O guia de sobrevivência das cores

1. Introdução do curso: Ei pessoal, Marco Gucci aqui, você sabe, como um artista profissional e ilustrador, você quer ser capaz de lidar com uma grande variedade de tarefas. Agora, quando se trata de cor, isso significa conhecer seus fundamentos tanto na teoria quanto na miríade de maneiras como essas teorias podem ser aplicadas como ilustrador. Agora, há mais de 15 anos, eu acho isso uma e outra vez. Volto a um conjunto central de fundamentos, fundamentos que me permitem sobreviver em cores. Então, bem-vindo ao meu Guia de Sobrevivência cor onde eu quero compartilhar esses fundamentos com você. Há seis capítulos. Cada capítulo contém uma apresentação de uma teoria de cores particular e, em seguida, se move para o seu uso prático. Você sabe, como eu aplicá-lo, mas também idéias de como você pode aplicá-lo. Conceitos que irão alimentar o seu trabalho quotidiano. Meu objetivo com esta classe é simplesmente torná-lo mais confiante em ser capaz de lidar com uma grande variedade de tarefas de cores. Agora, uma observação rápida, usarei o Adobe Photoshop nesta apresentação como meu software preferido. Mas os conceitos e demonstrações são aplicáveis a qualquer aplicativo de pintura digital. Na verdade, as teorias apresentadas ou mesmo aplicáveis aos meios de comunicação tradicionais. Então, estou confiante que você vai gostar desta aula. Temos cerca de quatro horas de aprendizagem pela frente. Então vamos mergulhar no Capítulo 1. 2. O poder dos grays: Vamos começar esta aula com o que eu considero ser o aspecto mais fundamental da cor, e é assim que a cor se move em uma pintura. Após este capítulo terminar, teremos uma compreensão geral da mecânica do movimento de cores. E com isso e a compreensão das cores cinza versus suas contrapartes saturadas, desenvolveremos um sistema simples para categorizar e organizar cores em uma pintura que aprenderá o quão poderosas decisões simples podem ser. Vamos falar sobre como a cor se relaciona com o valor e a forma. E por último, aprenderemos a terminologia de cores que usaremos ao longo desta classe. Muito bem, aqui está o nosso amigo, a roda de cores. E se você ainda não é amigo dele, você estará no final desta aula. Ok, então aqui no Capítulo 1, vamos começar nossa compreensão da cor através da lente de cores complementares. E as cores complementares, como você provavelmente já sabe, são simplesmente duas cores ou tons localizados em lados opostos da roda de cores. Toda cor tem um elogio, é claro, teoria básica de cores. Diremos que as cores complementares geralmente ficam bem juntas. Mais uma vez, esse é um conselho geral que estamos prestes a investigar mais detalhadamente. No entanto, antes de o fazermos, eu quero ter certeza de que estamos todos na mesma página e entender o que a roda de cores está nos mostrando. O anel mais externo da roda de cores, esta cor aqui, por exemplo, é a versão mais saturada, intensa ou colorida dessa cor. Se movermos essa seleção para o meio da roda de cores, estará perdendo saturação. Em outras palavras, está ficando mais cinza. Vou trazer um seletor de cores aqui. É basicamente como se estivéssemos fazendo isso, movendo em direção ao cinza e perdendo saturação. Tudo bem, a próxima coisa que é muito importante de entender, a roda de cores só está nos mostrando cor. Por exemplo, não está nos mostrando valor. valor é a luz e a escuridão de uma cor. Por exemplo, eu tenho duas cores aqui. Uma luz, outra escura, mas ambos estão no mesmo nível de saturação. Então, mesmo que essas duas amostras sejam tecnicamente duas cores diferentes devido à sua tonalidade e saturação idênticas, elas estariam localizadas no mesmo local em uma roda de cores. Agora, valor, novamente, luz e escuridão são parte integrante para o sucesso de uma pintura, mas também não é sobre isso que esta classe se trata. Esta aula é sobre cor. Então eu vou fazer o meu melhor para manter o foco na cor, mas eu vou ter que falar sobre valores ocasionalmente porque é literalmente inevitável. Então aqui está uma pintura, não a melhor pintura do mundo. Na verdade, eu fiz essa pintura há 15 anos atrás, bem na época em que eu estava começando a me sentir familiarizado com a cor. Um exercício que realmente me ajudou foi fazer minha paleta o mais complementar possível. Neste caso, se eu provasse algumas cores aqui, é essencialmente amarelos versus roxos. Quero dizer, não é uma linha perfeitamente reta, mas você entendeu a idéia. Agora, embora uma paleta complementar não seja a maneira mais criativa de usar cores, ela oferece uma visão valiosa sobre como a cor se move para introduzir isso. E enquanto ainda temos este gráfico na tela, dê uma olhada na gama de amarelos versus a gama de roxos. Há uma diferença significativa lá. Há menos variedades do amarelo em oposição ao roxo. No entanto, os amarelos que existem estão todos muito saturados. Enquanto o roxo é meio que abrangem a gama de muito dessaturado ou cinza para muito saturado. Aqui no Photoshop, vamos fazer um pequeno exercício de cor que eu juro que qualquer um pode fazer independentemente da sua experiência, Vamos trazer essas duas cores muito saturadas que acabamos de olhar. Neste caso, amarelo, só pintando uma pequena amostra. E em uma nova camada, eu vou pegar os roxos que estão aqui. É no Photoshop é um pouco mais difícil dizer o que é gratuito porque você tem uma faixa de matiz em vez de uma roda de matiz. Mas quero dizer, tudo bem, desde que seja perto do oposto. Então em algum lugar por aqui. Não sei se é perfeito, mas está perto o suficiente. Vou pintar isso. Agora. Estes são muito distantes. São cores complementares. Então eu vou colocar este caminho roxo aqui, e eu vou colocar este caminho amarelo aqui. E o exercício que queremos fazer agora é abranger a gama, preencher este intervalo no meio. Isso vai simular como usamos cores em uma pintura real. Não se preocupe com o valor. Novamente, valor sendo arco iluminado, apenas não se preocupe com isso para este exercício, nós não estamos tentando produzir uma imagem legível aqui. Só estamos brincando com a cor. Então bem no meio é esse cinza. Vou tentar pôr este cinzento aqui. E enquanto eu estou na tonalidade roxa, eu só vou tipo de ramificação para fora em direção à saturação e apenas colocar um pouco de amostra bem ali. Agora pergunte a si mesmo, para onde esse roxo iria? Bem, é meio que bem no meio entre aquele e aquele. Então vamos colocar sobre lá. Vou para os amarelos agora. Posso provar o meu amarelo aqui, se quiser que seja exato. Vou trazer isso para mais perto do cinza e colocar isso lá. Então o que estamos essencialmente dizendo aqui é que esta cor é o mesmo nível de saturação em relação ao amarelo como esta cor é em direção ao roxo. Mas, novamente, estamos fazendo isso visualmente. Veja, eu não me importo que eu estou realmente provavelmente alguns pixels fora. Se eu olhasse para essa cor, ela existe bem ali na saturação versus o roxo, que é um pouco mais perto do cinza. Então eu não sou perfeito. Quer dizer, eu não sou um robô. Não posso fazer exatamente, mas está tudo bem. Visualmente é o que importa. Então vamos continuar progredindo. Eu tenho este roxo aqui amostrado. Vou ramificar um pouco mais e colocar isso aí. Vou para a amostra amarela onde estou. E saia um pouco mais e coloque isso aí. Que tal eu escolher uma cor e dizer que é por aqui. E novamente, apenas continuando a traçar essas cores, você sabe, aproximadamente onde elas vão neste espectro aqui, eu estou reduzindo a quantidade de espaço. Este ocupou muito espaço no meu pequeno gráfico aqui, então eu estou meio que trabalhando nisso. Então é assim. Isso pode parecer um pouco contra-intuitivo, mas resista ao desejo de tornar isso bonito, quero dizer, você pode se quiser, mas não importa. Então o que estamos fazendo aqui é que estamos nos acostumando a rastrear saturação ou termos opostos, rastrear cinza ficar um pouco mais saturado e reabastecer naquele cara. E lá vamos nós. Algo como isto. Você não tem que encher tudo perfeitamente. Algo assim é totalmente bom. Como eu disse, exercício muito fácil, muito básico. Mas estou sendo totalmente honesto quando digo que avaliar e escolher cores em sua pintura pode ser tão simples quanto isso. E é também por isso que a paleta complementar é tão boa para trabalhar com isso primeiro, porque você só tem duas cores, ele tira quase toda a adivinhação. Ok. Agora, há um termo de cor que eu tenho certeza que você já ouviu chamado de harmonia de cores. O que é harmonia de cores? Bem, eu acho que a harmonia de cores é quando há um traço visual perceptível ou ligação entre as cores. Agora, o que é esse elo? Bem, o elo é o cinza. O cinza é claro, sendo a amostra do meio entre duas cores. Quando eu prová-lo aqui, não importa se eu estou no roxo ou se eu estou no amarelo, é da mesma cor ambas as vezes. Então cinza é a conexão literal entre duas cores, neste caso o amarelo e o roxo. Mas deixe-me desfazer essas marcas por um segundo. Onde a harmonia de cores acontece é nesta faixa neutra muito delicada. As cores neutras são as cores próximas ao cinza. Eu diria que talvez esta gama aqui, estas são as cores neutras nesta paleta. Se eu fosse fazer isso no próprio Color Picker, eu estou no roxo aqui. Eu diria que os neutros estão algures neste intervalo. Se eu desenhar como uma parede invisível aqui, é meio que nessa faixa. E lembre-se, pode ser qualquer valor, escuro, luzes, o que quer que sejam todos roxos neutros e vice-versa. Se eu fosse até os amarelos, o mesmo tipo de coisa, desenhando aquela parede invisível ali. Estes são todos amarelos neutros. Quando as cores são neutralizadas, elas ficam próximas. Como vemos em nosso estudo aqui, a distância entre este cinza e este amarelo não é muito longe, e a distância entre este cinza e este roxo não é muito longe. Portanto, a distância entre aquele roxo e aquele amarelo também não é muito longe. Há uma ligação lá. Podemos rastrear o movimento da cor. A cor está se movendo deste dessaturado ou nivelado para baixo roxo. E é muito fácil vincular visualmente ou rastrear visualmente como ele pode chegar aqui. Você vê que é muito mais difícil começar aqui e depois ir boom para lá. É uma mudança muito abrupta. Não há ligação visual entre os dois. Ambos estão muito saturados. Estas são cores incrivelmente diferentes. A única maneira de conseguir que essas cores se harmonizem é mostrar como elas se movem de uma para a outra. E mover-se através de neutros pouco a pouco é o que dá ao espectador essa ação facilmente rastreável. 3. Pintura com uma paleta complementar: Tudo bem, então vamos em frente e colocar isso em uso e fazer uma pintura. Eu tenho um desenho de linha rápido, que foi apenas um rastreamento rápido da minha pintura aqui Eu forneci esta linha de arte com a classe para que vocês possam me acompanhar se quiserem. Vou tentar o meu melhor para usar pincéis que eu também forneceu com a classe. Eu tenho mais pincéis do que eu forneço porque às vezes eu compro pincéis de outros artistas e é claro que eu não posso vender. Esses são os que vêm com a classe ou os pincéis que eu mesmo fiz. Mas vou tentar o meu melhor para ficar com eles. Ok. Então vamos ver, vamos pegar um pincel. Este é o meu pincel calcário e eu provavelmente deveria mostrar-lhe rapidamente as minhas camadas. Eu tenho a camada de linha aqui definida para o modo de multiplicação. E então na camada abaixo, eu só vou usar uma camada. Embora se mudar, eu te aviso, mas vou colocar minhas camadas fora da tela porque agora eu só vou usar uma camada. E aqui vamos nós nessa camada, eu vou bloquear apenas uma espinha neutra, neutra quente. Agora eu vou obviamente colar dois amarelos porque eu estou usando uma paleta complementar. Então eu vou ficar com amarelos e roxos. Então, enquanto eu bloqueio meus neutros, eu só vou meio que misturar entre os dois. Novamente, são neutros, o que significa que estão perto do cinza. Lembra daquela parede invisível? Repare que vou tentar ficar dentro dela. Agora. Estou apenas sorrindo aleatoriamente amarelo, roxo, posso ser um fio de cabelo e pegar este azul por acidente. Estou a tentar o meu melhor para ficar com isto. Desde que estejas a pensar em cortesia e a saltar para a frente e para trás assim, na minha opinião, vais ficar bem. Mais uma vez, tira a adivinhação, certo? E vamos começar a expandir essa paleta de cores nos próximos capítulos, claro também. Ok, bom. Eu gosto de começar aqui porque me dá a oportunidade de construir tanto mais escuro quanto mais leve. Você não tem que fazer isso, mas é isso que eu gosto de fazer. Deixe-me mudar para um pincel diferente. Isto também é fornecido com o meu conjunto de pincéis. Vou bloquear alguns tons de sombra. Agora, deixe-me parar por um segundo. Vou decidir uma coisa agora mesmo. E isso é tudo que está na luz vai ser atingido por uma luz solar mais quente e, portanto, vai receber os amarelos, e, portanto, qualquer coisa na sombra vai receber os roxos. O capítulo 2 vai ser mais sobre isso. Decidi começar por aqui para mergulhar nas coisas divertidas rapidamente. E, em seguida, no Capítulo 2 vamos fazer um backup e fazer algumas coisas mais teóricas. De qualquer forma. Então qualquer coisa em luz, eu tenho o meu amarelo e eu vou ramificar fora é muito louco como se você olhar para a minha pintura e eu provar isso, isso é bastante saturado e isso não é mais uma cor neutra. No entanto, na minha pintura aqui, eu preciso estabelecer esse movimento, essa ligação entre roxo e amarelo, certo? Eu não vou entrar e pintar isso. Isso é muito rápido para prematuro. Vou começar aqui em neutros. Agora, o meu valor vai ser a luz porque é a luz do sol. Mas vou bloquear e ver o quão rápido estou fazendo isso. Isto é, isto é como você pintaria um pequeno estudo rápido uma chave de cor, algo assim. É também como eu iria sobre pintura, uma pintura perfeitamente acabada. Eu começaria muito solto assim e, em seguida, apertava-me como eu vou. Mas neste momento só estou a tentar encontrar a luz. A propósito, a luz está vindo do canto superior direito. Então é por isso que a sombra aqui está sendo lançada por esta parede, lançando uma sombra aqui. Então a luz está vindo por aqui. E, portanto, vai bater em muitas dessas árvores, essas escadas. Oh, desculpe, eu fui acidentalmente amostrado os amarelos errados. Mantenha-o neutro. Mantenha-o neutro porque então podemos construir a partir dele. Vou provar o meu roxo neutro aqui e construir. Obviamente estas árvores estão lançando sombras. Então eu só vou pintar de volta em algumas dessas sombras. E vamos agora mudar rapidamente as engrenagens para este roxo. Vou dar-lhe um pouco mais de saturação, mas ainda no intervalo neutro. Só para estabelecer um pouco mais, novamente, um pouco mais de cor à medida que vamos. Eu estou, enquanto eu estiver nos neutros, eu quase não posso fazer caras errados porque ele lá, o link está lá, o link está embutido. Posso até colocar alguns desses roxos nas árvores. Agora, tenha cuidado para que seu valor esteja correto. É aqui que eu tenho que falar um pouco sobre valores. minhas árvores são, se olharem para a luz contra a escuridão, as minhas árvores estão por aqui. A luz do sol está batendo naquelas árvores. Se eu colocar esse roxo aqui, esse é o valor errado. Se você tem o valor errado, também é a cor errada. O valor supera a cor. No entanto, se eu tiver este roxo, que deve ser aqui em cima, e eu obter o valor certo, que é muito semelhante em relação aos amarelos foi que eu posso colocar este roxo em e valor sábio, Ele vai olhar OK. E como ele é neutro, as chances são de que ele vai ficar bem, colorido também. E então você pode provar os resultados como eu misturei aquele roxo com o amarelo e você pode meio que provar o resultado aqui e pintar com isso. Isso é totalmente válido. Misturar cores na tela como esta realmente é como eu obter a maior parte da minha cor. Começo escolhendo cores, mas depois costumo provar o que está na tela. Muito parecido com a forma como um pintor de óleo escolheria cores do seu paladar. Eles misturam as cores, trabalham com as cores em sua paleta. E, de repente, o paladar deles é um monte de cores que eles podem mergulhar quando quiserem. Sinto que a pintura digital é como uma paleta interativa. Muito bem, vou trabalhar para expandir mais os meus valores. Salte para aqueles roxos. E vamos para um valor mais profundo. Isso, deixe-me pegar uma escova de ar, que eu tenho aqui em cima. Este fundo é obviamente bastante escuro. Eu meio que pensando em um tipo de 3 sobre todos os valores. Você tem esse valor escuro no fundo para este valor de sombra para as árvores, escadas e templo também. Então isso é dois valores e, em seguida, valor de luz para a árvore. Então, três grupos gerais, obviamente haverá pequenas mudanças dentro desses grupos, mas esses são os meus grupos gerais que eu quero ficar separados que ajudarão esta pintura a ler. Então, algo aqui é o meu esquema de valor geral. Vamos pegar um pincel, que vem com a minha turma. E vamos ramificar um pouco sobre estes roxos. Vamos pôr este telhado dentro. E eu vou ter alguma definição aqui com a sombra debaixo do telhado. Isto é, na verdade, isto não é uma sombra. Isto é oclusão ambiente, esta escuridão aqui. Isso não é uma sombra, é simplesmente a parte mais escura de uma sombra. Esta coisa toda está na sombra. A oclusão do ambiente é onde a luz ambiente é bloqueada ou ocluída. Portanto, fica ainda mais escuro. Ok. Vamos continuar aqui. Muito bem, mais uns roxos a trabalhar lá dentro. Este pode ser um bom momento para pegar minhas camadas e apenas diminuir a opacidade um pouco em minhas linhas. Não preciso vê-los. Veja quando você tem 100 por cento de opacidade em suas linhas. As linhas dominam a pintura. Se você tirar as linhas, de repente como se eu pudesse realmente começar a ver a forma pintora passando. A pintura é o que está se comunicando comigo aqui. Quando eu tenho as linhas ligadas, as linhas que estão se comunicando mais, como as linhas do mais alto. Então eu só vou diminuir a saturação. Não estou pronto para desligar completamente as linhas. Ainda assim. Outra maneira de fazer isso é fazer uma camada sobre suas linhas e apenas pintar sobre suas linhas. Mas neste caso, vou diminuir a opacidade. Jogue a janela Camadas fora da tela porque você realmente não precisa vê-la agora. Uma coisa que faço geralmente na pintura é escolher uma área. Normalmente é o ponto focal neste caso, esse é o templo. E eu levo isso a um grau mais alto de acabamento. Talvez não totalmente acabado, mas apenas um grau mais alto de acabamento. De modo que é como me dá um pouco de inspiração como pintor para ver o que está funcionando e depois que deixar isso inspirar o resto da peça. Então é isso que estou fazendo aqui. Mesmo que o templo esteja envolto em sombras, acho que é um ponto focal. Afinal, você é, a pintura meio que leva seu olho direcionalmente até ele. Sabe o que vou fazer aqui? Vou pegar meu desenho de linha e apagar o templo. Mais uma vez, livrar-se das linhas. Porque eu quero que a pintura faça toda a conversa aqui. Eu não preciso dessas linhas, especialmente eu não tenho a referência para se eu quisesse me referir à forma dele, eu posso apenas olhar para a referência. É benéfico livrar-se dessas linhas o mais rápido possível. E isso assumindo, é claro que você quer um visual pintável para suas coisas. Ok. Vamos comprar um cinzento, roxo. E o que esse cinza vai fazer é começar quase parecendo amarelo. E eu posso, porque estas são cores muito neutras, eu posso saltar para frente e para trás de roxos para amarelos e apenas tipo de construir a ilusão de, você sabe, este material de telhado ondulado ou texturizado. E é, ele não parece roxo ou amarelo é uma espécie de mistura e isso é, essa é a outra coisa bonita sobre neutros. Eles realmente não mantêm sua identidade como tons como quando você está trabalhando com um roxo neutro, ele realmente não parece roxo porque é tão bom. É meio que um camaleão. Ele adota as outras cores que estão ao lado dele. E mais uma vez, harmoniza. Você pode ver esse link. Só estou construindo alguns valores diferentes daquele roxo aqui. Ficando um pouco, você sabe, pequenos destaques, um pequeno vislumbre da luz. E vamos voltar para os amarelos. Ok, deixe-me acelerar um pouco aqui. Vamos colocar as portas meio ásperas. E vamos começar a trabalhar em algumas dessas árvores também. Você pode ver o que eu quero dizer quando eu digo um nível mais alto de acabamento que eu estou procurando em torno do ponto focal. Esta região do templo agora parece algo. Talvez. Quero dizer, está pronto o suficiente para uma chave de cor, embora eu queira adicionar mais cor a ela, que é o objetivo deste exercício agora, as coisas ainda existem na faixa neutra, o que é um ótimo começo . É aí que você quer estar porque faz com que sua paleta de cores comece imediatamente a funcionar. Mas então o que eu ainda não disse é de lá que você pode construir saturação. E novamente, é assim que você pode se conectar entre cores intensas que são completamente diferentes, neste caso, completamente complementares. Então vamos continuar trabalhando por aqui. Tenho a minha textura, escova oleosa. Eu não consigo lembrar o que este pincel é chamado porque eu só vejo os gráficos em miniatura e minha caixa de pincel aqui. caixa de escova, a propósito, é um plugin de terceiros para o Photoshop. Acho que são uns 7 dólares. É muito barato e é ótimo. Eu prefiro caixa de pincel para photoshops, navegador de pincel nativo. Vamos continuar trabalhando aqui e obter um roxo mais profundo, um pouco mais colorido. E vamos começar a trabalhar na sombra que está descendo as escadas. Vou buscar o meu bom e velho pincel redondo por isto. Este é o pincel redondo com bordas molhadas, que eu pinto com muito. 60% do tempo. Estou pintando com este pincel. Eu amei o pincel redondo e eu gostaria de ativar a opção bordas molhadas, que novamente está incluído no meu pacote de escova. Se você tem um software que não suporta meu pacote de pincéis, como dizer que você está trabalhando em, eu não sei, Krita ou algo que não pode importar pincéis do Photoshop até onde eu sei. Não se preocupe com isso. Você pode encontrar pincéis que são muito semelhantes. Nenhum dos meus pincéis é especial. Eu não tenho louco oh, eu tenho pincéis texturizados loucos, mas eu quase nunca usá-los como se eu tivesse um pincel como este, que não vem com o meu pacote porque eu baixei isso de outros artistas, como olhar para aquilo Loucura. Quase nunca uso isso. Pode ser bom para pequenas telhas ou algo assim aqui em cima, você sabe, recebendo pequenas dicas de textura, mas não é o que você deve estar preocupado com a maior parte do tempo, eu uso escovas muito simples, como o escova redonda, porque me dá a capacidade de controlar o meu desenho. Desenho significando as formas e, claro, os valores que se conectam a essas formas. E então, por extensão, as cores que se encaixam nesses valores e se barba, que é o que essa classe se trata, essas cores. Vou entrar em meus amarelos agora, aumentar a saturação. Olhe onde estou além dos neutros agora. Além disso, vou matar completamente o meu desenho de linhas. Aí está o meu desenho de linha, boom, morto. E eu só estou de volta em uma camada. E olha para isto. A pintura está ganhando vida instantaneamente como uma pintura. Isto é o que eu quero dizer quando digo que as falas realmente funcionam contra você. Com tempo suficiente, a pintura deve estar falando. Agora, isso supondo que você quer que o quadro seja a falar e a final. Se você está procurando por um estilo híbrido de linear versus pagar um pintor, então obviamente você quer lidar com isso de forma diferente. Mas como um artista pintor eu mesmo, é assim que eu abordo. Vou invadir alguns roxos mais saturados aqui. Olhe para isso e veja que é uma qualidade que acontece quando você começa a adicionar saturação aos seus neutros. Não sei como descrevê-lo. É um sentimento para mim. É, eu ouvi artistas chamá-lo como as cores sentem como se estivessem cantando. Eu não sei, para mim isso faz sentido, embora eu não entenda bem por que faz sentido, mas parece que essas cores, eles têm uma casa ou algo assim. As cores saturadas têm mais de uma casa quando você construir até eles. E novamente, quando estamos falando sobre movimento de cores, construindo para aqueles que se movem de cores dessaturadas, cores muito saturadas realmente farão essas cores vibrantes e harmonizadas. E todas essas festas, alguns termos artísticos que realmente significam resultados esteticamente agradáveis. 4. Criação de cores e finalização na pintura: Falando de resultados esteticamente agradáveis, deixe-me mostrar-lhe um pouco de uma ponta de camadas aqui. Traga-o para cima e nova camada, defina-o para o modo de esquiva linear, que qualquer aplicativo de pintura terá. Às vezes pode ser chamado de brilho, mas Linear Dodge, eu acho que é chamado na maioria dos casos, basta pegar um aerógrafo. Este é apenas um aerógrafo padrão básico, aerógrafo macio. Escolha minha cor amarela em algum lugar aqui no Photoshop com modo de esquiva linear, você tem que escolher um cores escuras, mas é basicamente, você pode pintar luz, vamos saturar isso um pouco mais e aumentar o valor do bit. Diga lá vamos nós, algo assim. Se eu quiser uma maneira rápida de aumentar a saturação, eu vou acertar a cena com esta camada de esquiva linear. E vamos um pouco. Lá vamos nós, algo assim. Agora eu não quero totalmente saturado assim, embora eu pudesse. Mas vamos adicionar um pouco e ver como está sangrando na sombra aqui. Como nesta área aqui, enquanto adiciono à luz, está sangrando na sombra. É um olhar agradável. E provavelmente vamos falar sobre algo semelhante a isso em capítulos futuros nesta classe. Mas vamos trazer isso para bater na parede. Eu poderia até fazer uma seleção aqui, selecionando a face lateral da parede. E vamos cortar as escadas que não precisam ser muito precisas. E pressionarei o Controle H para esconder essa seleção para que eu possa ver o que está acontecendo aqui. Talvez só acertar. Oops. Acerte-o um pouco mais aleatoriamente. Ouves a minha caneta a dar-se por aí, certo? Desmarque isso e continue trabalhando nisso. Coloca mais desses amarelos aqui. E então eu poderia fazer a mesma coisa com os roxos, a propósito, mesmo que haja uma sombra, eu não quero fazer completamente essa luz, mas eu posso apenas bater um pouco. Neste caso, eu poderia selecionar o plano superior da parede, que seria exposto a uma luz mais refletida. Vamos falar mais sobre isso no Capítulo 2. Luz refletida, luz direta, coisas assim. Então, estamos ansiosos para o Capítulo 2. Eu gosto quando eu tenho a seleção de formigas marchando aqui no Photoshop, eu gosto de escondê-las apenas com o Controle H. E então eu posso avaliar como minha pintura real está parecendo. Essa seleção ele muitas vezes fica no caminho visualmente. E há uma espécie de antes e depois. E isso é fixe. Mescle-os no Photoshop. É o Controle E para se fundir. E veja, tenho algumas áreas transparentes da minha pintura. Vou apenas duplicar a camada e fundi-la de volta. Isso faz com que a tinta esteja cobrindo a tela 100 por cento. Vamos para os meus amarelos, indo para o amarelo escuro profundamente saturado. Vamos voltar ao meu pincel oleoso aqui e continuar a trabalhar estas sombras de árvores. Você notou que minha pintura real aqui tem mais algumas cores nele do que apenas a paleta complementar. Como eu provei há alguns minutos, você viu que é de cortesia, no meu escritório aqui, eu estou fazendo isso totalmente gratuito, pelo menos para o melhor de minha capacidade. Só estou escolhendo amarelos e roxos. Mas esta é uma ótima maneira, maneira simples, tirando todas as suposições de suas escolhas de cores e certificando-se de que você entende como essas cores se movem. Lembre-se, no fundo, que é basicamente todo roxo agora essas árvores olham o que acontece quando você constrói um pouco deste amarelo. Começa, começa a harmonizar-se, vive juntos. Bem, agora parte disso é que o meu valor está correto. É um valor sombrio, então eu estou me certificando da mesma forma, meu amarelo também é escuro. Mas é assim que essas cores podem funcionar. Eles são construídos em neutros e eu posso ficar cheio, quase saturação total, embora eu esteja pressionando levemente sobre o tablet, porque eu estou construindo ele para os neutros. Aqui. Estou fazendo isso um pouco no telhado. Deixe-me dar um zoom neste quadro. Simplesmente assim. Estou mantendo-o em tamanho real como este de propósito, em parte porque é assim que eu pinto. Eu quase nunca faço isso. Quase nunca vou lá fazer isto com a minha pintura. A propósito, se estou trabalhando em uma pintura hiperdetalhada, talvez eu faça isso no final. Mas se eu estiver fazendo um pequeno estudo de cores como este, nunca mais dou zoom. É quase uma regra que tenho para mim. Tão perto quanto cheguei de uma regra é que nunca dou zoom nas coisas. Ele se encaixa no estilo de arte. Obviamente, se você está pintando algo de novo hiper-realista, então você provavelmente vai querer ampliar. Mas no que diz respeito a esta aula, provavelmente nunca haverá uma boa razão para ampliar. Mantenha as coisas legíveis à distância. Isso é uma habilidade. Isso é uma parte de uma habilidade pintora é manter as coisas legíveis à distância. Se ele for legível à distância, você pode ampliar o dia todo e adoçá-lo. Mas se você ampliar e começar a pintar imediatamente, vai ser muito difícil para você manter as coisas legíveis à distância. A ferramenta de manchas aqui é uma ferramenta que eu uso muito. Eu gostaria de ligar o modo de pintura com os dedos aqui em cima e minha força está ajustada para 95. Às vezes é um pouco mais baixo, talvez 92. Basta usar este pincel plano. Agora este pincel eu, infelizmente, não posso compartilhar porque eu comprei de Kyle escova. Novamente, se você tiver uma assinatura da Adobe, basta fazer login e baixar os pincéis de Kyle Webster. E eu acredito que este pincéis em seu kit de impasto é apenas um pincel plano embora. É só um, não é nada de especial. Parece funcionar bem como uma ferramenta de manchas. Mas você sabe, você pode usar qualquer pincel em sua coleção como uma ferramenta de manchas. E eu encorajo-te a brincar com ele. Este é apenas um pincel que eu acho. Volto a muitas coisas. Então estamos trabalhando nisso. Não vai, eu não vou terminar esta pintura ao mesmo nível que esta nesta demonstração, porque afinal de contas, estamos falando de cor aqui. Mas eu não, eu ainda não cheguei ao ponto em que eu sinto que está totalmente comunicando. O ponto. Embora eu tenha certeza que o ponto está surgindo aqui sobre como a cor se move em meus amarelos brilhantes. Agora, veja como isso está saturado. Estes não são mais neutros. Só construindo essas cores saturadas voltaram para um pincel aqui. Na verdade, vamos voltar para este pincel. Então só estou usando pincéis. Compartilhando meu kit de pincéis. Este plano da parede deve estar na sombra, então vou provar uma sombra e trazê-la de volta. Eu também vou ter algumas sombras profundas aqui para começar a sair algumas dessas árvores. Este é o lugar onde eu vou conseguir um pincel multiplicado, que é aquele. Novamente, compartilhei isso com a turma. Este é o pincel redondo, desculpe por isso, o pincel redondo definido para o modo multiplicar. Então multiplique o modo de escurecimento. Você pode ver o pincel aqui em cima, ele está configurado para o modo multiplicar. E com esse pincel, vou jogar alguns desses planos dianteiros das escadas, que vão separar em valor dos planos superiores. Eu vou fazer os aviões de topo em um momento. Aquele avião de cima deve estar ficando um pouco mais luz refletida. Mas neste caso, eu vou mudar para o amarelo também, só para mostrar que a cor realmente não importa neste momento, nós construímos o paladar o suficiente para comunicar ao público como essa cor está se movendo dentro e fora um do outro. Você sabe como as cores nesta paleta estão se comunicando como estão se movendo. Neste ponto, é quase um livre para todas as cores será o menor de seus problemas agora. E isso é o quão poderoso isso é. É por isso que no início deste capítulo, eu disse que é a coisa mais fundamental você precisa entender sobre as cores, como ele se move. Mais tarde, tarde, em capítulos posteriores nesta classe, entraremos em paletes mais expandidos, é claro, mas alerta de spoiler, os princípios são os mesmos. A única coisa que fica mais difícil em lidar com mais cores é que você só tem que aplicar muito mais supervisão quando se trata de incluir mais cores em sua pintura. Como vamos descobrir, você não pode simplesmente colocar uma cor em algum lugar e ter ela não existe em nenhum outro lugar. Vai parecer estranho. E então colocar a paleta complementar é bom porque você só tem duas cores, então quase por padrão você estará incluindo-as em sua pintura o suficiente porque você só tem que escrever, basta alternar para frente e para trás entre o Dois e você vai ficar bem quando você tiver mais cores, isso se torna mais difícil, mas eu não quero me precipitar. Vamos chegar lá. Desculpe, Photoshop às vezes como quando eu proveio coisas, isso me dá um vermelho estranho. Estou fazendo o meu melhor para lembrar de voltar a roxo. Photoshop não sabe que estou usando uma paleta complementar. Por isso, às vezes, lembrei-me gentilmente. Então, aqui vamos nós. Vamos voltar para os amarelos e construir alguns apenas aumentar esse roxo rabiscando ou desprezando em alguma daquela cor diferente, o roxo, desculpe, o amarelo. E você vê essas pequenas manchas de luz batendo nele. Por que não faz isso com Linear Dodge? Então eu tenho alguns pincéis aqui. Este está definido para Linear Dodge aqui em cima. Novamente, isso é o mesmo que apenas criar uma camada e configurá-la para Esquiva Linear. Mas eu quero colocar algumas dessas pequenas fatias de luz lá dentro através das árvores. Isso sempre ajuda a fazer as coisas parecerem credíveis, como se você estivesse em um ambiente cheio de folhagem. Você pode usar qualquer pincel com esquiva linear. Só por diversão, eu vou mudar para este pincel e eu tenho que ir até aqui, mudar para Linear Dodge. E vamos ver se podemos continuar construindo esta manta de retalhos de luz. Sim, só enquanto eu faço isso. Quando eu estava aprendendo pela primeira vez sobre cor, este é um exercício que eu inventei para mim muito trabalhando em paletas muito limitadas como esta paleta complementar para começar. E a outra coisa que eu faria é que eu meio que orquestraria a fonte de luz para ser muito direcionado para a arte. Digamos que esta é uma fonte de luz muito conveniente. Só brilha nesta área da pintura. E, inversamente, tudo isso está na sombra. Essa é uma escolha muito consciente porque não só agora estou simplificando a cor, também estou simplificando o