Masterclass de aquarela no Procreate: aprenda a pintura aquarela digital no seu iPad

1. 1. Introdução: Meu nome é Nathan Brown. Sou artista profissional há pouco mais de duas décadas. Mas eu crio arte desde que era criança. É um amor e uma paixão duradouros para mim, e é uma matéria que adoro ensinar Eu pinto com mídias tradicionais e digitais e tento incorporar as duas o máximo possível. Sou o autor da caixa de ferramentas Ultimate Bush e dos conjuntos de pincéis de aquarela Master , ambos criados pensando no amor pela pintura tradicional e pelo realismo Eu criei este curso para quem quer aprender aquarela digital usando técnicas tradicionais iPad e no Procreate Começaremos do zero e abordaremos o básico até tópicos mais avançados Então, se você é novato pintura digital ou tem alguma experiência com o meio, este curso tem algo para você. Compartilharei meus pensamentos e técnicas para encontrar a mentalidade artística certa, como desenhar para aquarela, como planejar e compor, como escolher o pincel certo e todos os truques e técnicas que uso para alcançar o uso para alcançar Ao final deste curso, você terá confiança e aprenderá todas as etapas de uma pintura em aquarela , do início à impressão final O curso é estruturado para incluir exemplos teóricos e práticos para que você possa acompanhar ou começar com as tarefas do projeto à medida que avança Também incluí um conjunto de pincéis personalizados para o Procreate feitos especificamente para Assim, você terá tudo o que precisa para acompanhar. Também há ilustrações e exemplos em camadas para que você possa estudar e revisar enquanto trabalhamos exemplos em camadas para que você possa estudar e revisar enquanto trabalhamos Estou muito empolgada por você fazer este curso, então pegue seu iPad e prepare-se para explorar a pintura em aquarela com uma perspectiva totalmente nova 2. 2. Mentalidade artística: Ao longo dos anos que passei criando arte, percebi que há vários conceitos-chave que preciso ter em mente para manter o que chamo de mentalidade artística Essas são coisas que eu preciso lembrar para criar e ser criativo. Eu queria incluí-los neste vídeo porque acho que seu estado de espírito e como você vê sua própria arte são elementos-chave no processo criativo e precisam estar no lugar certo antes mesmo de colocar o lápis no papel. Você pode não perceber ainda, mas você cria melhor sob certos tipos de condições. E acho que essas condições precisam ser atendidas para que seu eu criativo acorde e assuma o controle. Comecei a perceber isso há apenas alguns anos. Comecei a perceber que estava pensando, desenhando e pintando melhor quando certas condições eram atendidas em meu ambiente. Eu acredito que essas condições são únicas para cada artista. Então, por exemplo, alguém pode trabalhar melhor em sua cafeteria favorita com fones de ouvido nos ouvidos e uma xícara de café fresco. Mas para outro artista, isso pode ser estressante , porque eles temem que alguém esteja olhando por cima do ombro Tenho a sorte de ter um estúdio em minha casa, que chamo de laboratório Está cheio de coisas que eu gosto e nas quais me inspiro, como livros, brinquedos, quadrinhos e arte O simples fato de entrar pela porta desperta tanto minha criatividade que eu realmente não quero desenhar ou pintar em nenhum outro lugar. Agora, tudo bem se você não sabe o que precisa em seu ambiente para destacar a criatividade. Estar ciente de que você pode precisar certas condições é um passo na direção certa. Então, sugiro que você comece com um espaço dedicado à arte, um lugar separado de tudo o mais que possa distraí-lo Então, por exemplo, talvez você não queira pintar na mesma mesa que usa para pagar as contas. Seu cérebro já associa esse espaço uma atividade que pode ser uma distração Se você tiver apenas uma mesa para trabalhar, tente mudar a iluminação ou a música para definir um tom diferente para o espaço. Ao passar mais tempo com sua arte, preste atenção ao que alimenta sua criatividade Seja intencional ao criar o tipo certo de ambiente que seja exclusivo para você e seu eu criativo Você já passou algum tempo admirando outros artistas nas redes sociais e talvez pensando Por que minha arte não está nesse nível Meu conselho é parar de