Masterclass, Parte 1: As cordas e os ventos | Jason Allen | Skillshare
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Masterclass, Parte 1: As cordas e os ventos

teacher avatar Jason Allen, PhD, Ableton Certified Trainer

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Aulas neste curso

    • 1.

      Apresentação

      3:07

    • 2.

      O que é orquestração?

      3:44

    • 3.

      O que é instrumentação?

      4:29

    • 4.

      O que é sintetização?

      3:56

    • 5.

      Ranges e síntese

      2:32

    • 6.

      Textos sugeridos

      5:50

    • 7.

      O formato desta classe

      2:24

    • 8.

      Música da minha orquestra

      5:11

    • 9.

      Grandes pontuações

      5:35

    • 10.

      Transposição

      8:53

    • 11.

      Ordem de instrumentos

      3:31

    • 12.

      Letras e números

      3:53

    • 13.

      Dicas para ler pontuações

      2:48

    • 14.

      Peças compartilhadas e "mesas"

      7:26

    • 15.

      Como se transforma página

      4:48

    • 16.

      Cortes

      3:15

    • 17.

      O que é transposição?

      8:41

    • 18.

      Por que fazemos isso?

      7:07

    • 19.

      Instrumentos de Muti-key

      1:56

    • 20.

      Alguns truques em torno de transposição

      3:23

    • 21.

      Instrumentos na seção "cordas orquestrais"

      5:15

    • 22.

      Bowings

      4:39

    • 23.

      Pizzicato

      5:03

    • 24.

      Fadiga

      5:07

    • 25.

      Várias paragens

      7:35

    • 26.

      O violino: alcance e som

      7:59

    • 27.

      The Viola: alcance e som

      5:43

    • 28.

      O Cello: alcance e som

      6:09

    • 29.

      O Baixo (Contraste): alcance e som

      7:56

    • 30.

      A seção de caracteres

      2:43

    • 31.

      Efeitos de seqüência

      3:05

    • 32.

      Harmônica

      6:29

    • 33.

      Mutes

      5:28

    • 34.

      Col Legno

      4:16

    • 35.

      Ponticello

      3:24

    • 36.

      Glissando

      5:46

    • 37.

      VIBRATO

      1:49

    • 38.

      Scordatura

      3:10

    • 39.

      Como eles funcionam

      6:44

    • 40.

      Notas sustentadas

      5:55

    • 41.

      Tonguing e ritmo

      2:12

    • 42.

      Transposições!

      3:04

    • 43.

      Os tipos de flautas

      5:04

    • 44.

      As Flautas: alcance e som

      4:36

    • 45.

      Os tipos de boes

      3:51

    • 46.

      The Oboe: alcance e som

      4:43

    • 47.

      Os tipos de clarinetes

      5:10

    • 48.

      O Clarinete: alcance e som

      8:33

    • 49.

      O Pausa!

      4:54

    • 50.

      Os tipos de bassoons

      6:07

    • 51.

      O Bassoon: alcance e som

      4:16

    • 52.

      Os tipos de saxofones

      7:28

    • 53.

      O Alto Saxofone: alcance e som

      2:27

    • 54.

      Saxofone Tenor: alcance e som

      4:22

    • 55.

      O Saxofone Barítono: alcance e som

      3:39

    • 56.

      O Saxofone de Soprano: alcance e som

      1:45

    • 57.

      Efeitos especiais

      1:12

    • 58.

      Cliques chave e ar e muitas

      5:13

    • 59.

      Multiphonics

      6:06

    • 60.

      O que vem em breve?

      2:09

    • 61.

      Conclusão!

      0:36

  • --
  • Nível iniciante
  • Nível intermediário
  • Nível avançado
  • Todos os níveis

Gerado pela comunidade

O nível é determinado pela opinião da maioria dos estudantes que avaliaram este curso. Mostramos a recomendação do professor até que sejam coletadas as respostas de pelo menos 5 estudantes.

663

Estudantes

--

Sobre este curso

Taxa de resposta Todas as perguntas publicadas neste curso são respondidas dentro de 24 horas pelo instrutor.

Você é um criador de música, intérprete, compositor ou aspirante a um jogo para criar seu jogo? Este é o lugar para começar.

É hora de aprender orquestração para dar à sua música o poder, a paixão e a prodigiousness que ela merece.

Orquestração é o estudo de cada instrumento na orquestra, como eles funcionam, como escrever para eles e como cada instrumento colide com os outros para criar novos sons. Pense como pintura: a orquestra é sua paleta de cores. Mas você não quer apenas misturar todos juntos. Você precisa entender alguns princípios de misturar essas cores antes de colocar seu pincel em tela.

Nesta série de aulas, vamos trabalhar em três coisas:

  • Instrumentação: saber como todos os instrumentos da orquestra funcionam e como escrever para eles de forma idiomática.

  • Composição: usando a orquestra para escrever música poderosa. Como misturar os diferentes sons da orquestra para criar um som novo, único.

  • Sintetização: usando software de produção comum (Ableton Live, FL Studio, Logic Pro, Pro Tools, Cubase, etc) para criar um som de orquestra usando bibliotecas de amostra.

Neste primeiro curso, "Parte 1: As Cordas e os Vento" vamos focar inteiramente na instrumentação - aprendendo como escrever para as cordas (violino, viola, violeta, baixo/contrabando) e os ventos (flauta, oboé, clarinete, fagote e saxofone).

Se você não me conhece, publiquei muitos cursos aqui. Esses cursos foram realmente bem bem sucedidos (mais vendidos de fato!), e este foi um dos cursos mais solicitados pelos meus alunos (mais de 1.000.000 deles) Estou muito animado para finalmente conseguir trazer isso para você.


Aqui está uma lista de alguns dos tópicos que vamos cobrir:

  • Transposição
  • Ordem de pontuação
  • Dicas para ler pontuações
  • Como preparar peças para jogadores
  • Como revirar e cortar página
  • Cumprimento
  • Pizzicato
  • Paradas duplas
  • O violino
  • A Viola
  • O Violão
  • O baixo
  • Efeitos de seqüência
  • Harmônica
  • Col Legno
  • Ponticello
  • Glissando
  • VIBRATO
  • Scordatura
  • Os ventos
  • Tom sustentado
  • Tonguing e ritmo
  • Tipos de flautas
  • Tipos de Oboes
  • Tipos de clarinetes
  • A ruptura no clarinete
  • Tipos de bassoons
  • Tipos de saxofones
  • Saxofone alto, saxofone tenor, saxofone bari e saxofone soprano
  • Efeitos de vento
  • Multiphonics
  • E Muito, Muito, mais!

Minha promessa para você:

Sou compositor e educador de música em tempo integral. Se você tiver alguma dúvida, por favor publique-as no curso ou envie uma mensagem direta. Eu vou responder dentro de 24 horas.

O que me torna qualificada para ensinar você?

Além de ser compositor e educador, também tenho doutorado em música, sou professor de música universitária, e tenho uma longa lista de prêmios para ensino.

Mas mais importante: uso este material todos os dias. Escrevo música profissionalmente, sou guitarrista e fico em cima de todas as técnicas de produção, fluxos de trabalho e estilos. Como você vai ver neste curso, eu adoro este material. E adoro ensinar.

Vamos começar!

Vejo você na lição 1.

Todos os melhores.

Jason (mas me chame Jay...)

Conheça seu professor

Teacher Profile Image

Jason Allen

PhD, Ableton Certified Trainer

Professor

J. Anthony Allen has worn the hats of composer, producer, songwriter, engineer, sound designer, DJ, remix artist, multi-media artist, performer, inventor, and entrepreneur. Allen is a versatile creator whose diverse project experience ranges from works written for the Minnesota Orchestra to pieces developed for film, TV, and radio. An innovator in the field of electronic performance, Allen performs on a set of “glove” controllers, which he has designed, built, and programmed by himself. When he’s not working as a solo artist, Allen is a serial collaborator. His primary collaborative vehicle is the group Ballet Mech, for which Allen is one of three producers.

In 2014, Allen was a semi-finalist for the Grammy Foundation’s Music Educator of the Year.

