma cor pura. Talvez começar a misturar um pouco as minhas cores. Eu tenho um pouco dessa laranja rosada ficando um pouco mais escura. Agora eu vou criar o corpo da borboleta com uma bela linha grossa que afunda no final para que seja mais fino. A antena. E eu posso criar o contorno usando alguma qualidade de linha onde eu estou ficando mais espesso e mais fino com minhas linhas. Completando onde você ficou um pouco leve demais. Colocando mais algumas manchas de cor. Adicione um pouco de linha verde, muito fina. Então bem aqui nesta pequena borboleta eu tenho um pouco de variedade com espessura e magreza de cada linha. Vamos fazer o mesmo com o cavalo. O cavalo, vamos fazê-lo ficar forte na frente. Quase parece uma sombra. Você vem e se espalha. Ficamos mais grossos, adicionando pequenos detalhes, pequeno olho, pequena narina para o nosso cavalo. Você pode tentar alguns outros animais criando especialmente essa silhueta, aquela pequena cor aquosa de apenas o contorno e preenchendo isso, deixando secar. Em seguida, tente o seu melhor para tentar olhar para esses animais e interpretar para onde seu movimento está indo. Eles brincam com o quão grossa e fina você cria essas linhas. 9. Sobre formas: Um favorito pessoal e um favorito comum entre os artistas. Muito simplesmente, é uma área fechada. É uma forma, você entende. Quando estamos falando de forma, estamos falando de formas geométricas. Eles podem ser formas orgânicas ou formas podem ser o espaço positivo ou negativo, então outras formas podem fazer a forma. Aqui estão alguns exemplos de alguns daqueles muito fáceis de imaginar. geométricas, coisas que você pode rotular. Formas orgânicas, nem tanto, mais difíceis de descrever. Geralmente encontrado na natureza inspirado pela natureza. Formas positivas e negativas. A forma do tipo donut é criada pelas formas negativas, ou se você pensar sobre isso, o círculo dentro do donut é uma forma criada pelo espaço negativo. Aqui estão algumas pinturas que representam aqueles adoram muito essas belas formas geométricas criadas nesta primeira pintura, sobrepostas. Podemos reduzir qualquer coisa em formas. Uma vez que entendemos essas formas, podemos facilmente interpretá-las. As formas orgânicas de Matisse que ele fez fora de papel cortado. Muito fluindo usando apenas o movimento de sua mão e não sendo muito guiado por exatamente o que parece. Ou temos essas formas positivas e negativas brincando com nossa mente neste desenho de Escher onde temos, é o preto que é o espaço positivo que é realmente a forma, ou é o branco que é uma forma negativa? É tudo muito confuso, mas todas são formas criadas por essas áreas fechadas que criamos visualmente. 10. Prática de formas: Um dos meus princípios favoritos de pintura, forma. A razão pela qual eu amo a forma é porque você pode interpretar tanto com a forma de algo. Você realmente não precisa de muitas outras coisas se você tem suas formas certas. Vou usar um pincel plano. Este é o tamanho 12. A razão pela qual estou usando isso é só para mostrar, novamente, que você pode usar o pincel que tiver. Mas eu quero mostrar a vocês como criar facilmente formas com este pincel porque eu sinto que ele realmente ensina bem. Vou usar esta mistura vermelho-alaranjada que temos aqui. A grande coisa sobre um pincel plano é que como eu usá-lo perpendicularmente, ele vai criar uma bela linha ampla que torna a criação de uma forma muito fácil. Vou usar o pincel de cima para baixo, girando para criar um círculo, em vez de usá-lo em um ângulo, que normalmente fazemos quando estamos pintando. Só pintando algumas formas básicas. Você já fez isso antes, não é grande coisa, mas vamos usar essas formas básicas para construir o que quisermos. Neste caso, vamos fazer um celeiro. Vou misturar o meu verde, meu rosa, e o meu laranja para ver que tipo de cor lamacenta temos aqui. Estou fazendo um celeiro porque é bom e simétrico. Tem algumas bordas muito duras, e será ótimo nos dar uma idéia de como as coisas podem ser montadas como formas. Primeiro crio um retângulo. Poderia ser um quadrado, mas é um pouco mais alto, e eu quero manter esta cor muito leve porque eu vou trabalhar em cima dela, adicionando mais e mais detalhes. Esta é a frente do celeiro. Vou dar-lhe um topo curvo, é como um triângulo curvo, e vou seguir essa linha, trabalhando de lado com meu pincel para criar o telhado. Agora, eu vou criar a parede lateral, fazendo o mesmo que eu fiz com o telhado estendendo a linha da frente do celeiro para trás em um pequeno ângulo, e depois preenchendo essa forma com cor. Então vamos deixar isto secar. Mas só para ajudar você a entender como tudo é feito de formas, mesmo que não seja algo bloco, eu vou fazer uma árvore com nosso verde esmeralda. Assim como fizemos com as nuvens, eu só vou criar essas formas de meio círculo, não necessariamente preenchê-las. Eles são mais como pedaços de macarrão, e só para que esteticamente pareça semelhante às nuvens que já criamos, eu vou torná-los planos no fundo. Faça outro. É sempre bom ter um pouco de repetição em sua peça, isso é na verdade um elemento de design. Também é bom trabalhar em outra coisa enquanto espera que algo seque. Vou voltar para o meu pincel redondo mais pequeno para alguns detalhes sobre o nosso celeiro. Ainda está um pouco molhado. Use um pincel para absorver um pouco da água para secar mais rápido para nós. Estou misturando meu verde esmeralda. Lave meu pincel um pouco antes de mergulhá-lo no rosa. Estou misturando e criando aquele roxo escuro, e usando o último princípio