Masterclass de quadrinhos: a Gata Carmesim | técnicas para contornar e colorir uma ilustração digital

1. Trailer: Ei aí. Bem-vindos à minha aula de arte em quadrinhos do Gato Carmesim. Criar uma ilustração completa de quadrinhos é extremamente difícil porque depende muito de uma compreensão clara do seu processo, que muitos artistas não desenvolvem totalmente mesmo depois de terem aprendido os fundamentos. Então, se você quiser criar consistentemente arte cômico deslumbrante que ganha o respeito de seus colegas, end impressiona seus fãs. Vou compartilhar meu próprio processo com vocês nesta aula e mostrar exatamente como executá-lo . Durante anos em direção a centenas, se não milhares de alunos, o mesmo fluxo de trabalho digital que você está prestes a aprender aqui. Não importa em que ilustração você está trabalhando, você será capaz de confiar neste processo repetidamente, independentemente de sua complexidade. É simples, fácil de seguir, e nós lhe daremos resultados consistentes em seu trabalho começará logo no início com um esboço básico para obter nossa idéia para baixo na página a partir daí, Will Inc no esboço em as sombras e renderizar os materiais e texturas usando vários eclosão cruzada e detalhes. As técnicas de ING finalmente adicionarão humor e drama à ilustração com um toque de cor, adicionando sombras e destaques para criar um novo nível de profundidade e dimensão para um kamikaze. Escusado será dizer que leva uma tonelada de tempo, prática e dedicação para dominar qualquer habilidade. Mas ter um processo em que você pode depender é metade da batalha. Então, depois de fazer essa aula e aprender o pé de trabalho será cobrindo, você deve ver melhorias significativas em seu trabalho e se sentir muito mais confiante enfrentando uma ilustração de quadrinhos de qualquer tamanho e complexidade. Eu realmente gostei de criar a ilustração de demonstrar ao longo desta aula, e eu mal posso esperar para levá-lo através de todo o processo. Passo a passo, disse Fivela, Pegue o seu estilista e vamos direto para ele. 2. Introdução: Ei, ei! Fazendo seu Clayton aqui de Hhad a empate Comics start Net e bem-vindos à minha nova masterclass de arte em quadrinhos . Nesta demonstração você está indo para o pé, aprenda um fluxo de trabalho digital completo para lápis, tinta e coloração. Banda desenhada. Eu vou levá-lo através de todo o processo do início ao fim vai começar com um rascunho muito básico e áspero da composição geral que vai querer desenvolver ao longo do caminho para a nossa ilustração. E então, uma vez que está para baixo e pronto para ir, vamos para a direita por cima e começar a pintá-la com um trabalho liso, simplificado e enérgico de alinhamento. E então, finalmente, vamos dar um toque de cor, construindo as diferentes formas ao longo de nossa ilustração e dando-lhe esse nível adicional fora de três dimensionalidade. Sem mais delongas, vamos direto para ele. 3. Hardware: Então a primeira coisa que eu gostaria de abordar aqui é apenas um hardware que eu uso quando se trata de produzir uma ilustração digital de quadrinhos. Agora eu não uso uma teca do pecado, e eu realmente não tenho um tablet techie muito avançado que eu uso também. Na verdade, o tablet que eu usa uma pancada em nós três. Você pode vê-lo bem ali. Estes são os estilistas que vem com muito, muito simples e básico. Tem cerca de 10 a 15 anos. Eu realmente não atualizei desde então. E a razão pela qual eu mencionei isso é porque ele só vai mostrar que qualquer nível de hardware que você tem à sua disposição para arte digital neste momento, ele provavelmente vai fazer as especificações no meu PC em todo aquele crash hot, hardware que você tem à sua disposição para arte digital neste momento, ele provavelmente vai fazer as especificações no meu PC em todo aquele crash hot, . Na verdade, preciso desesperadamente de uma atualização. O PC divertido também é provavelmente cerca de uma década de idade. Então, novamente, seja qual for o hardware que você estiver usando, diz respeito ao seu PC, ele provavelmente estará vencendo o meu neste momento. Tudo bem com isso dito, vamos seguir em frente 4. Software: Tudo bem agora, quando se trata de software, meus aplicativos preferidos são clipes, pintura de estúdio, anteriormente conhecido como Mangus Studio, e eu uso este aplicativo para todo o meu trabalho de lápis e tinta. E quanto à coloração, prefiro usar lojas de fotos. Eu tenho aplicações verdadeiras lá que eu normalmente usaria em toda a minha ilustração digital de quadrinhos . Fluxo de trabalho Agora, independentemente do aplicativo que você prefere usar, seja procreate ou outra coisa, eu realmente não me envolvi em um monte deles eu mesmo. Realmente não importa, porque muitos dos tópicos que vou cobrir com vocês e as explicações estarão dando a vocês muitas vezes que eles vão aplicar em toda a linha, independentemente da sua aplicação escolhida. Agora, medida em que alguns dos efeitos pós ir dentro da parte de coloração fora desta demonstração, sim, alguns deles são específicos para comprar mais, então apropriá-los onde você pode dentro do aplicativo que você está usando. Eu sei que os preços muito como faras estas aplicações diz respeito, por isso é completamente até você neste ponto pintura estúdio clipe. Muitas pessoas estão usando isso. É um aplicativo muito popular e também em cima dele, um extremamente acessível. Então eu sugiro que você, pelo menos, baixe a demo para isso e confira, veja se funciona para você. Tudo bem, é isso. Vamos passar para a próxima escuta. 5. Fluxo de trabalho: Então agora o que eu gostaria de dar a vocês é apenas uma visão geral muito rápida de todo o processo de ilustração de quadrinhos digital que vamos cobrir aqui ao longo desta classe mestre . Agora, como você pode ver, uma ilustração do Gato Crimson em uma série de etapas, e vamos cobrir seis etapas principais ao longo deste fluxo de trabalho aqui. Então é o passo número um é esboçar as bases fora da ilustração Aqui estamos trabalhando muito, muito vagamente, muito grosso, e um objetivo principal é experimentar e exp explodiu o design para que possamos chegar a algo que realmente queremos desenvolver e comprometer-nos à medida que entramos na fase mais refinada do lápis fora do processo. E isso nos leva ao passo número dois, onde estamos construindo sobre o esqueleto subjacente fora do desenho, estamos construindo sobre o projeto que inicialmente estabelecemos no primeiro passo. Então aqui é onde nós refinamos tudo o que já fizemos, e começamos a nocautear alguns dos detalhes dentro do design e também não apenas falar sobre o design em referência ao personagem, mas também o fundo também Bem, porque isso é importante. Tudo isso vai exigir que comecemos a pensar de forma mais analítica em apenas uma verificação cruzada dos princípios básicos de desenho que servem de base para esta ilustração. Então o que eu estou falando há coisas como as proporções do personagem e certificando-se de que nós corrigi-los se de fato eles não estão olhando direito e perspectiva. Então, a perspectiva do fundo e a própria personagem. Mais uma vez, queremos ter certeza de que ambos estão on-line foi um ao outro e também alinhados com a perspectiva que criamos para a cena ou sobre rolagem. Agora, uma vez que tenhamos cuidado com os lápis refinados, é hora de passar para o passo número três, onde pintamos por cima do nosso desenho. Então vamos pegar o esboço básico e usá-lo como rascunho para criar a linha de chegada. Não em vez de polir os lápis, vamos saltar direto para as tintas para nos poupar algum tempo. Cada contorno será esperado neste ponto, a sombra está bloqueada e os detalhes renderizados aqui o que você realmente vai querer focar é manter uma mão firme. Essa é a parte mais importante, certificar-se de que você tem um excelente uso de um controle mentiroso enquanto você vai por cima dos lápis e colocar no que será, em última análise, o Leinart final sobre sua ilustração. Tudo bem, então vamos passar para as cores aqui no quarto passo. Agora, o que vamos fazer para começar isso é estabelecido o esquema de cores geral que vamos querer ir com para a ilustração. Então o que isso vai exigir que façamos é colocar os tons de cor base. O que foram especialmente considerando aqui são coisas como teoria de cores, garantindo que todos os tons baseados que estavam deitado em todo o personagem e o fundo vão juntos bem de uma forma complementar. E nós estamos focados aqui é permanecer dentro das linhas enquanto colocamos naqueles apartamentos, definindo que cor sua pele vai ser sua roupa e, em seguida, o fundo também. Em seguida, no passo número cinco, vamos pintar na primeira passagem de sombras e destaques. Isso é feito de forma extremamente áspera e preliminar. Nós nos concentramos em grandes grandes formas aqui, quebrando a anatomia do personagem em nada mais complicado do que cilindros e esferas e também o pensamento de fundo em termos de formações de blocos. E estamos considerando a fonte de luz. Esta é a coisa mais importante para se pensar nesta fase, porque à medida que definimos a primeira passagem, renderizando aqui e estabelecendo as condições de iluminação sobre a cena, vamos construir sobre isso na Etapa 6. Passo seis é onde adicionamos as sobreposições e damos à iluminação alguma cor. E isso vai estabelecer um esquema de iluminação mais realista, o que nos permitirá criar uma paleta de cores muito mais enriquecida por sua vez. De lá em diante, é apenas uma questão de construir os destaques e as formas para dar-lhes mais definição . Certo, então essa é a visão geral do fluxo de trabalho que vamos cobrir ao longo desta demonstração. Vamos saltar direto para ele 6. Entando o gato crimes,: Ei, ei, fazendo seu Clayton aqui de teve um empate quadrinhos dot net e bem-vindo ao vídeo de hoje. Nesta demonstração, eu vou estar trabalhando em uma ilustração de quadrinhos bastante antiga que eu criei provavelmente alguns anos atrás. Agora eu acho que é uma dessas ilustrações que não só coloca você para ver como eu vou sobre sobre colocar as bases para um personagem em segundo plano, mas também como eu vou sobre a renderização dos vários materiais que estavam indo para ver ao longo desta ilustração. E para este vídeo em particular, o que nós vamos nos concentrar é realmente apenas estabelecer todas as bases que você pode me ver colocando para fora aqui. E, em seguida, o contorno , o contorno de tinta para o personagem e, em seguida, no seguinte vídeo será completamente tintas para o fundo e no vídeo. Depois disso, bem, colorir, vamos entrar nisso. O que estou fazendo aqui? Bem, como você pode ver, eu tenho as bases básicas para o personagem estabelecidas. Isso foi muito rápido, e geralmente é um processo bastante rápido, mas é a parte mais importante do processo em geral porque, claro, esta é a composição que toda a ilustração vai ser construída . Então, os elementos de fundo que foram incorporados, embora não sejam tão detalhados, eles criam uma certa quantidade de legibilidade visual que ajuda a enquadrar a atenção do personagem e gaveta para ela. E então, é claro, a própria personagem que nos oporíamos estabeleceu. Temos ela posicionando uma colocação e o tamanho em que ele vai ser desenhado. Tudo trabalhado neste ponto, e com esses elementos descobertos, o que foi então capaz de fazer é liberar borda elemental para começar a adicionar os detalhes adicionais que ele vai vir em cima disso. E então o que temos essencialmente é que eu gosto de pensar nisso como americano em uma loja, por exemplo. Conhece um manequim. É realmente apenas uma ardósia em branco que está vestida direito para mostrar as roupas que ele vai estar tentando vender. Isso é essencialmente o que estamos estabelecendo aqui, como o manequim do desenho de uma maneira que nós vamos vestir, oh, oh, os detalhes que eles vão consistir dentro do fundo e dentro do personagem e os elementos de design que virão com que toda a iluminação, tudo vai ser construído em cima desta composição básica. Então eu estou indo para o fundo e eu estou adicionando alguns detalhes finais para isso. Ainda é muito áspero e silencioso, esquisito. Como você pode ver, não há nada que tenha sido super bem aqui. Mas esses pequenos detalhes adicionais vão me ajudar apenas a descobrir, você sabe, que tipo de materiais eu vou estar lidando lá em segundo plano? Você sabe qual é o prédio dele em que ela está sentada fugiu, e muito claramente é feito de tijolos e, ah, vai ser um estilo antigo de quebra. Então, o que estamos lidando, no que diz respeito à arquitetura, é um prédio muito velho que parece meio desmoronando. Talvez seja abandonado, um pouco dilapidado, e assim com isso, eu sou capaz de capturar o tipo de vibe no contexto em que o personagem vai ser apresentado porque todas essas coisas de fundo são realmente apenas um plataforma que está lá para elogiá-la. Se você já viu aqueles super detalhados super-heróis de quadrinhos bastante grandes, estátuas que você pode comprar de lugares como colecionáveis sideshow como um exemplo onde eles têm as plataformas gigantes debaixo da estátua e o que quer que esteja dentro dessas plataformas. Geralmente eles são decorados com todos esses, você sabe, elementos intrincadamente detalhados que tipo de ajuda para aterrar o personagem, para aterrar a estátua e e dar um senso de lugar para ajudar a trazer através da história do personagem e apenas um realmente aumentar a quantidade de humor dentro de sua apresentação. Bem, isso é o que estamos fazendo aqui. Estamos tentando enfatizar o humor com uma sensação vívida de sentimento e caráter para as ilustrações, que possamos tornar uma experiência mais imersiva completa o público quando eles estão olhando para nossa ilustração aqui. E isso é algo onde os fundos realmente entram em jogo de uma forma enorme. Eles são muitas vezes subestimados, e tentamos evitá-los porque eles consistem em tantos tipos diferentes de detalhes que levam muito tempo para implementar. Mas quando feito corretamente, fundos podem realmente ajudar a apenas elogiar seu personagem e para realmente fazê-los justiça uma maneira de realmente ajudar a enfatizar quem eles são. Esta história e os desejos em que eles habitam. E o que isso faz, por sua vez, é atrair o espectador para mais ele recebe, mais investido ajuda a atraí-los para o mesmo mundo em que o personagem é uma parte fora. Então, antecedentes de fantásticos. É uma alternativa muito melhor, mesmo que demore um pouco mais do que ter um fundo, que é completamente em branco tendo um personagem, que é esta canelada neste vazio branco. Então agora eu estou indo para o topo daquele esboço de personagem realmente áspero, e eu estou usando a ferramenta de caneta G dentro do mega estúdio A k uma dor de estúdio clipe para pintar no Leinart final para o personagem. E este será realmente apenas o personagem em que estamos focados novamente aqui. Nós vamos estar meio que apenas deixando o fundo como está, e Puli apenas focando em obter este lineup agradável, liso e loja olhando para realmente dar a apresentação final do personagem a mesma quantidade de energia que vimos nesse rascunho inicial. E isso é uma coisa difícil de fazer porque quando você começa a desenhar no personagem , inevitavelmente haverá uma quantidade maior de energia. Eles são apenas porque fora das características das linhas que você está lidando com, sua solta, que áspera, há mais movimento neles apenas por padrão em. Então você conhece as linhas, encapsulando o personagem e realmente estabelecendo os contornos delimitadores vão ter esse nível adicional de vivacidade dentro delas. Mas quer dezenas dedo do pé acontecer quando passamos por cima deles e começamos a pensar que o tapete é a postura do personagem para endurecer. E assim perdemos um pouco dessa vivacidade e flexibilidade dentro dessas linhas, eles começam a se tornar um pouco menos animados e mais sem vida, e isso pode realmente tirar do personagem e da maneira como eles descreveram, porque este é o final eu não. Então, o que queremos fazer, a fim de evitar que aconteça, a fim de evitar uma aparência plana, sem vida no produto é que queremos tentar obter é muita energia em implementado nessas linhas para este Final Inc Leinart quanto possível. E a maneira pela qual eu gosto de fazer isso é atraindo-os de forma rápida e confiante, certificando-se de que a maneira em que eu estou acariciando nisso os contornos de zinco não é feita, mas forte e que eles são intencionais. Eles tinham esse senso de ou pertença dentro da ilustração, e o que eu quero dizer com isso é muitas vezes, especialmente para âncoras inconfiantes, o declínio você rebocá-lo, não muito certo, familiarizado com as ferramentas ainda como eles tendem a esboçar no contorno de tinta. E eu vou fazer isso também de vez em quando para capturar algumas das complexidades que eu quero incorporar na linha. E às vezes essas características sutis que eu quero ter dentro delas simplesmente não serão capazes de implementar em um golpe rápido. Então eu vou entrar e tudo manualmente tipo de. Eu chamo de esculpir, esculpir a linha certa, e isso é realmente o que você está fazendo é esculpir lá dentro. Você está adicionando um pouco de doença aqui, tirando a borracha, aparando lá atrás. E isso é realmente o que permite que você saia da linha em uma distância muito mais controlada. Mas às vezes isso pode produzir ah, um pouco fabricado sentimento para a linha e uma estética visual que simplesmente não parece genuína ou eu acho que você poderia dizer que parece inventado, e você quer evitar isso também. Portanto, é sempre um equilíbrio entre obter o tipo de linha que você deseja desenhar para fora na página , certificando-se de que ele é esculpido exatamente da maneira que ele precisa ser esculpido, se for esse o caso. Mas, caso contrário, o que você quer tentar fazer sempre que você pode retirá-lo é apenas obter essas linhas desenhadas dentro E um golpe rápido, rápido rápido. Mas você vai descobrir, é que há apenas essa energia inerente sobre eles. Há uma doença viva que é incorporada a eles, senhor, isso é realmente algo lá que você quer tentar manter em mente o máximo possível e algo que você quer