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Level: All Levels

Nota do curso

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Transcrições

1. Introdução: Ei pessoal, bem-vindos à orquestração. Você pode me conhecer por minhas muitas, muitas aulas de teoria musical disponíveis aqui, e por cerca de 100 outras aulas disponíveis aqui. Uma das coisas que me perguntaram de literalmente milhares de alunos como curso de orquestração estrangeira, e eu adiei fazer isso até agora porque é um tópico muito denso, é muito profundo tópico. E eu não tinha criado um currículo que me sentisse muito bem por mergulhar profundamente na orquestração. Mas acho que estou lá, então você achou. Primeiro de tudo, aqui estão algumas minhas peças de orquestra. Ganhei vários prêmios por escrever música de orquestra, e estou muito orgulhoso da música de orquestra que escrevi. Nesta aula. O que vamos fazer é começar da maneira que a maioria das aulas universitárias ensina orquestração, que é com o tópico da instrumentação. É assim que eu gosto de explicar a instrumentação é quando alguém vem até você como compositor e diz, você é um compositor, você toca todos os instrumentos? Você pode simplesmente dizer sim, você tem minha permissão para fazer isso. Mas a resposta real é não, eu não toco todos os instrumentos, mas sei como todos eles funcionam. Isso é o que é instrumentação. Precisamos aprender como cada instrumento funciona. E então vamos nos aprofundar na orquestração. Nesta seção, vamos nos concentrar nas cordas e nos ventos. Vamos aprender sobre cada instrumento desses dois grupos, como eles funcionam, quais são seus intervalos, o que você pode escrever para eles que soará bem e o que você pode ter problemas com escrever para eles. Também falaremos nesta aula sobre escrever para a orquestra em experiências gerais que tive de trabalhar com orquestras e como você prepara partes, como você pensa sobre viradas de página, tudo o que... coisas corajosas que você tem que saber. Mesmo que você não esteja planejando trabalhar com uma orquestra real. Tudo isso é algo realmente valioso se você planeja incorporar como uma seção de string em faixas eletrônicas ou qualquer coisa assim. Vou falar muito sobre como isso funciona à medida que as seções deste curso se desenrolam. E vamos dedicar muito tempo apenas a falar sobre como fazer sua orquestra sintética, orquestras amostradas soar muito real. Então, junte-se a mim na aventura em que estamos mergulhando agora com algumas coisas básicas sobre como a orquestra funciona. E então vamos bater no chão correndo com as cordas. Então, vamos fazer isso. 2. O que é orquestração?: Ok, então muitas pessoas estão me pedindo para uma aula de orquestração e eu fiz um pouco de cutucado para descobrir quais são exatamente seus pensamentos sobre orquestração e o que você está procurando aprender. E eu meio que resumi em duas coisas que acho que a duas coisas que acho que maioria das pessoas está procurando na sua aula de ilustração. Uma é a capacidade de escrever música para a orquestra principalmente para fins de pontuação de filmes ou algo assim. Isso é ótimo. A segunda coisa é fazer com sua música de orquestra soe bem através da porta que estejam usando. Então, fazer com que a biblioteca de amostras e uma boa biblioteca de amostras de orquestra soem muito bem. Podemos fazer isso também. Então, tradicionalmente, a forma como a orquestração é ensinada na universidade é uma espécie de duas partes. É uma aula chamada instrumentação e orquestração. A primeira parte é instrumentação. E é isso que vamos cobrir primeiro. E a segunda parte é orquestração, uma instrumentação. Você aprenderá o que são todos os instrumentos e como eles funcionam. Falaremos mais sobre isso em apenas um segundo. Na orquestração, você aprende a criar todos esses sons, misturá-lo em uma pintura. Como tirar todas essas cores diferentes, cada instrumento lhe dá uma cor diferente. Como pegar todas essas cores e pintar com elas. É um pouco diferente de escrever a música. Muitas pessoas escrevem música como dois paus, apenas em um piano. Grande equipe. Então eles o orquestram, o que significa que eles escrevem para a orquestra completa, ou escrevem para alguma outra combinação de instrumentos. Você nem sempre precisa trabalhar com uma orquestra completa. Orquestração pode significar que vou escrever isso para quarteto de cordas ou quinteto de vento ou algo assim. Isso meio que basicamente significa reescrevê-lo para mais instrumentos. O que vamos ver é, na orquestração, é como sons diferentes se combinam. Olhando para o que temos aqui, temos Brahms, sinfonia número um aqui. Então você pode ver aqui que ele tem os chifres nesta nota baixa e depois dois outros chifres chegando nesta melodia. Por que isso é nos chifres inferiores em vez dos chifres superiores? Quando isso é sonicamente mais alto. Por que você faria isso? Na verdade, há uma lógica muito boa para isso. Isso é algo que podemos falar sobre uma orquestração. Temos aqui, as flautas e oboés nesta harmonia agradável, movendo-se em uníssono rítmico. E as cordas nas duas violências e oitavas, Será que tipo de som isso cria? E quando combinado com esses fluidos no mesmo intervalo, que tipo de som isso cria, essa orquestração? É disso que se trata, é como todos esses sons funcionam juntos para criar uma paleta única de cores. Acho que é isso que ilustração. Mas vamos começar com instrumentação. Então, vamos a um novo vídeo e vamos falar sobre o que queremos dizer quando falamos sobre instrumentação. 3. O que é instrumentação?: maior parte do tempo estarei em algum lugar. E alguém diz: O que você faz para viver? E eu tenho muitas maneiras diferentes. Eu respondi isso e isso é uma conversa para outro dia. Mas às vezes vou dizer, sou compositor. E inevitavelmente, quando você diz isso a alguém, há duas respostas que você provavelmente obterá. Um deles vai falar sobre como eles tocaram clarinete e quarta série e blá-blá blá. E isso sempre me deixa louco. Mas a outra resposta é, Oh, você deve tocar todos os instrumentos, então. Você pode responder a isso como quiser. Às vezes eu apenas digo sim. Normalmente eu digo Sim, todos eles mal e alguns deles são bons. Mas a resposta real é não, eu não toco todos os instrumentos. Poucas pessoas tocarão todos os instrumentos. Mas eu sei como todos eles funcionam. E é disso que se trata a instrumentação. O que precisamos fazer na instrumentação é que vamos aprender todos os instrumentos. Vamos aprender como eles funcionam. Qualquer coisa única em que precisamos pensar quando estamos escrevendo para elas. E seus intervalos e sua tessitura geral. E agora esta é uma palavra com a qual vamos lidar um pouco nesta classe. A tessitura de um instrumento geralmente significa que é um alcance confortável. Também o usamos para falar um pouco sobre o som nessa faixa e às vezes até o volume. Por exemplo. Vamos dar uma olhada aqui. Uma flauta. É uma pontuação de felicidade. Se eu estivesse falando sobre o tour de teste de um fluido, eu falaria sobre não seus extremos, como se pudesse ir um pouco realmente, um ótimo artista pode ficar bem alto acima do registrador aceito, registrar-se. Talvez até abaixo usando algumas técnicas estranhas. Mas estamos falando sobre o alcance normal. Nesse intervalo, há uma curva dinâmica para ele. Obtém, quando eles estão nessas notas realmente, muito altas, eles têm que soprar muito para obter essas notas altas, então elas são barulhentas. Eles não podem tocar uma nota muito alta, muito silenciosa através de alguns truques como um verdadeiro artista virtuoso pode, mas é muito difícil. O oposto também é verdadeiro. Se você escrever algo muito baixo para flauta, vai ficar muito quieto. Então você tem que pensar nisso quando está escrevendo. Se você realmente quer que ele seja ouvido e tocado na flauta, você não pode escrevê-lo muito baixo. Essas são todas coisas na faixa de instrumentação. Coisas para pensar. Os testes que duram do instrumento. E às vezes penso nisso como a palavra pátina às vezes , mas não realmente. Não é que seja o alcance e as qualidades únicas do instrumento, nem mesmo únicas, as qualidades do instrumento dentro dessa faixa. Então é nisso que estamos nos concentrando com a instrumentação. Agora não vamos passar por todos os instrumentos conhecidos pela humanidade. Nesta aula. Vamos nos concentrar principalmente nos instrumentos de orquestra e em algumas esquisitices. Como se houvesse alguns instrumentos sobre os quais tendemos a falar, uma instrumentação que não são membros tradicionais da orquestra, mas eles foram usados na orquestra como guitarra, saxofones. Falaremos sobre isso. Eles não estão na orquestra tradicional, mas valem a pena falar sobre alguns outros também. Então, vamos passar por todos esses instrumentos, como eles funcionam, o que eles fazem, esquisitices deles, algo assim? É assim que você responde a essa pergunta. Você toca todos os instrumentos? Como se eles não precisassem saber disso, mas não, você não precisa aprender a tocar todos os instrumentos, mas precisa saber como todos eles funcionam. Se você vai escrever para eles. Isso é instrumentação. 4. O que é sintetização?: Agora há uma coisa nova que está chegando na última década ou duas. Isso não faz parte da maneira como isso, esse material tradicionalmente ensinava normalmente que é instrumentação e orquestração. É assim que você ensina essas coisas. Mas há uma terceira coisa que vou abordar ao longo deste curso. Eu poderia, ainda não me comprometi totalmente com isso, mas posso fazer um terceiro curso da série totalmente dedicado a essa coisa. E isso é o que chamamos de duração da sintase. ração sintase é um pouco de língua e bochecha, mas é um termo real usado principalmente no mundo do cinema e da TV. Como o ilustrador é alguém que pega a música do compositor e a coloca em um DAW, atribui amostras a ela e faz com que ela soe super real e realmente ótima. Há muitos dos melhores compositores do mundo cinematográfico que não sabem nada sobre computadores. Mas quando eles precisam fazer uma renderização de computador que muitos deles fazem, mesmo que estejam usando uma orquestra real. Muitos deles precisam fazer uma renderização de computador para obter aprovação antes de contratar a orquestra. Eles enviam para o que é chamado de traidor sintase para um trabalho real. Mas, além de um trabalho real, existem algumas técnicas realmente úteis para aprendermos apenas a fazer nossa faixa soar melhor. Algumas técnicas para fazer nossa porta tocar nossa música da maneira mais precisa. Ou, às vezes, usar nossos dados para enganar e quebrar algumas das regras de orquestração. Falaremos sobre isso no futuro. Bem, vamos falar sobre isso um pouco agora. O exemplo que acabei de dar à flauta muito baixa. Em uma verdadeira orquestra. Se sua linha de flauta estava muito baixa, e então havia como uma grande coisa de bronze acontecendo sobre ela. Você nunca ouviria essa linha de flauta. Seria obliterado. Mas no mundo mais reto sintase, posso girar, posso simplesmente diminuir o volume do latão e o volume cima da flauta e fazê-lo para que linha de baixo fluido apareça e você ouça. Isso nunca funcionaria no mundo acústico. Nenhuma quantidade de balanceamento fará com que isso funcione. Mas em um mundo sintético onde eu posso. Então, uma coisa que é realmente complicada sobre a ração sintase é que você precisa, você tem que ter em mente. Se você fizer algo assim, você tem que saber que é isso que você está fazendo. E se você decidir imprimir a partitura e contratar uma orquestra, isso não vai funcionar. Você pode fazer coisas no reino digital que não funcionarão com uma orquestra real. Você pode quebrar todos os tipos de regras. Então você dá a uma orquestra real e vai soar como lama. Acho importante separar essas coisas, separar falar sobre escrever para a orquestra acústica e escrever para a orquestra sintetizada. Eles são muito dois, são dois animais muito diferentes para escrever. Principalmente nesta aula, vou focar na orquestra acústica. Quando eu falar sobre algo no mundo sintético, direi explicitamente isso. Então, se eu estiver, se eu sentir a necessidade no final, farei uma terceira classe totalmente dedicada a essa ideia de duração sintase. Mas, por enquanto, vamos seguir em frente. 5. Intervalos e síntese de síntese: Tenho outra coisa que quero dizer sobre isso, sobre essa ideia separar orquestra e sintetizador. Escrevendo. Os intervalos são assim. Intervalos, o alcance de um instrumento é mais ou menos finito. Na maioria das configurações. Vejamos um violino. As cordas baixas em um violino é G. A nota G, que baixo G, que é tão baixo quanto eles vão, eles não podem ir mais baixo. Você poderia retomar o violino, mas falaremos sobre isso quando chegarmos à violência e por que você não deve fazer isso, mas você poderia, mas em quase todas as circunstâncias que é um tom baixo finito, você não pode ficar menor do que isso. A nota inferior de um violino é fixa. Em um sintetizador. Não precisa ser. Você pode fazer um ir mais baixo. Mas se você der isso a um jogador de verdade, eles vão rir de você. Eles vão dizer, Uau, você não sabe qual é a nota mais baixa de um violino. Então, outra coisa que você tem que acompanhar. A nota superior em um violino tem um pouco de flexibilidade. Porque uma vez que eles ficam muito altos, alguns jogadores podem tirar algumas notas extras. Alguns deles podem usar unha para obter o tipo de harmônico na corda passando pelo braço. Há um pouco de flexibilidade no que é a nota mais alta. No violino. Há muitos instrumentos como esse. Mesmo como o clarinete tem uma nota mais baixa finita. Mas a nota mais alta, existem algumas técnicas virtuosas que permitem que você arrume mais um nó ou mais duas notas. De qualquer forma, o ponto é que, quando você está no mundo sintético, você pode deixar esse violino descer abaixo de G um pouco. Porque é sintético. Você pode fazer o que quiser. Mas no mundo acústico, você não pode fazer isso. Não é só impossível, é também como um grande faux pas. Há muita política no mundo da orquestra, então você não quer criar um grande faux pas porque eles não vão tocar você mesmo. Se você fizer isso. Vou tentar deixar a política da orquestra fora da maior parte desta classe, mas provavelmente vai entrar aqui e ali. Certo, vamos seguir em frente. 6. Textos sugeridos: Ok, Então, em algumas das minhas aulas de teoria musical, notei que muitos de vocês me fizeram nas perguntas para um livro didático que você poderia usar para acompanhar algumas das minhas coisas teóricas aqui e ali deu algumas sugestões, mas há muitos livros didáticos de teoria musical diferentes em instrumentação e orquestração. Há, lá, quero dizer, há muitos livros didáticos de orquestração diferentes, mas existem alguns que são realmente tipo de livros de orquestração padrão. Eu queria apontar três deles, dois deles, e então um tipo de bola estranha que eu gostei, você não precisa comprar esses livros para usar essa classe. Mas se você quiser que um livro use como referência mais tarde, isso pode ser muito útil. Não é incomum que as pessoas tenham que procurar qual é o alcance da trompa inglesa. A Internet funciona bem para isso, mas se você quiser reservar o primeiro, eu vou recomendar, na verdade, o primeiro que vou recomendar é um que eu não tenho atualmente porque eu emprestei para alguém. Mas é que nós apenas chamamos de Adler. Deixe-me procurar qual é o nome exato. Por Samuel Adler. O estudo da orquestração por Samuel Adler. Simule outro grande compositor ensinado orquestração, acredito na Juilliard como sempre. E este livro é como o texto de orquestração padrão. Se você for, se você fizer uma aula de orquestração universitária, é muito provável que você use o livro Adler. É tradicional no sentido de que não vai falar sobre sintetizadores ou qualquer coisa assim. Isso é composição acústica e orquestração, devo dizer. Outro livro é aquele que realmente aprendi e ainda gostei. Não é tão popular quanto o Adler, mas esta é a bexiga BLAT TER. É chamado de instrumentação e orquestração. É um bom livro. É muito bem definido para referências. Você pode apenas olhar para cima todas as qualidades únicas de, eu vou abrir aleatoriamente para as tubas. Aqui está uma foto de um monte de côvados diferentes. Também é um bom livro. Ambos são ótimos. Uma bola estranha. Este era um livro que um professor me recomendou para sempre atrás. E eu li e gostei muito. Isso é chamado de anatomia da orquestra por Norman Del Mar. Este não é um texto de orquestração padrão. Mas o que eu gosto nisso é que é um texto de orquestração que tem quase como um comentário espirituoso sobre a política e o temperamento do jogador. Haverá seções que dizem: Aqui está uma passagem para Trompete. Então ele mostrará uma passagem de música. E eu direi que se você escrever isso, o trompetista provavelmente vai te dar um soco na cara porque trompetes geralmente querem lutar e eles ficarão loucos você ter feito dessa maneira . dessa forma. E há apenas esse estranho, como o narcisismo britânico embutido nele. É como um pouco divertido. Em algum lugar aqui havia uma passagem que eu destacou que não consigo encontrá-la no momento, mas é como um trecho de Beethoven. E então diz que observou este trecho de Beethoven e depois nos mostra música de Beethoven. E então diz, se Beethoven soubesse o que estava fazendo, ele teria escrito assim. E você só acha que isso é algumas, são algumas afirmações ousadas lá. Mas achei um pouco divertido e também útil obter algumas dessas ideias sobre orquestração. Então eu gostei disso. Eu usei isso como referência ao longo dos anos. Você pode ver que é um livro branco. Então você pode ver que ele tem muito uso porque é como virar cores e é como orelhas de cachorro. Três livros didáticos. Todos eles, mas especialmente o Adler e a bexiga, serão úteis se você quiser que um livro o ajude nesta aula. Não vou ensinar especificamente nenhum desses livros. Vou seguir meu próprio caminho aqui. Mas se você conseguir um desses livros, você ficará bem em usá-lo como referência com esta aula, vou guiá-lo sobre como gosto de ensinar orquestração, mas você será capaz de acompanhar realmente qualquer livro didático padrão. Muito bem. Certo. Então, novamente, o livro didático não é necessário. Você não precisa sair e comprar este livro didático. Mas se você é alguém que gosta de livros didáticos, lá vai você. 7. O formato deste curso: Um pouco rápido sobre o formato desta classe. O que vamos fazer é primeiro passar por algumas coisas básicas que você precisa saber, pontuações, partes, transposições, esses tipos de coisas. E então, uma vez que passarmos por isso, vamos entrar em cada instrumento individual, sempre faremos o mesmo. Primeiro, falaremos sobre a família dos instrumentos. Portanto, há uma série de famílias de instrumentos. As famílias seriam como cordas, vitórias, bronze, percussão, coisas assim. Falaremos sobre a família primeiro e depois entraremos em cada instrumento individual da família. E falaremos sobre o alcance e a dinâmica sonora dentro desse instrumento. Então falaremos sobre efeitos especiais e esquisitices. Efeitos especiais seriam como qualquer coisa estranha que eles possam fazer que você possa pedir a eles para fazer em uma peça para um efeito especial, então esquisitices seriam qualquer coisa que seja particularmente para esse instrumento fazer. Como, bem, coisas como a tuba, dando-lhes notas muito longas e sustentadas. Você não pode fazer isso porque eles precisam respirar. E é preciso muito ar para empurrar esses grandes nós baixos por todo o caminho através de uma tuba. Você não pode dar notas muito longas para segurar. Isso é apenas uma coisa especial sobre os dois por dois. Na verdade, muitos instrumentos de latão. Uma coisa que você vai descobrir é que se não precisássemos respirar, a orquestração seria muito mais fácil por toda parte. Mas, infelizmente, não temos orquestras de robôs cheias. Provavelmente há, na verdade, agora que eu digo que, de qualquer forma, esse é o tipo de formato que vamos continuar. Eu configurei dessa maneira para que você possa usar, você pode fazer referência a isso mais tarde. Você pode voltar para essa classe e meio que passar e ver como oboé. Aqui estão os vídeos do oboé e , em seguida, assista novamente a eles, se você precisar. Mais uma coisa. E então estamos batendo no chão correndo. 8. Minha música da orquestra: Certo, então suponho que vale a pena salientar que escrevi uma boa quantidade de música de orquestra. Escrevi muito para, escrevi muito para cordas, bronze, todas as combinações. Tenho muitos quartetos de cordas. Você, em algumas das minhas outras aulas, você me ouviu falar sobre isso, mas nas minhas outras aulas eu nunca falei sobre minha música de orquestra que foi tocada por um grande acústico humano real orquestra. Tenho algumas peças com as quais me saí muito bem. Pensei em te mostrar um deles aqui. Este chamado camadas de flechas, recebeu um punhado de performances de algumas orquestras diferentes. Algumas pessoas escreveram artigos sobre isso Para uma nova prática comum. Coisas muito acadêmicas, o que talvez seja interessante para você. Vamos dar uma olhada rápida nele. Eu não quero me debruçar muito nisso, mas em uma pontuação, a primeira página sempre lista a instrumentação. Todos os instrumentos, a percussão que você precisa. Qualquer nota ou qualquer coisa assim. Aqui está a pontuação. Isso vai passar por. Vou jogar um pouco disso. Para te dar uma ideia disso. Esta é uma gravação ao vivo, obviamente. Aqui estão alguns aros bastante longos. Aqui está esse gesto. Ok, então essa foi a introdução. Talvez eu faça tudo isso disponível para você se você quiser ouvir a coisa toda. É como 15 minutos de duração, mas continua e fica meio caótico e depois meio romântico e bonito e depois meio caótico novamente. Há muitas anotações nele. Então eu estou mostrando tudo isso só para dizer, sim, eu escrevi música de orquestra, então trabalhei com grandes orquestras. Quero um monte de prêmios para minha música de orquestra. Acho que sei do que estou falando. Acho que vamos mergulhar. 9. Grandes lindas pontuações: Ok, então antes de entrarmos em cada instrumento individual, quero falar sobre a pontuação. pontuações de orquestra e grandes pontuações em geral têm algumas coisas únicas para elas que valem a pena apontar. Neste primeiro vídeo. Eu queria apenas falar sobre o quanto adoro olhar para essas grandes pontuações. Deixe-me mostrar a si mesmo. Eu tenho alguns dos meus. Aqui está a peça que estávamos olhando. Isto é, a maioria das pontuações são impressas neste papel grande de 11 por 17 ou maior. O longo caminho. Então, espero que você possa ver isso. Deixe-me tentar isso para que você possa realmente ver a orquestra completa em todas as páginas. Isso faz com que ele se encaixe em todos em uma página, mesmo neste grande papel torna cada instrumento realmente pequeno. Você tem que realmente apertar os olhos para ler isso. E é por isso que a maioria dos condutores usa óculos. Porque eles estão acostumados a ler essas pequenas notas. Mas um conjunto completo, uma orquestra completa esmagada em uma página, até mesmo grandes coisas de papel. Aqui está outra peça de orquestra por mim desde que chamada sunder. Este é interessante porque você verá em algumas páginas, deixe-me encontrar uma aleatória. Você verá alguns escrevendo e lendo. O que está acontecendo lá é, esta é uma cópia do que usei no ensaio. Muitas vezes em ensaios com uma orquestra, você, como compositor, sentará na platéia meio perto do maestro, mas não, mas ainda longe o suficiente para ouvir tudo muito bem. Então você rabiscará algumas notas. E depois que eles passarem por isso, você vai até o maestro e dirá: Ok, aqui com a nota diz que não é mudo. Isso significa que nessa seção, eu quero que eles retirem o mudo. Você pode dizer ao maestro coisas que são diferentes do que estão na pontuação. Mas na maioria das vezes estávamos apenas esclarecendo o que está na pontuação. Você realmente não quer fazer alterações. Mas às vezes há perguntas que surgem e coisas assim. Muitas vezes, quando você faz isso, é como coisas dinâmicas. Eu notei alguns deles aqui. Um aqui, eu circulei como duas notas. E eu escrevi demais. Ou seja, diga ao maestro para dizer ao jogador, esse é o jogador de marimba. Para puxar um pouco lá. Apenas esclarecendo as coisas. Chega sobre mim. Deixe-me mostrar minha pontuação favorita que eu possuo. Liquidy Requiem. Esta é uma pontuação de monstro. É muito grande. Eu comprei isso quando estava viajando. Eu estava em Paris. Eu só tinha uma mochila grande e comprei isso e depois deixei para trás um pouco para que eu pudesse encaixar isso na minha mochila. O que torna isso tão grande é que há muito DVC aqui. Ou seja, normalmente, quando escrevemos como o violoncelo, por exemplo, o violoncelo pode ter dez pessoas tocando, mas escrevemos uma equipe e diz violoncelo. E todos esses dez jogadores de cordas jogam a mesma coisa. Nesta peça. Cada pessoa recebe sua própria parte. Existem dez paus para violoncelo, dez paus para o primeiro violino. Provavelmente são mais de dez Steve por um segundo. Mielina, provavelmente mais. E nem todas as páginas estão mostrando todos os instrumentos. É tão pequeno em sua mão escrita para, a propósito. É tão pequeno e lindo de ler. Guy adorava ouvir música e acompanhar a partitura. Há notas de liquidez aqui onde ele escreveu algumas coisas e francês na verdade pode ser traduzido, sabe, é francês, alemão, na Alemanha. Mas é uma peça bonita também. De qualquer forma. Adoro grandes pontuações bonitas. Eu poderia apenas passar por grandes pontuações durante todo o dia. Você não precisa. Então deixe-me seguir em frente com isso. Há algumas coisas que esperamos ver nas pontuações que eu quero apontar nos próximos vídeos. E então também falaremos sobre algumas dicas sobre como ler partituras, seguir junto com uma partitura enquanto você está olhando para a música ou ouvir a música é difícil e é preciso alguma prática, mas tenho algumas dicas de como fazer isso. Primeiro, vamos entrar nessa ideia de transposição. 