padrão de luz e sombra é apenas duas formas, como a pintura é como se fosse dividida quase ao meio. Talvez não seja a melhor escolha de composição, mas de uma perspectiva de aprendizagem, muito, muito útil. Ok, deixe-me sair do modo de esquiva linear e realmente saber o quê. Deixe-me voltar para o modo Esquiva Linear, para o modo de sobreposição. E pegue isso. Sim, eu quero um pouco dessa luz para derramar nas sombras. Vamos falar sobre isso em um capítulo futuro nesta aula. O capítulo um tem algumas coisas importantes, é claro, mas também estou usando coisas que vou explicar mais tarde. Pintura é eu fazer o meu melhor para separá-lo em capítulos digeríveis, mas como se você não pudesse tirar tudo de uma vez. Como se eu tivesse que fazer coisas que ainda não falei, mas prometo que falarei sobre elas. Mas estou fazendo o meu melhor para manter o foco do Capítulo 1. Vou mudar este pincel agora para o modo de multiplicação, que novamente é um modo de escurecimento. E apenas em um, usá-lo para tirar algumas das sombras que eu tenho perdido no processo. Quero diminuir mais agora. Outra coisa que nos ajuda a virar a tela no Photoshop, você pode invertê-la com Imagem, Rotação de Imagem, Virar Horizontal. E agora podemos ver pequenas formas infelizes como apenas, apenas a natureza de como mudar de volta para o modo normal, apenas a natureza de como os lobos temporais apenas querem redesenhar algumas dessas formas, que não tem nada a ver com a cor. Estou falando de formas agora. As cores estão óptimas. As cores são boas para ir. O que é uma boa notícia. Observe como as árvores quase parecem verdes na sombra, mas eu não usei verde. Eu usei este grau para baixo amarelo e parece verde. É uma espécie de coisa mágica sobre a cor. Isso ainda me surpreende todos esses anos depois, desde que comecei a estudar. É incrível para mim como cor no contexto pode parecer maior do que as cores que você realmente usou. Esta imagem não parece necessariamente apenas amarelo e roxo, embora você pode definitivamente farejar a paleta de cortesia aqui, paletas complementares são muito básicas, mas as cores ainda está começando a ter identidades. Além disso, eu poderia tirar alguns buracos do céu aqui. O céu será como este tom purply. Isso não está na pintura original, na verdade. Vou cutucar alguns desses pequenos buracos do céu e então o que isso pode me permitir fazer, tentar mantê-los variados por interesse. E isso pode me permitir, isso pode justificar algumas dessas pequenas luzes de borda e glândulas na têmpora. Isto pode até ser uma ligeira melhoria em relação ao original. Tenho um roxo muito claro aqui. Este é o valor errado para esta área. Veja que é muito leve, mas se eu apenas pressionar levemente no meu tablet, photoshop irá misturá-lo para mim e, em seguida, eu posso provar o resultado e pintar que na tecla de atalho geral para amostragem é ALT. E isso é verdade na maioria dos aplicativos de pintura. Seu aplicativo pode ser diferente, mas experimente Alt para aqueles de vocês novos na pintura digital. Ok, neste momento eu sinto que é sobre a hora de começar a acelerar o vídeo porque eu quero tornar a pintura um pouco mais completa do que é. Mas, ao mesmo tempo, sinto que já expliquei o ponto do Capítulo 1. Então não precisa mais me ver pintando em tempo real. No entanto, antes de o fazer, só quero apontar o que fizemos aqui como uma espécie de recapitulação. Se eu amostrado assistir o seletor de cores aqui, eu vou redimensioná-lo para que você possa realmente vê-lo. Se eu começar a provar as cores, veja como elas são neutras, bem ali, principalmente nos neutros. Novamente, é assim que as cores ficam ligadas. É muito fácil este roxo, porque é tão perto do cinza. Isso também significa que está tão perto deste amarelo, então é assim que você os liga, certo? E depois que tiveres essa fundação, podes começar a ramificar-se como aqui estou. Tenho vários graus de não-neutro. Mais uma vez, aquela parede neutra meio que termina aqui. E qualquer coisa fora disso é que eu consideraria muito mais saturada. Então eu, eu realmente não tenho telhado a saturação nunca, mas neste ponto da pintura eu poderia, eu sou livre para fazer isso. Consigo arranjar estes amarelos muito saturados. Agora tenha cuidado quando fizer isso. Pense nisso como dinheiro que você pode gastar. Você só tem uma quantidade finita. Você não quer essas saturadas. Amarelo está em todo lugar porque então ele vai começar a lutar contra seus neutros muitos amarelo saturado é que nós meio que vamos meio que falir seu quadro, gastamos muitos deles. Mas os neutros pensam nisso como dinheiro ilimitado. Você nunca pode usar muitos neutros. Agora, o outro lado disso é, se você usar um monte de neutros, sua pintura ficará bastante cinza, mas ainda funcionará. Se você usar toneladas de saturação, sua pintura vai começar a não funcionar mais porque é, não há mais link. Essa ligação entre as cores foi destruída, os movimentos desapareceram. Então, com essa recapitulação em mente, vamos acelerar o vídeo e terminar isso. Agora, enquanto você me vê trabalhando aqui, eu quero ligar isso de volta a algo que eu expliquei anteriormente neste capítulo. Lembre-se de como os amarelos ocupavam uma faixa menor do que os roxos. Isso é algo que você pode construir à medida que você avança. Apesar de eu ter começado com amarelos bastante neutros, bem, muito neutros. Enquanto adiciono luz e adiciono o efeito desse sol forte, vou tentar propositadamente empurrar a saturação nos amarelos mais do que estou empurrando a saturação nos roxos. Assim, os roxos manterão mais do intervalo e os amarelos terão um intervalo mais estreito, e esse intervalo mais estreito será mais saturado. Este tipo de relação com o que eu disse de novo alguns minutos atrás sobre ter toda a sua pintura permanecer neutra. Se você fizer isso, vai funcionar. Vai ler, mas vai ser um pouco cinza demais, um pouco monótono, que obviamente às vezes você quer nesta pintura, eu não quero que seja monótona. Quero que o sol seja muito quente e convidativo. Muitas vezes isso pede mais saturação. Mas para equilibrar isso, sua cor oposta, neste caso, o roxo, seus contrapontos precisam ser trazidos, reinados em mais. Então você tem esse tipo de alcance que estamos olhando na tela agora no canto ali. Isso não é uma regra nem nada. Você poderia inverter isso e favorecer a saturação para estar nas sombras como na faixa roxa. Nesse caso, eu poderia ter feito isso. Ele teria apenas produzido um campo diferente, mas teria funcionado dependendo do campo que você quer é onde você vai. Além disso, você poderia igualmente favorecê-los, como se sua saturação existisse igualmente nos roxos e nos amarelos. Isso vai funcionar muito de novo, desde que você tenha os neutros lá para produzir esse movimento de cor, para dar ao espectador que, a ligação entre como as duas cores se comunicam e como elas se fundem de uma para a outra. Você poderia absolutamente empurrar a saturação roxa igualmente tão forte quanto o amarelo. Eu tendem a não fazer isso, embora não só neste caso, mas na maioria dos casos eu tendem a não ir assim porque é uma palavra pouco dura. Mas se algo desesperado sobre isso, há algo que parece que você está realmente tentando para a cor e é, nem sempre sai bem. Eu tento e favor da saturação em uma cor ou outra. E eu sou bem claro sobre isso, pelo menos na minha própria mente, meio que desde o início. Às vezes você explora isso na própria pintura, como você faz uma nova camada e experimenta. Obviamente, com o digital, não é destrutivo, certo? Basta fazer uma nova camada e experimentá-la. Não há risco e depois ver se funciona ou não. Então eu faço isso às vezes, mas em outros momentos como este, eu costumo me perguntar, onde está a luz na imagem? E isso geralmente obterá a maior saturação. Especialmente se é como um sol do final da tarde como este, que é por natureza, muito saturado mesmo na vida real. Então, a resposta estava lá para mim nesta. Mas, novamente, não há certo ou errado lá. Cabe a você experimentar. O princípio que eu quero que você adira no entanto, é esta idéia de construir movimento de cor através neutros primeiro e depois adicionar saturação. É um princípio de cor que funcionará independentemente do seu assunto, não importa qual seja a sua iluminação. Mas também não é uma fórmula porque você pode produzir infinitas variedades de resultados com ela. Certo, aí está minha pintura de sucesso final, eu acho, baseada em fundamentos simples e eficazes de cor. Vamos agora aprofundar uma conversa calorosa e legal no Capítulo 2. 5. Teoria de temperatura - morno x a: Bem-vindos ao Capítulo 2, onde vamos entrar nas trincheiras com temperatura de cor. Esta é a mãe de todas as teorias de cores. Você tem que entender isso. Se você entender isso, você pode pintar com cor. Nós vamos ganhar um monte de coisas seminais neste capítulo, vamos ter uma compreensão mais profunda de como a cor se move. Isso está decolando do Capítulo 1, vamos explorar ainda mais a idéia de movimento de cores, uma compreensão de como a luz influencia até mesmo os valentões da cor. Razões fortes para nossas escolhas de cores e apreciação pela natureza é a teoria das cores. Como a cor funciona na vida real, um sistema de cores que podemos exagerar para fins artísticos. E porque o valor é sempre parte da conversa, irá desenvolver uma ligação importante entre cor e luz e sombra. Tudo bem, então algo que todo mundo, até minha filha de 18 meses de idade sabe sobre cores são nomes de cores. Vermelho, amarelo, verde, laranja, azul. Estes também são chamados de hughes. É bom saber esses nomes, claro, mas eles não são muito úteis. A razão pela qual eles não são muito úteis é que eles não nos dizem nada sobre a temperatura da cor. Quando digo temperatura, estou falando sobre se uma cor é mais quente ou mais fria no contexto. Então, aqui está um exemplo de contexto para ler amostras. Ambos são vermelhos, mas não são os mesmos vermelhos. Assim, a utilidade da palavra vermelho está imediatamente atingindo seu limite. Não pode diferenciar essas duas amostras, mas nossos olhos podem. Eu sugiro a você que este vermelho é o mais quente dos dois. Então aqui está uma roda de cores diferente. Bem, é a mesma cor roda exceto que este só nos mostra Hughes e não diferentes níveis de cinza e saturação. E se a cor está sempre se movendo, eu gosto de pensar que há duas paradas de trem nesta roda de cores, a parada quente, que é essa faixa aqui, e a parada legal, que é essa faixa do lado oposto. Qualquer coisa entre essas cores que eu penso apenas como trilhos de trem entre essas duas paradas. Então a cor está se movendo em torno desta roda de cores. E como pintores, precisamos rastrear para onde está indo. Aqui está uma lista de algumas tonalidades básicas. Novamente, vermelho, amarelo, verde, azul. No lado esquerdo, vou mostrar essas cores em transição para as temperaturas de cores mais quentes. E do lado direito eu vou mostrar essas cores e transição para as temperaturas mais frias. Então, começando com o aquecimento, como cada cor viaja em direção à parte quente da roda de cores. Vejamos como, à medida que cada cor fica mais quente, como ela está sendo puxada para a parte quente da roda de cores, começando com vermelho. Vermelho vai viajar através das laranjas para estar na parte quente da roda de cores. Então você pode ver na seção vermelha no topo, você pode ver como o vermelho está deslizando lentamente para laranja. Certo, então quando dizemos um vermelho mais quente, está algures nessa faixa. Está bem, olha para o amarelo. Para que o amarelo fique quente, ele também tem que ir para as laranjas. Então você pode ver que o amarelo lentamente não é um processo de deslizamento em direção a laranja, que, naturalmente, desliza em direção à leitura. E essa é a extremidade mais quente do espectro amarelo. Agora olhe para o verde. Agora estamos nos afastando um pouco dos aquecimentos. Verde está algures no meio, certo? Então, para o verde ir em direção ao calor, ele vai passar pelo amarelo e depois laranja, certo? Ele vai nessa direção. Então, os verdes são mais quentes à medida que ficam mais amarelos. Agora com azul, azul é interessante porque está do lado oposto. Para o azul ficar quente, ele tem que viajar através de toda a roda de cores, certo? Mas para que lado ele vai? Eu diria que vai para a área que leva em vermelhos o mais rápido. Então não vai passar pelos verdes. Eu diria que vai passar pelos roxos. Ele vai ir nessa direção porque os roxos são influenciados pelo vermelho e vermelho é uma cores estereotipicamente quentes que estabelecemos. Então, para mim, um azul pode ficar mais quente viajando através de roxos, depois magentas, e então, claro, é para os vermelhos. Ok, agora vamos olhar para as temperaturas mais frias. E, claro, exatamente na direção oposta acontece. Vermelho está deslizando para longe das laranjas e, portanto, está entrando na extremidade roxa do vermelho. Então, quando eu digo vermelho mais frio, eu geralmente vou estar falando sobre vermelhos que estão no lado roxo de vermelho, amarelos. A mesma coisa vai para o lado oposto. Ele vai viajar em direção aos verdes, que viaja para o blues, certo? Então, um amarelo pode realmente começar a ficar mais verde à medida que se torna mais frio. E um verde vai ficar mais azul. E um azul vai provavelmente ir, bem, se eu disse que um blues vai ficar mais quente viajando para as famílias roxas, vai ficar mais frio indo para o lado oposto. Então vai para as famílias turquesa e ciana. Então, o takeaway aqui é sempre que você estiver usando um nome de cor, sua tonalidade, vermelho, amarelo, verde, azul, você tem que precedê-lo com um modificador. É um vermelho quente ou um vermelho fresco? Você precisa saber como o pintor, que direção ele está viajando. Então, agora que temos o começo de uma compreensão do que quero dizer com temperatura de cor, podemos fazer a pergunta, o que impulsiona a temperatura de cor? O que diz a uma cor qual o caminho para mover mais frio ou mais quente? A resposta para isso é ditada pela luz. Agora, não se preocupe, vou fazer uma demo para você em um segundo. Mas por enquanto, assim como as cores podem ficar mais quentes e frias, as fontes de luz também serão mais quentes ou mais frias por natureza. Então, o primeiro passo de qualquer estudo em cores. É para determinar que temperatura, as fontes de luz. E aqui estão alguns comuns. Claro, a luz solar é provavelmente a fonte de luz mais comum que você já pintará. Essa amostra de cor, a propósito, só está lá para mostrar a cor geral e a temperatura da luz, meio quente como amarelo e caixa da luz solar, então você tem uma lâmpada de tungstênio, que é um pouco mais Laranja. As lâmpadas de tungstênio são a lâmpada comum que provavelmente temos em torno de sua casa. Fogo, que é mais vermelho, e uma luz de velas que é meio entre laranja e vermelho. Então, no lado frio, um muito comum seria dia nublado ou nublado. Se você só pensar em um dia nublado, as nuvens são como este cinzento frio de aço. Você tem lâmpadas fluorescentes, que é uma espécie de verde que está arejando em azul. E depois, claro, o luar, que é uma luz muito azulada. Claro que esta não é uma lista exaustiva. Há muito mais fontes de luz do que isso, mas estas são apenas algumas muito comuns que você vai encontrar-se pintando várias vezes. A próxima pergunta lógica a fazer daqui é, ok, então eu sei qual é a minha fonte de luz. Que informação isso me diz? Ele diz em que direção, como em mais quente ou mais frio, que direção as cores vão viajar, nas famílias de luz e sombra, a cor da luz abre as comportas para você determinar que outras cores irão ocorrer plausivelmente na sua pintura. Vamos dar uma olhada nisso na prática. Esta fotografia não é obra de arte, mas mostra uma verdade básica sobre como as temperaturas de cor funcionam na luz solar e na sombra. E eu quero mostrar-lhe um método muito eficaz, rápido e fácil de estudar cores a partir de fotografias que irá ajudá-lo a dar-lhe algumas informações em primeira mão sobre como a cor funciona. Então eu tenho a imagem no Photoshop e a razão pela qual eu estou usando essa imagem é porque é muito claro o que está na luz e o que está na sombra, certo? As sombras estão cortando a imagem ao meio. Então eu faço um pequeno gráfico na parte inferior e eu simplesmente começo a amostragem e com o pincel eu pinto o que eu amostra da luz. Neste caso, eu só pinto como uma paleta abstrata debaixo da luz. Muito simples. Não há nenhum pensamento envolvido é apenas o que a luz está batendo, que é muito óbvio neste caso, experimentá-lo e pintá-lo sob a categoria de luz. E então, em apenas um segundo, vamos mudar para sombras e fazer exatamente o mesmo exercício. Certifique-se de fazer uma amostra sobre uma variedade de materiais. Então a rocha, as árvores, os andaimes, a ponte, a alvenaria, como o que quer que esteja na sua foto, certifique-se de obter uma boa amostra de todos os materiais que estão lá dentro. Depois, quando estiver pronto, pode ir em frente e mudar para o lado da sombra. E assim como na luz, garante que você experimente com precisão tudo o que você pode encontrar na sombra e colocá-lo sob a categoria. Isto não é nenhum. Não estamos fazendo nenhuma análise ou pensamento ainda. Estamos apenas provando cores e colocando-as para baixo. E isso vai nos dar uma base para observar padrões potenciais. E eu vou mostrar-lhe daqui como você pode realmente coletar um monte de informações valiosas. Por isso, neste momento, só estou ocupado. Há mais algumas coisas na sombra aqui, então eu estou ocupado amostrando de árvores diferentes. Você sabe, os carros, a estrada, as pedras e as religiões crescendo nas rochas e todos esses pequenos materiais interessantes que existem na sombra. Agora estou plenamente ciente de que esta foto está superexposta. Isso não importa. Nós ainda vamos ser capazes de obter informações úteis a partir dele. Agora que esse estágio está pronto, abra uma janela colorida como esta e você pode espalhá-la diretamente sobre a foto. Não me importo mais com a foto. Vou começar a fazer amostras do que escolhi famílias de luz e sombra. Então aqui estão alguns verdes que eu provei da luz. E agora eu quero começar a pensar, ok, eu quero começar a notar onde esses verdes estão. Tenha alguns aplicativos diferentes, como cinco ou seis amostras diferentes de verde. E enquanto eu os provei, você vai notar que a roda de cores está presa nesta área. Certo, olhe de novo, estou provando verduras agora. Olhe, olhe para a caixa de cores aqui. Estou provando verduras, e veja onde está a roda de cores. Está aqui, certo? Ok. Eu vou começar a provar algumas laranjas, como algumas da sujeira ou varas e galhos e amostras de coisas. E você pode ver que as rodas de cor meio que preso aqui, ok, e os Verdes estavam aqui em cima, é muito perto da roda de cores até agora preso aqui. E eu provei como dois ou três materiais diferentes. Agora vou provar tudo na luz. Olha, olha para a minha caixa de cores e olha especificamente para a roda de cores. Nem olhe tanto aqui. Olhe para a roda de cores. E enquanto estiver no Photoshop, é uma tira de cores. Mas olhe para o, vou chamá-lo de cor. Vamos olhar para a roda de cores enquanto eu faço uma amostra na luz. Olhe para essa cor. Vamos notar como está preso. É como preso a uma pequena área da roda. E não coincidentemente, essa área da roda passa a ser a mesma área que eu disse anteriormente era responsável pela parte mais quente da roda de cores. Está tudo nesta parte. Certo? Agora. Isso traz à tona um princípio de luz para o qual quero chamar a vossa atenção. A fonte de luz nesta fotografia é claramente repentina. Agora, uma das propriedades de uma fonte de luz, especialmente uma tão forte quanto o sol, é. Na verdade, gosto de lhe chamar, é como um valentão. O sol ou a fonte de luz principal quer tirar todas as cores que atinge e quer que essas cores se adaptem a ele. Ele quer puxar cores em direção a sua influência. É por isso que quando eu estou provando todas essas cores que estão na luz, portanto, cores que estão sendo afetadas pelo sol. Estão todos a pairar onde eu disse que era a cor do Sol, que é por aqui. Estão todos pairando aqui. O sol tirou todas essas cores de todos os materiais diferentes, certo? E tem intimidado eles para serem como ele, ele quer que ele seja como ele mesmo. Então vamos chamar isso de princípio do bully, a fonte de luz, uma vez que cada cor atinge para ser mais parecido com ele mesmo. E este é realmente um princípio que você pode aplicar a qualquer fonte de luz. E, claro, vamos fazer mais estudos depois disso. Mas neste caso, o sol é um valentão tão forte que está tomando plantas, folhas, telhados, asfalto, e está conformando tudo ao seu reino geral de influência. Então, se estamos pintando esta imagem, cada cor do sol bate, sabemos qual direção na roda de cores ele estará viajando. Ok, então vamos começar a amostragem e a família sombra. E como antes, gostaria que desse uma olhada na roda de matizes mais do que tudo. A roda de cores, enquanto eu amostra na sombra, eu estou tipo de escolher materiais que eram como a linha para o asfalto, a pedra, o penhasco no fundo. Aqui está um pouco de vegetação das árvores, na verdade, volta à estrada e coisas assim. E você vai notar previsivelmente talvez que essas cores realmente estão na extremidade oposta da roda de cores. Em outras palavras, somos a família mais legal da cor vivida. Isso ilustra uma verdade muito simples sobre como a luz interage com a temperatura da cor. E isto é, a luz quente produzirá sombras mais frias. E como veremos muito em breve, o oposto é verdadeiro. A luz fria produz sombras mais quentes. Agora, por que isso? A razão pela qual, neste caso, luz mais quente está produzindo sombras mais frias. É simples. É porque a luz e a sombra estão recebendo luz de duas fontes completamente diferentes. A luz está recebendo luz do sol. E como eu disse, o princípio do bully, intimidar cada cor para ser mais nas temperaturas mais quentes. As sombras estão recebendo luz de todos os outros lugares. Lembre-se de volta em valores que falamos sobre luz refletida. Agora, o que era luz refletida, se você se lembra, luz refletida foi quando a luz veio do sol neste caso, e saltou de um objeto e saltou para a sombra. As sombras estão recebendo luz de segunda mão de todos os lugares. E se você se lembrar de nossa lição de valor, essa luz de segunda mão também pode vir do ambiente ou, neste caso, do céu. Na verdade, neste caso, isso seria em primeiro lugar o céu de 360 graus tigela. O céu está brilhando luz azul em tudo. Agora você pode se perguntar então por que não soprou ao sol? E isso porque o sol é mais poderoso. A fonte de luz principal é a fonte mais poderosa na imagem. Ok, então você não pode ter o azul do céu competindo com o sol. A fonte de luz principal é o valentão. Nada mais compete com ele. Lembre-se, não há luz refletida na família da luz nas sombras. As sombras estão livres do valentão. Portanto, muitas outras cores podem ocorrer lá. Então você pode ter a luz do céu, como eu disse, descendo e tornando a estrada azulada, fazendo as cinzas caírem aqui azuladas. Além disso, o que acontece é que a luz azul desce do céu. Se você der uma olhada nos verdes, dê uma olhada nesses verdes aqui. Você percebe que quando eu proveio estes verdes, eles são sutilmente diferentes. Eles estão se movendo em direção ao azul. Lembre-se que se eu voltar para a luz, aqui está o verde na luz. Ok, aqui está verde na luz. Observe que está se movendo em direção ao aquecimento. Lembre-se do nosso diagrama anterior, que o verde está se movendo em direção ao amarelo, então é uma sombra verde mais quente. Na sombra está se movendo em direção ao blues. Estão indo em duas direções diferentes. É o mesmo verde, é a mesma árvore. Mas as temperaturas de cor estão se movendo em duas direções diferentes porque uma está sendo intimidada por uma luz quente e a outra está sendo influenciada por uma clarabóia mais suave e fria. Ok? Portanto, só é lógico que a família da luz vai estar em um reino completamente diferente da temperatura da cor da família das sombras. Outra maneira de dizer que seria as sombras mais frias são mais frias porque eles não contêm a influência do calor do sol. O sol não os está a intimidar. Então, como eles poderiam ser tão quentes como qualquer coisa que é intimidado pelo sol, as sombras vão parecer mais frias apenas por padrão. 6. Entenda e pintar luz: Outra das minhas aulas de pintura favoritas envolve desenhar como uma criança do jardim de infância, eu vou desenhar um pouco de grama. Certo, essa grama é legal. Oh, aqui está o sol aqui em cima com alguns belos raios de sol irradiando com um somali não pode esquecer o sorriso. E depois vai haver uma árvore nesta cena. Em uma árvore tem um tronco que se parece com isso. Claro, vamos apagar a grama atrás do porta-malas. E então a árvore tem uma bela folhagem que se parece com isso, com alguns redemoinhos bonitos lá dentro. Certo, aí está o meu lindo desenho. Agora o que eu vou fazer é mostrar a vocês como os princípios da cor se aplicam e como você pode transformar até esse pedaço de lixo em algo que realmente tem informações de cores viáveis. E, claro, este é um trampolim fora do estudo que acabamos de fazer. Vou aplicar um pouco dessa teoria a isso. Agora, a primeira coisa que fazemos quando estamos pintando nosso próprio quadro é considerar o, o que é chamado de cor local. E apenas para fornecer uma definição rápida, cor local é a cor inerente de um objeto. Assim como uma maçã vermelha é vermelha, está usando esse termo de cor inútil, como eu disse antes, vermelho, laranja, azul, o que quer que seja, certo? Como a cor local do céu. Azul. Então vamos escolher um azul e eu nem me importo com qual azul de novo, eu estou no jardim de infância agora. Só tenho lápis de cera na minha frente. Então eu escolhi meu lápis de cor azul sem mente. E eu estou pintando no céu. Na verdade, nem estou pintando. Estou colorindo. Certifique-se de que eu fique desse lado também. Ok, bom. E agora de que cor é o sol enquanto o sol que já falamos é um pouco como este amarelo. Então eu vou pintar bem na minha cara sorridente. Vou pintar o meu sol amarelo. Estas são cores locais. Isto é o que sabemos que são insignificantes. Mas quando você começa uma pintura por conta própria, às vezes você tem que começar com esse tipo de senso de cor muito prosaico, apenas cores locais, você sabe, marrom, vermelho, verde, o que quer que seja. Mas verá o quanto logo nos afastamos disso. Mas por enquanto, deixe-me ficar no jardim de infância porque estar no jardim de infância é divertido porque você não tem responsabilidades. Então eu vou pintar minhas cores bonitas. Ok. Que cor é uma cor que é a grama? Verde. Vou escolher o meu lápis de cor verde e pintar a minha cor na minha bela grama. E claro, vamos colorir as linhas porque estamos no jardim de infância e isso é importante quando você está no jardim de infância. E fazemos uns bons golpes de grama. E temos os nossos gráficos. Oh, adivinha? Este verde também pode ser usado aqui para a folhagem porque as árvores também são verdes, certo? E mais uma coisa para preencher o tronco da árvore, e todos sabem que troncos de árvores são castanhos. Então pegamos um lápis de cor marrom e pintamos nossa árvore. Ok, a foto que eu fiz parece exatamente com algo desenhado por uma criança de 4 anos. Acredite ou não, estamos a caminho de uma boa pintura onde, ainda não estamos espelhados lá. Mas este é um primeiro estágio viável, então estamos prontos para o próximo passo. E é aqui que nos separamos dos nossos filhos do jardim de infância e, na verdade, colocamos um boné de pintor. Temos que começar a pensar em valores e luz. Mas também vou pensar na lição que acabei de fazer com a cor. E pense em qual direção na roda de cores minhas cores vão viajar? Primeira pergunta, qual é a fonte de luz? É o sol. O sol está brilhando assim. Certo, estamos pintando a luz do sol de novo. Isso significa que na luz, o Sol é o valentão. Então, à luz, todas essas cores locais, o verde, o marrom Bob é apenas dois, verde e marrom. O sol é os valentões, então o sol vai pegar a cor local e há apenas dois, neste caso, o marrom e o verde. E ele vai intimidá-lo para ser mais parecido com ele, tanto em termos de sua tonalidade, a direção que ele está viajando na roda de cores, e também a saturação aqui em cima. Vamos começar com a folhagem das árvores. Aqui está a minha cor local. Ok? Agora, se você notar que é uma espécie de espelhamento no meio do verde. Eu chamaria isso de verde mais frio porque eu vejo alguma influência de azul e este verde, se eu apenas continuar subindo, você vai notar que este verde é meio que no ponto de inflexão para um tipo de azul turquesa. Então eu chamaria este verde que temos aqui embaixo, um verde legal. O sol, sendo uma cor mais quente e quente, vai aquecer este verde. Então este verde vai viajar na roda de cores por aqui, assim como vimos em nosso estudo anterior de cor, certo? E o valor vai ser leve. Então eu vou, eu vou fazer o valor assim, talvez um pouco mais leve. E eu vou pintar isto de verde. Eu vou aplicar este verde em qualquer coisa que o sol bate na minha, minha, minha linha de luz e sombra que eu tenho na minha cabeça vai apenas torná-lo simples e apenas fazê-lo assim. Torne isso muito simples. E eu só vou aplicar esse verde, ok, agora eu não terminei com isso ainda. Preciso pensar na família das sombras agora. Enquanto a família sombra. Vai viajar na direção oposta porque é influenciado por um direito de luz mais frio influenciado pelos céus, influenciado pela luz saltada que sai do chão, por exemplo. Também vai ser mais sombrio em valor. Então eu vou obter o valor para baixo, que seria em primeiro lugar, eu não me importo com a cor fica apenas indo para colocar o meu valor aqui em baixo em algum lugar. Então eu vou ficar escuro. E eu também vou apenas ir um pouco para cima em direção ao lado mais frio. E eu vou aplicar isso. E vamos ver o que isso faz. Vamos ver o que isso nos dá. Vou pintar até a linha da cerca. Percebe que estou usando um pouco de comunicação, transparência. Não estou tentando criar uma mistura interessante ou algo assim. Eu só, eu só tenho um pincel básico para fora. Ok, então agora nós temos, nós dividimos nossa cor local, nós, nós nos desviamos da nossa cor local. Não estamos mais na cor local agora. Agora estamos em termos de luz. Estamos pensando em valores, e estamos pensando em aplicar temperaturas quentes e temperaturas frias à família de luz e sombras. Este é o primeiro passo. Agora, vamos pensar em meio-tom nesta árvore. Meio-tom é bem aqui onde o formulário está se afastando da luz, mas ainda está na luz. Agora, se uma forma está se afastando do valentão, os valentões não serão capazes de intimidá-lo tanto, mas porque o meio-tom ainda está na luz, os valentões ainda o influenciam. Então eu ainda vou estar nos verdes quentes, mas eu posso ser para esconder minha cor local apenas um pouco. Obter um pouco mais verde lá em vez do meu verde amarelado. E esse tom vai me ajudar na transição, é claro, para a sombra. Essa é a parte do valor, certo? Estou desenhando terrivelmente aqui porque quero que você se concentre na aplicação de cores. Agora, eu posso separar ainda mais a minha luz da minha luz média do meu meio tom e cor até mesmo tornando a minha luz média ainda mais quente, talvez até mais amarela. Talvez o sol esteja a intimidá-lo tanto que está a tornar os verdes bastante amarelos. E vocês notarão que minha árvore ainda parece verde, mesmo que eu esteja pintando amarelo aqui porque a razão pela qual ela ainda está verde e pode se identificar como folhas verdes é porque eu tenho variedades suficientes de verde quente e luz. E então na sombra eu tenho um verde mais frio. Tenho o suficiente de verde que nossos cérebros ainda entendem. Este é um objeto verde. Ok? Como se eu não tivesse, não me desviei muito longe. Tipo, “Ei, seria um erro. Eu teria ido longe demais se tivesse feito isso. Como se eu pintasse vermelho, Isso é apenas não faz sentido porque o sol não iria intimidar as cores para ler. O sol não é vermelho, o sol é B, laranja amarelado neste caso. Então o sol vai simplesmente levar esses verduras e galinhas para isso. Ok, então nós vamos ter um, um muito laranja ou um verde muito amarelado. E você vê como se eu pudesse colocar diferentes tipos de temperaturas no meu verde. Alguns deles podem ser mais amarelos, alguns deles podem ser mais nos verdes e os verdes alaranjados, verduras amareladas. Você sabe, eu posso jogar nesta área. E você verá que é assim que obtemos um tipo interessante de tapeçaria, ou começamos a obter uma interessante tapeçaria de cor. Porque estou pensando em termos de temperatura. Eu não me importo exatamente em que verde eu estou contanto que eu esteja nos verdes mais quentes, eu estou bem, eu estou apropriadamente na família quente do verde. Agora vamos pensar sobre, oh, realmente sei o que, vamos fazer o mesmo cálculo para o porta-malas. Então vamos começar com as sombras desta vez, porque na verdade, muitas vezes eu começo com sombras. Então a sombra vai ser uma sombra mais fria, certo? Então, provamos nossa cor local. E para torná-lo mais frio, eu posso ir por aqui, mas isso não é bom porque isso está indo para o valentão. Quero afastar-me do valentão. Então vamos embora e então vamos ficar mais escuros para o nosso valor. E vamos pintar isso. Haverá uma sombra da árvore. Vai fazer este padrão legal, mas eu não vou, não estou tentando fazer um belo desenho aqui, pessoal. Então eu vou ignorar qualquer tipo de desenho sutil. Vou fazer com que seja algo que todos possamos alcançar. Não importa o quão bom uma criança de 10 anos poderia desenhar isso. Esse é o meu ponto. Ok. E na verdade eu ensinei arte e cor para crianças de 10 anos e fiz exatamente isso e todos eles entendem. Esta é a magia deste tipo de demonstração, é que eu tirei um bom desenho do processo e deixou-nos apenas com informações básicas brutas. Ok, então agora temos a nossa sombra mais fria. Agora vamos pegar a cor do tronco e fazer a luz. Então o, o valentão, o sol vai influenciá-lo a ir por aqui. E é claro que vão ficar mais leves porque está sob a luz do sol. E vai ter este marrom mais quente. E eu só vou pintar isso e você sabe, talvez eu deixe para trás nossa cor local é um pouco de meio-tom. Vou deixar isso para trás. Então é um valor um pouco mais sombrio agora. E também é um pouco mais na cor local. Bem, é a cor local, por isso deixa isso para trás. Então, novamente, meio-tom é onde a cor local se revela um pouco mais prontamente. E novamente, vamos brincar com essas famílias porque estou na luz quente aqui. Vamos ver o que acontece se eu ficar um pouco mais laranja saturado. Pode misturar estes, certo? Você