fazer isso. Não quero dizer parar de olhar para a arte. Quero dizer, pare de compará-lo com o seu. Você precisa perceber e se contentar com o fato de que a arte é uma jornada. Você nem sempre sabe qual foi a experiência de outro artista ou o que ele teve que sacrificar para chegar ao nível em que está. Talvez tenham sido anos de prática e estudo que envolveram centenas ou talvez milhares de pinturas. Em vez de comparar sua arte, tente ver sua próxima peça com satisfação e com a compreensão de que você está onde está em sua jornada artística e está melhorando continuamente Cada vez que você desenha ou pinta é mais um passo para se tornar melhor. Manter esse estado de espírito manterá animado e sempre com vontade de criar a próxima pintura e continuar no caminho artístico. À medida que continuo conversando com novos artistas que estão começando, percebi que o estresse é uma grande luta para a maioria. Estou me referindo a um artista que pode se sentar para trabalhar em uma peça e ficar estressado em fazer as escolhas certas. Eu acredito que esse estresse vem diretamente da falta de experiência que vem da experimentação. A única maneira de se tornar confiante em sua arte é fazer muitos e muitos pequenos sucessos e fracassos por meio da experimentação Posteriormente neste curso, você me verá fazendo isso colocando elementos em uma pintura e, em seguida, removendo-os imediatamente. Estou fazendo experiências com colocação, e então minha confiança e experiência anterior me dizem se eu gosto dessa colocação ou não Ao longo dos anos, descobri que adoro muitos respingos e elementos abstratos em minha arte A única maneira de descobrir isso foi por meio da experimentação. Cometi muitos erros terríveis durante esse período, mas acabei encontrando resultados e técnicas nas quais confio em meu trabalho Se eu tivesse medo de experimentar dessa maneira, nunca teria feito essas descobertas. Você já comprou um novo conjunto de pincéis e sentiu que não tinha certeza de como usá-lo? Como resultado, você sentiu que os estava usando de forma inadequada Da próxima vez que você carregar alguns pincéis novos, tente isso. Experimente com cada pincel, veja que tipo de marcas eles fazem e depois pergunte a si mesmo: como posso incorporar isso à arte que gosto de criar? Ou como esse pincel funciona para mim? Apenas mudar sua mentalidade da incerteza para a certeza lhe dará confiança, e essa confiança levará a passos ousados e melhorias em A questão do estilo e de como alcançá-lo é uma questão antiga e que eu já vi até mesmo artistas experientes fazerem Sempre acreditei que essa é uma questão que nem vale a pena para um artista, porque acredito estilo é o que ocorre naturalmente para cada artista por meio da combinação de experiência e confiança. Estilo é o que você começa a fazer naturalmente à medida que progride em sua arte. À medida que você ganha experiência artística, você descobrirá que há cada vez mais coisas que você faz que parecem naturais e parecem diretas aos seus olhos. Essas coisas não são iguais para todos os artistas. Você pode renderizar sombras e realces de uma certa maneira ou desenhar ângulos rígidos em suas formas porque gosta delas. Esses tipos de escolhas surgem por meio da experiência que você obteve e do que você gosta e do que não gosta. Por exemplo, mencionei antes que gosto de respingos e efeitos abstratos na minha arte Chegei a essa conclusão por meio de muitas e muitas pinturas, não porque houvesse um estilo específico que eu queria imitar Portanto, quando se trata de estilo, recomendo que você não se preocupe com isso e comece pintando o que quiser uma forma que pareça perfeita aos seus olhos. Quanto mais você pintar, mais você saberá o que é isso. Sempre preferi histórias abertas, aquelas que deixam você com uma frase como “ e a aventura continua”. Isso captura minha imaginação, sabendo que há mais a ser vivenciado E esse é, na verdade, meu aspecto favorito da arte: saber que nunca saberei nada. Sempre há algo novo, seja um novo meio, um novo assunto ou um novo conceito. Cada vez que você se senta para criar, é uma experiência de aprendizado, mesmo que você já tenha feito isso 1.000 vezes antes. Portanto, esteja sempre disposto a ter isso em mente e se contentar com o fato de que você sempre estará nessa jornada artística. Não acho que haja um fim para esse caminho, e acho isso incrivelmente empolgante e humilhante Como tarefa, gostaria que você escrevesse essas cinco chaves para escrevesse essas cinco chaves para uma mentalidade artística e as exibisse em algum lugar do seu espaço artístico para não esquecê-las Não deixe de compartilhar uma foto dela nas redes sociais e me contar como essas chaves ajudaram a liberar sua mentalidade criativa e como isso afetou sua arte Tudo bem, agora vamos tirar um pouco de tinta e fazer uma bagunça. 