10. Transposição: Eu parei aqui. Esta é uma página de Harry Potter e a pontuação da Deathly Hlows de Hans Zimmer. Não é muito difícil ler um monte de notas sustentadas. Um pequeno coração rápido floresce, pouco solo e trombetas. Nada de louco. Quero apontar uma coisa. Vejamos a assinatura da chave. Nenhuma assinatura de chave aqui. Legal, mas uma assinatura chave aqui são os clarinetes. Isso significa clarinetes. Aqui estão os clarinetes tocando em uma chave diferente, e os saxofones tocando em uma chave diferente, mas o tenor e sua própria chave. E depois os chifres e mais uma chave. Então, tudo o resto na chave de C. Isso nos diria que nós os temos tocando na chave de C ou menor. Estes tocam nos clarinetes, tocando na chave do clarinete baixo D e a chave de D. Alto sax é a chave de um tenor na chave de D, os atos de bagas e a chave de trombetas na chave de D, chifres no chave de G, e todos os outros, e C ou menor. Não, não é isso que está acontecendo. O que tropeçamos aqui é algo chamado transposição. E isso é uma coisa que não falamos sobre isso e todas as minhas aulas de teoria musical. E há uma razão para isso. A razão para isso é porque eu odeio isso. Odeio tanto e não sou bom nisso. Eu estraguei tudo todas as vezes. Aqui está um pequeno segredo divertido sobre mim mesmo. Sou muito disléxico. Quando se trata de dislexia na música. Acho que realmente tenho muitas vantagens. Há muitas coisas que meu cérebro sendo conectado de uma maneira diferente me ajuda a fazer um monte de pensamento criativo, muitas maneiras únicas de resolver problemas e pensar em coisas que a maioria das pessoas não pensa. Isso é muito útil para um músico ter. No entanto, há duas coisas que são como meu calcanhar de Aquiles com ele. Um deles está olhando para o numeral romano quatro e depois o numeral romano seis quando estamos fazendo análise, eles estão sempre errados para mim. Mas isso não tem nada a ver com isso. O outro é transposição. Aqui é onde está a transposição. Vamos falar muito sobre transposição nesta classe. Vamos olhar para isso para todos os instrumentos. Vamos falar sobre o que eles transpostos. A maioria dos instrumentos. Se eu tocar em um piano e eu estiver tocando com um clarinete, eu digo tocar meio C. E eu toco C meio no piano, e eles tocam no meio ali, meio C. Nós não vamos ser tocando a mesma nota. Nem sequer separados por uma oitava. Clarinetes estão em B plana, então eles vão tocar um apartamento B quando eu tocar um C. Duas notas totalmente diferentes. É por isso que se você já ouviu alguém dizer, todos tocam, assistem concertos ou tocam isso em um show. discurso do concerto significa que todos vamos tocar da mesma forma. Veja, se você estiver jogando um clarinete, você vai jogar um D para que ele corresponda ao meu C. Eu acho que basta fazer isso de trás para frente. Talvez eu tenha feito isso de trás para frente. Quando entrarmos em transposição mais, o que faremos em breve, mostrarei alguns truques sobre como ter certeza de que você está certo porque eu descobri alguns truques. Mas é uma coisa muito irritante. Então, o que estamos vendo aqui é que estamos todos jogando na mesma chave. É só que essa pontuação não é uma pontuação transposta. Então, estamos mostrando os clarinetes exatamente na música que eles fariam tocar. Isto é, que, gritos. Isso vai soar para nós como um G. eu acho. Vai estar em uníssono com aquela flauta G. Isso faz sentido. Nem todas as notas são iguais em todos os instrumentos. Há uma espécie de razão histórica que é assim que é. Isso vai te deixar louco por orquestração. Tudo o que posso dizer é que estou com você e que não há nada que você possa fazer sobre isso. É do jeito que é. Ventos, transpor saxes, transposição, transposição de latão. Transpor de chifres. As cordas tendem a não transpor. Cordas. A percussão são instrumentos não transponentes. ventos superiores tendem a ser instrumentos não transponentes, o que significa que eles estão na chave de C. É principalmente quando estamos lidando com os ventos e o bronze que temos que lidar com a transposição. Mas em uma orquestra eles são uma camada importante para ela. Quando você olha para uma partitura, você tem que saber se você está olhando uma partitura de transposição ou não uma partitura de transposição, a assinatura principal nem sempre lhe dirá porque na música cromática mais moderna, não há assinaturas chave em nada. A maneira de dizer geralmente é olhar para a capa. Normalmente, a capa ou a página interna dirão algo assim. Aqui está minha peça sunder. A página interna onde diz Instrumentação. Logo abaixo da instrumentação , diz pontuação em C. Isso significa que tudo o que está aparecendo nesta pontuação é transposto. Para que as notas, estamos olhando, as notas que vamos ouvir. Os clarinetes foram escritos para estar na chave de C nesta pontuação. Agora isso significa que eu não posso simplesmente tirar a parte da pontuação, dar a eles porque então todas as notas estarão erradas. Tenho que transpô-lo para obtê-los para o papel. Lidará com peças em um minuto. Mas todas as minhas pontuações são pontuações e vejo que as transponho para que eu possa olhar para as notas e saber quais são as notas sem ter que transpor na minha cabeça. Porque eu sou um péssimo nisso. Saiba mais sobre transposição em breve. Mas é um elemento importante de uma pontuação saber se você está olhando para uma pontuação de transposição ou não uma pontuação de transposição. Se você está olhando para algo e diz pontuação e vê, então você sabe que as notas que você está vendo são as notas que você vai ouvir. Se não disser pontuação e ver, então você tem que fazer a transposição em sua cabeça quando você lê-lo. Uma última coisa sobre isso, quando se trata de pontuações, uma coisa que eu descobri é que a maioria dos condutores, especialmente a maioria dos condutores nos EUA, estão muito felizes em ter pontuação em C. Eles, qualquer condutor vale o peso, pode lidar com uma pontuação de transposição muito bem, ou uma pontuação transposta N. Mas os maestros americanos são muito, estou feliz por ter uma pontuação e ver que não é um problema. Acho que os condutores europeus tendem a ser um pouco mais tradicionais. E eles realmente não querem uma pontuação em C. Eles estão acostumados a ver tudo e transpostos. E está escrito corretamente e fazendo isso na cabeça deles. Essa é uma generalização muito ampla, mas essa tem sido minha experiência com ela. O que você vai mais em transposição em breve. Vamos seguir em frente e falar sobre o layout da pontuação. 11. Ordem do instrumento: Vamos falar sobre a ordem de pontuação. Isso é importante em muito padronizado, ou seja, a ordem dos instrumentos na página. Não mudou muito nos anos e não é, pode não ser exatamente o que você pensa. Há algumas esquisitices nele. Você pode pensar que as coisas mais altas estão na parte superior e as coisas baixas estão na parte inferior. E isso é verdade de uma forma, mas não é verdade de outra forma. A coisa a lembrar, grande imagem, Windsor no topo. E então, dentro dos ventos, você vai do mais alto para o mais baixo, geralmente. Piccolo, flauta, oboé, clarinete, isso é fagote. Alto a baixo, mais ou menos. Então temos latão. E novamente, vamos grosseiramente de trombetas altas a baixas. Deixe-me fazer um em inglês. Bem, deixe-me mostrar-lhe um que eu conheço. A página de instrumentação geralmente lista tudo em ordem. Então, vamos ventos. Então piccolo, flautas, oboés, clarinetes, clarinete baixo, fagote. E se houver um contra fagote, fagote muito baixo, latão, chifres, trombetas, base de trombones, tuba. Eu acho. Eu vi chifres indo no topo do latão, e vi chifres indo na parte inferior do latão lá, meio que um instrumento de latão estranho. Suponho que seja flexível. Então temos harpa e piano. Eles estão meio que em sua própria família de certa forma. Você pode deixar qualquer um desses fora. A propósito, você não precisa usar todos os instrumentos da orquestra todas as vezes. Então, sob isso, temos percussão. Tímpanos. Primeiro, ele recebe suas próprias coisas. Tympani é sempre tratado como sua própria linha de percussão. Falaremos mais sobre isso quando falamos de percussão, mas é um conceito importante. Depois disso. As forças de percussão, dizemos, há três estados de percussão que decidi usar. Você não precisa usar três tímpanos e, em seguida, sua percussão pauta. E depois, na parte inferior, os pontos fortes da VIA. Sempre violino, violino, viola, violoncelo, baixo ou contrabaixo, como você quer chamá-lo. Essa é a ordem tradicional. É importante manter essa ordem porque lembre-se quando você está lendo a pontuação, você pode estar seguindo uma linha e depois virar a página. Você precisa continuar seguindo essa linha. Agora, às vezes, temos pontuações em que deixamos fora instrumentos que não são reproduzidos nessa página. Isso é chamado de pontuação de corte. Acho que isso meio que caiu fora de moda. Gostaríamos de mostrar as varas vazias só porque é mais fácil de seguir. Mas você vê algumas pontuações assim. Eles são mais difíceis de seguir. Sim, é isso. Ventos, latão. Harbin, piano. Percussão, pontos fortes. Ordem de pontuação. 12. Letras e números de ensaio: Ok, em seguida, letras de ensaio e números de ensaio. Há algumas filosofias diferentes sobre isso e não há uma coisa padrão que você deva fazer. Basicamente, você quer um ensaio, fila, algum tipo de letra ou um número em qualquer tipo de momento significativo na peça. Barras duplas, definitivamente qualquer coisa que seja uma barra dupla. Na maioria das vezes, se houver uma mudança de ritmo, um, ou às vezes se houver uma mudança de medidor, esses são todos bons pontos para colocar uma barra dupla ou colocar uma carta de ensaio. Mas também apenas um ponto significativo, talvez um ponto complicado, um local que o condutor pode querer ensaiar várias vezes, dar-lhes uma carta lá. É só para tornar os ensaios mais suaves. Agora, você pode usar letras ou números. Eu prefiro cartas de ensaio. O motivo é que eles não se confundem com números de barras. Você não quer, bem, quando se trata de uma partitura e trabalhar com uma verdadeira orquestra humana, a pior coisa que você pode fazer é perder tempo porque é muito caro ter essa orquestra sentado no palco. Então, qualquer coisa que você faça precisa ser muito, muito clara. Se o maestro diz, todos vão para 45, depois metade da orquestra levanta a mão e diz: Você quer dizer ensaio número 45 ou medida 45? Você acabou de perder tempo. Então, não faça isso. É por isso que prefiro dizer a letra D. Então todos sabem o que é a letra de ensaio D. E não é medida 45. O que eu fiz essa peça em particular e algo que meu professor na época me incentivou a fazer. E eu acho que é uma prática muito boa e eu fiz isso em muitas peças. O sentido é no início de cada página, eu coloquei o número da medida dessa página e o grande círculo que está em cada página. Eles mediram números ali mesmo. Há também números de medida. Acho que é isso. Acho que é o único ponto em que coloquei números de medida. Números medidos no canto superior cada página e números realmente grandes apenas para que o condutor, quem quer que esteja lendo a pontuação, possa vê-los bem e claramente. E então eu também coloquei cartas de ensaio em um quadrado. Então você pode ver D lá. O número do ensaio. É assim que eu gosto de fazer isso. Mais uma vez. Não há nada padrão nisso. Apenas tenha certeza de colocar alguns lá e torná-lo para que não seja confuso. Outra maneira de fazer isso que eu vi muitas pessoas fazerem é usar números para o ensaio, mas fazê-los serem números medidos. Então, se isso for medido 42, isso é 4243. letra D está na medida 44. Então, em vez de colocar um D, eu poderia fazer um número muito grande, 44 lá. E então eles poderiam dizer, e então o condutor pode dizer, vá para 44. Não haveria dúvida porque é tanto o número da medida quanto o número do ensaio que podem funcionar. Gosto de separá-los. Onde quer que você tenha que fazer funciona bem. Não há nada padrão aqui, mas apenas certifique-se de colocar alguns lá para que, quando eles estiverem ensaiando, possamos acelerar as coisas e não perder tempo. 13. Dicas para marcar pontos de leitura: Dicas para ler pontuações. Isso é difícil, é difícil ler pontuações. É preciso muita prática. Mas aqui estão alguns segredos. Voltamos àquela página de Zimmer, Hans Zimmer, Harry Potter. Se eu estivesse ouvindo isso jogado e tentando acompanhar o placar. Uma coisa que eu poderia fazer é olhar para frente. Esteja sempre olhando para frente alguns bares em busca de entradas. Alguma entrada significativa? Aqui, há um solo de trompete. Quando eu virar a página e ver esta página chegando, se eu estivesse perdido, eu iria. Enquanto a próxima entrada pode ver essa entrada de chifre. Mas este solo, esse solo de trompete vai ser um pouco mais óbvio. Eu ficaria como, ok, e depois seguiria isso. Então eu poderia, eu poderia me mudar para este riff harpa e ouvir isso. Pode até pegar esse riff triangular. Então você está meio em ziguezague. Não tente olhar toda a página e ingerir toda a harmonia e tudo. Há algumas pessoas que podem fazer isso, mas eu não posso fazer isso. Apenas deixe seu olho ir para onde ele precisa ir. Então siga esta linha, talvez tenha pulado para baixo e veja esta entrada do triângulo. Vá para essa harpa e tendências. Quanto mais você fizer isso, mais você começará a ver essa linha. O que está acontecendo nos saxes e nos chifres, como tipo de tudo ao seu redor. E então aqui você verá o que também está acontecendo no eufónio e no triângulo. Você começará a obter cada vez mais e mais. Mas quando você começar a lê-las, tente procurar entradas e seguir uma entrada. Mesmo como essa nota alta de flauta, isso vai realmente se destacar e você poderá ouvir isso. Enter, insira. E então isso lhe dará algo para se agarrar. Esteja sempre rastreando entradas de instrumentos. É o que eu faço e foi assim que aprendi a ler uma pontuação. Quanto mais você fizer isso, mais você desenvolverá a habilidade para aqui. O que há em torno dessas coisas? E meio que se concentre e obtenha mais do panorama geral. É tudo sobre rastrear entradas enquanto você começa. 14. Partes compartilhadas e "Desks": Certo, vamos falar sobre peças. Agora. Eu sei que você é como, vamos entrar na carne e batatas e vamos aprender sobre os instrumentos. O que vamos chegar lá. Eu só quero cobrir isso porque não há outro bom lugar para cobrir isso. E é importante saber se você vai trabalhar com uma orquestra de verdade. Um monte de coisas sobre peças. Pontuação. Na verdade, me deixou usar essa pontuação. Às vezes, você pode combinar várias partes em uma equipe. Por exemplo. Vemos, eu sei que você não pode ver isso, mas os chifres, eu tenho duas varas para quatro chifres. Há dois chifres em uma equipe. No entanto, em partes, você só pode ter um instrumento em uma equipe. Todo instrumento precisa ter sua própria parte. Se eu fosse fazer as partes da buzina para aquela peça, eu teria que pegar a parte do chifre e separá-la em duas partes diferentes. É uma espécie de dor, mas é assim que tem que funcionar. A exceção são strings, obviamente, como a seção de violino. Eles precisam ter lá. Se você estiver dividindo os primeiros violinos, por exemplo, e dizendo como metade da seção faça isso, metade dessa seção faz isso. Então você pode ter uma parte que se divide em duas varas, mas elas precisam ter sua própria equipe. Então, vamos falar um pouco mais sobre cordas rapidamente. Então, a maioria dos instrumentos na orquestra tem seu próprio suporte. Ou seja, se você tiver três trombetas, você terá três partes de trompete. Cada um deles fisicamente tem um suporte e separação nesse suporte, as cordas funcionam um pouco diferentes. As cordas geralmente são duas pessoas por stand. Isso é chamado de mesa. Uma mesa significa duas pessoas olhando para um suporte. Haverá jogando a mesma parte. Normalmente, como isso funciona é quanto mais uma pessoa mais alta ou sênior estará do lado de fora. E o locador classificou a pessoa, no entanto , que a orquestra faz, estará no interior da mesa. Em seguida, a pessoa menor será responsável por qualquer virada de página que eu preciso que aconteça. Stands em mesas são um termo importante. São termos importantes. percussão funciona um pouco diferente onde a percussão, você precisa ter. Normalmente, o que você tem é uma parte para cada jogador, não para cada instrumento de percussão. Os tímpanos se separam. E então, se houver três percussionistas, então você faz três partes. Você também pode fazer o que é chamado de pontuação de percussão, que mostra toda a precaução em uma parte com várias varas. Pode ter três ou quatro paus mostrando toda a percussão de uma só vez. Eu conheço em algumas das orquestras maiores com as quais trabalhei, eles, o diretor gostou que o princípio é o melhor jogador da seção. Então, o princípio do percussionista gostou de ter essa pontuação que eles podem analisar quem está fazendo o quê. A lógica que existe, que eles vão ser melhores em descobrir isso do que você é. E fiquei mais do que feliz em deixá-los descobrir isso. O que eu faço é me separar para cada percussionista e uma pontuação. Então eu dou tudo isso a eles e basicamente digo aqui estão mais informações do que o que você precisa, mas junte o que você quer para que funcione. Mais uma coisa que eu quero dizer sobre peças. Aqui, eu tenho algumas partes que elas voltaram de uma performance. Então, estes foram usados pela última vez na performance com a Orquestra de Minnesota. Eles estão marcados um pouco. Você pode ver as marcações dos jogadores em todos eles. Deixe-me fazer isso. Você notará que este é um tamanho ímpar de papel. Talvez você não possa dizer isso, mas é um tamanho estranho. A razão é que os suportes podem estar muito distantes, especialmente para as cordas onde estão compartilhando um suporte. Tornou-se padrão usar esse papel de tamanho realmente descolado. Pelo menos é funky para os EUA. Acho que são dez por 13, se me lembro certo. São dez por dez por 13. A maneira como você faz isso é que você não imprime apenas sua música em papel de dez por 13. Não é assim que você faz isso. Você imprime em padrão no tamanho da letra dos EUA. Isso é 8,5 por 11. E então você explode até dez por 13. Que tudo é maior do que você esperaria, isso facilita a leitura quando está mais longe. Achei que esta é uma prática muito padrão, dez por 13 papel quatro partes. Se você estiver trabalhando com uma orquestra, essa é uma orquestra significativa, uma orquestra importante, eles provavelmente terão um bibliotecário em tempo integral. E aquele bibliotecário talvez disposto a ajudá-lo com isso. Às vezes, você pode simplesmente enviar suas peças 8,5 por 11 e elas as explodirão no lado direito do papel e fazer a encadernação. Eles usam uma fita adesiva especial porque é silenciosa. Às vezes, eles esperam que você faça isso por eles, mas às vezes eles farão isso por você, e às vezes eles até preferem fazê-lo apenas para garantir que seja feito corretamente. Neste caso, acabei de enviar um monte de PDFs do 8.5 por 11 e eles imprimiram as peças para mim, que foi ótimo e as amarrou e depois devolve-as para mim. O que era super legal, tão estranho tamanho de papel. Mas você tem que explodi-los um pouco porque às vezes eles estão um pouco mais distantes. Certo. Vamos falar sobre voltas de página. 15. Voltas de páginas: Ok, as voltas de página são uma coisa muito importante e você tem que pensar nelas quando você está fazendo peças. E pode ser uma grande dor de cabeça. Tenho aqui duas partes. Você notará que esta é a segunda parte do violino, e esta é a parte do violoncelo. Você notará que a segunda parte do violino como uma página de rosto e a parte do violoncelo não. Por quê? página começa? Ele não precisa ter uma página de rosto. Mas na segunda parte do violino, eu não tinha como colocar uma virada de página no final ali mesmo. Como se eles estivessem apenas jogando. Eu tive que fazer uma página de rosto para que a primeira virada da página acabasse bem naquele resto. Você precisa dar a eles que deseja alinhar sua página aparece com a prisão, seja preso logo antes da virada da página ou de um restaurante após o termo da página. Idealmente antes. Há alguns truques em torno dele. Por exemplo, vou te dar, há uma notação que você pode usar, um VCS, parece assim. Aquele pequeno itálico V, S ali mesmo. A fonte é importante. É um símbolo. Significa algo em italiano ou latim. Não se lembre do que significa, mas basicamente significa avisar. Esta é uma rápida virada de página. Isso significa que você está jogando logo após o termo da página. Há um descanso de um bar aqui. Este não é um ritmo muito rápido, então há um descanso de bar. E depois há uma virada de página lá de volta no VS significa apenas virar a página rápida. Deixe-me olhar na parte do violoncelo. Aqui está um bom VS. Aqui eles só têm três batidas. Eles tocam uma nota. E depois há três batidas VS, o que significa que eles estão jogando imediatamente na próxima página. Logo na próxima página, eles têm mais duas batidas e depois estão jogando. Se você absolutamente não conseguir alinhar uma página, vire com qualquer descanso. Digamos que alguém esteja jogando pelo que será três páginas seguidas. Você pode fazer as páginas dobradas para que você tenha uma virada de página e, em seguida, uma página que seja aberta para dentro, modo que se abra em três páginas. Você quer evitar isso o máximo possível porque vai, há algum som associado a há algum som associado ruffling todas essas páginas. Leva um minuto para fazê-lo, então você precisa desdobrá-lo para virar a página. Assim que acabar. É uma espécie de pior cenário para se fazer. Mas isso pode ser feito. Em todas as partes. Você tem que pensar em viradas de página, descobrindo os melhores pontos. E às vezes isso significa apertar algumas medidas com muita algumas medidas com muita força para ela se alinhe para que haja um descanso. E às vezes isso significa deixar grandes quantidades de espaço. Acabei de ver aquele que olhamos como aqui. Eu poderia encaixar mais alguns sistemas na parte inferior aqui, mas não fiz porque essa era minha melhor opção para uma página virar tudo o resto ficou estranho a partir daí. Então, às vezes você deixa espaço vazio em uma página ou até mesmo páginas inteiras em branco, para que você possa facilitar uma boa bebida Paige. Porque lembre-se que você só precisa virar a página em todas as outras páginas. Então, às vezes você deixa uma página em branco para que você tenha uma página. Ligue a página anterior, vire-a e, em seguida, você tem duas páginas de música sólida. Muito para negociar. É muito para pensar, mas é algo com o qual todos temos que lidar. Alguns dos softwares mais novos, software notação, ajudarão você com isso e forçará uma virada de página a se alinhar no lugar certo. Mas ainda é preciso uma olhada de perto para se certificar de que tudo é factível. Turnos de página. 16. Cuas: Lembre-se do que eu disse alguns vídeos atrás onde eu disse que um dos objetivos de um ensaio de orquestra é não perder tempo. É super importante que tudo seja realmente eficiente e ninguém esteja confuso sobre o que está acontecendo. Para esse fim. Uma das coisas que você vai querer colocar em suas partes é, porque eu tenho uma aqui na parte violoncelo. Espero que você possa ver isso, mas olhe para a equipe inferior. O que você está vendo lá é essa música que o violoncelo toca. E depois há três barras de descanso. E então aqui, veja essas minúsculas cabeças de notas. É música, é notada corretamente, mas com minúsculas cabeças de notas, minúsculas cabeças de notas. E diz TBT acima dele. Isso é uma deixa. Eles não deveriam jogar isso. O que isso significa é isso que a trompete está planejando, isso é o TPMT. Então eles têm três barras de descanso e depois ouvem esse riff de trompete que deveria ajudá-los no caso de se perderem naquelas três barras de descanso ou algo assim. Quanto mais acusa, melhor, mais daqueles você pode colocar. Quero dizer, você não quer que eles por todo o lado. Mas se você tiver uma peça que tenha alguma quantidade significativa de restos, três barras, dez barras, 20 barras. Então, antes de entrarem novamente, dê a eles uma fila, dê a eles algo para ouvir. E não é porque eles não podem contar. Como se fossem músicos profissionais, eles podem contar. Mas é só para confirmar que há certo e evitar que alguém estrague tudo. Você quer colocar pistas onde quer que elas tenham descansos significativos. Ou, às vezes, se houver algo realmente óbvio, coloque-os de qualquer maneira. Se houver como uma grande enorme lua de percussão e eles não estão jogando naquele momento. Coloque esse boom lá como um cubo. Certifique-se de que está claro que é uma fila. Você usa cabeças de anotações minúsculas, depois algum texto acima dele apenas para dizer o que é isso. E isso só confirmará que eles estão no lugar certo. É muito útil e economiza muito tempo no ensaio. Artistas, acho que realmente espero vê-lo. Então faça isso. Porque são bons. Mais uma vez, alguns deles eram softwares atualizados. software de notação pode simplesmente colocar filas automaticamente em suas partes. É preciso olhar para se certificar de que eles estão certos. Mas já vi alguns deles fazerem isso muito bem e alguns deles se saem muito mal. Então você só tem que olhar para ele e ter certeza de que está certo. 17. O que é transposição?: Ei pessoal, sou eu do futuro. Eu filmei este vídeo. Então. Estou de volta jogá-lo para você. Mas depois acabei com toda a turma e pulei de volta. Porque preciso esclarecer alguma coisa. Vou falar mais sobre isso no próximo vídeo. Mas à medida que começamos a falar sobre transposição, há um conceito que preciso ter certeza é absolutamente super claro. Ou seja, que a transposição que estamos falando que cada instrumento tem que fazer, não tem nada a ver com a chave da música. Não pense isso como se tivéssemos chifres e F, mas em uma melodia diferente, quem pode ter chifres em B flat? É assim que funciona. O chifre é um instrumento que é sintonizado e projetado em torno de F. Ele pode tocar cromaticamente, mas é projetado em torno F. É por isso que chamamos de chifre em F, Não tem nada a ver com o música que está tocando. Ele sempre se transpõe dessa maneira. Quando falamos sobre a chave de um instrumento, estamos falando sobre as propriedades físicas da forma como o instrumento é projetado, não tendo nada a ver com a própria música. Falaremos mais sobre isso em um minuto, mas eu, literalmente, não consegui dormir ontem à noite e me certificar de que transmiti esse conceito para você cedo o suficiente. Estou pulando de volta para ter certeza de que você obtê-lo. Certo. Agora, neste vídeo, um milhão de anos, quando eu estava no ensino médio, escrevi um musical. Foi a primeira, minha primeira tentativa de escrever algo não apenas para guitarra, baixo e bateria. E era alto e eu realmente não sabia que o que eu estava fazendo era ruim antes de você pensar, Oh, ele deve ser um gênio. Você escreveu um musical no ensino médio. Foi muito ruim. Mas eu me lembro da primeira vez que ensaiamos a música. Eu estava tocando violão e estava liderando a banda. E a banda era como, basicamente, meus amigos todos se juntaram. Então era guitarra, baixo e bateria, e depois alguns saxofones, alguns sutiãs. Talvez algumas vitórias. Escrevi tudo à mão e escrevi todas as partes à mão. Foi muito tedioso. Lembro-me ficar acordado a noite toda fazendo isso. Eu estava muito animado. Tenho tudo escrito depois da escola, honesto. Em um dia. Eu tenho que essas pessoas ficarem por aqui e brincarem com isso. Acho que queria ouvir como soava com real com qualquer instrumento. Eu não tinha um computador na época. Mais uma vez, milhões de anos atrás. Lembro-me de contar . Deixe-me, aqui vamos nós. E a primeira coisa foi um acorde grande ou algo assim. E todos tocaram seu bilhete e soou horrível. Horrível. Então continuamos e chegamos a essa melodia que deveria ser uma grande coisa de uníssono entre alguns ventos de bronze e eu na guitarra. E soou horrível. Não era uníssono e era super dissonante e desagradável. Então parei e disse, estraguei algo. Deixe-me descobrir isso. Vamos tentar isso novamente. Amanhã. Fui ao diretor da minha banda e disse: O que fiz de errado? Por que não soou certo? Ele disse transposição. Sei que já falamos um pouco sobre transposição, mas vamos falar mais sobre isso porque é incrivelmente essencial. Deixe-me mostrar um exemplo de como isso funciona. Eu tenho aqui em nova partitura, apenas o modelo padrão de orquestra clássica. Hum, você verá apenas por padrão, estou recebendo uma assinatura de chave diferente em clarinetes. Você também notará que diz clarinete no apartamento B. Às vezes, listamos os clarinetes como clarinetes em B plano porque eles estão em B plano, essa é a transposição que eles usam. Você verá outros instrumentos listados dessa forma. Trompete em B-flat ou coisas assim. Vou falar mais sobre por que isso é em apenas um minuto. Mas vamos fazer um pequeno experimento. Vamos escrever algumas notas. Aqui. Veja. F. Vamos escrever a mesma coisa para o cotovelo. Agora vamos ouvi-los. Eles devem ser uníssono. Isso definitivamente não é uníssono. Isso é uma bagunça. Lá. As mesmas notas, porém. Mas elas não são as mesmas notas porque isso está em B-flat, tem uma assinatura de chave diferente, tudo. Então, vamos fazer isso. Vamos às propriedades da equipe. E aqui embaixo, é aqui que está nos dizendo a transposição da nossa equipe. Instrumento, clarinete plano B. O nome da peça, como ela está escrita. Faixa de passo utilizável, transposição profissional. Aqui está o que estamos procurando. Para um grande segundo abaixo é o que estamos fazendo. Digamos que Sem transposição, o que seria um uníssono perfeito. Agora, ele vai mover todas as minhas anotações para baixo porque está transpondo. Mas se eu movê-los de volta, só eles, Itália, lá vamos nós. Agora eu desliguei a transposição nesse instrumento. Agora vamos ouvi-lo em uníssono. Bom. Falarei mais sobre isso em um minuto, mas um truque para se você não for bom em transposições, como eu, o que você pode fazer, ir em sua pontuação, desligar todas as transposições ou colocá-las em uníssono. Em seguida, escreva sua música. Então volte e ligue-os novamente. Digamos que eu queira que esse clarinete esteja em terços acima daquele oboé. Vamos fazer E, F natural. Agora vamos ouvir, ver um E, F, D e F, E e G. F e uma boa melodia em terços. Adorável. Mas quando faço essa parte, preciso voltar a ligar essa transposição. Então, vou voltar aqui. Vamos ver, eu clique com o botão direito do mouse. Propriedades da equipe. Vá aqui. Transposição, segundo maior, lá embaixo. Agora isso parece estranho, parece que parece um quarto. Mas parece certo. É bizarro. Mas você tem que ficar bom em fazer isso. Certo, então vamos falar um pouco mais. Vamos falar sobre por que isso funciona da maneira que funciona. 