pode, você pode jogar um pouco. Talvez eu seja uma luz média agora vamos ficar um pouco mais amarelo. Usando a ferramenta de manchas para me ajudar com algumas bordas. Novamente, eu não estou realmente pensando bordas nesta demo, mas apenas por diversão, eu estou usando a ferramenta Smudge. Vamos trabalhar este meio-tom, talvez até um pouco mais laranja, um pouco mais marrom, como ele funciona seu caminho para a sombra. Você vai notar que estou trabalhando em meio-tom na sombra. Ok? E vamos fazer uma última coisa. Vamos pegar nossa grama. Podemos apenas provar, vamos apenas provar a árvore e colocar a luz da grama aqui. O mesmo cálculo, certo? Não tenho que explicar de novo. Sombra mais fria, certo? Um verde mais fresco. E nós só vamos pintar na sombra moldada por esta árvore. E eu só vou fazer uma forma muito áspera aqui. Não estou de novo, não estou tentando desenhar bem, então estamos definitivamente longe de um kit do que um garoto do jardim de infância poderia fazer. Uma criança do jardim de infância não pode fazer isso. Há muito pensamento agora, mas ainda não terminamos. Nós não consideramos nossas sombras em nenhum lugar além da sombra média. Eu só tenho sombra média aqui na minha vida. Eu tenho alguns bons valores. Na verdade, se eu quisesse destacar, talvez eu pudesse até encontrar um destaque que é um reflexo direto da fonte de luz, certo? Então eu vou ficar como a cor exata do sol quase. E você sabe, não é bem assim que uma madeira de casca funciona à luz, mas vamos apenas fazer um destaque só para mostrar a vocês como eu posso colocar meus valores lá. E posso até levar a minha árvore. Isto vai fazer com que a minha árvore pareça mais com o Chrome, mas está tudo bem. Agora, na sombra, queremos pensar sobre luz refletida e sombra. Agora sabemos pela nossa experiência anterior aqui que o céu será em grande parte responsável pela luz refletida. E o céu vai influenciar tudo o que estiver aberto a ele. E quando digo para abrir, quero dizer que formas enfrentam o céu e é como essa área aqui, meio que toda virada para o céu, certo? É, ele está apontando para cima basicamente. Então o céu vai atingi-lo agora, onde o céu não atingiria esta área aqui, nem tanto certo? Porque esta área está escondida debaixo da árvore. Não há. Não está aberto para o céu, esta área. Então aqui é onde podemos ter um sotaque sombrio e eu vou falar sobre isso um pouco mais tarde. Mas talvez esta área possa obter luz do céu porque está aberta a ela. Certamente esta área aqui está aberta para o céu, a sombra. Então, o que vai conseguir uma clarabóia? Então vamos, vamos lidar com o encher do céu primeiro. Agora isso é tudo chamado de luz refletida. Eu gosto de chamar isso de luz refletida. Então o que eu faço é obter minha sombra média, que já é um verde mais frio, me colocar no estádio. E se você se lembrar de valores, luz refletida ilumina ou valores apenas um pouco. E também porque está vindo do céu, eu tenho permissão para ir realmente para o blues. Pense no nosso, Pense na demonstração ou no estudo que acabamos de fazer com o da fotografia espessa de quão azul essa estrada era. Ok. Se você pensar em concreto, você não necessariamente acha que é azul, mas na sombra certamente era azul. Vimos em uma fotografia. Então eu estou pintando essa luz azul refletida do céu em minha árvore. Ok. E novamente, eu estou apenas colocando isso nas áreas que eu acho que são mais abertas para receber luz do céu. E farei a mesma coisa com o meu baú aqui. Agora meu porta-malas é ou olhar como uma versão mais legal de marrom, certo? Então eu não quero ficar azul, é um salto demais. Mas talvez eu vá para o azul, eu vou continuar para o azul e eu vou subir um pouco. E talvez o azul do céu misturado com a temperatura da sombra do meu tronco me dê mais uma coisa pura. Talvez eu, talvez vejamos se consigo entrar ainda mais em direção ao azul e ver o que isso faz. Estou brincando, não há caras certos e errados. E isso traz à tona a pergunta, que cor devo escolher? Não há uma cor que você deve escolher. Não há cor de direitos para a sombra aqui, para a luz refletida. É simplesmente um cálculo do céu azul entrando nessa temperatura que estabelecemos para nossa sombra média, estabelecemos que é um marrom mais frio. E agora aquele marrom mais frio vai ficar ainda mais frio à medida que o céu entra em jogo, certo? Então, qual cor devo escolher? Bem, é um cálculo. É aquele céu entrando em um reino de marrom mais frio. Como é que a Sky vai influenciar esta temperatura? Como é que o azul do céu vai olhar contra este verde? Bem, provavelmente vai ser muito mais azul porque o verde está mais perto do azul. Então, quando isso é que o verde desliza para azul, não há, há menos de uma barreira para ele entrar em azul. Então vai haver mais azul. Você pode ver no meu jardim de infância exemplo está começando a ficar em camadas e complexo, certo? Enquanto que no porta-malas talvez aquele azul produza mais um roxo ou talvez vamos tentar chegar a algum blues real e ver se conseguimos esgueirar-nos, colocar alguns deles para dentro. Isso é divertido. É divertido quando você pode fazer isso. Vamos fazer a sombra do elenco muito rapidamente. mesmo cálculo, o azul do céu. Vamos falar de sotaque sombrio. Ataques escuros vão para onde uma forma e outra forma se encontram tipo de formar uma fenda. E aqui está uma regra de cor. Os acentos escuros são sempre quentes. Então, quando eu faço um sotaque sombrio, eu tenho minha multiplicação aerografada. Vou escolher uma cor quente como essa. E com o meu pincel multiplicado, eu vou apenas derramar esse sotaque escuro tipo sobre ambas as formas. E farei o mesmo onde o tronco da árvore se encontra com o chão. Ficando com um sotaque quente e escuro. Eu não sei por que sotaques escuros são sempre quentes, mas na natureza eles são praticamente. Na verdade, o alto meio que chama de regra de pintura. Mantenha seus acentos escuros quentes. Agora olha para isto. Eu tenho isso. Eu tenho, quero dizer, não há muito no caminho de bom desenho aqui, mas eu tenho algumas cores decentes aqui. A única outra coisa que quero mostrar é como você pode realmente ter uma luz verde saltada entrando no porta-malas. Então, se o sol está vindo dessa maneira, como sabemos, ele vai bater naquela grama e realmente saltar para esta parte do porta-malas. E eu negligenciei de fazer isso até agora para que eu possa provar onde eu estou e talvez ir para os verdes e apenas pintar sutilmente em um pouco deste verde. Ok, você entendeu a idéia. Veja como, eu vejo como ele realmente evoluiu para uma tapeçaria de cor. Agora, coisas muito interessantes e divertidas que você pode fazer como pintor. Adoro fazer isto. E assim, temos nossa final, pegamos um desenho simplificado no nível do jardim de infância como este e adicionamos um pouco de sofisticação a ele. Então eu gostaria de agora vincular essa demonstração de volta com nosso estudo de amostras e mostrar como eu estudo a partir de fotografias usando esta informação. Então este é apenas um estudo rápido de cores. E o que eu amo nesses estudos de cores é antes de tudo, a tela é muito pequena. Isso é provavelmente cerca de 600 pixels tela. E você realmente não precisa desenhar bem. Você pode apenas fazer a quantidade muito básica de desenho e você ainda pode fazer uma replicação muito convincente da cor. Agora eu não estou amostrando da fotografia. Estou a tentar lembrar-me do que aprendi ao experimentar aquela fotografia. Então você pode ver, como você se lembra, há luzes quentes e a luz e temperaturas de cores mais frias na sombra. Então eu estou meio que me colocando naquele estádio, espero que você possa ter uma noção de que como eu começo está me dando uma espécie de comparação rápida entre temperaturas quentes e frias. Então você pode ver que eu bloqueei o tipo de uma grande área de sombra. E agora eu estou trabalhando um pouco mais em profundidade na luz e expandindo meu contexto de temperaturas de cor que estão nesta pintura. Novamente, não importa qual a cor exata como eu não preciso de amostra da foto, tudo o que eu preciso fazer é obter as relações certas, obtendo-me na categoria apropriada de calor ou frieza. E vamos continuar discando para isso para que possamos entender melhor isso. Mas esta é uma boa foto para estudar porque é uma separação muito genérica de quente e fresco. Então eu estou apenas bloqueando em algumas formas grandes. Essa é a outra coisa que eu gosto nesta foto. Tem um monte de grandes formas, não um monte de pequenas coisas que podem te enganar. Então, apenas bloqueando alguns, é claro, a sombra no penhasco na luz, ainda vai ser uma temperatura mais fria, certo? E apenas bloqueando, há um monte de vegetação, que significa que eu posso jogar muito com diferentes tipos de verde, é claro, quando está na luz, todos eles vão ser verdes que se desviam para o lado quente, o lado amarelo, e nas sombras você pode ver que eu realmente já empurrou esses verdes para estar mais perto do azul. Gosto de empurrar a diferença. Isso é outra coisa que você pode fazer quando você está estudando de uma foto para realmente entendê-la. Tente empurrá-lo, empurre-o ainda mais longe do que a foto realmente é. E, mas empurre-o na direção em que a foto já está indo. Você sabe, isso é algo que você pode realmente observar melhor a partir do ano de vida seus olhos registram isso um pouco mais de verdade do que fotos fazem. Mas é claro, não podemos pintar da vida. Isso é online, então eu tenho que usar fotos. Eu tenho alguns pincéis de textura diferentes que eu continuo indo provavelmente os mesmos três ou quatro pincéis que eu vou usar o tempo todo. E eles apenas me dão alguns padrões imprevisíveis, bordas diferentes e apenas me ajudam a criar mais rápido. Se eu usar como um pincel redondo, eu teria que fazer muita edição, mas um monte de pincéis diferentes me dão formas diferentes e diferentes tipos de borda e apenas manter o interesse em andamento. Então isso é tudo, isso não deveria ser. Qualquer coisa que eu estou fazendo aqui não deve ser um choque para ninguém. É como se eu estivesse no meio tom. Isso é sombra, na verdade, bem ali. Então isso é, isso ainda é um pouco de meio-tom de sombra. Aqui estão uma luz média chegando para as árvores. Estes são alguns telhados vermelhos. E só para improvisar um pouco aqui, há um pouco vermelho e a foto, mas eu queria apenas trazê-lo para fora um pouco mais no meu escritório. Só por diversão. vez, isto não é uma aspas. Bom desenho é apenas blocos muito básicos de forma. Mas no final, isso é realmente o que uma pintura é. Claro, você pode refinar a partir daqui, mas este é apenas um estudo rápido. Isso não é para refinamento refinado, é apenas para testar, testar o que eu acho que aprendi. Aqui estão algumas folhas um pouco mais leves chegando. Eu não sei. Eu não chamaria isso de destaque e chamaria apenas para enfatizar o valor médio da luz. Entrando em algum verde amarelo só para realmente empurrar a influência do Sol lá. E apenas alguns galhos de árvores escolhendo uma luz quente. Agora estou de volta à sombra. Esta é a luz refletida. A luz refletida é um pouco mais leve e porque vem muito do céu, neste caso é muito azul. Você pode ver muito que eu estou realmente no blues, eu estou nos roxos agora, ou este é sotaque escuro, sotaque escuro aqui com o aerógrafo apenas ajudando a rotear uma superfície para outra. Apenas pegando essas fendas onde quer que haja uma fenda debaixo das árvores, estão debaixo de onde a parede, a parede bate na rua, assim e de volta para, você sabe, luz média aqui, apenas refinando formas porque você está sempre lidando com formas, certo? Mesmo que minhas formas são blobby e apenas bloqueado em, eu ainda quero fazer uma tentativa boas formas, mesmo que ele pode não ter tempo para fazer o refinamento total. Aqui estão uns carrinhos a entrar. luz refletida torna seus tops mais azuis. Eu só estou selecionando a sombra e eu vou fazer um rápido contraste de brilho apenas para escurecer a sombra um pouco, apenas para separar meus valores. Ajuda, socar para fora, ver que realmente ajudou. E assim, temos o nosso final. Realmente não é preciso muito para rapidamente pegar uma foto e fazer um estudo rápido a partir dela. E só para a ocasião, eu queria mostrar a vocês como eu realmente tirei essa foto e cheguei a algo mais acabado a partir dela. Esta é uma pintura que eu fiz de volta, eu acho que 2010 ou 2009. Foi há alguns anos, mas você pode ver como a iluminação e a informação estão muito alinhadas com o que vimos naquela foto. E esta foto foi na verdade a inspiração para esta pintura. Até onde eu estou preocupado, não há realmente nenhuma diferença entre esta pintura em meu estudo, exceto que esta pintura é apenas mais terminado em termos de refinamento de forma e refinamento de borda. Mas em termos de cor, toda a informação nesta pintura ainda está contida no meu pequeno estudo. 7. Entenda e pintar a luz: Então vamos dar uma olhada em uma luz legal. Este é um dia nublado como podemos ver pelo céu, ou um dia muito nublado, um dia onde não há luz do sol. Isto é o que eu chamaria de luz mais fria porque a luz só vem do céu e vem de todos os 360 graus. E à medida que provamos o céu, podemos ver que é um tipo de azul acinzentado. Definitivamente é completamente oposto ao sol, que era como aqui, certo? Desta vez estamos lidando com uma luz azulada, que foi chamada de luz mais fria. Então vamos fazer o nosso estudo. E a outra coisa interessante sobre esta foto é que enquanto eu proveio e tudo na luz, é um pouco mais difícil determinar o que está na luz e a maneira como você faz quando a luz é tão suave como esta, como nublado A luz torna muito difusa, como uma luz muito suave. A maneira de determinar o que é iluminado é qualquer coisa que está claramente virada para cima. Então a areia, eu não vou simplesmente escolher nenhuma areia porque esses passos vão realmente criar algumas sombras. Mas nesta área, eu posso colocar as coisas de frente para cima. Mas quando eu provei a grama aqui, as ervas daninhas, o que quer que sejam, qualquer coisa que claramente vai pegar luz diretamente do céu. Vou provar isso. E isso é interessante porque as leituras são na verdade uma cor local quente. É uma espécie de vegetação laranjada, certo? Então, esta vai ser uma tarefa interessante. Como, como uma laranja se torna mais fria? E o que descobriremos em um segundo. Mas primeiro sou como fiz antes de desligar meu cérebro. E eu estou apenas provando cores que eu acho que estão na luz. E agora vamos entrar na sombra e na sombra novamente, é um pouco mais difícil verificar o que está na sombra e apenas olhar para a forma. É o que virar à direita. Então, qualquer parte da grama que está de frente para os aviões que estão virados para longe, vai estar na sombra. Até a areia terá sombra como onde estão as pegadas. Então, agora que temos nossa parte de amostragem feita, podemos ir para a fase de análise. Vamos trazer o nosso seletor de cores. E eu gosto de esconder a fotografia só para não escondermos. Não estamos focados nela. Estamos olhando para o que provamos. E eu vou começar com a luz como eu fiz antes. Agora vamos olhar em primeiro lugar, vamos pegar as cores da areia. Estas são as cores de areia que eu provei. E olha para isso. Quando você pensa em areia, você provavelmente pensa marrom, certo? Você provavelmente acha que tem uma cor marrom local. Mas veja como essa suposição seria errada nesta luz. Esta é uma luz mais fria que nós somos, nós determinamos que a temperatura da luz do céu por aqui, eu apenas provei o céu para obter isso. Então, se isso é como a cor do nosso valentão, bem, é pegar o que é areia acastanhada e puxá-lo. Então, digamos, digamos que a cor local da areia, pode-se dizer, é assim. Nosso céu, o valentão está puxando isso tão fortemente para o blues. E podemos ver quanta influência essa luz fria teve. Agora vamos olhar para a grama, essa coisa de grama laranja. Ok, agora isso é um pouco diferente porque isso é, como eu disse, uma cor local que já está quente. É meio quente por padrão. E você olha para isso, você é tipo, oh, mas isso é meio de uma cor quente, pois isso vai quebrar seus papéis. Bem, não, porque olhe para isso agora enquanto eu proveio uma sombra, veja o que acontece. Vamos pegar isso, ver o quanto mais quente as sombras ficaram de novo e voltar à luz. Aqui estava a luz e aqui a sombra. Você pode ver uma diferença clara. Luz, sombra, você pode ver a luz. Duas coisas acontecem na luz. Um deles é a roda de cores vai sempre tão sutilmente em direção ou longe dos aquecimentos. Está viajando para cima, está viajando por aqui. Agora não está indo muito longe porque a grama é tão laranja é cores locais. Então laranja a luz, porque a luz é um pouco mais fraca, os valentões um pouco mais fracos neste caso. Está lutando contra a grama, mas não está carregando até o azul. A areia não tem cor local própria. Quero dizer, já está muito acinzentado, então o valentão vai ser capaz de puxá-lo para o azul é muito mais bem sucedido. Mas porque a grama é tão laranja, a luz azul vai puxá-la para o azul, mas só um pouco. Ok, mas a tendência é claramente clara quando você experimenta a sombra iluminada, aquela, aquela luz. Olhe para o, olhe para a tira de cor aqui. Olhe para a roda de cores. Isto é sombra. E isso é como ver como está indo em direção ao blues. E como ele vai para aqueles azuis, também está ficando mais cinza. Isso é muito semelhante ao movimento de cores que exploramos no Capítulo 1. E, de fato, o Capítulo 3 vai nos levar a cinzas ainda mais. Por enquanto, vamos continuar com luz fria e fazer uma pequena demonstração. Como você pode ver, esta fotografia é iluminada com o mesmo céu nublado azulado e acinzentado, o mesmo que o nosso estudo de amostras anteriormente. O que significa que a grama, os verdes e as laranjas na grama vão ficar mais frias e mais quentes à medida que virarem para baixo. E isso também tem água, que eu vou mostrar a vocês um princípio básico para a água. Então, novamente, eu só estou fazendo meu desenho de linha básica bloqueando a composição. Vou trabalhar com valores e cores ao mesmo tempo. Desta vez, só para mostrar um processo mais representativo de como eu realmente trabalho. Então está bloqueando os elementos da composição. Eu gosto de trabalhar em vermelho apenas para misturas de cores preferidas com tintas facilmente. E como de costume, vou começar com o céu, pouco de cinza, frio, um pouco de cinza, frio, eles estão misturando algumas temperaturas diferentes do céu, talvez um pouco mais quente e o horizonte, é uma coisa clássica, Mas novamente, notas muito sutis, certo? Trabalhe à distância. Meu objetivo não é copiar cor por cor. Eu só estou tentando entender as relações e então eu vou realmente começar a empurrá-las ainda mais longe. Então pintar água assim é fácil. A água é apenas um reflexo do céu, por isso é um valor muito leve. Aqui estão algumas sombras quentes chegando. Então isso é o que eu costumo fazer. Na verdade, eu trabalho muito com as sombras. Então algumas sombras quentes chegando. Estes são verduras quentes. Eu transformaria aqueles verdes quentes, verdes que o ar em amarelo e vermelho como o lado do grão. E então, claro, o que isso faz é me deixar espaço para ambos cinza fora da cor para o top legal que você pode ver agora. E também deslocá-lo para o blues na faixa de matiz. É sutil, é uma mudança sutil, mas é uma mudança mesmo assim. Ok, e o que eu gosto nesta foto é que há algumas cores diferentes na grama. Não é só grama verde. Há como grama morta que é laranja e diferentes tipos de leituras que fazem todos os tipos diferentes de temperaturas como eu estou deitado agora. Repare que ainda estou relativamente nos cinzentos. Eu estou apenas brincando com o e, claro, meu tablet maneira com está adicionando opacidade a ele. Às vezes vou escolher uma cor mais saturada do que eu pretendo. E então, com a sensibilidade à pressão dos meus comprimidos, eu posso misturá-lo de acordo, meio que misturando cores na tela. Então você pode ver como na grama eu estabeleci uma relação básica de luzes mais frias que são verdes cinzentos e mais frios e nivelar laranjas e, em seguida, sombras mais quentes que são verdes laranja mais saturados. Tentando acertar as relações. E este ponto eu estou bloqueando em apenas alguns valores escuros no fundo onde as árvores apenas pegar a menor quantidade de luz. É porque eles são perpendiculares à luz. Você sabe, se o céu é como um plano que está indo horizontalmente através, através do espaço, as árvores são perpendiculares a isso. Eles estão de pé para cima e para baixo. Então eles recebem a menor quantidade de luz, não importa se é do sol ou do céu fresco, seja lá o que for. A outra coisa sobre a luz legal neste caso é, pelo menos em um cenário de dia nublado é a luz mais fria é muito suave e muito suave luz. Então você não precisa se preocupar com formas de arestas duras que realmente não o tornam mais difícil, mais difícil, eu devo dizer, porque as transições têm bordas mais suaves e é sempre mais difícil controlar bordas mais suaves. Uma borda dura é, pelo menos, uma borda muito identificável. Mas em uma situação de luz legal como esta, você está lidando com bordas suaves. Então eu vou rabiscar o pincel ao redor. Vou fazer variedades de formas. E eu vou tentar fazer essas cores se fundirem com bordas mais suaves. Isso é tudo. Sam fazendo isso agora, estou brincando com o verde se movendo para as laranjas mais quentes. Mas ainda é uma laranja mais fria, certo? Não é uma laranja muito saturada e quente. É uma espécie de decrescente um subjugado. A luz mais fria está tornando a grama laranja mais cinza. Está bem. Não é torná-lo azul porque a luz azul fria não é forte o suficiente que a luz azul, É um valentão, mas não é um valentão tão forte que ele vai intimidá-lo todo o caminho para azul, não é tão forte. Então ele vai intimidá-lo em direção ao azul por meio de ir para os cinzentos. Então eu estou apenas deitado em alguns, você sabe, apenas valores mais escuros lá atrás. Apenas sombra iluminada. Só estou usando luz média, sombra média em toda esta pintura. Observe que as árvores no fundo têm um básico, uma luz média e uma forma de sombra média. Observe que a grama no primeiro plano tem apenas luz média em cima e seguida, a sombra média para a qual ele faz a transição quando encontra a água. E, claro, avaliando qual é a borda correta para mesclar essas duas formas apropriadamente. E, de repente, estás a agravar os teus fundamentos. Você tem bons valores e boas temperaturas de cor. E de repente, agora você é um pintor. Isto é que pintura é algum bom pintor? Só estou ajustando os níveis aqui, conseguindo ajuda um pouco. Senti que estava um pouco leve demais no geral. E qualquer bom pintor está apenas fazendo isso, ok pincelada e todas essas coisas são secundárias. Isso é o que realmente está acontecendo em suas cabeças. E então, é claro, seu estilo pessoal se sobrepõe em cima disso, como você escolhe mover o pincel, isso, é totalmente com você. Neste ponto, todas as temperaturas de cor estão no lugar e eu estou apenas fazendo algumas coisas auxiliares, pode chamá-lo de detalhe, apenas pequenas formas, certo? Em termos de forma grande, forma média pequena, eu estou apenas fazendo algumas pequenas formas agora para obter a ilusão de detalhes lá dentro. E assim, temos um estudo de luz legal para complementar nosso estudo de luz quente. 8. Como analisar cores em várias peças de arte: Tudo bem, vamos passar por uma pequena apresentação de slides de pinturas e falar sobre o que está acontecendo. Caso contrário, esta é uma pintura de Paul Felix. Esta é uma pintura de luz fria. E o que eu amo nisso é que é tão exagerado. Ele empurrou as temperaturas para um reino caricaturado. E a outra coisa que eu amo como ele também está usando basicamente apenas dois valores por objeto, ou sua luz média ou sombra média. E, claro, a luz média vai ter uma temperatura de cor mais fria do que a sombra média porque é uma pintura de luz fria. Por exemplo, olhe para a palha, bata nos telhados, onde a luz está, é essa cor puramente e então onde a sombra está, é essa cor mais quente, laranja. Está bem. É o mesmo tipo de cor local, mas duas temperaturas completamente diferentes. Olhe para a parede. A face superior da parede é esta cor claramente azul bastante saturada mesmo então, por contraste, a sombra é essa cor roxa mais quente que ainda está na família azul, mas está mais perto do lado vermelho do azul. Um livro didático, coisas de livros didáticos. Olhe para a grama, o topo onde a grama está ficando mais leve é esta grama azulada fria. E, em seguida, no fundo, onde a grama mais na sombra, está ficando um verde mais quente. E, claro, Paul Felix adicionou sua própria magia pessoal empurrando essas cores para seus extremos, a fim de obter um visual bonito, divertido, caricaturado, perfeito para um show da Disney. E sobre a Disney, aqui está uma chave de cor conceitual de Ian Gooding para Tarzan. Este apresenta um tipo de foco quente de banho Tarzan e sua área imediata. Mas tudo o resto é iluminado por uma luz fria. Você pode ver que essas três amostras no topo são todas uma variedade daquelas pastagens azuis. Agora, as águas de cor local diferente, é meio que esta água esverdeada. Então, na sombra que a água vai para o ar no lado azul do verde. E claro que ele manteve cinza também, meio que duplamente legal. Não só é verde azulado, como também é decrescente. Claro, isso deixa toneladas de espaço para aquecer na luz. Olhe para a pele do Tarzan. É muito quente, laranja em comparação com aqueles pastos azuis em azul verde. E então a luz da água é simplesmente um verde mais quente, um verde que o ar está mais no lado amarelo do verde. Agora eu estou ampliando isso para ver um pouco de luz refletida extravagante. Olhe para Tarzan na sombra. Você vê onde as cores ficam muito vermelhas. Isso é apenas um pouco agradável de luz refletida que funciona fora das sombras verdes mais frias que você pode ver lá e apenas lhe dá este brilho de vermelho. Mas você vai notar, porém, que esse vermelho ainda está no tipo de lado mais frio do vermelho. Não é o mesmo amarelo que a pele clara. É meio que mergulhando em direção ao resfriamento, mas ainda é reconhecidamente um vermelho muito quente para ser visto naquela sombra fria. E e Gooding certamente fizeram isso para efeito. Você vai notar que ele só fez isso em Tarzan. Ele não fez nenhum dos antecedentes dessa maneira. E isso é simplesmente para destacar o personagem. É uma escolha artística. Manipular cores nas sombras é, na verdade, uma técnica muito comum. Aqui está uma grande figura pintando zoom Wu e olhe para essas sombras, elas irradiam com toneladas de cores diferentes, certo? E, por comparação, a família da luz é uma espécie de avião. Não tem esse mesmo tipo de jogo. Zooming Wu tem uma teoria interessante por trás de seu uso de cores. Ele diz que a luz é onde o desenho está e a sombra é onde está a cor. Agora deixe-me explicar o que ele quer dizer com isso. Se você se lembrar de volta para esta demonstração, lembre-se alta estava falando sobre luz refletida como obter cores de todos os tipos diferentes de objetos. Bem, era a isso que o zoom estava se referindo. Nas sombras você refletiu a luz e você pode obter cores de qualquer lugar. Você pode obter cores do chão, do teto, do céu, outros objetos são tantas áreas para que a cor venha na sombra por causa da luz saltada e refletida. Enquanto que na luz, a cor da luz só vem de uma fonte, o valentão, é isso. À luz, você pode realmente manter seu pensamento muito simples. É como que cores bully influenciando tudo na luz, que significa que não há muitas oportunidades para a diversidade do que na sombra, você tem a oportunidade de se abrir e deixar tantas cores entrar em seus objetos através da luz refletida. Aqui está um dos meus quadros e você verá que eu uso exatamente esse tipo de pensamento. Olhe onde está a luz. Estas áreas são claras e é uma luz quente, laranjada, quase avermelhada. Então as cores e a luz realmente se tornam muito previsíveis. Estão todos a ser puxados para isso. Leia o valentão e você pode vê-lo claramente. Olhe para o verde para o monstro. É como amarelado, alaranjado porque aquele vermelho está puxando o verde tão fortemente para o vestido da menina vermelha e o cabelo estão sendo reunidos na luz por aquele vermelho quente também. Você pode ver que eles são muito próximos na cor, mas em seguida, nas sombras é onde esta imagem realmente abre e a cor torna-se muito imprevisível. Estou recebendo luz refletida da água e está variando de azuis a roxos a verdes mais frios. Suas bochechas vermelhas rosadas mais frias ajudam a compensar essa área de legal para o que eu acho que adiciona um pouco de equilíbrio. Há luz refletida azul vindo do céu batendo no lado esquerdo do rosto e cabelo da menina. Você vê que há tantas opções na sombra para geração de cores. Você pode realmente se divertir. E novamente, aqui é onde não há cor certa e errada. Você, você faz o que achar que precisa fazer para a variedade. E nem precisa ser crível como a luz nesta pintura é de outro mundo, porque eu a empurrei para lá. Eu peguei o que está no mundo real e apenas uma espécie de caricatura nele. Então, neste caso, nas minhas sombras mais frias, eu sei que eu deveria estar dentro de um reino de cor legal como eu não posso simplesmente ir adicionando laranjas quentes e vermelhos na sombra porque ele iria competir com o calor e a luz. Então, enquanto eu estiver na área relativa de temperaturas de cores frias, eu vou ficar bem. Agora, por comparação, esta pintura de Scott Christensen é mais indicativa de como a cor realmente parece na vida real. O sol está iluminando a cena e o sol ainda é um valentão. Mas você vai notar que não é a luz do sol arangey caricaturada que eu pintei no meu quadro. Este slide é muito mais moderado. O sol ainda está intimidando as cores na luz para ser quente. Mas você vai notar que há muito mais cinza sendo usado e isso é típico da natureza. A natureza funciona em cinza. Quero dizer, saia agora mesmo, dê uma olhada no que está na luz e me avise se você ver alguma cor super saturada, você provavelmente não verá. O que você vai ver, porém, é uma forte comparação de quente versus legal. E é isso que esta pintura tem. Se compararmos isso agora com as cores de sombra, quão claramente elas se separam em termos de temperatura de cor. A amostra esquerda de sombra é claramente mais fria do que a amostra direita de luzes. Agora olhe para a parte inferior da amostra de sombra. Esses estão ficando quentes ou frios. Eles são usados como luz refletida. Isso é luz saltando da rocha ou saltando da grama e saltando para as rochas que estão na sombra. Eles adicionam apenas um pouco de alívio para outra área muito azul. Aqui está outra pintura de Paul Felix e eu quero abordar especificamente a neve. A neve foi muito reveladora porque não tem cor local própria, é apenas branca. E você pode aplicar o que estou prestes a dizer a qualquer objeto branco. Quando um objeto não tem cor local, ele obtém toda a sua cor da luz ou da sombra. Então, se você olhar para a neve, neste caso, qualquer neve na luz é matizada de amarelo porque é intimidada pelo sol. E a neve e a sombra ficam muito azuis do ambiente. Aqui está uma pintura semelhante de um pintor holandês chamado Peter More Command. Em vez disso, olhe para a neve. Neste, a neve não está apenas recebendo luz azul do céu, mas está recebendo luz refletida das árvores. E você vai notar que a neve não é apenas mais fria, azul como se não fosse a pesquisa de Felix pintura. Tem toques intrincados de azuis mais quentes, laranjas de nivelamento para baixo verduras. É uma sinfonia de cinza lá que realmente ajuda esta pintura a aparecer e ser muito realista. E para compensar essa complexidade, olhe para a neve na luz. É muito simples. É essencialmente uma cor, um valor em luz, muito previsível. Então isso se relaciona com o zoom da teoria de Wu de como na luz você brinca com apenas desenho e nas sombras, é aí que a cor está. Tudo bem, vamos agora passar para o Capítulo 3, onde vamos continuar construindo nossas fundações, especialmente na conexão de cinza ao Mudança de Matiz. 