praticar porque, não faça erro, que certamente leva muito. Pratique para ficar confiante com apenas ser capaz de jogar uma linha para baixo uma vez para uma greve como essa. Pratique para ficar confiante com apenas ser capaz de jogar uma linha para baixo uma vez para uma greve como Quero dizer, é isso é estripamento de nervos. Se você nunca usar a caneta G antes, é difícil fazer isso ainda mais com uma caneta tradicional em tinta porque você sabe, tradicionalmente não apenas capaz de é facilmente apagar as tintas que você fez ainda a piscina na largura para fora e corrigir assim, e isso poderia ser um pouco laborioso por si só. Digitalmente, pelo menos temos a habilidade de voltar atrás e um aumento se estragarmos tudo. Então certamente não há desculpa para você colocar isso muitas vezes apenas devido a nervoso, porque com qualquer coisa para ficar bom nisso, você vai fazer isso uma e outra vez. Você vai ser repetitivo com isso. Você vai enfrentá-lo, cabeça em frente e fazer exatamente a coisa que você não é competente para ser competente com isso. E a coisa brilhante sobre isso é que você é capaz de ficar bom apenas fazendo isso. E, sim, curto vai chupar no começo. E não vai sair do jeito que você esperava, também. E isso é sempre desencorajador. Mas saiba no fundo de sua mente que simplesmente sendo corajoso o suficiente para se colocar lá fora para dar uma chance, você vai melhorar. Você ganhará pontos de experiência e será recompensado por sua iniciativa de sair e aprender algo novo. É algo que você realmente tem que se convencer e que você tem que ser apaixonado para ficar entediado o suficiente para realmente tentar em primeiro lugar. Mas se ele era apaixonado por ficar bom e dominar uma habilidade na ilustração de porco Comey como eu sou, então você vai fazê-lo e e você vai ficar totalmente bem. No final, vai ficar tudo bem. Vais ter a fé de que vais melhorar. É como se você já assistisse o dragão da Siri e depois eles. Bosie, sei que sempre faço referência ao Dragonball Z porque meu grande nerd da Dragonball Z, mas você sabe, você tem esses seres. E se você já viu Dragonball Z que esses seres chamaram de super provérbios e o convidado geral do super ditado é que a cada batalha que perdem, eles se tornam mais fortes, eles sobem de nível, eles aumentam o poder. E eu adoro esse conceito, senhor, você sabe, assim como em balas de dragão, que você gosta de uma revista em quadrinhos dizendo, você sabe, cada batalha que você perde, você vai ficar mais forte e você vai aprender com isso sua mente vai se concentrar naquelas áreas que podem ser melhoradas, mas você só pode descobri-las quando você falhar. Você só pode descobri-los quando você encontrar eles, e é assim que funciona. Erros não são coisas ruins. Eles se sentem muito bem porque nos sentimos como fracassados. Sentimos que queríamos fazer o nosso melhor. E é claro que fizemos. Seja o que for que nos propusemos a fazer, queremos fazer o nosso melhor. Seremos os melhores, o epítome do que podemos ser. Mas às vezes nós só temos isso. Nós temos um pouco de um caminho a percorrer, e nós temos que encontrar esses obstáculos a fim de passar por eles, e eventualmente nós vamos conseguir . Isso é apenas uma questão de poder vê-los sendo capazes de reconhecer o polegar, porque no começo você não reconhece nada até que você se depara com esses obstáculos. Você simplesmente não pode explicar por eles. Não há como saber se está ou não fazendo a coisa certa até fazer a coisa errada. Então, fazendo a coisa errada, você é capaz de voltar a navegar, encontrar uma rota diferente, a fim de chegar ao resultado que você está tentando chegar para que você possa me ver passando por cima do ah, o rascunho aqui. Já fiz a cabeça. Eu tenho um pouco do ah que o torso fez lá. O braço está dentro e você pode ver agora que eu estou meio que eu estou pulando na barriga aqui onde ela tem este curso de desperdício que está enrolando em torno de seu tronco lá e em geral. Mas você deve ter notado que isso é adorável olhar senhora gato parece um pouco com a mulher gato . E inicialmente, ela ia ser. Ela ia ser uma interpretação da minha opinião sobre a Mulher-Gato do Batman, é claro. E no final, ela ficou tão diferente que eu pensei, “Ei, quer saber? Pode ser uma personagem original completamente nova que criou, mesmo que ela fosse baseada na Mulher-Gato , ela poderia ser completamente diferente. Então eu decidi em vez disso, e você vai ver isso por que eu decidi dublá-la com este nome. Eu decidi dobrar como os cremes e gato e como você vai ver no vídeo colorido, vamos estar colorindo-a com uma paleta de cores carmesim que realmente recebe o nome através , ah, maneira mais literal. Mas achei que seria muito legal. Você sabe, cremes em você que a associação com o sangue lá. Então ela é um pouco durona, não alguém com quem se meter. E, você sabe, eu realmente queria atravessar um pouco de uma vibração sedutora do tipo dominatrix. Com esse personagem em particular, você pode ver que ela tem o tipo de mulher gato, mas ela também é, e esse foi o tipo de processo mental que eu passei em seu projeto foi que, ei, Se ela tem um chicote e ela usa um chicote, bem, talvez ela tenha mais de um desenho de personagem tipo dominatrix acontecendo que faria sentido que tipo de amarrar o chicote e a roupa dominatrix juntos em um muito mais consolidado maneira. Faria mais sentido, então há alguns materiais com os quais estamos lidando nesta ilustração em particular. A maior parte é de couro e Lycra. Ah, sua mesquita e a manga do braço que você pode me ver colocando as sombras e ao redor na cruz eclodindo. Eles são feitos de um material tipo Lycra, e vai ser colorido daquela cor carmesim que eu mencionei antes. Então é um pouco mais leve do que o curso que vai ser este couro preto. Então eles são os dois materiais primários. E então, é claro, temos as áreas expostas da pele, que serão deixadas bastante em branco. Não vai haver, ah, ah, manter um detalhe incorporado a eles, uma quantidade mínima de renderização. Então você sabe, a pele, de certa forma é e a maneira em que essas áreas do corpo que são retratadas, mas você tem as áreas expostas da pele. Muito do que vai levá-los através do espectador é de uma forma precisa, é puramente a sua forma. Assim, os contornos externos você não tem as escotilhas cruzadas lá, e a renderização e sombreamento que podemos ver dentro das áreas mais escuras fora de seu design de personagem para ajudar a descrever a forma dessas áreas expostas de carne. Então, o que precisamos depender nesse caso específico é apenas o contorno externo, certificando-se de que somos capazes de capturar uma forma agradável, forte e vívida, e isso tudo vai ser abrangido dentro do primário, delineou o principal aliado e você pode ver ao redor do ombro que como nós realmente tentamos incorporar isso e muito do tempo, a fim de fazer esses contornos externos parecer interessante. Parece esteticamente agradável. Mas queremos tentar fazer é incorporar alguns acorda linha bem policial só para fazer o leão olhar mais interessante. Porque sem essas esperas de fila, o que acabamos recebendo é essa doença consistente em todo o contorno que parece um pouco chato, como se não houvesse nenhum nous dinâmico para zona, e assim ele meio que achata o imagem e realmente não dá a mesma vida de metal que uma espinha teria de outra forma. Então, a fim de criar uma quantidade maior de apelo para seus contornos, sempre tente incorporar apenas um pouco de peso da linha, variação e tudo o que é, se você não está familiarizado com a linha Espere. Eu sei que já falamos sobre eles antes, mas talvez você não saiba do que diabos estou falando aqui. Vinho espera um realmente apenas certificando-se de que você tem certas áreas da linha, o mais grosso do que outras áreas e geralmente as áreas em que você está indo para encontrar o mais doente , contorno mais pesado ocorrer é na parte do contorno que são virado para longe da luz. Onde está nas áreas mais leves fora da forma que o contorno está abrangendo, Você vai descobrir que ele começa a diluir um pouco. Vai se tornar um mais leve, mais fraco, e não vai ser um Sevy agora. Claro, pesos de linha também pode ser usado em outros contextos, bem como para enfatizar que certas partes do personagem para novamente, como acabamos de dizer, transmitir de onde a direção da luz está vindo. Mas também além disso, ajuda você a criar a ilusão fora da profundidade. Então, por exemplo, aqui estamos desenhando em seu outro braço, e você pode ver que ele tipo de saltos teve um pouco agora que se uh um estava vindo em nossa direção e ele foi apontado diretamente para nós para que nós tenhamos este tanto encurtamento de nível quatro mais dramático. Mas o que nós veríamos em torno da frente que o fim dos braços dos quatro na parte do braço que estava mais perto de nós é que veríamos um contorno mais espesso. Assim, os pesos de linha seriam muito mais pesados em torno dessa parte particular da armadura. À medida que o braço recuava, bancando o ombro como um afastado de nós, o contorno ficaria mais pecador e mais fino. Isso criaria essa ilusão de profundidades. Mesmo que estejamos lidando com um pedaço de papel plano aqui, estamos lidando com um personagem que é essencialmente bidimensional na verdade, mesmo que estejamos representando a dimensão misteriosa que o contorno sozinho criaria essa sensação de profundidade. E isso é em Ah, isso é definitivamente uma peça no visual, está lá. É uma das ferramentas que temos à nossa disposição para criar essa ilusão de morte e uma que, como artista de banda desenhada, você quer fazer bom uso, tanto quanto possível, onde quer que você possa. Porque ilustração de quadrinhos é tudo sobre fazer o seu para fora onde pop, tanto quanto possível . Agora, com facilidade, escotilhas cruzadas que estou implementando em torno do braço dela, você sabe, colocadas nas sombras da primeira coisa que eu faço porque isso meio que me disse onde a maior quantidade de eclosão cruzada vai ser. Isso me ajuda a descobrir em que densidade todos esses tons precisarão estar para que o formulário seja lido corretamente. Mas quando essas sombras entrarem, o que estou fazendo é, quando coloco as escotilhas ao redor do braço , fazê-los seguir a superfície da forma dos braços. E isso é realmente importante porque além de apenas sombrear a forma, escotilhas cruzadas também ajudaram a descrever sua superfície as dimensões de sua superfície envolvendo-a. Por isso, nunca desenhe as escotilhas cruzadas completamente planas. Eles devem sempre ter algum nível de curvatura para eles. E fazendo isso, você vai encontrar novamente você é capaz de implementar esse nível extra de três dimensionalidade que dá sua ilustração anular esse nível adicional de profundidade en dimensão, algo que é incrivelmente importante quando vem para outra vez. Ilustração de quadrinhos. É por isso que é uma forma de arte tão impactante e por isso que eu amo tanto. Isso é o que me deixa tão agitado. Arte em quadrinhos é, é um daqueles não são médiuns que apenas chamam sua atenção e puxam você para dentro. Ele te impede em seus trilhos, mas cozinhe boa arte em quadrinhos. Será que esse mau comediante Wolcott não vai deixar muita impressão em tudo se você deixar fora dos pesos de linha. Se você está cruzado eclosão não descreve o formulário de qualquer forma e a obra de arte apenas parece plana como resultado. Então, infelizmente, o que isso vai resultar é apenas um ninho, hein? Cócegas agradáveis, olhando para fora do trabalho. Não terá a mesma quantidade de apelação. Não terá a mesma quantidade de impacto. As pessoas passarão por ela sem tremer. E eu menti. Então você pode ver aqui que com as sombras que incorporaram em seu design, elas contrastam dramaticamente com as áreas nuas da pele em todo o corpo e em torno sua perna. Aqui, tem coxas, ela qualquer coisa, ela fora da coxa. Veremos mais uma vez que temos esta seção onde seu corpo é revelado, a carne subjacente será exposta. E, senhor, novamente, vamos ver aquele contrato de dança durante toda a ilustração. E é essa dança de contraste que você quer tentar implementar em seus projetos, para torná-los mais interessantes de olhar, porque quando você tem essa variação de tempo visual, ele cria um certo ritmo de nível ao longo do ilustração, especialmente se você conseguiu dispersá-la e da maneira correta. Agora, qual é a maneira correta? Como você equilibra esse contraste quando ele adiciona os tons mais escuros onde você adiciona o mais leve se transforma no que concordou? Você os adiciona? Bem, para mim? Eu sempre tento ter certeza de que a própria cabeça tem algum nível de viragem escura, porque isso vai ser o que chama a atenção do espectador agora. Não é apenas tom escuro sozinho, e não é apenas como túnel, e é o contraste da relação entre esses tempos. Então, no nosso caso aqui com o Gato Carmesim, o que podemos ver é que ela tem sua máscara, que tem essa sombra grossa e essas linhas de brinquedo muito dramáticas, certo, essas manchas de contraste. Nós temos as sombras ao redor da frente de seu rosto no interior de anos, e então nós temos esses realces realmente brilhantes e reflexivos que essencialmente nem se misturam tanto com as sombras. A transição muito, muito gritante lá. O que é mesmo um estoque? Uma transição, porém, são os buracos dos olhos e o buraco da boca é, bem onde vemos a mesquita e uma casca de volta para revelar o rosto. Agora, novamente, o que isso acaba nos permitindo fazer é essencialmente enquadrar as janelas dos olhos, emoldurado os I hos com esses tempos super pontos e, em seguida, tê-los diretamente contrastar camadas, tons escuros por ter essas áreas expostas fora dela Rosto. Então agora o que acabamos com essencialmente estes, realmente, há realmente valores brancos contra esses valores super escuros. E por causa disso, não só a nossa atenção é atraída para essa área específica do personagem diretamente fora do morcego por causa desse contraste gritante por causa da filha branca em tela preta ou, neste caso, dois pontos brancos em uma tela preta. Mas o que acabamos com é que também somos capazes de ter nossa atenção quase 100% previsivelmente ser atraída para os olhos do personagem. E isso é importante. Por quê? Porque os olhos dos personagens das janelas em sua alma. É assim que nos relacionamos com o personagem. Esse é o primeiro ponto de entrada. A fim de ser capaz de tentar compreendê-los, também. Descobrir. Você sabe que tipo de personalidade eles têm. Há muita coisa que pode ser dita aos olhos do personagem. Muita comunicação não verbal, e podemos dizer muito sobre eles sobre como eles estão se sentindo sobre quem eles são. E isso é algo que certamente vale a pena chamar a atenção, porque isso vai manter a atenção de todo o público por muito mais tempo, período de folga. Então você sabe disso estrategicamente, algo que eu fiz aqui. E eu acho que é uma ótima maneira de ter um design de personagem que inerentemente chama sua atenção para todos os lugares corretos em todo o personagem, é claro, trabalhando nosso caminho para baixo no corpo. Temos os ombros da Expos e o meio do peito dela lá, que, sabe, eu meio que gosto de pensar que é quase como uma cabeça de gato, só que sem as orelhas. E, sabe, temos o tamanho dela também. Agora todas essas áreas uma espécie de, claro, você sabe, áreas, todo o corpo que um pouco você poderia dizer sexualmente atraente. E, claro, isso é algo que as pessoas em geral gostam de ver por uma razão ou outra. É uma biologia, é provável. Mas você sabe, ele pode criar um personagem sexy com um design sexy. Isso é, é claro, vai chamar a atenção e ah, você sabe que todo mundo vai ter uma opinião diferente sobre isso. Eu pessoalmente acho que ele chama a atenção em um nível adicional, adicionalmente atraente em que permite que as pessoas se tornem atraídas por sua obra de arte, não apenas para vê-lo, não apenas para ser imerso com um pouco, também para ser atraído por ele. E para mim, essa é uma maneira muito mais poderosa de ter o público se conectar com seu personagem que vai permitir que eles fiquem com eles por muito mais tempo, e vai ficar dentro de sua mente por um longo período de tempo. vez, todos vão ter uma opinião diferente sobre isso. Não queremos que todos os personagens sejam sexualizados em quadrinhos, é claro. Mas assim como com o contraste em torno do design do personagem aqui em si, é bom ter um contraste de personagens diferentes dentro de suas histórias. Você vai querer alguns personagens sexy. Você vai querer alguns personagens de aparência forte. Você vai querer alguns personagens ousados. Você vai querer algumas personagens reservadas. Alguns fazem personagens tímidos. Talvez você queira personagens que parecem fracos, mas são realmente fortes que você quer, faz isso um pouco porque as pessoas não gostam de mesmice. Eles adoram ser estimulados pela variação e variação é precisamente o que estamos procurando dentro do design de um personagem e dentro das diferenças nas variações entre cada um dos personagens dentro de seu elenco de personagens comparáveis. Queremos variação dentro do trabalho leão em si que a escolha, o personagem que ajudou a definir a sua ilustração na forma em que eles apresentaram queremos variação dentro das diferentes moedas estavam lidando com dentro do variação de contraste é a chave para criar uma experiência interessante e muito trabalho tentadora para o seu público. Visualmente, então sempre tente manter isso no meu olhar para áreas dentro de sua ilustração. Onde você pode ter essa dança de contraste é dança de Variação, e você vai descobrir que ela deixa muito mais de um impacto que chama mais atenção do que isso. Ele novamente fica com as pessoas por muito mais período de tempo. Vai ajudá-los a se lembrar disso. Também ajudará você a criar uma ilustração de quadrinhos mais legível. Ele pode ver que este personagem é design é realmente um pouco complexo é alguns elementos diferentes que foram para ele aqui. E por causa disso, se não formos capazes de dividi-lo com diferentes níveis de valor, se não formos capazes de enfatizar certas áreas com pesos de linha, torna-se um pouco difícil decifrar