18. Por que fazemos isso?: Lembro-me de algumas das aulas de teoria musical, muitos de vocês dizendo: Por que fazemos dessa maneira? Como por que, por que o piano não é apenas todos os meio passos e todos os passos como por quê? maior parte do tempo a explicação foi que é exatamente o jeito que é feito. A forma como isso tem sido feito por uns 1000 anos. Estou antecipando muitos de vocês dizendo: Por que fazemos dessa maneira? Isso é loucura. E suporte total. Estou a bordo com essa raiva. Se você ler online, você pode encontrar muitas explicações diferentes sobre motivo pelo qual acabamos com esse sistema maluco. Deixe-me apontar três, tipo dos três mais proeminentes na minha opinião, há outras razões pelas quais as coisas funcionam dessa maneira. Mas aqui estão os três mais proeminentes. Eu acredito. O primeiro, lamento dizer, é tradição e repertório. Há apenas uma tonelada de música que foi escrita dessa forma. Por muito perto de 1000 anos. Definitivamente por cinco ou 600 anos. Quero dizer, ele remonta a Mozart. Mesmo muito antes disso, tínhamos alguns instrumentos de transposição e era assim que era. Então, temos toda essa música que é escrita dessa maneira. Seria difícil trocar os instrumentos para fazê-los não transpor, redesenhar todos os instrumentos e seria difícil reescrever toda a música. Então, funciona dessa forma porque é assim que sempre funcionou, o que é uma resposta horrível e horrível. Mas é uma resposta muito lógica. Número para evolução. Evolução dos instrumentos. Houve um tempo em que os instrumentos, maioria dos instrumentos não seria esperado para tocar em todas as teclas. Você teria um instrumento que poderia tocar em apenas uma tecla. O piano ficou assim por um longo tempo. Antes de termos chaves pretas, só tínhamos chaves brancas. E tínhamos pianos diferentes sintonizados em teclas diferentes. Eles eram instrumentos que agora chamaríamos de temperados, o que significava que eles estavam sintonizados com uma chave específica. Acabamos por descobrir um sistema chamado temperamento igual, onde descobrimos matematicamente como sintonizar algumas coisas para que fosse muito bom em todas as chaves, mas não perfeito em nenhuma chave . Isso é uma discussão para outro dia. Mas digamos que você tenha uma trombeta e ela foi projetada para tocar realmente em sintonia em algumas teclas. Mas se você adicionar esta pequena válvula extra ou este pequeno pedaço de tubo extra e este modificador. Agora você pode jogar cromaticamente e todas as teclas, mas para sempre. Mas a maneira como você faria isso é mudando tudo para cima e baixo, a fim de não ter que reaprender todos os dedos para todas as diferentes teclas. Acabamos de adicionar uma transposição. É meio estranho, mas só tem a ver com a evolução natural disso. Isso é um grande. O terceiro é a versatilidade do jogador. Digamos algo como clarinete e saxofone, digamos especificamente saxofone alto. clarinete está em B plano, saxofone alto está em E-flat. Eles estão em chaves totalmente diferentes. Mesmo que ambos possam jogar totalmente cromaticamente, eles podem jogar em qualquer chave, mas eles estão nessa chave. A razão, uma razão pela qual funciona dessa maneira é que muitas vezes vemos, vezes esperamos que clarinetes e saxofones dupliquem, o que significa que um jogador pode tocar esses dois instrumentos. E se os colocarmos nessas chaves diferentes, podemos manter os dedos iguais. Todas as mesmas notas para todos os mesmos dedos, elas soam diferentes. Denotes soarão diferentes, mas seus dedos não precisam reaprender cada nota para cada instrumento. Os jogadores podem ser mais versáteis porque estão apenas mudando para um instrumento em uma chave diferente, mas todos os dedos ainda funcionam. Esse é um grande motivo para, novamente, há outros motivos. Esses são provavelmente os mais comuns. A buzina ou a buzina francesa é provavelmente o maior ofensor porque pode mudar. Você pode fazer algo para que ele esteja em duas chaves diferentes. E então você tem que acompanhar duas transposições diferentes. Eu disse algo há um segundo e quero esclarecer isso antes de seguirmos em frente. Quando estamos falando sobre a chave do instrumento, isso não tem absolutamente nada a ver com a música que eles estão tocando. Este é o, isso tem mais a ver com as propriedades físicas do instrumento. Clarinete em D plano. Isso não significa que a música que estamos planejando esteja em B flat ou algo assim. Significa apenas que estamos transpondo esse clarinete por um segundo. Porque se fosse, porque o oboé logo acima está em C, se não diz nada, está em C. Again, não tendo nada a ver com a música que estamos tocando. Isso significa apenas que se eu escrever um C, vou ouvir um C. Se estiver em B flat, eu escrevo um, C. Vou ouvir um D. É estranho. Portanto, não confunda a transposição de instrumentos com a música na página. Temos que escrever a música um pouco diferente para transpor instrumentos para que ela soe correta. Mas não estamos falando sobre a chave da música ou nada parecido. 19. Instrumentos de muti-key: Vale ressaltar que alguns instrumentos existem em várias chaves. Trompete é um bom exemplo disso. O padrão é trompete plano B. No entanto, há também um trompete C. Isso seria um trompete que não requer nenhuma transposição. Na verdade, conheço alguns jogadores que preferem o som da trombeta do mar. Parece diferente. É muito diferente. É uma diferença muito sutil. Porque a trompete é projetada de forma um pouco diferente. Tem um pouco mais de tubulação ou um pouco menos de tubulação ou algo assim. Tem um tom diferente. É sutil, mas é um tom diferente. Portanto, é muito comum ver um trompetista carregando várias trombetas, uma e b plana e uma. E veja, conheço muitos jogadores que vão se separar escritos em B flat e transpor em sua cabeça para que eles possam tocá-lo em um trompete C. As pessoas que tocam instrumentos de transposição profissionalmente ficam muito boas em transpor na cabeça. clarinete é semelhante. Clarinete e plano B são o padrão. No entanto, há um clarinete em um que é muito comum, e um tom clarinete diferente de um clarinete plano B. E em uma orquestra padrão, é bastante comum. Ambos são bastante comuns. Então B flat é o tipo de tradicional, mas você pode especificar um clarinete se esse é o som que você deseja. Som um pouco diferente. Sutil, mas a mesma coisa com trombetas C. Prefiro escrever para gotículas C porque odeio transpor. Mas lá vai você. Há alguns outros instrumentos como esse também que têm várias versões, mas esses são os maiores títulos. 20. Alguns truques indiscretos em volta da transposição: Eu mencionei anteriormente, eu disse que vou te dar alguns truques para locomover e transpor se você for ruim nisso como eu sou, a melhor maneira é o que eu já mostrei. Entre em alguma coisa, use um editor de notação e transponha a música. Em seguida, escreva sua música e depois volte e transponha. Agora, a coisa que você tem que tomar cuidado ao fazer isso é que você tira seu instrumento fora do alcance. O muito, muito fácil de fazer porque você não está escrevendo as notas que eles vão ver. Você tem que se certificar de que depois de transposto. E alguns instrumentos como o E-flat, que podem subir um sexto. Se você escrever algo em que você está fazendo com que eles cheguem a uma nota alta, isso pode ser ótimo. Mas então, uma vez transposto, eles estão em uma nota muito alta e está muito alta. Você precisa. Então o que eu faço é escrever a música. Eu desligo a transposição. Eu escrevo a música. Então eu ligo a transposição quando terminar. E então passe por cada parte que é transpor e certifique-se de que nada esteja fora do alcance. E você tem que fazer uma camada de verificação dupla sobre isso para garantir que você não faça isso. Essa é uma maneira de garantir que você faça o certo. Apenas deixe o computador fazer isso por você. Se você estiver fazendo uma aula de orquestração na faculdade ou em qualquer tipo de aula de instrumentação, você tem que fazer um exame onde você está transpondo coisas. Isso não ajudará você. Você só precisa aprender a fazê-lo, mas talvez você possa fazê-lo corretamente. Eu sempre faço isso de trás para frente. Eu posso fazer isso como 100 vezes e ser como, Ok, este instrumento, uma vez que sua transposição, ele sobe um segundo maior, tenho certeza disso. 100% vai. Esse nó agora é essa nota. E então eu farei o computador fazer isso e ele deu o caminho errado. 100% do tempo eu vou fazer isso e então eu vou pensar, ok, tenho 100% de certeza que vai subir. Então vou derrubá-lo porque sei que sempre faço isso ao contrário. E então vou dizer ao computador fazer isso e ele deveria subir. Eu simplesmente não posso quando deixei o computador me ajudar a ter certeza de que faço certo. É trapaça. Eu não me importo. Supondo que tudo isso seja dito, vamos seguir em frente para as cordas. Agora, se em algum momento desta aula eu estou falando de transposições. E eu digo, aqui está a transposição para este instrumento e eu digo isso ao contrário. Desculpe, provavelmente não vou, porque costumo evitar dizer coisas assim. E eu tenho o poder da edição de vídeo. Provavelmente vou verificar se digo algo assim, mas eu sou conhecido por entendê-los errados, me chamar nos comentários e vou entrar e editá-lo e corrigi-lo. Vamos entrar em alguma música. Vamos falar sobre as cordas. 21. Instrumentos na seção "cordas de orquestras": Certo, vamos falar sobre a seção de cordas. Instrumentos na seção de cordas. Então, basicamente, neste grande pedaço de vídeos, o que vamos fazer é falar sobre o tipo de família de cordas. Então vamos entrar em instrumentos individuais. E depois falaremos sobre algumas técnicas especiais. Então, primeiro a família de cordas. Na orquestra, seção de cordas. Consideramos que isso significa para diferentes instrumentos e cinco paus. Segure isso por um segundo. Então, o primeiro instrumento é o violino. Provavelmente saiba o que é um violino. Geralmente é o mais alto dos instrumentos na seção de cordas. O segundo instrumento é a viola. Este é provavelmente o único que, se você não estiver familiarizado com um deles, provavelmente é este. Viola é um pouco menor que um violino. É um pouco maior. Sim, é mais baixo, tem um pouco de cremoso ou som, acho que você poderia dizer. Em seguida, é o violoncelo. É novamente mais baixo que a viola. Então o último é o contrabaixo. Isso tem alguns nomes diferentes. Você pode chamá-lo de contrabaixo, você pode chamá-lo de, você pode simplesmente chamá-lo de base. Pode ser abreviado dB para contrabaixo. Ou às vezes você verá algo como violoncelo, ou coisas estranhas assim. Nas pontuações modernas, chamamos de contrabaixo ou de base. Certo, mas eu disse que há cinco paus. É porque a seção de violência é dividida pela metade. Em qualquer música de orquestra, você tem violino um, violino dois e depois viola, violoncelo e baixo. Então você basicamente tem o dobro da quantidade de violência como faz para todo o resto dos instrumentos. Você pode ter uma orquestra típica. Você pode ter, digamos, dez pessoas tocando violino, 110 pessoas tocando violino para dez pessoas tocando viola, dez pessoas tocando violoncelo e dez pessoas tocando baixo. Não mais como provavelmente cinco pessoas tocando baixo, nesse caso. As seções de base um pouco menores que as demais. E a seção de violência, há um 12. Agora isso não significa que você tenha que escrever um violino e uma violenta de duas partes. É muito comum e mais comum fazer isso. Mas se você quiser escrevê-los em uníssono, tocando a mesma coisa, você não pode fazer isso, mas você tem que ter violino um e violento também, em dois estados diferentes. Esses são os instrumentos da seção de cordas. Agora é importante saber que existem outras cordas na orquestra. Mas quando falamos sobre as cordas da orquestra, são esses cinco instrumentos. As outras cordas podem ser consideradas como harpa. Mas a harpa não está na família das cordas. Isso é diferente, é sua própria família. O piano às vezes é considerado um instrumento de cordas porque esse é o meio de fazer som, é cordas vibrantes. Você está batendo neles com pequenos martelos. Mas não faz parte da seção de string. Existem alguns instrumentos estranhos ou de percussão que têm algumas cordas. E depois há instrumentos orquestrais não padronizados, guitarras. Guitarras, mesmo quando as guitarras são usadas em uma orquestra, elas não são consideradas parte da família de cordas. Eles vão em uma família diferente. Eu teria que procurar onde eles se sentam na partitura, mas acho que eles provavelmente ficam aglomerados com ou perto da harpa e do piano. Então, qualquer outra coisa como banjo, bandolim. Eu poderia ir em ukulele. Se eles forem usados, eles não considerados parte da string. A família de cordas orquestrais. Família de cordas de orquestras. São apenas esses quatro instrumentos. Violino, violoncelo, viola, ordem errada e base. Legal. Ok, agora vamos falar sobre alguns problemas não são problemas, mas algumas coisas que você tem que considerar quando está escrevendo para a família de cordas. Isso é verdade para todos eles. E então vamos entrar em algumas coisas únicas. 22. Bowings: Uma das maiores coisas que encontramos quando estamos escrevendo para cordas orquestrais é a da Boeing. Este é um problema que eu ouvi. Pessoas diferentes dizem coisas diferentes sobre isso. E isso é uma questão de opinião, na verdade. Bem, sim, é uma questão de opinião, então vou te dar minha opinião sobre esta questão. E o problema em si é você escreve Boeing ou deixa o jogador escrever seus próprios lançamentos? Aqui está o que quero dizer. Se os Boeings para um instrumento são a maneira como eles vão para cima e para baixo. E se você assistir a performance de uma orquestra, você saberá, você notará que na maioria das vezes, como todos na seção de cordas, todos na seção de violência, seus arcos estão indo para cima e para baixo ao mesmo tempo em que é como quando um sobe, o outro, todos sobem e quando um desce, todos descem. É muito raro tê-los fazendo altos e baixos diferentes. Agora, também, onde eles mudaram direção pode importar como se você dissesse a um jogador de cordas, um violino, para sustentar uma nota por dez barras, eles têm que, em algum momento mudar de direção e que faz um som. Você pode pedir que eles escalonem isso, o que significa que todos fazem isso em momentos diferentes em que não ouvimos isso. Mas muitas vezes eles vão querer fazer tudo ao mesmo tempo. Então, quando isso acontece, onde eles fazem isso? Essas são todas perguntas da Boeing. Perguntas sobre a Boeing. Então você pode escrever na Boeing e muitas pessoas escrevem a Boeing em seu. Existem certas convenções de notação para escrever a Boeing em sua pontuação. Na minha opinião, se você está trabalhando com uma orquestra profissional, você deve observar, certo? Boeing, há pessoas que gostam de ler seus Boeings e há pessoas que vão jogar fora os seus Boeing inteiramente porque eles querem fazê-los sozinhos. E isso é bom porque eles provavelmente são melhores nisso. A menos que você seja um jogador de cordas. Não escreva da Boeing. Se você tocar esses instrumentos muito bem e realmente entender o que é preciso, então você poderia escrever os Boeings. Mas deixe-me mostrar-lhe aqui esta peça orquestral novamente. Você pode ver aqui, ver todas essas marcas de lápis nele. Todas essas coisas, essas são da Boeing porque deixei de fora da Boeing maior parte. Não há arco. Uau, há alguns. Escrevi alguns onde era muito importante o que eu queria. Mas, na maior parte, o que acontece é que eles conseguem o papel sem a Boeing. O líder da seção, o responsável por toda a seção. O melhor jogador geralmente se senta e escreve todos os Boeings e decide o que eles vão ser. Isso não é algo com o qual você realmente precisa se preocupar. Você pode pular a escrita da Boeings se quiser. Ou você pode escrevê-los e então você pode perguntar ao jogador Você quer que meus Boeings não querem meus Boeing. Na maioria das vezes eles não vão querer o seu Boeing. Talvez se você estiver trabalhando com a faculdade ou com uma orquestra amadora, talvez eles os queiram porque eles não têm tempo para escrever em todos os seus próprios boliche. Mas com grupos profissionais, ouvi dizer, não escrever Boeing, deixe-os escrever seus próprios bolinhos. Ok, então isso é bom porque então você sabe, isso é menos uma coisa de notação que você precisa se preocupar e aprender como isso funciona. Mas todos esses instrumentos, todos esses quatro instrumentos, usam um arco. A menos que estejam usando pizzicato, sobre o qual falaremos a seguir. Mas quando eles são Boeing, eles precisam ter alguma indicação de quando estão subindo e quando estão indo para baixo. E é isso que faz um som unificado. Deixe-os descobrir isso. Não se preocupe em escrever minha opinião da Boeing, mas tem sido universalmente verdade. Eu acho. 23. Pizzicato: Pizzicato. Você pode, a qualquer momento, pedir que eles joguem pizzicato, você normalmente escreve o período P IZZ. Ou você pode escrever a palavra inteira se quiser ser chique. Coloque isso em itálico. E isso significa pizzicato. Pizzicato significa que eles colocam curvado e eles jogam assim. Se você não assistiu a nenhuma das minhas outras aulas, você não sabe disso, mas eu não sou violino. Quando eu jogo estranho de duas notas. É por isso que eu tenho um violino e posso fazer algumas coisas nele, mas eu o uso para fins de gravação. Não sou proficiente forma alguma, mas sei como segurá-lo. Tipo de. Pizzicato significa que eles brincam com o dedo, na verdade o lado do dedo. E você recebe esses poços mergulhados, notas. Perfeitamente ótimo também, certo? Há algumas coisas a considerar quando você escreve. Primeiro. Muito importante. Sempre que você liga o pizzicato. Pizzicato é uma daquelas coisas que você liga escrevendo poços. Isso significa que eles vão mudar para poços. Você também tem que desligá-lo. Então, passe por suas pontuações e você sempre tem que se certificar de que se você dissesse a ele para fazer algo diferente, você tem que desfazer isso. Em algum momento. Você desliga pizzicato dizendo, volte a usar seu bot. E a maneira como fazemos isso é com a palavra arco. Arco. Arco significa voltar para o seu barco. Se você ligar os poços dizendo poços, você tem que desligá-lo dizendo arco. Agora, outra coisa importante é que ir entre Arco e Pitts não é uma coisa instantânea. Eles não podem estar jogando assim. Então, instantaneamente, sejam poços. Eles precisam de uma batida ou duas para sair. Eles podem fazer algumas anotações indo assim. Não como uma 16ª nota alternando entre Arco e poços. Você simplesmente não pode fazer isso. Eles não podem negociar o bot. Se eles vão fazer uma longa seção de poços, mais do que algumas notas que eles vão querer colocar o arco no colo. Saia, abaixe o arco deles, suba. Você tem que dar dois ou três segundos para fazer isso. Sempre que você estiver alternando entre poços e arco, tente sempre dar a eles duas ou três batidas para gerenciar seu arco. Quando você desliga com o Arco, você também precisa dar algumas batidas para escolher o reforço do arco, preparar a posição e depois acertá-lo. Se você pedir que eles façam isso muito rápido, eles provavelmente vão tentar. Mas pode não haver na melhor posição, eles podem não estar confortáveis. Eles podem acertar o nó fora de sintonia. É só pedir muito. Sempre dê algumas batidas para alternar entre os dois. A última coisa em pizzicato, eles normalmente usam apenas um dedo para pizzicato. Isso não é como tocar guitarra estilo dedo onde você vai como cara, você está usando três ou às vezes quatro dedos nas diferentes cordas e você pode fazer como tremolo. Não é assim que isso funciona. Normalmente, é um dedo e está indo para o lado. É assim. Vamos ver o quão rápido eu posso fazer isso. Isso é o mais rápido que eu posso ir. Não sou um jogador profissional, mas há alguma física envolvida nisso. Então você não pode ir muito mais rápido do que isso. Você precisa, você não pode escrever trechos enormes de 16ª notas está indo TTT, TTT, TTT, ou pior ainda em não repetir notas fazendo escalas e outras coisas. Você pode escrever escalas e coisas no pizzicato, mas não pode ser incrivelmente rápido. Lá. Eles usam apenas um dedo. Então, não pense nisso como guitarra estilo dedo. Pense nisso como fazer isso. Dito isso. Outra coisa que vem com isso é eles não podem fazer isso para sempre. Então, temos que pensar em fadiga. Então, vamos falar sobre fadiga. 24. Fatio: Agora, quando começarmos a falar sobre ventos, vamos acabar falando muito sobre o fôlego. Quando você está tocando um instrumento de sopro, você precisa pensar sobre onde eles vão respirar. Porque se você não lhes der a lugar algum para respirar, eles morrerão. E geralmente é desaprovado no mundo da orquestra para matar os ventos ou o bronze. Você realmente não quer fazer isso. Jogadores de cordas. Por outro lado, você pode matar o dia todo. Não, eu só vou, os jogadores de cordas não precisam respirar enquanto o fazem, mas podem respirar enquanto jogam. Você não precisa negociar como eles respiram por eles. A boca e o nariz deles são livres para respirar como quiserem. No entanto, coisa semelhante à respiração com a qual temos que lidar com as cordas é a fadiga. Você tem que pensar sobre isso. Voltando para pizzicato. Isso como se eu fosse fazer isso, digamos que eu estava fazendo isso mais rápido. E eu escrevi 100 barras fazendo isso. Isso não é bom. Eles vão morrer. Não morra. Eu realmente preciso tirar as referências de morte dessa classe. Ficando um pouco escuro. Chega de falar sobre matar ninguém. Eles vão ficar com raiva. E com dor. De um modo geral, se os artistas estiverem com raiva ou com dor, eles não vão querer tocar sua música muito. Dê a eles oportunidades descansar se você vai tê-los fazendo, fazendo algo por muito tempo, você tem que pensar apenas sobre o cansaço do jogador. Tremolo é outra coisa que isso vem com muita coisa. Fui gritado por isso algumas vezes em que escrevi uma grande seção de tremolo. Então o tremolo é, é como um papel em um tambor. Mas tremolo seria como, olhe para o meu braço, olhe para o meu braço direito. Isso fica cansativo. Isso fica muito cansativo. Então, se você escrever uma seção onde eles vão fazer isso por 100 bares, o que provavelmente vai acontecer é que eles vão descobrir como cambaleá-lo. Ou seja, alguns vão descansar por alguns bares enquanto jogam as teclas, e então esses vão descansar. E eles vão desligar, o que significa que você vai perder algum som. Você pode fazer isso. Você pode lidar com a perda de um pouco desse som. Hum, mas seria melhor tentar escrever o seu caminho para contornar isso. Se você pode escrever em alguns restos, isso é melhor. Você tem que pensar coisas repetidas feitas por muito tempo. Especialmente o tremolo e o Pitts ficam muito difíceis em pensar principalmente sobre o braço direito. É aí que a fadiga realmente entra em jogo. Lá, mão esquerda correndo no braço. Eles estão acostumados a fazer isso a noite toda. Isso não é algo em que temos que pensar. É mais sobre coisas repetitivas na mão direita por muito tempo. Isso é cansaço. Agora, uma coisa interessante sobre a fadiga é que, se você não está escrevendo para pessoas humanas acústicas, e você está apenas escrevendo para orquestra sintética. A fadiga é algo que você pode muito confortavelmente não pensar nisso. Mas é uma daquelas coisas que é problemática onde se você escrever inteiramente para cordas acústicas ou sintéticas e depois decidir, ei, isso ficou muito legal. Vou movê-lo. Vou fazer as partes e contratar uma orquestra ou algo assim e fazer uma gravação acústica disso. Isso pode realmente te causar problemas porque essa é uma dessas coisas. É tão fácil de fazer em um computador que uma seção de cordas humanas tem um momento muito difícil. Esses são os tipos de coisas que temos que pensar. Vamos falar sobre paradas duplas. 