9. Como a natureza: Ok, então no Capítulo 2 nós temos nossos pés molhados com temperatura de cor. Aqui no Capítulo 3, vamos realmente elevar nossa compreensão de que vai ganhar várias dimensões de como a temperatura da cor pode se mover ou mudar, vai cavar mais em como as cores são relativas umas às outras. Isso fornecerá a base para paletas de cores mais complexas, como o Capítulo 2, tudo isso se amarrará em uma apreciação pela teoria da cor da natureza, mas também nos dará ferramentas para avaliar nosso uso pessoal de cores e estética pessoal. Certo, então de volta no Capítulo 1, fizemos um gráfico onde fizemos a transição entre duas cores, as duas cores complementares. Eu quero expandir isso aqui, porque nos capítulos 12, nós temos falado sobre temas semelhantes no Capítulo 3 aqui eu quero tipo de trazer tudo junto e novamente, expandir sobre ele. No Capítulo 1, falamos sobre mover-se através do cinza. Então eu quero sair deste amarelo. Aqui está o seletor de cores aqui, claro, para este azul. E eu vou fazer isso no gráfico três porque é onde ele vai neste exemplo, você já me viu fazer isso no Capítulo 1, então eu vou acelerar através dele agora, você sabe, com a amostra cinza no meio e então vários saturações de ambas as cores em ambos os lados. Também é importante ver como isso funciona em uma roda de cores. Nós traçamos nossa cor quente aqui, e então é uma linha reta para a cor legal aqui. Mais uma vez, esse é o movimento de gráfico e cor que usamos no Capítulo 1. Agora, vou apresentar a vocês três outras maneiras de fazer isso. E devo salientar antes de começar aqui que estas duas cores, o amarelo e o azul, são exemplos extremos de calor versus frio, certo? É difícil ficar mais quente ou mais legal do que isso. Estes são apenas espaços reservados. Estas duas cores podem ser qualquer coisa. Eles simplesmente representam os dois extremos da paleta de cores com que você está trabalhando. E, claro, quando você vê coisas em extremos como este, é mais fácil de entender e então podemos emparelhar de volta a partir daí. Tudo bem, então vamos para o primeiro gráfico. Vou provar o amarelo desta vez. Não vou ajustar a saturação. Vou simplesmente ajustar a tonalidade, que é a tira de matiz aqui ou a roda de matiz. Então eu vou começar com o meu amarelo e eu vou apenas ir incrementalmente para baixo a roda de matiz, afastando-se daquele amarelo. E o que estou fazendo aqui é que estou ficando mais frio, como nos lembramos do Capítulo 2, certo? Estou ficando mais frio aqui porque estou me afastando disso, como o coração da parte quente da roda de cores. Estou lentamente me afastando disso. Então aqui estou eu, aqui, vamos continuar. Estou no meio do gráfico, que deve estar algures por aqui. Não temos que ser perfeitos. E estamos lentamente mas seguramente progredindo nosso caminho para aquele azul. Então aqui estaria o nosso gráfico. Talvez haja uma pequena lacuna aí, basta preencher isso. Então aqui está o nosso movimento de cores agora usando apenas a roda de matiz. Apenas indo para numerar estes muito rapidamente para fácil referência. E vamos trazer a roda de cores novamente. Gráfico número um em uma roda de cores, parece assim. Agora, gráficos 13 realizam a mesma coisa em teoria, mas é especialmente claro no diagrama de roda de cores que os movimentos são completamente diferentes. E é muito claro aqui nos gráficos que eles produzem dois olhares completamente diferentes. Mas tudo bem, vamos fazer o gráfico número dois. E esta é a mesma coisa é o caminhão número um, exceto que nós vamos por aqui. Vamos subir a roda de cores assim. Na verdade, deixe-me acelerar o resto deste processo porque é a mesma coisa que acabamos de fazer no gráfico número um. E lá vamos nós em uma roda de cores. Claro, esse movimento se parece com isso. Então novamente, gráficos 123 todos realizando a mesma coisa em teoria, mas eles parecem diferentes. Então, o que resta para fazer e gráfico número 4? Bem, o gráfico número 4 pode ser o gráfico mais importante porque é o que a natureza faz. E o que eu vou fazer aqui é combinar os outros gráficos. Na verdade, vou combinar gráficos 13. Então deixe-me provar o meu ponto de partida aqui. Vou pegar essa cor cinzenta um pouco e mergulhar a cor desta maneira. Tão cinzento, mergulhe-o para baixo. Isso se torna um pouco mais subjetivo como não um computador, eu não sei exatamente o quanto eu estou mergulhando cada vez, mas isso não importa enquanto você está progredindo neste caminho. Isto é o que o olho detecta. É o caminho que você está tomando. Não é a cor exata que estou escolhendo. O olho detectará a tendência das cores. Então deixe-me sair do cinza, ganhando saturação à medida que saímos. Eu também não estou muito preocupado com o valor. Estou tentando manter meu valor nesse tipo de caminho, mas o valor não é realmente importante aqui. Estamos falando da teoria das cores. Desculpe, acho que esse deveria ser um pouco mais roxo. E há o número do gráfico final para a combinação. Neste caso de gráficos um e três, vamos trazer nossa roda de cores mais uma vez. E para o gráfico número 4, parece assim. Um pouco mais complexo. Agora eu poderia fazer um quinto gráfico onde eu combinar gráficos 23, mas você começa a idéia. Então a coisa boa sobre esses gráficos é que eles trabalham em grande escala do amarelo ao azul, que é bastante extremo como eu mencionei antes, mas eles também funcionam tão bem em escalas menores. Você pode começar com esta transição de cores para essa cor e seguir esta paleta mais limitada indo por aqui. E isso não é apenas com o gráfico número quatro. Sabe, você poderia fazer a mesma coisa com o caminhão número três se esses forem os dois extremos em sua pintura e você estiver usando o gráfico número três como modelo. Pode segui-lo desta forma. Mas tudo isso não tem sentido até que o vejamos na prática. Aqui está uma pintura de John Singer Sargent tinha apenas uma pequena nota divertida, meu primeiro diretor de arte quando eu trabalhei como pintor de fundo na indústria da animação, me mostrou esta pintura e me disse que esta pintura contém o Segredo da cor. Essas são as palavras dela. Esta pintura guarda o segredo da cor. E de certa forma, acho que ela está certa. Há um monte de coisas acontecendo aqui que de novo, junto com o tema do capítulo três aqui, tipo de combinar quase tudo o que temos falado em uma pintura. Primeiro, vamos falar sobre o que está acontecendo com a luz, porque a cor é sempre impulsionada pela luz, como falamos no Capítulo 2, sargento intencionalmente superexpôs a família da luz desta pintura. Não há um monte de cores interessantes acontecendo lá. Se eu provar essas luzes, você percebe que eles estão todos presos nesta área. Novamente, isso é muito parecido com quando um fotógrafo superexposto como uma imagem. A maioria dos detalhes na imagem vem através, então, na sombra, não na luz. Então, nesta foto é principalmente as sombras estavam interessadas porque é onde nós obtemos todas as cores suculentas e coisas assim. Agora, quando você olhar para as sombras, lembre-se de algumas coisas. Primeiro, eles estão livres dessa luz rufia, então há muito mais oportunidades para cores aparecerem e sombrearem. Lembre-se também do exemplo de pintura do jardim de infância que eu fiz no Capítulo 2, especificamente a parte onde eu falei sobre a luz refletida que ocorre nas sombras. Lembre-se da clarabóia descendo de cima que fez os verdes da árvore meio azulados. Bem, isso é o que está acontecendo nesta área aqui. É a clarabóia iluminando esta face da fachada, fazendo-a parecer azulada. mesmo com as asas aqui. Esta parte da estrutura aqui em baixo, tem aquele tom azulado simplesmente porque está aberta para a clarabóia. E lembre-se que o céu é enorme. Então, o que quer que o céu possa atingir, provavelmente irá dominar. Claro, não podemos ver o céu nesta pintura, mas vemos graças à influência que tem nas sombras. Esta, a propósito, é como você dá às suas pinturas uma maior sensação de ambiente ao ter coisas que não estão realmente na tela influenciando o que está na tela. Isso acrescenta uma tremenda quantidade de credibilidade, ok, mas nós também temos esses tons quentes como olhar para esta parte da sombra aqui embaixo, eu acho que essas são águias sob as cabeças dos Eagles aqui, esta parte da parede, alguns dos detalhes da escultura em relevo aqui embaixo. São muito mais quentes. Agora, por que estão mais quentes? Bem, eles estão simplesmente recebendo sua luz saltada de outras áreas, não do céu. luz vinda do chão pode estar iluminando esta parte. Esta parte aqui pode ser a luz do sol caindo, atingindo esta superfície e saltando para cima, dando-lhe um efeito quente. É especialmente quente lá porque é a parte de baixo da cabeça do ego. A clarabóia não consegue acertar porque a clarabóia desce de cima. A razão pela qual eu acho que meu antigo diretor de arte disse que isso abriga os segredos da cor é porque Sargent fez um trabalho tão hábil de transição entre os dois. Mas com os gráficos de cores que acabamos de fazer, podemos facilmente entender o que o sargento está fazendo aqui. Tudo bem, então eu vou ir em frente e sugerir que o sargento está usando gráfico número três e número quatro neste quadro, embora na maioria das vezes ele esteja usando o gráfico número três, que é o mesmo gráfico que usamos no capítulo 1. Então, na pintura de Sargent, eu tenho um pequeno espaço embaixo dela onde eu posso mapear algumas cores. E a primeira coisa que eu meio que quero fazer é estabelecer a gama de cores que ele está usando aqui em nossos gráficos de cores. Preciso saber onde ele está colchando essas cores, quais são os dois extremos neste caso. E não muito extremo. Ele definitivamente está usando cores em ambos os lados da roda. Há cores aqui e há cores aqui. Mas quão saturados eles estão? Eles certamente não estão tão saturados quanto esses gráficos. Novamente, eles estão em algum lugar no meio. Então o que eu vou fazer é apenas olhar o que eu acho que é a coisa quente mais saturada aqui, que na verdade é bastante quente. Essa é uma cor muito quente. Há muita saturação lá. Então eu vou colocar isso neste lado do seletor de cores e eu posso provar outras cores que eu acho que estão por aí, essas cores aqui e apenas colocá-las lá. E porque estou improvisando este gráfico, estes podem estar fora de ordem. Estas amostras, por exemplo, esta laranja aqui eu diria que é um pouco mais quente do que esta cor aqui. Eu posso, eu posso mudar isso agora só para facilitar a compreensão de algo assim. Está bem. Agora, eu quero ir para o outro extremo e ver qual é a cor mais fria dele. E eu acho que ao longo desta fachada é onde podemos encontrar alguns dos azuis mais frios. Agora eu digo azul, mas isso não é preciso porque veja isso. Se eu provar isso que parece bem azul, mas deixe-me provar isso. É muito mais cinzento do que eu pensava. Também não é azul. É mais no lado roxo. Na verdade, se eu provar outra área que parece azulada como esta área aqui, se eu provar isso, não é nada azul. É como rosa ou algo assim que ele objetivamente não era azul. Então é aqui que os nomes de cores ficam aquém, certo? Então o que eu estou tentando fazer é estabelecer o intervalo entre quente e frio nesta pintura. Então vamos voltar para onde as coisas estão no lado roxo. Algo assim que eu acho que é o mais frio. Vamos fazer uma amostra em torno de nós para ter certeza que eu tenho isso. Sim, todas essas cores que parecem azuladas ou não azuis. Algo por aqui é onde vou colocar o outro extremo. Então eu vou colocar isso aqui. Então, se eu trouxesse meu gráfico aqui, olhando para o gráfico número três, eu diria que a cor mais quente provavelmente está em algum lugar por aqui e a cor mais fria provavelmente está em algum lugar por lá. Então o sargento está jogando dentro desta faixa de cores. Então o que vou fazer agora é começar a preencher este gráfico. Vou provar algo aqui que está no lado mais frio. Então ele vai para esta parte do gráfico, talvez em algum lugar por aqui seja onde essa cor está. E então eu vou começar a amostrar e preencher onde eu acho que eles estão. Tudo bem se eu sobrepor coisas assim. É um exercício de mãos livres, certo? Então eu posso colocar uma cor para baixo e, em seguida, sobre outras cores, eu posso ter que mover essa cor. Então eu só estou acelerando isso e completando o gráfico. Isso é um pouco mais complicado porque eu também estou lidando com valores diferentes, mas isso é tudo parte do treinamento que fazemos como pintores. E só mais um conselho aqui. Não se preocupe em obter um pixel perfeito. Tente usar seus olhos. O objetivo aqui é simplesmente estabelecer o alcance geral em que estamos trabalhando. Ok, então vamos rever a tendência geral dessas cores que acabamos de amostrar neste estudo de amostras aqui. E eu recomendo que você faça esses estudos você mesmo, a propósito, não apenas me veja fazendo isso, tente você mesmo. Classificar através dessas cores é uma parte crítica do treinamento do seu olho. Eu costumava fazer isso muito nos meus primeiros dias. Eu meio que faria isso com uma xícara de café pela manhã, você sabe, tirar algumas fotos que eu gostei e tentar resolver isso. Mas tudo bem, vamos pegar nossa ferramenta de amostra e vamos começar do início. Agora o que eu quero que você assista enquanto eu provar essas cores, primeiro que tudo, eu quero que você fique afiado no seletor de cores. Ok, não olhem para a minha amostra para todos olharem para o seletor de cores. Então, aqui vamos nós, olhar para a saturação geralmente ficando mais cinza. E aqui estamos nós no meio do gráfico agora e assistir, Ele vai sair para o resfriamento e ficar um pouco mais saturado em direção ao resfriamento. Então esse é o gráfico número três. Lembre-se, gráfico número 3 estar aqui enquanto passamos pelos cinzentos e, em seguida, voltamos para o resfriamento saturado. É por isso que eu digo que a pintura do Sargent usa principalmente o gráfico número 3. número 3 é importante porque ajuda a manter as cores no controle. Se você olhar para os gráficos número 12 aqui, sim, eles vão de quente para legal, mas parece um tipo de pesadelo revestido de doces. A natureza não faz isso. A única exceção que eu realmente posso pensar na natureza é como um arco-íris ou algo assim, mas a natureza usa tons diferentes. E é aí que entra o gráfico número quatro, que, como você se lembra, é uma combinação do gráfico número 3 com gráficos número 1 ou 2. Então, quando olhamos para a pintura de Sargent aqui, você sabe, não é apenas pegar essa cor e perfeitamente dessaturá-la e então saltar perfeitamente para fora em direção aos roxos e azuis ou o que quer que seja. Fizemos isso no Capítulo 1 como parte do nosso exercício de cor complementar. Mas a natureza não é tão perfeita e o sargento está imitando a cor da natureza aqui. Então, o que temos ao longo do caminho são tons diferentes. Mas em geral, se você olhar para este gráfico, em geral, ele está começando com isso como o que eu chamei de sua cor mais quente na pintura. E, em geral, à medida que ele fica mais grisalho, ele está se afastando dos aquecimentos e em direção aos esfrios. Desta vez, enquanto eu amostra através do seletor de cores, só assisti a roda de matiz. Ok, então aqui está a cor mais quente. E aqui vamos nós. Você pode ver que não é perfeito, mas a tendência geral é essa, e é aqui que você pode começar a misturar tons. Por exemplo, olhe para estas quatro cores bem aqui. Deixe-me ir em frente e prová-los. Eles são todos tons diferentes, mas eles são todos muito próximos juntos. Hughes, enquanto eu provei estes, eu basicamente fui daqui para cerca de lá. Isso não é muita distância. Então, o que impulsiona essas temperaturas é a saturação mais do que a tonalidade. Novamente, estes são mais ou menos todos na família vermelha em algum grau. Então, eu principalmente olhando para a saturação para me ajudar a tomar uma decisão lá. Considerando que se eu pegar esta cor aqui e torná-la mais azul, bem agora, agora não cabe lá. Agora esse azul deve ir para algum lugar por aqui. Sabe, a tonalidade é diferente o suficiente agora que carrega muito mais pesos na minha decisão. Mas porque estes são todos mais ou menos na família vermelha de barra amarela, eu estou olhando principalmente para saturação para me ajudar a determinar a temperatura. E é aqui que a cor é muito, muito subjetiva. Às vezes, é o nível de cinza ou o nível de saturação que ajuda a determinar se algo está mais quente ou mais frio, como acabamos de ver. Enquanto outras vezes, se ele fosse diferente o suficiente, talvez a tonalidade tenha mais peso nessa conversa. 10. Como inventar luz e cores: Aqui está um dos meus quadros. É uma cena clássica iluminada pelo sol. E mesmo que a cena em si seja cartoony, a luz é realmente bastante realista ou, pelo menos, é baseada na realidade, muito parecido com a pintura de Sargent. Então o que eu quero fazer agora é recriar parte desta pintura e tipo de narrar o que está acontecendo no meu cérebro enquanto eu escolho todas essas cores. Então aqui estamos no Photoshop e eu só quero transformar isso rapidamente em um desenho de linhas. Claro, eu poderia colocar uma camada por cima e apenas traçar de volta um desenho de linha para trabalhar. Mas aqui está apenas uma dica rápida para aqueles de vocês que estão olhando para fazer estudos partir de pinturas existentes e você não quer perder tempo fazendo um desenho de linha primeiro, basta pegar a parte que você quer transformar em um desenho de linha e apenas subir para filtrar no Photoshop de qualquer maneira, vá até Filtrar, Estilizar, encontrar bordas. E isso vai criar esse desenho de linha casual para você. Eu vou apenas pegar um aerógrafo aqui com uma cor branca e apenas uma espécie de escovar alguns desses pontos e coisas texturais que ele pegou em que eu realmente não preciso ver. E então se eu quiser, eu posso pegar qualquer tipo de pincel de linha e definir esse caso para onde esse monstro vai. Está bem? E eu vou tirar esta linha aqui que delineou um pouco da sombra iluminada. Mas eu quero falar com vocês sobre tudo isso enquanto eu pinto. Então lá vamos nós. Agora, pelo menos, posso ser fiel ao desenho do monstro. E você pode ver o que estamos fazendo aqui. Certo, a primeira coisa que vou fazer é entrar na área que estou pintando. E então em minhas camadas aqui, eu vou apenas definir essa camada para o modo multiplicar, jogar uma camada abaixo dela, e então eu vou pintar sobre esta camada. Então eu vou usar apenas uma camada, que significa que você não precisa ver a janela Camadas. Se eu fizer uma camada por alguma razão, eu definitivamente vou te avisar. Então você sabe o que para isso, Vamos, vamos abordar isso de uma maneira diferente do que fizemos a pintura no Capítulo 1. Eu vou abordar isso como eu fiz a pintura no Capítulo 2 onde eu fiz o tipo de arte do jardim de infância. Começamos com cores locais enquanto tínhamos a Árvore Verde no Capítulo 2, aqui temos um monstro verde. Vamos torná-lo verde. Eu não me importo agora com a cor, temperatura. Não me importo com estes gráficos. Eu vou em um segundo, mas ainda não. Tudo o que me importa é a consideração mais básica que minha filha de 19 meses poderia fazer. Ele é um monstro verde. Vamos torná-los verdes. Então vamos apenas escolher, eu só escolhi aquele verde. Basicamente aleatoriamente. Não havia nenhum processo de pensamento por trás do porquê este verde, quero dizer, olhe para ele poderia ser tão verde para isso não importa. Vamos torná-los verdes. Tem verduras diferentes lá, se quiser, não importa agora. Além disso, ele está de pé em alguma areia que é laranja como esta talvez. Então, conseguimos isto. Ele está em frente a uma caverna que é o que talvez um pouco mais escuro, um pouco mais cinza. Eu não sei. Esta é a cor de uma parede de caverna? Talvez um pouco mais escuro. Agora estou pensando em luz e sombra, a propósito, estou simplesmente adivinhando a cor local. Isto tem a intenção de parecer ruim agora. Isto promove a ideia de encontrar a sua pintura enquanto trabalha, em vez de pensar que precisa de algo terminado a cada passo. Na verdade, essa é uma das coisas contra as quais me rebelei na minha arte há muitos anos. E eu, mas eu costumava pensar do jeito oposto. Eu costumava pensar que cada passo do caminho deveria parecer feito. Você poderia trabalhar assim, mas acho melhor para sua sanidade. Se você se permitir um processo que lhe permite encontrá-lo enquanto você trabalha. Então, tudo bem, aí está o meu monstro. Vamos tirar um pouco de cor para os olhos. E enquanto estamos no branco, ele tem alguns dentes brancos brilhantes, que se parecem com isso, e ele tem alguns lábios avermelhados. Então vamos polvilhar um pouco deste vermelho para os lábios. Eu só, eu só, novamente, eu apenas escolhi uma cor vermelha aleatória e eu não estou pensando em luz e sombra ainda. É óbvio que vou narrar os pensamentos na minha cabeça quando começar a fazer isso, o que é agora porque terminamos com o nosso N. áspero . Então nossa pintura agora parece terrível e parece exatamente como nossa árvore do jardim de infância fez no último capítulo. Ok, ótimo. A primeira consideração que você sempre precisa fazer não importa qual é a sua pintura, onde vem a luz e qual é a fonte de luz? Bem, neste caso a resposta é, o Sol é a fonte de luz e ele vai estar vindo daqui. Vai estar na frente do monstro. Então deixe-me desenhar como uma seta 3D. Vai ser como entrar assim, certo? A direção do sol está lá. Então estou imaginando que o monstro está dentro de uma meia caverna. Aqui tenho a minha pintura. Haverá uma sombra lançada sobre o topo do monstro. E como se a caverna continuasse acima de sua cabeça, certo? E o sol meio que fatias lá dentro. Então, às vezes o que eu gosto de fazer logo no início é apenas pegar um aerógrafo ou pincéis como meu pincel marcador que vem com a classe. Vou configurá-lo para dizer modo multiplicar, que é um modo de escurecimento, e apenas dizer, ok, a luz está vindo aqui. Vamos jogar tudo isso na sombra. A coisa boa sobre este processo agora é que eu não estou pensando novamente em cor. Como se eu fosse jogá-lo em uma cor roxa só para provar, eu vou escolher qualquer cor. Isso não importa. Só estou pensando em valor. Estou pensando que o sol vai entrar e cortar este pouco de luz assim. E tudo isto é sombra, e debaixo dele há sombra. E a caverna vai ficar na sombra aqui. Mude as cores só para mostrar que eu não estou realmente me importando com a cor. Isso já me dá um pouco de um efeito de iluminação porque seu valor que afeta a aparência de forma e luz, não cor, cor apenas piggybacks em iluminação e valores precisos. E mesmo que esses valores sejam uma espécie de bagunça como olhar para todo aquele absurdo rabiscar sobre o monstro. Pelo menos ainda é uma passagem mais escura e uma passagem geral mais leve aqui para a luz. É muito claro dizer que assim é luz l para luz e sombra. Ok, então esse é um bom primeiro passo. Vou sair do modo de multiplicação agora vamos ter um pincel normal como este. A propósito, esta é a minha escova seca, que também vem com esta aula e todas as minhas aulas. E agora, Ok, vamos começar a pensar sobre as escolhas de cores reais. Vou começar a pensar no gráfico número dois aqui, porque os monstros verdes. Então vamos de quente para frio através dos verdes porque monstros verdes, nós vamos estar lidando com verdes. Vamos pegar um verde mais quente, o que é muito fácil. Está no lado mais quente do verde. Qualquer coisa aqui, vai funcionar. Não importa se é o verde ou o verde ou o verde, tudo funcionará porque está no lado mais quente. Eu disse que não havia nenhuma rima ou razão para o verde que eu coloquei para baixo, o que é verdade. Mas o que é realmente legal sobre o que eu fiz aqui, e eu devo apontá-lo para fora. Eu fiz isso por acidente. Mas o que é bom é que está no meio, como se eu pudesse ficar verde mais frio ou ficar verde mais quente. Isso não é algo que você tem que fazer, mas talvez às vezes seja bom se você estiver indo para estabelecer as cores locais primeiro para tipo de colocar sua cor no meio, o espectro de temperatura. Então você pode ir de qualquer maneira. Por exemplo, se você estiver colocando uma cor local roxa, pode ser útil escolher seu roxo por lá, porque então você pode ir mais quente roxo indo deslizando para cima em direção ao roxo vermelho ou mais frio deslizando para baixo em direção ao azul. E isso é, isso é verdade para qualquer cor no espectro. Então eu vou pegar meu verde na luz, aquecê-lo deslizando-o lá embaixo porque o, você sabe, o valentão, a luz solar vai estar atingindo o céu. O sol está no lado mais quente. E vamos apenas aumentar o valor porque afinal é iluminado e vamos colocá-lo agora. Isso é diferente de como eu abordei minha pintura no Capítulo 1, onde eu comecei com cinza. E eu meio que estou indo contra meu próprio conselho. Não há regras para essas coisas. Como quando te digo um conselho, é só um conselho, não é uma regra. Agora estou fazendo algo diferente do que fiz no Capítulo 1 e no Capítulo 1. Eu disse começar mais cinza e adicionar ramo de cor fora com saturação de lá. Aqui estou eu dizendo, ok, eu sei que isso vai ser como uma extremidade do meu, se eu estou olhando para o número dois, eu estou tipo de escolher o meu único lado do gráfico. Eu sei que meu verde vai ser aquecido em algum lugar por aqui. Na verdade, isso é um pouco perto do que eu tinha. Eu vou colocá-lo lá embaixo porque eu tenho boas razões para acreditar que este será um fim do meu gráfico. E também o que eu vou fazer é apenas com minhas camadas, eu vou apenas reduzir a opacidade nesta camada de linha. E, e então eu vou fundi-lo para baixo. Então eu só estou trabalhando nessa camada agora. Certo, então o sol está entrando, atingindo o céu. Você não precisa apenas de uma cor. Escolha, escolha cores diferentes. Gosto muito de usar a ferramenta de manchas. Minhas configurações estão no Photoshop de qualquer maneira, uma força de 93% e eu tenho a opção de pintura com os dedos ativada. A opção de pintura com os dedos, por sinal, significa apenas que eu posso pintar com a cor que selecionei. Então, se eu selecionar este azul, você vê que o azul vai para baixo e então ele borra. Se a pintura com os dedos estiver desligada, ela só borra, o que também é útil. Mas a maior parte do tempo eu tenho a pintura de figuras ligada. E é assim que eu posso criar, neste caso, bordas apropriadas para um personagem livre como esse cara. Tudo bem, agora, eu quero colocar alguns tipos diferentes de cores lá dentro. E enquanto estivermos na luz, vamos começar a pensar no valor do meio-tom. Lembre-se de meio-tom é onde o formulário está se afastando da luz. Então se eu só se ele tem uma barriga redonda, como se a barriga dele fosse como uma esfera redonda. À medida que a esfera começa a afastar-se da luz, em outras palavras, virando para baixo, mas ainda está na luz. Não se transformou o suficiente para estar na sombra ainda. E o que vou fazer é esquentar ainda mais aquele verde. Estas cores que estou colocando aqui são decididamente não verdes. Estou me aventurando como, você sabe, realmente longe dos verdes. Isto não é verde. Isto é o que laranja ou amarelo ou qualquer cor que você acha que é. Ainda está tudo bem porque está no contexto da temperatura. Ou seja, é uma luz quente aquecendo este verde. Desde que eu tenha alguns verduras aqui, eu poderia compensar isso com outras cores quentes e está tudo bem. E a propósito, se você quiser ver meu original novamente, você pode ver como eu empurrei ainda mais. Olha como laranja avermelhada que é. Eu ainda chamaria isso de meu bloco no palco, de modo algum, é definitivo? Não que eu vá apertar isso com detalhes ou algo assim, mas eu meio que chegar aos meus golpes acabados enquanto eu vou. Então eu acho que alguns bons brilhantes, estes são como amarelos agora, que é apenas adjacente ao verde, certo? É como ao lado do verde na roda de cores. E isso é muito comum para um valentão. Luz solar para empurrar um verde para amarelo. Essa é a parte mágica. Este monstro vai ler como verde porque vai abranger a gama de verdes. Você não precisa de tudo só para ser verde, para que pareça verde. Vou fazer outro capítulo sobre esta aula. Na verdade, será o próximo capítulo, Capítulo 4 sobre cores planas e como você pode aumentá-las. Ok, agora eu quero pensar sobre o que está acontecendo nas sombras desse cara. Então eu vou, vou ficar na ferramenta de manchas só por diversão. E eu quero estar no intervalo mais frio. Pode ajudar a propósito, apenas uma amostra onde você está no Photoshop quando você tem a ferramenta de manchas ativa, eu não posso empurrar Alt e pegar meu conta-gotas. É muito irritante. Então eu tenho que clicar na amostra, meu verde e aqui é onde eu estou. E tudo bem, isso é bom. Este já é um verde mais frio do que o que eu tenho na luz. E esse é um lugar importante para eu fazer uma pausa aqui e mencionar que porque eu acabei de colocar essa coisa mais quente para a luz do sol, esses verdes mais quentes são essas cores mais quentes? Agora tenho uma comparação. Meu bloco de jardim de infância em que monstro verde, cor verde é agora realmente dividido em família quente e família mais legal. Isto é bom. Isto é o que os pintores fazem. Então o verde que eu coloquei agora está lendo é legal. Não parecia tão legal até eu ter a luz mais quente. Você precisa de algo para compará-lo para lembrar as cores sempre se movendo para o capítulo 1, certo? Então eu vou colocar um pouco de luz refletida. Agora, em um nível de forma, novamente, eu mencionei que sua barriga é como uma bola, vá rodada bola. Bem, se esta parte da barriga virar para baixo, esta parte está a aparecer e quando aparecer, vai ser exposta à clarabóia. Então, voltando ao nosso gráfico de cores, olhando para o gráfico número 2, eu estou me movendo para este lado na roda de matiz, indo em direção ao azul. Estou no Photoshop aqui. Vou subir por aqui. Mas eu não quero necessariamente manter a mesma saturação que eu poderia. Mas novamente, ele começa a olhar um pouco revestido de doces, apenas não tão sutil quando você mantém o mesmo nível de saturação. Então é aí que entra o gráfico número três, combinando gráficos número 23. Então, enquanto eu me movo para este caminho em direção ao blues, Eu também vou incorporar estes pequenos pastos no meio. Então vamos diminuir essa saturação, como eu disse, e ir em direção ao azul e colocar isso. Isto vai. Eu estou basicamente indo o caminho oposto que eu fiz no Capítulo 1 onde eu comecei com cinza e construindo fora. Eu comecei aqui com cores saturadas e eu estou construindo a guerra Graham, eu tenho que construir meus cinza nisso. Mas aqui está a coisa. Eu não tenho que ficar aqui. Vou saltar até estes roxos. Por quê? Bem, ainda é uma cor mais fria. Lembre-se dos meus aquecimentos no monstro ou aqui, certo? Como profundamente enraizado na área quente da roda de cores. Eu poderia ir mais frio subindo aqui, o que eu estava fazendo. Eu também poderia ir mais frio indo aqui. Mas combinando o gráfico um no gráfico de largura com o gráfico três, quero pausar rapidamente a demonstração e mostrar-lhe em uma roda de cores o que estou fazendo. Porque é importante que vemos em ambos esses gráficos, bem como na roda de cores. Bloqueei na minha cor verde local em algum lugar aqui. E lembre-se que eu disse que estava no meio dos verdes quentes e dos verdes frios. Isso é bom porque me dá a habilidade de ir de qualquer maneira. Agora, quando eu fiz esta área de luz solar aqui, o sol sendo uma luz quente bully começando por este verde, eu obviamente quero ir mais quente. Usei o gráfico número 2 para fazer isso. Então, se olharmos para o gráfico número dois, meu bloco em verde pode ter sido por lá. Simplesmente fui por ali, que é a mesma coisa que desenhei na roda de cores. Então vamos gráfico número 2. Um ponto rápido em se mover através de tons como esse. Às vezes, pode ser perigoso manter a mesma saturação. Então, novamente, comecei com aquele verde e acabei por aqui mantendo a mesma saturação que eu fui. Isso pode ser perigoso porque, como eu disse antes, pode ser um pouco barulhento ou apenas excessivamente colorido, que é algo que você geralmente não quer em suas pinturas. Agora, na minha opinião, onde você pode se safar com isso é quando os tons estão próximos, esses dois tons, não há muita distância entre eles, seus vizinhos na teoria das cores falam, você diria que estas são cores análogas. Quando as cores estão lado a lado, geralmente falando, você pode se safar usando o mesmo nível de alta saturação. Agora, se você quiser ir, digamos desta cor para esta cor e você fez assim, você sabe, o gráfico completo número 2, que provavelmente seria muita cor. Seria olhar para doces revestidos, novamente, algo que você não quer a menos que você esteja literalmente pintando doces, eu suponho. Ok, então é assim que eu gerencio a transição para o lado da luz. Agora que estou no meu lado leve, estou aqui. E na minha demonstração, você vê esta área bem ali. Estou aqui na roda de cores. Observe como essas cores legais são muito mais próximas do cinza do que as cores quentes. Eu estou usando gráfico número quatro caminho, que como você se lembra de mais cedo neste capítulo é uma espécie de coisa curva S. E porque eu estou ciente dessa curva, eu posso apenas traçar cores ao longo dela. Então, por exemplo, quando você está pintando, você não precisa literalmente colocar cada uma dessas cores. Isso não é um requisito. Você deve saber sobre este caminho. Mas se você quiser, você pode dizer colocar esta cor e depois colocar esta cor em seus quadros como eu fiz. E então meio que dizer, ok, ao longo do caminho agora eu sou uma espécie de, Oh, minha pintura esta cor e talvez esta cor aqui para tipo de dar ao espectador este caminho. Mas lembre-se também, estou combinando gráficos. Então eu também poderia dar ao espectador um pouco do gráfico número dois, assim. Tudo bem combinar gráficos como esse. Obviamente, quando você está combinando gráficos, isso torna o cálculo muito mais complexo. Mas desde que você esteja ciente do que está fazendo e esteja aplicando seu gosto pessoal a ele, que fica mais sofisticado com prática e experiência, você pode fazê-lo. Ok, mas de volta a seguir o gráfico número quatro caminho aqui. Vamos voltar às nossas duas cores. Apenas estas duas cores por si só não é suficiente para dizer ao espectador que é o gráfico número quatro. Você tem que preencher alguns dos espaços em branco. E meu ponto é que você não tem que preencher todos os espaços em apenas o suficiente para dar ao espectador um pequeno empurrão visual dizendo: “ Ei, eu estou seguindo esse caminho. Isso é o que tornará seu movimento de cor identificável para o espectador. Então, de volta à demo, estou colocando essa cor roxa louca, que à primeira vista parece não fazer sentido. Mas eu estou usando o gráfico número um em combinação com gráfico número 3 para obter o grau baixo roxo. E então tudo isso está em combinação com o gráfico número 23. Vocês provavelmente sabem que uso muita cor nas minhas pinturas e recebo muitas perguntas como: “Como vocês fazem isso?” Bem, é assim que eu faço. Não tenho medo de combinar esses gráficos com frequência. Vou ficar com o gráfico número 13 aqui e tentar alguns blues purply, mantendo-o relativamente no lado cinzento. E a propósito, como eu coloquei este azul e eu estou pressionando suavemente no meu tablet. Então, se eu provar esse resultado, bem, é uma cor diferente, certo? Está misturando o verde com o azul que escolhi. E, você sabe, isso vai acontecer, Photoshop tende a cinzentar as cores até certo ponto quando você faz isso. Então vou deixar o Photoshop fazer uma mistura para mim. E eu estou dizendo Photoshop aqui porque é isso que eu estou usando, mas qualquer aplicativo de sua escolha, nós meio que faremos a mesma coisa. Então, no início, eu disse que estava encontrando meus primeiros pontos extremos de um gráfico. Bem, talvez eu queira ir pelo caminho oposto e encontrar meu outro ponto extremo do gráfico. Talvez eu queira pegar algumas dessas cores acinzentadas que eu tenho aqui e dizer, você sabe o que, eventualmente eu meio que quero estar lá como meu ponto de descanso final aqui no gráfico. Se você olhar para trás para a minha peça original aqui, você pode meio que ver alguns desses azuis lá dentro, certo? Você vê aqueles azuis e alguns daqueles roxos saturados lá dentro. Este é o meu ponto final do gráfico. Então eu vou ficar tipo, Ok, vamos pegar um pincel e apenas rabiscar dentro Scumbling é o termo oficial da arte para isso. Faz rabiscar soar oficial quando você chama isso de desprezo e coloca isso. E estou misturando nas minhas outras cores, certo? Tudo isso é possível porque estou no contexto certo. Estes estão todos em conformidade com o mesmo tipo de movimento da cor. Estes gráficos indicam as direções em que minhas cores estão se movendo, certo? Enquanto eu estiver dentro do contexto desses gráficos, tudo bem. Aqui. Vou te mostrar como posso quebrar isso de um jeito ruim. Se eu estivesse trabalhando na luz e quisesse colocar este azul e a luz. Bem, agora estou a afastar-me demasiado da minha ficha. Esse azul parece errado, porque mesmo sendo o valor correto, não parece certo. Não há nada para motivar essa mudança de temperatura particular, aquela mudança de temperatura extrema na luz. A luz deve estar intimidando essas cores para estar lá na luz. O