3. 3. Características da aquarela real: Tudo bem, pessoal, antes de começarmos a usar a aquarela digital, quero passar alguns minutos dando uma olhada na aquarela tradicional para que estejamos familiarizados com a pintura em papel, saibamos quais são as características e o que procurar ao trabalhar no iPad A primeira técnica que quero mostrar a vocês é chamada de pintura úmida em úmida. Começa revestindo o papel com água limpa. O pincel também está molhado e cheio de tinta. Isso cria um traçado de borda muito suave. Nesta pintura de truta, você pode ver exemplos de traços suaves na linha da mandíbula aqui e ao redor dos aqui e ao redor Bordas mais suaves como essas podem sugerir arredondamento e transições sutis Vamos recriar esse tipo de look com pincéis de borda macia e Neste exemplo, estou usando pincéis de lavagem de bordas macias para criar uma transição sutil entre as sombras e o pelo dessa raposa As bordas suaves parecem um pouco mais recuadas e não são tão imediatamente perceptíveis aos olhos do espectador A próxima técnica é chamada de úmida em seca. Desta vez, o papel está seco, mas o pincel ainda está molhado e cheio de tinta. Isso cria um traçado rígido na borda. Na mesma pintura de truta, você pode ver alguns exemplos de traços duros na mandíbula superior aqui no olho e essa linha formando a guelra Vamos recriar esses tipos de traços com pincéis de borda dura Neste exemplo, estou usando pincéis de borda dura para detalhes no rosto da raposa, como olhos e nariz Bordas rígidas são especialmente úteis para criar um foco nítido nessas áreas. Falaremos ainda mais sobre bordas em um vídeo posterior. Outro aspecto muito importante da aquarela é a transparência Não é opaco como óleo ou acrílico. Então, quando você pinta sobre uma camada existente, o que está por baixo sempre aparecerá E, normalmente, uma nova cor é criada como resultado. Quase todos os pincéis que usaremos no Procreate foram feitos com esse tipo de transparência Conforme você pinta, as pinceladas aparecerão umas sobre outras, recriando a aparência em camadas da verdadeira aquarela A transparência também é diretamente afetada pela quantidade de água versus tinta no pincel. Esse traço é principalmente água e, como você pode ver, é muito transparente. Esse traçado tem mais tinta do que água e, como resultado, parece muito mais escuro, mas ainda é transparente Isso é o mesmo que ajustar o controle deslizante de opacidade pincel para controlar a transparência Também é importante observar que as cores se misturam de úmido com úmido, que significa que, quando o papel ainda estiver úmido, as cores se misturarão Vamos recriar esse tipo de efeito e procriar usando pincéis de borrar Essas duas cores podem ser facilmente misturadas como se estivéssemos pintando em uma área úmida de papel Esse é um ótimo aspecto da pintura digital porque nosso papel nunca seca de verdade Assim, as cores podem ser misturadas qualquer momento durante o processo de pintura Existem alguns bons exemplos de cores combinadas nesta pintura de chia Por exemplo, esse vermelho e amarelo se uniram, criando uma borda perdida e uma tonalidade laranja O pincel do liquidificador também foi usado para criar essas corridas como se a água estivesse escorrendo pelo papel A aquarela geralmente é abstrata. É um pouco solto e, como resultado, normalmente há muitas texturas e respingos Acidentes felizes podem ocorrer quando você mantém essas coisas em mente e permite que a aquarela se pinte essencialmente Estou muito empolgado em mostrar a vocês como recriar esses tipos de efeitos e procriar medida que avançamos neste curso Então, agora que estamos familiarizados com pintura tradicional sobre papel e algumas das formas como ela se comporta, vamos lavar as mãos e pegar o iPad 4. 