25. Várias paradas: Ok, paradas duplas são o termo que usamos para quando a string reproduz várias notas ao mesmo tempo. Assim. Acabei de jogar para abrir cordas ao mesmo tempo. Legal. Algumas coisas para saber sobre paradas duplas. Eles não são a norma. Então, quando você está escrevendo para violino, você não quer escrever paradas duplas o tempo todo. Novamente, o violino, toda essa seção de cordas, não são guitarras. guitarras podem fazer bastante com várias cordas ao mesmo tempo. Estes não podem, eles podem fazer algumas coisas no entanto. Eles podem tocar duas notas ao mesmo tempo aqui e ali, e isso é legal. Mas use-o escassamente. Também. Vamos falar sobre mais do que paradas duplas porque vale a pena mencionar isso. Você pode tocar duas notas ao mesmo tempo, mas três nós ao mesmo tempo são possíveis, mas muito raros na música de orquestra. É muito raro na música solo para as cordas também. Mas uma música de orquestra muito, muito, muito rara. Não faça isso. Basicamente. Você pode ver que o violino e todos os instrumentos de cordas da família da orquestra, não é uma escala plana como está em uma guitarra. É arredondado. Se você for tocar duas notas ao mesmo tempo, você pode pegar duas notas ao mesmo tempo. Isso não é impossível. Mas se você vai pegar três notas ao mesmo tempo, o que você tem que fazer por causa do arco do braço. Você tem que ir para o meio da corda que está no meio. Você tem que empurrá-lo para baixo o suficiente para pegar as duas cordas dos outros lados. Vamos ver se consigo fazer isso. Eu posso fazer isso. Algumas coisas sobre isso. Mais uma vez, super raro, não faça isso. Se você tem que fazer isso por qualquer motivo louco, você tem que fazer isso alto, assim, porque você tem que empurrar para isso tanto. Você não pode escrever esse silêncio. Isso não é algo que pode ser feito silenciosamente. Tem que ser alto. Se você vai escrever isso. Para notas de cada vez, temos apenas quatro cordas, então quatro é o máximo. Se você escrever para notas de cada vez, elas vão rolar. Isso significa isso. Se eu fosse escrever, tocar todas as quatro cordas abertas, eu não posso realmente, não posso empurrar o suficiente nas minhas duas cordas do meio para obter as quatro. Como se eu simplesmente não posso. O que você vai ouvir é isso. Você vai ouvir isso rolou assim. Se você escrever para anotações, ele vai ser enrolado. Não faça isso. A próxima coisa eu quero paradas duplas. Você tem que pensar sobre os dedos. Isso é muito, muito importante. Vamos voltar a apenas duas notas ao mesmo tempo. Quais duas notas você faz são muito importantes porque pode ser algo muito fácil e pode ser algo muito difícil. Lembre-se de que as cordas são sintonizadas aqui em quintos, não aplicadas como se estivessem na guitarra. Então, se você acha, oh, isso é algo fácil de fazer na guitarra. Portanto, deve ser fácil de fazer na mielina, isso não é necessariamente verdade. Portanto, testar seus dedos em uma guitarra nem sempre vai funcionar. Uma coisa comum que eu vi pessoas fazerem. E há, na verdade, dois motivos para isso. Uma é que as cordas estão afinadas forma diferente, como acabei de mencionar. Mas há outro motivo para isso. Em uma guitarra, estamos planejando assim, como ver a posição que meu pulso está fazendo, ele está indo direto para cima. E então eu tenho o máximo movimento aqui. E o violino, estamos fazendo isso. Minha mão está fazendo isso. É um ângulo muito diferente. Algo como um terço maior em uma guitarra é, é essa forma. É muito fácil de fazer. Mas em um violino, uma vez que eu chego o ângulo lá, isso é louco, estranho, isso é super doloroso e estranho. Mas adivinha? Não é um terço menor. A Terra está em um terço maior de qualquer maneira, porque estamos sintonizados de forma diferente, mas essa forma realmente não funciona. Como você sabe quais paradas duplas você pode fazer? Como você pode tocar duas notas ao mesmo tempo? A melhor maneira de saber com certeza que encontrei ao longo dos anos é encontrar um violino. Apenas diga, ei, se eu escrever essas duas notas de uma só vez neste tipo de ritmo, você pode fazer isso? E eles vão atirar de volta em você. Sim. Isso é fácil. São sim. Eu posso fazer isso, mas isso é difícil ou não pode fazer isso. Essa é a melhor maneira de saber, é apenas perguntar a um jogador de cordas. A segunda melhor maneira é apenas descobrir isso. Desenhe um pescoço de violino e coloque os dedos nele, segure-o assim. E então veja se você pode negociar essas notas. Você pode encontrar gráficos de onde as notas estão no fretboard, ou não um traste no braço. E você pode encontrar essas notas e ver como será difícil. Mas, novamente, para a música de orquestra, muitas vezes não há necessidade de escrever paradas duplas. Normalmente, você pode dividir esta seção. Você pode usar seus primeiros segundos violinos e dar um nó de nota 211 para o outro, e então você tem um som muito melhor porque eles podem acertar essa nota com mais precisão e eles não precisam encontrar a parada dupla. Na maioria das vezes. Quase o tempo todo. As cordas da orquestra estão tocando uma nota de cada vez. Todas as regras para paradas duplas que acabei de dizer aplicadas a todos os instrumentos de corda, exceto as bases , que estou pensando agora, acho que nunca vi paradas duplas escritas na base. Muito, muito raro escrever paradas duplas para a base. Eu não acho que eles soariam muito bem. Eu penso nisso. Paradas duplas. Paradas triplas, várias paradas. Lá vai você. 26. O violino: intervalo e som: Certo, vamos falar sobre o violino. Especificamente. Para cada uma dessas seções nos quatro instrumentos. Eu realmente quero falar sobre o alcance deles e apenas algumas coisas gerais sobre o som deles. Falaremos mais sobre algumas técnicas estranhas. No final desta seção. Com todos os instrumentos, vamos falar sobre alcance deles, desde a nota mais baixa que eles podem tocar até a nota mais alta que podem tocar. Mas com os instrumentos de corda, especialmente é importante pensar sobre o alcance de cada corda um pouco. É por isso que quero mostrar este gráfico aqui. Este é um gráfico que você verá para qualquer instrumento de string, você verá esses gráficos por todo o lado. Este é bastante conservador. As cordas abertas são G, D, a, E da violência. Isso é g2, G3, desculpe, G2, D3, A3 e E4. Então a nota mais baixa é G. Isso é finito, a menos que você faça um estranho como pedir a eles para retunir, falaremos mais sobre isso em breve. Resposta curta é não fazer isso, mas é possível. Tudo sendo igual, isso começou a nota mais baixa e isso é finito. Essa é a nota mais baixa. É o mais baixo que eles podem plantar. As notas superiores são menos finitas. Esse intervalo é bastante conservador. G até G. Então a razão pela qual eu digo que é conservador é como ir assim. Mas há um pouco mais de notas se aproximam lá em cima. Então, para jogar lá em cima, é necessário um jogador um pouco melhor. Indo até isso, caramba, eu diria que se você está lidando com uma orquestra profissional, tudo bem. E você provavelmente pode chegar até um quinto maior. Você provavelmente pode chegar até este d, apenas espreitando esses nós no topo aqui. Mas se você estiver trabalhando com uma orquestra mais amadora ou talvez uma orquestra universitária ou até mesmo uma orquestra secundária, ou uma orquestra do ensino médio. Fique com esse alcance e você estará seguro. Você pode espremer mais algumas notas em cima disso. E isso é verdade para todas as cordas. É por isso que eu fui aqui. Quando olhamos para a faixa superior absoluta do violino, é um pouco frondoso. Este E aqui é conservador. Isso está chiando aqui. Mas você pode gritar todo o caminho até esse nó. O que é isso? E, F, G, a, B, B. Você pode até ir algumas notas mais alto se você estiver trabalhando com um grupo profissional. O alcance do instrumento é este G, até ser ish? Mas tenha em mente se você está escrevendo passagens rápidas, se você é como rasgar notas muito rápido, faça azul. Você não quer entrar nesse tipo de áreas virtuosas porque será impossível para eles atingirem, certo? Então, também depende do que você está fazendo. Aqui está outro exemplo. Se você realmente quer ter essa maneira confiante de fazer , seria caminhar até ele por uma escala. Se você está apenas subindo o DDD do 22222 , muitas pessoas podem acertá-lo. Mas se você está indo de um caminho para cá, e então você diz, agora eu quero que você pegue isso é como aqui. E é um salto para obtê-lo. Vai ser muito difícil eles pousar nessa nota com precisão. Então, como você aborda isso é importante. Agora vamos falar sobre o som das cordas. As cordas ficam mais brilhantes à medida que você sobe. A corda G tem um som um pouco mais escuro, e a corda E é a corda mais brilhante. Então, o D é um pouco mais brilhante do que g. O a é um pouco mais brilhante que D, e o E é mais brilhante que a. Agora, por que isso é importante é porque você notará que há um pouco de sobreposição em as notas. Digamos que você escreveu uma melodia que estava apenas alternando de B para C, bem na equipe aqui. Então, se você quisesse que ele tivesse um som mais escuro, você pode especificar que ele seria reproduzido na string D, em vez de na string. Há uma notação para fazer isso. Você poderia escrever apenas SQL Soul De, como no D, ou você poderia escrever d em um círculo, diria jogar isso na string D se eu me lembro direito. Você poderia, se quisesse que fosse um pouco estranho, especificar que jogamos isso na string G. Isso vai tê-los tocando aqui em cima fazendo isso. Mas se eles estão apenas indo de B para C alternando assim, isso pode ser feito com muita facilidade, com relativa facilidade. Na verdade, vai ser muito aqui em cima. Pode, a entonação ligada, pode não ser ótimo se você estiver pedindo que eles façam isso na string G porque ela é tão alta. Mas vai ter um som mais escuro. Essa entonação, entonação significa que pode estar um pouco fora de sintonia. Mas se esse é o tipo de som assustador que você quer, isso pode ser um bom efeito. Pedindo que eles toquem isso na corda G. Você pode especificar qual string jogar. Cada nota sobre. Você faz isso? Não. Você não deve especificar em quais notas reproduzir as cordas. Só faça isso. Nos casos em que você quer um som muito específico. Como um caso como aquele em que você tem duas notas. Poderia ser tocado em muitas cordas, praticamente todas as notas, exceto as mais baixas e as mais altas, poderiam ser tocadas em vários lugares em um instrumento de corda. Então, se você quiser um som muito específico, você pode especificar em que string reproduzi-lo e lembre-se, quanto menor a corda, mais escuro esse som. Sim. Acho que era tudo o que eu queria cobrir neste. Apenas tipo de alcance e que as diferenças no som da corda. Vamos passar pelo resto dos instrumentos e falar sobre eles também. 27. O Viola: intervalo e som: Certo, a viola, é muito parecido com o violino. É um pouco maior, violento. Algumas coisas importantes com a viola. Provavelmente a coisa mais complicada sobre, bem, não a coisa mais complicada de escrever para Viola. Uma das coisas complicadas sobre escrever para viola é que ele usa alto clef. Esse é esse símbolo. A maioria dos instrumentos orquestrais usa problemas ou clef graves. Este é o único estranho ou um. Existem outros que usam alto clef? Existem alguns que podem mergulhar em alto clef. Mas este é o único que geralmente prefere alto clef. Você deve sempre escrever viola em alto clef. A menos que você esteja indo muito alto e fique muito alto e fique bem alto por um tempo por um tempo. Pelo menos como três ou quatro barras. Nesse caso, você pode alternar para o clef de agudos temporariamente. Mas o padrão é alto clef. Se você não se lembra de alto clef, a maneira como lemos alto clef, o tipo fácil de lembrar é este pequeno rabisco aqui meio abraça a linha, que é o campo C. Este, o meio linha agora é C mais um ímpar, mas não é apenas um meio passo. Está em meio passo em uma oitava. Então esta nota é C, e esse nó que se parece com B, se estivéssemos em agudos clef é um C agora, mais uma oitava menor do que parece. É um pouco complicado. Este é o C2, aqui é C4. Dito isto, aqui está como a viola está sintonizada, C, G, D. Então, novamente, é mais lento que um violino. A mesma coisa se aplica às cordas, então temos uma sobreposição. Isso é novamente, um pouco conservador. Esse intervalo, eu diria, é uma grande variedade para sua orquestra universitária média. Se você estiver escrevendo para uma orquestra profissional, você pode subir outro terço. Quarto. Ainda esteja bem seguro. Há as cordas deles. Mais uma vez, você pode ver que saltamos para triplo clef aqui só pela razão pela qual podemos fazer isso é porque se você não fizer isso, você vai ler uma tonelada de linhas contábeis por um longo tempo. E as violas não adoram fazer isso. Eles prefeririam que você mude para o clef de agudos se você vai ficar nas linhas do livro por um tempo, eles podem ir até o mar. É uma gama profissional, é a, é a faixa mais conservadora. Isso, eu, eu vi violas subir um pouco mais alto, mas, mas esse é o, esse é um bom alcance lá. Não sei exatamente o que essa tensão significa neste gráfico. Acho que só significa que o tom vai ficar um pouco, um pouco mais de um som estrangulado. Vai ter mais atenção nisso. É um tom um pouco menos desejável à medida que você chega aqui nessas cordas. Mas, novamente, o que dissemos antes sobre o violino também é verdade. As cordas inferiores têm um tom mais escuro para elas. Tamber mais escuro, podemos dizer. Você pode usar a mesma notação como a alma G e dizer-lhes para jogar na corda G. Algo que poderia ser jogado em vários pontos. Você pode especificar qual plano de força se quiser. Acho que é tudo o que preciso dizer sobre viola. O tom geral da viola, porque é mais baixo que o violino, é um pouco mais escuro que o violino. Quando você está escrevendo para Viola, considere algo que poderia ser escrito no violino ou na viola se você quiser um som mais escuro, considere dar às violas por dois motivos. Primeiro, ele lhe dá um som um pouco mais escuro. E dois, e isso é algo que estou tentando evitar fazer, mas tocar brevemente sobre a psicologia do jogador, as violas e a orquestra. Eu não recebo muito amor. Eles não recebem esses enormes solos românticos que os violinos recebem. Então dê a eles um enorme solo romântico. vez em quando. Eles vão adorar tocar sua música. Apenas algo a considerar. Vamos passar para as águas rasas. 28. O Cello: intervalo e som: Certo, vamos falar sobre o Cielo. Cielo é como o violino, mas ainda maior. Agora, uma coisa interessante sobre o violoncelo é que todo o posicionamento da mão é diferente. No violino e na viola, você joga assim, o que significa que você tem aquela coisa em que sua mão está inclinada de lado assim, o que limita um pouco seu alcance. Em um violoncelo, você joga assim. E então sua mão tem um pouco mais de liberdade para se movimentar. Isso faz com que alguns intervalos maiores sejam possíveis. Diferentes paradas duplas, algo assim a considerar. Eu não quero entrar nisso demais agora . Vejamos o alcance. Não consegui encontrar o mesmo gráfico de todas as cordas, mas isso basicamente mostra as mesmas coisas. Então Cielo foi escrito em baixo clef. A nota mais baixa é C. C abaixo da equipe do baixo clef. Você pode pensar no alcance da primeira corda de forma conservadora sendo duas oitavas. Até isso, veja que é bastante conservador. Sou de gama profissional. Eu vou até este G na primeira corda. Não é isso, isso é algo que você realmente precisa pensar é o alcance de cada string. A menos que você queira especificar algo ser reproduzido em uma string específica. Caso contrário, você pode pensar que a nota mais baixa é C. O nó mais alto é algo como o intervalo B aqui em cima. Mas ter em mente o que são cordas abertas é importante. Então, C é nossa primeira cadeia aberta. Nossa segunda cadeia aberta é essa G. próxima cadeia aberta é d. Este d. Nossa próxima string aberta. É aqui mesmo. Mais uma vez, para o alcance, pense que duas oitavas para cima, a corda é bastante conservadora. 2.5, empurrando 3.52 é um bom alcance profissional para cada corda. Assim como todos os instrumentos de corda, a nota mais alta é discutível porque o jogador profissional pode chiar mais algumas notas do que um jogador amador. Mas nesse alto uma corda, aqui temos E, F, isso é, isso é bem alto. Você definitivamente poderia corrigir mais algumas notas, mas esse intervalo E F é bem alto. Agora perceba que mudamos para tripla clef aqui, então estamos, estamos muito altos. Como se isso fosse muito gritando alto. Falando em aula, você notará que trocamos duas vezes. Aqui. Nós mudamos para o que parece ser alto clef, mas não é porque são duas linhas aqui, são duas notas mais altas, certo? Isto é, chamaríamos esse tenor clef. Mais uma vez, lembre-se que a pequena coisa do gancho do meio aqui transforma essa linha em C. Agora, o que era um? D agora é um C com este clef. Se este for D, o próximo espaço é E. E então, opa, desculpe, se este nó for C, O próximo espaço é d. E então esta nota é um E, Então E, F, G, a, B. E então estamos mudando para triplo. Veja estes, esta nota é meio passo abaixo desta nota. Comutação de fenda. Agora, você não precisa usar eu não. Talvez isso seja discutível. Eu não acho que você precisa usar tenor clef para violoncelo com tanta frequência. Você pode escrever baixo clef. Se aqui você trocasse para triplo, pareceria um salto de oitava, mas é meio que o que eu faço. Acho que na maioria das vezes escrevo para o baixo clef. E então, se ficarmos muito altos por um longo tempo, eu vou mudar para o agudos clef. Se a peça acabar em um monte de linhas contábeis e clef de graves por um longo período de tempo. Vou mudar para triplo, mas acho que evito clef tenor, talvez isso não seja adequado, mas é isso que eu faço. violoncelistas podem ler clef de graves e agudos muito bem. Eles provavelmente podem ler o tenor clef muito bem também. Mas eu posso ler o tenor clef menos bom do que posso ler clef de agudos. Estou muito mais em Brian inclinado a trocar a clusina de agudos. Cordas. Ainda é verdade se algo estiver em uma corda inferior estiver mais escuro do que se estivesse em uma corda mais alta. Vou fazer uma nota especial com o violoncelo sobre a faixa superior do violoncelo. Aqui em cima, nesta faixa é realmente um ponto ideal para escrever qualquer tipo de coisa solista. Na verdade, todo esse tipo de tenor clef bit aqui. Isso é realmente lírica e eu adoro escrever lá para violoncelo. Você não quer fazer isso o dia todo , porque então você está perdendo o também belo som low-end do violoncelo. Mas, mas se eu estiver escrevendo um solo Isso é para qualquer uma das cordas, essa é a minha primeira coisa que eu posso escrevê-lo na faixa superior do violoncelo? Porque é apenas lírica e linda, altamente recomendada. Ok, vamos passar para a base. 29. O baixo (contrabass): intervalo e som: Certo, vamos falar sobre a base. A base tem algumas coisas que funcionam um pouco diferente. Em termos dessa coisa de posição da mão. Falamos sobre violinos assim. O violoncelo é assim. Base, meio assim, exceto que a base é tão alta quanto uma pessoa. Você está de pé ao lado dele. E você faz isso. As notas estão muito mais distantes. As cordas são muito mais pesadas. É preciso mais poder para se curvar. Portanto, é um pouco menos hábil que um violino. No entanto, um jogador profissional pode fazer coisas realmente incríveis. O ajuste da base é um pouco diferente das outras cordas que vimos. As outras cordas foram sintonizadas em quintos. Violência G, D, a, E. Cada nota do quinto separado. A base está sintonizada em quartos. Em outras palavras, a base é sintonizada da mesma forma que um baixo é sintonizado. Aplicar. A nota mais baixa é E. Essa é a nossa cadeia mais baixa. Abrir é a próxima nota, D é a próxima nota é a terceira corda e g é a faixa mais alta. Assim que impor. Um pouco diferente dos outros instrumentos de cordas. Nada para se preocupar demais com cada corda. Se você acha que duas oitavas ou mais de um intervalo que ainda é verdade podem ser um pouco mais do que isso. São notas mais altas. Provavelmente vai ser D ou E, talvez um F acima da equipe de clef baixo. Essa primeira linha contábil em E seria duas linhas contábeis acima da equipe de clef graves. Esse alcance geral, é muito gritante alto. E para ser honesto, não é um ótimo tom se você vai escrever algo nesse intervalo dado ao violoncelo, vai soar ótimo. Se você quiser que a base esteja lá em cima. Está tudo bem, mas não é um ótimo tom. O poder real para a base é o alcance médio e baixo. É aí que conseguimos o, a base. Agora, há uma pequena quantidade de flexibilidade na extremidade baixa da base. Isso é exclusivo para a base não é algo que qualquer uma das outras cordas da orquestra faça. Em uma orquestra profissional, é comum neste momento ter um número de pessoas na seção de baixo, pelo menos provavelmente metade dos baixistas para ter uma adaptação especial em seus base, como literalmente um mecanismo que os permite ir até um C. Se você imaginar que, onde está, que E é a primeira linha contábil sob a equipe de clef baixo. Podemos cair para um C, que é a segunda linha contábil sob a equipe de clef baixo. Esse pequeno mecanismo é chamado de extensão C. Parece assim. Certo. Da próxima vez que você estiver assistindo a uma orquestra tocar, olhe para as bases e veja se você vê esse tipo de enquete saindo do topo de algumas das bases, nem todas elas terão isso. Mas o que isso faz é que, literalmente, é como um poste que estende o comprimento da corda que o deixa ir até, uh, ver. O que essas pequenas alavancas fazem é deixá-las tocar notas lá em baixo. Se eles tiverem tudo isso, isso é um C. Eles podem colocar o dedo aqui e obter um C-afiado aqui. Eles podem obter um D aqui, eles podem obter um D-afiado, e aqui eles podem obter o seu ie. Eles são cordas baixas E. Cada. Você pode escrever para uma base até um C. Agora, se você estiver escrevendo para uma orquestra universitária não iria até um C. É provavelmente improvável que pessoas suficientes tenham uma extensão C ou talvez até mesmo qualquer um deles tenha uma extensão C. Isso é realmente uma coisa de orquestra profissional. Se você estiver escrevendo para uma orquestra amadora ou colegial, eu não contaria com uma extensão C. Mas se você estiver escrevendo para uma orquestra profissional, você pode razoavelmente escrever notas para C. Mas tenha em mente que nem todos os jogadores poderão acertá-la. Portanto, não planeje que isso seja como o seu grande momento baixo. Você pode contar em um extra profissional em cerca de metade dos jogadores que têm uma extensão C. A maneira como escrevemos para isso muitas vezes seria, certo, um baixo C, certo, aquele baixo C abaixo da equipe de clef baixo. E então você pode colocar uma nota, uma oitava acima dela, C, e depois colocar essa nota entre parênteses. Mas a cabeça da nota colocou parênteses ao redor da cabeça da nota. E isso basicamente significará bater tão baixo. Veja se você conseguiu, se você não tem, jogue a próxima oitava. Acho que é sobre isso para a base, você pode especificar a string se quiser. É menos comum na base porque verdade só queremos esse som baixo. A diferença de timbre entre as cordas é que isso provavelmente é opinativo, mas é menos sutil, ou é mais sutil para mim do que em alguns dos outros instrumentos. Acho que é, em outras palavras, acho que é mais raro especificar o que você quer. Jogo de cordas. As entidades graves para os outros instrumentos, só porque todas as cordas têm apenas uma espécie de baixa potência para eles. Paradas duplas e coisas assim para a base. Geralmente, eu diria que não faça isso. Não porque seja impossível, mas porque simplesmente não soa muito bem. O alcance que a base está nessa faixa baixa é que se você colocar alguma harmonia lá embaixo, é apenas meio lamacento. Você só vai criar muita lama muito rápido. Devo mencionar outra coisa sobre transposição. Falei com você mais cedo sobre o quanto odeio transpor a. A base é realmente um instrumento de transposição. Se escrevermos, ou seja, a mais baixa, a primeira linha contábil sob a equipe de clef baixo. Essa é a nossa corda E. É aí que escrevemos. Mas o que realmente ouvimos é uma oitava sob isso. Muitas vezes não pensamos nisso porque é uma oitava, mas a base é tecnicamente um instrumento de transposição porque a nota que estamos ouvindo é diferente da nota que escrevemos. Você não precisa pensar nisso como esse tipo de fato divertido. Acho que é isso. Acho que é tudo o que realmente precisamos pensar com a base por enquanto. 30. A seção de string: Outra coisa sobre a base, sempre escreva-a em baixo clef. Nunca há realmente nenhuma necessidade trocar clefs para a base. De qualquer forma. Eu queria dizer uma coisa sobre a seção de cordas aqui. Este é um comentário puramente editorial. Aqui. Lembro-me da primeira vez que escrevi uma peça para orquestra. Eu estava na faculdade e fui ao meu professor. E eu disse: Ok, estou escrevendo uma peça de orquestra. Eu estava olhando para um grande pedaço de papel em branco. E eu pensei: Como faço isso? Como escrevo para as cordas? Há tanta coisa que eu posso fazer. Posso fazer qualquer coisa. Tenho todas as cores, tenho todos os sons disponíveis na orquestra. Acho que não se trata apenas de cordas, é sobre toda a orquestra. Sou professor? Quem era uma pessoa muito sábia, disse: Ok, você pode. Ele disse: Ok, aqui está o que você precisa pensar. A orquestra evoluiu ao longo dos séculos para ser um conjunto quase perfeito. O que isso significa é que se você pegar todos os instrumentos na orquestra e novo direito, meio C no mezzo-forte. Basta dar-lhes uma nota inteira. E então eles jogam isso. Vai ser lindo. Como se fossem essas cordas, os ventos, o bronze, a forma como tudo está configurado. Se você apenas escrevê-los todos no mesmo nó e disser, jogue essa nota. Vai ser lindo porque o conjunto é simplesmente lindo. Então, seu trabalho é basicamente não estragar isso. Isso soa muito mais trivial do que quando ele disse. Mas ainda acho que é verdade e é especialmente verdade com as cordas. Quando penso em escrever para cordas, eu realmente penso em como eu poderia escrever muitas coisas e vai soar muito bom por causa das cordas apenas soar bem lá, apenas esse conjunto rico e exuberante. E é quase difícil escrever algo que soa realmente terrível para eles. Portanto, tenha isso em mente quando você estiver escrevendo para cordas. Deixe-os em paz e eles vão ser lindos. Só não estrague isso. 31. Efeitos da corda: Ok, vamos falar sobre string afeta coisas que você pode pedir a eles para fazer. Isso são coisas além de apenas tocar notas com o bot. Agora, em uma orquestra, você pode pedir aos jogadores que façam praticamente qualquer coisa. Se você pensar sobre isso, uma pontuação é apenas uma lista elaborada de instruções. Então você pode dizer, esmague seu violino sobre a cabeça do jogador de bronze mais próximo. Você pode dizer isso. No entanto, isso limitará severamente a quantidade de performances que você obtém porque as orquestras profissionais querem fazer exatamente o que você escreveu na página. E se eles não conseguirem fazer isso, é improvável que o jogue. Eles não vão querer se comprometer e fazer outra coisa. Então, se você escrever algo assim , eles vão dizer como, bem, meu violino custa meio milhão de dólares. O processo que viria do jogador de metais custará alguns milhões de dólares. Portanto, isso não é realmente viável de fazer. E então eles simplesmente não tocarão a peça. Sempre que você pediu para ele fazer algo estranho. Pense na probabilidade de eles fazerem isso. Isso é prejudicial para o instrumento deles? É prejudicial para o bot deles? Isso é outra coisa a considerar porque os arcos não são baratos. Estes podem ser muitos milhares, dezenas de milhares de dólares para um bom jogo de arco que um jogador profissional usará. arco deles é extremamente caro. Então, se você pedir para eles fazerem algo em que eles são como raspar em seu arco. Eles podem não fazer isso, mas podem. Existe uma técnica sobre a qual falaremos em um minuto em que você faz algo potencialmente prejudicial para o bot. E muitos jogadores têm um bot de backup que eles usam quando são solicitados a fazer isso parecer um pouco barato, um como o meu. É possível fazer coisas assim. Algumas dessas coisas que vamos falar, algumas delas são coisas muito padrão e normais, como harmônicos. Alguns deles são um pouco estranhos ou não vamos entrar em nenhuma das coisas super estranhas. Mas lembre-se de que você pode pedir o que quiser. Mas é improvável que eles façam coisas que são realmente estranhas, que danificam seu instrumento ou si mesmas, as pessoas ao seu redor. Ou, francamente, isso é simplesmente desnecessário. Se você conseguir encontrar uma maneira padrão de fazer algo, por favor, faça dessa maneira. Você vai ter muito mais desempenho se você vai deixar o jogador muito mais feliz. Dito isto, vamos mergulhar e vamos falar sobre harmônicos primeiro. 