que usamos, criando linhas para fazer as bordas do nosso celeiro. Se você quiser olhar para uma foto de referência para que seu celeiro pareça legítimo, você é bem-vindo. Eu estou apenas trabalhando da memória como um pouco divertido exercício tipo de para manter a pressão fora e manter esses vídeos curtos para que possamos continuar aprendendo. Estou delineando minhas formas e dando ao meu celeiro uma porta grande e agradável. Estou a dar-lhe uma janela grande e agradável aqui em cima. Novamente, pensando em formas, digamos que está aberta e estas são as janelas que se abrem para dentro. Coloque em outra forma e queime dois a metade. Agora você tem algumas janelas, não tipicamente, mas talvez. Você pode até se concentrar em algumas dessas nervuras caindo. Vou voltar para as minhas árvores. Eu tenho essa cor púrpura, se eu adicionar um pouco de laranja, ele vai ficar mais marrom, e eu estou criando os ramos apenas com traços simples do meu pincel plano, estendendo para fora como pequenas mãos para o tronco da árvore. Deixando algumas dessas costelas aparecerem. Vou fazer alguns desses galhos um com o outro, a árvore divertida e caprichosa. Para promover a nossa diversão com formas, vou adicionar algumas folhas. Este vermelho em cima com o verde, pequenos detalhes como este. Deixe-me fazer as ilustrações finais. Espero que você tenha sido capaz de apreciar como tudo é feito de formas, e se você apenas compilá-los apenas para a direita, meu rosto oval, o retângulo que eu tenho segurando minha cabeça, meus ombros retangulares, meu arredondamento e os ombros descendo para ovais que se estendem a mais ovais, você verá como as formas estão em todos os lugares, e a forma é tão importante na pintura. 11. Sobre espaço: Espaço, muitas vezes falamos sobre o espaço dentro de uma pintura como essa área positiva e negativa. Retratamos profundidade com o espaço, criamos volume como no peso da quantidade de espaço que existe em uma pintura. espaço pode ser criado por meios relativos, Oespaço pode ser criado por meios relativos,o que significa que podemos criar um espaço sobrepondo algumas coisas, fazendo alguma coisa mais longe à distância, todos eles são usados para criar um ambiente, uma atmosfera dentro de uma obra de arte. Podemos ser muito técnicos e criar espaço usando perspectiva, medindo com linhas, certificando-se de que tudo recua para a perspectiva certa em vez de apenas proporções relativas como no primeiro exemplo. Podemos ignorar completamente a proporção e onde as coisas estão e apenas fazer tudo planos, planos criando espaço. Aqui estão algumas pinturas que mostram cada uma delas distintamente. Você tem a pintura de Salvador Dali onde você tem uma idéia do espaço, está indo para longe, não é um espaço real, há alguma perspectiva, mas a maior parte de nossa idéia de onde estamos é comparando um objeto para outro. Temos perspectiva, onde você está usando apenas toda a habilidade e habilidade técnica que você pode para criar o espaço. Na terceira pintura estamos apenas esquecendo como as coisas são grandes em relação umas às outras onde estão, apenas planícies planas e estamos apenas nos divertindo com as formas mais para criar esse espaço. 12. Prática de espaço: O espaço é um princípio que veremos melhor à medida que olharmos para a última composição. Mas o espaço, também conhecido como volume, é exatamente o que parece. É a interação entre o sujeito e tudo ao redor. Se eu estou sentado aqui e estou olhando para fora, isso dá-lhe um sentido completamente diferente desta fotografia que estamos olhando agora. Especialmente se estou desviando o olhar, o que estou olhando? Então vamos criar algum espaço pintando o que será o espaço negativo, o espaço não utilizado, por assim dizer, em nossa pintura, onde nossos olhos se quebram. Mas também cria um pouco de tensão com o que não é e o que é. Se eu estivesse criando um campo, você começa com a cor do meio, digamos o verde que eu escolhi. Então eu entrava em algo que poderia ser o espaço mais próximo. Isto é o que estamos em pé teoricamente. Agora, você pode ficar mais escuro com a cor à nossa frente ou que estamos, mais perto de nós. Mas à medida que as coisas se afastam de nós, elas ficam mais leves. Partículas de água no ar interferem com o que vemos e assim as coisas parecem ficar mais borradas e mais leves à medida que recuam. Estou criando apenas alguns campos, alguns campos diferentes em cores diferentes, começando com minha primeira cor, chegando ao que está à nossa frente, e depois alguns círculos muito achatados para mostrar que sensação de espaço. Muito divertido de ver essas cores se entrelaçarem. Agora, quando você tem essa idéia de volume, você tem que ter a atenção de alguma coisa. Temos algumas cores bonitas aqui, e eu quase odeio manchá-las de qualquer forma, mas precisamos de algo que nos lembre que este é o principal. O que é conflitante? O que é interessante? O que está nos afastando dessas lavagens de fluidos? Então vou voltar a isto. Deixei este bolso branco. Se você pintou tudo de verde, tudo bem, mas você vai ter que esperar até que tudo seque antes de trabalhar nele um pouco mais. Mas eu deixei branco porque nós vamos adicionar flores ou grama lá dentro. Até mesmo um padrão de Xs será suficiente porque o que queremos é algo que esteja apenas ocupado e nos faça olhar nessa direção. Vou usar uma cor que pode ser uma surpresa, é marrom, porque eu quero que a cor se sinta muito diferente do que tudo o resto é. Apenas criando algumas margaridas. Na verdade, alguns