mesmo é verdade para a sombra, a propósito, se eu gosto, tem uma cor vermelha e começou a colocá-lo em, É muito grande de um salto que a transição. Eles seriam como pegar essa cor aqui e colocá-la aqui, não funciona. Você absolutamente tem que manter seu contexto. É por isso que fazer os estudos piloto como fizemos com a pintura do Sargent é um bom exercício visual. Tudo bem, então vamos voltar a pintar aqui. Sinto que preciso de alguma forma acontecendo debaixo da boca. A boca precisa mergulhar mais escura porque não vai estar recebendo quase a mesma quantidade de luz que a barriga. Então eu escolhi uma cor mais quente, mas eu quero esfriá-lo por ir mais cinza e esfriá-lo fora também indo para baixo desta maneira. Só porque não quero competir com as minhas cores brilhantes. Então eu estou fazendo isso. E não há, não há nenhuma razão real para usar qualquer blues aqui porque como vimos com a peça do sargento, não havia céu sendo refletido no fundo de seu queixo. Você pode pensar, oh, clarabóia pode descer e saltar para cima, mas não, clarabóia é muito fraca para fazer isso. Uma vez que a clarabóia atinge, acerta diretamente, é só isso. Não vai saltar em lado nenhum. A luz solar irá equilibrar. Então, o sol, por exemplo, vai se pôr, saltar do chão, e subir para a barriga dele lá. Na verdade, por que não colocamos um pouco disso agora? Vou trocar de marcha aqui. Eu fico com a cor aqui. Eu vou pegar um calor, algo, algo como este alcance do gráfico. Warmish. E também aquele mais leve do que o que está lá. E meio que começar a colocar isso porque o sol é, você sabe, sendo uma cor mais quente que ele vai aquecer esses verdes apenas um pouco. E eu só estou usando a ferramenta de manchas para colocar isso e eu posso brincar com alguns aquecimentos diferentes. Veja, esta cor era mais fria neste contexto. Se eu colocar essa cor aqui, é mais legal. Mas se eu colocar a cor lá, é mais quente porque o verde estava em algum lugar muito mais legal. Sempre contexto. Sempre contexto. Que cor ou que cores estão ao lado do que você está pintando. Essa é a pergunta que você tem que fazer a si mesmo. Então, as decisões que você toma sobre a cor são sempre baseadas no que está ao seu redor. Então isso representa o sol entrando e, você sabe, o que eu provavelmente deveria fazer aqui é olhar para o chão, que o sol realmente vai iluminar tanto em valor quanto em saturação. Este chão, estes em pé. Então vamos colocar, tem que vir aqui em cima. Há uma sombra que ele está lançando, então eu vou pintar à volta da sombra. O sol vai iluminar a areia aqui, algo assim. Então, agora com essa informação em jogo, agora parece que o sol está pulando em sua barriga, mas ainda não terminou de novo e apenas bloqueando todas essas coisas, eu estou pegando no estádio. Digamos que o balanço solar que estou pintando aqui não vai se estender aqui. É aí que o céu começa a dominar. Então vai haver uma área de transição aqui. Naquela área de transição, bem, eu vou mantê-lo nos verdes porque isso é meio termo entre estes aquecimentos e o céu mais frio. Então vou guardá-lo em algum lugar aqui. Scumbling nestas formas de cor e valor. Talvez um pouco mais cinza e peças para ajudar essas transições. Como se este calor vermelho quiser fazer a transição para verde, talvez eu possa classificá-los. Trazendo o slide da oferta para verde, mas cinzento. O valor certo, esses é novamente onde a ferramenta de manchas ajuda porque a ferramenta de manchas pode criar bordas suaves também muito facilmente. Isso está parecendo bom. Volte para as luzes e apenas saltando por aí, apenas brincando com diferentes variedades de cores aqui. Trabalhando nesta borda onde relâmpago sua sombra, certificando-se de que a sombra ainda é suficientemente escura para ser sombra em um nível de valor, certo? Ainda tem que ser mais escuro que a luz. Certifique-se de que, quando você estiver colocando essas luzes refletidas, você não está iluminando excessivamente o valor da sombra. Isso seria ruim, então ele vai começar a parecer luz e vai confundir seu desenho completamente. Você está pintando, você está desenhando o que quer. Quando digo pintura, quero dizer desenho. E quando digo desenho, estou pintando. Eles são a mesma coisa. Eles agem com base nos mesmos princípios. Suponho que a pintura acrescenta cor à equação, mas tudo o resto é baseado na mesma filosofia e princípios. Brincando com estes azuis aqui, continuando a tapeçaria de cor é este braço aqui. O braço dele vai ser atingido por muitas clarabóias. Vou até ficar mais azul. Posso aumentar a saturação. vez, trabalhando na borda de um dos meus gráficos de cores aqui, o outro lado extremo, oposição aos amarelos aqui na luz. Não quero usar muito esta cor. Vejo você como se eu tiver a luz, eu tenho esses aquecimentos muito saturados. Se eu tiver igualmente saturado, Cole, começa a parecer não sutil o suficiente por falta de terminologia melhor. Assim como mostrei a vocês no Capítulo 1, tenho tendência a manter um dos meus gráficos para ver os gráficos de cores, eu meio que mantenho um lado extremo, mas o outro lado do meu corte lá. Ou pode ser o oposto. Eu vou manter o lado frio lá, mas cortar o aquecimento lá fora. É muito raro que eu abranja completamente a gama de um para o outro nesta forma extrema como esta. Então, mesmo que pareçam frios, eles não são tão frios, pelo menos não tão frios quanto os aquecidos, o nosso quente. - Sim. Isso faz sentido. Então vamos continuar de volta para onde eu estava aqui. Colocando essas transições. Aquela cor que eu tinha era para aquecer a nota. Eu quero criar alguma forma de transição aqui entre o, entre estes escuros sob o queixo, você pode chamá-lo, e a barriga que está ficando mais luz refletida. Então, vou voltar para os meus verdes. Isso é meio que uma zona intermediária para olhar para o gráfico número dois, escrever passando pelos verdes para ir do frio ao quente. E enquanto estamos aqui, vamos jogar alguns desses tipos de verdes no meio entre quente e fresco em algumas dessas sombras novamente, para ajudar com a transição um pouco. Neste ponto, este é provavelmente o primeiro nesta pintura demo aqui, pessoal, onde eu estou tipo, ok, isso está começando a funcionar. Aqui é onde a cor Tapeçaria está começando a parecer que está funcionando. O que é um ótimo ponto para estar na sua pintura, porque agora é como, ok, eu vou apenas para o limite. Ele não parece muito peludo em todos os lugares, então eu posso ajustar algumas dessas bordas, mas eu não faria esse trabalho mais fino até que eu sinto que minhas cores estão começando a comunicar o sentimento que eu quero que eles façam. Eu poderia, a propósito, avançar um pouco disso e obter um Pincel Linear Dodge e colocar um pouco mais naquela luz, que eu acho legal. Lembro-me de fazer este procedimento exato na pintura original também. Apenas aumentando o toque dramático, se você quiser, em algumas dessas áreas pode até pintar luz com este como este. Vamos continuar. Vamos olhar para o lado da caverna. Haverá luz batendo na caverna. Como se você olhar para o meu original novamente, luz entra em fatiando a criatura e então, você sabe, a criatura lança a sombra. Mas parte daquela caverna ainda está na luz. Então podemos pegar um pouco disso. E novamente, isso é muito fácil em termos de estacionamento bola, minha cor. Eu sei que é um filho mais quente. Eu disse ao espectador que é mais quente pela minha comparação entre verdes quentes e frios e o monstro. Então, tudo o que tenho de fazer agora é escolher a minha cor base aqui. Vamos aquecê-lo um pouco, aquecê-lo um pouco de saturação para, e obviamente aumentar o valor para a luz e apenas acabar em algum lugar por lá. E eu vou, eu vou pintar isso. E esse é um ótimo ponto de partida. Sei que não é a cor final. Sei que é pelo menos preciso no contexto em termos da direção em que as cores se movem. Eu sei que vai ser correto e então eu posso apenas trabalhar a partir daí. Essa é a coisa que somos, a cor se torna meio divertida. Muitas pessoas têm medo da cor no início. Mas uma vez que você começa toda essa coisa de contexto e a direção da cor coisa, e você se divorcia de pensar que há uma citação, unaspas, certo? Cor para as coisas. Não há, é apenas o contexto certo. A cor torna-se muito libertadora. Enfim, o que estou fazendo agora é que estou pintando uma oclusão ambiente por trás do personagem. Então ele voltou para o lado claro da caverna aqui. E novamente, falando de contexto, eu poderia aquecê-lo um pouco mais se eu quisesse tropeçar um pouco disso. Mas acho que posso acalmá-lo. Por que eu não esfrio subindo por este caminho gráfico número 2 e cinza por aqui, gráfico número 3, combinando 23, certo? E colocou um pouco disso em manter o valor correto, é claro, para que eu possa colocar essas cores impunemente. Eu não tenho que me preocupar com repercussões da cor errada porque eu tenho o valor certo e eu tenho o contexto certo de cor. Eu não quero ficar muito frio, como se eu não quisesse fazer isso. Isso quebra o contexto. Isso é muito frio, essa cor pode parecer boa e sombra, o que é suposto ser mais frio. Posso colocar algumas dessas cores e sombras e começar a construir a luz refletida vinda do céu, que está fora da tela. Claro, na pintura original, o céu estava na tela e você pode vê-lo realmente informando os azuis na caverna que está de frente para o céu lá. Então é nisso que estou pensando. A luz não terá esses azuis porque esses azuis fazem parte da sombra que a clarabóia não é forte o suficiente para influenciar a luz do sol. O sol é o valentão mais forte que existe. O sol vai erradicar completamente qualquer vestígio de clarabóia. Deixando-o apenas no reino das sombras. Brincando com a borda onde o penhasco encontra a areia aqui. E então você pode fazer qualquer tipo de detalhe neste penhasco ou nesta face de pedra que você quiser. Mas isso não faz parte desta demo. Posso colocar um pouco no final, mas, você sabe, em termos de detalhes de pintura, você pode enlouquecer com isso. Vamos voltar ao tópico em questão aqui, que são as cores. Vamos para os globos oculares. Sinto-me como os globos oculares que não foram tocados. Haverá também oclusão ambiente lá. Então eu vou escolher um aerógrafo de sobreposição de santo e vamos pegar uma cor mais escura e apenas escurecer este soquete ocular. Eu consideraria esta oclusão ambiente também. inclusão do ambiente é a parte mais escura da sombra, a parte onde a luz ambiente não consegue chegar. Está bem. O globo ocular vai ter alguma luz do céu. É muito cinza. Eu sou como aqui na minha tabela de cores, então eu posso facilmente apenas tipo de sair para o azul aqui e apenas obter alguma luz refletida do céu. E aqueles globos oculares. E poderia muito bem jogar em apenas uma coisinha destacada enquanto estamos aqui. Neste caso, apenas reflexos do céu. Tudo bem, vamos continuar pintando. Esta é uma espécie de tela quente, não tão quente quanto é na luz embora, ainda no reino da sombra. Eu vou definir um pouco da forma da cabeça aqui usando este tipo de, novamente, esta temperatura média verde. Não é nem quente nem legal baseado nos dois extremos que eu tenho em algum lugar no meio. E essa é a coisa boa. Quando você estabelece seus extremos um pouco cedo, você então pode jogar e desenvolver a área do meio. Enquanto no Capítulo 1, seguimos o caminho oposto. Começamos com o, se você olhar para esses gráficos no Capítulo 1, teríamos começado com o meio do gráfico e expandido para fora. Aqui, estabeleci meus dois extremos e estou trabalhando para dentro. Eu não uso uma abordagem sobre a outra. Eu uso os dois de forma intercambiável. Isso realmente depende do projeto e também com o que você está confortável. Outra coisa boa sobre a ferramenta de manchas neste caso, e outros softwares têm sua própria versão da ferramenta de manchas. Posso escolher um azul muito extremo como este. Mas quando eu pinto, Photoshop vai misturá-lo, certo? Então eu estou pintando aquele azul extremo, mas quando eu provei o resultado, é como se estivessem, então às vezes é útil saber o que o software vai fazer, o que quando ele mistura cores. E isso só vem com a experiência. E assim você pode meio que ultrapassar sua cor, temperatura e deixar seu software misturá-lo para você. A coisa boa sobre ferramenta de manchas Photoshop e eu acho que outros softwares são assim. Você abaixa um golpe e é bem puro. Considerando que se você colocar um golpe e manter o seu estilo é mantido para baixo em tudo, tipo manchá-lo e misturá-lo no que já está lá e meio que trazê-lo para mais perto do que já está lá também. Então, dessa forma, a ferramenta de manchas é ótima para essas pequenas transições. Tudo bem, então eu vou acelerar o vídeo para o resto desta demonstração. Isso só é acelerado três vezes. A razão pela qual estou fazendo isso, como já expliquei, tudo o que estou fazendo no que diz respeito ao Capítulo 3, tudo o que resta a ser feito é dar à pintura um pouco mais de refinamento em termos de sua pincelada e outras coisas, e talvez mais algumas pequenas manchas de cor aqui e ali para facilitar as transições. Talvez pintar coisas que eu sinto ser muito berrante ou exagerado. E, você sabe, apenas trazer este quadro para algo um pouco mais completo para esta demonstração. Aqui, por exemplo, eu estou adicionando um pouco da oclusão ambiente que iria cobrir o topo de sua cabeça, também as órbitas oculares, oclusão ambiente lá também. Refinando algumas íris, apenas pequenas coisas aqui nas sombras debaixo do monstro. É um cinza muito quente que eu uso. Então agora eu posso usar o gráfico número 4 para me colocar em mais blues. Novamente, não plotando todas as cores ao longo do caminho, mas plotando apenas cores suficientes para que haja algum movimento de cor lá. Um pensamento que eu tinha, bem, literalmente assistindo esta demonstração sendo reproduzida de volta na minha frente, é que quanto mais grande a área, talvez mais cores você quer traçar ao longo de um certo caminho em um determinado gráfico. Enquanto áreas menores como a pequena sombra sob o monstro, por exemplo, talvez você só precise traçar duas ou três cores para que seja suficiente. Você pode ver exatamente aquela coisa acontecendo na barriga dos monstros, por exemplo. É uma área muito importante deste quadro. E olhe para todas as cores que eu estou plotando lá para mostrar vários movimentos ao longo da roda de cores. Sinto-me como se estivesse a aproximar um dos gráficos de cores e a mostrar ao espectador o que estou a fazer na zona da barriga contra a sombra do esconderijo debaixo do monstro e talvez na própria caverna como estou a pintar agora, Eu estou meio que ampliando um pouco desses gráficos de cores e apenas plotando o essencial. cor é a parte mais subjetiva da pintura. Não é como uma perspectiva onde há um livro didático, livros literais sobre como desenhar uma perspectiva adequada que não existe com cor. Quero dizer, há livros didáticos sobre cores também. Não me entenda mal, mas tudo a ver com a cor é uma mera sugestão. Princípios gerais que tendem a produzir resultados agradáveis. O que você deve a si mesmo como pintor é conhecer essas sugestões gerais como estes gráficos que estou mostrando aqui o suficiente para poder usá-los de uma maneira coesa. A aplicação bem sucedida disso depende basicamente do seu julgamento. E você sabe, é aí que o gosto entra. Quero dizer, eu tive pessoas, apenas poucas pessoas felizmente, mas as pessoas me dizem que eu uso muita cor na minha pintura. E eu estou tipo, “Ok, eu posso ver por que você está dizendo isso. Nem sempre uso tanta cor como esta pintura que estou fazendo aqui é bastante colorida. Escolhi esse assunto porque acho que é um bom exemplo de como usar esses gráficos. Mas você também pode usar esses gráficos de forma mínima e manter sua cor muito moderada. E, claro, eu fiz isso nas minhas pinturas também. Depende da sua personalidade e da sua estética. E tudo bem, foi aqui que acabei com esta demo. Novamente, eu escolhi este assunto porque eu acho que é um bom exemplo de como você pode combinar gráficos diferentes e uma maneira muito óbvia porque esta é uma pintura muito colorida. Vamos agora passar para o Capítulo 4 e falar sobre um aspecto diferente da cor que você tem que lidar com bastante frequência. 11. Como a natureza: Muito bem, bem-vindos ao Capítulo 4, vibração de cores. Este é um dos meus tópicos favoritos pessoais neste capítulo, vai ganhar mais insight sobre como o olho detecta o movimento da cor ao longo da roda de cores, uma compreensão de como a natureza trata cores planas, um sistema para manter nossas cores interessantes e vivas em nossas pinturas, vão construir ainda mais em nossa compreensão da teoria da cor da natureza. E desenvolveremos alguns modelos de cores simples que podemos escolher ou combinados ao atribuir essas ideias de cores. Então, aqui vamos nós. No Capítulo 2, eu falei sobre as limitações inerentes de identificar cores por seus nomes, e como precisamos de modificadores de temperatura, como mais quentes ou mais frios, para nos ajudar a descobrir quais cores pintar. Armado com esse conhecimento, um aluno meu pintou este estudo de uma maçã, e é bom, funciona. Eu acho que o que está funcionando aqui, como discutimos nos Capítulos 2 e 3, nós somos capazes de dizer que os vermelhos desta maçã são geralmente no lado mais frio movendo-se ao redor da roda desta maneira, bem como em direção ao cinza este maneira. Isso foi tudo material dos capítulos 2 e 3. E esta é uma pintura funcional como resultado. E, no entanto, sugiro que ainda é possível espremer mais. Vamos chamar de energia fora das cores, talvez algo assim. Agora há um pouco de caricatura intencional aqui, mas saber como fazer isso aumentará suas capacidades de cor apenas um pouco mais. Então, aqui no Capítulo 4, vamos discutir o que esse ajuste de cor é tudo sobre. Primeiro, um teste pop, reconhecimento de cores. Estou prestes a piscar três cores na tela e você tem que identificá-las ou você está pronto. Amarelo, azul e vermelho, certo? Bem, você está certo, mas vamos olhar um pouco mais de perto. Isto aqui seria um amarelo, azul e vermelho. O que você viu foi isso, que lê como essas cores, mas claramente não é a mesma coisa. Há mais coisas acontecendo com eles. Eles têm variedade de cores dentro de uma cor. Agora, eu proponho que a natureza trabalhe mais neste modelo do que no de cima. A cor dos objetos e materiais na vida real é muito raramente sem movimento. Muitas vezes as coisas têm uma identidade de cor local. Estes exemplos podem ter uma média de cores como esta. Mas como você pode ver com essas amostras, a variedade dentro disso pode ser surpreendente. Esta Apple, por exemplo, lê como lida num relance, mas há muito movimento dentro desse vermelho. Novamente, exagerei para mostrar o que é possível. Por exemplo, eu não acho que essa cor esteja na fotografia, mas por causa da trajetória que eu estou atribuindo essas cores, você sabe, a maneira como eu estou movendo-as, eu acho que essa cor é apropriada. Então vamos olhar para alguma teoria rápida sobre como você pode mover cores locais ao redor. Primeiro, vamos escolher uma cor arbitrária, este azul aqui. E para este primeiro modelo, nós só queremos mexer esse seletor de cores entre tons. E se eu realmente pintasse isso, seria algo parecido com isso. Observe que estou mantendo minhas bordas bem suaves com todos esses traços diferentes. Certo, então esse é um modelo. Outro modelo seria em vez de balançar entre Hughes variar a saturação da pintura amostra, este modelo de movimento de cor seria algo parecido com isso. Acabamos com o mesmo efeito geral, mas parece diferente do que o último 1 terceiro modelo seria combinar esses dois, que se parece com isso na roda de cores. E parece algo assim na prática. Agora estou começando a sentir que estamos nos divertindo. Mas há um quarto modelo. Este cria um pouco mais de tensão, como aquela amostra azul e a maçã, vou começar com o que acabamos de fazer, mas porque já estamos indo para o cinza, pensando na cortesia do Capítulo 1 paleta. O que estou fazendo aqui é essencialmente flertar com ir a esse complemento. Então o que eu vou fazer é consumar que adicionando esta nota secundária aqui, há uma tensão porque essas duas cores nunca realmente se tocam. Então você realmente quer usar discrição e escolher seus lugares onde você usa isso. Mas se você encontrar o lugar certo para isso, ele pode realmente criar algo memorável. Tudo bem, então aqui está uma ilustração minha que eu gostaria de quebrar. Tem muitas cores locais diferentes e sinto que estava testando o limite dessas vibrações de cor. Assim, o elemento de fundo mais distante deve ser lido como azul. Aqui está um close-up de uma dessas seções. É azul no geral, mas todas essas cores estão lá causando aquela vibração, que eu sinto que ajuda a permanecer vivo. Na verdade, eu estava usando o modal número três para isso, que, como você se lembra, parecia com isso. Mas também há uma pequena cor de tensão, algo que definitivamente não é azul. E eu não coloquei essa cor lá para descrever nada físico. Está lá como um salpicante de algo inesperado. De volta à ilustração. Esta área aqui usa a mesma idéia, mas é um pouco diferente porque desta vez a cor base já está cinza. Estas são as pedras de uma ponte. Eles realmente não têm uma cor local forte. Se eu tivesse que escolher uma cor local, eu colocaria por aqui, algo cinza muito neutro. Mas o mesmo princípio se aplica. Vou mexer isto e desta vez está a balançar através dos cinzentos. Então o que isso me deixa com tons diferentes que estão todos perto do cinza, que é o que você vê ao longo dessas pedras. Como um pequeno toque extra, as pedras deste lado, eu mantive no lado mais quente do neutro porque eu percebi que eles estão mais perto da luz do sol e as pedras deste lado, Eu mantive mais ou menos dentro dos neutros frios. Senti que não era a escolha apropriada aqui porque aquela ponte ocupa dois terços da foto. Precisa parecer interessante. Eu provavelmente teria cortado essa vibração de cor meio se a ponte onde dizer metade do tamanho. Ok, última coisa nesta ilustração, olha para esta parte gramada aqui. Tem muita cor selvagem lá dentro. E algumas delas são ilógicas, como por que esses vermelhos laranjados estão na grama? Bem, eles estão lá para vibração de cor. Mas a razão pela qual estou a mostrar-te isto é que quero mostrar-te como pintei aquela secção. É uma maneira rápida e fácil de colocar suas cores em movimento. Ok, então eu vou pintar uma bola verde lá. Mas em vez de começar com verde, eu vou começar com algo perto do oposto do verde, que definitivamente parece contra-intuitivo como se eu estivesse propositadamente colocando a cor errada lá, mas agora eu vou construir esses verdes no que é essencialmente uma cor complementar. Estou usando um pincel que mistura tintas como se fossem óleos molhados ou algo assim. E depois pintarei como se fosse uma bola verde normal. Mas porque estou me misturando nesse elogio ou complemento próximo, essas vibrações de cor acontecem de graça. E então agora eu vou apenas colocar em alguns, digamos verdes azuis usando o número modal 1, novamente, combinando modelos tentando empurrar para o interesse. Ok, então aqui está uma ilustração onde eu sou muito mais subjugado com essas vibrações coloridas. Eles ainda estão lá, assim como a nossa maçã aqui tinha variações sutis. A pele humana também. Eu tinha uma cor de base em mente como esta. Então eu só mexi em torno dessa cor e encontrei essas variações. Sabe, eles estão fazendo algo assim na roda de cores, essencialmente modal número três, certo? O cabelo também é o modelo número 1, mas com uma manobra de cor ainda mais apertada. E senti que o cabelo era um bom lugar para colocar uma cor de tensão. São estas notas de cor turquesa que você vê por toda parte. Agora que a cor está muito longe do resto das cores do cabelo. E é precisamente por isso que eu mantive o resto das cores de cabelo tão próximas. Então eu tinha um pouco vamos chamá-lo de espaço de respiração para zap naquela vibração de cobertura. Agora, a lebre teria funcionado sem isso? Claro. É melhor com ele? Bem, isso é com você. Eu acho que sim. E por que esse azul, por que não qualquer outra cor? É uma razão muito simples que escolhi aquele azul porque o trono em que ela está sentada parece azul. Então eu pensei que ter pequenos fragmentos de que aparecerem no cabelo poderia ajudar a unificar a peça ou colá-la de alguma forma. Apenas um lembrete rápido que a cor é a parte mais subjetiva da arte. E esta aula está cheia de princípios que funcionam, mas cabe a você usá-los a seu critério. Tudo bem, então vamos fazer uma pintura aqui, e eu quero mostrar a vocês como eu geralmente abordo essas coisas em uma situação da vida real. Isto é, na verdade, baseado numa verdadeira ilustração comercial que fiz recentemente. Será um soldado cavalgando a cavalo. Você estará vestindo um uniforme vermelho brilhante com alguns bordados dourados e um prato no peito esverdeado também. Então, muitas cores locais aqui. Vou começar a desbastar com aquele casaco vermelho. E eu estou usando esse pincel e Photoshop que tem dinâmicas coloridas ativadas, que faz com que a tonalidade e a saturação sejam alteradas durante a pincelada. Então eu vou usar isso um pouco para obter algumas vibrações preliminares de cor lá de graça. E então aqui eu mudei para uma ferramenta de manchas. E como você pode ver, eu meio que enlouqueci aqui e eu estou entendendo as cores erradas. Quero dizer, isso não parece um casaco vermelho, não é? Mas estou fazendo isso de propósito para mostrar em uma roda de cores o que estou fazendo agora. Eu estou meio que brincando neste intervalo aqui. Eventualmente, quero chegar aqui com aquele casaco vermelho. À medida que construo a partir destes blocos em cores para isso, estarei simultaneamente a gerir estas vibrações de cor que deixo para trás. A outra coisa que pode ajudar apenas em termos de calibrar sua mentalidade para este tipo de uso de cor é tentar começar sem um desenho de linha. Em vez disso, descubra seu desenho ao mesmo tempo que você está descobrindo sua cor. Isso é definitivamente mais difícil de fazer. Portanto, esta pode ser uma dica de nível mais avançada, mas da minha experiência geral, você vai se encontrar muito mais livre com cores por algum motivo, quando você não está restrito a um desenho de linha, desenhos de linha podem inspirar um um pouco da mentalidade de preenchimento de cor, o que é totalmente bom. Mas neste capítulo em particular, o que queremos fazer é exercitar o oposto disso. Aqui estou deitado em alguns dos bordados dourados e folhos ao longo do casaco. E você percebe que meu seletor de cores está praticamente no meio do espectro de saturação. Eu me vejo fazendo isso muitas vezes como um tipo de abordagem tática porque se eu estiver no meio, eu tenho a escolha de ir mais saturado ou menos saturado. Então, se eu estou pensando no modelo número 2 para gerar essas vibrações de cor começando no meio em oposição a um lado extremo do espectro pode realmente ajudar. Então, até este ponto da pintura, eu estive olhando principalmente para a cor. Agora é hora de colocar esse valor essencial lá dentro, luz versus sombra. E junto com isso, certificar-me de que as minhas formas estão bem. Todas as coisas que compõem o resto dos fundamentos da pintura. É por isso que eu meio que abrandou recentemente para colocar em todos os pequenos pedaços de desenho que eu realmente não posso fazer rapidamente. Pequenos detalhes no traje e verificando proporções e perspectiva, sabendo que eu tenho a cor no meu bolso traseiro, tudo isso mais técnico pode acontecer agora. Então, se você olhar para o que eu estou fazendo no lado da luz bem aqui, esse casaco está lentamente mas seguramente se movendo para os vermelhos mais saturados que eu quero acabar com. Mas mesmo aqui, eu não estou escolhendo apenas um vermelho. Eu estou brincando usando o modal número um com alguns vermelhos mais quentes, alguns vermelhos mais frios, você sabe, Violet, coisas assim. Agora isso traz à tona algo muito importante. No Capítulo 2, falamos sobre como a fonte de luz influencia a temperatura da cor, como ela é o principal driver da temperatura da cor. Na verdade, as mudanças de cor que estou fazendo aqui, estão apenas parcialmente respondendo à luz. Estou permitindo que a luz dite alguma direção geral. Por exemplo, essa pessoa está sendo atingida pela luz solar, que significa que, o que significa que,em geral, os vermelhos na luz serão mais quentes do que os vermelhos na sombra. Mas mesmo dentro dessas duas categorias, eu ainda vou jogar com vermelhos quentes e frios na luz, e vermelhos quentes e frios na sombra. Pode parecer algo parecido com isso em uma roda de cores. Esses seriam os vermelhos e a luz. E esses seriam os vermelhos na sombra. Um pouco de sobreposição está tudo bem. Mas você também pode ver a direção geral da cor inspirada na fonte de luz, como no capítulo dois. E quando eu descrevo essas cores, eu realmente não deveria estar dizendo ler, deveria? Essas são as temperaturas de cor que contribuem para algo que lê como vermelho. Certo, algo interessante está prestes a acontecer aqui. Estou trabalhando para fazer a placa torácica ler como verde e olhar para o quão rápido isso está caindo no lugar. Quero dizer, o vídeo está acelerado, mas acontece rapidamente na vida real também. Enfim, a razão pela qual eu acho isso tão legal é que ele dá uma visão de como nossos olhos realmente percebem a cor. Você pode pensar que para algo parecer verde, ele precisa ser verde, mas esse não é o caso. Aqui estão algumas amostras do que parecia verde na pintura, olhando para eles isolados assim. Você provavelmente está pensando que isso não parece verde. Mas veja isso, mova-os para a pintura e magicamente ficam verdes. Certo, então qual é a explicação para isso? Bem, meu caminho do vermelho ao verde parece algo assim. Agora, eu realmente não tenho que chegar ao fim desse caminho só para que a cor fique verde. Eu poderia parar em algum lugar no meio, como em qualquer lugar aqui. E essa é a coisa. O olho lê a direção da cor. É mais movimento do que lê a própria cor. Então, uma vez que você começa a traçar alguns pontos ao longo desse caminho, o olho diz, Ei você começou aqui, tenho certeza que você está indo aqui, tirar uma carga, deixe-me fazer um pouco do trabalho para você. Agora, baseado na minha experiência de ensino e como estudante, eu sei que isso é contra-intuitivo para o que muitas pessoas pensam quando entram na pintura. A maioria dos alunos são muito rígidos com cor. Então entender e ficar bom na cor geralmente requer um pouco de mudança lateral em seu pensamento. E novamente, eu projetei toda essa classe para atingir os pontos altos, aqueles momentos aha que eu tive ao longo da minha jornada com cores. Então esta demonstração está boa. Ainda não é uma ilustração completamente acabada, mas demonstra um bom fluxo de trabalho para usar quando você quiser incorporar essas vibrações de cor, certo? Vamos passar para o Capítulo 5, onde discutiremos como diferentes paletas influenciam o humor do seu trabalho. 