32. Harmônica: Com todas essas técnicas, há realmente duas coisas que você precisa entender sobre a técnica. número um é o que parece? E o número dois é como percebemos isso? Harmônicos são meio complicados de notar. Às vezes. Você já ouviu harmônicos antes. Uma harmônica é quando um jogador, harmônicos funcionam em todos os instrumentos de corda. E é onde você meio que toca levemente a corda e obtém um, então você a curva e obtém um tom diferente. Às vezes é como uma oitava mais alta, às vezes é ainda maior do que isso. E ele só usa a física natural da corda. É um som muito puro. É quase como um apito. Deixe-me ver se consigo um com minha técnica ruim. Lá vamos nós. Isso é um harmônico. Agora, existem dois tipos diferentes de harmônicos. Há harmônicos naturais e harmônicos artificiais. Harmônica natural é quando você simplesmente coloca o dedo na corda, ou desculpe, você toca a corda em um ponto específico, e isso produzirá esse tom diferente. Você pode ver um gráfico desses aqui. Temos aqui, aqui está a nossa corda G. Vamos anotar o tom G. Mesmo que esse não seja o tom que vamos ouvir. E então, com uma cabeça de diamante, vamos notar onde colocar o dedo. E isso está subindo a posição do pescoço para nos dizer onde colocar o dedo. Em seguida, um parênteses. Você vai ver a nota que será produzida. Temos a corda aberta. Não vamos tocar a corda aberta, mas essa é apenas a nossa maneira de dizer eles que queremos essa corda aberta. Queremos que nosso dedo lá nos mostre o harmônico que queremos obter. Então você quer mostrar o tom que resulta dele. Nem todos são tão fáceis de obter quanto os outros. Deixe-me dizer isso melhor. Alguns deles são mais difíceis de jogar do que outros. Coisas que são oitavas e quintas, ou unisons como esta. Muito fácil de conseguir. Coisas que têm, que saltam um monte como este. E isso, estes são os mais complicados que quer ficar. Você tem que encontrar esse tipo de ponto ideal ali e obtê-lo. Portanto, não peça a eles apenas pulem para isso. Em uma 16ª nota. Não vai funcionar. harmônicos também são muito silenciosos. Não podemos jogar harmônico super alto. Portanto, tenha isso em mente. Aqui está a string D, a string e a string E. Você pode ver se você faz isso, você está recebendo notas realmente altas. Um olhar justo sobre esse. Louco alto. São todos harmônicos naturais. Agora, há outra maneira de fazer harmônicos. E é aí que você não usa uma string aberta. Você realmente coloca o dedo para baixo em algum lugar. E então você dedo, você coloca outro dedo na frente daquele em outro lugar. E então você curva essa corda e isso produz harmônico. Demonstramos, se eu vou colocar meu dedo aqui, pegue-o para que você possa ver. Então vou usar meu terceiro dedo aqui e vou encontrar um harmônico. Não estou empurrando para baixo com esta corda, só estou tocando a corda levemente. Eu recebo esse arremesso super alto. Isso é harmônico artificial. Agora, com harmônicos artificiais, você pode obter uma harmônica de praticamente qualquer nota. Você não pode obter harmônica não natural de qualquer nota que quiser. Você precisa procurar quais notas você pode obter com harmônicos naturais. Mas você pode basicamente escrever um harmônico para qualquer nó que você quiser. Porque você não precisa distinguir. Você tem que dizer que isso é natural e isso é artificial. Você só precisa escrever para notá-lo corretamente. Notate, acho que eu disse isso, mas deixe-me ter certeza de dizer direito. Para notar uma harmônica artificial, você simplesmente colocaria esta nota inferior, a nota real na nota de que você quer que eles coloquem o dedo no dedo traseiro para baixo em seus o dedo da frente seriam as cabeças de notas de diamante. É aí que eles querem que você pare a corda. E então a cabeça do nó pequeno, a cabeça da mini nota. Vai ser a nota que realmente ouvimos. As pessoas nem sempre escrevem isso, aquela coisa de cima. A nota que realmente vamos ouvir, eu gosto de escrevê-la. Gosto de vê-lo em pontuações. Mas você não precisa ter isso em sua notação. Mas é bom ter. Porque então o jogador pode dizer, bem, essa é a nota que ele quer. Eles querem que eu faça essa harmônica estranha. Posso fazer uma harmônica mais fácil e obter a mesma nota. Deixe-os fazer isso. Então diga a ele para notar que você quer ouvir é sempre bom. Lembre-se com harmônicos, eles não são altos. Eles são muito tipo de sussurro ou um som de apito muito puro. Levante seno, ondulado. Trabalhe em praticamente qualquer cadeia de caracteres. Não escreva passagens rápidas de harmônicos, não posso fazer isso. Eles precisam se sentar e respirar para realmente sair. 33. Mutos: Vamos falar sobre o uso de um mudo. Talvez você conheça o termo Ute from trumpets. Trompete, é muito comum brincar com unmudo ou eles colocam algo que parece um êmbolo no sino de seu instrumento. Você pode saber silenciar. Se você é um guitarrista, você pode saber, às vezes fazemos algo chamado Paul muting, que é onde você coloca sua palma meio sobre as cordas um pouco só para obter a parte gordurosa de sua palma nas cordas apenas um pouco silenciada. Instrumentos de cordas de orquestra também podem silenciar. Eles usam uma técnica um pouco diferente. A maneira como você percebe é muito simples. Você acabou de escrever normal. Mas no início de onde você quer o mudo, você apenas escreveria com mudo ou silenciado. Ou se você quiser ser chique, você pode escrever espada, que é a abreviação de concertina, que é o italiano para com mudo. A propósito. Deixe-me dizer algo sobre termos. Você é perfeitamente bem-vindo para usar quaisquer termos, quaisquer termos linguísticos que você quiser. Se você é um falante nativo de inglês, não escreva todas as instruções de pontuação em italiano, como se não precisasse fazer isso. Isso é da velha escola. Você pode simplesmente escrever em inglês. Mas se você é italiano, sinta-se à vontade para escrever um italiano, mas não há nenhum benefício real ser chique e escrever coisas em italiano. Se você não falar, se você não fala esse idioma, basta escrever instruções de pontuação em um inglês com exceção, suponho, de coisas muito comuns como Allegro e forte, coisas assim. Mas se você vai escrever com mudos, e se você é falante de inglês, certo? Com mudo, se você estiver a tempo de estar aqui, palestrante oito conta para o jantar. Está tudo bem. Mas basta escrever em seu idioma nativo. Tudo bem. Se alguém não souber o que algo significa que está tentando tocar sua música, eles vão procurá-la. Isso é o que a guerra do Google. Silenciar. A forma como os mudos de corda funcionam, pois na verdade não tenho um, mas é um pedacinho de borracha. E, na verdade, fica bem aqui, bem na ponte. Às vezes, eles o mantêm aqui e onde não está fazendo nada. E então eles puxam para fora e eles meio que o prendem. É mais como uma espécie de apertar. Ele faz o que você esperaria. Ele silencia um pouco as cordas. Então imagine como um pequeno pedaço de borracha tocando suavemente as cordas. Então, dá a eles um som um pouco mais escuro. Isso os torna um pouco mais silenciosos. Não é a coisa mais dramática do mundo. Você pode ter algo com mudos e então eu não toquei um monte de notas realmente altas e isso não vai soar muito silenciado. Isso não afeta muito o registro alto. Pelo registro médio e baixo. Ele pode suavizar um pouco o som, tirar um pouco do high-end dele. Uma coisa importante sobre mudos. Eles precisam de algumas batidas para colocá-lo dentro e fora. Então, se você imagina que eles têm que fazer, então, eles estão segurando um arco lá tocando, e então eles vão ter que fazer isso. Eles vão ter que ir nisso, isso, certificar-se de que está lá direito. E, em seguida, volte a posição da mão novamente e vá quatro ou cinco segundos, pelo menos. A mesma coisa quando você diz a eles para tirar o mudo, eles vão precisar fazer isso, este clipe lá atrás, preparar a posição da mão e ir. Eles precisam de algumas batidas para ficar silenciado dentro e fora. Se você disser para eles usarem um mudo, se você disser com mudo, não se esqueça. Em algum momento você tem que dizer a ele não mudo ou para remover o mudo. Sem mudo. Areia, espada, areias ou Dina, qualquer idioma que você queira usar. É sobre isso. Você não precisa fazer nada notacional especial , notacionalmente com ele. Basta dizer-lhes para colocá-lo e depois dizer-lhes para tirá-lo. Lembre-se que vai ser um pouco mais silencioso, um som um pouco mais escuro. Todos os instrumentos de corda para ter mudos e eles funcionam da mesma maneira. As bases usam mudo. Não posso dizer que já vi uma ponte base silenciar assim. Muito incomum. Nas bases. As bases são um som tão baixo em escuro, não sei se isso teria realmente muito efeito. Provavelmente não. Algo na base que o comum dele , talvez eu esteja errado nisso. Mas em todo o resto das cordas, incluindo o violoncelo, muito comum usar mudos. Nada de estranho nisso. 34. Col Legno: Coronel legno. Este é um que vai deixar você não muito popular entre os jogadores de cordas. Deixe-me dizer isso logo de cara. No entanto, vejo muitos jovens compositores assim, grandes seções de col legno. Não é algo que é escrito que os jogadores gostem de fazer. Bem. Talvez alguns façam, eu não deveria dizer tudo isso. No entanto, é uma dessas coisas que pode danificar o bot. Então, se você vai pedir a alguma seção para fazer col legno, você precisa dar a eles algum tempo extra antes dessa seção. Então você precisa dar a eles algumas barras de descanso. E então você pode dizer Col Legno, porque nesse tempo, se você estiver trabalhando com orquestra profissional, eles vão colocar o arco para baixo. Eles vão pegar seu arco ruim. E eles vão usar isso para o Col Legno. Col legno significa com a madeira em nosso PBO. Temos cabelo deste lado. Temos madeira deste lado. Não devemos usar a madeira. A lâmina, as cordas. Madeira muito cara. E é muito delicado. É suposto usar o cabelo para jogar os pontos fortes. Mas col legno significa usar a madeira. Você pode fazer isso de duas maneiras diferentes. Você pode realmente ir com a madeira, o que soa assim. É um tipo de som muito vazio. Não há muito som produzido com ele. É, não é um som muito agradável. Mas se você quiser fazer algo um pouco assustador, isso pode ser um som, deixe-me ficar real aos meus cuidados. Mas é super silencioso. A coisa mais comum que fazemos com col legno são coisas percussivas. Você pode ter, como se um ritmo fosse escrito e depois diga col legno. Então o que eles vão fazer então é meio que saltar com a madeira. Então eles vão embora. Você pode dar-lhes fotos sobre isso também. É meio legal porque dá muito mais um som de percussão porque eles estão apenas batendo na corda com um, basicamente com um martelo. No entanto, é difícil ser real. Sou preciso ritmicamente. Quero dizer, você não pode ser muito preciso ritmicamente, mas isso, mas isso, segurar um arco como este, e fazer coisas percussivas não é o mesmo que segurar uma vara como esta. É um pouco mais difícil acertar. Eu não adoro isso. pode produzir alguns sons legais e se você quiser fazer isso, você deve fazê-lo. Mas lembre-se de que não é a coisa favorita dos artistas a fazer. Se você quiser fazer do jeito que você percebe que é. Você apenas escreve coisas normalmente e então você apenas coloca as instruções de pontuação do tribunal com a madeira ou col legno. Isso pode ser aquele em que eu usaria col legno, mesmo que eu seja um falante nativo de inglês porque é apenas um tipo de padrão. Então, para desligá-lo, você normalmente usaria, acho que você usaria apenas a notação ou ORD, que significa como um jogo normal e normal. Agora, chega de col legno. Sem notação especial, apenas uma instrução. 35. Ponticello: Ah, e eu disse, mencionado col legno pode ser feito por qualquer uma das cordas. E, na verdade, é um efeito legal na base porque eles são tão grandes, que são puxados para baixo. De qualquer forma. Seguindo em frente. Ponto gelatina, Monte violoncelo é uma das minhas técnicas favoritas. Se você quiser escrever algo e quiser que pareça assustador como todos saem. Monte violoncelo é o que você quer. Sobre o violoncelo significa de volta pela ponte. Então esta é a ponte. Se eu tocar uma nota, deixe-me tocar uma corda aberta aqui. Isso é normal. Vou direto nessa área, mais perto do início da escala aqui em cima. É aí que eu ganho um bom tom, certo? Mas se eu voltar pela ponte, ele vai ficar gritando. E você tem todos esses harmônicos estranhos surgindo. Deixe-me fazer uma longa nota. Há muita raiva, há muita estranha assustadora. Eu tenho sido conhecido em partituras quando quero algo soar assustador, escrever várias geleias de Ponto, como muito, como ficar bem no topo da ponte com uma nota alta. É só que, é como houvesse um assassino psicopata ao virar da esquina. Todo mundo sabe disso. Isso se chama violoncelo Monte. Significa apenas na ponte desligá-lo, ligá-lo e notá-lo. Você escreveria violoncelo Monte ou plantaria P0 e T. Isso é, acho que outro que eu escreveria peão. Eu não escreveria na ponte em inglês. Porque é um termo tão comum. Para desativá-lo, você pode apenas escrever 4D ou RD para o comum. Você também pode ser um lago de alma é algo que vemos muito, para ativá-lo. Você não precisa fazer mais nada estranho com a notação e apenas escrevê-la normal. Mas a lagoa solar, é muito silenciosa. Funciona melhor em passagens mais lentas. Funciona muito bem com tremolo. As plantas Tremolo seriam seriam agradáveis e assustadoras. Sim, todas as cordas podem fazer isso. É bom. Som assustador. Adoro usá-lo. 36. Glissando: Tudo bem, glissando. Você pode saber o que isso já significa. Isso significa apenas deslizar uma corda como esta. Certo, legal. Agora, quando você escreve isso, eles podem ser um pouco mais complicados de escrever do que você pensa. Você não pode simplesmente escrever sozinho em uma nota alta e dizer glifos entre os dois. É aqui que pensar sobre o alcance de cada string realmente importa. Porque se você quiser um som suave de nota baixa para uma nota alta, isso está acontecendo. Então você não pode deixá-los cruzar cordas no meio. Por exemplo, digamos que eu queria ir dessa nota, esta nota, até esse nó na próxima string. O que eu teria que fazer é ir. Então eu teria que trocar as cordas entre elas. Eu não quero trocar balanços e cordas no meio porque não há como isso ser um copo liso todo o caminho. Então, se eu realmente quiser que seja suave, preciso encontrar a nota mais alta e a nota mais baixa na mesma string. Então eu posso chegar até lá em cima. Quando você escreve um glissando, se você quer essa coisa suave e ininterrupta, procure isso. Tente encontrar um local para notas que você possa obter na mesma string. A maneira como você escreve é apenas duas notas. Você, a nota inicial, você está certo com a duração dos glifos. A nota final pode ter o ritmo que você quiser. Em seguida, uma linha que os conecta. Deixe-me realmente mostrar isso. Isso pode ser um pouco complicado. Se eu quiser 12 últimas duas batidas, posso fazer isso. Eu poderia dizer ir de C para este G. Agora o que isso vai fazer, deixe-me conectá-los. O que isso vai me dizer para fazer é começar nesta nota e usar duas batidas para glifos até esta nota. E então, quando eu chegar a essa nota, fique nesta nota pelo resto da medida. Então, este é um glifos de dois batimentos. Aqui. Esse é um erro muito comum que as pessoas cometem. Se você quiser que eles tomem toda a medida para chegar a essa nota do que você realmente quer. Para se livrar disso. Faça isso uma nota completa e, em seguida, coloque a nota de destino deles em qualquer ritmo que você queira que seja. Assim. E, em seguida, os glifos, basta desenhar uma linha entre as duas notas. Você pode escrever glifos. Você não precisa escrever glifos. Supõe-se que, se houver duas notas em uma linha reta entre elas, os glifos. Você pode escrever notas ao longo do caminho. Isso é um pouco mais complicado, mas basicamente você pode dizer como, digamos que você queria que isso fosse para cima e para baixo, para cima e para baixo. Você poderia fazer isso. Em seguida, conecte tudo isso com um glicerol. Vai estar brilhando por todo o lado, cima e para baixo, para cima e para baixo. Vai dar a volta pela sala. E Linda G, você pode fazer isso. Uma coisa que você poderia considerar fazer aqui é se livrar da cabeça da nota. Isto é, não sei exatamente como fazer isso no MuseScore. Eu poderia fazer isso, eu acho. Vamos ver. Talvez mude para isso. Um triângulo, cabeça de diamante. Qualquer coisa que seja um ponto de notas diferente. O que isso vai me dizer para fazer. Na verdade, x's seria melhor Eu tenho um notehead X? Mas isso também funciona. Bem. Isso vai me dizer é que eu realmente não me importo com esse passo g. Isso significa ir até esse alcance e, em seguida, descer até esse intervalo, até esse intervalo, e depois pousar em que G. Você vai ouvir, isso vai soar como se fosse dissonante como todos saem. Porque se você escrever isso para a seção de violência, porque eles não vão para o mesmo lugar ao mesmo tempo. Você vai ter esse tipo de caos e vai ser legal. Mas é assim que você escreve um sem ego. Agora eu realmente não pensei em colocar tudo isso na mesma corda, o que você realmente não pode fazer. Mas eu gostaria de repensar isso. Acho que é sobre isso para glifos. 37. Vibrato: Certo, muito brevemente, vibrato. Vibrato é esse som que todos vocês conhecem de grandes cordas exuberantes. Vibrato é o padrão para strings. Isso significa que se você escrever uma linha grande e bonita ou apenas como uma nota que está sendo mantida por um tempo. Você vai ter um pouco de vibrato nele, certo? Então é, o campo vai se mover um pouco. Isso é exatamente o que soa bem em cordas. Isso remonta a essa coisa de como, se você apenas disser às cordas para tocar o meio C, vai soar ótimo. Eles vão adicionar um pouco de vibrato. Vai ser lindo. Agora mencionei por rhabdo porque você pode brincar um pouco com ele. Se você quer que algo seja como realmente puro e ainda como vidro, você pode dizer não vibrato. Você não pode dizer apenas segure essa nota. Eu poderia fazer isso se eu estivesse escrevendo um acorde grande que fosse como, realmente como violoncelo punted, e eu quisesse ser sombrio e assustador. Eu poderia escrever também nenhum vibrato. Você também pode dizer a eles vários vibratos se você quiser soar maluco, basta correr ao redor, ao redor, ao redor, em torno da rampa r1. Use uma tonelada de erato nisso. Ou se você quiser voltar ao normal, você diria 4D ou a palavra vibrato. Então lembre-se de que o vibrato pode ser usado como um efeito legal. Você pode dizer que não vibrato, molto vibrato. Apenas vibrato normal. E especialmente quando é combinado com alguns outros efeitos, como violoncelo perfurado, pode ser legal. Diga-me para pensar. 38. Scordatura: Ok, por último, mas não menos importante, marcou na Europa. Agora eu digo por último, mas não menos importante, há muito mais efeitos que você pode fazer. É aqui que talvez ter um livro didático de orquestração para referência seria útil. Não vou passar por todas as coisas. Apenas passando por algumas das coisas mais comuns que eu acho. Mas há toneladas e muito mais. Você pode falar com qualquer jogador de cordas. E realmente não há regras sobre isso. Você pode pedir a alguém para fazer o que quiser. Como eu disse, é só uma questão do que eles vão fazer. Certo? Marcou na Europa. Não faça isso em uma orquestra. Não faça isso em uma orquestra. Você ainda não vai. Posso dizer que com quase 100% de certeza marcada, um jurado é uma maneira extravagante de dizer, pedindo ao jogador de cordas para retomar, para ajustar seu instrumento com uma nota diferente. Minha nota mais baixa é que G, a corda aberta baixa em um violino. Como talvez eu quisesse ter um F sob isso. Eu poderia dizer, bem, apenas sintonize seu G para baixo para um F. Isso é muito problemático. Primeiro de tudo, isso exigirá parar antes da peça e retunar. Isso leva tempo. Todos eles têm que sintonizar juntos. As cordas têm que sintonizar juntas, e então elas têm que sintonizar o resto da orquestra. Leva tempo. Em segundo lugar, lembre-se de que esses violinos violoncelos e violas e bases são, alguns deles são instrumentos de US $1 milhão. Pessoas que tocam nas principais orquestras. Eles têm instrumentos que valem mais de um milhão de dólares. São peças de máquinas muito delicadas. Essa peça de maquinaria muito delicada é projetada para ter tensão nas cordas de uma certa maneira. E é tão delicado que se você sintonizá-lo com algo diferente, ele pode mexer com o instrumento. Se você pedir que eles se sintonizem a algo diferente, na melhor das hipóteses, na melhor das hipóteses, você vai fazer com que eles retirem o violino modelo do aluno e usem isso, o que significa que ele não terá o mesmo tom. Não vai soar muito bom em comparação com o instrumento real deles. Simplesmente não vai acontecer. Agora, se você está escrevendo uma peça solo para violino ou qualquer instrumento de cordas, e você tem um jogador que diz, sim, eu realmente gosto de retunar coisas. Eu tenho esse violoncelo antigo e gosto de retuná-lo. Então, por todos os meios, você pode fazer isso. Você pode fazer isso totalmente. Mas em uma orquestra, não pude recomendar o suficiente para não fazer isso. Não peça que eles retomem, eles simplesmente não o farão. Acho que é tudo o que preciso dizer sobre essa pontuação para Ciara. 39. Como eles funcionam: Certo, é hora de passar para os sopros. Woodwind é um grande grupo e contém muitos instrumentos diferentes. Agora, sua pegada dentro da orquestra é realmente menor que as cordas. Porque tipicamente com sopros, temos apenas 12 separados, ou só temos 12 separados, período. Então, se você tem uma linha de flauta na pontuação da orquestra, isso normalmente significa que apenas uma pessoa está tocando essa linha. É diferente das cordas onde você pode ter dez pessoas tocando violino. Um. Se você quiser ter duas flautas, o que é muito comum, você tem fluido um e dois fluidos na pontuação. Cada um deles obtém sua própria equipe na pontuação. Você poderia ter três fluidos. mais comum é ter o que é chamado de ventos e 2s onde você basicamente precisa, você basicamente tem todos os instrumentos de sopro, duas partes para todos os instrumentos de sopro. Então você tem dois flautas para jogadores de oboé, para qualquer clarinete para jogadores de fagote. Dito isto, os instrumentos desta família incluem flautas, oboés, clarinetes, fagotes. Esses são os principais. Vou incluir saxofones nesta seção dois, não é comum ter saxofones em uma orquestra. saxofones não fazem parte da orquestra. Por quê? Por que isso? Por que os saxofones não estão em nossa orquestra? Na verdade, gostei do som de saxofones em uma orquestra. Posso falar sobre isso mais tarde porque tenho algumas filosofias sobre isso. Mas a razão pela qual eu acho que os saxofones não são uma parte regular da orquestra é porque saxofones ou novos saxofones são, na verdade, apenas como um 100 anos de idade. Então, Adolf Sax foi o inventor do saxofone. Não sei exatamente quando ele fez isso, mas não faz muito tempo. Você ficaria surpreso. A orquestra como um conjunto, a orquestra moderna até existe muito mais tempo do que o saxofone. Não são saxofones dao comuns em uma orquestra. No entanto, você pode colocá-los em uma orquestra. Você pode pedir que eles estejam na orquestra. Há muitas peças que você saxofones na orquestra. Não é inédito colocar saxofones em sua orquestra, mas não é padrão. Mas vamos falar sobre saxofones qualquer maneira, porque eu gosto de saxofones. Certo. Então, como os ventos funcionam? Os sopros de madeira usam, cada instrumento usa uma das três técnicas diferentes. Existem três técnicas diferentes usadas para produzir o som. A primeira maneira que diríamos é soprar ar sobre um todo. É assim que funciona uma flauta. O fluido tem um pequeno buraco nele e você sopra ar não no buraco, mas sobre o todo. E que a maior parte do ar passa por toda a soma do ar entra no buraco, e isso cria uma vibração que faz com que o som aconteça. A segunda maneira é soprar ar sobre uma leitura. Como o clarinete. No clarinete. Este clarinete não tem uma leitura sobre ele. Este não é um clarinete adequado para planejamento. Isso basicamente fica em uma parede. Mas eu o peguei apenas para fins de demonstração. Normalmente iria aqui e você pode ver que há um buraco aqui. Então a leitura passará por cima e vamos explodir dessa maneira. E um pouco do ar passará por cima dele e parte do ar passaria por baixo dele e para aquele buraco. E que Reid vibra das diferentes quantidades de ar em cada lado dele, e isso criaria o som. Normalmente, esta é uma afirmação muito ampla, mas tipicamente, instrumentos em que você sopra som sobre um todo criam um som semelhante a onda senoidal muito puro como a flauta. Instrumentos onde você sopra som sobre uma leitura como os clarinetes. Os saxofones também funcionam da mesma maneira. Crie um tipo mais de gritos ou som *****. Eles podem ser realmente bonitos, mas é, se você comparar todos eles lado a lado, você diria que é um pouco mais agachado a ele. Então a terceira maneira é com um par de leituras onde há duas leituras meio ensanduichadas juntas e você sopra em ambas as leituras e elas começam a tremular por causa do erro entre os dois. E isso produz o som. Porque, ou fagotes e oboés, chamamos esses instrumentos de palheta dupla. têm um pouco mais como um som nasal para eles. Mais uma vez, isto é, isso soa pior do que é. Oboés e fagotes podem ser instrumentos realmente bonitos para dizer que há som nasal não é exatamente justo. No entanto, em comparação com todos os três, eles são um pouco nasais por causa desse mecanismo de palheta dupla. Na verdade, adorei o fagote deles assim que um dos meus instrumentos favoritos na orquestra. Ele só tem sons bonitos, muito difíceis de tocar, mas porque esse mecanismo de palheta dupla é meio complicado . Mas um bom fagote jogadores pode ser absolutamente lindo. Então esses são os instrumentos sobre os quais vamos falar nesta seção, os sopros. Agora você pode se perguntar, por que eles são chamados de sopros, mas nem todos são feitos de madeira. Como o fagote é feito de madeira. Os oboés têm alguns de madeira. Clarinete às vezes são feitos de madeira. As flautas não têm madeira nelas. Eles são feitos de metal ou, às vezes, outras coisas. Não sei por que isso é. Nós os chamamos de sopros. Às vezes, apenas os chamamos de ventos. Muitas vezes só digo ventos. Mas o nome completo deles são os sopros. Se eles têm madeira neles ou não. É exatamente o jeito que é. Vamos falar sobre algumas coisas peculiares sobre os sopros. 40. Notas sustentadas e respiração: Ok, então uma das maiores coisas que é diferente entre os sopros nas cordas é respirar. sopros precisam usar o ar que sai da boca para fazer o som, que significa que eles precisam respirar. Então, é um pouco como o problema de fadiga na mão direita das cordas onde dissemos que você não pode fazer como tremolo é o dia todo porque o braço deles ficará muito, muito cansado e cairá. É um pouco assim, mas é ainda mais. Instrumentos de sopro. Os jogadores têm que respirar. É muito comum. Os jogadores têm que respirar. E a questão da fadiga não desaparece. Eles ficam cansados se você lhes disser para fazer a mesma coisa por um período muito longo de tempo, mesmo que você lhes dê respiração. Não vai funcionar muito bem. Mas o mais complicado é que, se você quiser escrever essa longa bela coisa lírica para um clarinete, você pode fazer isso, mas você tem que dar a eles pontos onde eles possam respirar. Caso contrário, eles simplesmente não serão capazes de jogar. Agora, há algumas maneiras de contornar isso. Primeiro, eles conseguem respirar muito rápido. Se você estiver jogando e fica sem ar. Veja a rapidez com que você pode reabastecer seus pulmões. Como assistir isso. Vou fingir que estou jogando. Você pode fazê-lo em provavelmente uma oitava nota, dependendo do seu tempo. Eles não precisam de medidas de cada vez para respirar. Eles só precisavam de uma oitava nota aqui e ali. Pode acontecer muito rápido, mas eles precisam dessa pausa. Se você não der um, eles vão pegar um. É melhor para você meio orquestrar onde você quer que eles respire, dando-lhes um descanso de vez em quando. Caso contrário, eles vão encontrar um local onde possam respirar, o que significa cortar uma nota curta, geralmente, às vezes chegando tarde em uma nota, geralmente cortando uma nota afiada. Agora, uma coisa me perguntam o tempo todo e não sei por que isso é, por que isso é, mas me perguntam o tempo todo sobre respiração circular. Respiração circular é essa técnica que os jogadores de vento podem usar onde eles podem basicamente sustentar uma nota para sempre. Eles podem. A maneira como funciona é que eles explodem usando seus pulmões. Eles expiram de seus pulmões, e depois respiram pelo nariz ao mesmo tempo e enchem a boca com ar e depois usam suas bochechas para empurrar esse ar para fora. E então eles estão basicamente sempre sugando ar pelo nariz, enchendo suas bochechas e depois empurrando-o para fora. E isso faz com que eles possam respirar como em círculo e nunca parar. Eles sempre podem estar indo porque estão constantemente empurrando o ar pela boca e para dentro do nariz. É legal. É um truque legal. Você não pode esperar que um orquestra possa respirar circular. Se você pedir a eles para respirar circular , isso não vai acontecer. Isso não é uma coisa padrão. Se eles decidirem respirar circular usando sua peça, isso é ótimo. Eles podem fazer isso. Mas você não pode contar com eles serem capazes de fazer isso. E esperar que eles em uma orquestra não é bom. Isso é uma coisa solista. Isso é o que eu acho que Kenny G ficou famoso. Ele tocou como uma única nota por três horas, o que não é difícil. Como se você pudesse respirar circular, você poderia tocar uma nota por quatro horas apenas uma questão de ficar entediado. Você está literalmente como se estivesse lá fazendo isso. Não para comer Kenny G, Mas de qualquer forma, tire a respiração circular da sua cabeça por escrever para orquestra, não algo que seja comum, não algo que você possa esperar. Embora possa ser comum que os jogadores possam fazê-lo, muitos jogadores podem fazer isso, mas você não pode pedir que eles façam isso em uma orquestra. E você sabe o que a respiração circular é estranhamente alta. Porque eles têm que fazer isso. Eles têm que explodir. E então, se você procurar um vídeo de alguém respirando circular, eles têm que inalar pelo nariz ao mesmo tempo que soprando pela boca. E esse processo de entrar pelo nariz deles. É muito alto. Eles vão assim. Eles ainda estão brincando e eles têm essa coisa enorme pelo nariz. Não é uma coisa agradável. Não faça isso. Dê ao seu pessoal, dê aos seus jogadores pontos para respirar. É algo que você tem que pensar sobre a maneira como eu faço isso e falaremos mais sobre isso quando entrarmos na parte de orquestração desta classe. Mas uma das coisas que faço é que não penso muito em respirações. Quando estou escrevendo uma peça, acabo de escrever. Mas depois de terminar o primeiro rascunho da peça, vou voltar e seguir a linha da flauta todo o caminho e pensar em respirações, depois modificar as coisas de uma maneira que o faça. Então, se houver algum lugar onde eles não possam respirar facilmente, eles têm a oportunidade de fazê-lo. Eu faço isso para todos os ventos e o latão para latão tem o mesmo problema. Certo. É isso. Vamos seguir em frente. 