estão saindo desta pequena área e outros estão sangrando. Você quer que seu espectador de sua pintura tenha até mesmo algo que os frustra um pouco. Pense na Mona Lisa e quanta intriga há em torno do semi-sorriso em seu rosto. Se tivesse sido um sorriso cheio ou se tivesse sido aparente para todos os espectadores o que está acontecendo lá, não haveria muito interesse na pintura. Mas a virtude está em como é pouco desconhecida, é um pouco misteriosa. Eu estou imaginando este campo como se fosse uma colcha e apenas criando um padrão pouco divertido neste bolso. Um pouco de branco e um pouco de amarelo. Vou tentar fazer o centro destas margaridas sem sangrar muito. Poderíamos trazer alguns desses pontos para cá. Eu estou adicionando algumas folhas apenas para amarrar ainda mais nesta pequena seção estranha de flores nesta grande quantidade de espaço negativo. Isso é tudo o que vamos fazer para o espaço, pequena colcha para o campo, sub-colcha. 13. Sobre textura: Um elemento muito divertido da arte é a textura. O que é divertido sobre a textura é que podemos estar falando sobre a maneira como uma pintura se sente olhando para ela, ou a maneira como uma pintura se sente tocando nela, ou a textura também pode ser criada por padrão. Eu não recomendaria tocar em uma pintura, mas nós vimos pinturas que são feitas mas nós vimos pinturas que são feitasde tal forma que eles têm textura tátil para eles. A maior parte da textura que vemos na arte é visual. Usamos nossos lápis e pincéis para tentar mostrar a textura de algo, e então o padrão, que é a repetição, o movimento que é criado para mostrar textura. Aqui estão alguns exemplos de textura. Temos os lírios de água de Monet que têm textura palpável, se você fosse capaz de estar perto o suficiente para tocar uma dessas tintas, você sentiria a textura daquela pintura ali mesmo. Temos belos esboços mostrando detalhes, se fizéssemos zoom sobre esta lebre, você veria detalhes muito intrincados e mostrando diferentes texturas nas orelhas versus os bigodes versus o pêlo da barriga. A textura também é mostrada através do padrão, isso pode não ser uma textura encontrada na natureza, encontrada na terra, pode ser uma ideia percebida de textura através de um padrão. 14. Prática de textura: Hoje é uma textura divertida. O que é divertido sobre a textura é que podemos usar praticamente qualquer coisa para explorá-la, porque a textura é tudo sobre variedade. Eu vou começar com aquarelas desde que eu as tenho fora. Mas quero que use os meios que tiver. Talvez olhem para o que estou a fazer e pensem : “Acho que posso replicar isso com outra coisa.” Vamos fazer algo diferente do jeito que pintamos. Vou mostrar-lhe a técnica do pincel seco em vez do molhado. Faz jus ao seu nome. Queremos um pincel seco, mas limpo. Vamos mergulhá-lo em alguma tinta. À medida que pintamos linhas diferentes, você verá que ele cria uma textura áspera à medida que o pincel atinge o papel, e ele realmente não tem muita tinta para trabalhar. O que é divertido sobre a criação de texturas é que você pode criar padrões. Você pode usar muitos meios diferentes e adicionar coisas a ele. Você pode pintar com quash ou tinta acrílica e adicionar areia, ou você pode ir à loja e comprá-lo já lá. É muito divertido também criar texturas com apenas os mesmos suprimentos que você tem usado. Novamente, aqui está o meu pincel, eu adicionei um pouco de água, e em vez de pintar uma caixa e enchê-la, eu vou carimbar com ele para cima e para baixo. Hoje é apenas sobre explorar diferentes texturas com o que você tem em mãos. Vou tirar meus lápis de cor e experimentar algumas texturas com isso. Vou continuar explorando com os materiais que tenho, as tintas em aquarela porque eu quero realmente explorar todas as maneiras que eu poderia usar meus materiais. Estou mantendo meu esquema de cores. Só para ajudar você a ter um alvo ou algo que você está criando com essas coisas, vamos apenas dizer que estamos fazendo grama e folhagem em diferentes texturas. Espero que você tenha descoberto algumas novas texturas que você poderia criar não só usando diferentes fontes de arte, mas usando-as de forma diferente, e criando diferentes tipos de linhas dentro de seu trabalho. 15. Sobre escalas: O tamanho é um elemento muito importante na pintura. Vamos pensar no tamanho dessas maneiras. Pode ser natural. Tamanho tão proporcional. Também poderíamos estar falando sobre a escala da pintura em si ou as coisas dentro da pintura. Mas se fosse dramático, poderíamos ter uma pessoa muito pequena, uma pessoa muito grande. Temos talvez algo que deveria ser menor, ser grande. E está lá para contar uma história. Está lá por uma intenção e isso está dentro da pintura. O tamanho pode ser hierárquico. Estamos usando o tamanho para mostrar como algo é importante, tornando-o enorme e fazendo com que outras coisas se encaixem. A pintura em si pode ser enorme ou pequena, para se comunicar mais na pintura. Ser um termo médio, retratando outro elemento, outra parte importante desta pintura, através do tamanho e escala. Alguns exemplos dessa mudança dramática em tornar as coisas desproporcionalmente grandes, ou estamos nos concentrando nos lados das coisas e manipulando isso para contar uma história, mostrada nesta pintura chamada Curiosidade. O segundo exemplo de estrutura hierárquica em tamanho. Vemos especialmente no lado direito, que os pneus da importância de quão grandes as coisas são. Pode estar na ordem, mas também na escala. Então, algumas coisas que são feitas para serem muito importantes são colocadas quase matematicamente para que as vejamos nessa ordem. Um dos meus artistas favoritos, Chuck Close, faz grandes retratos que ele faz de uma forma realmente única. Você pode procurá-lo quando tiver algum tempo. Mas ele faz esses retratos muito grandes, tão de perto, eles não se parecem com retratos. Eles podem ser apreciados de longe. Isso é parte do que ele está tentando comunicar e ele faz isso através do tamanho da escala. 