12. Paletas de cores comuns e estudo principal: Bem-vindos ao Capítulo 5. Então, com todas as informações que desbloqueamos até agora, agora podemos mergulhar nossos dedos em paletes coloridas. Paletes podem pavimentar o caminho para uma expressão verdadeiramente artística de cor neste capítulo vai ganhar uma visão sobre como as escolhas de cores podem afetar o humor de suas pinturas. Uma compreensão de paletes comuns, você pode usar uma e outra vez, algumas orientações sobre como estruturar suas cores dentro de uma determinada paleta. Você gostaria de usar um entendimento adicional sobre como as cores aparecem diferentes em diferentes contextos. E a ligação importante entre a escolha de uma palete com a configuração da iluminação do seu ambiente ou uma pintura. Eu acho que não há melhor maneira de ver o poder das paletas de cores do que olhando para a arte chave de cores, as teclas de cor são pinturas muito pequenas, muitas vezes renderizadas sem nenhum detalhe. Eles simplesmente existem para comunicar o humor geral da cena. E é isso que uma paleta de cores faz. Informa o humor. Agora ele não dita totalmente o modo. O modo é criado por vários fatores. Por exemplo, o assunto, a forma como você o acende, a forma como você o compõe e, claro, a paleta de cores também. Todas essas coisas contribuem para o humor geral. A paleta de cores está lá para, digamos, melhorar o humor quando todos os outros elementos estão no lugar. Por exemplo, sua estrutura de valor, sua composição, a paleta de cores pode realmente ser uma ferramenta poderosa para sugerir ao espectador como ele deve se sentir ao olhar para uma determinada pintura. Estas são duas chaves de cor de Paul, as mesmas para o filme “O Senhor dos Anéis”. E ambos usam uma paleta muito comum chamada paleta monocromática. Uma paleta monocromática é caracterizada simplesmente por todas as cores na pintura resultantes de uma única tonalidade. E como é apenas uma tonalidade única, é sempre óbvio em que cor se baseia uma paleta monocromática. Agora, deixe-me mostrar a vocês o que uma paleta monocromática não é se eu pegar uma dessas pinturas aqui, convertê-la em tons de cinza e, em seguida, adicionar um filtro de fotos em cima para trazer de volta alguma cor. Quer dizer, eu suponho que isso tecnicamente é monocromático, mas este não é um bom exemplo do que uma paleta monocromática pode fazer. Isto para mim é tons de cinza com uma tentativa desesperada de cor em cima. E isso é porque quando eu proveio as cores aqui, você percebe que todas parecem bloqueadas no mesmo nível de saturação. É como se houvesse uma parede invisível lá. A temperatura da cor não está mudando, o que significa que é uma escala de cinza glorificada. Se trouxermos de volta a pintura original lá no topo, podemos realmente ver essas mudanças de temperatura. E o que é realmente mágico em uma paleta monocromática é que é fácil dar a ilusão de que há outras cores na pintura. Por exemplo, as rochas nesta área parecem muito terrestres, Tony, não é? Quase como um umber cru ou algo assim, essas cores realmente são tão quentes. Mas se eu provar essa área e remover essa amostra da pintura, elas são realmente azuis, apenas um azul dessaturado, o que, como você se lembra de um exemplo de paleta complementar no Capítulo 1, significa que essa cor é movendo-se, neste caso, contra o azul mais saturado aqui. Esse azul menos saturado parece muito mais quente, mais quente porque está indo para cinza, que efetivamente significa que está indo para o lado quente da roda de cores. Nosso olho registra esse movimento e, portanto, lê como quente neste contexto. E é precisamente assim que você pode ter cores quentes e frias, mesmo que toda a sua paleta seja baseada em azul. Eu vou tentar isso sozinho onde eu faço a mesma cena, mas em vez de usar uma paleta monocromática azul, eu vou usar esta paleta monocromática vermelha. A primeira coisa que vou fazer é começar com um vermelho muito intenso. E agora, enquanto ajusto a temperatura da cor, veja o que estou fazendo com a saturação, diminuindo a direita, movendo-a em direção ao cinza, você pode começar a aumentar esse vermelho, essencialmente o mais cinza que você vai, o mais ele vai começar a parecer mais legal. Agora, a frieza máxima que posso obter com esta paleta é 100% cinza. Então o que eu gosto de fazer é reservar isso para um pouco mais tarde na pintura quando eu sei onde eu poderia querer usar isso, você sabe, é como se eu não quisesse jogar minha mão inteira ainda. Mantenha algumas cartas perto do baú, mas uma chave de cor é rápida. Estabeleci meu gradiente geral. O vermelho mais quente está no fundo. Então, à medida que formos para o primeiro plano, vai ficar mais frio e mais frio vermelho. Então eu estou confiante agora em diminuir essa saturação como estou fazendo aqui e bloqueando em alguns desses vermelhos realmente mais frios. E você pode ver onde eu estou no espectro de saturação, eu estou perto de cinza. Quero dizer, agora estou quase perfeitamente cinza. E você pode ver que aquele vermelho está parecendo azulado. Nunca ficará azul, só azulado. Ou novamente, a melhor maneira de dizer isso é que vai parecer que há aquecimentos e esfria. Não importa quais são as cores. A razão pela qual você usaria uma paleta monocromática é se você quiser usar o sabor emocional de uma cor. Agora, eu não adendo a nenhuma ciência em particular por trás disso, mas geralmente ler está associado a fogo, drama ou perigo. A chave que estou fazendo agora é certamente me sinto dramática. Mesmo que seja apenas um riacho balbuciante. Parece que algo está prestes a acontecer aqui. A cor parece apresentar algum tipo de evento futuro. Então, se você está contando uma história onde isso se encaixa na narrativa, então talvez uma paleta de cores vermelhas monocromáticas como esta seja exatamente o que você precisa. Talvez esta palete não funcionasse tão bem para uma abertura de Anne of Green Gables. Em uma nota técnica, uma coisa que notei com paletas monocromáticas é que a maior mudança de temperatura parece acontecer nos valores mais escuros. Como se você olhar para o primeiro plano, eu realmente tenho uma sensação de vermelhos quentes e frios naquelas sombras escuras em primeiro plano. Esses são valores escuros lá no fundo onde os valores da peça são muito mais leves. Ficar cinza lá com esses valores de luz definitivamente adiciona quente versus frio. Só de acordo com mim, não parece que ele acrescenta tanto quando os valores são mais leves, os vermelhos mais frios aqui parecem sair mais e os valores mais escuros. E da mesma forma, se esta fosse uma pintura azul monocromática, os azuis mais quentes sairiam mais nos azuis mais escuros. Agora, vou ser totalmente honesto. Eu não posso explicar por que isso é, é apenas algo que eu notei visualmente. E eu o encorajo a realizar alguns experimentos como este e ver se você chega às mesmas conclusões. O outro conselho que eu tenho quando pintar em uma paleta monocromática é garantir que você tem algum tipo de variação de temperatura em toda a imagem. Você pode ter um plano geral. Por exemplo, nesta peça, há mais variação de temperatura no primeiro plano versus o plano de fundo. No entanto, se você olhar para o fundo, você pode ver que eu ainda salpicei em apenas alguns daqueles vermelhos mais frios lá atrás. Isso só garante que a peça nunca fique estagnada. Ou seja, a cor pára de se mover. Você quase nunca quer isso. Aqui está o meu estudo de paleta monocromática vermelha. Esta tela foi mantida muito pequena a propósito, o que é par para o curso com teclas de cor. E é algo que eu realmente encorajei a deixar você se concentrar nos traços largos literais. Ok, o próximo pellet que queremos falar, se usarmos apenas uma cor lá para uma paleta monocromática, vamos expandir nossos horizontes e usar esgoto três cores. Agora, no Capítulo 1, olhamos para uma paleta complementar que usa duas cores opostas uma à outra na roda de cores. Desta vez, no entanto, vamos manter nossas cores ao lado um do outro. Isso é chamado de paleta análoga. Paleta análoga significa simplesmente que as cores usadas estão próximas umas das outras na roda de cores. Agora, as cores vizinhas que você escolhe podem estar em qualquer lugar na roda de cores. Eles podem fazer a transição de azuis, roxos ou vermelhos, dois amarelos. Mas eu recomendo mantê-lo em uma pequena fatia da roda de cores. Aqui está Norman Rockwell usando uma paleta análoga. O que eu amo nesta pintura é que Rockwell anuncia os dois extremos de sua paleta. Há este amarelo saturado para o céu e o vermelho saturado para a bandana tem todas as cores na pintura se encaixa dentro desses extremos. Agora, suas roupas parecem muito verdes, o que estaria além do amarelo. Mas ao experimentá-lo, é na verdade apenas uma laranja ligeiramente menos saturada. Esta é uma daquelas coisas que não é nada intuitiva. A identidade percebida de uma cor pode mudar dependendo do contexto em que está. E as paletes de que estamos falando são esse contexto, por exemplo, aqui atrás, aquele azul parecia quente. Lembra-se? Mas se eu trouxer esse azul para este quadro, está gelado. Isso é porque eu o removi de seu contexto. Então, sobre o tema dos contextos, eu quero mostrar a vocês algo que acontece especificamente com alta saturação. Eu tenho este muito alto saturado, amarelo brilhante. Eu só vou pintá-lo nesta tela aqui, certo? Algo acontece quando você tem uma cor saturada muito brilhante em sua tela. Para começar. Eu meio que sobrecarrego o amarelo imediatamente. Não consigo ficar mais amarelo do que isto, certo? Então, no segundo que eu recuar isso, mesmo um pouco mais cinza e eu coloquei isso em C, essa cor deve parecer amarela porque afinal ainda é bastante amarela, mas contra o que é completamente amarelo alto. Isto parece outra coisa. Isso quase parece esverdeado ou talvez maior do que realmente é, ou mais como uma cor umber ou terra, mesmo que seja um amarelo bastante saturado. Então, é como uma cor saturada brilhante distorce tanto as conversas de cores que amplia as mudanças de outras cores. Por exemplo, se eu mover este seletor de cores apenas ligeiramente para baixo em direção ao vermelho e dizer nota off um pouco. É uma laranja bem brilhante. Eu coloquei para baixo embora pareça rosada. Se eu mudar para algo verdadeiramente rosa como este aqui em cima, talvez a classificação até tenha feito mais. Olha para isto, parece roxo. E a razão disso acontecer é porque estamos comparando com aquele amarelo super barulhento. Então, novamente, isso é para mostrar o impacto do contexto com isso em mente, vamos começar o próximo exercício. Porque o objetivo do nosso estudo é capturar cores rapidamente. Eu não me importo de começar rastreando o desenho e eu só tenho Photoshop fazer isso por mim. Vou duplicar a camada, ir até Filtrar, Estilizar, encontrar bordas e o Photoshop me dá um desenho de linha. E aqui o que eu vou fazer é controlar um, controlar C, abrir uma nova tela, colado lá e redimensionar essa tela. Isso é muito grande para uma chave de cor ou um estudo piloto. É trazê-lo para 700 pixels de altura. Tudo bem, e agora o que eu posso fazer é apenas D saturar essas cores porque eu não preciso que elas sejam azuis ou qualquer coisa, e mudar a camada para multiplicar. E agora numa camada por baixo, posso começar a pintar. E, claro, com a referência, eu vou me livrar do meu desenho de linha e apenas colocá-lo ao lado do meu escritório. Ok, então minha janela Camada está fora da tela porque eu só vou estar pintando em uma camada. A primeira coisa que vou fazer é bloquear aquele amarelo brilhante extremamente saturado, que irá fornecer esse contexto como vimos para todas as outras cores se relacionarem. Há um pouco de uma transição laranja brilhante aqui para agora quando as cores são vizinhas assim, você pode realmente ser generoso em manter a saturação. Não há necessidade de ligá-los através de cinza. Eles estão ligados através deles sendo vizinhos na roda de cores. Então eu não vou nem pensar em saturação, apenas manter a mesma saturação e colocar essa coisa alaranjada aqui. Talvez um pouco mais vermelho à medida que vamos. Estou ciente de que posso ir até o fim. Então este vermelho aqui, minhas gamas. Limitado a cerca disso nesta paleta análoga. By the way, quando você faz essa coisa Localizar bordas, Photoshop lhe dá esse tipo irritante de ruído para a pintura, para o desenho de linhas. Então, às vezes eu pulo para a janela Camadas, empurro Control L para níveis e apenas meio que me livro de um pouco disso. Você não precisa de fidelidade no desenho de linhas, certo? Posso perder muita informação. Isso não importa. Estarei pintando sobre ele de qualquer maneira. Então, algo assim, voltarei ao fundo e continuarei trabalhando. Certo, então o que queremos fazer aqui? Mas lembrar que os valores são realmente uma grande parte da pintura. Preciso entrar em algumas coisas básicas da silhueta. E acho que uma óbvia seria essa rocha gigante. Agora, olhando para isso e estou sendo honesto com você aqui, eu não sei de que cor é essa. Eu tenho que descobrir. Tenho certeza que não vai ser no extremo amarelo, provavelmente vai estar em algum lugar no meio e provavelmente, obviamente mais escuro e algo talvez um pouco mais dessaturado pode ser algo lá. E novamente, essa cor está bastante saturada com a qual estou pintando, mas parece bastante dessaturada ao lado daqueles amarelos e vermelhos muito saturados. Preciso começar a relacionar essas cores. Lembre-se da coisa toda sobre contexto. Neste momento, eu mal tenho nenhum contexto para trabalhar. Estou construindo como eu vou e então eu posso começar a avaliar. Então, por exemplo, contra isso, agora talvez eu possa tentar obter seus tons de pele, que para mim parecem possivelmente um pouco mais no lado laranja e obviamente mais leves, talvez um pouco menos saturados, talvez algo assim. Note que são dois rosados. Devia ter esperado isso com uma demonstração que te mostrei há um minuto. Quanto mais experiência você tiver com cores, mais você poderá prever a aparência de certas cores. Mas é impossível ter um catálogo mental de todas as relações de cor. Há milhões de possibilidades, certo? A coisa que você quer ser capaz de fazer é ajustar para mim que é dois rosado que é notado. Posso fazer isso mais tarde, mas quero me afastar da rosa. Então eu vou voltar para o amarelo, talvez adicionar um pouco de saturação e talvez algo assim seja melhor. Acho que está mais perto e provavelmente posso começar aqui. E, a propósito, eu não sinto a necessidade de desenhar as mãos ou desenhar os braços corretos ou algo assim. Está um pouco mais escuro com isto. E traga as silhuetas aqui. Agora o tom de carne contra o céu parece muito cinza, mesmo que não seja cinza. Só está lá. Veja como fica ótimo na pintura. Então eu vou fazer um pouco de arcos vermelhos. Eu vejo isso lá. Rhetor na pintura saturado disso, algo assim. E depois que eu tiver isso, talvez eu possa polvilhar isso nos tons de carne existentes aqui e chegar um pouco mais perto da pintura Rockwell. Mas o mais importante, estou começando a harmonizar essas cores porque estou adicionando uma cor tipo de aparecer nas áreas circundantes. Paletas análogas são limitadas paletas em geral são muito boas para isso porque você só tem algumas cores para escolher. Então, inevitavelmente, você estará compartilhando cores em toda a pintura que cria harmonia de cores. Então, quanto mais perto a laranja menos saturada, como eu estabeleci, isso é um pouco claro demais, então vamos um pouco mais escuro, até um pouco mais escuro do que isso. E é incrível como isso parece verde. Eu posso testar isso como quais são os parâmetros deste verde como como faria se eu torná-lo mais avermelhado? Isso ainda parece verde? Sei que começa a parecer vermelho. Então desfaça isso. Volte para onde eu estava. Como é que se eu empurrar mais amarelo, como é que isso se parece? Parece ainda mais verde. Olhe para isso. Um amarelo ligeiramente menos saturado parece verde, o que faz sentido porque o amarelo está mais próximo do verde do que as laranjas. Eu também poderia, você sabe, eu tenho meus dois verdes diferentes aqui. Sempre posso provar este. Pressione levemente no meu tablet e experimente o resultado. Desse modo eu estou meio que misturando cores na tela. Assim como um pintor de óleo pode misturar cores na sua paleta. Eu uso o botão desfazer quando eu pinto, mas eu muito raramente estou ligado a ele como eu só desfazer se eu não gosto da forma que eu estou fazendo. Raramente desfaço se não gosto de uma escolha de cor. Na verdade, eu quase encorajo cores para ser citação unaspas errado, porque então você pode simplesmente pintar sobre eles. E quando você pinta sobre cores, você cria todos esses contextos interessantes e inesperados com ele. Tudo bem, então eu acelerei o vídeo um pouco aqui, e estou preenchendo todas as cores que vão lá. Não estou escolhendo cores novas. Estou apenas experimentando as decisões sobre roupas que eu já cheguei. Colocando lá. Se um valor parece precisar de escurecimento, eu vou escurecê-lo sem realmente pensar muito sobre a mudança de cor. Este valor aqui na sua roupa, precisava de um pouco de iluminação. A silhueta da rocha. Lê mais claro sobre a rocha mais escura. Então aumentei um pouco o valor. Seu cabelo obviamente fica mais escuro, e eu estou adicionando um pouco vermelho ao cabelo para torná-lo mais acastanhado. Saber que eu tenho um pouco mais de uma leitura extrema para ir para a bandana, que eu estou fazendo aqui mesmo. Então eu estou basicamente agora eu coloquei em dois extremos, minha paleta análoga, que é algo que eu recomendo quando você tem uma paleta análoga e você sabe quais são seus dois extremos, que você deve ter uma idéia de entrar nela. Tente colocar esses extremos na tela o mais rápido possível. Além dos extremos, tente obter algumas cores intermediárias como suas roupas e a rocha lá. Dessa forma, você começa a estabelecer uma ideia visual do que seu contexto de cor está fazendo. Você sabe, o que lê sua carne neste contexto, o que lê como roupas verdes escuras, o que lê seu cabelo, etc Agora, neste ponto da pintura, eu vou simplesmente excluir completamente o desenho da linha, apenas me livrar dele. Você não precisa ser literal com isso, e eu vou continuar trabalhando a partir daqui. Por exemplo, essa rocha precisa ser mais escura. Então, em vez de carne como mexer por aí, escolher uma cor e experimentar, eu vou fazer algo assim. Eu tenho um pincel aqui que está definido para o modo multiplicar. Este pincel vem com o meu pacote de pincéis incluído neste curso, mas é apenas um pincel redondo padrão regular com qual borda está ativada, configurado para o modo de multiplicação. A rocha parece mais vermelha, então arraste-a até o vermelho. E este é um pincel de multiplicação. Vou escolher uma cor mais clara. E eu vou colocar este pincel para trabalhar. Talvez um pouco mais escuro do que isso e escurecer esta rocha em direção a ler. Eu nem me importo com a cor resultante. Só estou avaliando visualmente. dizer, não me importa que pixel seja. Estou olhando visualmente. Precisa ser ainda mais escuro aqui, onde os aviões da rocha caem abaixo. Então vou bloquear isso. E eu não me importo mais com desenho exato, mas eu certamente não vou tentar copiar todos os pequenos cantos e recantos desta face de rocha. Isso não importa. Isso importaria se eu estivesse fazendo uma pintura final de verdade, mas não em um estudo de paleta de cores, você percebe que eu nem tenho o cachorro bloqueado ainda, mas ele vai ficar claro sobre as coisas escuras aqui. Então estabelecer essas trevas servirá a dois propósitos. Eu também poderia com o meu mesmo pincel multiplicar talvez ir até um amarelo e esmalte um pouco desta cor na rocha. Sei que funcionará no contexto porque estou dentro da minha paleta análoga. Novamente, essa é a parte agradável sobre paletas limitadas. É menos chance para você estragar tudo porque você só tem tantas escolhas. A harmonia de cores é geralmente estabelecida quando você tem tons semelhantes que aparecem em diferentes saturações ao longo da pintura. Então trabalhar com uma paleta limitada, como esta paleta análoga aqui, será mais fácil para você porque os matizes já estão predeterminados. É muito mais fácil tê-los harmonizados quando você está apenas lidando com alguns. E isto é tudo apenas com o meu pincel multiplicado. Notei os valores mais sombrios lá. Posso experimentar com vermelhos mais escuros. Talvez eu vá até o meu vermelho extremo aqui e comece a acrescentar que como um escuro talvez como debaixo do rosto dele o chapéu pode ficar um pouco mais escuro. A coisa boa sobre o pincel de multiplicação é que ele mantém a integridade da cor que você já tem lá. Então você sabe, eu poderia colocar todo o quadro um pouco mais vermelho assim e olhar, ele funciona. É só um pouco mais vermelho, mas dentro dos mesmos relacionamentos que eu já estabeleci. Então eu gosto de pintar no modo multiplicar. Isso é, sem dúvida, influenciado pelo meu treinamento em aquarela. Se algum de vocês já usou aquarela, você sabe, é basicamente como pintar em uma camada multiplicada em digital. Ou seja, as cores que você coloca tornam o papel constantemente mais escuro. E eles tendiam para uma cor. Então, por meio de adicionar essas cores diferentes pelo modo de multiplicação, eu também estou expandindo minha paleta meio para preencher os extremos que eu já estabeleci, seus exércitos ficam mais escuros aqui, eu vou apenas ficar em multiplicar modo e apenas uma espécie de obter isso em pequena sombra sob o chapéu. Talvez recuar o vermelho, arranjar um intermediário, laranja. Estão no meio dos meus dois extremos e escuros e no peito dele debaixo da manga. E o que é tão importante aqui, o que eu quero enfatizar é que eu não sou especial sobre a cor que eu estou escolhendo. Não tanto quanto estou obcecado por avaliar visualmente como fica na pintura. Eu acho que muitos pintores digitais são apanhados no fato de que você pode escolher cada cor individual. E eu sei pela minha própria experiência de ensino, eu recebo muitas perguntas de alunos dizendo como, como você sabe que cor escolher? E embora seja uma pergunta justa, encorajo-te a reformulá-la aqui. Você está sempre mais interessado em contextos. Portanto, aprender sobre essas paletes lhe dará um bom ponto de partida sobre quais contextos você pode estar trabalhando. Definindo seus dois extremos de cor neste caso, e trabalhando dentro deles. Fizemos a mesma coisa com a paleta complementar do Capítulo 1. Tínhamos nossos extremos em mente. Nesse caso, eles eram opostos na roda de cores e nós trabalhamos dentro deles preenchendo os espaços em branco. Isto não é diferente. É que meus extremos são diferentes. Então deixe-me fazer uma pausa rápida da pintura e expandir isso. Quando estávamos trabalhando em nossa paleta complementar, diga isso versus aquilo, tivemos esses dois extremos e preenchemos os espaços em branco. Mas nesse caso, os espaços em branco não eram todos esses tons. O branco estava passando pelo cinza e voltando para roxo, certo? Esse foi o preenchimento do espaço em branco nesta pintura. É mais uma coisa de matiz preenchendo os Hughes daqui até aqui. Agora, até agora não temos sido muito aventureiros com cinza e até mesmo a pintura Rockwell, não há muitos super pastagem lá, mas cuidado com o que podemos fazer. Digamos que eu estou olhando para essa pedra e eu sou como, sim, é, ele está lendo geral marrom, eu quero que a cor se mova mais. Bem, desde que eu esteja em meus tons aqui, eu sempre posso cinzentar isso fora e tratá-lo como a paleta monocromática onde eu só vou pegar um pincel e eu posso colocar este muito mais frio, vermelho alaranjado, qualquer que seja a cor que seja. E, sabe, começa a parecer azulado. Agora, a pintura de Rockwell realmente não tem isso. Bem, meio que faz, mas é mais escuro. É meio que tem esses pequenos quase legais ou passagens aqui. E então eu posso começar a encontrar agora usando cinza dentro de minhas cores análogas. Então isso é como se a paleta monocromática fosse expandida porque eu tenho mais tons para acessar. Mas dentro de qualquer um desses tons, tenho todo o direito de ir para estes cinzentos e ver o que eles podem fazer por mim que podem fazer isso com qualquer coisa que eu possa escolher a roupa, certo? Diga que está bem, está lá. Vamos ver o que acontece se eu realmente grande nós fora e, portanto, refrigerante. E olha para isso. Parece que há uma luz azul do céu brilhando. Não está na pintura de Rockwell. Ele se impediu de usar isso. Mas antes de tudo, isso funciona porque está no contexto. Está dentro da minha paleta. E eu poderia querer usá-lo e sentir-me livre quando você está fazendo esses estudos de cor chave, a propósito, para experimentar além do que o original estava fazendo. Rockwell é um pintor fantástico, mas ele é, estas são apenas as escolhas que ele fez nesta pintura. Isso não quer dizer que você não pode experimentar outras opções potenciais. Na verdade, é encorajado que você faça porque então você pode entender não só o que Rockwell está fazendo aqui ou o artista que você está estudando, mas também o que mais pode ter sido possível para essa peça. Eu realmente amo cavar os esboços de artistas, seus estudos para pinturas, porque muitas vezes eles exploram diferentes opções para paletas de cores. Isso é um grande artista gosta de explorar é diferentes opções para paletas de cores. E sim, muitas vezes você vê tratamentos totalmente diferentes para pinturas. Então bem aqui, como a borda de sua cabeça como esta pequena rosa, tom de pêssego sobre ele e ver se eu posso achar que é um refrigerador vermelho mais frio porque ele está indo em direção ao cinza. E você pode começar a bater em aviões de topo, você sabe, talvez aviões virados para cima com este frio vermelho enquanto eu estou aqui. Pergunto-me como fica na carne que é muito escuro se eu a iluminar. Isto é interessante. Começando a se desviar um pouco do original, o que está tudo bem novamente, mas vamos talvez mantê-lo um pouco mais honesto neste caso apenas para fins de demonstração, mas novamente, totalmente incentivado a ir além para tentar algo diferente do o que o artista está fazendo, talvez inspirado pelos artistas. Você sabe, o plano da mão gira lá. Você pode realmente ver que esta pintura está se unindo. Se eu quisesse colocar um pouco de textura nesta rocha, eu poderia ficar como um pincel pontilhado e apenas uma espécie de dispersão em alguma textura e então ter que me inspirar a loops, não consigo obter essa cor. Estou tão acostumado a pintar com cédulas completas que vou automaticamente para o oposto. Mas agora vamos restringi-la de volta aqui. Aquela rocha que uma vez foi talvez para Brown está começando a ter uma boa variedade para ela. E, claro, para evitar que eu faça muita variedade, eu posso me trazer de volta para aquelas laranjas vermelhas mais quentes e apenas construir esse backends de cor. Então cor que você está sempre, é sempre como um empurrar e puxar tipo de jogo. Empurre ao redor, puxe ao redor, você sabe, introduzir alguns cinzentos, trazer de volta alguns aquecimentos, introduzir alguns mais resfriados, e apenas continuar empurrando e puxando até que você tenha uma boa declaração. E com isso quero dizer alguma variedade agradável para ele, alguma variedade talvez inesperada. Aqui é onde o céu está caindo e apenas atingindo esses pequenos planos superiores da rocha. E este é um bom exercício em variedades de marca e forma e apenas tentando fazer marcas não repetitivas aqui que bons artistas são tão bons. Mas isso é uma coisa de design. Esta aula não é realmente sobre design. É sobre design de cores, eu suponho, mas não necessariamente como design composicional. Esse é um assunto totalmente diferente. A arte tem tantos subtópicos que todos eles se conectam através dos mesmos princípios. Mas eles merecem ser estudados separadamente. É por isso que tento isolar minhas aulas e lidar com o fundamental separadamente. Os destaques podem ser qualquer coisa nos amarelos realmente porque é um destaque é um reflexo da fonte de luz. Então o pequeno destaque em seu joelho está refletindo a fonte de luz, que é o céu amarelo. Acho que é importante notar aqui que não há luz direta sobre esses personagens. Em essência, não há nenhuma luz valentão aqui. Há apenas esta luz ambiente suave descendo do céu. E porque o céu é tão amarelo e laranja, isso explica a utilidade desta paleta. Se o céu é a fonte de luz e esse cara é amarelo brilhante, laranja, poderia muito bem fazer todas as outras cores na pintura vizinhos disso. Agora, em termos de humor que estamos saindo dessa, isso é muito abstrato e eu não quero estar aqui dizendo como “Oh, amarelos é igual a felicidade e infância e vermelhos são iguais a Fogo e Fúria. Mesmo que eu tenha sugerido que antes, vermelho é muito comum também, que nos associamos a certos humores, mas nem todas as cores têm isso, sabe, quando estou pintando a última coisa em que estou pensando é como, que humor uma determinada cor está associada. Eu só tento sentir isso sozinho. Como sentir em seus ossos. É uma daquelas coisas artísticas, foxy que não é realmente quantificável. Como uma vez tive um cliente, eu estava fazendo uma pintura de fundo para ou para algum show animado. E eu pintei as paredes como este verde limão silenciado, o que parecia bom para mim. Mas o cliente voltou e disse que a cor era deprimente. Essa era a palavra que ele usou era deprimente. E eu percebi, então isso é de volta em 2004, um dos meus primeiros empregos e percebi em mim, então, oh, você sabe, as pessoas terão suas próprias associações pessoais com cores. Talvez não sejam os mesmos que eu tenho. E isso é verdade com qualquer cor no espectro. Então eu acho que é útil ao pintar para dar a si mesmo tantas opções quanto você estiver explorando essas teclas de cor. Ou seja, faça um assim com uma paleta análoga de amarelos, dois vermelhos. Tente a mesma coisa onde ele é lançado, como talvez você vá de laranja até a introdução de verde aqui. Talvez tente um aqui onde é como azul para turquesa ou algo assim. E nós definitivamente vamos jogar com isso por vir neste capítulo. A mesma cena em duas chaves diferentes. Vamos tentar isso como outro exercício. Quanto a agora, porém, esta pintura parece boa, estamos quase terminando o estudo. Na verdade, posso acelerar, o que acabei de começar a fazer. E eu vou falar sobre o que está acontecendo nos quatro minutos restantes disso. A primeira coisa que quero salientar é não sentir a necessidade de renderizar rostos ou algo assim. Qualquer coisa detalhada, como mãos, rostos ou pêlos de cachorro. Ignore tudo isso, bloqueie como grandes aviões, grandes blocos. Você percebe o personagem principal lá. Parece que ele tem um rosto achatado. Vou colocar uma sugestão de alguns aviões da cabeça lá dentro, mas nada demais. Você tenta capturar perspectiva, eu acho que aqui vem o cão, a propósito, vamos ver como simplesmente isso vai ser pintado. Estou quase a tentar captar o contraste daquele cão. Luz sobre a escuridão. O cão é luz sobre a rocha escura. E o garoto que está segurando o cachorro tem um pouco de carne de cor clara sobre a rocha escura. E se parece algo remotamente com um cão, tudo bem. Não precisa ser totalmente processado. Essa é a razão pela qual a tela é tão pequena. Ele realmente não me deixa entrar lá e renderizar completamente as coisas. Aqui. Eu só estou tentando encontrar alguns talvez alguns outros acentos coloridos. Quando digo sotaques, quero dizer, quais são as cores mais saturadas? Começamos com o amarelo, e eu já falei sobre como o vermelho é igualmente saturado. Esses são seus dois extremos. Mas há algumas outras áreas da pintura que têm algumas, você sabe, algumas laranjas olham para as correias em suas bolsas são algumas laranjas que meio que aparecem um pouco e apenas pequenas coisas aqui e ali que se você lhes der aquele pouco empurrar e saturação, eles vão aparecer apenas um pouco e você tentar e usar isso com moderação. Mas está lá. Estou apenas olhando para a pedra no estúdio aqui, e eu estou realmente gostando de quantos pequenos turnos há lá dentro. E eu nunca senti como se estivesse pegando isso. Eu apenas empurrei e puxei, como eu estava mencionando antes, ao longo de vários passes diferentes. Não tentei cobrir a pedra de uma só passagem. No início, só estava coberto. Estava coberto com uma cor genérica. Mas depois ao longo do estudo, eu escolheria isso. Adicionar um pouco de cinza é trazer de volta alguns vermelhos e laranjas e escurecê-lo para baixo, seja lá o que for. E neste ponto, agora que eu passei por cima, diga que a rocha umas quatro ou cinco vezes, na verdade não tem uma boa declaração de variedade para ela. Há algo nele que parece agradável e honestamente eu giz muito disso para acidentes felizes, coisas que eu descobri ao pintar esta cena. Não importa o quanto sobre cor, você sabe, você sempre será capaz de se surpreender com a aparência de uma cor no contexto de sua paleta em que você está trabalhando. Eu tenho feito cor desde profissionalmente, desde 2 mil para o meu primeiro trabalho foi um pintor de fundo em 2000 por quase 20 anos depois, eu ainda estou surpreso que como algumas cores olhar para cima contra outras cores que nunca termina. O que é emocionante. Isso me prova que escolhi o caminho certo para a carreira, porque sempre sinto que há uma surpresa esperando para ser feita. Agora, apesar de toda essa conversa de acidente feliz, você tem que se configurar dentro de um quadro para seus acidentes felizes fazerem sentido. E é aí que as paletes entram quando você tem as restrições, você sabe, as restrições que as paletas impõem, isso é o que as paletes limitam você. Dentro disso cercado no quadro, você é mais provável que fique dentro de uma estrutura e é isso que faz as coisas funcionarem, é a estrutura. É por isso que geralmente você nunca vê avanços artísticos como um desenho de criança porque não há estrutura. Eles também vão ter uma garotinha. Eu acho que a arte infantil é bonita por razões diferentes, mas a estrutura definitivamente não é uma delas. E se seu objetivo é ser um artista profissional na indústria do entretenimento, você sabe, filmes, livros, jogos, etc. Realmente tudo o que você faz se resume a estrutura. Pode ser desenho de gestos, anatomia, perspectiva, design de ambiente ou paletas de cores como aqui, há uma estrutura por trás de cada disciplina artística e tudo bem, aqui está o resultado da nossa paleta análoga. É uma bela foto. E pense que agora você tem uma paleta que você pode experimentar em qualquer imagem que você faz. Tudo bem, agora que temos uma idéia de como operar dentro de paletas limitadas, vamos dar uma olhada em algumas outras paletas comuns limitadas e então olhar para pinturas que as usam de forma muito eficaz. Claro, vamos começar olhando para a roda de cores completa e cada uma das seguintes paletas vai limitar esta roda de cores de maneiras diferentes. Talvez devêssemos começar com mais alguns exemplos de paletas análogas. Aqui está outra paleta análoga de Paula. O mesmo. Agora este obviamente usa um conjunto diferente de cores. Ele vai de um pouco quente como amarelos para os verdes médios frescos. E o que eu gosto sobre isso, parece ter uma hierarquia como a luz é atribuída aos amarelos mais quentes e as sombras como o que está na frente é atribuído aos verdes mais frios. Então Paula são alcançou um sistema muito lógico de quente para esfriar. Outro aqui por Paul está dizendo que usa esta gama da roda de cores. E é claro que ele está representando um lugar literalmente frio. Então só faz sentido usar cores que consideramos realmente frias, certo? Escolha muito lógica. Outro por dados para me processar. Este usa uma gama maior da roda de cores, mas todas as cores ainda são análogas. Eles ainda são vizinhos. Vamos voltar à boa e velha paleta complementar e dar uma olhada em alguns exemplos disso. Agora, o desafio com uma paleta complementar é que, de repente, estamos lidando com dois espectro opostos da roda de cores. Então o que isso significa é que o perigo é que podemos ficar excessivamente excitados com ambas as extremidades opostas e tipo de empurrar ambos ao extremo. Normalmente você não quer fazer isso. Normalmente, o que você quer fazer é escolher uma cor dominante. Como por exemplo, talvez seja a cor da luz, permita que fique saturado. E então, na sombra, você está usando o complemento, mas você está usando como uma versão cinza dele ou exatamente o oposto. Você está usando a versão saturada da cor na sombra e uma versão mais baixa à luz. Esta chave de cor por Bill cone é um excelente exemplo. Está usando o lado turquesa do azul e, em seguida, o oposto direto do que, que é o vermelho que está na extremidade quente do espectro. E vocês notarão que o azul é a cor que cone de pico permitiu ficar muito saturado. E então, pelo contrário, ele não precisa usar tanto de seu vermelho. Ele pode manter esses vermelhos bastante nivelados para baixo, mas eles ainda lêem como tão quente porque ainda há um fosso extremo entre essas duas cores. Este por Paul o mesmo usa um clássico emparelhamento de complementários, que são os amarelos laranjados e os azuis púrpuros. Este é um tipo de clássico porque o sol da manhã é categoricamente essa cor e, portanto, as sombras são categoricamente este azul puramente. Então, usando isso como quase uma maneira de garantir que suas temperaturas de cor vão se alinhar com a aparência da vida real. E neste, semelhante ao do cone de pico, as sombras que estão sendo favorecidas nos roxos estão ficando mais saturadas do que as laranjas. E alcança uma espécie de equilíbrio dessa forma. Este de Dominique Louis é a mesma paleta é o pico pintando azul-turquesa pitting contra os vermelhos decrescentes. E estou mostrando isso a vocês para apontar que o assunto é completamente diferente, mas isso nem importa. Você pode aplicar essas paletas a literalmente qualquer coisa. Aqui está uma com a mesma bala de novo, esta do pessoal do Nathan para o Shrek. Claro, estamos aqui à noite e a noite e o filme são classicamente renderizados com um tipo de azul turquesa profundo. E então você percebe para a luz, é o lado oposto da roda de cores. Ele está usando essa cor vermelha e realmente alcança o objetivo de fazer com que essas cores quentes realmente se sintam bastante quentes e convidativas e acolhedoras como eles aparecem contra aqueles azuis mais frios. Você vai notar que ambos os lados do espectro