41. Tonguing e ritmo: Certo, alguns pensamentos rápidos sobre língua e ritmo. Portanto, há basicamente duas maneiras pelas quais os jogadores de vento podem jogar ritmos mais. E estou falando de ritmos mais rápidos. Uma é regular a respiração, ir, empurrar a respiração em um ritmo. Essa é a maneira óbvia, mas outra maneira é através do puxão. Então isso seria como se você estivesse tocando flauta, você tem o buraco lá, certo? Bem, flautas. Sim, vamos usar azul. Com uma flauta enquanto você pode fazer é usar a língua para ligar a boca. Você está constantemente empurrando o ar para fora, mas com a língua, você vai fazer isso parar de ar. Então, quando sua língua está na posição certa, isso pode lhe dar ritmos um pouco mais rápidos. Você não precisa pensar nisso tanto quando está escrevendo, exceto para dizer que você pode fazer ritmos bastante rápidos e complicados com os ventos. Porque se eles não conseguem controlar seus pulmões no ritmo certo, eles podem usar a língua para obter ritmos rápidos e intrincados. É verdade em todos os instrumentos de sopro em um clarinete, você pode realmente tocar sua língua para o leitor para impedir que ele vibre e então você pode ir e fazer coisas mais rápidas. Até vi pessoas rolarem a língua para obter um ritmo muito rápido. Nada com o qual você precisa se preocupar demais. Eu só quero salientar que pode haver uma boa quantidade de complexidade rítmica nos ventos por causa disso, isso não significa que você tem que escrever dessa maneira. Isso significa que você é livre para escrever como quiser. Não há muita coisa que você tenha que pensar. Para o ritmo. 42. Transposição!: Certo, com ventos, precisamos começar a pensar em transposição. Isso recebe NA mais cedo à medida que entramos nos diferentes subgrupos dos instrumentos. Por exemplo, a flauta. A flauta está em C. Não é um instrumento de transposição. Isso é ótimo. Mas há o piccolo que transpõe em uma oitava. Há a flauta alto, que está em G, acho que então ela transpõe uma estranha. Há a flauta E-flat que transpõe. Há flauta baixo que transpõe, que está em C, mas transpõe por uma oitava, eu acho. E está escrito em agudos clef. Talvez até, isso pode ser transposição de duas oitavas. Agora pense nisso. Existem muitas variedades diferentes de cada um desses instrumentos. clarinete tem os clarinetes em B plano, mas também há um clarinete E-flat e um clarinete a, um clarinete. Em seguida, um clarinete baixo. Há muitos instrumentos diferentes em cada um. Eles nem sempre têm uma transposição diferente, mas muitas vezes têm. Há muitas transposições para acompanhar aqui, falaremos sobre elas à medida que elas surgirem. Mas saiba que quando, a menos que eu diga explicitamente que estou falando sobre o campo transposto, estou falando sobre o discurso do concerto. Isso significa notar que vamos ouvir. Porque é assim que eu penso. Porque, novamente, nunca faça uma transposição. Quando escrevo coisas, estou sempre escrevendo em tom de concerto e depois transpô-lo mais tarde. Mesmo que isso me faça, eu não sei. Talvez, talvez isso me faça um mau compositor, mas acho que isso me faz mal na transposição e estou perfeitamente bem com isso. Você sabe o que eu também faço para transposição. Acho que não disse isso antes, mas também tenho alguém revisado por transposições. Como se quando eu estiver trabalhando com uma orquestra, eu escrevo tudo e veja, eu vou transpor. Vou passar e me certificar que não saí do alcance de nenhum instrumento. E então vou mandar partidas para um amigo meu que é muito melhor na transposição e dizer: Você pode ler sobre isso e garantir que tudo seja transposto corretamente? Eu não gostei do caminho errado, mesmo tendo o computador fazendo isso, tenho outra pessoa revisando apenas para garantir que o computador faça errado, o que aconteceu. Portanto, tenha isso em mente. transposições estão chegando com força total. 43. Os tipos de flautas: Certo, vamos falar sobre a flauta. Primeiro. Quero falar sobre os tipos de fluidos. E para todos os instrumentos de sopro de madeira, existem vários tipos deles. Para cada instrumento. Uma coisa que você vai querer pensar é dobrar. Há, em uma orquestra, existem certos instrumentos que você pode pedir a alguém para dobrar. Flauta e piccolo são bastante comuns. Então, vamos falar sobre os diferentes tipos de fluidos, então eu voltarei a esse problema de duplicação Apenas muito rápido. O piccolo. Piccolo, a flauta muito pequena, é extremamente alta. É como o instrumento de sopro de madeira mais alto que temos . É uma flauta minúscula. Basicamente, é muito alto, é muito penetrante. É apenas cortes. Temos o alto fluido, meio que o oposto de um piccolo. Isso é menor que uma flauta normal. É um som muito cremoso, é um som muito quente. É um som lindo, mas é notoriamente meio silencioso. Fluidos altos são bons para uma boa passagem solo em uma peça de orquestra. Mas ter um conjunto inteiro jogando. E então a flauta alto misturada lá, você nunca vai ouvir. É um instrumento bastante silencioso, mas é um som muito bonito. Para uma linha solo. A flauta baixo mais baixa novamente, um pouco incomum em uma orquestra. Vai ser um som muito silencioso, muito legal, mas difícil usar uma música de orquestra. Várias flautas de madeira. Eu realmente não chamaria essas flautas, mesmo essas não são algo que você jamais vai achar uma orquestra, eu não deveria dizer nunca, mas muito raramente. Flauta soprano e plana. Esta é uma flauta de transposição. Isso também é muito raro. Eu não acho que você acharia isso em uma orquestra ou esperaria ter aquela orquestra interior. E da maneira normal. Então a flauta de concerto é o fluido normal. A coisa que conhecemos como um fluido. Está em C, seu fluido padrão. Todas as coisas sendo iguais se apenas disser flauta, este é o que você está escrevendo para. Este site diz fluido plástico. Eu chamaria isso de gravador. Acho que a maioria das pessoas chamaria isso de gravador. Você não pode pedir gravadores. De volta à coisa de duplicação. Então você tem um tocador de flauta em sua orquestra. Você provavelmente precisa. Esses flautas, pode-se esperar que duplique provavelmente dois instrumentos. Então você pode pedir ao tocador de flauta em algum momento para trocar os instrumentos para uma flauta alto ou Piccolo. Agora você provavelmente também tem um piccolo player dedicado. Se você quiser. Você não precisa usá-los. Mas em ventos padrão, você tem piccolo e duas flautas. Então, tecnicamente, três flautas. Você não gostaria de pedir ao jogador de piccolo para tocar flauta normal. Mas você poderia pedir à flauta, uma das partes da gripe, para mudar para a flauta alto, se você quisesse, você teria que dar tempo a elas. Mais uma vez. Eles teriam que baixar o fluido e pegar outra flauta de baixo captador. Mas isso é um meio de duplicação bastante padrão podemos pedir a esse jogador para fazer isso. Mas pedir ao jogador de flauta para pegar um par de pratos de colisão não é duplicação padrão. Isso não é algo que você possa fazer. Eles não farão isso e há regras contra isso. Se você estiver em dúvida, procure as duplas padrão quatro e no instrumento que você está procurando. E você poderá encontrar o que você pode pedir que eles façam com bastante facilidade. Além do principal deles. Mas lembre-se também de que principal deles é o principal deles por um motivo. Então, se houver flauta, eles são aceitos especialmente bons na flauta, não na flauta alto. Embora eles sejam muito bons em última análise. Vamos falar um pouco mais sobre as flautas. 44. As flautas: intervalo e som: Ok, então este é o alcance dos seus gripes de concertos padrão. A nota mais baixa é C. O nó mais alto é que F. E esses oito VA significam uma oitava maior, então, na verdade, é uma oitava maior. Caminho para cima. Seus fluidos podem ficar altos. Piccolo pode ficar ainda maior. Fluidos altos menos altos e fluidos de base obviamente menos baixos. Agora, o que é realmente interessante sobre a flauta é que ela tem uma curva dinâmica muito proeminente, o que significa que em baixo alcance, é muito silencioso. Então é o alcance superior, é extremamente alto. Acho que isso só tem a ver com a quantidade de ar necessária para fazer uma anotação. Se você quiser fazer uma dessas notas baixas, você tem que ser um pouco delicado e apenas gosta de obter essas notas baixas. E para obter essas notas altas, você tem que explodir suas entranhas para obter essas notas altas. Se você escrever esta nota, este C, duplo forte, ainda não vai ser muito alto. Se você escrever esta nota no pianissimo, ainda vai estar gritando alto. As coisas ficam mais altas à medida que ficam mais altas. Isso geralmente é verdade para a maioria dos instrumentos. Mas é especialmente verdadeiro nos fluidos e isso é verdade para todos os fluidos. Uma reclamação que você ouvirá de flautas o tempo todo, que eles tinham alguma passagem difícil de jogar em uma peça. Foi escrito muito baixo. Isso não significa que não soou legal. E isso não significava que não é divertido jogar porque eles gostaram jogar lá embaixo e têm um alcance mais baixo. Mas isso significa que ninguém vai ouvi-lo. Como se você tem, porém, a flauta e o alcance mais baixo, fazendo algo muito legal. E é dobrado com um trompete. Mesmo que você diga ao fluido para ser forte e a trombeta para ser piano, você ainda não vai ouvir esse fluido se estiver dentro, é de baixo alcance. E então o flauta tocava essa coisa legal, mas ninguém ouviu. E isso os deixa tristes. Basicamente. Nunca escreva música para um instrumento que não esteja bem equilibrado para que as pessoas não a ouçam , porque então elas ficarão mal-humoradas. Haverá como, por que me incomodei em aplicá-lo? Ninguém conseguirá ouvir isso. Essa é uma grande reclamação de um baixo alcance da flauta. No entanto, deixe-me dizer também que o baixo alcance da flauta é realmente bonito. É um som realmente ótimo. Você só precisa ter muito cuidado quando escreve para isso que não há muito mais acontecendo. Digamos que você tenha escrito este solo legal para a flauta e estava em seu alcance mais baixo. Talvez você tivesse as cordas sustentando um acorde, apenas o brilho. Você poderia, quando todos eles eram pianissimo, eles estavam todos muito quietos. E você tinha essa flauta solo e é de baixo alcance, você pode ser capaz de ouvir isso. Isso pode ser um uso eficaz. Ou talvez você tenha apenas os amarelos segurando o acordo. Isso pode ser um som legal para que seja uma das definições de orquestração é que está escrevendo coisas de uma forma que o orquestral funciona muito bem juntos, não escrevendo uma passagem bombástica para os fluidos muito baixos. Agora, essa também é uma daquelas coisas que é realmente interessante sobre a restrição de sintetizadores. Porque você pode trapacear. Você pode tornar esse fluido baixo a coisa mais da orquestra mais alto que o bronze. Só misturando. Você pode fazer isso com coisas de computador, mas em uma mistura real, em uma orquestra real, você não pode fazer isso. Você nunca vai ouvir isso. Então, algo para pensar com as flautas. Vamos falar sobre o oboé. 45. Os tipos de organismos Oboes: Ok, o oboé é o nosso primeiro instrumento de palheta dupla. Então, tem esse tipo de som nasal um pouco mais. Mas não fique perturbado. Isso pode ser um som muito bonito no contexto certo. Existem alguns tipos de oboés, e na verdade há muitos deles que eu só olhei como coisas que nunca tinha ouvido falar. Porque a história do oboé remonta aos tempos antigos. Mas o principal, existem apenas dois que nos preocupam com a orquestra moderna. E esse é o oboé padrão ou o oboé de concerto. O chifre inglês. A buzina inglesa geralmente recebe seu próprio jogador e sua própria linha. Eu acho que é um duplo, uma duplicação padrão onde você pode pedir a um jogador de oboé para jogar trompa inglesa, mas eu poderia estar errado. Talvez eu precise procurar isso. A buzina inglesa é um pouco maior. Tem esse sino de forma engraçada, e tem um tom um pouco silencioso. É menos nasal. Pode ser um som muito legal. Normalmente em uma orquestra, se você quer uma trompa inglesa, você escreve uma parte de trompa inglesa. Não o dobro do oboé, mas acredito que você pode, como acabei de dizer, o oboé em si. Vamos para uma foto de um verdadeiro Oboé. Parece muito com um clarinete. Encontre o oboé moderno aqui. Aqui vamos nós. Parece um clarinete. Geralmente é preto. Tem muitas chaves e válvulas nele e depois tem o mecanismo de palheta dupla. Aqui. Você notará que uma das grandes diferenças é que, em um clarinete, eles têm esse bocal que meio que protege a leitura. Mas em um oboé, eles têm, as duas leituras estão meio que sentadas juntas e estão apenas ao ar livre. Você encontrará o jogador Oboé gastando muitas vezes chupando suas leituras, não realmente chupando, mas para funcionar, certo. São ambos. Essas leituras precisam estar molhadas. Então eles farão isso por um tempo antes de jogarem. Ou, muitas vezes, eles terão como um pequeno recipiente sob o suporte de música. Muitas vezes eu os vejo usando como um velho como um vaso de filme da velha escola ou algo com água nele e eles vão ter suas leituras encharcadas nisso. De qualquer forma. O inglês Warren funciona da mesma maneira. Em termos de leituras. É um instrumento de palheta dupla. Acho que isso é tudo o que eu tinha a dizer sobre os diferentes tipos de oboés. Você pode encontrar todos os tipos de diferentes. Mas os dois únicos que surgem normalmente na orquestra moderna são o oboé, o oboé de concerto que acabamos de chamar de oboé, e o chifre inglês. Vamos falar sobre o alcance e como eles realmente soam. 46. Oboe: intervalo e som: Ok, oboés estão na chave de C, eles não estão transpondo instrumentos, embora o inglês avise RA. E a faixa de VR é aproximadamente este B plano até G, às vezes a, dizemos, esta é uma daquelas coisas que o jogador profissional pode espremer algumas notas extras no topo. Mas o lado baixo é finito. Existem alguns truques estranhos que um jogador profissional pode fazer para receber uma nota abaixo disso. Acho que isso é verdade em muitos instrumentos de sopro, mas eles não são padrão e você não deve escrevê-los. Lembre-se de que temos chaves para anotações individuais, portanto, não há chave inferior ao plano B. Mas você pode inclinar cabeça para baixo e meio que se inclinar um pouco, mas acho que talvez não em um oboé. De qualquer forma, apartamentos B ou nota mais baixa. Vamos com isso. G é a nota mais alta. Estes ficam bem altos, não tão altos quanto as flautas, mas ficam bem altos. O alcance dinâmico, como o que eu estava falando com os fluidos, não é tão pronunciado com o YOLO. O oboé pode ser bonito e é um registro silencioso e porque é tão agitado, pode realmente cortar mesmo quando está quieto. Ao contrário da flauta. E mesmo quando está em seu registro inferior, ele pode cortar meio que, bem, o alcance superior não está gritando alto. Eles nunca brincam gritando alto. Eu não acho que você pode simplesmente explodir como forças completas em um oboé. Trompete candidato sortudo, acho que você vai ler, vai se dividir antes de obter esse tipo de volume. Então eles não ficam extremamente altos. Mas mesmo em seu registro superior, é quase como se você soubesse alguma coisa sobre música eletrônica, eu sempre penso que oboés é ter um compressor embutido. Como eles, eles chegam a essas notas altas e há algo que o impede de realmente ficar gritando alto como ele. É como um compressor auto-regulável. Muito estranho. Até agora. Eu realmente não toquei sons de nenhum desses instrumentos porque suponho que você saiba como a violência e o violoncelo soam em fluidos de repente, mas talvez você não saiba como o oboé soa. Aqui está um pequeno vídeo. Eu só vou tocar um cabelo disso para te dar um pouco de um pouco do som nasal do oboé por si só. Começou a vida na Idade Média como um bom funcionário e algumas coisas. Mas está próximo e publicado. Ele se desfaz em três notas, começando por nós e ele trouxe duas. E depois adicionarei vibrato. Em alguns países. 47. Os tipos de clarinetes: Tudo bem, vamos falar sobre o clarinete. São essas coisas. Há uma tonelada de clarinetes diferentes. No entanto, apenas 2.532, digamos, que são realmente comuns na orquestra que você encontrará. O mais comum é este. Este é o clarinete plano B, ok, então é um instrumento de transposição e B plano. Normalmente, você veria isso notado como apenas clarinete ou clarinete em clarinete plano B ou B. É o clarinete padrão. O outro clarinete que é muito padrão, e a orquestra é o clarinete baixo. Isso se parece com isso. É maior. É significativamente maior do que esta pequena bola fica no chão. E isso vai para a boca do jogador e eles se sentam enquanto jogam. O dobro do comprimento, talvez um pouco mais. Clarinete normal. O cliente base, é um som bonito. Obviamente, é muito, muito menor. É como um som quase sensual. Penso nisso como o clarinete em si é um som muito maleável. Ele combina com todo o resto muito bem. Não é como o oboé onde é realmente brilhante e tem esse som nasal para ele. O clarinete é muito mais cremoso e pode ser usado. Gosto de usá-lo como uma espécie de cola e um acorde. Você sabe, onde ele só pode preencher notas e não se destacar. Mas se você quiser se destacar, ele pode se destacar. Mais sobre isso no próximo vídeo. O outro clarinete que é comum, mas você pode nunca escrever para ele, é um clarinete. O, um clarinete se parece muito com este. Na verdade, se eles estivessem em uma linha, eu provavelmente não seria capaz de dizer a diferença apenas olhando para ela. O, um clarinete tem um som um pouco diferente. É transposto diferente. Oh, eu devo dizer que o clarinete baixo é transposição plana B também. O clarinete é obviamente um a. É um som um pouco diferente. Você pode pedir um clarinete. Isso é uma duplicação que seria permitida. Você pode pedir aos seus clarinete B-flat que peguem um clarinete. Eles provavelmente têm um em uma orquestra padrão. No entanto, eu diria, não faça isso a menos que você esteja procurando por um som muito específico. Em 99% das situações, o clarinete plano B normal funcionará bem para você. Depois, há um monte de outros clarinetes. Há um clarinete E-flat, há um clarinete contra baixo, super baixo. Clarinete contra alto. Há um clarinete alto. Há um clarinete piccolo, a, D , um C, baixo. O chifre da cesta é uma espécie de clarinete. Nada disso são coisas padrão. Aqui está o que o clarinete se parece. Você ainda quer imaginar isso. Nenhum desses outros é padrão e eu não os pediria em uma peça de orquestra. Eu cuido das minhas coisas apenas certo, para realmente para clarinete B-flat. Nunca achei a necessidade de retirar um clarinete. Mas eu usei clarinete baixo um pouco. Então, uma orquestra muito, muito padrão. E se você olhar para qualquer partitura de orquestra, pontuação de orquestra moderna, você provavelmente vai ver dois clarinetes na partitura e, em seguida, um clarinete baixo. duplicação do artista no clarinete e no clarinete baixo não é comum. Isso não é uma duplicação comum. Você normalmente tem um clarinete baixo dedicado. Talvez em uma orquestra muito pequena, você pode conseguir dobrar, mas não é uma duplicação típica. Mas é típico esperar um clarinete baixo dedicado porque clarinetes baixo muito populares. Vamos falar sobre o alcance e o som desses instrumentos. 48. O clarinete: intervalo e som: Alcance do clarinete. Com instrumentos de transposição, gostaríamos olhar para o alcance de duas maneiras. Gostaríamos de olhar para o intervalo escrito e esse alcance de som. O intervalo escrito vai até este e, até este Gs, seja lá o que for. E, F, G, a, B, C, D. No entanto, soa até D, e até E, F, G, a, B, C. Essa é a coisa de transposição. Nós escrevemos aqui. Isso é o que você realmente vai ouvir. Então, se você está escrevendo uma pontuação de transposição e escrevendo o que estamos realmente recebendo aqui. Você está usando isso como seu alcance e depois transpor, ele ficará assim. Então, isso é organizado como um clarinete plano B. Em termos de dinâmica e outras coisas. É bastante versátil. Eles podem ficar quietos e podem ser barulhentos. Eles nunca vão gritar alto. Eles nunca vão competir com os latões que são tão altos. É um pouco como o oboé dessa forma. Sim, acho que compararia dinamicamente com o oboé, embora eu ache que pode ficar um pouco mais alto que o oboé. Principalmente só é um único instrumento de palheta. Clarinete baixo. Este é um pouco mais estranho na categoria de transposição. Também está em B flat. Isso se resume a isso, veja, eu acho que sim, C. E até isso. No entanto, onde soa é B plana até ou até este G. Agora, isso é, há algo sutil aqui que é importante e acho que não é tão sutil. Mas isto é, o clarinete baixo é transposto por um passo inteiro por causa da coisa plana B, mas também uma oitava. E escrevemos o clarinete baixo em agudos clef. É um instrumento de baixo, mas foram usados, mas é muito padrão escrevê-lo em agudos clef. Não separe seu clarinete baixo. Em baixo clef. Parece a coisa óbvia a se fazer, mas você não faz isso. É apenas uma dessas coisas estranhas. Você dá a eles cremes agudos. As notas que você realmente vai escrever são assim. O que eu gosto de fazer às vezes, muitas vezes escrevo partes de clarinete baixo em agudos clef, e eu apenas escrevi, eu as escrevo em transposto, mas em clef de agudos. E então, quando eu vou transpô-los, transpô-lo e, em seguida, deslocá-lo por uma oitava para que esteja certo. Seria melhor escrevê-lo em baixo clef, que às vezes eu também escrevo uma peça para clarinete baixo agora. Clarinete baixo e Marimba. E estou escrevendo em baixo clef? Estou escrevendo em baixo clef. Estou escrevendo em baixo clef só para que eu receba as notas certas. Mas, hum, eu posso ver exatamente quais notas estou escrevendo. Mas quando chegarmos ao produto final e eu transpô-lo, definitivamente vou mudá-lo para agudos clef. Porque é exatamente isso que os clarinete baixo lêem. Uma maneira muito rápida e fácil de se fazer parecer um amador é dar um clarinete baixo separado em baixo clef. Lembra-se disso? Vamos ouvir alguns exemplos. Aqui está um concerto de Mozart. Eu rapidamente encaminhei pela introdução e vamos direto para o solo. Então, quando o solo começa, você está chegando aqui acompanhado de flautas. Então é nisso que vamos entrar mais quando entrarmos na orquestração real. A maneira como você combina instrumentos para criar cores diferentes, mas tente se agarrar apenas ao som do clarinete. E vamos ouvir um pouco disso para que você possa ouvir o tom dele atualmente tem aquele som muito cremoso. É muito fácil misturar com muitas coisas diferentes. É muito versátil dessa forma. Aqui está um pouco de Mozart. Então, como você pode ouvir, é um som muito suave, quase como a flauta. Falando em fluidos, acho que estava errado quando ele entrou. Não foi acompanhado por fluidos, foi acompanhado de violência. De qualquer forma. Muito hábil. Você pode realmente escrever para clarinete apenas o dia todo e eles podem basicamente tocar o que você escreve para eles. Há uma estranheza em escrever para clarinete que eu quero apontar por meio de ouvir isso, uma das passagens de clarinete mais famosas para a orquestra de todos os tempos. Está na abertura do Rhapsody in Blue por Gershwin. Se você não está familiarizado com esta peça, é uma peça realmente fantástica. Gershwin escreveu muita música, e esta peça realmente tenta incorporar jazz e blues, gospel de alguma forma no mundo da orquestra. Há esse riff de clarinete de abertura que é extremamente distinto e extremamente difícil. Mas talvez não pelo motivo que você pensa. Vamos ouvi-lo. Volte ao início. O que torna isso muito virtuoso é que os glifos de abertura que agora isso pode ser feito no clarinete como você ouviu. Mas há uma coisa realmente bizarra que eles encontraram quando fazem isso e é chamado de intervalo. Vamos a um novo vídeo e deixe-me explicar o intervalo. 