16. Prática de escalas: Vamos falar sobre escala ou tamanho. A atividade de hoje é bem simples ou essa atividade é bem simples porque é um pouco como o que já fizemos, mas vamos ampliar algo que já pintamos. A coisa mais fácil para fazermos zoom são as flores. No projeto espacial, tínhamos uma pequena seção de margaridas, então vamos apenas fazer uma ou duas que são realmente próximas e pensar na diferença entre pequeno e grande. O que você vai estar olhando, essa tensão que interessa que acontece apenas mudando o tamanho ou a escala de algo. Usando meus quatro pincel redondo, eu só vou pintar a margarida, centros amarelos fáceis. Eu vou fazer um que é um pouco de um ângulo. Vamos em grande. Então, com qualquer uma das minhas cores quentes, eu vou estender a partir daí para criar cada pétala começando com este ângulo para que você possa ver flores ou estas flores radiais são basicamente um asterisco. Se você pensar em um asterisco puxando do centro para fora. Estamos tentando pensar, ok, bem, se começar a partir daqui, fica um pouco mais largo, é um pouco maior. Loops ao redor e estes vão estar em uma formação crescente como eles ficam mais largos e mais curtos, enrolando em torno do centro da margarida. Agora, já que este é maior, o centro era maior que este outro, é por isso que eu queria trabalhar nele primeiro porque ele está na frente dessa linha. Isso faz parte do princípio da escala. Este tamanho vai ser muito mais franco. Ficar bem na nossa frente, olhando para nós, é muito mais fácil nos orientar. Novamente, é divertido e uma idéia inteligente trabalhar em várias coisas ao mesmo tempo em que você está pintando em aquarela. Porque é importante acertar em algumas coisas e deixá-las sentar e secar até o próximo estágio. Ter cuidado para colocar as pétalas desta margarida atrás do que já está pintado, então você tem um pouco dessa sobreposição acontecendo. Estou mergulhando de volta no amarelo e indo muito mais grosso nele. Muito mais tinta no meu pincel e menos água para que eu possa manchar um pouco de textura no centro dessas margaridas. Usando seu verde, tomando cuidado para ir atrás do que já está lá. Já que estamos falando de escala, que tal darmos a este algumas folhas grandes agradáveis apenas para torná-lo um pouco diferente das hastes, adicionar um pouco de branco. Eu vou deixar o centro com um pouco de um design só para que a flexibilidade, Eu posso adicionar em uma cor diferente se eu quiser em um segundo aqui. É inacreditável ter apenas uma folha. Você precisa de vários. Ninguém sabe porquê. Naquele centro estranho que deixei aqui, eu não acho que isso seja típico de margaridas, mas eu vou adicionar uma cor contrastante, só porque eu não posso, esta é a minha pequena fazenda caprichosa que eu tenho acontecendo aqui. Finalmente, eu vou adicionar um pouco mais de definição para as margaridas usando o princípio da linha. Adicionando algumas linhas centrais, alguns marcadores de canto onde eu sinto que não está muito claro o que está acontecendo aqui. Às vezes você não precisa ser tão claro. Às vezes você pode ser muito bem definido e às vezes não e como o artista, você pode escolher quando fazer isso e quando simplesmente não delinear algo. Torna-se uma escolha estilística e algo que só precisa acontecer. Por exemplo, aqui quando as coisas se sobrepõem, sinto a necessidade de adicionar mais cor para ajudar a definir para que nossos olhos não estejam indo, o que está acontecendo lá. Bastante obtê-lo. Então somos forçados a presumir, nos deixa um pouco inquietos. É divertido tornar cada razão responsável, às vezes, criando um pouco de tensão, um pouco de entrada. Mas quando se trata de coisas mais óbvias como sobreposição e onde as coisas realmente estão, onde elas se encontram e onde terminam. Então devemos fornecer algumas dicas visuais para isso. Então eu definitivamente aconselharia o meu elemento para ajudar a encontrar o que estamos olhando aqui. Só por causa da nossa página do livro de esboços aqui, que quando eu olhar para trás, eu saiba o que eu quis dizer com escala. Deixe-me ir em frente e pintar algumas margaridas muito simples aqui, vagamente com o meu pincel para mostrar uma diferença de tamanho entre as margaridas aqui no canto superior direito e as margaridas aqui em baixo no canto superior esquerdo. Então seque sua grande coisa e uma pequena coisa para mostrar escala. 