visualmente não apenas para nós, mas também para o nosso público. Porque começa a falta de profundidade novamente, começamos a perder a quantidade de impacto visual que teria de outra forma. Então isso é realmente querer que essa variação vai ajudá-lo a puxar para a sua ilustração , e é isso que torna difícil identificar. Às vezes você sabe, nós não estamos necessariamente apenas falando sobre o que eles estão na página. Estamos falando sobre o que não está lá na página, o que muitas vezes é deixado de fora, e simplesmente incorporando-o e adicionando-o lá. O que você vai descobrir é que, de repente, sua obra de arte se transforma e você é capaz de criar isso. O que, o que você está criando antes, definitivamente. Mas é em um outro nível agora que pode ser a menor coisa, a menor coisa que faz toda a diferença e realmente leva sua arte para o próximo nível. Então eu estou andando por aí e eu estou articulando os contornos que eles vão definir as pernas sobre. O personagem pode parecer meio que adicionando pesos de linha no caminho que eu acho que eu faço. Uma primeira passagem da fila espera enquanto eu desenhei a linha para fora e então eu vou voltar para cima e você pode me ver fazendo alguma linha. Esperar esculpindo lá enquanto eu puxo a borracha e, você sabe, fazer a linha centro em algumas áreas, pensando em outras. E eu realmente tento ter certeza de que não, eu sou capaz de definir uma loja agradável, limpa , clara aparência e interessante, contorno olhar atraente, e que isso vai finalmente apresentar o personagem em sua forma final, você sabe, é facilmente tintas do personagem. Isto é o que será isto. O que será definir os personagens Leinart no final. Então temos que nos certificar de que os levamos, que realmente prestamos atenção e aproveitamos o tempo para capturar o tipo certo de linha que estamos atrás. Então eu delineei essa sombra. Vai estar presente nela como as leggings Roe? E agora estou enchendo os homens. Então nós estamos olhando para algumas sombras muito, muito grossas aqui, que eles vão ser essencialmente contrastar isso diretamente contra os destaques que vão estar presentes. E há vários destaques e várias sombras aqui que estamos lidando. E não há apenas uma maneira de resolver isso. By the way, isso muitas vezes tudo se resume à estética. Então você está olhando para você sabe, quanto imobiliário a sombra ocupa em comparação com os destaques? E essa é a quantia certa? Vai funcionar? Está descrevendo o formulário da maneira certa? É consistente com as luzes acesas? Descreve o que estamos tentando mostrar ao espectador de uma forma consistente de uma forma consistente com o resto da ilustração? Porque você sabe, muitas vezes isso pode ser a única coisa. Se errarmos a esse respeito, isso poderia ser com a única coisa que faz com que toda a ilustração se desmorone. Aumentar consistências quando presente dentro da ilustração pode apenas criar este pequeno nível de falta de sinceridade dentro da obra de arte. De repente, você não pode realmente confiar no que está vendo porque há inconsistências dentro de A. Não faz sentido. E então você quer ter certeza de que, à medida que você cair nas sombras, embora você possa estar lidando com um material diferente, um material substancialmente diferente , assim como neste caso, você ainda quer ter certeza de que as sombras, sejam elas um nível adicional de sombra e destacam um alto nível de contraste que, à medida que você as incorpora, elas permanecem consistentes dentro do contexto fora do caractere geral. Isso não significa que você tem que dar as áreas expostas da carne como neste exemplo particular do mesmo nível de sombra e detalhe, nem de nada. Você pode deixar isso completamente em branco, mas você tem materiais diferentes, e então você tem diferentes níveis de valor e sombra lá que são inevitavelmente vai ser incorporado dentro deles apenas por causa dos diferentes níveis de refletividade, os diferentes níveis de ah de contraste realmente vai estar presente dentro desses materiais. Quero dizer, estas são realmente as coisas que você disca para trás e para frente, a fim de transmitir uma variedade de materiais diferentes, mas desde que eles estejam sombreados e as sombras e os destaques que ocorrem dentro deles em qualquer respeito que possam ser representados são consistentes com a ilustração geral, porque novamente isso vai fazer uma ilustração muito mais convincente. Vai fazer sentido para o espectador e para o e assim eles vão ser mais imersos dentro dele. Lá, descrença suspensiva será aumentada, e assim eles esquecerão o mundo exterior. Eles vão esquecer a realidade, e isso vai tornar seu personagem mais crível e porque eles mais críveis, eles serão mais imersivos para o público. Então agora vamos para onde adicionar algumas escotilhas cruzadas que serão retiradas das sombras que acabei de colocar. Mas porque estamos lidando novamente com material bastante reflexivo aqui, vamos ver que as transições, a mistura que essas escotilhas cruzadas criam um ainda bastante repentino. Ok, então não estamos lidando com um material completamente fosco. Então, há transições, esses ingredientes. Não queremos que sejam super macios. Ainda queremos o dedo do pé. Transmitir que esse certo nível de refletividade dentro do material a fim de tê-lo ainda permanecem olhando como se ele é feito deste Lycra ou material tipo de couro, que muitas vezes tem aqueles destaques muito gritantes que um super refletiu que apenas aliados fora deles com uma quantidade extrema de intensidade. Então agora eu estou indo para cima e eu estou começando com as leggings na outra perna e ah, apenas colocando os cintos em volta do topo lá. Por alguma razão, estou tendo um pequeno problema com isso. Felizmente, tenho a minha ferramenta de borracha à mão. Tudo o que eu vou fazer é apenas apertar o atalho aqui no meu teclado quando eu preciso puxá-lo para fora ou , alternativamente, apertar o botão desfazer. Se eu não gostar da linha que acabaram de colocar dentro E muitas vezes eu não sei, você sabe, eu sou muito exigente quando se trata do tipo de linhas que eu deixo dentro da ilustração porque, você sabe, eu realmente quero ter certeza de que isso vai ficar tão bom quanto eu puder Possivelmente fazê-lo olhar. Você vai notar que de vez em quando eu voltar e eu começo a ajustar o que eu já coloquei para baixo na página. Você sabe, apenas como um exemplo, eu mexi a tosse na parte de trás da perna lá para essa linda senhora do gato, e eu fiz isso porque eu senti que a forma não estava realmente parecendo muito correta, especialmente quando Virar a imagem. O que eu tentaria vai fazer bastante aqui só para ter certeza que tudo confere, porque sem virar a imagem é muito difícil de detectar erros. Às vezes eu posso sentir que algo está errado, mas eu não vou saber exatamente o que está errado na ilustração até que eu vire e de repente fica muito claro o que precisa ser corrigido. Então, nesse caso, era a parte de trás da perna e eu simplesmente trouxe um pouco e dei um pouco mais de forma e isso é tudo o que realmente precisava, que era Ah, totalmente bem. Quero dizer, eu acho que desde que você não fique muito estressado sobre corrigir esses erros, você sabe, às vezes pode chegar ao ponto em que nós estamos corrigindo certos erros e nós ficamos desencorajados porque nós fizemos um Erro e, de repente, tudo está arruinado e nós temos que jogar toda a ilustração fora Bem, não , você não tem que fazer isso de qualquer forma. Está tudo bem cometer um erro. É só que vem com o território de ser um artista, não importa o nível de habilidade que você esteja nele. Na verdade, eu diria que é tudo parte da diversão. Então, você sabe, erros vão acontecer. Não se desanime quando elas acontecem. Apenas calmamente conserte-os. Então siga em frente. Ah, parte do tempo, o que vai fazer de você um artista de sucesso é ter a habilidade de seguir em frente e continuar. Continue progredindo. Sabes, não deixes que ninguém engane te detenha. Esses serão sempre uma parte do processo. E se você não gosta de cometer erros, bem, talvez você esteja no campo errado porque, hum, como eu estava dizendo, você sabe, erros e cometê-los regularmente provavelmente Às vezes mais. E eu gostaria de fazê-los é tudo parte da diversão para May, você sabe, me mantém em meus pés. Se eu nunca cometi erros, eu me tornei complacente e, eu não sei, talvez minha criatividade com o sofrimento. Em vez disso, você sabe, às vezes não é apenas sobre a forma como o desenho é retratado. Às vezes, muito do que faz a arte boa são apenas as ideias que você inventa. E a maior parte do tempo essas ideias virão dos erros que você comete. Você sabe, você vai tentar algo que você pensou que iria funcionar bem e não funciona bem e isso força você a encontrar uma nova solução que talvez não tenha considerado ainda. E então você tentou. E o que você sabe? Você acaba com algo muito melhor do que imaginou inicialmente, e essa é a nossa beleza. Às vezes é uma surpresa. Às vezes, o que você se propôs a fazer não é exatamente o mesmo que o resultado final vai ser . E essas são algumas das melhores ilustrações que eu pessoalmente já criei quando crio algo que eu nunca esperei criar Agora, idealmente, você quer tentar criar algo melhor do que seu objetivo inicial do que seu inicial. O que você inicialmente tinha como objetivo criar. Mas às vezes, , sabe , nem sempre funciona assim. E você aprende com isso, sabe, talvez tenha tirado a ilustração até o fim, e não havia como salvá-la. Foi só que talvez tenha sido uma péssima ideia para começar. Talvez em algum lugar ao longo da linha você perdeu o caminho e novamente, isso não é perda. Isso não significa que você deve desistir e não ser mais um artista. Não significa que saibas que não sabes, mas nunca terás o dom. A gaveta, é... É simplesmente algo que vai acontecer de tempos em tempos, independentemente de quantos anos você tem feito essas coisas por e além de apenas aprender a habilidade técnica. Para ser um grande artista, você precisa aprender a superar essas coisas e seguir em frente rapidamente. Porque a rapidinha que você pode seguir em frente, mais rápido você pode fazer progresso em superar o ponto de aderência que tinha te prendido anteriormente. Se você se debruçar sobre ele e você deixá-lo alimentá-lo, ele vai estar lá por um período muito mais longo de tempo. E talvez isso possa até fazer com que você se torne consciente dentro de sua obra de arte, que definitivamente não é algo que você queira sentir quando você se senta para desenhar ou algo que você tenha prazer fora. Você não quer se sentir ansioso, e você não quer se sentir preocupado que você vai estragar tudo. Você quer se divertir com ele. Você quer aproveitar esse processo. Não importa se você é péssimo em desenhar, desde que você goste. Essa é a coisa principal, porque se você gostar, você vai continuar fazendo isso. E fazendo isso continuamente, você só vai ficar melhor como um subproduto. Em breve vou colocar mais alguns desses atores transversais. Eu realmente amo escotilhas cruzadas e esta técnica de eclosão cruzada particular que eu estou usando para sombrear a perna aqui inicialmente aprendeu com David Finch, como você já deve ter adivinhado. A 7. Entando o primeiro primeiro primeiro: O que vamos nos concentrar principalmente aqui neste vídeo é pintar o resto dos elementos de fundo, o ambiente de fundo, essencialmente, que vai fundamentar o personagem em um mundo do merecido e fundos que gosto de pensar como sendo uma extensão da credibilidade dos personagens. E ele realmente não só faz isso não só se expande sobre sua história e também permite que o público se envolva com eles em um nível mais profundo, mas em cima disso, o fundo pode realmente melhorar a composição toda a ilustração geral como envolve e encapsula o caractere e realmente dá-lhes algum nível adicional fora do contexto. Novamente, ele se baseia na narrativa deles. Em vez de ser um personagem apenas flutuando em um vazio preto wydell, nós realmente começa a ver parte do mundo que eles habitam, e isso ajuda a construir em sua história, expandi-lo e gaveta fogo posto Além disso. Agora podemos fazer parte dessa história. Nós podemos ser trazidos para esse mundo, e então para mim, pelo menos, ele pode realmente apenas melhorar a experiência visual que o público vai ter todo o seu personagem e é por isso que é tão importante não coletar fundos quando se trata de ilustração de quadrinhos. A maior parte do tempo deixamos de fora. E uma das razões pelas quais deixamos fundos de fora é porque, para começar, que apenas o Norte é emocionante a maior parte do tempo como personagem nesta demonstração em particular , nós vamos estar renderizando tijolos Agora. Renderizar um tijolo só pode ser tão excitante, e realmente começa quando você está renderizando tijolos para, você sabe, metade em nossas horas talvez até mesmo como nós vamos fazer aqui. Isso está um pouco acelerado, então não vou te fazer passar por essa provação horrível. Mas você sabe, leva tempo. Se você realmente quer fazer justiça à sua ilustração, vai exigir que você se sente lá e tediosamente renderize as texturas e os materiais que estarão presentes dentro dos elementos de fundo dentro da sua ilustração. E então, por essa razão, muitas vezes tentamos evitar fundos, mas também tentamos evitar fundos porque eles simplesmente levam caminho, muito mais tempo para completar do que um personagem. Você sabe, quando você está olhando para um personagem, há apenas tanta propriedade real que eles vão ocupar sobre a tela e úmido daquele imóvel provavelmente não vai ser até mesmo renderizado para um grau mais alto de detalhe de qualquer maneira. Você pode ver com o Gato Carmesim você sabe que há uma área de pele posada em todo o seu design. Realmente? Ah, apenas definido por um esboço sozinho. Não há nenhum detalhe real que tenha sido incorporado nessas áreas específicas, e as partes fora do projeto que têm essas sombras e entre escotilhas incorporadas nelas para ajudar a descrever a aparência visual dos materiais. Bem, você sabe isso de novo, só muito disso acontecendo quando você tem as leggings feitas e você tem o, você sabe, seu espartilho e, em seguida, suas luvas. Bem, você sabe, há realmente você pode resolver isso bastante rápido. Certamente não leva perto de um za, desde que nos leve a completar o resto do plano de fundo. E, de fato, o tempo total que eu gastei na pintura do personagem era apenas cerca de 1/3 do tempo total de produção que levou para completar toda a ilustração o resto do tempo que passei nesse plano de fundo, e você verá por que em um momento, enquanto começamos a colocar em todos os detalhes que vão nos ajudar a descrever os tijolos e a criar um nível adicional de contraste de interesse visual que não só faz com que o fundo pareça mais interessante e visualmente atraente para olhar, mas faz com que o personagem pop para a direita fora da página com profundidade e dimensão adicionais. Porque é isso que estamos criando aqui, quando colocamos nesses prédios de fundo que preparam o palco para o personagem em si, eles estão se conformando com algum tipo de perspectiva, a perspectiva que estabeleci para eles. E você pode ver que você sabe, quando se trata de perspectiva, claro que você quer tentar dedo do pé, você sabe, grosseiramente certificar-se de que todas as coisas que estão presentes dentro do fundo estão em conformidade com o perspectiva que você definiu para eles. Mas para mim, eu tento não fazer isso estritamente eu tentei Teoh grosseiramente desenhar os edifícios, certifique-se de que a composição geral está ótimo, e eu gosto de mantê-lo tipo de solto. Eu não gosto necessariamente de me conformar com um conjunto de regras que minha idéia tem que se encaixar ou se encaixar necessariamente. E eu acho que quando eu começar a usar coisas como grades de perspectiva, a fim de garantir que tudo está alinhado com precisão, que eu posso fazer mais tarde executar. Mas certamente não no começo. Eu só acho que isso realmente faz com que a apresentação final fora da ilustração perca a vida que de outra forma teria se eu apenas desenhei organicamente e fui com meu instinto, usei meu olho para tentar alinhar tudo novamente, pelo menos para começar. Agora vou verificar se a perspectiva está no ponto mais tarde. Uma vez que esses edifícios ar esboçado em, você sabe, eu poderia colocar em uma grade de perspectiva sobre o topo desse rascunho áspero apenas para novamente corrigir quaisquer áreas que brilhantemente óbvias e, claro, absolutamente quer tentar ter certeza de que as coisas são tão precisas quanto possível. Mas não deixe que o nível de precisão dentro de suas ilustrações diminua o nível criatividade que você foi capaz de implementar nelas. Aquelasensação natural e orgânica, sensação natural e orgânica, um apelo que a sua obra de arte tem quando você está apenas no chão e você não está pensando sobre os aspectos técnicos de tudo isso. Mas você está realmente se deixando afundar no ato. Criatividade, apenas afastando, não julgando, não analisando, mas apenas deixando essas ideias saírem para a página. Agora, com isso dito, falamos sobre por que tentamos evitar antecedentes. Mas você sabe, a importância de ter antecedentes é realmente certificar-se de que você é capaz de expandir a história do personagem, para dar a eles um senso de lugar no contexto e para garantir que o engajamento dentro do ilustração em si que as pessoas vão experimentar está presente. Porque sem esse fundo, é simplesmente um personagem que é apresentado no voile branco. Como eu disse antes e assim já. Talvez o personagem pareça convincente, e talvez eles pareçam realistas. Mas quando você está colocando-os nesta tela branca em branco e essa é a apresentação final, realmente, ele perde muito disso. Você sabe que Tanja Bability não parece mais real. Parece que você está olhando para uma apresentação de diagrama no sótão. De repente, todo esse personagem que tem sido, você sabe, adulterado até certo ponto eles não fazem parte de um mundo e você não pode se tornar parte do mundo que eles podem tê-lo porque não há fundo lá para informá-lo sobre o que isso pode implicar. E