49. A pausa!: Aqui está o que você precisa saber sobre o intervalo. Às vezes você verá as pessoas fazerem um grande negócio sobre o intervalo. Então você tem que pensar sobre o intervalo e o clarinete. Quando 99% do tempo você não precisa pensar sobre o intervalo e o clarinete. Um bom jogador sabe como contornar isso. E não é nada que você tenha que pensar. Mas há alguns casos em que você precisa pensar sobre a quebra no clarinete. Esses seriam glissando. Se você estiver indo para a nota de glicerol, você tem que pensar sobre o intervalo. Se você está apenas escrevendo uma passagem muito rápida, você deve pensar sobre o intervalo. Aqui está o que é. Pensa nas notas do clarinete como estando em diferentes registros. Há as coisas baixas, as coisas do meio nas coisas mais altas. À medida que você toca notas acima das coisas baixas, medida que você sobe cada vez mais alto, você está fazendo certas coisas com os dedos para obter essas notas. Quando você chega ao topo do material baixo, seus dedos estão em uma determinada posição. Então você chega ao fundo das coisas do meio. Siga-me. Para alternar os registros. Você tem que mudar para uma posição totalmente nova. Todos os dedos precisam se mover. Basicamente, isso está simplificando um pouco. Mas não é como ir do meio C para C afiado, poderia apenas adicionar um dedo para baixo. Mas ir do topo desse registro inferior para a parte inferior do registro do meio significa renegociar todos os dedos. Isso acontece aproximadamente em torno de um estar em, na verdade, é exatamente a a b na equipe de clef agudos. Essas notas, eu acredito que isso está soando tom ou não, isso será arremesso de transposição porque isso é o que eles vão tocar. Então transponha o passo a para B. Agora há uma nota no meio que há plano. Um lembrete, não sou clarinete. Só conheço esse livro didático. Acredito que o apartamento B poderia ser jogado no topo do registro baixo ou na parte inferior do registro do meio. Passar entre o registro do meio e o registro superior é menos um problema por algum motivo. Mas se você está escrevendo um glicerol e ele passar por esse intervalo, então é preciso um jogador muito bom para fazer isso sem problemas. É uma técnica muito virtuosa poder dobrar uma nota e seguida, renegociar todos os dedos e continuar a dobrá-la sem que você ouça. Aquela gravação que acabamos de ouvir no último vídeo. Foi um jogador muito bom. Eles fizeram isso durante o intervalo com aquele copo e nós não ouvimos. Isso requer muita prática para torná-lo apenas aquele lugar. O Glifos em si é meio difícil. Mas a glicerina, esse ponto específico bem no meio, é a mais difícil. Se você vai escrever um glifo. Você quer evitar escrever esses glifos para passar por esse intervalo. Se você vai escrever uma passagem muito rápida, evite essa passagem. Passando o intervalo, ou tente fazer algo que lhes dê um pouco de ajuda para superar o intervalo. Se eu estivesse escrevendo uma grande passagem cromática e então ela continuasse e passasse por esse intervalo. Eu poderia tentar criar um descanso de 16ª nota só para dar a eles um lugar para respirar e renegociar seus dedos para superar o intervalo. Se você não está fazendo glifos ou escrevendo uma passagem rápida, não precisa se preocupar com isso. Eles vão descobrir isso. Isso é algo que clarinete praticam o dia todo. Então eles podem fazer isso muito bem. É só nessas coisas muito difíceis que você precisa pensar sobre o intervalo. Isso é tudo. 50. Os tipos de bassoons: Vamos falar sobre um dos meus instrumentos favoritos absolutos em Nova York, extra. O fagote. O fagote não recebe tanto amor quanto deveria. É um instrumento bonito, é difícil de tocar. É um instrumento de palheta dupla, assim como o oboé. E tem esse tipo de confusão e, em seguida, som nasal que o oboé tem. Mas é quase como se tivesse um filtro no topo para tirar parte do nasal e apenas fazer um som realmente cremoso. Ele combina muito bem. Ele pode fazer coisas percussivas muito legais. Mais disso em um segundo, vamos falar sobre os diferentes instrumentos. Existem dois tipos diferentes de fagotes que você encontrará. E é muito comum uma orquestra ter os dois. O primeiro é aquele que acabamos de chamar de fagote. Parece assim. E o segundo é o contrafagote. É uma oitava mais baixa, pouco mais do que uma oitava mais baixa, talvez. Som semelhante, mas é mais lento. Normalmente, em uma orquestra, você tem dois jogadores de fagote e talvez um jogador de contrafagote. Normalmente, não é uma duplicação que alguém mudaria para o contrafagote, se você tiver uma parte contrafagote, você normalmente tem um jogador de contrafagote dedicado. Não é, o fagote não está transpondo. O fagote está em C, que é outra razão pela qual eu gosto. Hum, é alcance. Deixe-me ver se consigo aumentar seu alcance. Aqui está. Escrito em baixo clef. Eles aparecem o tenor clef ocasionalmente. Se você estiver escrevendo para eles muito alto por um longo período de tempo, você pode mudar para isso. B flat até o. O que é isso? A, C, C, C, a, C, B plana para C. Muito, muito grande alcance. O contrafagote é o mesmo intervalo, mas uma oitava menor. E o contrafagote transpõe, mas apenas por uma oitava. Então você pode escrever o mesmo intervalo para o contrafagote, mas você vai ouvi-lo em oitava mais baixo. Isso faz sentido? Não há outras variações do fagote. Orquestra padrão. Existem outros fagotes que as pessoas fizeram ao longo dos anos e há muitos diferentes, mas na orquestra padrão, só temos aqueles dois que são coisas comuns. Eu quero dizer. Só por um minuto. Há algo sobre o fagote que muitas vezes recebe risadas de jovens. Quando você olha para uma pontuação. É comum olhar para a pontuação e a pontuação mais antiga e ver o fagote pelo nome alemão ou italiano, que era um nome muito mais comum para ele. Se você olhar para as pontuações praticamente qualquer um repertório clássico, esse nome era, eu vou soletrar FEG, T, T ou T, T ou T TO, dependendo de qual idioma e se for plural, mas FAD OTT, essa palavra como eu entendo, se traduz aproximadamente em um pacote de varas. E se você olhar para o fagote, ele é composto por vários tubos de madeira. É como um pacote de palitos. Agora que eu posso estar inferindo algumas coisas aqui, mas meu entendimento sobre o uso moderno dessa palavra é que ela também é usada para significar um pacote de varas. E isso era um pacote de paus para acender um fogo, queimar pessoas, queimar pessoas gays. E é em inglês, chamamos de fagote. Em francês, chamamos de fagote. Não sei se em alemão, italiano e espanhol eles ainda chamam assim. Ou se eles adotaram o fagote, mas não uma palavra que eu quero dizer, mesmo em referência aos fagotes. Então, vou chamá-lo de fagote. Um pedaço interessante da história. Não há conexão para jogar o fagote, o fagote em si. E gays, lésbicas, transgêneros , GLBT, QIAT, pessoal, isso não é uma coisa. Isso meio que remonta à conexão da definição dessa palavra como um pacote de varas. que é um pouco preciso para o termo fagote e para o que o instrumento é completamente terrível para o outro, por seu uso no outro sentido. Certo, basta nisso. Vamos falar sobre o que parece. 51. O borla: intervalo e som: Já falamos um pouco sobre o alcance e a transposição do fagote. Quero falar brevemente sobre a curva dinâmica, como conversamos com alguns dos outros sopros. Mas como fica mais alto à medida que você fica cada vez mais alto, fagote é meio oposto disso. alcance baixo tem muito mais potência do que seu alto alcance. É selvagem de alto alcance, bonito é difícil obter muito poder por trás disso, para que você não receba notas altas e gritantes. Você obtém esse tipo de notas melódicas voadoras e bonitas lá em cima. Mas o poder real é o seu low end, é baixo e ainda não vai competir com instrumentos de bronze, mas é baixo e é onde você pode obter esses sons, esses sons muito legais mais alto e é baixo do que em sua extremidade mais alta e superior. Quero ouvir. Ouvir é um pouco apenas uma peça para um fagote e piano, só para nos dar uma ideia do fagote em si. Estamos na faixa média a superior lá. E um som melódico muito bonito. É como um oboé, mas é mais baixo e é menos nasal. Vamos ouvir uma das passagens mais famosas para a BSN. Esse é o início do Rito da Primavera por Stravinsky. Vamos ouvi-lo. clarinete vem lá. Ok, então isso é muito alto para o fagote, esse é o registro mais alto. As coisas percussivas que eu falei antes, é realmente aquele low-end onde eles podem dar um tapa na leitura um pouco. Não sei se é exatamente isso que eles estão fazendo, mas é o que parece para mim. E eles pegam esta cama, mas eles podem fazer coisas legais. Eu gostaria de ter um exemplo disso. Aqui está uma boa. Você ouve que low end, que amplo Low-end é realmente poderoso. Mas em breve. 52. Os tipos de saxofones: Certo, vamos falar sobre saxofones. Ou como os Simpsons gostam de dizer, homófono Sachs, homófono, desculpe, isso é uma piada super datada de mim. Há toneladas de diferentes tipos de saxofones. Eu realmente quero me concentrar nos quatro padrões. Os outros que você realmente não vai encontrar em nenhum tipo de orquestra ou contrabando. Não, provavelmente não. Há toneladas deles, mas há quatro que são como o padrão. Você pode ver aqui. ECMO separado, separado Nino. São muito raros. Raramente nunca os encontrei. Os quatro padrão , soprano, alto, tenor e barítono. Soprano. Em uma orquestra é até bastante raro. Mas você pode fazer isso se quiser. Os quatro que vamos olhar são. Aqui está a soprano. Parece um pouco com um clarinete. É como um clarinete de latão. Agora você pode estar pensando, espere, se estes são feitos de latão, por que eles não são considerados latão? Essa seria uma boa pergunta. Estes são instrumentos refeitos. Eles fazem uma leitura no mesmo mecanismo que um clarinete. Nós os classificamos como sopros. Instrumentos de latão têm um bocal circular no qual você sopra ou zumbe que produz o som. Então, mesmo que sejam feitos de latão, eles são classificados como sopros, principalmente porque eles têm uma leitura. Mesmo que os fluidos não tenham uma leitura. É assim que é. saxofones são classificados como sopros. Soprano, está alto. É, pode ter um som muito exuberante. Muito tipo de não como um clarinete porque ele tem um pouco de confusão. É um pouco mais abrasivo que um clarinete, mas ainda pode ser um som muito, muito doce. O saxofone alto, um dos mais comuns, relativamente alto, você pode pensar um saxofone alto sábio. Você pode compará-lo com um clarinete. Pode ir, acho que você pode ir um pouco mais baixo do que o clarinete. Veremos os intervalos em apenas um minuto. Mas semelhante à soprano. Bom som. Um pouco mais confuso do que alguns dos outros instrumentos, mas não como uso buzzy como um oboé pode preencher esse papel. Tenor, mais baixo, ainda, um pouco mais escuro, tom mais escuro. Mas ainda da família dos saxofones. Então barítono, eles não tinham uma foto, mas é como um tenor maior, sax barítono ou Berry Sachs. Fim baixo de gordura grande. Muito parecido, eu quero dizer muito como o fagote estava mais perto de uma tuba barítono ou algo assim. Tem uma extremidade baixa grande, grande e volumosa. É um ótimo som low-end. Agora, uma das coisas sobre escrever para saxofone que é bastante atraente é que descobri que escrever para saxofone pode ser realmente prazeroso porque você pode escrever, e eu posso me meter em apuros por dizer isso, mas você pode basicamente escrever para saxofone o dia todo e, desde que você esteja atento ao alcance do instrumento, você não precisa pensar em mais nada. Acho que eles precisam lidar com algo como o freio nos clarinetes, mas nunca é realmente uma preocupação. Eles têm maneiras de contornar isso. Você não precisa pensar sobre o intervalo. Você realmente não precisa pensar em nada você possa simplesmente escrever. Você pode apenas escrever notas, notas, notas, notas, notas. E eles serão capazes de jogar com ele. É um instrumento muito fácil de escrever para o conjunto de um quarteto de saxofones com todos os quatro, ou às vezes encontramos quartetos de saxofone sem soprano e dois altos. Então, para alto, tenor e Barry é um conjunto realmente maravilhoso, quarteto muito legal, escreveu um monte de peças para um quarteto de saxofones e quinteto, onde você ou em uma soprano ou adiciona um segundo tenor. Ótimos instrumentos de som. Agora, como eu disse antes, estes não são instrumentos típicos de orquestra. Você é, se você for à sua sinfonia local e ver Beethoven se apresentar. Há como saxofones espantados. Os sexuais foram inventados no século XIX, na verdade, acho que acabei de ver 1890 algo era a patente. Acabei de ler isso nesta página em algum lugar aqui em cima. Mas acho que 1890 foi a patente deles. Então eles são um dos mais novos instrumentos que se tornaram um instrumento padrão. Muito raro encontrá-los em orquestras, mas em peças modernas você as encontra às vezes na orquestra. Uma coisa a pensar, se você vai colocá-los na orquestra. Lembre-se de que é um pouco difícil para a orquestra usá-los. Eles têm que contratar jogadores de fora da orquestra e trazê-los. Portanto, é uma despesa extra, o que é uma maneira. O que estou dizendo aqui é que se você for um compositor estabelecido e a orquestra quiser tocar sua música, eles pagarão essa despesa extra para trazê-los. Mas se você está apenas começando a escrever música para orquestra, você não é um nome bem conhecido no mundo das orquestras. Em seguida, adicionar saxofones torna um pouco mais difícil para eles reproduzirem sua música. Então você provavelmente não deve fazer isso. Você quer torná-lo o mais fácil possível. Então você usa instrumentação muito padrão. Nada muito estranho na sua, na sua música. Para que seja fácil para as orquestras tocá-lo. Depois de construir uma reputação, você pode pedir isso, esse tipo de coisas diferentes como a seção de saxofone, para entrar. Mas como você está começando, eu não adicionaria saxofones, mas você pode. Então, vamos falar sobre ele. 53. O saxofone alto: intervalo e som: Certo, vamos falar sobre o saxofone alto. Salve soprano para a quarta, porque é mais raro. Vá alto, tenor, Barry, e depois se espalhe. De qualquer forma. O saxofone alto é um instrumento de transposição. Ele transpõe o E-flat, então é uma espécie de transposição grande. Quando você escreve, você escreve B plano para este F. Sim. É seu alcance. Mais uma vez, existem algumas técnicas para arrancar algumas notas extras acima disso. Mas não para ir abaixo do plano B, há coisas que eles podem fazer chamadas sub tons, onde eles podem obter algumas notas mais baixas, mas é uma técnica realmente extrema. Não faça isso. A menos que você esteja trabalhando com um solista. Então você poderia talvez considerá-lo escrito e, em seguida soar todo o caminho até este apartamento D. E depois daqueles A-flat, escrito em soar um pouco diferente porque transpõe muito. Mais uma vez, o sax alto tem um som um pouco zumbido. Associamos muito o telefone sags ao jazz. Então, se você quiser fazer algo jazz como na sua peça usando os telefones sax, realmente é uma boa maneira de fazê-lo. Eles poderiam fazer muito mais do que jazz. Os saxofones podem fazer muitas coisas muito legais. Aqui está um pouco do saxofone alto. Eu sou como, sim, isso foi meio que, isso era um tipo de jazz. Mas quando você coloca esses axônios juntos, um conjunto, eles podem ser realmente ótimos instrumentos de acordes. Na verdade, vou falar mais sobre isso com um tenor. Vamos seguir em frente e falar sobre a nota do tenor. 54. Saxofone de tenor: intervalo e som: O saxofone tenor e outro tipo de passo mais baixo, meio que relacionável com a forma a violência, as violas e o violoncelo funcionam. O tenor é o intervalo de violoncelo. Mais ou menos. Agora, uma coisa que eu queria mencionar sobre os tenores, quando se trata de acordes. Vou mudar de marcha por um segundo rápido aqui e falar sobre os chifres ou os chifres franceses. Falaremos sobre os chifres franceses mais tarde. Quando falamos sobre o bronze. No meu mundo ideal, eu substituiria se pudesse escrever, se pudesse redesenhar a orquestra. Isso é blasfêmia. O que estou prestes a dizer, não, isso não é um livro didático. Esta é minha opinião pessoal. Mas se eu pudesse redesenhar a orquestra, tenho que me certificar de que ninguém está procurando. Quando eu disser isso, eu me livraria dos chifres. Vou me livrar dos chifres e substituí-los por, normalmente há quatro chifres, então eu os substituiria dois saxofones tenores e por telefones sax alto, ou talvez apenas para tenores X-Files. Alcance semelhante, instrumento muito mais confiável. E a maneira como uso chifres para preencher um acorde é funciona muito bem para saxofones tenores. Além disso, falaremos mais sobre chifres mais tarde e meu desdém pelo horror. Sou meio famoso no meu pequeno círculo de amigos por, apesar de usar chifres, chifres franceses, mais sobre isso depois, vamos falar sobre os tenores. Saxofone tenor, um pouco mais baixo. O sax tenor também transpõe transposição diferente. Agora, B plana, uma transposição um pouco mais fácil de se olhar. Nós escrevemos em agudos clef. Você escreve todos os saxofones e agudos clef. No entanto, B plano até F estão soando, é baixo na clusina de graves, uma clusina de agudos plana, até E-flat. Então você pode ver aqui por que transponimos, como saxofone alto, saxofone tenor e até mesmo barreiras saxofone. O intervalo escrito é o mesmo. Escrevemos o intervalo do mesmo. Isso significa que alguém pode alternar entre esses jogadores porque alternar entre eles relativamente facilmente em termos de notação. Mas os sons que saem serão diferentes. A plano para E-flat menos uma oitava. Então B transposição plana mais uma oitava. Vamos ouvir um pouco do sax tenor, e vamos para o mesmo cara Loa em campo desta vez até o saxofone tenor B flat. Este é um instrumento icônico na história do jazz, blues, rock and roll, música contemporânea e pop. Bom som cremoso. Tem um pouco desse zumbido nisso. Mas som muito bom para a orquestra. É meio chato. Nós não os temos na orquestra mais comumente, mas é o que é. Vamos falar sobre o mesmo 55. O saxofone de baritone: intervalo e som: Barry Sachs, incrível, low-end. Se você nunca viu uma das coisas mais legais em vários eixos, há esse cara no YouTube ou no TikTok ou então eu acho que na verdade, dois caras onde eles jogam sacos de baga. Parece que eles estão no metrô provavelmente em Nova York. E eles basicamente têm esse tipo de dança selvagem que eles fazem. E é realmente percussivo, estilo muito saco. Às vezes, eles colocam um cone de trânsito no sino dos sacos. Eles fazem esses vídeos e, em seguida , apenas saem em vários atos. Coisas incríveis e incríveis. Eu gostaria de saber o nome, posso dizer o que era, mas procure por Barry Sachs, cone de trânsito, cara. E você vai encontrá-lo. De qualquer forma. Barry sacs, novamente escrito intervalo B plano a F, faixa de som, clef baixo, D plano para C, D, E, F, G, A-flat. Então este é um instrumento E-flat, então transpõe para E-flat mais uma oitava para baixo, talvez duas oitavas para baixo, na verdade. Novamente escrito em agudos clef, mas soando e baixo clef. Vamos ouvir. Então. Agora finalmente chegamos ao saxofone barítono plano E. Este instrumento muito grande é o mais baixo na família dos saxofones comumente usada. É uma oitava cheia inferior ao sax alto, para oitavas cheias mais baixas do que o Sapir e o sexo anal. Quero dizer outra coisa antes de deixarmos o barítono. Há mais alguns saxes que você verá lá dentro. Eles não são amplamente utilizados. O casal que vai mais baixo, tem o saxofone baixo, o saxofone contrabaixo. Se você procurar o saxofone contrabaixo, é tão grande. Acho que é aquele que exige que duas pessoas o joguem. Vamos procurá-lo. Como se uma pessoa tivesse que ficar em uma cadeira. Contrabaixo, saxofone. A maioria das pessoas nem sabe que existem. Até tive pessoas me dizendo que não fazem sexo. Agora esse não é o que estou pensando. Mas isso é um saxofone baixo. Há um que você vê flutuando na internet a cada dois anos onde uma pessoa que tem que soprar, ele tem que ficar em uma cadeira e a outra pessoa, como dedos ou as notas baixas. São necessárias duas pessoas. É só cômico. Você nunca verá isso na prática. Vamos falar sobre soprano. 56. Saxofone de soprano: intervalo e som: Ok, e o sax soprano, novamente, não vemos muito mesmo naquelas raras ocasiões em que temos saxofones e a orquestra, eu não vejo sopranos muito. Acho que eles preenchem um papel muito semelhante ao oboé. Você também pode usar um oboé naquele momento. Mas eles valem a pena apontar. O sax soprano está em B flat. Você pode ver aqui que o tom soando é um plano plano até E enquanto está escrito, o mesmo que todos os outros, B plano até F. Este é o tom sonoro do saxofone soprano. Vamos ouvi-lo, bem como um sax soprano curvo. A versão de faixa desse instrumento é muito comum. Este é um sax soprano de listras planas B. Ele lançou o jogo da mesma forma que a trombeta e o clarinete. Mas gostei desta ópera Nina, sexy, divertida. Este instrumento é tocado em frente à playa da mesma forma que um clarinete, sua situação. Esse é o sax soprano. 57. Efeitos especiais de vento de madeira: Ok, então voltando ao panorama geral, todos os sopros juntos, eu quero falar sobre alguns efeitos, efeitos especiais que podem ser feitos com essas todas essas coisas eu vou apontar nos próximos dois vídeos, acho que são bastante padrão é uma palavra estranha quando você está falando sobre efeitos especiais. Há coisas que não vão dar uma pausa a ninguém. Eles não são como a coisa do col legno no violino e onde é realmente prejudicial para o instrumento fazer. Mas há coisas que muitos jogadores podem fazer e farão, mas você pode pensar cuidadosamente em fazê-las, principalmente para dinâmicas. As duas coisas em particular sobre as quais estou prestes a falar, uma delas é muito quieta. Então só funciona em uma situação muito rara. E o outro só pode ser feito muito alto e não é um som particularmente agradável. Acho que é só falar sobre essas duas coisas e apenas mergulhar. 58. Cliques de chave e ar e Mutes: Cliques chave e ar. Ouvi isso usado em muitas peças e isso pode ser feito muito bem. Não pode ser muito legal. Deixe-me mostrar todos esses instrumentos de sopro de madeira. Todos eles têm muitas chaves. E cada uma dessas chaves, essas teclas fazem pequenos sons. Se você acha que não está soprando no instrumento e apenas mexendo com as chaves. Se você pensa, bem, isso é um som meio idiota. Você já fez essa coisa? Lembro-me de quando eu era criança, fui para o acampamento e fizemos essa coisa em que todo mundo, como esfregar as mãos em suas pernas assim. Você provavelmente não pode ouvir isso, mas é como o som. Como se fosse muito silencioso. Mas se você conseguir que 100 pessoas façam isso, soa como chuva. É tão estranho. Existem esses sons muito silenciosos que, quando feitos por 100 pessoas, podem ser um efeito muito legal. Os cliques principais podem ser que, se você tiver todos os sopros fazendo isso, isso pode resultar em um som legal. Agora não será permitido, não importa o que você faça, não será permitido som. Então, fazer isso precisa ser orquestrado e de uma maneira tão correta, onde quase não há nada acontecendo para que ele seja realmente cortado e seja ouvido. Mas pode ser um efeito legal e tudo o que você realmente precisa fazer, você não precisa escrever quais notas tocar. Você acabou de escrever a chave em inglês ou qualquer que seja o seu idioma. Cliques chave e, em seguida, talvez dê ritmo, se você quiser. Ou você pode apenas dizer notas rápidas aleatórias. Basta escrever isso em inglês e isso lhes dirá para ir. Assim. Parece uma cachoeira se você tiver um monte de pessoas fazendo isso. Ou um riacho, algo, que pode ser um efeito legal. O que vai ser muito quieto. Outra coisa é apenas ar. Basicamente. Você pode dizer a um jogador para apenas soprar seu instrumento sem fazer nada, sem criar o tom, a vibração. Então, basicamente vai soar assim porque eu não tenho uma leitura, mas meio assim. É basicamente isso. Mais uma vez. Se você conseguir toda a seção de vento fazendo isso, pode ser um som meio legal. Puro, mas é muito, muito silencioso. O latão também pode fazer isso com essa nota. As cordas também podem fazer isso para as cordas podem simplesmente sentar lá e ir. Não há nada que o impeça de fazer isso. E eu vi peças que pedem a todos na orquestra apenas para ir apitar ou fazer algo assim. Está tudo bem. Você pode pedir que eles façam isso. Mas também contra dizer, Oh, sim, eu não ia falar sobre isso, mas esse tipo de trouxe à tona potencialmente uma pergunta que alguém poderia ter e deixe-me responder. Muda. mudos não são muito comuns nos instrumentos de sopro de madeira. Eles não funcionam muito bem. Você verá que a maioria dos instrumentos de sopro de madeira, com exceção da flauta, tem um sino no final deles. O fluido nem sequer tem um sino, é apenas um tubo e não sai como um cone. Como a maioria deles tem o som, na verdade, a maioria do som. Bem, eu não deveria dizer que muito do som sai. Os buracos e coisas do instrumento de sopro de madeira. Nem tudo sai do sino. Então, colocar um mudo aqui não muda o som um monte. E isso é verdade para todos os sopros. Os mudos existem para os instrumentos de sopro de madeira, mas eles não são extremamente eficazes. Eu não recomendaria fazer isso. Mu para ser algo como às vezes você vai vê-los pegar um pedaço de pano e enfiá-lo em seu sino. Saxofones fazem isso. Às vezes, clarinetes podem fazer isso. Isso não muda tanto o tom. As carnes são muito raras para todos os sopros. Agora vamos falar sobre fazer algo super alto. 59. Multiphonics: Este é outro sobre o qual me perguntam muito. Porque em algum momento talvez você tenha ouvido falar que é possível que alguns instrumentos de sopro toquem várias notas ao mesmo tempo. E você está certo. Existe uma maneira de tocar várias notas ao mesmo tempo nesses instrumentos. Eles são chamados de multifator seis. Agora, antes de ficar animado por poder escrever um contraponto de duas partes para um único instrumento de sopro. Deixe-me explicar como isso funciona. A maneira como eles funcionam é que você não pode simplesmente escolher duas notas. Existem certas combinações de notas que você pode fazer. A forma como eles são feitos é que eles têm dois dedos, o instrumento dessa forma. E alguns deles incluem como um dedo meio ligado, meio fora de uma nota e fazer coisas estranhas. E então, normalmente, eles têm que exagerar. Então você tem que soprar super duro. Isso cria um som que contém várias notas. Eles não podem se movimentar por notas dentro disso. É como bam, eles podem acertá-lo. E é muito difícil de fazer. Portanto, não é algo que se esperasse que um pouco profissional faça. É preciso muita pesquisa para escrever para eles porque você tem que saber quais notas nesse som ou em sintonia e quais não são, e quais podem ser feitas. Então você pode encontrar gráficos sobre como fazê-los. Eu apenas pesquisei rapidamente e encontrei isso. Normalmente, quando você escreve isso, você vai escrever as notas que soarão. E então isso é como um pequeno gráfico de dedilhado que diz o que eles precisam fazer para conseguir isso. Você inclui isso ou algo semelhante a este na pontuação que diz a eles como fazer isso. Antes que eu jogue o que isso soa. São sons severos. Eles não são bonitos, eu não consigo pensar em uma pontuação de orquestra em que eu já vi isso. Então, não faça isso. Isso só pode ser feito muito alto. É meio pouco confiável também, porque às vezes eles têm que atingi-los e é uma coisa tão delicada acertá-los, que eles são realmente reservados para um solista e até mesmo para aquele muito bom. Ok, então dito isso, aqui está um pedaço meu velho, um pedaço meu muito velho. Onde eu fiz isso como é para saxofone solo. E eu estava trabalhando com um tipo de artista virtuoso aqui. Eu escrevi um monte de senado multifamiliar. Então este pequeno diagrama é para saxofone neste tipo de explica-lhes o que eles precisam fazer para obter esse som. É um gráfico de dedilhado. Este é o resultado. Vai ser um apartamento B, um B natural, eu acho, um F afiado. Agora, algumas dessas notas estarão fora de sintonia e é um som muito ruidoso. Acho que nesta seção há alguns, sim. Aqui está outra onde há quatro notas. Aqui está outro onde há apenas dois nós e F-Natural em um F-sharp. Meu objetivo para esta seção desta peça era apenas fazer com que isso soasse tão forte quanto possível. Basicamente, essa é uma boa maneira de fazer isso. Esta peça tem, é para saxofone e computador. Então, o material do computador é apenas um som pré-gravado. Deixe-me mostrar como isso soa. Eu acho. Tenha em mente que este não é exatamente o material do meu jogo. Certo, vou para esta seção. Este é outro truque em que eles tocam a mesma nota. Duas maneiras diferentes. Acho que isso seria classificado como bis grande Leandro. Um trill entre tocar a mesma nota, duas maneiras diferentes que os deixam um pouco fora de sintonia um do outro, cria um som meio interessante. Deixe-me encontrar esse lugar. Aqui estamos nós. Essas notas. Bando de boca inteiro. Eles compraram. Isso não é o que acontece novamente na próxima página. Não é um som prazeroso, eficaz quando ele só queria fazer algo realmente ruidoso. Mas quando você está falando sobre trabalhar em uma orquestra, não faça isso. Não faça multifonia em uma orquestra. Não é o mesmo que paradas duplas para um violento. 60. O que vem a seguir?: Certo, chegamos ao final da primeira parte. Agora, como você deve ter notado, decidi dividir isso em várias classes porque acho que as pessoas vão usá-las como referência para voltar. E eu não queria fazer apenas uma classe gigante. Eu tinha um milhão de coisas também. Tê-los em mordidas menores como melhores em algumas plataformas, é só, é uma coisa. Então você terminou a primeira parte. Nós abordamos a instrumentação. Vamos chamá-lo de instrumentação parte um que vamos fazer, a próxima seção será toda sobre instrumentação parte dois, vamos começar com os latões, entrar em percussão, e então vamos entrar em coisas sobre trabalhar com a voz e os cantores. E, finalmente, uma categoria que estou chamando de todo o resto onde falaremos sobre guitarras, órgãos, harpas, outros instrumentos de teclado, acordeão, gravadores. Outras coisas que você pode encontrar. Seja a parte dois. Então vamos ficar pesados no material de orquestração real. Como você combina todas essas cores para fazer uma pintura. Ainda não posso dizer com certeza quanto tempo, quantas partes serão. Essa é uma daquelas coisas que as pessoas recebem doutorados nisso. Então eu poderia ir no fundo do buraco do coelho e provavelmente posso continuar cada vez mais fundo e mais fundo. Eu não acho que vou chegar a um nível de doutorado, mas vai algumas partes aprofundar a análise de pontuação. Temos que passar pelas coisas de instrumentação primeiro. Então, por favor, procure a próxima aula. Orquestração para o bronze, voz de percussão. Tudo o resto fará isso e, em seguida, vamos nos aprofundar nas coisas da orquestração. Vejo você no próximo. 61. Conclusão!: Ei pessoal, querem saber mais sobre o que estou fazendo. Você pode se inscrever na minha lista de e-mails aqui. E se você fizer isso, vou informá-lo sobre quando novos cursos forem lançados e quando eu fizer adições ou alterações nos cursos nos quais você já está matriculado. Também checkout neste site. Eu posto muitas coisas lá e verifico isso todos os dias. Então, por favor, venha sair comigo. E um desses dois lugares são ou ambos? E vamos vê-lo lá.