17. Sobre direções: Direção. Direção é como guiamos o olho através de uma pintura. Você pode fazer isso, e a maneira mais óbvia com a linha. Quando falamos sobre linha, você provavelmente os viu indo em uma direção, então isso faz uma linha de direção bem simples. Mas também podemos usar a luz para criar direção para guiar o olho para um determinado ponto focal, para trazer manchas de luz em toda ou até mesmo cor. Porque a cor novamente, é outra maneira de exemplificar a luz. É outra percepção dos nossos olhos. direção pode ser algo que simplesmente feito pelo tamanho da sua pintura. Se você estiver fazendo isso em uma paisagem horizontal ou orientação quadrada, ela mudará drasticamente uma pintura se você torná-la uma orientação diferente, um formato diferente. A maneira como você cria sua arte, a superfície que você cria, as dimensões também desempenham um papel. Um exemplo famoso de usar linha e realmente arco marcação textura é Starry Night by van Gogh. As linhas direcionam o olho por todo o céu para se mover ao longo da pintura e ele faz isso de uma forma muito fluida. Na pintura do meio você vê como a luz o Stark, e luz e escuridão da figura da mão esquerda está indo para o retrocessivo olhando para baixo. Mas você quer olhar para baixo porque você é guiado pela luz nesta pintura e pela direção das figuras. O formato desta terceira pintura japonesa quanto tempo é, é para nos fazer sentir de uma certa maneira e entender a pintura de uma maneira diferente do que se tivesse sido horizontal. 18. Prática de direções: Tudo bem. Agora estamos entrando em valores de tipo composicional mais amplos. Direção. A direção é basicamente como estamos guiando o olho. Depende do ponto focal que temos em uma pintura. Embora ainda não tenhamos nossa pintura montada, e não vamos criar uma pintura totalmente nova só para aprender sobre direção. Vou lhe dar apenas alguns atalhos e exercícios que podemos desenhar e pintar para ter algumas idéias sobre como retratar a direção, como guiar o olho através da pintura. Uma maneira muito útil que usamos para guiar o olho através da pintura é através da cor. Use o contraste mais alto ou a cor mais brilhante no local para o qual você deseja que o olho seja guiado, enquanto outras cores podem aumentar no caminho para lá. Você vê como o olho naturalmente quer ir daqui para lá para lá. Ele realmente quer chegar ao amarelo. Outra maneira de guiar a direção do olho é basicamente desenhando-o para o olho. Vou usar um pouco deste branco, fazer uma hortelã com ele, e fazer um rio. O teu olho não resiste àquele rio, não importa a cor que o façamos. Ele apenas guiará naturalmente o olho ou através de linhas mais finas. Não tem que ser um grande assunto. Poderia ser apenas um pouco de apenas uma linha simples. Outra grande prática em formulários de linha. Você vai ver que usado muito com as ilustrações com caligrafia. Eles vão guiar o seu olho usando as linhas. Dirigimos as pessoas com as cores que usamos, com a intensidade das linhas ou até mesmo o assunto que é mostrado neste pequeno rio. Isto é o que eu tenho que seguir. É uma pista visual tão clara de onde meu olho precisa estar funcionando. Outra é priorizando. Falamos sobre tamanho antes e falamos sobre escala. Como algo maior só vai atrair a sua atenção. Bem, e se você colocar essas coisas maiores em pontos estratégicos de novo, guiar o olho? Fizemos isso com cor. Mas e se este rio nos levasse a um coelho no fim do rio? Agora, eu posso colocar esse coelho de volta aqui e eu acho que ele atrairia alguma atenção de você. Acha que posso guiar seu olho para este coelho? Ele está isolado, ele está sozinho, e ele está perto de uma grande esfera amarela brilhante. Mas se eu criasse um par de orelhas apenas olhando para fora do canto aqui, seu olho seria guiado pela escala sobre este coelho só porque ele é tão grande e ele está exigindo alguma atenção. Você poderia ser guiado até ele por causa do contraste. Talvez não necessariamente cor, mas o segundo princípio que aprendemos de valor. Usando tons claros e escuros e criando uma tensão lá fazendo o olho olhar para onde há valores diferentes acontecendo. Isso vai ajudar-te a olhar para o meu coelho. Mesmo que ele esteja saindo da página, mesmo que ele não esteja, talvez o principal, você simplesmente não pode ignorá-lo. Ele está fazendo seu olho se mexer porque temos marrom escuro ao lado de um fundo branco. Pratique algumas linhas de direção, jogue com o contraste das coisas e veja se você pode desafiar-se a saltar pela página o máximo que puder. Pegue alguém daqueles bonitinhos. Na minha pintura, você quer olhar para este coelho e este coelho guia você através das cores frias para mais quente para mais quente, para muito brilhante, para muito gritante, muito isolado pico coelho no fundo enquanto essas linhas podem afirmar, Sim, você aterrou no lugar certo. Na próxima lição, exploraremos como fazer com que os espectadores permaneçam um pouco mais na sua pintura ao longo do tempo. 19. Sobre tempo: Tempo é quanto tempo você faz com que seu espectador permaneça. Quando se trata deste princípio, é apenas melhor mostrado em exemplos. Então vamos direto para isso. Uma pintura pode nos fazer ficar nos fazendo sentir algo, ou talvez olhando para a pintura, você tem um senso de tempo. Talvez você esteja olhando para uma pintura que tem uma vasta extensão e que pareça mais tempo, ou pode ser uma pintura romântica e apaixonada como esta em O Beijo de Gustav Klimt. Podemos sentir o tempo através do movimento e pode ser um tipo muito complexo de pintura. Pense em olhar para cima em uma catedral e ver afrescos no teto e notar apenas todos os detalhes de anjos e querubins e todas as coisas acontecendo. O movimento lá faz você ficar e passar mais tempo lá. Ele também comunica o tempo porque o que vivemos, o que estamos fazendo por persistir em uma pintura está realmente alimentando a interpretação dessa pintura. Poderia ser muito simples, como em Andy Warhol, Campbell's Soup Can. Temos algo que é tão surpreendente que nos faz parar, e estamos realmente tentando descobrir o que esta pintura está tentando se comunicar, ou talvez nos fazendo olhar para algo de uma maneira diferente ou nos forçando a pausar e olhar para algo que passamos