assim vale a pena. Vale totalmente a pena o tempo adicional e esforço que você vai inevitavelmente levar para colocar em todos aqueles detalhes de textura intrincados de cruz Sanches e renderização de material a fim de realmente trazer o mundo que o personagem está sendo apresentado no reboque. A vida. Então aqui eu quero apenas um momento para explicar a vocês exatamente o que estou fazendo agora. Estou no estúdio de Minga, que você já conhece, e às vezes as pessoas me chamam ligando para o aplicativo. Eu estou usando estúdio mega porque agora é saber como pintura de estúdio clipes, É claro que estúdio Menu mudou seu nome para dor de estúdio clipe. E então é um termo antigo, eu acho, para a aplicação. Mas eu ainda não atualizei, e é só porque eu não fui capaz de ser incomodado em fazê-lo. Então sabe que sou preguiçoso por mim. Eu gosto de pular muito velho você sabe, os aspectos técnicos muito do tempo e apenas ir direto para o desenho, e eu realmente não me preocupo muito com as ferramentas que eu tenho à minha disposição. Eu tento encontrar algo que funcione muito, muito rápido, e então eu vou ficar com ele por anos que eu ainda estou usando a fim de pintar esta ilustração até um 10 anos de idade, provavelmente mais de 10 anos de idade, agora em nós. Tábua de boas-vindas em seus três. E você sabe, se você está totalmente onde vêm, você sabe que até, você sabe, você sabe, seu sexto ou sétimo o modelo fora comprimidos. Então você sabe, é bem velho agora é bastante datado, mas ainda faz o trabalho como você pode ver, e eu gosto de sentir isso. Sabe, eu gosto da sensação dos velhos tempos, porque eu me acostumei tanto com isso. E quando eu pulo para o novo, é um pouco estranho. Tudo leva tempo para se adaptar, mas não importa o que você está usando, você pode realmente se adaptar a ele desde que você pratique consistentemente com ele. Portanto, não importa no final do dia, quais passeios você está usando ou que software você escolheu desenvolver suas ilustrações ou você vai fazer é obter o trabalho dos pés, chegar à tinta, chegar ao desenhá-lo para a coloração e tentar desenvolver um processo que você pode aprender, dominar e repetir a partir desse ponto em diante, a fim de executar suas ilustrações. Porque a coisa é que há apenas uma quantidade limitada de tempo que você vai ser capaz de desenhar, você sabe, mesmo agora, a idade de ah, eu tenho quase 30 ainda. E alguns diriam que é jovem e eu concordo que ainda sou um cara jovem. Depende realmente de quantos anos você tem para saber se você vê ou não 30 anos de idade é ser jovem ou velho. Mas mesmo agora, nesta idade razoavelmente jovem, ainda assim, estou começando Teoh. Eu fico um pouco cansado mais rápido no meu pulso. Se eu estou trabalhando por um longo período de tempo, eles começam a se agarrar, e eu preciso fazer mais pausas. Caso contrário, eu acho que se eu realmente me sobrecarregar e desenhar por horas e horas sem, você sabe, ter algum tempo para olhar para cima e respirar um pouco, hum, eu acho que eu acabo não ser capaz de desenhar no dia seguinte por causa de desgaste meu pulso em seu cansado. Então você realmente vai gerenciar mesmo quando você é jovem, os freios e a quantidade de tempo, a quantidade de fora se uma energia que você coloca em seu desenho e certifique-se de que você está descansando quando você precisa descansar. Caso contrário, pode realmente impactar sua capacidade de continuar produzindo à taxa que você está produzindo, isso é sempre um equilíbrio. Essa coisa que você poderia ser capaz de desenhar por 24 horas seguidas sem olhar para cima? Mas se você fizer isso, quanto tempo vai ser sustentável para você? E isso se aplica especialmente à tinta, porque, como você pode ver, isso é realmente o que esse processo implica. Tinto. Você está sentado lá por horas e horas e horas a fio. Você sabe para onde a ilustração está indo. Você sabe qual o resultado não vai ser. Você só tem que ir por cima e, você sabe, derrubar as tintas para isso, e então será feito em algum momento. A conduta fusty Oh , melhor. Mas você ainda precisa ter certeza de que a quantidade de tempo que vai demorar é equilibrada com um número razoável de pausas ao longo do caminho, para que você possa manter sua produtividade sustentável. Porque se você se esforçar demais e se cansar, isso acabará por atrapalhar seu progresso a longo prazo. E isso não é bom para ninguém. Pode até causar danos a longo prazo, como o túnel do carpo e esse tipo de coisa. Então tente evitá-lo, especialmente quando você envelhece de volta ao meu ponto original. Eu sei que, você sabe, quando eu chegar aos 40 quando eu cheguei aos 50 não há nenhuma maneira eu vou ser capaz de sentar por um longo período de tempo sem quaisquer pausas e desenhar no mesmo nível de produtividade que eu faço agora. Então você sabe, 60 70 sempre brincam com isso quando eu tenho 70 80 e a artrite começou, eu só vou me tornar um Eu quero fazer filmes um dia, então me tornar um diretor de cinema e porque minha mão bem apreendida quando tiver algum problema uma câmera de cinema mesmo assim? Então vai ser tudo bom para ir. Sabe, tento pensar e me preparar para o pior e acho que você sabe, o que eu vou fazer? Uma vez que eu não consigo desenhar mais, há sempre aquela iminente ah, desgraça antes de maio, que, você sabe, pode ou não ser realista para ter em mente, mas ainda me motiva a fazer o que eu posso fazer agora e para você realmente tentar fazer o melhor fora da situação e o ponto maravilhoso em, como a Coréia como um artista e o que eu sou capaz de fazer e fazer isso tanto quanto possível novamente enquanto eu posso fazê-lo, você tem que ser capaz de, você sabe, não quer o seu limitador. E você sabe, você tem que manter uma idéia geral realista em mente sobre o quão longe você pode empurrar essas coisas. Porque se você correr fora da pista e você tomar isso como garantido e você não está ciente de exatamente você sabe o quanto de um impacto que você está tendo em sua saúde física e até mesmo às vezes você pode correr em uma fadiga criativa. Eu estava falando sobre isso com um de meus outros amigos criativos algumas semanas atrás. Ele é um músico, mas ainda assim a criatividade ainda é uma parte disso e como, se você realmente criativo um dia no dia seguinte, há uma boa chance de que você vai começar a ficar sem esse combustível criativo porque precisa de tempo para recuperar sua imaginação, sua mente. Ele precisa de tempo para processar todas as idéias que ele vai vir acima com a próxima, antes que você é capaz de realmente tirá-las e colocá-lo na página ou e qualquer formato de expressão artística e criativa que você escolheu para apresentar essas idéias. Então você sabe, é tudo sobre saída e descanso. Mas como eu estava dizendo, você sabe, eu tento otimizar meu processo o máximo possível e ficar com as coisas que estão funcionando para mim para que eu possa fazer muito desenho e gastar menos tempo com as coisas técnicas que realmente não contribui para isso de uma maneira enorme novamente. Você pode usar quase qualquer coisa para produzir sua banda desenhada em, e as pessoas praticamente fazem isso hoje em dia. arte em quadrinhos vem em tempos antigos e diferentes de formas. Alguns deles nem sequer são tinta nos dias de hoje, e alguns deles são pintados, você sabe, não é nem colorido como um livro de quadrinhos, então encontre um processo que funcione para você, otimize-o o máximo possível para que você pode produzir mais trabalho mais rápido agora. É por isso que eu escolhi ficar com o mega estúdio, e eu tenho aquele tablet realmente velho, e eu sei como eu trabalho. Conheço o meu processo de trás para frente. Espero que ao longo dessas demonstrações, eu sou capaz de compartilhar um pouco desse processo com vocês agora de volta para as ferramentas reais dentro estúdio Mangus que eu gosto de usar quando se trata de tinta. Para mim, claro, é a caneta G que funciona melhor. É muito parecido com usar uma caneta de pena de cabeça de corvo tradicional. Você sabe que a maneira em que ele se conecta com a tela e eles tipo de linhas que eu sou capaz de produzir, se apenas sentir um pouco mais legítimo, como as tintas que os artistas no topo Cow costumavam ir lá trabalhar com . Então acredito que foi Joe Williams. Na verdade, eu assisti seu antigo tutorial, Siri está de volta na oficina número um do dia, e eu me lembro de passar por seu curso de tinta e vê-lo no trabalho e aquelas tintas meme . A estética dentro deles era exatamente o que eu queria capturar dentro do meu próprio trabalho. Então isso é um olhar visual para as tintas que eu faço que eu estava classificando depois e tentou chegar o mais perto possível ao longo do tempo. E isso era apenas uma questão fora de prática e controle extremo sobre meus estilistas enquanto eu colocava as tintas e a quantidade de pressão que eu estava aplicando a ele em combinação com o tamanho do pincel que eu estava usando. E isso é realmente o que se resume a, as tintas que você me vê deitado aqui na tela e o trabalho de linha que está sendo produzido. Como resultado, tudo se resume ao tamanho do pincel que estou usando, que é controlado em qualquer momento usando as teclas de suporte no meu teclado, e muitas vezes usarei as teclas de suporte para ajustar o tamanho do pincel como necessário enquanto eu trabalho porque vai haver diferentes áreas ao longo desta ilustração que variam em termos de complexidade e detalhes que exigem um tamanho de pincel maior ou menor para realmente entrar e perto do trabalho de linha dentro dessas áreas. E então, claro, isso é compensado pela quantidade de pressão que estou aplicando ao estilista em qualquer momento . Claro, quanto mais espesso eu quero essa linha eo médico eu queria ser o quente ou eu vou pressionar para baixo no meu tablet como eu colocar essas linhas no mais leve eu quero que eles para ser o mais fino e sutil, menos pressão eu se aplicará ao estilista como eu estou trabalhando, e isso fará com que a linha pareça muito mais fina. Então é assim que eu capto as linhas que você está me vendo colocar em torno da ilustração aqui para articular os elementos de fundo terminam o personagem. Além disso, é apenas prática e realmente tentar se acostumar com a maneira como você trabalha naturalmente. Porque, você sabe, aqui está o pequeno caviar que você tem que considerar é que a pressão natural de todos que eles aplicam aos seus estilistas como eles trabalham vai ser diferente. Algumas pessoas vão ter uma mão pesada. Algumas pessoas têm uma mão mais leve, então você tem que descobrir o que você estava naturalmente sentado? E quanto ao solto isso ou o aperto fora de seu aperto em torno daquele estilista enquanto você está trabalhando, trabalhando, isso vai ser diferente para todos também. Como você se sente mais confortável quando você está apenas trabalhando fora e você está pintando? Você está montando a ilustração. Essas são as coisas que também afetarão seu fluxo de trabalho e o processo que você percorre sempre para produzir as tintas para suas ilustrações. E para que você saiba, só tem que equilibrar o tamanho do pincel com a quantidade de pressão que você está aplicando. Mas também você tem que equilibrar tudo isso com a maneira em que você naturalmente gosta do dedo do pé trabalhar da maneira que se sente certo para você, porque não há nenhum ponto em imitar ou assumir as técnicas de outra pessoa quando então maneira natural de trabalhar que se sente confortável para eles simplesmente não está clicando para você porque como artista, parte do prazer de passar pelo processo de criar algo do nada é a execução dele, e a sensação de que você começa quando você está nesse processo criativo. Quando você está nesse período de produção e realmente colocando essa ilustração juntos, você começa a alegria adicionou o ato fora, literalmente criando-o. E não é apenas o produto final que importa. É também a jornada que você faz no caminho até lá que você pensa e se lembra. É a única coisa que você consegue manter dentro da experiência de criar essa ilustração ninguém mais consegue ter isso. Eles certamente podem ser capazes de apreciar os frutos do seu trabalho. Mas realmente, no final, você é o único que pode ir nessa jornada do início ao fim quando você está produzindo sua idéia e trazê-la até a conclusão. Então você tem que aproveitar isso. Você tem que gostar. Caso contrário, você não será obrigado ou motivado a fazê-lo com muita frequência. Quanto mais você gosta do ato de criatividade de montar essas ilustrações, mais você vai querer fazê-lo. Você vai acordar todos os dias, e você não vai ser capaz de esperar para saltar direto para ele. Agora, contrasta isso com um processo que você sabe que você sente que é laborioso. Isso não parece bom, certo ou agradável para você. Isso é apenas um arrastamento todo o caminho, então você não vai querer pegar uma caneta ou lápis e, você sabe, começar na próxima ilustração, você vai evitá-lo a todo custo. Talvez nem mesmo em um nível consciente, mas pelo menos em um nível subconsciente. Synet pode me ver renderizando nas telhas. Ele eu estou apenas meio que embrulhando essa parte da ilustração de fundo para cima, e você pode ver que até agora eu fui sobre renderizar e detalhar uma variedade de materiais diferentes que estamos lidando aqui. E eu quero que vocês notem, mesmo quando entramos nos tijolos e começamos a renderizá-los em um minuto, eu quero que vocês vejam como esses materiais podem ser diferentes e a maneira como eu os separo . Eu criei contraste e distinção entre cada uma das texturas e os materiais com que estamos lidando para que você possa ver as telhas. Sabe, eles parecem velhos e velhos. Eles deveriam estar, você sabe, que ela está sentada em um prédio de tijolos em ruínas de algum tipo, então eu quero ter certeza de que quero pensar sobre como é um resultado. Vou retratar estas telhas do telhado. Dado o contexto em que eles estão sendo apresentados, estes não são telhas novas, eles não são brilhantes e, você sabe, apenas sendo construído. Eles estão por aí há algum tempo. Eles podem ter sofrido, você sabe, torcer por um solitário. E então eu estou pensando neles como sendo tirados desse tipo de material. E isso direciona a maneira como eu apresentei dentro do Ingle Aina. O tipo de detalhes vai incluir dentro disso a maneira em que eu vou retratar essa decadência e a textura com madeira é auto como ele é comido por quem sabe o que poderia ser . Os cupins poderiam ser novamente, apenas resistido a partir das condições ambientais que tem passado ao longo dos anos . E assim essas considerações não só me permitem descrever e colocar na renderização, e embora os detalhes de textura sutis que vão me ajudar a apresentá-lo como tal, Mas também me ajuda a fazer a apresentação geral que muito mais convincente porque agora amor de repente é um lugar dentro de algum contexto, e é consistente com ele mesmo também. Não são apenas as telhas que foram apresentadas desta forma, mas também são as tubulações circundantes que estão a correr para o lado do edifício. Lá, você pode ver que este não é um metal cromático limpo e novo. Esta tem sido uma textura enferrujada e devorada em torno daquele metal que realmente deu a ele que envelheceu. Olha, está aí há algum tempo. Não parece novo, e não parece bonito, e é exatamente assim que eu queria me deparar. E assim, você sabe, a tubulação parece velha. E, claro, a cobertura tem um olhar velho, e assim como os tijolos também. E mais tarde, como nós colocamos, porém, é dentro, você vai ver como esses tijolos de cair fora. Você sabe, eles desmoronaram sob seu próprio peso enquanto envelheceram, e o prédio começou a desmoronar. E você sabe que, é claro, por si só produz uma certa vibe que rodeia o personagem. E isso mostra o ambiente em que ela pode habitar, você sabe, este velho tipo de ruínas de Ah, você sabe, urbano, urbano, eu acho que você poderia dizer ambiente. Eu acho que quando você conduz isso quando você pode tipo de pensar sobre essas coisas e implementá-las na apresentação final, todo o personagem e seu ambiente circundante. Pode realmente enriquecer suas histórias, enriquecer seus antecedentes. Então eu vou entrar e você pode ver colocando alguns cartazes aqui no prédio. Eu só estou basicamente Rothley desenhando e onde os freios vão estar situados e como eles vão ser compostos através dessas estruturas. Só que eu tenho um pouco mais de informação com que eu trabalho enquanto entramos nas tintas para esses elementos em particular e construindo-os novamente. Isso leva um pouco de tempo, e você tem que encontrar uma maneira de realmente envolver o seu interesse cheio esses períodos prolongados de tempo porque é apenas um jogo de espera e uma capacidade de sentar-se e ter paciência suficiente pacientes para ser capaz de obtê-lo velho feito e fazer a mesma coisa uma e outra vez. Essa repetição, porque quando se trata de pensar, não é tão difícil por si só obter o mínimo sobre exatamente o que ela implica. Você sabe, nós conversamos sobre como fazer essas linhas olhar do jeito que elas parecem, então é um tamanho, seu pincel e a quantidade de pressão aplicada que controla a aparência dessa linha e realmente, Desde que você possa fazer isso, isso é praticamente tudo o que há para ele. Porque, é claro, você tem outras considerações além da execução técnica, como a iluminação, você precisa ter certeza de que você está ciente das condições de iluminação dentro da cena para ter certeza de que ele está aceso de uma forma consistente. Porque caso contrário, o que você vai acabar recebendo é, você sabe, essa falta de credibilidade, esse suspense ah sentido de descrença sendo quebrado por causa dessas imprecisões ao longo da ilustração. Novamente, se você sabe que iluminou tudo de uma maneira, e então há elementos dentro das ilustrações que a elite de uma maneira completamente diferente do que isso vai destruir o suspense da descrença. Então você quer ter certeza de que essas coisas estão sendo constantemente consideradas como você está trabalhando, você sabe, além disso, além das texturas e dos materiais com que você está lidando, um monte de é apenas constantemente repetindo todas essas coisas