estão igualmente saturados. Mas você também vai notar que para compensar isso, pessoal do Nathan tem sido muito seletivo com onde ele coloca o vermelho. São apenas alguns pontos na pintura. A paleta complementar dividida é como a paleta complementar com mais uma camada. Primeiro, você escolhe sua cor dominante, mas em vez de tomar o elogio direto como sua cor secundária, você divide e usa os dois vizinhos em vez disso. E a configuração que estou mostrando aqui é ideal para renderizar cenas iluminadas pelo sol. Esta é uma paleta complementar dividida. Observe que as cores iluminadas pelo sol são todas homogeneizadas com essa cor quente. E então, pelo contrário, as sombras são divididas em duas no meio do chão e algumas do primeiro plano temos uma influência mais púrpura na sombra, e então no fundo temos uma turquesa mais influenciada nas sombras. Agora mencionei que esta paleta é útil porque imita como a vida real funciona. Você pode ver nesta foto do Grand Canyon, é totalmente verdade que as sombras e o primeiro plano são mais influenciados pelo lado roxo do azul. Então, no fundo, desaparece para mais do azul turquesa. Esta pintura de Edgar Dor também é uma paleta complementar dividida, mas é invertida. Há duas cores na luz e apenas uma na sombra. Ele tem um calor amarelado para as partes mais brilhantes da luz. E então, onde a pedra se transforma em meio tom, ele escurece e fica um pouco mais vermelho. Sombras também são interessantes. Não é só aquele azul, onde fica azul, é apenas aquele azul. Mas vocês notarão que há muita luz refletida nessas sombras e é uma luz refletida muito quente. E essas luzes refletidas são derivadas de cinzas que poderiam ser obtidas a partir desses três. Então, há uma sinfonia inteira de cinzas 13. Duas pinturas, dois de dois moods e a paleta: A primeira coisa que vou começar a fazer é colocar as cores que eu disse que ia usar nesta pintura, uma espécie de mistura, uma grande confusão delas, mantendo-as bastante leves. Porque esta pintura, quero que esta pintura se sinta bastante leve. Então, pode muito bem começar por aí. E então aqui eu estou apenas desbastando em um desenho. Eu poderia ter feito o meu Photoshop encontrar bordas coisa, mas apenas por uma questão de mudança, aqui está um desenho de mão real e não é bonito, mas ele vai fazer o trabalho para um bloqueio de chave de cor no fundo aqui. E como você pode ver, eu já estou recebendo essa cor balançando. Nós falamos sobre ainda pensar valor primeiro e que fundo ser um pouco mais escuro vai ajudar esses personagens a ler. A luz no escuro pode mudar isso mais tarde. Posso cortá-la obtendo luzes mais claras do que o fundo e sombras mais escuras, mas veremos onde vai. Bloqueando as coisas. Escolho as coisas fáceis primeiro, escolho uma árvore escura. Sotaque escuro para o túnel está recebendo alguns valores que vão me ajudar a medir o que está no meio. Você sabe, por exemplo, o que eu vou fazer agora é bloquear a luz do personagem, do personagem monstro. E esta é a luz mais leve da pintura. Então eu sei que desde que seja muito leve, provável que eu acerte. Então, de lá, eu posso avaliar o quão escuro eu quero as sombras. Agora, uma das maneiras de fazer uma pintura parecer muito luminosa e brilhante é elevar o valor de suas sombras. E há um nome para isso. Chama-se “high key”. E a chave não se refere à cor, refere-se ao valor assim como você pode definir uma chave e uma cor. E na música você pode definir uma chave e valor 2. Assim, uma chave de alto valor contribui para sombras mais claras e também luzes mais claras. Então, de qualquer maneira, que você pode ver o personagem monstro, mesmo que ele esteja na maior parte na sombra. Essa sombra é muito, muito brilhante e leve em valor. E então as luzes ou mesmo mais tarde, é claro, meio que se aproximando de superexposição, apenas ainda um pouco mais controlado do que isso. Não vou soprar para o branco. Eu ainda estou mantendo aquele amarelo limão lá. E aquele amarelo limão vem do valentão, que é o sol. E eu coloquei esse sol de amarelo limão. Então, qualquer coisa que seja o sol bater, não me importa qual é o material, vai ser aquele amarelo limão. É por isso que é a cor dominante na cena ou uma delas, porque é da fonte de luz principal. Então valor sábio, eu estou usando o fundo como um tipo de valor médio escuro. Assim, com a ponte e o monstro lá, as luzes serão mais claras que o fundo e suas escuras serão mais escuras que o fundo. Divide-o. Mas voltando para toda a idéia de paletes de cores, você pode ver que eu tenho as luzes amarelas dominantes que eu já falei, e eu também tenho aquele fundo azul lá dentro. Ambas as cores são muito igualmente saturadas e sim, elas se destacam como as duas cores dominantes na cena. Há vermelhos lá, como você pode ver, não falando sobre a linha desenhando vermelho. Estou falando sobre a ponte ser vermelha acinzentada, mas essa é a questão. Eles são mantidos nos cinzentos. No que diz respeito aos roxos, não há muitos deles lá ainda, embora eles provavelmente vão entrar como eu começar a adicionar mais cor à ponte como eu estou começando a fazer agora. Vamos ver como isso se forma. Mas se estiver tudo bem, se aquele roxo acabar sendo cinza moderado, tudo bem. Quero dizer, eu já tenho mais três cores. Isso é mais do que suficiente. Agora, há um pouco de cor extra sorrateira nesta cena, claro, o verde, aquele monstro é verde brilhante. Então, como estou tratando isso? O que eu não quero fazer é introduzir outra cor dominante, mas, felizmente, eu não preciso. Aqui está minha paleta de novo. A cor verde, é claro, fica bem no meio entre o amarelo e o azul. O que isso me permite fazer é ar no lado amarelo do verde para as luzes. Você pode me ver fazendo isso com esses amarelos de limão no lado da luz dos monstros e, em seguida, ar no lado azul do verde para as sombras. E se eu quiser entrar naquele verde intermediário, aquele verde puro que você vê na minha paleta. Posso fazer isso um pouco. Há alguns desses verdes sobre os monstros meio parques dianteiros inferiores e um pouco na grama. Mas mesmo essa grama, se você olhar para a pintura original lá, as sombras da grama ou verdes azulados e as luzes da grama ou verduras amareladas. Então eu ainda sinto que a pintura é guiada por essas quatro cores. Para cores, no entanto, ainda é um pouco. Quero dizer, há cores de todos os quatro cantos da roda de cores. E o que você tem que fazer para gerenciar isso, é claro, é garantir que todas essas cores apareçam, não apenas em seus pontos saturados. Então eu já falei sobre, você sabe, vários graus de saturação, mas eles também precisam aparecer em suas formas cinzentas. Isso é o que harmoniza a cor, são as cores em sua pintura aparecendo em cinza. E onde eu acho que todos esses cinza se reúnem nesta pintura é aquela ponte, que faz sentido porque a ponte ocupa novamente como dois terços da imagem. Então, para mim, é aí que as cores devem se unir. Você não precisa necessariamente pastar de todas as cores em todos os lugares. Isso pode começar a parecer um pouco desesperado, mas certifique-se de que eles apareçam em grandes partes da imagem. Esse é o meu conselho geral para alcançar a harmonia de cores. Certificar-se de que esses cinzentos aparecem em partes da imagem que são, digamos, abundantes o suficiente para ser perceptível, não tem que estar em todos os lugares, apenas lugares suficientes. Então agora estou colocando alguns vermelhos um pouco mais saturados na pintura. Nada muito saturado, porém, nada que distrai do, aqueles amarelos e azuis. Mas alguns vermelhos que eu sinto que poderiam ficar um pouco mais saturados, aparecendo contra as versões cinzentas do vermelho que já existem na pintura. Há um monte de vermelhos cinzentos e acinzentados naquela ponte, menos na grama e nas árvores. Então vamos brincar um pouco com isso e ter algumas notas de vermelho saturado. Mas novamente, nada que realmente distraia do amarelo e do azul espero. Então, apenas um pouco de pontapear por aí. E aqui eu só tenho um pincel de esquiva linear ou um pincel de brilho e colocando em mais luz. E então, assim como eu fiz com aqueles vermelhos no segundo atrás, eu vou pegar aqueles verdes azulados e pimentá-los em porções ligeiramente mais saturadas através da ponte também. Só mais uma vez, para ajudar a carregar essa cor. E aí está a nossa chave final. Certo, então vamos seguir em frente com esse exercício e relacionar a cena e recolorir a chave. Vou transformar isto numa paleta análoga noturna. Bloqueando em algumas cores, é claro, Knight vai ser mais escuro. Essa é a coisa principal da noite. E é uma espécie de estereótipo. Mas a noite tende a entrar nesses blues mais frios. E porque estamos pintando uma cena de desenho animado, vamos exagerar isso com alguns blues saturados reais. E, você sabe, eu acho que a noite real não seria saturada. É muito bom porque a cor desaparece durante a noite na maior parte. Mas em uma noite de realismo mágico de outro mundo, vamos realmente empurrar algumas dessas cores legais. Então este vai ser o luar vindo de fora do quadro. Eu vou bater nele. Eu vou acertar os personagens do mesmo ângulo porque eu acho que realmente funciona para a composição. Mas vamos fazer com que tudo que esta vida legal deixe ver vai ser banhado em luz fria. Então eu já estou tentando determinar os limites da minha paleta análoga aqui, atualmente permanecendo dentro da família azul e apenas sondando para fora a partir daí. Então eu vou ter um pouco de violeta, como você pode ver, especialmente nas sombras mais escuras porque era violência local, mais quente em comparação com o turquesa é. Mas sim, só para ficar claro, esta é a paleta com a qual estou trabalhando, a paleta análoga, esses grupos gerais de cores todos vizinhos ligados uns aos outros na roda de cores. Vou tentar alcançar todos os meus aquecimentos e esfriar com blues. Então você pode ver agora, eu já tenho graus relativos de calor e frio na pintura, mas tudo é alcançado no blues. Ok, então uma das coisas que faz o tiro parecer mais mágico é ver como o horizonte não é apenas escuro. Ele vai de um azul escuro em cima para como um roxo mais claro à medida que o horizonte se aproxima. É uma forma de conseguir esse efeito sobrenatural, porque não acontece à noite, mas estou exagerando. Estou inventando cores interessantes para que, isso é algo que você pode fazer é ter este horizonte mais leve mesmo à noite. E eu gosto muito de ir para os roxos, tentando encontrar uma cor local para a grama. Vou mudar isso à medida que for. Parece muito azul agora. Mude isso. Entrando na água, só entrando naquele valor sombrio, só para ter minha foto coberta de valores. E isso me ajuda a avaliar a cor a partir daí, porque o valor é sempre o primeiro certo? Aqui está o, aqui está o tipo certo de cor para o verde é, como você pode ver, era uma espécie de azul turquesa que parece verde. E assim como com o estudo Rockwell, isso é algo que eu tinha que descobrir. Não sabia instintivamente que ficaria verde. Eu tinha um pressentimento, mas eu tive que testá-lo e você me viu fazer uma curva errada e então corrigir para isso. Então, em um nível de direção de arte porque isso é luar agora eu quero restringir a luz apenas para o canto superior dos personagens lá. Enquanto na outra chave, a luz estava mais uniformemente dispersa. Neste, eu quero que ele realmente centralizado nos personagens. Então você pode ver o que eu estou construindo agora. Estou construindo esse tipo de relação de iluminação. A luz é principalmente sobre os personagens e tudo o resto. Tipo de fago mais escuro e mais escuro quanto mais longe você vai dos personagens. E a estratégia de cores, então, é concentrar a maior saturação perto da luz e deixá-la cinza longe da luz. Então, entrar em um pouco quente, aquece por meio de roxos. Mais uma vez, este roxo realmente parecia chamado na pintura à esquerda. Mas nesta pintura, este roxo é a coisa mais quente que eu tenho. Então, colocar roxos em, nos acentos escuros e também a pele do personagem menino vai ser roxo e este tipo de luz que é contra a coisa mais próxima ler e tons de pele sendo essa tonalidade avermelhada é vai pegar aquele roxo certo? Pintura é realmente mais fácil de fazer porque eu tenho menos cores para escolher, então menos oportunidade de estragar tudo. É assim que eu vejo, de qualquer maneira. Adoro brincar com essas paletas para ver que tipo de decisões eles te forçam a tomar. Mais detalhes escuros, tirando um pincel tipo ancinho para fazer diferentes tipos de marcas. Essa é a outra coisa que mantém sua pintura viva. E vamos falar sobre isso na semana número sete. Mas apenas diferentes tipos de marcas, nem sempre usando o mesmo pincel. E eu vou fazer isso na mídia tradicional também. A propósito, vou ter pincéis diferentes que fazem marcas diferentes. Eu tenho como escovas de ar e diferentes tipos de escovas de cabelo e escovas macias e escovas duras, cerdas e usar meus dedos, às vezes, qualquer coisa para variar até que marcação. Então daqui eu estou trabalhando na ponte, como fiz da última vez, recebendo mais calor e resfriamento e mais variedade lá dentro. E eu também estou muito ciente dos tijolos reais que estão naquela ponte tentando obter alguns do tipo agora, essas formas de pedra angular, eu estou tentando fazer com que eles apareçam apenas para sugerir que esta ponte é feita de pedras. Novamente, sem ficar pedante e mostrar ao espectador cada pedra com linhas duras, essa não é uma boa maneira de pintar, recebendo um pouco de luz na grama e este é o mais próximo que eu vou chegar de verde. Você vê onde minha roda de cores ainda está no azul-turquesa, mas parece muito verde nesse contexto. E trabalhando de volta para a ponte e você meio que percebe caras, que eu pulo por todo o lugar. Isso é porque sinto que pintar é um grande ato de equilíbrio. Então, no segundo em que estou trabalhando no fundo do quadro. No segundo seguinte eu estou trabalhando no topo para alcançar esse tipo de equilíbrio. Não quero ter visão de túnel. Colocar algumas estrelas no fundo apenas para ajudar o realismo mágico da peça. Não há como essas estrelas serem vistas através de toda aquela folhagem. Mas, sabe, eu só estou tentando ser inventivo aqui. Estas chaves coloridas ou um lugar para jogar. Lá, eles só levam 20 minutos. Tem um pincel brilhante. Eu tenho airbrushed definido para Linear Dodge e eu apenas escovado em alguma luz cor brilhante e que realmente ajuda. Qualquer sensação de realismo mágico, cores brilhantes é a primeira coisa que você quer fazer. Bem, a primeira coisa, mas quando você estiver pronto para isso, quando a pintura estiver pronta para ele, coloque um pouco de brilho lá que realmente ajude. Colocando os dentes do monstro, o que esqueci totalmente de fazer no primeiro. Colocando os olhos lá dentro. E isso é tudo o que eu quero fazer para a indicação de caráter é básico. Eu alinho o garoto, você percebe que o personagem do menino nem tem olhos porque seu rosto é muito pequeno. É uma forma tão pequena, não precisa dela, mas o monstro tem olhos gigantes, então acho que eles são grandes o suficiente para eu não deixá-los em branco. Isso pareceria meio estranho. Mas neste momento eu estou apenas, eu sinto que eu cheguei a um belo olhar mágico noite tiro. É realmente evocativo, aumentando ainda mais esses sotaques escuros. Tenho o aerógrafo definido para multiplicar o modo de vinheta da peça. Isso é outra coisa que você pode fazer. E por vinheta, quero dizer, ficando mais escuro em torno das bordas da tela. E eu fiz isso, fiz isso de novo com um aerógrafo multiplicado. Sempre que uso um aerógrafo, é sempre para grandes mudanças como essa, não pequenas formas. Escovas de cabelo não são boas para formas pequenas. Colocar alguns desses roxos no lado esquerdo da ponte pode estar recebendo alguma luz refletida do céu mágico noturno, que é muito puramente. Então, recebendo alguma luz roxa refletida lá. Novamente, tudo tem uma lógica por trás disso, até mesmo realismo mágico. Você não pode simplesmente “willy Nilly “inventá-lo. Você ainda tem que ter uma lógica atrás de sua iluminação. Novamente, pincéis grandes, pincéis grandes. Há um grande aerógrafo. E antes disso eu tinha um grande pincel seco para fora, apenas, apenas deslizes gerais de cor naquela ponte. Alguns ligeiros acentos escuros sob os personagens. E assim, temos nossa foto mágica noturna e uma reversão completa do humor da tecla de abertura que fizemos. E o que eu acho interessante sobre este exercício é que ambos são convidativos para mim, mas de maneiras completamente diferentes. Eles usam paletas completamente diferentes, diferentes momentos do dia. No entanto, ambos, eu sinto como eu como o espectador está sendo recebido nesta cena, como se eu quisesse estar lá, sabe? E isso é mais uma vez que esta é a magia das teclas de cor. Você está experimentando suas próprias emoções e se casando com elas com as habilidades que você tem aprendido através de seus estudos de diligência e sobre o tema de estudos diligentes. Vamos fazer outro, na verdade, mais dois. Vou fazer a mesma cena duas vezes de novo, embora desta vez eu vou usar a mesma paleta em ambos, mas vou mudar a iluminação em ambos e vamos ver como isso afeta o humor. Quanto ao desenho, vou inventar isto à medida que for. Vai ser uma espécie de aldeia medieval imaginária. Muito bem, deixa-me mostrar-te a paleta que estou a usar. Aqui está uma roda de cores. Vou restringi-la a estas três tonalidades, que é essencialmente uma paleta complementar dividida. Agora, eu só quero reforçar que eu posso usar todas as derivações de cinza dessas três cores, o que, claro, significa diferentes níveis de saturação dentro dessas três cores. Então, como eu estou tratando isso tecnicamente aqui no Photoshop é quando eu escolher minhas cores no seletor de cores lá, eu só estou me certificando de que quando eu selecionar uma tonalidade, eu estou em um desses três hughes. É tão simples assim. Se estou a um pixel ou dois fora, não me importo. Mas limitando sua paleta, neste caso, uma divisão complementar me dá uma estrutura ou uma estrutura para trabalhar dentro. E se você é novo para colorir, eu realmente recomendo tentar isso porque de repente eu só tenho três opções. Claro que eu tenho muito mais opções do que três porque dentro desses três tons, eu posso estar em qualquer nível de cinza. Eu acho que escolher tons realmente ser funis um monte de pintores iniciantes. Então, ei, eu só tenho três opções aqui. E como você vai distribuir esses três tons por toda a pintura, você é mais provável que consiga harmonia de cores como resultado. Como você pode ver, minha estratégia aqui era banhar o céu e as duas cores quentes que eu tenho, e depois bloquear em todo o primeiro plano com a cor legal. Isso é bastante adequado para uma cena de luz da manhã onde o sol está por trás do assunto. Portanto, todo o assunto está basicamente na sombra, tornando uma separação bastante óbvia de luz quente e sombra fria, o primeiro plano vai ser água. Então eu tenho algum reflexo do céu naquela água. E agora eu tenho um problema porque eu não quero que minha pintura seja como o céu está quente em cima, depois uma tira de frio no meio e depois uma tira de quente novamente na água. Não quero isso. Então minha solução é trazer um pouco dessa luz quente para a própria aldeia como se o sol estivesse apenas brilhando fora algumas das paredes laterais voltadas para o lado. Embora quando eu pintei esta chave de cor, eu ainda não tinha pensado nisso. Então o que eu estou pensando aqui é que alguns deles silenciaram o blues naquele céu. Você pode ver no topo do céu há um azul muito acinzentado estaria brilhando. É uma luz fresca na paisagem. E isso justifica aqueles azuis mais frios e mais leves da aldeia. Agora, apenas no caso de alguém estar se perguntando aqui no Photoshop, quando eu colocar uma mistura de azul sutil em uma mistura de amarelo, Photoshop vai misturar isso e provavelmente vir acima com algum pixel verde acinzentado. Isso está tudo bem. Se o Photoshop aparecer com isso, eu vou usá-lo. Eu não vou selecionar especificamente verde embora, quaisquer verdes acidentais que aparecem a partir de misturas, Tudo bem. Ok, então neste ponto da pintura, ocorreu-me trazer um pouco daquela luz da manhã para a própria aldeia. Então fiz algumas seleções, provei meu céu vermelho e estou trazendo isso. A luz da manhã é muito avermelhada. Agora eu não sei bem a ciência por trás disso, mas tem algo a ver com o amarelo está sendo filtrado, quanto mais a luz tem que viajar através da nossa atmosfera. Mas de qualquer maneira, vamos voltar ao lado artístico das coisas agora, que é mais no meu leme. Vamos falar sobre como estou estruturando essa paleta. Já sabemos tudo sobre os três tons que estou usando. Isso faz parte da estrutura. Mas como estou usando os cinzentos? Bem, para este, nas duas cores quentes que eu tenho. Vou permitir que esses sejam os elementos mais saturados da pintura. Os azuis, por outro lado, vão ser subjugados mais nos cinzentos. Isso não quer dizer que eu nunca possa ter blues saturados. Na verdade, você pode ver alguns deles lá dentro. Na medida em que o calor avermelhado ir bastante óbvio que eles estão saturados, dicas de que no horizonte, bem como grandes golpes saturados um IVA sobre os edifícios que eu acabei de colocar em um minuto atrás. Talvez não tão óbvio, porém, que também há versões acinzentadas daquele vermelho nas sombras dos edifícios. No que diz respeito aos vermelhos, estamos a olhar para este tipo de coisa. Esses vermelhos acinzentados são sutis para ter certeza, mas eles ajudam a amarrar e harmonizar os vermelhos mais saturados e mantê-los no contexto. Agora com o blues, eu não tenho essa saturação ainda. Eu vou ter certeza de escolher meus pontos com o azul saturado porque esse é realmente o único tiro que eu tenho uma cor de acento porque meus aquecedores são ambos bastante saturados. Meio que torpedos qualquer chance que eu tenho de acentuar com isso, você sabe, eles já estão bem barulhentos. Mas com os azuis, se eu puder mantê-los nos cinzentos relativos, eu tenho algumas cartas perto do colete que eu posso jogar na forma de pops de saturação. Se você nunca tiver certeza, você pode até mesmo fazer uma pequena paleta como aqui na parte inferior e essencialmente traçar pequenas amostras das cores principais que você deseja usar. Assim podemos ver os amarelos saturados e vermelhos laranjados. E aqui estão aqueles pequenos zaps de azul saturado. Você pode fazer esse estudo em dez segundos. Certo, então neste ponto da chave, a paleta de cores está claramente estabelecida. Eu só estou preenchendo os elementos, apenas fiz um ajuste rápido de níveis lá. E aqui eu defini meu pincel para o modo de cor mais clara e eu estou vidrando em alguns azuis mais claros para as escuras. O modo de cor mais clara é bom porque ele usa o pixel que você tem e afeta apenas pixels mais escuros na pintura com essa cor. Constantemente virando a tela ao redor, que me ajuda a ver a distribuição da cor, especialmente porque eu estou chegando com essa cena em tempo real, tanto paleta quanto desenho. Adicionando alguns raios de deus aqui, que sutilmente aquecem alguns dos azuis mais próximos do sol, a maioria fez isso com apenas um aerógrafo normal. Embora às vezes eu gosto de definir um aerógrafo para o modo de sobreposição. Esta tela, por sinal, tem apenas 600 pixels de comprimento, que geralmente é minha resolução ao fazer teclas de cor ou estudos de cores como este. A coisa boa sobre os estudos de cores é seu nível de desenho não precisa ser super refinado. Você pode aplicar uma palete com um desenho muito rudimentar. Isso não é para encorajá-lo a se retirar preguiçoso, claro, porque afinal, se você quiser fazer uma ilustração totalmente acabada, então todas as suas costeletas de desenho têm que voltar. Mas lá vamos nós. Aí está a nossa chave de cor número um. Vamos agora pintar a mesma cena, a mesma paleta, mas estruturar de forma diferente com base em uma configuração de iluminação diferente. Desta vez, em contraste com a chave que acabamos de fazer, vou ficar bastante saturado com aqueles azuis imediatamente. É meio engraçado porque eu acho que na maior parte do tempo de Gray, até mesmo uma cor média saturada para mim parece muito saturada. E da minha experiência estudando e pintando da vida real, natureza raramente lhe dá cores saturadas brilhantes. O que parece muito saturado na natureza é muitas vezes talvez 70 por cento saturado em um seletor de cores digital. De qualquer forma, deixe-me delinear para você o meu plano geral de cores para esta pintura. A primeira mudança é óbvia. A luz ainda é a luz do sol, mas o sol girou ao redor do céu e agora está iluminando os edifícios pela frente. Isso não é bem pôr do sol, mas pouco antes do pôr-do-sol. Então, para as cores do sol naturalmente, eu vou estar usando uma combinação de minhas duas cores quentes. No entanto, desta vez vou mantê-los mais grisalhos. Você pode ver claramente isso na pintura agora, bem como olhar para o seletor de cores e ver que grau de cinza eu estou com isso. Mas vamos trazer essa roda de cores de novo e eu posso mostrar o que estou pensando para o resto desta foto. Primeiro, isolamos nossas três cores. Os edifícios são principalmente nos amarelos e eles estão por aqui. Agora, eu vou escolher manter as sombras do prédio bem perto disso, mas ainda no lado azul do cinza. Isso me dá permissão agora para tornar o fundo mais saturado azul, bem como a água. E depois ficamos com os vermelhos, que também fazem os cinzentos muito fortemente e fazem com que seja a minha cor menos dominante. E esse é o meu plano simples para esta coisa. Tal como acontece com muitas coisas na arte, simples é o que torna as coisas bonitas. Porque simples como legível. Se eu tivesse todas essas cores chocando com saturação pesada em todo o tabuleiro, o eu lutaria para o que olhar primeiro, cores saturadas tendem a chamar nossos olhos, e Greys tendem a subjugar nosso olho e relaxá-lo. Agora, uma das minhas fraquezas é que eu costumo pintar dois de cinza. Então veja isso. Eu vou até Imagem, Contraste Automático e Photoshop realmente telha o contraste. Mas então eu posso empurrar Control Shift F, o que traz à tona este diálogo de desvanecimento prático. E então eu vou apenas encontrar um valor a meio caminho ish lá ou o que parece bom realmente. E o Photoshop irá aplicá-lo em conformidade. Se você viu meu trabalho on-line, você pode achar estranho que uma das minhas fraquezas enquanto eu pinto de cinza, você pode pensar que foi o oposto. Mas na verdade eu construo para colorir ao longo do tempo. Normalmente, às vezes as minhas pinturas precisam desse pequeno impulso de Contraste Automático e às vezes não. Então aquela faixa de cor quente nas docas, não faz sentido. O sol não está batendo lá, então não deve estar tão quente. E aqui, enquanto me deito na água, vou começar a perceber que, lembre-se, estou inventando esta chave de cor na hora. Eu tenho um plano para isso, como já expliquei, mas fora isso, vou pelo assento das minhas calças aqui. Então esses barcos precisam entrar e nós vamos pegar um aerógrafo com um vermelho acinzentado e meio que começar a harmonizar toda essa área inferior. Eu só fiz isso lá. Às vezes eu faço isso. Eu vou obter um grande aerografia fora apenas no modo normal, tamanho de escova muito grande, mas pressionando muito levemente sobre o tablet. Ele só ajuda a misturar uma cor em todas as cores que atinge e os aproxima um pouco mais. Agora, para os mais novos da pintura, você pode estar perguntando, devo pintar em uma camada ou devo pintar em várias camadas? A resposta é o que você se sentir mais confortável com, eu gosto de pintar em uma camada porque ele me permite tomar decisões criativas sem me preocupar com o aspecto técnico das coisas. Descubra que para mim quando eu uso camadas, pelo menos parte do meu cérebro está focado na parte técnica, criando e gerenciando camadas, que tira as decisões artísticas. Sinto-me mais corajoso e corajoso quando estou apenas a trabalhar numa camada. Pode funcionar para você, mas também pode não funcionar para você. Então use o método que for confortável, lembre-se de virar essa tela. Esse é o sistema de defesa número um que você tem para manter a objetividade em seu trabalho. Quando você vira o quadro, ele meio que engana seu cérebro por uma fração de segundo para pensar que está vendo pela primeira vez. E qualquer repetição indesejável que você possa estar fazendo, que pode acontecer em cores, forma e composição em tantas áreas da arte vai realmente chamar a sua atenção e você pode aproveitar a oportunidade para corrigi-lo. Estou quase terminando a pintura aqui, mas eu só quero dizer, se eu quisesse adicionar outra cor a isso, dizer outro tipo de azul frio na sombra, como um azul roxado. Você pode ver quanto espaço há para isso. E essa é a coisa boa de limitar o seu paladar. Impede que você sobrecarregue sua imagem com cores. E, portanto, você tem um caminho para se tornar mais confiante com a cor porque você sempre sente que você pode adicionar uma pequena coisa aqui ou ali se você quiser. Então, há a chave de cores acabada e há a nossa primeira. E olhe para isso, são pintados com a mesma paleta. É quase difícil de acreditar. Eles parecem tão diferentes, eles se sentem tão diferentes. E eu acho que esse é o ponto que eu gostaria de voltar, para fechar o Capítulo 5. As paletas de cores são certamente divertidas, mas lembre-se, elas não ditam o humor, elas simplesmente melhoram o humor. Como eu disse antes, o humor é ditado por muitas outras coisas. Neste caso, é o mesmo assunto, mas a iluminação mudou drasticamente. E porque a iluminação muda as formas da sombra iluminada, minha composição também mudou. Portanto, é apenas um pouco de alimento para o pensamento como você está trabalhando com cores e estudando cores, não deixe que isso venha à custa dos outros fundamentos da pintura. Tudo bem, vamos agora passar para o sexto e último capítulo. E quero lhes dar algumas dicas de estudo, pequenas coisas que podem ajudá-lo a criar suas próprias Lições Focadas para todas as coisas que passamos nesta aula. Te vejo lá. 14. Mascarando: Bem, aqui estamos nós no Capítulo 6, o último capítulo desta turma. O que eu vou fazer aqui é meio que voltar através das principais lições e lições desta aula e dar-te conselhos sobre como olhá-las e estudá-las da forma mais simples possível. A idéia é que você não precisa fazer pinturas acabadas o tempo todo apenas para estudar, especialmente quando se trata de cor, você pode reduzir seu processo de forma bastante dramática e ainda obter um bom estudo fora dele. Então, vamos olhar para métodos para estudar rapidamente os conceitos apresentados na classe vai ganhar mais um método de entender paletas e limitar sua cor. Aprenderemos um exercício fácil que testa sua compreensão de como a luz influencia a cor. E finalmente, vai ganhar a coragem de continuar avançando depois que esta aula terminar. Então vamos mergulhar aqui. A primeira coisa que gostaria de mostrar é algo chamado mascaramento de gama. O mascaramento de gamut está relacionado às discussões da paleta do Capítulo 5, bem como à paleta complementar do Capítulo 1. Então, sempre que falamos sobre limitar sua paleta, estamos, naturalmente, falando sobre a eliminação de seções da roda de cores. Por exemplo, o que olhamos no Capítulo 1 com a paleta limitada, era como se estivéssemos usando todas as cores dessa faixa, que significava que estávamos eliminando todas essas cores. Agora, o termo chique que os artistas usaram para isso é máscara de droga. É uma palavra que você não ouve com frequência, mas gama, significa apenas o alcance completo ou alcance de algo. Então, de novo. 15. Pintura com uma máscara de Gamut: Tudo bem, então eu gostaria de mostrar a vocês uma maneira rápida de testar ou testar uma paleta antes de se comprometer com uma pintura inteira. Agora, na nota do conselho de estudo, eu quero dizer que a pintura que fizemos aqui no Capítulo 1, por exemplo, esta é uma ótima prática, você deve fazer isso. No entanto, todos temos vidas diárias, compromissos e horários. Nem sempre há tempo para fazer uma pintura acabada todos os dias. E se você quiser melhorar com cor e pintura ou o que quer que você esteja interessado, há muita ciência para dizer que praticar todos os dias é a melhor maneira de melhorar. Mas a vida real pode nem sempre permitir uma pintura acabada todos os dias. Então, como podemos tomar as complexidades desta prática e aplicá-la a algo rapidamente? Você sabe, algo que você pode fazer com uma xícara de café. Tudo bem, então eu tenho minha interface do Photoshop configurada aqui com minha gama de paleta de cortesia mascarada. E o que eu quero fazer é começar a provar cores e bloquear em um ambiente rápido. Vai ser só uma bola sentada sobre uma mesa. Claro, eu estou amostrando cores que eu tenho acesso com minha paleta complementar aqui. Agora eu poderia mudar os valores. Claro, se eu precisar de um azul mais escuro aqui em cima para a área superior, eu poderia fazer isso. A bola em si. Vamos fazer da cor amarela. Vamos colocar bem aqui. Ok, então há uma bola sentada em nosso ambiente. Temos de lhe dar alguma sombra iluminada. Claro, vou fingir que a luz está descendo diretamente de cima. Então o que eu poderia fazer aqui é talvez provar uma dessas cores, mergulhar com um valor, talvez cinzentá-la um pouco, apenas para ligá-la com aquele amarelo. E fazer isso, talvez eu vá realmente pegar o amarelo e misturar isso. Experimente o resultado, pinte para levar esta bola lá. Isso vai ser sombra, um tipo profundo de sombra suave. E você pode ver que eu não estou realmente me importando com qualidade de linha ou qualidade moldada tanto quanto eu estaria em um, mesmo em um estudo de chave de cor casual. Preocupo-me mais com essas coisas. E este eu só estou carregando usando essas cores no objeto mais simples possível. E para o meu dinheiro, isso é uma bola. A razão pela qual é uma bola e não um cubo ou, ou qualquer outra coisa é porque uma bola vai cheia, completamente ao redor. Portanto, tem todos os problemas de uma pintura. Significa que você vai ter que lidar com valores diferentes, bordas diferentes, você sabe, coisas como essa como esta bola precisa virar forma um pouco de destaque lá. E tudo bem, este é um estudo básico. Vamos ver o que podemos fazer. Vamos ver se podemos colocar alguns desses amarelos no meio ambiente. Então eu vou provar algo aqui, talvez cinza, e talvez haja uma maneira de colocar esses amarelos. Então, novamente, este é um estudo de paleta complementar. Você pode usar qualquer paleta, é claro. Mas a idéia é manter esse assunto tão simples que libera seu espaço de criatividade para explorar a cor. Vamos ver, talvez eu queira pegar esses