todos os dias. 20. Prática com tempo: Certo, o tempo pode ser chamado de movimento. O que é engraçado sobre o tempo é que não um elemento de uma pintura que você vê na pintura, é o efeito da pintura sobre o espectador. Quanto tempo alguém passa olhando para sua peça pode ser determinado por muitas coisas. tempo pode ser mostrado ou trazido em contraste. Muitas das coisas que já falamos, esse contraste, que pode nos fazer olhar muito para algo. Repetição, onde temos os mesmos elementos uma e outra vez, e nossa mente está tentando entender o que esse ritmo, o que essa repetição é sobre ou talvez você seja realmente magistral na direção de guiar o espectador por toda parte. Talvez você seja realmente magistral nos detalhes, nas cores, nos tons, nos valores. Talvez você seja ótimo em mostrar forma. Eu olhei para os pedaços porque eu sou atraído pelas suas formas. Pode ser qualquer coisa, mas tem que ser bem feito, e é definitivamente uma combinação dessas coisas. Como estamos considerando isso, estamos no final de muitas das nossas páginas do caderno de esboços e certamente você pode criar alguns desses motivos em seu caderno de esboços. O que vamos fazer hoje é fazer alguns esboços em miniatura. Quando eu estava na escola de arte, uma das primeiras coisas que eu fiz foi criar esboços em miniatura e aprender o que eles eram. Os esboços em miniatura são pequenos esboços, pequenos desenhos, talvez o tamanho da sua miniatura que ajudam a descrever o que você vai fazer. É como o teu plano para a tua peça. Agora, criamos um monte de coisas sem criar esboços em miniatura, mas esses esboços são realmente úteis em particular quando consideramos, finalmente, a composição da peça, que ajudará nossos espectadores a sentir o movimento na peça e entender o tempo e usar o tempo para permanecer para eles. A primeira coisa que você vai fazer ao criar seu esboço em miniatura é decidir se sua peça será horizontal ou vertical. Vai parecer uma expressão diferente do próprio tempo. Se você olhar para gibis, você verá que os painéis mais largos em uma página de quadrinhos, o painel sendo aquela pequena janela com o desenho, expressará a maior quantidade de tempo. Talvez seja uma visão panorâmica ou talvez seja alguém sentado e seja um longo período de tempo chato, enquanto que os painéis dinâmicos são verticais e você vê isso, e talvez haja uma sequência de luta ou algo que vai rapidamente sucessão. Você também pode optar por fazer um quadrado, especialmente se você está tentando postar em mídias sociais, isso é útil. Mas, ao criar esboços em miniatura, pense em como deseja que seu plano de fundo se sinta. Se é plana e horizontal talvez uma orientação horizontal é melhor para que ele se sente muito plácido, muito calmo com seu pequeno celeiro e uma borboleta, sol, riacho, cavalo ou talvez você quer mostrar a majestade desse nascer do sol gradiente que fizemos. O celeiro está escondido aqui atrás. Reparem como as coisas se movimentam nos fazem ver o mesmo assunto de forma muito diferente. Mesmo que este rio ainda esteja guiando nossos olhos para o sol, ter essas flores enormes em primeiro plano usando essa escala e a cor uma vez que isso está dentro serão os showstoppers. Enquanto nesta pintura, é muito mais calmo, talvez até estagnado e apenas sentindo que o tempo é muito lento e a pintura pode não exigir tanto tempo do lado do espectador para olhar para ela. Se você já esteve em uma galeria de arte e viu alguém olhando para uma peça e está pensando, o que eles estão olhando? Eles devem ser muito mais profundos ou perspicazes do que eu. É exatamente disso que estou falando. Se algo é realmente complicado, você vai simplesmente ficar naturalmente nisso se é interessante o suficiente. Muito disso está no equilíbrio das coisas que nos interessam e como vamos interpretar as coisas em nosso coração. Então coisas diferentes vão impressionar pessoas diferentes, mas os princípios ainda são os mesmos, eles são apenas reorganizados. De acordo com suas preferências, você pode querer criar um trabalho que tem uma paisagem de cabeça para baixo ou tem o celeiro é apenas pouco visível aqui e está fora para o lado e de cabeça para baixo, nunca fez isso antes. Mas, dependendo do seu estilo, você criará miniaturas diferentes para tentar representar a aparência desejada. Crie pelo menos três, de preferência quatro, esboços em miniatura para ajudá-lo a entender como o tempo e movimento entram em jogo como uma combinação de muitas das coisas que você tem aprendido até agora. Na próxima lição, quando eu falar sobre composição, vou levar as pinturas que usamos até agora e compilá-las em uma composição agradável ou talvez várias. Este é um local fonte para muitas pessoas, então estou ansioso para mostrar algumas abordagens diferentes para fazer isso. Mas antes de fazermos isso, certifique-se de que você entende como guiar o olho, como manter o olho em sua pintura através do tempo. 