até que toda a ilustração tenha preenchido isso. Então você começa um monte de prática em uma ilustração super detalhada em profundidade como esta. É algo que você sabe que realmente vai fazer com que você teste seus limites e a quantidade de tempo que você pode ficar quieto e que você pode manter sua mão apenas em movimento. Biz sendo focado na tarefa, que é, você sabe, realmente uma forma de arte morrendo por si só. Quero dizer, quem conduz isso nos dias de hoje em que estamos constantemente, sabe, sabe, na dopamina está constantemente a ser intensificado à medida que estamos a tomar novas informações, novas formas de entretenimento. É muito, muito difícil porque treinamos nossa mente para saltar, por uma coisa para a outra em uma sucessão muito rápida. E agora é difícil para a maioria de nós. Eu incluído para apenas sentar e e e realmente passar horas no final focar em que uma tarefa novamente . Não é necessariamente uma boa ideia ficar quieto e nunca se mexer. Nunca leve sua atenção horrível para o que está fazendo pelas mesmas razões que falei com você antes, sabe, você quer ter certeza de que está prendendo seu pulso. De vez em quando, tento me levantar, andar por aí, fazer café e fazer desse jeito, mas achando que até a ilustração terminar, só vai exigir que você se sente lá e comprometer-se com ele. Não há muito mais do que isso é apenas ser capaz de praticar a arte fora. Concentre-se e construindo seu foco. Músculo para cima. Sabe, a maior parte do tempo é tão cansativo quanto a sua criatividade. E a saída disso vai ser é cansativa. Como você construiu a ilustração fisicamente e a longa fila focada, mais difícil é manter sua atenção nessa coisa. Então você sabe, é algo que você tem que construir junto com tudo o resto que você está praticando . É engraçado porque quando falamos de ilustração de quadrinhos, fazemos muitas vezes esse foco em, você sabe, as técnicas e os métodos e as considerações técnicas que devemos fazer. Mas nós realmente não explicamos todas as outras coisas que entram nisso fora disso. Acima disso, eu mesmo argumentaria que este é oi uma coisa lágrima que realmente vem para comprá-lo uma vez que você passou a aprendizagem fora dessas técnicas, uma vez que você passou os obstáculos iniciais que você apresentou com como um livro de quadrinhos ilustrador chegando no jogo. E quando você chegar a esses níveis mais altos, então o que você tem que lidar é com sua capacidade de focar sua energia que você tem para realmente cumprir essas ilustrações mais tarde na linha abaixo. Porque se você não é capaz de sentar lá e realmente fazê-los, mesmo com as habilidades e habilidades para fazê-lo, não vai realmente fazer muito bem para você. Tente praticar isso sentando-se e tente apenas trabalhar em algo. Você sabe que eu não sei sobre você. Mas se o vídeo durar mais de cinco minutos, você sabe que eu perco a atenção. E você pode até ter começado a perder a atenção neste vídeo. Ah, como um exemplo. Mas aqui está a coisa. Se você pode sentar e praticar o fora de assistir a um vídeo, mesmo do início ao fim, isso é apenas exercitar seu músculo de foco. E então, se você pode pegar isso e sentar e tirar uma foto da gaveta por 10 minutos, isso é ótimo. Você não sabe, se 10 minutos construírem seu caminho para cima, sabe, tentar um trabalho até meia hora, então tentar malhar por uma hora. Tentando realmente treinar-se para se concentrar, porque isso se tornará uma mercadoria quente mais tarde, posso assegurar-lhe, quando todos na sociedade moderna são essencialmente condicionados a não ser capaz de prestar atenção a qualquer outra coisa por mais tempo do que literalmente 10 minutos. E eu vi isso, estou lhe dizendo, você pode ter visto também. É cada vez mais difícil para as pessoas prestar atenção mesmo quando você está falando com elas. Sabe, esse sou eu entrando em minhas esse sou eu entrando em minhasfilosofias e o estado de coisas fora do mundo e como eu acho que é. Mas tenho certeza de que mesmo a partir de minhas próprias observações como artista, ele costumava ter uma enorme habilidade de ser capaz de se sentar por um longo período de tempo em seu trabalho. Em uma coisa, até eu comecei a perder minha habilidade de fazer isso. E é uma droga, sabe. Claro que tive que fazer pausas. Como eu disse, Ah, à medida que eu envelheço, eu simplesmente não sou capaz. Teoh, você sabe, me esforçar tanto quanto eu já fiz fisicamente, mentalmente. Mas eu acho que você sabe, ainda há espaço lá para você se esforçar e praticar a arte do foco para que você possa levar essas ilustrações até a conclusão. maior parte do tempo, você pode ter descoberto que eu sei que este é certamente o caso de maio que você começou ilustrações e então você simplesmente nunca chegou a rodada para terminá-los porque você se cansou deles ou, você sabe, você parou e você os colocou no chão e você simplesmente não poderia voltar para o headspace que você está quando você começou eles inicialmente. E é por isso que eu realmente tento fazer minhas ilustrações o mais rápido possível. Desde o momento em que os começo, tento ter certeza de que não gastarei mais do que alguns dias nessa ideia. Assim que comecei, tento fazê-lo o mais rápido possível porque perco o interesse. Eu perco aquele Fergus novamente se um Se eu não tiver aquele romance hit que eu recebo de algo novo quando se trata de criar e expor minhas idéias através das ilustrações que eu produzo, então eu apenas você sabe, eu acabar querendo colocá-lo para baixo e, em seguida, é quase como tortura, tentando voltar para ele também, se eu superar isso. Então você sabe, esse é meu conselho nos dias modernos, onde a atenção é bastante limitada para tentar fazer as coisas o mais rápido possível . E é por isso que é ótimo poder otimizar seu processo dessa maneira, porque isso permite que você consiga exatamente isso. Ele permite que você faça essas coisas. Então você pode ver aqui que eu estou enfrentando a alvenaria em todo este edifício, e esta foi provavelmente a parte mais longa de toda a tinta tinta toda este segmento específico dentro do fundo. E foi porque, claro, de todos os detalhes que você está vendo lá agora, o que você vai notar é que um equilíbrio na linha espera aqui de uma forma que sugere a queda de luz na frente deste e eu estou pensando nele como um avião como quase um conjunto de luz Grady que está sendo dispersa através do plano frontal deste edifício no lado esquerdo do edifício, podemos ver que ele fica sutilmente mais escuro. Há mais detalhes no lado esquerdo do edifício o tom geral é levado para baixo para um nível mais baixo, enquanto no lado direito, onde podemos ver o edifício tipo de desmoronamento enquanto no lado direito, , sua e essencialmente desmoronando sobre si mesmo em uma pilha de escombros, podemos ver os pesos de linha ficar gradualmente mais finos muito, muito repentinamente. Claro, você sabe que não há uma grande diferença lá, mas eles de repente ficam mais finos. E além disso, também vemos menos detalhes. E haverá menos detalhes naqueles tijolos perto do fim. E o que isso também nos permite fazer é empurrar a profundidade percebida dentro da ilustração porque tempos mais escuros acabam olhando mais perto de nós do que curvas mais claras. E parte da razão para isso é porque, na maioria das vezes, quando olhamos para um objeto distante no fundo, essas coisas parecem mais leves. Esses elementos parecem ter, este valor mais leve para eles devido a coisas como nevoeiro ambiental. E isso é o que também cria essa ideia de distância entre um elemento e outro. E isso é tipo do que está acontecendo aqui, ou pelo menos o que eu estou tentando sugerir nessas tintas é que o final do edifício que está mais longe de nós que está se afastando em perspectiva é um pouco mais leve devido não apenas ao ponto direto no qual a luz está batendo em sua superfície, mas também um pouco do nevoeiro ambiental que irá ocorrer também. No início de um nível sutil, não há muito disso. Haverá mais óbvio naqueles prédios de fundo quando formos 12 nelas na próxima escuta, mas por enquanto, isso é o que está acontecendo. Então, algumas coisas foram uma jogada aqui enquanto equilibramos os detalhes e adicionamos naquelas esperas onde criar profundidade e estamos tentando fazer isso se deparar. Mas ao mesmo tempo, também estamos sugerindo que a luz também estava sugerindo onde a luz está atingindo a superfície antiga , este objeto em particular através das áreas que incorporamos, mais detalhes e as partes dele que deixamos esses detalhes de fora pelo menos um pouco mais e queremos tentar equilibrar isso o máximo possível. Nós realmente queremos deixar essas sugestões claras através da abordagem estratégica que estamos tomando para a implementação fora dos detalhes tornando acabar com esses pesos de linha novamente. A maior parte do tempo, este material é fácil por si só para colocar na ilustração. No entanto, a maneira em que fazemos isso e como e onde esses ar, as partes difíceis dele. Na verdade, a casa é muito fácil, mas é onde as colocamos que temos que começar a pensar e definir exatamente qual o efeito e o impacto que ela vai ter. E então eu tento ser muito reservado nos lugares em que eu interpreto detalhes. Agora eu sei que pode não parecer que maneira como eu adicionar na renderização para esses tijolos e articular seu texto Oring e você pode ver que há um monte de textura e acontecendo nesses tijolos. Você sabe, eles parecem muito velhos e em ruínas, e isso certamente não é novo visual, que é exatamente como eu queria que eles se deparassem. Eu queria que eles tivessem aquele efeito envelhecido e resistido deles. Este é um prédio antigo. Está desmoronando em si mesmo. Então, a fim de que isso faça sentido para que, na realidade, muito estragada, apresentação ungroomed com si mesmo e volta e crescendo. Quero dizer, tudo se encaixa com a próxima coisa de uma forma que faça sentido para que isso aconteça, eu tenho que ter certeza de que os materiais que estou renderizando são apropriados ao elemento que estou renderizando. E neste caso particular, esse elemento é o edifício em que o Gato Carmesim está sentado, e esse edifício cada elemento, um ativo que o compõe. Embora todas as texturas de madeira, todas as tubulações que estão ficando fora do lado toda a alvenaria precisa ser processada da mesma maneira, mesmo que os materiais que estamos lidando com um substancialmente diferente com a tubulação . Claro que você tem isso, você sabe o aço, e então você tem o telhado de madeira junto com as telhas de madeira, que novamente são completamente diferentes materiais. No entanto, ao mesmo tempo, mesmo que estejamos tentando fazer uma distinção entre esses materiais, o que eles quase têm em comum é a variação envelhecida de cada um. Certo, precisamos de uma variação envelhecida, toda a madeira que estamos tentando renderizar. Precisamos de uma variação de idade da alvenaria. Precisamos de uma variação envelhecida da tubulação de aço. Ele não pode olhar perto. Caso contrário, não fazia sentido. E o momento em que algo não faz sentido dentro da sua ilustração visualmente é o momento em que o público é apenas retirado dela. De repente, eles percebem, ah, espera um segundo. Estou olhando para uma ilustração plana aqui em uma página e sua imersão. Está quebrado. Então tente fazer com que tudo o que puder cresça o mais consistente possível, a fim de garantir que essa imersão para o público seja mantida por um tanto tempo quanto possível. Esta é apenas uma única ilustração também. E, claro, em uma única ilustração, você quer tentar contar toda a história em um único quadro. Mas quando você está falando de quadrinhos, sequencial isso se torna ainda mais impactante porque de repente você está dando ao leitor essa narrativa. Você está apresentando isso a eles em um meio visual, e esta história está interpretando os personagens. Mas também você quer ter certeza de que você está tomando o tempo toe realmente dar a esses personagens um senso de lugar para criar um mundo para eles através dos fundos que você está deixando trás e quando você pode fazer isso novamente especialmente em quadrinhos. Sequencial. É quando isso realmente vai valer a pena de uma maneira enorme, porque você vai descobrir que o tempo que você gasta articulando esses antecedentes realmente melhora a história. Isso vai exatamente de volta ao que estávamos dizendo antes de tudo que o fundo está oferecendo aqui para o Gato Carmesim. O contexto em que a está colocando seria o mesmo para se ela estivesse em uma história em quadrinhos de verdade , e nós estivéssemos ilustrando ela de um pênalti no próximo. Não se trata apenas de aterrar o personagem para dobrar. Conceder o público é, bem, realmente atraí-los para o mundo, certificando-se de que a ligação entre onde eles estão na história que você está tentando dedo-os é como eu sou vestido e reforço como possível, ou que você possa reforçá-la, quanto maior for a experiência para eles, mais tempo vai ficar com eles e eles ficarão absortos em suas histórias. Eles vão pegá-lo novamente na próxima vez que ele vai ficar dentro de sua mente. Eu vou pensar sobre isso como eles estão tentando ir para esta cama à noite, e é quando você realmente vai descobrir que você tem um vencedor sobre a narrativa, e isso não virá necessaria 8. Pintando o fundo: nesta demonstração, vamos continuar com as tintas para o Gato Carmesim, e estamos de volta ao fundo, preenchendo o resto dos detalhes que isso implica. E como podem ver, ainda temos um pouco a fazer. Mas fizemos alguns progressos decentes até agora. No vídeo anterior, nós trabalhamos nos elementos de primeiro plano lá que a própria Gata Crimson está sentada, e eu acho que isso apenas cria uma plataforma muito agradável para apresentá-la. E realmente chega ao ponto em que o fundo serve o propósito primordialmente para complementar o caráter, o principal assunto da paz, seja lá o que for, poderia ser um personagem. Pode ser outra coisa importante. Mas o fundo. Embora não seja realmente o centro das atenções a maior parte do tempo, porque você sabe que é apenas empurrado para trás. Não é notado, pelo menos não no início. Ele, no entanto, realmente ajudou, também, empurrar o impacto fora do assunto principal dentro da peça. Complementa. Ele cria um quadro decorativo agradável para apresentar o personagem novamente, qualquer outro assunto de importância dentro e assim fundos realmente são subestimados por essa razão porque eles não são notados muito. Mas eles trazem alguma justiça para o assunto principal da paz, e eu acho que é por isso que vale a pena ir mais longe colocando o tempo e os detalhes. Eu tenho que dizer que a coisa que realmente levou a menor quantidade de tempo para pintar nesta peça em particular é o Gato Carmesim, e o fundo foi realmente o grande idiota tempo em que eu gastei a maior quantidade de energia no final. Então você sabe, e é meio chato também, porque, porque, como você pode ver, tudo o que realmente estamos fazendo aqui é detalhar as coisas emocionantes que você pode pensar sobre desenhar como os detalhes dentro A alvenaria. Como se divertir é isso? Ou a telha no telhado? Ou o grão de madeira nos elementos de madeira em todos os edifícios aqui que se degradaram e desmoronaram? Você sabe, estes em si mesmos não são super excitante trabalho no dedo do pé, e então você também tem não só o fato de que vai levar uma quantidade significativamente maior de tempo para você terminar as tintas para o fundo, mas também em cima disso, o assunto não é realmente tão envolvente. Não vai, ah para realmente mergulhar você da mesma forma que um personagem que você personagens ou interessante. Eles têm personalidade, e nós nos relacionamos com eles como outras pessoas a partir dos personagens e quando se trata de, você sabe, em vez disso, elementos de aparência estática como O que você vai encontrar reside dentro de uma maioria de qualquer fundo é, ah é apenas novamente. É como ver tinta secar essencialmente exceto sua pintura e você só tem que continuar, colocando cada detalhe minúsculo até que todo o fundo esteja completo. Então, continuamos aqui. Temos os elementos de primeiro plano feitos. Estamos nos movendo para os elementos de fundo do meio, e então vamos retroceder todo o caminho de volta para os elementos de fundo distantes e pintar o resto disso. No final, tanto tempo quanto você gasta em seu trabalho artístico, é sempre gratificante ser capaz de chamá-lo feito, e quando você sabe que você colocou o seu tudo nele e você realmente empurrou um limite que você tem fez o melhor que você poderia ter feito. Faz tudo valer a pena. Enquanto você sabe, na época você pode não estar tão animado com isso. Você pode não estar tão entusiasmado por trabalhar nessa coisa que levou uma eternidade para fazer porque você perde essa motivação. Você perde essa excitação. Mas quando está feito, não há mais nada parecido. É muito, muito gratificante. Tudo bem, vamos pular para as coisas técnicas, ele e falar sobre como eu estou executando essas tintas neste ponto de vista, que os vídeos anteriores, você provavelmente já sabe como eu estou indo sobre isso. Mas estamos em clipes, pintura de estúdio, também conhecido como mega estúdio, e eu nem sequer atualizei para a versão mais recente. Então eu ainda estou no mega estúdio, não pinta clipes tecnicamente, mas funciona exatamente da mesma maneira. E para pintar esta ilustração, estou usando a caneta G agora. A caneta G está pronta, assim como para mim. Pessoalmente, eu não sinto a necessidade de entrar e mexer com as configurações e ajustar qualquer coisa. É tudo por padrão definido e pronto para ir. Eu acho que é por isso que eu amo mega estúdio, ok, clipes, pintura de estúdio. Então Don muito é porque ele vem embalado com todos os pincéis que você precisa. Não há razão para mexer e ter que ajustar tudo, e é assim que eu gosto. Seja qual for a ferramenta que estou usando para minha arte de quadrinhos, quanto menos eu tiver que mexer com ela, modificá-la e ajustá-la, melhor. Eu só quero ir direto para o desenho pop, e enquanto eu for capaz de chegar a esse ponto o mais rápido possível, então eu vou continuar usando essa ferramenta. E, você