amarelos. Qual é a saturação máxima que eu posso ficar bem, sobre lá. Então vamos para isso, mergulhe o valor um pouco e obter talvez um pouco de meio-tom indo nesta esfera à medida que ela se transforma. Isso é interessante. E talvez vamos obter um muito grande OFF roxo e ver se conseguimos o valor certo. Talvez isso possa ser escondido nesta parte da bola. E olha para isto, entretanto, aquela bola estava começando a brilhar um pouco nesta paleta. Claro, uma grande parte do que o torna cintilante é, é a luz que estou fazendo aqui. Isso se relaciona com o Capítulo dois, é menos do que em se mover através da paleta de cores, desculpe, movendo-se através da roda , isto é, e vamos ver, talvez você veja como essa sombra é meio que no lado quente. O que acontece se eu pegar o roxo e colocar em apenas um toque dessa luz refletida púrpura que está saltando luz do chão, entrando nas sombras desta lâmpada. E sim, isso está funcionando então talvez eu possa pegar uma ferramenta de manchas e apenas manchar todo o caso e deixar algumas cores se misturarem, tipo de apenas dizer a sua própria cortesia da ferramenta de manchas. E então talvez eu vá mais fundo e tenha apenas alguma oclusão ambiente aqui na sombra, que é um aprofundamento da sombra, é onde toda a luz é ocluída ou a luz ambiente não pode entrar. Então talvez aqui se eu clarear o roxo um pouco. Certo, então obviamente a idéia é que esse quadro me levou cinco ou seis minutos, demorou mais do que estou falando enquanto estou fazendo isso, eu poderia fazer isso em provavelmente dois minutos se eu não estivesse falando. Mas agora temos esse estudo coeso de paleta e essa esfera pode se tornar qualquer coisa. Pode se tornar um ser humano ou uma paisagem ou uma montanha ou barcos mais para uma doca ou algo assim. Tudo bem, vamos tentar outro aqui. Vamos trocar o Canvas. Comece em preto desta vez por nenhuma outra razão além de apenas variedade, não ficando preso em um método particular de trabalho. Certo, então a mesma coisa, mesmo ambiente com um top escuro. E vamos pegar nosso pincel circular. E vamos ver, vamos escolher essa cor. Eu não tenho idéia. Bloqueio nesta esfera púrpura, talvez o solo neste ambiente fique mais verde. Oh, eu provavelmente deveria mencionar que estou usando uma paleta complementar dividida agora, como você já deve ter notado, na verdade, vamos usar a ferramenta de laço aqui para desenhar um retângulo e travar em um chão. Pintando mal por cima da bola, mas tudo bem, pegue de volta. Se o Photoshop misturar cores e aparecer com esse tipo de laranja silenciado, isso faz parte da nossa paleta, certo? Está algures lá dentro, por isso está tudo bem. Então, contanto que sua amostragem dentro desse intervalo, qualquer mistura que o Photoshop lhe dá é totalmente boa. Vamos ver o que acontece se fizermos a sombra realmente ler e testar a ideia de que a harmonia vai acontecer. Apenas por natureza desta paleta limitada. Então algo lá e vai tornar as sombras mais suaves. E este também suaviza esse tipo de transição do fundo da tabela 2 aqui para o que acontece se usarmos como verdes acinzentados na parte mais leve? Isto está fora do caminho batido aqui. E ainda quero que a bola pareça roxa. Então eu tenho que me certificar de que eu não fique verde com a luz e roxo com a sombra. Tem que permanecer um pouco consistente. Então a chave é manter as coisas nos cinzentos. É uma bola roxa. Eu só quero dicas daquele verde mais frio lá em cima. Então vamos manter o roxo intacto enquanto descemos e talvez à medida que a sombra se aprofunda, ele fica mais vermelho. Então eu estou selecionando meu vermelho, que é por aqui. É legal nesta paleta. E veja agora eu tenho tipo de duas metades. Vamos ver se consigo resolver isto. Vamos trazer um pouco deste verde para a bola na sombra, e também alguns dos roxos para a bola na luz. E nós vamos meio que temos isso, tecer essas cores juntos, se isso faz sentido. Este tipo de pintura e amostragem e escolher os resultados na pintura com isso, eu quero ver se eu posso fazer esta bola parecer como se fosse uma bola roxa, mas com estas apenas estas notas do verde nela. E se não funcionar como não é que todas essas coisas funcionem. Se não funcionar, você descobriu rapidamente um dos limites da paleta. Talvez se funcionar, ótimo, você aprendeu um novo aplicativo para ele. Vamos ver, eu queria ficar mais vermelho quando a sombra se aprofunda foi agradável. Então vamos fazer isso. E alguns desses roxos no fundo aqui. Talvez enquanto o solo sobe à distância. À medida que a distância aumenta, alguns desses roxos começam a entrar em jogo para ver a coisa que você quer tentar evitar é ter a imagem apenas feita de uma cor em uma seção como esta é toda vermelha agora. E enquanto isso está tudo bem, eu gosto que funcionou bem, e são paleta complementar no último estudo. Mas neste, porque tenho mais cores, sinto a necessidade de essas cores se incorporarem em mais áreas da pintura. Então, talvez os vermelhos comecem a assumir o controle enquanto chegamos aqui para o topo da imagem e se torna um pouco mais púrpura à medida que descemos apenas tentando construir em algum tipo de estrutura para mim, eles são apenas uma lógica como a cor flui Assim fica mais roxo, você sabe, focas, verdes, esses verdes precisam voltar. Perdi-os. Vamos ver se consigo fazer isto. Eu me pergunto se um pouco do chão e começar a receber alguns desses verdes e talvez para as sombras também. E isso é um pouco interessante. E então essa bola só precisa se sentir mais como uma superfície coesa. Estou dividindo a luz e as sombras demais. As cores estão mudando demais entre luz e sombra. A bola tem que se sentir, ainda se sentir púrpura. Por isso, estou a tentar recuperar alguns desses. Ele vai destacar em que sempre conta para alguma coisa. Se a luz está vindo de cima e pode estar batendo nela. E entrar em alguma de nossa oclusão ambiente, aquela sombra escura profunda lá. E eu estou lutando mais com este como você provavelmente pode ver. Há notas de verde na bola ecoadas por notas de verde, neste andar aqui. E eu vou empurrar isso um pouco, amplificar os verdes um pouco só para alertar visualmente o espectador como Hey, lá, há verdes aqui, mas eles são , eles são mantidos muito sutis lá. Em terceiro lugar na hierarquia, os vermelhos podem ser o número 1, os roxos seriam o número dois em termos de saturação dos verdes são o número três. Mas eles estão lá e eu posso até colocá-los. Agora, traga-os de volta para a luz. Então você pode ver que eu lutei com essa paleta um pouco, mas eu sinto que estou explorando seu potencial e apenas tentando escolher esses verdes manualmente. Novamente, se estou um pouco fora, realmente não me importo. Desde que estejas a explorar o espírito destas paletes. Então, obviamente eu fiz um complementar aqui e agora split complementar, mas você pode fazer qualquer paleta e não tem que ser qualquer paleta que eu sugeri. Você pode fazer o seu próprio escolher alguns tons que você deseja usar, escolhe algumas saturações que você quer se limitar a, o que é sempre uma boa idéia. E explore essa paleta e crie sua própria paleta. Escolha três cores que não caem em um agradável split cortesia como este, tipo como o Dominique Louis escrever uma chave de capa 2 E que olhamos na seção anterior. Então algo assim está começando a falar comigo aqui. Eu gosto deste um pouco de luz refletida saltando para cima na bola. Talvez houvesse vermelho brilhante intenso poderia derramar. Como um efeito de lente. Pode envolver-se na bola um pouco, derramar nela. Como se você tirar uma fotografia de uma luz muito brilhante, ela meio que sangra em outras coisas. É o que estou vendo aqui. Este ambiente não precisa de muito, mas acabe com uma vinheta aqui. Talvez pegue a mesma cor e vinheta no fundo. Este ano vamos. E agora temos nosso segundo estudo. Sinto que não gastei muito tempo nisso. Eu ainda não terminei meu café, meu café hipotético que eu não estou realmente bebendo agora porque áudio sábio que iria irritar todo mundo. Mas lá vamos nós, olha para aquilo. É um estudo coeso de paletas. Eu posso jogar estes de costas para trás, o que eu recomendo que você faça depois de coletar alguns destes e avaliar o humor. Como é que estas cores te fizeram sentir? Eles se encaixam bem com um certo cenário leve que você tem em mente ou um determinado assunto, ou eles combinam com uma certa emoção? Essas perguntas cabem a você decidir. Mas no que diz respeito ao estudo, esta é uma maneira rápida muito útil de molhar os pés. E mais do que isso, para realmente explorar as complexidades de como as cores podem se unir como parte de uma paleta. 16. Integração com cores - conselhos de estudo: A próxima aplicação de estudo que quero mostrar é algo que chamo de integração de luz e cor. Vamos integrar uma esfera, surpresa, surpresa em uma imagem existente. Tudo bem, então eu carreguei esta foto que lembramos do Capítulo 2. E eu vou pintar duas esferas. Um vai estar na luz, e o outro vai estar na sombra. Este exercício destina-se a testar o conhecimento que aprendemos no Capítulo 2. Agora vou fazer uma seleção circular rápida aqui. Vamos colocar a bola como pairando sobre estes arbustos e árvores no meio do solo. E vou começar a pintar isto. Vou bloquear um valor rápido. Agora esta vai ser uma bola branca, como aprendemos com o Capítulo 2, a luz do sol é um valentão. E a coisa boa sobre a pintura branca é que o branco não tem cor local própria. Obtém toda a sua cor de seus influenciadores. Neste caso, a luz solar recebendo sua cor para o lado da luz e a sombra está recebendo sua cor da luz ambiente saltando ao redor. Provavelmente haverá muitos verdes nas sombras, por exemplo. Então eu comecei com este valor médio aqui porque ele me permite ficar mais leve e mais escuro agora que não parece uma bola branca. Então vamos consertar isso. Obviamente, eu vou ficar mais leve em valor e a luz do sol é um sol do meio da tarde. Vai ser meio dessaturado em algum lugar nos aquecimentos aqui. Característica bastante neutra de um sol de meio da tarde. E eu vou colocar isso em talvez um pouco mais quente. Estou vendo mais alguns aquecimentos nos arredores, então isso parece muito bom como uma cor do sol. O bom da luz solar é que, como eu disse, é um valentão. Não é preciso pensar muito que o sol vai influenciar tão fortemente essas cores que isso quase é suficiente. Se eu quiser um pouco de meio-tom, eu vou em frente e pegar um aerógrafo aqui, mergulhar o valor um pouco, talvez aumentar a saturação um pouco. E vamos, vamos usar um pouco do Capítulo 4 e apenas compensar essa tonalidade um pouco, balançá-la ao redor, você sabe, até um pouco mais escura, colocar este meio-tom aqui. Eu tenho tom é onde a forma está se afastando da luz, mas não o suficiente para estar na sombra. Então você tem esse escurecimento gradual. E em uma esfera é muito suave. Então lá vamos nós. Parece que as nossas esferas atingidas pela luz solar, uma bola branca atingida pelo Sol. Agora a sombra não parece certa. A coisa boa sobre bloquear esse valor médio que eu comecei, porém, é que ele me dá uma separação de sombras iluminada, mas agora vamos trabalhar nas sombras e decidir sobre sua cor. Bem, com qualquer pintura, a primeira coisa que você quer observar nossa pergunta a si mesmo é o que as cores estão no ambiente? E eu diria a vocês que neste caso existem basicamente dois. Teremos cores verdes vindo de baixo como aquelas árvores saltaram luz também. Teremos céu azul descendo. Não podemos ver o céu nesta foto, mas sabemos que está lá em cima. E quando você está ao ar livre, um céu azul é um grande influenciador nas cores da sombra. Agora, quando se trata de decidir as cores de suas sombras, eu recomendo simplificar. Por exemplo, há telhados vermelhos por aqui, mas eles estão tão longe. Eu não vou tentar e como colocar vermelho também na sombra que começa a ficar um pouco desesperado cor sábia, você quer simplificar isso? Eu tento me perguntar, quais são os principais drivers de cor neste caso, é o verde e o azul. Então, ok, às vezes eu até gosto de selecionar a sombra lá com a ferramenta mágica. Então pressionarei o Controle H para esconder essa seleção. E então apenas com um pincel macio, eu vou provar onde eu estou e apenas me discar para os verdes aqui e talvez aumentar a saturação um pouco para que a identidade desse verde se torne um pouco mais aparente. Mas ainda nos cinzentos neutros, nada muito saturado. E vou começar a colocar isso. E você já deve ser capaz de ver esta esfera começando a se encaixar com seu ambiente graças à luz saltitante. Agora imediatamente eu quero mudar de marcha e colocar este azul. Então eu vou deslizar para o azul, novamente, me mantendo na graça para começar como um bom método para garantir que suas cores se harmonizem. Porque novamente, os cinzentos estão ligados entre si. Ou seja, cores ligadas entre si através de pastagem. Agora, se estou de blues, posso escolher qualquer azul. Eu posso experimentar. Que tal um azul ultra marinho? Apenas certifique-se de acertar seu valor. Por exemplo, este é o valor errado que azul precisa ser mais leve porque é luz refletida. É a luz do céu vindo para a sombra. Isto parece um tipo de sombra dupla. Então não faça isso. Certifique-se de acertar seu valor. E agora esta bola está começando a parecer que está sentado neste ambiente, talvez um pouco menos do azul. Às vezes, a sombra aqui pode ficar um pouco mais escura porque fica menos luz refletida. Você sabe, aqueles verdes estão realmente bombeando para o fundo da esfera e os azuis estão bombeando para o topo da esfera. Nesta seção do meio, podemos ter menos de cada um deles. Então, às vezes eu vou ter um pincel multiplicado, que eu tenho uma predefinição para aqui, ajustado para multiplicar o modo, e eu vou apenas escurecer e apenas apenas apenas escurecer esta área. E enquanto estou aqui, posso voltar para o modo normal e apenas refinar ainda mais esta borda entre luz e sombra, ela precisa ser um pouco mais suave do que estes dois representam uma forma redonda de uma esfera. Aqui vamos nós. E se houver um destaque, que haveria se esta for uma esfera reflexiva, esse destaque entraria aqui, refletindo a luz solar que está brilhando sobre ela. Agora também não vamos esquecer uma peça chave da integração que é uma sombra de cache. Veja agora nós realmente não sabemos onde essa esfera está no espaço. Precisamos aterrar com uma sombra de esconderijo. Então eu vou dizer que essa esfera está meio que sentada bem aqui. Então o que vou fazer é escolher o verde das árvores. Agora isso precisa ser uma sombra mais fria. E eu não quero apenas provar as sombras na imagem em si. Eu queria fazer o meu próprio trabalho, certo? Então, mas eu poderia provar as luzes e dizer, ok, é onde os verdes são intimidados pela luz do sol. Vamos esfriá-los indo desta forma até a roda de cores, derrubar o valor para sombra, e vamos começar por aí. Isso satisfaz a exigência de ser uma sombra mais fria. Talvez eu consiga um pincel diferente para isso, algo com um pouco mais de textura. Esteja ajustado a folhagem está caindo. E vamos pintar isto. Parece que deve ser um pouco mais escuro, então eu vou e você percebe instintivamente que estou mudando os tons. Capítulo 4. Comprometi isso à memória muscular agora um alto fazê-lo instintivamente. Talvez, talvez até mais frio e mergulhe um pouco mais. As árvores terão pequenos pedaços de sotaque escuro, que são peças onde as árvores estão, pequenos buracos que você pode ver através desses buracos obter muito menos luzes ambiente, um pouco de sotaque escuro que eles são chamados ou outra palavra para isso é oclusão ambiente, colocá-los em e apenas trabalho geral, esta sombra, você percebe que é uma sombra esférica ou uma sombra circular porque essa bola está projetando as sombras. Na verdade, esta sombra deve rastejar sobre a rocha aqui e deve ser mais azul lá porque a rocha, você vê as sombras lá na rocha. A rocha é uma cor de logotipo branco assim como a esfera. Assim como essa esfera está ficando azul aqui, a sombra da rocha vai ter influência azulada sobre ela, muito menos verde. E quando a sombra continuar a rastejar sobre as árvores aqui, vamos voltar para aquele verde. Então lá vamos nós. Algo nesta faixa e eu poderia, eu poderia, é claro que estamos bem. Esta sombra, tudo o que eu quero. Mas esta é uma ótima maneira de praticar as coisas que aprendemos no Capítulo 2 e também no Capítulo 4, você sabe, mudar Hughes e coisas assim. Se eu tivesse que projetar nossa estimativa aproximada do tempo, você levaria para fazer um estudo como este. Vamos estacionar em 10 minutos por esfera. Certo, então vamos seguir em frente e colocar outra esfera na sombra. Coloque aqui, faça uma seleção. Vamos colocar essa esfera na estrada ou algo assim. Talvez torná-lo um pouco maior para que possamos vê-lo melhor. E eu farei a mesma coisa. Vá em frente e bloqueie em um valor geral. Agora este ano está na sombra, então vamos bloquear esse valor e até um pouco mais escuro, eu gosto de bloquear meus valores em quase em um intervalo médio escuro. Eu nem sempre faço isso, mas é uma boa idéia porque agora quando eu vou adicionar algo mais leve, como a luz refletida neste caso, você já tem um valor mais escuro para comparar essa luz. Agora, se você escolher começar a luz, tudo bem também. Você só tem que adicionar sombras primeiro. Mas às vezes acho que adicionar luz ajuda mais a modelagem. É só a minha opinião, a minha própria experiência. Então eu gosto de começar a escurecer e adicionar luzes. Agora, vamos pensar sobre esta esfera por um segundo, porque estamos na sombra. Este é um cenário muito diferente do sol. Vou te dizer o erro que muitas pessoas cometem. Eles dirão: “Está bem, estamos na sombra. É óbvio que vai haver muita clarabóia a descer , tal como tínhamos nesta bola. Mas eis o que eles farão. Eles pegarão uma clarabóia e a colocarão assim na mesma direção que a luz do sol. Mas isso é errado. A clarabóia não desce numa direcção como esta. Bem, ele desce em uma direção, mas como o céu é como uma tigela de 180 graus acima de tudo, aquela clarabóia desce uniformemente assim. Então o que isso significa é que o topo da bola em geral vai ser iluminado pelo céu. Então eu escolho esse tipo de azul claro genérico e estou bloqueando isso. E você pode brincar com pincéis diferentes, como aqui está uma espécie de escova estilo ancinho que tipo de faz como chocar para você, tipo de eclosão digital de graça. Eu uso este pincel para misturar cores muito juntos. E porque estou no blues, sou livre para mudar essas tonalidades. Mais uma vez, Capítulo 4, pensando aqui, balançar aqueles que em torno de um pouco, tentar até mesmo como roxos. Vamos ver se mexe e faça um roxo funcionar. Se for muito agressivo, fique claro. Isso vai ajudar a ligá-lo com suas outras cores. E, obviamente, eu estou pressionando muito levemente no meu tablet para incentivar Photoshop ou seu aplicativo de pintura de escolha para fazer alguma mistura para você. Então isso já está bom como representante de uma bola iluminada pelo céu na sombra. Novamente, quando você estiver ao ar livre, o céu será seu tipo de motorista principal para a luz refletida. Aqui está o próximo erro que muitas pessoas cometem. Lembra como na esfera de luz tínhamos aqueles verdes saltando para a sombra? Bem, o erro que as pessoas vão fazer é pensar que os verdes vão saltar para a sombra aqui. Isso também é errado porque tudo isso está na sombra. E porque está na sombra, há muito menos ímpeto para que a luz salte. Lembre-se, a luz só salta porque o sol é tão forte que quando atinge algo, tem força para saltar. Mas toda esta área é desprovida de luz solar. Não há raios de luz fortes o suficiente para realmente saltar assim. O influenciador mais forte nesta esfera é a luz que desce do céu, como já mencionei. Então o que isso significa é que o fundo desta esfera vai realmente começar a mergulhar na oclusão ambiente. Novamente, a luz ambiente está sendo obstruída do fundo desta esfera. Nem tanta luz ambiente é capaz de chegar lá. Então o que eu vou fazer é eu realmente vou aquecê-lo para ficar longe do frio porque não vai haver céu legal lá. Então eu quero ir para o lado oposto, aquecê-lo. E novamente, isso é quente, é apenas um vermelho neutro. E comece um pouco mais fundo do que isso e comece a pintar nesta transição para a Oclusão Ambiental. Agora, debaixo da esfera vai ser bastante escuro porque é aí que tanta luz ambiente está incluída. Pode haver muito poucos raios refletidos ficando sob essa esfera vai ser bastante ocluído, mesmo com bundas contra a parede aqui. Vai haver muita oclusão ambiente aqui. Lembrem-se que isto não é uma sombra. A coisa toda é uma sombra. Esta é apenas a oclusão do ambiente, a parte mais escura da sombra. Deixe-me ampliar um pouco aqui e eu só quero trabalhar nesta transição. Eu posso basicamente provar onde ele está, tenho um tipo neutro de cor quente e apenas preencher esta lacuna. Eu estou usando um aerógrafo para isso principalmente por causa deste medo é que tem transições de cores tão suaves. Porque lembre-se que a coisa toda está na sombra. Então é como se toda esta esfera tivesse que ser tratada como esta parte da esfera iluminada pelo sol porque esta era a parte da sombra, certo? Também não haverá nenhum destaque porque não há reflexo da fonte de luz. Apenas transições de valor e cor muito sutis. Eu posso tentar ficar um pouco mais azul se eu quisesse. E isso agora se resume à estética. Até onde você quer empurrá-lo para que pareça bom para você? E hey, não há nada de errado em dizer, ok, para fazer esta esfera talvez se harmonizar com a cena um pouco como mergulhar nos verdes um pouco. Isso é menos por razões de luz refletida e apenas mais por razões estéticas puras. Basta colocar um pouco de verde na cena aqui, na bola pode ajudar a ligá-lo com algumas das outras cores na cena. Essa é uma técnica que eu uso muito, mas eu não gosto, eu não quero fazer algo assim e fazer com que pareça que há luz refletida verde saltada que não é realista. Isso não aconteceria se eu quisesse colocar alguns verdes dentro é apenas um efeito quase invisível. Apenas ligando sutilmente as cores do ambiente com o que estou pintando aqui. Integrá-lo como é o nome deste exercício, integração. E tudo bem, aqui está o nosso estudo acabado, eu acho que de acordo com o nosso período de tempo da chávena de café. E você nota que o que eu quero enfatizar aqui é que mesmo que como esfera como um objeto muito básico, você ainda pode sair com uma bela imagem aqui. É a cor iluminada que faz isso não necessariamente o assunto. 17. Dicas finais para um estudo rápido e eficaz: Ok, então a terceira e última dica de estudo que eu gostaria compartilhar com vocês aqui envolve a informação no Capítulo 4, que já estamos lidando neste capítulo. Mas você sabe, a idéia de fazer sua cor local, não apenas literalmente uma cor, mas integrar diferentes matizes e temperaturas enquanto ainda mantém a aparência de uma cor singular. Agora, você sabe qual é a maneira mais rápida de praticar isso é realmente fazer esse pequeno exercício que eu mostrei a vocês no capítulo em si que são belas fotografias de diferentes materiais na vida real e apenas experimentá-los e pintar seus vários , mantendo um olho sobre o que a roda de cores está fazendo enquanto você amostra, que vai ajudar a enraizar certos movimentos em seu cérebro, que você pode, em seguida, puxar para fora mais tarde como você trabalha, digamos, da imaginação. Mas, a fim de preencher a lacuna para trabalhar a partir da imaginação, podemos inspirar-nos em outro artista, diz esta pintura de Greg man xadrez. Estou olhando para aquele monstro pré-armado. Qualquer um pode dizer-lhe que ele é verde, mas olhar para todas as cores que decididamente não são verdes lá. Então o que eu fiz foi cortar a pintura de Greg Mencius apenas para que apareça como cores abstratas. E normalmente eu não gosto de trabalhar em branco puro, então eu vou apenas me bloquear em algum tipo de ambiente neutro era um tipo de coisa acinzentada. E podemos ir a partir daqui. Vamos usar uma esfera de novo, como fazemos nestes estudos. Se você gosta, pintar formas básicas como esferas é uma espécie de par para o curso com tantas coisas de arte fina e coisas de ilustração. É ótimo para praticar, porque de novo, você não precisa pensar tanto no desenho. Vou fazer aquela coisa em que bloqueei a esfera na cor errada, entre aspas, queremos que a esfera apareça verde mais tarde, mas vou torná-la vermelha para começar. Na pintura original de Manchus, podemos ver algumas áreas que são avermelhadas. Isso é mais uma coisa alaranjada. E eu poderia usar laranja se eu quisesse colocá-los dentro Mas vamos ver se consigo manter algumas dessas cores enquanto adiciono o verde. Agora, enquanto eu quero que isso tenha uma fonte de luz, o que eu quero tentar e fazer agora é pintá-la sem a influência da luz. Então eu vou pegar minha ferramenta de manchas, talvez. E quando uso minha ferramenta de manchas, gosto de ligar a pintura com os dedos, o que me permite pintar com a cor que selecionei. E eu vou direto para o meu verde e dizer, tudo bem, é um tom verde terroso como este. E vamos começar a deitar nestes verdes, movendo o vermelho em direção ao verde. Este é o lugar onde a ferramenta de manchas é bom porque parece quase como um óleo molhado impasto escova ou algo assim. Outros aplicativos, Eu tenho realmente melhor em pincéis pastel do que este. A Like Corel Painter é conhecida por seus pincéis de mídia naturais. E até mesmo aplicativos como o Procreate realmente fazem um bom trabalho com essas coisas. Krita também, e Photoshop até certo ponto. Embora honestamente isso não é força Photoshop, mas Photoshop funciona bem. Se você pode encontrar o pincel certo para usar com a ferramenta de manchas, eu tenho este tipo de escova plana aqui. Eu acredito que este pincel é um dos pincéis impasto de Kyle Webster que vem com uma assinatura do Photoshop CC, que eu obviamente UM. Então é isso que estou usando. E, obviamente, não posso compartilhar esse pincel com você porque não é minha propriedade incluí-lo com o meu material. Mas se você tiver uma assinatura do Photoshop, poderá acessar o kit de impasto de Kyle Webster, que é de onde esse pincel vem novamente. Tudo bem, então você pode ver que eu estou apenas me movendo em torno do meu Hughes balançando, eu estou por perto. Isto é mais amarelo, verde. Eu tenho alguns verdes mais frios atrás dele e olhar para aqueles vermelhos, aqueles aquecimentos que estão apenas espreitando através agora em segundo plano. Vamos tentar alguns verdes azuis. Vamos subir até aqui. E mais uma vez, é uma mudança tão grande, este azul ou verde. Então, vou mantê-la cinzenta. Essa é uma ótima maneira de integrar cores. Se você é tímido sobre isso é apenas mantê-lo cinza no início. E então, enquanto você constrói confiança com esses cinzentos por meio de harmonizar o que está lá, então você pode talvez adicionar um pouco de saturação é você ir e eu acho que eu estou acidentalmente pintando uma fonte de luz. Vamos garantir que eu aplique essas cores por toda parte. Não quero que esta bola pareça ter luz agora. Então não quero repetir o estudo que acabei de fazer, que são as esferas de luz e sombra integradas na fotografia. Eu quero que este seja mais um estudo de cor plana. Mas quando eu terminar, digamos que quando eu estou neste nível, eu estou olhando para isso e eu estou tipo, ok, isso, que é como verde, mas assim como a pintura do monstro Greg Mencius aqui, há muitas cores lá que realmente não são verdes. Na verdade, vamos adicionar mais alguns. Como se eu visse alguns toques de roxo na panning Mencius. Vamos ter certeza que é muito bom. Talvez um pouco mais azul do que isso. Talvez seja mais parecido com este tipo de roxo. Coloque alguns deles e veja onde você pode empurrar os limites. Como quanto daquele roxo você pode colocar antes que comece a não parecer verde como se eu fizesse isso, agora de repente não é mais uma bola verde, certo? Se você está ciente de como você está misturando essas cores, bordas suaves, mesmo este pincel estilo ancinho criará sua própria versão de bordas suaves se você empurrar levemente o suficiente. E então, é claro, a ferramenta de manchas pode literalmente criar bordas suaves. E então há também ferramentas como o aerógrafo que eu tenho aqui em cima pode criar bordas suaves. Você ficaria surpreso com a quantidade de cor que você pode entrar em um pequeno estudo de cor local como este e ainda tê-lo, neste caso, lido como uma bola verde. Ok, então agora vamos simplesmente adicionar um pouco de luz a isso. Eu vou pegar um conjunto aerografado para o modo de esquiva linear, que eu tenho marcado em meus pincéis aqui, porque é um modo que eu uso muito. E você vê onde este monstro é iluminado pela luz do sol. É meio que um verde mais quente. Então vou escolher uma cor mais quente aqui. Linear Dodge, você realmente tem que escolher cores mais escuras porque ele acrescenta assim. E depois o que vou fazer é colocar isto. E a coisa boa de colocar em minhas cores locais primeiro e ter todas essas vibrações de cor embutidas é agora quando eu adiciono essa camada de luz com o modo de esquiva linear, ou você pode usar o modo de esquiva de cores ou o modo de tela. Eles fazem coisas muito parecidas. Preserva todo o trabalho que fiz por baixo. E agora sinto que temos uma bola tridimensional com todas essas vibrações de cor, essas variedades de matiz iluminadas por uma fonte de luz real. Eu poderia ir para o lado oposto e virar isso sobre 2 modo multiplicar, talvez obter uma cor mais fria. E com multiplicar, você vai escolher uma cor mais clara porque vai escurecê-la. E eu posso aumentar o contraste nas sombras e fazer esta bola aparecer um pouco mais, você sabe. Mude essas cores enquanto trabalho. E novamente, o modo de multiplicação, muito parecido com o modo de esquiva linear, preservará todo o trabalho de cores que fiz por baixo. E este estudo não é muito bonito. Quero dizer, há uma auréola de luz por aqui que eu posso pintar, mas não importa. Sabe, você não acha que está postando isso na sua conta do Instagram ou algo assim. Novamente, essas são coisas que você faz durante uma xícara de café da manhã e você está apenas tentando familiarizar seu cérebro e seus olhos com como as cores estão se movendo sobre isso, tudo importante, é o seletor de cores digital. Você sabe, esta aula é principalmente direcionada para pintores digitais, mesmo que as teorias de cores sejam totalmente aplicáveis aos artistas tradicionais, bem como, quando trabalhamos digitalmente, temos que respeitar esse seletor de cores. Nós não misturamos nossos pigmentos como um pintor de óleo tradicional faz. Por exemplo, escolher cores é complicado porque é tentador escolher a cor exata com a qual deseja pintar. O que estou mostrando aqui, especialmente neste exemplo, é que não é realmente o que você faz. Ou pelo menos outra opção é misturar cores na tela real e chegar às cores visualmente. Ou seja, você os avalia visualmente, não necessariamente escolhendo essa cor e dizendo, Oh, essa é a cor certa. É mais como você pode escolher essa cor e, em seguida, misturar em sua direção pressionando suavemente com seu pincel ou algo assim e você tem a influência dessa cor em uma área geral. Tudo bem, e se quiséssemos adicionar um pouco de sombra aqui, eu poderia escolher uma cor fria neutra algo e você sabe, se é uma luz quente no meu clássico ou sombra e apenas fazer algo assim. Novamente, este é decididamente menos bonito que o último, mas tudo bem. Estou fazendo isso de propósito porque quero te encorajar a entrar nesses representantes. E sinto que o perfeccionismo e muita qualidade às vezes podem prejudicar isso. Eu nunca estou dizendo que você deve abandonar a qualidade inteiramente como esta tem qualidade para ele, mas não é de modo algum uma pintura polida de uma esfera. No entanto, eu sinto que as cores que eu apenas capturei lá, e isso me levou 15 minutos, seria extremamente valioso se eu quisesse pintar algo tão complexo como este monstro na pintura Mencius original. Ou talvez um dos meus monstros verdes, que é exactamente assim que pinto este tipo. Não é coincidência aquele monstro estar muito perto de uma esfera. Ok, então vamos puxar esta chave para cima do Capítulo 5, e eu só quero te mostrar mais uma coisa. Não tenha medo de bolha de coisas phi. Todo este capítulo de dicas de estudo que eu estive falando basicamente eliminando o desenho, tanto quanto você pode. Bem, por que não simplificar ainda mais este estudo e fazê-lo de forma esférica? A única coisa que vou fazer diferente aqui é adicionar mais algumas esferas para formar a cena, e eu vou escolher algumas das principais cores lá dentro. Você pode ver os tons de jaqueta, os tons de carne, a bandana, tons vermelhos. E eu estou meio que inspirando um pouco de onde esses objetos estão. esfera mais distante para trás, que representa o menino na extremidade mais distante, precisa ser um pouco mais escura do que o menino mais perto. E vocês podem ver que minhas duas esferas representam isso. Isso é importante para mim nesta peça porque você não quer que essas figuras se juntem como uma massa. Você quer um pouco de separação lá. Isso é o que Rockwell fez em sua pintura de qualquer maneira, e eu gostei que mesmo que eles estejam vestindo a mesma roupa colorida, eles se separam um do outro através de uma diferença de valor. E neste aqui, porque o garoto no fundo e o cachorro são meio separados de tudo o resto. Eu nem vou incluí-los nesta versão do estudo. Se eu conseguir fazer com que as melhores bolhas funcionem, tudo que você tem que fazer é replicar essas decisões para o fundo e vai funcionar muito bem. Estudar às vezes pode envolver a simplificação criativa do seu assunto. E, novamente, isso é específico para o estudo de cores. Quero dizer, é meio parecido com a forma como estudamos desenho, certo? Quando estudamos desenho, eliminamos a cor. Então, quando estudamos cores, por que não eliminar o máximo de desenho possível? Agora, essa largura de banda criativa recém-liberada pode ser focada em suas seleções de cores. Sim, acho que vou acabar com aquele ali. Então também terminarei o Capítulo 6 aqui. E, por extensão, este é o fim da aula. Quero agradecer por assistir a cor Survival Guide. Eu realmente espero que esta aula tenha lhe dado algumas informações valiosas, lições e ferramentas que acabarão por ajudá-lo a impulsionar seu uso de cores para o próximo nível. Afinal de contas, acho que a cor pode ser uma coisa muito lógica. É certamente pode se sentir assustador no início, mas com a ajuda de ferramentas como as desta classe, eu tenho confiança de que você será capaz de fazer mais sentido disso. Certo, pessoal, aqui é Marco Gucci desligando. Vejo-te noutra aula. Feliz estudando.