21. Sobre composição: Finalmente, composição. É aqui que tudo se junta, e é como a pintura é cuidadosamente organizada. Quando pensamos em composição, isso pode ser feito de tantas maneiras diferentes. É realmente difícil colocá-lo em apenas um slide e reduzi-lo a essas idéias de desequilíbrio de unidade, nós temos algum movimento. Temos uma pintura que se sente bem arredondada ou aterrada. Podemos criar composição guiando o olho em muitos lugares diferentes. Criando movimento e ritmo, criando diferentes pontos focais, e forçando estrategicamente o espectador a olhar ao redor da pintura. A composição também é alcançada através da intenção de foco. Usando todas essas coisas, todos esses elementos de que falamos, usando escuro e claro, usando linhas duras e linhas grossas e linhas suaves, há uma tensão lá. Ao combinar esses ingredientes, há esses diferentes aspectos acontecendo que nos fazem notar a composição porque está realmente nos forçando a permanecer e perceber todas essas coisas se juntando. Aqui estão alguns exemplos. Unidade e equilíbrio nas pinturas de Frida Kahlo. Ela geralmente tem simetria direta, então você tem duas Frida Kahlos olhando uma para a outra, e elas são equilibradas de forma quase simétrica. Degas é conhecido por seu movimento e ritmo. Se você quer estudar composição, ele é um grande artista para se aprofundar. Há muita intenção de foco em pinturas que estão mais ocupadas, que estão usando mais cores, que estão usando mais luz para sua vantagem. Vamos juntar tudo em nossas composições. 22. Prática de composição: Composição, como consideramos composição, isso é um grande problema. Muitos de nós realmente lutam com essa ideia. Sabemos que importa, onde colocamos as coisas e como organizá-las corretamente. Mas eu realmente quero que você se concentre no fato de que nós construímos em nove dias pensando em todos esses outros elementos para culminar aqui. Ironicamente, foi difícil colocar nove ou 10 no final porque queremos jogar com a composição para receber o objetivo final do tempo. Mas de qualquer maneira, este segmento não é sobre você entrar no Photoshop e pegar todos esses elementos e colocá-los juntos como eu tenho, eu só quero ilustrar para você como todas essas coisas podem unir para se tornar algo que mostra provavelmente apenas a maioria dos elementos que falamos até agora. Enquanto consideramos a composição, como você me vê juntando estes primeiro em um formato quadrado, tipo de formato horizontal, e depois em uma composição vertical, então você tem uma sensação diferente de como eles são inerentemente vai ter um efeito diferente sobre o espectador. Quero dar-te algumas dicas enquanto consideras a composição. Eu tenho todos os elementos, as coisas que criamos nos últimos segmentos, os últimos princípios, e eles são como essas diferentes peças de quebra-cabeça. Você precisa primeiro considerar os maiores. Temos espaço, e no nosso caso, em nosso exercício, cor. A cor não precisa necessariamente ser algo que você mova, por assim dizer. Mas como eles fizeram os exercícios, temos esse lindo gradiente de cor, que na verdade servirá como nosso céu de fundo. Uma vez que colocá-los para baixo, temos este cobertor, este esquema de quão grande isso vai ser, então nós escolhemos as coisas por prioridade. Quando você está pensando sobre sua composição, como você quer colocar as coisas para fora, sempre considere como você vai guiar o olho. Claro, a direção, o fluxo, o movimento, todas essas coisas. Mas onde vamos aterrar? Qual é o lugar que você quer ter certeza de que seu espectador não vai perder? Esse será o seu ponto focal. Nem todas as grandes obras de arte têm um ponto focal claro. Sei que parece estranho. Mas lembre-se que todos esses elementos não precisam estar em jogo. Escolhemos e escolhemos e isso realmente depende da forma como alguém trabalha, e é isso que o torna divertido e excitante. É que diferentes artistas pensam assim de forma diferente, e esta aula é para ajudar você a decodificar o que você está reagindo, o que você gosta, e como esta peça é boa e essa peça é muito diferente. Se você quiser mexer com peças do jeito que eu sou e colocá-las em lugares diferentes, começando com a primeira prioridade do ponto focal e terminando com mais texturas e decidindo onde colocar essas pequenas notas, você pode fazer isso no Photoshop. Eu tenho um tutorial para isso, que eu vou ligar abaixo. Você também pode fazer isso em um aplicativo de telefone tirando uma foto, apagando o fundo, e então você tem todos esses pequenos elementos para jogar. Você pode fazer isso como um método antigo e literalmente cortar e colar, o que é realmente muito divertido e pode ser outra maneira de crescer. Você não tem o luxo de dimensionar coisas maiores ou menores esticá-las ou duplicá-las tão facilmente quanto você faz digitalmente. Mas ele tem uma sensação completamente diferente, e então você está jogando com bordas de forma e linha uma maneira que você não faria nessas formas digitais de trabalhar. Novamente, quando você está pensando em composição, talvez você esteja criando outra peça para hoje, para este exercício, que seria ótimo também, assim como você fez todas essas partes diferentes. Agora, você sabe como você quer organizá-los de acordo com o tempo, movimento, miniatura, exercício, e agora você sabe como você queria pintar sua peça. Por favor, isso seria incrível. Eu adoraria ver isso na área do projeto. Primeiro criamos um ponto focal, selecionamos o que queremos que seja. Então temos todos esses outros elementos que se enquadram por ordem de prioridade. Como esses elementos vão se encaixar? Em nosso exercício de ser uma paisagem, estamos olhando para algo e estamos olhando para a extensão, para a profundidade do fundo, e assim isso cria essas camadas. Foi por isso que te pedi para pintar colinas nestas camadas porque isso nos ajudará a organizar visualmente. Comece a aquecer para a ideia de como vamos organizar nossas peças para serem escaladas. Então, à medida que eles se aproximam, maior, eles ficam mais longe, eles são menores, e nós já temos um pouco mais de profundidade embutida, o que é ótimo. Algo para