sabe, eu acho o pior, cujos são os que você tem que ajustar cada vez que você quer ir para usá-los. Eu acho que isso é uma espécie de uma antiga procrastinação fora do pé. Você sabe, você meio que está segurando lá fora, você está enrolando seu banco. Você está segurando em saltar para a ilustração e você está encontrando essas razões, e geralmente se você tem um aplicativo lá que você não está muito familiarizado com ainda ou tem o potencial de ter um monte de modificações feitas a ele. Então você vai adiar em realmente fazer a coisa que importa, que é executar a ilustração e completá-la e mexer com essas configurações, brincar com elas e realmente sentir que você está sendo produtivo sem realmente ter qualquer coisa para mostrar por ele. Então, sim, quero dizer, para mim, no final do dia, se eu conseguir encontrar uma ferramenta que não requer ajustes que vem pronta para sair do pacote, eu sou a favor disso. E a caneta G realmente faz isso para mim. Então eu estou apenas usando isso e a maneira em que eu estou estabelecendo as linhas, ele pode ver que eu normalmente tento chegar a uma loja muito fina, muito elegante olhando linhas que não têm um monte de espessura para eles. A menos que eu queira isso, geralmente eles vão ser bem finos, e a maneira como eu obtenho as fontes, então, é simplesmente ajustando a quantidade de pressão que estou aplicando em conjunto com isso tamanho do pincel que estou usando. Então, se eu quiser enviar uma linha, eu simplesmente aplicarei menos pressão e usarei um tamanho de pincel menor se eu quiser uma linha escura bonita, grossa e preta. Então aumentarei o tamanho do pincel e nada de Preston Hatta. Na verdade, é bem simples. É como usar uma caneta tradicional ou um lápis tradicional. O como você pressiona o escuro da linha e o mais grosso? Vai ser o mais denso que aparecerá na página. No entanto, em completo contraste com isso, o lote de vocês pressionar e quanto menor que escovar, mais fino e mais fraco a linha acabará sendo. E eu gosto muito de trabalho detalhado e complexo . Então eu tento monitorar constantemente exatamente como a programação está chegando. Você sabe o que a saída aparece como na página? Às vezes percebo a frase que desci imediatamente e ficarei totalmente feliz com isso, e vou mantê-la. No entanto, maioria das vezes, esse não é o caso. Na maior parte do tempo, eu colocava em uma fila. Um olhar para ele. Provavelmente não vou ficar feliz com isso. Então eu vou apertar o velho botão de desfazer e eu vou dar outra chance. Essa é a beleza de trabalhar digitalmente também. Você pode se você cometer um erro facilmente dentro de um único clique de botão. Mais uma vez, tente fazer um pouco melhor. é por isso que eu acho que trabalhar digitalmente realmente permite que você corte todas as desculpas e faça o seu melhor trabalho. Você não precisa necessariamente tentar fazer esses erros funcionarem para você. A longo prazo, você pode rehash-los completamente, livrar-se deles, fazer outra tentativa que espero ser um pouco mais bem sucedida. E é assim que gosto de pensar sobre isso. Por que eu trabalho digital agora e não olhei para trás tão longe como as formas tradicionais de trabalho que eu costumava empreender. E eu costumava ser um artista tradicional. Eu costumava usar o velho lápis, papel e caderno de esboços, e eu tinha minha linha fina, canetas, e eu faço minha arte dessa maneira, exceto que eu não achei tão flexível. Não, quando você está trabalhando, tradicionalmente, você está um pouco confinado às ferramentas que você tem nessas ferramentas, tem limitações que às vezes não permitem que você trabalhe em outro, mais maneira. E isso é o que eu mais amo no digital. É tão otimizado. É tão rápido, você pode fazer as coisas com uma quantidade mínima de bagunça e e se você cometer erros , eles facilitam um fixo. Não há uma bagunça com a qual você tenha que lidar. Ao contrário de se você está trabalhando tradicionalmente e você bagunça os ianques, então você sabe que você tem que tirar o largo e então você tem que ir por cima das tintas e então você vai você sabe, espero voltar para que o branco fora então, e fazer uma linha melhor quando você poderia. Se você traduzir isso para digital, aperte o botão de desfazer e exploda. Então é uma ficha limpa. Você está pronto para ir de novo. Então você sabe, são as preferências pessoais de todos para como eles funcionam. Lembro-me de quando comecei a trabalhar digitalmente, era muito desconfortável. Eu não gostei. Eu estava acostumado a trabalhar com papel e caneta. E assim para realmente se acostumar a ser capaz de trabalhar digitalmente levou algum tempo e alguma familiaridade. Eu tive que me apresentar ao digital, conhecer como funcionava e me tornar confortável trabalhando dentro desse meio para aumentar minha confiança , a fim de melhorar e lentamente, mas certamente criar um processo para mim que funcionasse realmente, muito bem. Isso me permitiu alcançar o que eu estava tentando alcançar. E, senhor, eu acho que a maior parte do tempo parte do que significa ser bom em arte de quadrinhos é apenas conhecer suas ferramentas, conhecer o que você tem à sua disposição e você mesmo como um artista, como você gosta de abordar as coisas e até mesmo o seu processo geral, como você aborda isso para mim. Se você assistiu qualquer um dos meus vídeos, você vai notar que eu tenho um processo bastante sólido para baixo que têm mais completo cada vez. Independentemente da ilustração em que estou trabalhando. Eu poderia ter duas ilustrações completamente diferentes e elas serão abordadas exatamente da mesma maneira, e isso me permite formar algum nível de previsibilidade dentro da maneira que eu trabalho. Ele me permite pensar sobre a idéia que eu quero manifestar na página e, em seguida, me dá um plano de jogo que eu posso colocar diretamente em ação, a fim de começar a perceber essa idéia, a fim de começar a trazê-la. E eu sei que, enquanto eles totalmente esse processo, eles chegarão a um ponto em que eu posso chamar essa ilustração feita. E tem uma boa chance de realmente trabalhar fora de uma maneira que eu estou tencionando para que ele acabe . Então não há um monte de adivinhação e de mim, eu acho que como um artista que realmente quer fazer o meu melhor para produzir o melhor treino que eu puder e para produzir muito dele, eu preciso ter essa certeza de que vai funcionar, que se eu vou despejar nele este enorme investimento de tempo e energia em produzir eu uma idéia que ele vai funcionar, que este processo que eu estou seguindo vai levar a coisas boas, que ele vai levar ao resultado que eu Estou procurando. E assim o processo de todos vai ser diferente. Desenvolvi minha própria maneira de trabalhar e, sem dúvida, você desenvolverá sua urna. Como você vai fazer isso? Bem, você trabalhará inicialmente com outros artistas, assim como o vídeo que você está assistindo agora. Você está indo para o pé, aprenda algumas coisas com que você vai tirar alguma coisa dele. Espero que, mesmo que seja apenas menor, pode não ser o processo completo que pode não ressoar com você. Talvez não pareça certo para você, e isso é o que importa. Você tem que encontrar o que parece certo para você primeiro e acima de tudo. E uma vez que você é capaz de fazer isso, é quando você vai começar a ter não apenas um processo que você pode tentar para o resultado final de sua idéia, mas também em cima dele. Você vai otimizá-lo. Você vai modificá-lo, e você vai fazê-lo para ficar mais rápido, para chegar a esse ponto final mais rápido em um período mínimo de tempo com uma quantidade mínima de energia a fim de aumentar a precisão de sua execução para que você possa tomar até mesmo mawr adivinhar e não deixá-lo fora disso e não deixá-lo ao acaso o tempo todo, o que eu acho, você sabe. Se você deixar as coisas ao acaso e não der certo, pode ser muito, muito desencorajador. E isso não faz você querer continuar perseguindo o fora da ilustração de quadrinhos, porque quando você perde em um investimento de tempo e energia como esse é a última coisa que você quer fazer é voltar e tentar novamente. Ninguém quer fazer isso porque é apenas uma derrota. E uma vez que você derrotou, é preciso uma quantidade incrível de motivação para voltar ao cavalo e continuar indo para continuar indo para frente e para superar suas derrotas e seguir em frente para se tornar um artista melhor para ele. Isso pode ser muito difícil de fazer. Mas é parte da batalha e, infelizmente, muito familiar para a maioria dos artistas lá fora que passaram émuito familiar para a maioria dos artistas lá fora que passarampor essas provações e tribulações e crescendo a partir dela evoluiu além de onde eles estavam em apenas por essas provações e tribulações e crescendo a partir dela evoluiu além de onde eles devido aos erros que eles cometeram ao longo do caminho. Então isso é algo a ter em mente, especialmente se você está apenas começando e você ainda não desenvolveu uma abordagem ainda , tentou algumas coisas diferentes. Experimente, Veja o que funciona para você. Veja o que é certo para você. Podem ser as coisas que você não tentou que você pensou que não funcionaria para você que mais te surpreendeu porque eles acabam clicando de uma forma que nada mais já fez antes e quando ele confinou um processo que realmente funciona, Eu sinto que é você, como se ele se sente bem para você, então Ott e criá-lo torna-se muito mais de uma experiência divertida . Você deriva prazer do ato da criação em si, e quando você pode alcançar esse espaço, é quando você se torna um artista incrivelmente poderoso, onde você simplesmente não pode parar. Você sabe o momento em que você se senta na mesa de desenho e você começa a trabalhar no momento que a caneta bate no tablet ou se você trabalha tradicionalmente, no momento em que o lápis de painel atinge o papel, as horas simplesmente escapam. O tempo não é mais algo que você está monitorando em um nível consciente. Você está completamente e 100% submerso no ato da criação, e é aí que você é mais produtivo. E é também quando você vai fazer o seu melhor trabalho. E deixe-me dizer-lhe, é um ótimo lugar para estar, e é um que eu me esforço para alcançar todos os dias quando eu me sento para fazer e trabalhar em uma ilustração como a que você pode ver se juntando bem aqui na sua frente. Como eu disse, antes quando eu estou pensando em um fundo como este que tem elementos bastante chatos olhando dentro dele. Sabe, eu só estou dando detalhes desses tijolos, um fora do outro um tijolo de cada vez. E vem alguns pontos em que é tudo o que estou pensando. Só estou pensando em fazer o próximo tijolo. Eu não estou olhando muito para a frente para os 1.000.000.000 outros tijolos que eu tenho que fazer. Eu sou apenas a favor de ter o próximo intervalo feito, e então eu vou fazer aquele e eu não passo para o próximo e o próximo depois disso . E às vezes eu vou olhar para trás para o progresso que eu fiz e espero que eu não vou ser desencorajado com isso. Espero que eu tenha realmente feito um pouco de progresso, mas eu não gosto de me debruçar sobre quanto mais trabalho eu tenho que fazer antes que eu possa chamar uma ilustração feita, porque isso pode parecer muito inútil em um monte de tempo, a fim de colocar sua cabeça no espaço certo que ele precisa ser e você realmente quer tentar ter certeza de que você está controlando o melhor que você pode, a direção fora de seus pensamentos, a fim de manter uma boa quantidade de impulso e motivação para que você pode se esforçar para obtê-lo feito. Porque se você ficar preso na enorme quantidade de trabalho que ainda há para ser feito antes que você possa chamar a ilustração completa e passar para a próxima coisa, isso vai fazer você querer desistir bem ali. E então o que, é claro, leva a conhecer a produtividade atrás. Realmente não equivale a nada se você simplesmente desistir então você quer tentar o dedo através Mawr? Será que mais carvão sob o fogo mantê-lo queimado o melhor que puder, mesmo que seja preciso? Você sabe, mentir para si mesmo. Diga a si mesmo que você está indo muito, muito bem e que , hey , você sabe, talvez haja um pouco mais para ir, mas você tem feito muito até agora. Seja o que for que você precisa dizer a si mesmo, faça e espero que você continue empurrando Ford. Mantenha essa faísca Nice Inlet e traga suas ilustrações até a conclusão, porque muitas vezes o que acaba acontecendo é e artista vai fazer metade das coisas, e eu sei que isso aconteceu comigo. Um olhar para trás no dia é que eu começaria na ilustração e estaria indo muito, muito bem. E então eu ficava entediado com isso ou simplesmente não estava funcionando da maneira que eu esperava funcionasse, e eu acabaria sem terminá-lo. E mais cedo ou mais tarde, tenho o hábito de não terminar as coisas. E antes que eu perceba, há toda essa pilha de desenhos meio acabados que nunca viram a luz do dia. Eles nunca tiveram a chance de se tornar o epítome do que poderiam ter sido. E então eu acho que sempre vale a pena. Enquanto uma habilidade para desenvolver ao lado de sua capacidade de gavetar uma tinta na cor é realmente tentar Herne a mentalidade de um poderoso, artistas imparáveis que termina tudo o que eles começam. Então agora estamos nos movendo sob os elementos de fundo distantes, e você pode ver aqui que eles se aproximam disso. Estou tirando o ismo, delineando a forma geral daquele prédio no cenário lá, apenas derrubando as formas principais, e a razão pela qual estou fazendo isso é porque as formas principais os contornos externos são bastante vago, como é, você pode ver que usaram algumas linhas muito soltas e esboçadas lá para fazê-los traçar apenas para levá-los lá para ver em geral o que a composição pode implicar. E depois disso, eu vou por cima com minha caneta, e eu estou delineando as linhas finais que eles que irão descrevê-las que irão definir esses elementos de fundo. E eu acho que se eu puder apenas delinear as principais formas primeiro, e eu posso trabalhar meu caminho, eu poderia começar a preencher esses detalhes interiores, e eu meio que tenho uma boa idéia sobre o espaço que eu vou ser confinado dentro como eu preencher esses detalhes à medida que eu os renderizar. E acho que, de certa forma, tento concentrar-me apenas numa área de cada vez. Então delinear uma área e, em seguida, dentro dessa área irá preencher os detalhes em vez pular por todo o lugar. Eu gosto de quebrar uma ilustração dessa forma para mantê-lo gerenciável, para ter certeza de que eu não estou me sobrecarregando novamente. Mantendo-se dizendo nestes vory uma longa ilustrações desenhadas é algo que vai beneficiá-lo de uma forma enorme. E você pode ver especialmente como isso seria verdade se você estiver trabalhando em uma história em quadrinhos completa, por exemplo, porque um projeto como esse que dura meses possivelmente quem sabe quanto tempo, dependendo de quanta paixão você tem para uma banda desenhada e levar um tempo muito, muito longo. Mas você quer tentar gerenciá-lo e dividi-lo em pequenos pedaços, e isso pode ir para um livro de quadrinhos completo. Você também pode ir para uma única ilustração como a que estou trabalhando aqui, e eu gosto de manter meu processo compartimentado dessa maneira. Isso me ajuda a manter o controle de tudo, você sabe, fazendo o esboço agora, e é nisso que eu estou focado não estão focados em mais nada. Eu não estou preocupado com os detalhes ainda ou com o anel de textura dos materiais. Só estou preocupado com o esboço principal, e minha mente não se afasta disso. Ele não se estende além desse passo específico dentro do processo, e assim eu posso jogar. Então minha atenção apenas naquele passo singular e eu posso fazer um bom trabalho de executá-lo porque minhas intenções não se dividem em toda a ilustração e tudo o que eu vou ter que incorporar nele. Eu sou capaz de realmente fazer um trabalho fantástico e ter certeza de que, por exemplo, este esboço está olhando realmente, realmente loja, que esses contornos e bem definido que o trabalho de linha é limpo, liso e então uma vez que isso é feito, eu posso passar para o próximo passo e eu acho que se eu misturar as coisas, se eu começar a avançar para um passo quando eu não terminar o anterior antes dele, eu acabo apenas me perdendo. Eu fico desorientado em minha própria maneira de trabalhar, e eu acabo sofrendo de uma grande maneira porque eu só trabalho. Então eu fico desencantado em certo sentido porque eu não tenho uma idéia sólida sobre a direção que eu estou indo com ele. Eu nem sei onde estou dentro do processo, então, para mim, parece um sentimento muito parecido com estar perdido, e eu não gosto de me perder. Eu gosto de manter tudo sob controle para que você possa ver. Estou a trabalhar no design deste relógio que quero neste edifício, e estou a tentar arranjar algo bom. Eu tenho algumas referências com as quais estou trabalhando para chegar a um olhar realista, convincente olhar relógio, um que vai parecer atraente quando vai fazer sentido. E eu estou tentando replicar isso na ilustração aqui, e eu estou esperando que isso funcione e que quando eu sempre disse e fiz isso pareça o que deveria ser. E eu acho que quando se trata de ilustração de quadrinhos, isso é tudo o que podemos esperar é que seja o que for que estamos tentando retratar dentro nossa arte, está se aproximando do espectador da maneira em que entendemos porque um muito disso é realmente se resume a interpretação subjetiva e idealmente porque sabemos que a nossa arte vai ser processada dessa forma. Queremos tentar ter certeza de que todos a interpretação subjetiva é justa, bem, a mesma que é a mesma enorme, um sentido objetivo de que todos estão vendo o que estamos mostrando da mesma maneira, porque se eles são todos interpretando de várias maneiras diferentes, então isso pode deixar muito ao acaso. E talvez a nossa ideia não esteja a chegar eficazmente. E isso pode, claro, fazer com que eles se percam na interpretação e tradução, nossa capacidade de traduzir nossa ideia e para eles, o público, ser capaz de processá-la de uma maneira que é vai ser coerente, o que vai ser eficaz, porque outra razão é que fazemos estas coisas? Bem, estamos