ter cuidado quando você está criando uma composição e colocando coisas. Não queremos que as coisas se esfreguem umas contra as outras fiquem ao lado das outras, queremos que as coisas se sobreponham um pouco para sabermos o que vai primeiro e o que vai para trás. Visualmente, ele apenas lê melhor, lê mais rápido faz sentido, e isso não nos deixa confusos através do espaço no meio. Isso é totalmente bom. Só não queremos que as coisas se metam umas contra as outras. Quando você pensa sobre a composição, você também pode empurrá-lo mais para as bordas. Não temos que ficar confinados a esta praça. Podemos trabalhar além das bordas. Você não tem que se limitar a qualquer espaço que seja. Se você moldá-lo no tapete, você sempre pode fazer o quadro no tapete maior. Se esta composição não é óbvia para todos, se não é fácil de ler, tudo bem. Queremos que seja um pouco complicado. Quando algo é talvez muito simples de descobrir, então é uma leitura rápida. Não vamos passar muito tempo investigando isso. Mas quanto mais pensares em como juntas a tua peça, mais tempo alguém vai passar a olhar para ela. Há um tempo e um lugar também para uma arte muito simples e eu não sou contra isso. Muitas vezes você verá que minhas peças são apenas uma coisa isolada em um fundo, mas quando estamos pensando em compor as coisas corretamente e estamos querendo aprender mais sobre como fazer isso, é quando precisamos ser um pouco mais intencionais sobre isso. Como recapitulação, encontramos um ponto focal. Priorizamos todas as formas restantes. Pensamos em profundidade e perspectiva. Não se assuste com essas palavras. Isso só significa como as coisas parecem à distância versus perto. Quando você está criando uma cena, quando eles estão próximos, eles são maiores, quando estão mais longe, eles são menores. Quanto mais detalhados quando estão de perto, mais borrados quando estão em segundo plano. Então traga de volta a cor. Gosto de começar com cor e terminar com cor. A cor é tão importante no meu trabalho e no trabalho de muitas pessoas. Em muitas obras de arte no final, estamos olhando para as coisas. Será que se sente unificado, são as cores salpicadas sobre, há um gradiente acontecendo, eu gosto disso, é muito organizar. É quase como se vestir de manhã, você quer combinar, você quer coordenar, mas você sente que está fazendo isso demais. Desafio você a brincar com as peças com as quais já trabalhamos nos últimos exercícios, nos últimos princípios, ou criar uma nova peça agora com o que você sabe. Só para exercitar um pouco sobre aquela peça de compensação de como criar uma grande arte. 23. Bônus: mais aprendizado!: Você pode encontrar mais diversão de cor com a aula de sol e lua que eu tenho aqui no Skillshare. Nós pintamos sóis e luas, primeiro organizando nosso esquema de cores e brincando com esquemas de cores complementares divididos. Você verá que misturar cores é muito fácil. Misturá-los juntos e combiná-los para criar paletas que são agradáveis e criar também alguma tensão visual. O valor é grande e é aquele que não queremos perder. Se você quiser se divertir mais com valores e cores, nós realmente substituímos valores por cores nesta classe de retratos de animais, ele vai desafiar e esticar a relação entre esses dois. Uma artista que eu olhei para como ela lidava com a forma era Mary Blair. Eu fiz aula aqui sobre Skillshare dedicada a ela, onde até eu consegui incluir um monte de artistas diferentes que também são influenciados por seu trabalho. Os projetos incluem focar na forma e torná-los coisas diferentes. Você vai ter que assistir para ver. 24. Recapitulação rápida: Espero que tenhas aprendido alguma coisa e espero que tenhas tirado o teu caderno de rascunhos e que tenhas sido capaz de explorar algumas coisas que sabias que estavam lá. Tenho ensinado há alguns anos e vejo as pessoas ficarem muito empolgadas com a criação. Vamos saltar para a criação, vamos saltar para como você faz isso e como você pinta isso, e como você desenha isso? Estamos interessados em assuntos diferentes. Lindo. Mas então chegamos a um lugar onde percebemos que não sei mais o que faz algo bom? Ou posso fazer uma coisa isolada, mas como posso colocá-la em contexto? Como eu sei que vai parecer certo ou fazer sentido ou se eu estou usando as cores que eu gosto e não estou aplicando nenhuma teoria de cores a ele? Essas são ótimas perguntas e não me sinto como, “Oh, eu perdi o barco porque eu não fiz isso antes. Eu não pensava nessas coisas antes.” Isso é tudo parte do jogo. É para isso que serve esta aula. Espero que tenha sido uma boa maneira de exercer as coisas que são ensinadas em livros didáticos e talvez ensinadas amplamente em universidades ou escolas de arte. Mas eu queria que você sujasse as mãos, gastasse alguns minutos por dia ou alguns minutos durante o período desta aula e exercitasse esses princípios. Espero que continue pintando e espero que deixe um comentário, deixe-me saber se você gosta da aula. Se você quiser me encontrar nas redes sociais, eu vou atrás de aquarela, D-E-V-O no final tudo uma palavra ou você pode tentar soletrar meu nome e você provavelmente vai me encontrar em qualquer lugar. Meu site é o meu nome amarilyshenderson.com ou watercolordevo.com. Espero fazer mais desses vídeos onde eu possa quebrar alguns princípios básicos sobre arte que são um grande negócio e podem melhorar o seu trabalho em qualquer nível de criação que você está. Por favor, publique um projeto. Eu quero ver no que você tem trabalhado. Obrigado por fazeres parte da turma.