tentando criar uma mensagem. Queremos enviar essa mensagem. Pode ser em um meio visual, sim, mas quero dizer, ao mesmo tempo que o meio visual é como vaso de comunicação, pelo menos neste contexto particular. Por isso, queremos ter a certeza de que a mensagem é clara, que está a chegar ao público da forma correcta e que eles a estão a receber. E se você pudesse fazer isso, melhor você estiver fazendo isso, mais eficaz você será. Como artista de quadrinhos, como ilustrador em geral, seja qual for o meio em que você esteja trabalhando, e isso se aplica aos filmes. Aplica-se aos quadrinhos que reproduz os videogames que se aplicam à ilustração em geral, seja lá o que for. Seja qual for o visual que você está tentando mostrar ao seu público, certifique-se de que ele é apresentado de uma forma que eles realmente entendam essas pessoas, pessoas, eles gostam, isso. Eles gostam de ser capazes de olhar para algo e obtê-lo quase que instantaneamente. Eles não querem trabalhar para isso. E se você os fizer trabalhar para isso e há uma boa chance de que eles vão se desconectar , porque para que eles trabalhem em primeiro lugar, eles têm que ser investidos. Vai haver algum ponto de gancho lá para atraí-los em primeiro lugar. Então você quer ter certeza de que você tem um bom ímã. Eu sou um ímã. Você poderia dizer que está chamando a atenção deles em primeiro lugar se você tem algo um pouco mais matizado que você está tentando transmitir dentro de suas ilustrações. Então eu vou entrar e estou colocando na alvenaria neste prédio de fundo de fogo e o que você vai notar, e eu realmente quero apontar isso para você porque isso é o que nos permite criar a ilusão de profundidade dentro de nosso fundo ilustrações. É que os freios que eu estou colocando aqui, um realmente só delineado não há nem perto do nível de detalhe e complexidade que temos visto ao longo do resto da ilustração. Incorporados a esses tijolos de fundo de fogo pela culatra que eles podem ver no meio do chão que temos um monte de anéis de textura e, você sabe, são, hum, efeitos de dano que nós aplicamos em para realmente obter esse material de quebra comunicado visualmente. No entanto, no fundo do fogo aqui, tivemos que burlar isso um pouco. Tivemos que tirar um monte desse detalhe porque, é claro, estamos olhando para ele de longe aqui e, na realidade, todos esses detalhes intrincados não seriam visíveis a olho nu. E se tentássemos enfiá-los naquelas quebras lá atrás, o que acabaria acontecendo é que seria tão copioso. Eu não sou um nous ocupado percebido ocupado nous visualmente que estava acontecendo que simplesmente não precisava estar lá, e tudo o que ele faria era criar um congestionamento visual, congestionamento visual que parecia relativamente desagradável e, Honestamente, tinha diminuído muito o tom. Quanto mais detalhes você adicionar em algo, mais ele vai diminuir seu nível de valor. Vai olhar do dedo do pé e aparecer como uma sombra mais escura, enquanto você deixa esse detalhe atten e vai apelar mais leve. Em seguida, o fundo cinco. Você vai notar que, em geral, muitos dos elementos que estão presentes dentro dele estão indo dedo do pé. Ilumine por causa da névoa ambiental e neblina que acaba diluindo um monte de cores e todos os detalhes e um monte de vezes que você vai ver. Então é isso que é responsável por dar isso, permitindo-nos criar essa ilusão fora da distância entre um objeto no fundo em comparação com outro. Então, os elementos de primeiro plano agora parecem com eles muito mais próximos do que esses elementos de fundo por causa da maneira em que nós equilibramos esses detalhes. E então isso é algo que, se ele puder usá-lo de forma eficaz, vai dar à sua obra de arte suas ilustrações muito mais profundidade. E eu mencionei que vai fazê-los parecer tridimensionais e atrair o público para eles ainda mais. Essas três dimensionalidades, quanto mais você pode incorporar isso em sua obra de arte, mais você verá que a imersão começa a aumentar em sua potência, e o público está absolutamente encapsulado que eles estão absortos dentro seu trabalho em um nível totalmente novo. E isso é tudo o que estamos tentando criar quando se trata de quadrinhos, especialmente porque você está tentando atraí-los para uma história de narrativa visual. E então você está tentando mantê-los dentro deste mundo que você fabricou. É fantasia completa, ficção completa. E então imagine ser tão eficaz nessas coisas que você é capaz de hipnoticamente colocar seu público em um transe que os mantém dentro e fazer com que alguns se sintam parte disso. Isso é um super poder mágico em si mesmo. E é realmente a arte da ilustração de quadrinhos que estamos fazendo e tentando o nosso melhor para alcançar cada vez que colocamos lápis no papel. Isso é realmente o objetivo principal aqui, e é isso que eu sempre estou me esforçando para fazer dentro do meu próprio trabalho, e espero que vocês vejam como isso acontece e que eu sou capaz de transmitir algumas dessas informações para vocês. Mas, a fim de realmente processar, absorver o que é, eu estou dizendo, você tem que experimentá-lo por si mesmo na próxima vez que você for para a renda. Uma ilustração, especialmente aquela que tem um fundo, faz o seu melhor para tentar incorporar um pouco de profundidade extra nele, usando as dicas das técnicas que compartilharam com você neste vídeo. Então agora o que eu estou fazendo é voltar sobre o personagem, e eu estou aumentando o peso, a espessura dos contornos externos de seu corpo, a fim de fazê-la se destacar de mais do fundo. Estou até acrescentando essas sombras adicionais para fazê-la saltar para a frente daquele trunfo traseiro . E isso também vai aumentar a quantidade de profundidade percebida dentro da ilustração. Os pesos de linha são excelentes para isso. Quanto mais você for capaz de aumentar a espessura, o peso fora da linha, mais ele vai enfatizar esse elemento em particular que você está delineando. E quando se trata do personagem, qualquer que seja o assunto principal dentro da sua ilustração, isso é claro, algo que você quer fazer o seu melhor para fazer. Tudo bem, então, mas adicionando algumas chaminés no topo sobre esta chaminé muito maior. Alguns canos aqui que ah, você sabe, algum fumo vai sair talvez, mas novamente, você pode ver que eu começo com esse esboço básico que vai abranger esta forma, todo o elemento que eu estou pintando. E então eu começo a adicionar os detalhes, adicionando essas texturas, e que você notou que mesmo os pequenos detalhes que adicionaram lá que eu agora estou renderizando têm pesos de linha aplicados a eles, a fim de indicar o direção de iluminação para fazê-los olhar recuado para este material de metal enferrujado que estas chaminés e feito fora . E você pode ver que a renderização em combinação com a linha esperou formas que têm coberto em thes dois elementos cilíndricos chaminé. O que me permite capturar essa nitidez estava no material. O que me permite transmitir isso em primeiro lugar? De uma distância aqui? Como eu ampliei bem ali, toda a ilustração lê muito, muito bem, e parte da razão para isso é um quebrado com todos esses diferentes contrastando manchas de preto e branco valor, e que o valor preto e branco é o que me permite criar este agradável, decifrando ervas Patton que ajuda a ilustração a se tornar muito mais legível. Você pode ver para o lado direito da tela no penhall do navegador, onde temos aquele olhar agradável, ampliado para fora da ilustração como um todo. Você pode ver como você ainda pode entender o que está acontecendo. Você pode ver onde o personagem está. Você pode ver com seus prédios de fundo residem, e isso é um bom sinal que você tenha equilibrado os valores dentro de sua ilustração com uma boa quantidade de contraste e que a ilustração, a composição geral é realmente, realmente funcionando. Bem dito, Agora eu vou entrar e estou trabalhando na lua. Isso vai fornecer a maioria da luz dentro desta ilustração, que você verá aplicada na fase de coloração. Mas, por enquanto, trata-se apenas de obter o dedo do pé da lua em geral, na forma como ele é retratado com o resto deste estilo. Eu poderia ter deixado isso bem simples. Poderia ter sido apenas em um círculo plano que foi tipo de iluminado em iluminado no estágio de coloração, mas eu realmente queria adicionar um pouco de textura a ele. E nem sempre vai ficar claro é como você deve converter e traduzir algo como uma lua ou qualquer outra coisa, para que o assunto, em um formato estilo de quadrinhos. E poderia ser retratado de tantas maneiras diferentes. E, em última análise, se resume a usar o artista e suas próprias preferências para isso, sua própria idéia do inferno, algo como uma lua ou novamente qualquer outra coisa deve ser transmitida dentro de um contexto de início de quadrinhos . Mas a maneira em que eu descobri isso por mim mesmo é que eu observo de outros artistas, e eu olhei para o trabalho de Gregor Polar de disse McFarlane, e eu me lembro que quando Gregor Polo e disse Nós trabalhamos no Spawn, Siri está juntos. Algumas das capas de quadrinhos onde desovou foi destaque teria esta lua no pano de fundo, e eu sempre amo a maneira em que eles retrataram a lua ea maneira em que eles incorporaram esta bela quantidade de detalhes e textura que ajudou a mostrar a superfície de crateras toda a lua. E isso é algo que eu estou tentando incorporar no meu próprio homem, porque eu realmente gosto desse olhar, em grande parte do tempo. Como eu disse antes, é apenas para baixo a preferência. Então, se você está preso e está se perguntando, como eu deveria ter certeza do que é que estou tentando mostrar. Basta perguntar a si mesmo, Como você gostaria de estar mostrando e, em seguida, seguir junto com aquela exportação que ver o que você pode vir acima com? Talvez não haja um artista lá fora com quem você possa trabalhar. Talvez você simplesmente não consiga encontrar um ótimo exemplo que ressoe com você pessoalmente que isso vai funcionar para a ilustração que você está criando. E nesse caso, isso simplesmente significa que você tem que experimentar. Você tem que sair em um membro e ver o que você pode fazer através de nada mais o processo de exploração. E você sabe que há acidentes felizes em que ele tenta algo sem qualquer expectativa. Você não tem certeza se vai dar certo, mas você faz mesmo assim. E então você agradavelmente surpreendido porque, como acontece, é a melhor coisa que você poderia ter feito, e funciona perfeitamente bem e o que quer que funcione. Normalmente você vai descobrir que você ficar com ele e você vai incorporá-lo em seu processo em sua abordagem cada vez que lá em depois. E isso é o que eu acho que ajuda você a desenvolver um estilo no final. Isso é o que permite que você se torne os artistas que você vai se tornar. Mas você tem que ser corajoso o suficiente para sair do alegado às vezes e dar o salto. E eu realmente confio nisso. Sabes, quando chegares ao chão, vais acabar com algo que vai funcionar bem para ti. Qualquer um, se não o fizeres, mesmo que não o deixes. A experiência mais malvada de aprender a colocar-se lá fora ou falhar o pior vem a pior, certo? Qual é a pior coisa que poderia acontecer? Você pode falhar, mas, ao mesmo tempo, mesmo isso é um presente porque é tanto que você pode aprender com o fracasso. Isso é o que te mantém em seus pés. Isso é o que brilha uma luz sobre as áreas que você pode melhorar a fim de levar o seu jogo de quadrinhos para o próximo nível e por isso só tem apenas continuar indo e você continua empurrando para a frente. Você vai conseguir isso. Você pode ver isso. Eu só tentei desfazer as crateras naquela lua, e não funcionou para mim, por alguma razão ou outra. Eu só não gostei da maneira como isso ia acabar. Eu finalmente decidi isso. Ei, quer saber? Vou apagá-lo, e vou tentar uma abordagem diferente. E agora eu estou indo ao redor do contorno novamente e eu estou tentando consertar isso e sentindo esta Lua é um pouco instável. Não é perfeitamente circular, e eu poderia ter facilitado as coisas para mim mesmo simplesmente usando a ferramenta de eclipse desde o início. Mas eu gosto do desafio, da maneira como eu abordo essas coisas constantemente porque eu sinto que qualquer atalho que eu tomar não vai realmente me ajudar a progredir. Não vai me empurrar para a frente para me tornar um artista melhor. Agora isso costuma chegar a um ponto em que eu simplesmente desistir e decidir usar a ferramenta de eclipse qualquer maneira, e eu Mas você sabe, eu ainda tentei o meu melhor. Tentei eliminar as fraquezas dentro da minha abordagem lutando lutando na madeira. Então agora vamos ter outra chance nisso. Vou tentar fazer as crateras de novo. E espero que desta vez um Randall tenha mais sorte. Mas você pode ver que eu cometo erros o tempo todo. Muito, realmente é. É velejar suave até para mim. E eu tenho desenhado por muito, muito tempo. E eu acho que parte de conseguir melhor parte de ganhar experiência é realmente você. Estar bem em cometer erros é apenas uma questão de ficar confortável sabendo que há uma boa chance de você estragar tudo. E está tudo bem. Você ficou irritado que está tudo bem. Isso é, bem, apenas isso é parte disso que vem com ser um artista de quadrinhos, mesmo para um mais pobre. E não estou dizendo que sou um profissional, mas o que você acha que os mantém? São aqueles momentos de serem humildes, serem humilhados por seus próprios erros, tentando algo que pensavam que sabiam que podiam executar sem problemas e depois falharem nisso. E quando isso acontece, é um presente berliano porque ele mantém você na loja, ele mantém seus olhos na bola e lembra você para não tomar por certo a distância que você veio, que pode acontecer muito. E dependendo de onde você está certo e como você talvez apenas começando, você pode quase não ter qualquer habilidade e experiência em tudo. Você pode ter muito mínimo e conhecimento em arte de quadrinhos, mas e ele pode estar sentado lá dizendo, bem, você sabe, tudo bem. Eu só quero ficar bom. Se eu pudesse ficar bom, seria ótimo. Mas você sabe, quando você ficar bom, lembre-se que você ainda vai ser importante encontrar coisas para desafiá-lo, porque caso contrário você vai se tornar complacente e complacentemente é o assassino de toda produtividade, Crescimento horrível. Você não quer se tornar complacente. Você nunca quer ficar satisfeito com o que você está. Minuto é realmente ótimo para certos aspectos da minha arte que eu absolutamente adoro e amo agora que eu só poderia ter sonhado em alcançar quando eu comecei, você sabe, você sabe, eu sou capaz de desenhar quase qualquer coisa que eu quero, e isso é tudo o que eu sempre quis. era ser capaz de criar e colocar para o mundo as minhas ideias, não importava que ideia fosse e, eventualmente, eu era capaz de fazer isso. Mas agora há coisas que novas coisas surgiram e eu sou desafiado de uma maneira diferente onde agora é mais, Ah, Ah, às vezes a coisa da motivação. Às vezes tenho que descobrir um jeito de ficar motivado. Às vezes é uma questão de realmente me dedicar e ficar com ele, realmente me empurrar para a frente. Ele pode ver agora que eu fui em frente aqui e eu estou tentando o falso minha capacidade de desenhar um círculo usando essencialmente um modelo. E eu estou rastreando ao redor da borda externa, a fim de fazer com que pareça desenhado à mão. E você sabe que eu t 9. Coloração: esta demonstração que vou continuar a partir dos vídeos anteriores no Crimson Cat Siri, onde entramos, e agora é hora de adicionar um toque de cor a esta ilustração. Agora, como sempre, o primeiro passo neste processo é acalmar as cores de base. Isso também é conhecido como o processo de achatamento, porque aqui estamos apenas lidando com torrentes planas de Hugh, que significa que não muda em termos do nível de cores de escuridão ou leveza. É só uma vez no meio. Eu gosto de pensar nisso como uma curva média de qualquer maneira, quando eu estou caindo nessas cores de base porque, em última análise, estaremos acima do topo velho, esses apartamentos, esses apartamentos, adicionando em uma cor de sombra base e, em seguida, uma cor de destaque de baixo. Isso, em teoria, significaria que esta primeira etapa seria o processo de colocação nos tons médios. E os tons médios são apenas um tom neutro, toda a cor que queremos ir com para o nosso personagem e a cena circundante, porque neste caso particular estamos lidando com uma ilustração de personagens que tem um fundo e que realmente é mais tarde na pista, vai adicionar um maior senso de humor ilustração dentada que também aumenta a sensação que temos quando estamos olhando para esta apresentação e o personagem também, porque ele está dando a ela algum contexto em cima de Tudo o resto. Então, enquanto eu passar por aqui e eu coloco nessas cores baseadas em camadas individuais separadas, que são colocadas em um aperto de camada uma base rotulada cores, como você pode ver sobre o lado direito da tela no painel de camadas. O que eu estou tentando fazer é ter certeza de que cada cor que eu estou adicionando nesta cena combina bem. Quero ter certeza de que cada cor fica ao lado de seu vizinho de forma complementar. Agora, a fim de ser capaz de fazer isso, você vai querer ter um pouco de conhecimento de fundo em teoria de cores. Mas não tem que ser ALS tão avançado, acredite ou não, porque na maioria das vezes temos essa intuição natural de que cores combinam bem, quais cores durante, e a razão que nós viemos construídos com essa habilidade de ser capaz de dizer quais cores vão colidir é porque ameaçar nossas vidas inteiras no mundo ao nosso redor. Temos visto essas combinações de cores naturais e complementares acontecerem na natureza. Quando você pensa sobre isso apenas através da observação passiva, certamente nós teríamos captado algo agora. E é por isso que certamente podemos dizer quando se trata de olhar para uma ilustração que contém cores que realmente tirando Mawr longe. Então eles estão acrescentando, é por isso que nós somos capazes de dizer que eles simplesmente não parecem bons ao lado um do outro. Devemos ser capazes de pelo menos dizer quais cores combinam bem. E assim muitas vezes eu quero sempre saber, como imediatamente como eu coloquei para baixo o tom médio, a cor de base plana para a página, se ele está ou não indo dedo do pé funcionar bem. Mas tudo bem, porque todas essas cores baseadas estão sendo colocadas em duas camadas separadas, que significa que eu posso ir para o menu suspenso de imagem na parte superior da tela, clique em ajustes e retweetar, a tonalidade, o brilho e qualquer outro aspecto antigo que a cor que eu preciso, a fim de realmente torná-lo encaixar com os outros de uma forma complementar, esteticamente agradável. Todo o propósito de colocar nessas cores baseadas em primeiro lugar é certificar-se de que temos um esquema de cores fantástico que está indo dedo do pé trabalhar bem que podemos construir a partir de, como mais tarde renderizar as formas do nos vários elementos de fundo contidos na ilustração. Agora, a outra coisa que eu quero mencionar aqui é o tipo de pincel que eu estou usando o dedo do pé nesses tons base porque pode ser dependendo do seu nível de habilidade e seu conhecimento em arte digital, você pode ser imaginando o que é isso agora. Estou na loja de fotos aqui. No pincel que eu costumava colocar nesses tons de base é uma escova plana, dura e completamente opaca. Em outras palavras, não é visto através de qualquer coisa. A cor está saindo para a tela na camada que eu especifiquei em sua potência total . Não há opacidade aplicada a ele agora. Às vezes você vai descobrir que há pincéis como o que será usado para colocar nas sombras nos destaques que têm um certo nível de opacidade aplicado a eles. Uma certa quantidade de ver através de nous ou cair. Isso nos permite misturar as sombras e os destaques nesses tempos base um pouco mais fácil com base na quantidade de pressão que estamos aplicando ao nosso estilista enquanto trabalhamos. Mas eu realmente não uso quaisquer outros pincéis além de talvez três ou senhor durante todo o processo de coloração. Eu tenho um pincel tipo pintor que eu uso para renderizar os formulários e um aerógrafo, que eu vou fazer uso de quando se trata de cair no destaque sobre cores de sobreposição tarde e sombra . Mas fora isso, é apenas este pincel duro, completamente opaco que estou usando para colocar nessas cores de base. E então é apenas uma questão de, nesta fase, manter dentro das linhas. Essa é a única outra consideração que precisa ser feita aqui. E se você cresceu com colorir em livros como eu sabia que hoje em dia, tenho certeza que as crianças têm atividades muito mais interessantes e estimulantes para se envolver em, tais como jogos de vídeo e redes sociais instagram em geral. Mas antigamente, o dia em que tudo o que tínhamos que fazer quando estávamos entediados era completar nossa coloração em livros e tentar fazê-los parecer tão bem quanto poderíamos obtê-los ou construir uma casa de cubby no quintal ou Algo assim. assim que praticávamos, certificando-se de que ficávamos dentro das linhas. E esse é realmente o objetivo aqui, certificar-se de que todas essas curvas planas de cor base permaneçam dentro da área especificada em que queremos que elas estejam, de que não estejam derramando fora dos limites. Agora eu caí de volta para me concentrar no fundo, e você pode ver que eu estou caindo em algumas nuvens no céu para tentar o dedo do pé. Aumentar o humor, transmitindo e sugerindo as condições ambientais, os elementos ambientais que são um jogo agora em um dia ensolarado, por exemplo, na primavera, como você acorda e se sente bem? Muitas vezes você vai se sentir muito enérgico, positivo, feliz por causa do ambiente ensolarado e brilhante exterior e os raios de sol que vêm através de sua janela. É apenas algo que associamos identidade, felicidade e alegria. Aproveite, entanto, no entanto,em um dia nublado ou em uma noite nublada, bem, isso é um pouco mais assustador, e já vimos filmes de terror suficientes Já vimos quadrinhos horríveis o suficiente lá fora que fazem uso deste Troy ambiental. Ele poderia pensar nisso como isso. Permita-nos transmitir este DACA sombrio, um assassinado, e isso é realmente o que céu nublado 10 sugere é esta certa quantidade de sombrio. E aqui nesta ilustração, esse é o tipo de vibe que eu queria apresentar. Agora, o que vocês podem me ver fazendo com esses pequenos pontos coloridos é que estou fazendo uma paleta de cores, e o que essa paleta de cores me permite fazer é descobrir quais são as cores com as quais estou lidando e se elas se sentam bem ou não juntos. Você sabe, eu tenho todos eles ordenados lá fora, final acessível. Eu preciso fazer se eu quiser selecioná-los. É hoedown Oto meu teclado para converter meu pincel para a ferramenta conta-gotas, que me permitirá selecionar essas cores em tempo real. E isso se tornará, especialmente importante, o Irã quando começarmos a misturar os vários tons escuros latinos fora das cores que estamos lidando aqui nesta composição juntos. Mas a outra coisa que eu também fiz é que eu fui em frente e criei uma versão clara e escura de cada uma das cores base e adicionei a esta paleta de cores aqui que eu possa simplesmente selecioná-los em tempo real. E isso realmente é apenas por conveniência. Ele faz todos os tons e tempos das cores, e eu estou lidando com muito mais acessível. E quando se trata de ilustração de qualquer tipo com sua ilustração digital de ilustração de livros , seja lá o que for, esteja você trabalhando para um cliente ou não, é sempre bom otimizar e agilizar seu processo dessa forma, para torná-lo o mais rápido e suave possível para que você saiba que você não está tropeçando pelo lugar e ter que gastar mais tempo em atividades domésticas do que você precisa. Como, por exemplo, tentar encontrar a cor base escura que você estava usando para uma área específica da ilustração e tentar rastreá-la novamente. Já está lá na paleta de cores. Você pode selecionar que sempre que o que eu estou fazendo está focando no fundo em primeiro lugar , e que a razão pela qual eu tenho levado para este nível de conclusão já é porque ele vai um pouco informar como eu acabar tornando o personagem. Agora podemos ver a lua no fundo sendo a fonte de luz primária dentro desta cena , e ela vai estar projetando para baixo sobre o personagem. Então o que queremos fazer enquanto colocamos nos destaques da base e nas sombras da base é que queremos pintá-los ao redor. Cada um dos gatos carmesim se forma de acordo com a direção em que a lua está projetando sua luz para baixo sobre eles. De. É isso que nos permitirá criar um certo nível de consistência na forma como as formas são renderizadas e iluminadas, e essa consistência nos levará a um resultado mais credível e realista. Porque quando você acaba com inconsistências, digamos, por exemplo, quando há uma forma do personagem sombreada de forma diferente de outra forma, sugerindo que há uma fonte de luz diferente, ou que essas formas estão sentadas sob diferentes fontes de vida que não necessariamente parecem existir ou fazer sentido dentro da cena, que é quando de repente são suspensas. A habilidade de incrédulos está quebrada, e agora percebemos uma espera um segundo. Essa inconsistência agora sugere que o que estamos olhando não é riel e fora do curso. Nós sabemos que não é realmente nós entendemos que nós entendemos, mas nós sempre queremos tentar construir nossas ilustrações e produzi-las de uma forma que quando o público olha para elas, eu possa imaginar um cenário onde o que eles estão olhando poderia ser rial, que poderia ser possível. E quando essas inconsistências são um presente dentro dela, isso torna muito, muito mais difícil para eles fazerem isso. O que eu estou fazendo é que eu estou passando agora que eu quase pintei nas sombras base e os destaques da base e eu estou misturando-os juntos. Você pode ver que neste momento, as transições entre os tons claros e escuros simplesmente em um suave como eles poderiam ser em torno dessas formas. Então, isso é o que eu estou fazendo agora é eu estou simplesmente suavizando-os, e eu estou tentando garantir que a mistura entre esses tons claros e escuros, o cheio de luz à medida que ele transita para as sombras é equilibrada de acordo com a forma e a dureza da luz dentro da cena. E são essas duas coisas que realmente vão determinar as características dos tons claros e escuros e como eles são misturados juntos, porque o total e sua transição serão afetados por esses dois elementos. E agora o que eu estou fazendo é um tapete em uma sobreposição de sombra, que eu fui em frente e fiz para adicionar cor ou matiz a esses tons de sombra fora da ilustração. E agora eu estou fazendo a mesma coisa, exceto com os destaques no realce sobre a camada, que está configurado para sobrepor. E isso também adiciona matiz e cor à luz dentro da cena. Agora a coisa importante que eu quero mencionar aqui, a razão pela qual eu vou em frente e eu abito, levantar a iluminação e as sombras é porque nós não queremos apenas estar sombreando o personagem de uma forma que sugere um ambiente instalação de iluminação, o que não é oficial, certo? Ela está em um ambiente ao ar livre, o que significa que a luz natural vinda da lua tende a ter uma tonalidade azul projetando-se para baixo. Será abate criado com isso, e porque a luz é de cor azul como ruv Elise e cobre o personagem e o ambiente por baixo dele. O que vai acontecer é que ele vai sobrepor essa cor da cor sobre sua luz através desses elementos, e assim, a fim de emular isso e criar um cenário de iluminação mais realista. É por isso que eu vou em frente e eu crio o destaque excessivamente e sentar o modo de mesclagem antiga essa camada para excessivamente, porque é isso que me permite fazer. E eu faço a mesma coisa com a sobreposição de sombras. camada é dito para se multiplicar, e ele faz o oposto. Ele adiciona cor às sombras, e neste caso, porque temos uma iluminação legal vinda da lua, o que queremos fazer, por sua vez, é tentar aquecer a tonalidade das sombras. Agora eles ainda serão um giro de cor mais frio, mas haverá um refrigerador ligeiramente mais quente, cansado, cansado, então em vez de apenas azul, vai adicionar um pouco de vermelho a ele, tornando-o roxo. E, em seguida, esses tons frios e quentes dentro do espectro de cores mais frio vai vibrar bem. Juntos, eles se complementarão e criarão uma configuração de iluminação colorida muito mais desejável e esteticamente agradável. Então, agora que enriquecemos a paleta de cores, essencialmente adicionando a cor adicional à iluminação e às sombras na criação de uma renderização final passam por cima de tudo o que fizemos até agora. E tudo o que é realmente apenas o processo de eu selecionar vários tons. Muito alcança ao longo do personagem com a ferramenta conta-gotas e aumentando o brilho, porque o objetivo aqui é dar profundidade às suas formas e também descrever os vários materiais ao longo de seu traje, mas principalmente para adicionar profundidade. E quando podemos iluminar os destaques, o ponto alto da forma de ser um lábio e atingido pela luz com a maior intensidade ele vai levantá-los para cima. Isso vai dar-lhes mais profundidade e volume, e em contraste com isso, se pudermos aprofundar as sombras, essencialmente seguindo o mesmo processo em vez desta vez o que estamos fazendo quando se trata de aumentar a intensidade do sombras é que estamos apenas selecionando as partes sombreadas do escurecimento de forma que ele que selecionamos e, em seguida , adicionando-o para tornar o lado escuro da forma mais profundo para aumentar o contraste claro e escuro entre esses valores e um yang combinado quando você pode ter aquele nível mais alto fora da luz para a escuridão transição através dessas formas. Vai fazer parecer Aziz, há mais profundidade que é mais redondeza para suas pernas, para seus braços, para seu corpo. Agora. A outra coisa, como mencionei de passagem, também vai querer fazer o nosso melhor para descrever outros materiais diversos que cobrem essas formas . E cada um desses materiais, dependendo do que eles são, refletirá a luz em diferentes níveis de intensidade e a intensidade fora dessa luz refletida muitas vezes sugerirá as qualidades desse material. Como exemplo, o gato carmesim aqui é, para a maior parte vestindo uma combinação de Lycra e couro, como usar couro, materiais muito reflexivos que refletem, deixe em alta intensidade. E assim, a fim de transmitir esse material como ele envolve em torno de seu corpo de uma forma convincente, mas então precisa fazer é certificar-se de que nós trazemos para cima o nível de intensidade nas seções iluminadas fora da forma que ele coberto por esses materiais. Na verdade, porque esses materiais são tão reflexivos, vai querer aumentar os destaques que muito que estamos adicionando altos níveis de destaques de espéculo branco . E então o que é um destaque de espéculo é que é literalmente a fonte de luz sendo refletida na forma ou no material. Neste caso novamente, quando se trata de garantir que você é capaz de transmitir esses materiais com precisão, pode ser algo que também requer prática. Você pode querer estudar como a luz reflete fora de vários materiais e como melhor ir sobre uma abordagem, o processo de renderização para cada um deles. Mas se você puder fazer isso, aumentará a credibilidade de seus personagens e do fundo, já que o fundo que está em torno deste personagem também consiste em uma infinidade de materiais diferentes aqui. Mas é algo que vale a pena considerar e está com você aproveitando o tempo para ler e talvez até mesmo para fazer alguns estudos aqui e ali. Mas as regras de bastante simples se você quer algo para olhar brilhante, dar-lhe Ah, alto, intenso, intenso, realce apontado ao longo do lado da forma com uma luz é mais intensa. Então, onde ele está atingindo diretamente essa forma quando eu estou renderizando, eu sempre tento pensar sobre qualquer forma que é que eu estou tentando sombrear nesta geometria mais simples. Então, em vez de considerar os intrincados grupos musculares em todo o corpo do Crimson Cats, enquanto eu renderei, eu realmente só estou afundando todas essas áreas em um nível que é comparável a cilindros e esferas. Isso é o quão simples e burro para baixo o que é. Eu estou renderizando dentro da minha mente para que eu possa ter uma compreensão mais clara fora aproximadamente tinha uma luz com total off e dispersar através dessa forma. E uma vez que eu possa entender como ele vai se dispersar entre as principais formas, isso me dá uma boa indicação sobre qual será a hierarquia do tom escuro latino quando eu começar a renderizar nas subformas dentro dele. Esta dispersão de luz nesta queda tem um nível de hierarquia, que diz respeito ao tom de ponto mais claro. E é importante manter isso intacto à medida que renderizamos os detalhes mais finos, porque todas as formas sub dentro das principais formas que estamos lidando aqui serão sombreadas e renderizadas dentro do contexto fora têm essas formas maiores ah sendo iluminadas. Portanto, isto é algo que é importante ter em mente. Sempre com isso disse quando os estágios finais do processo de coloração aqui, e este é o lugar onde um monte de ege ajuste acontece. Em outras palavras, eu pego o que eu fiz até agora, e eu vou adicionar em uma variedade de ajustes diferentes, principalmente que foram acessados a partir dos ajustes da camada do menu Alaia. E então eu adiciono curvas. Esse é um dos principais que coloco para ajustar o nível de contraste dentro da ilustração. Eu também mexer em torno do equilíbrio de cores, bem, para harmonizar todos os tons que um presente durante toda a ilustração e para ter certeza de que eles vão ficar bem juntos. E então, finalmente, eu vou ajustar qualquer fora das voltas de cor base que precisam ser ajustadas para apenas fazê-los se encaixar melhor com a ilustração, porque às vezes isso também acontece. Infelizmente, há apenas uma certa quantidade que você pode controlar. Menu Aly e esta é a beleza da ilustração digital é que você pode voltar e você pode fazer ajustes. Você pode ajustar vários aspectos do trabalho que você fez para tornar a apresentação final muito melhor. E agora é apenas uma questão de voltar ao redor da cena de fundo e incorporar vários pequenos detalhes. aqui e ali, a fim de obtê-lo a olhar mawr realista, adicionando em mais profundidade. E então, finalmente, você pode ver. E esta é outra tática realmente grande que eu gosto do dedo do pé adicionando às minhas ilustrações. E eu acho que é muito evidente dentro deste em particular. E isso é que você vai notar que temos a fonte de luz principal projetando para baixo sobre os personagens uma cena de cima. Eu apenas a lua essencialmente. Mas também temos uma fonte de luz secundária, que vocês vão falar para ver um pouco melhor quando diminuirmos novamente aqui em um momento . E a fonte de luz secundária é um tempo muito mais quente em comparação com o frio Sião explodiu a lua. Isso é sobre isso. Espero que tenham gostado desta demonstração e que tenham muito valor. 10. Conclusão: Tudo bem, então é isso. Acabamos com essa aula de arte cômica. Eu certamente espero que você tenha aprendido muito em que você vai sair desta classe com um monte de valor fora. Passamos pelo processo de lápis, o processo de tinta e o processo de coloração, bem como para ilustração digital de quadrinhos, e cobrimos muita informação. Então, se você sentir a necessidade de voltar e recapitular algumas coisas, então, por favor, faça. Essa é a beleza de aprender através de um vídeo. Ex é que você pode retroceder e voltar através de qualquer informação que você pode estar inseguro sobre Will pode ter perdido a primeira vez através Ok, até a próxima vez continuar a criar, continuar a praticar e eu vou vê-lo na próxima história em quadrinhos Classe mestre de arte. 11. Projeto: Tudo bem. Então você projeta para esta classe é voltar por esta demonstração recapitulação, honra, e tentar obter o máximo de informação possível porque você vai precisar dela. O que eu gostaria que você fizesse é criar sua própria ilustração digital de quadrinhos usando o processo que cobrimos ao longo desta classe mestre. Boa sorte com ele. Espero que se saiam bem. Mas o mais importante, espero que se divirta com ele.