4. Esboço para aquarela: Um aspecto da pintura que muitas vezes é esquecido é o desenho Parte de nós sempre quer pular para a parte divertida de colocar tinta, mas aprender os fundamentos do desenho ensina você a ver como um artista e a entender verdadeiramente o Passar o tempo aprendendo a desenhar faz de você um pintor melhor Eu recomendo fortemente que você passe o máximo de tempo possível desenhando e esboçando Vamos dar uma olhada no desenho no diz respeito à Quando estou trabalhando em um esboço inicial para uma pintura, tento visualizar as formas o máximo possível Eu faço isso porque é mais fácil entender formas simples do que formas complexas. Mesmo algo tão simples como um pássaro pode ser difícil de desenhar sem primeiro visualizar as formas como formas Eu tento pensar nas formas de duas maneiras. A primeira é a estrutura básica da forma, ou seja, dividir um objeto nas formas mais simples possíveis à medida que você começa a desenhar. Vamos dar uma olhada nesta foto de referência de um chapim e ver se podemos encontrar algumas formas básicas Quando se trata de pássaros, gosto de usar principalmente círculos. Então, vou criar um círculo para a cabeça e um maior para o corpo. Vou adicionar mais um aqui, onde a cauda e a asa se juntam. Agora vou adicionar algumas diretrizes, uma para a cauda, para as pernas e para o galho em que o pássaro está sentado. Acho que vou adicionar mais uma para representar a direção do bico, e essa linha também me ajudará no posicionamento dos olhos Ok, agora temos nosso pássaro reduzido a formas simples. Agora, é muito mais fácil entender as proporções desse pássaro com base nesses três círculos. Agora vamos tentar esboçar esse chapim junto com as formas básicas que acabamos de encontrar na referência Mas antes de começarmos, vamos examinar algumas noções básicas. Para todos os meus esboços e pinturas, normalmente trabalho em uma tela com 5.000 por 4.000 pixels a 300 DPI Esta é uma escala muito grande, com cerca de 16 por 13”. Você certamente não precisa trabalhar nesse tamanho. Até metade desse tamanho é suficiente. Faço isso porque gosto de reduzir meu trabalho para um tamanho menor do que o original, mas falaremos mais sobre isso em um vídeo posterior. Também estou usando o pincel de lápis do conjunto de pincéis do curso para todos os meus esboços neste curso Ao desenhar, seguro meu lápis de duas maneiras diferentes Você pode ou não querer fazer isso, mas acho que isso me ajuda a criar diferentes tipos de linhas, que adiciona alguma variedade aos meus esboços Nas formas iniciais, seguro meu lápis com esse tipo de alça porque, na maioria das vezes, desenho traços largos com o braço no início de um esboço traços largos com o braço no início de um Para formas menores, costumo segurar o lápis pela ponta porque acho que isso me ajuda a ficar mais solta. Então, finalmente, para obter detalhes, seguro o lápis mais perto da ponta. Esse tipo de empunhadura me ajuda a ser mais preciso com minhas linhas Tudo bem, vamos começar. Da mesma forma que antes, vou desenhar uma série de círculos começando pela cabeça. Então eu vou adicionar aquele círculo maior para o corpo. Em seguida, adicionarei essa forma menor para a união da asa e da cauda e colocarei uma diretriz para a cauda Agora vou construir a forma do pássaro adicionando algumas linhas usando os círculos como guia. Ainda não vou trocar a alça do meu lápis porque ainda quero ficar solto nesta fase Vou colocar uma linha aqui para colocar o bico e os olhos. Agora vou mudar minha aderência porque quero começar a me concentrar um pouco nessas linhas Basicamente, estou tomando decisões mais precisas sobre o posicionamento da minha linha Ao escrever linhas, sempre uso minhas notas anteriores como guia, para facilitar cada etapa sucessiva OK. Tudo bem, agora vou adicionar alguns detalhes para o bico e dar adicionar alguns detalhes para o bico e olhada na referência para me ajudar com o tamanho e a proporção corretos da Costumo usar linhas retas mesmo em curvas. Agora, isso é apenas uma escolha de estilo. É uma estética que eu gosto nos meus esboços. Para mim, isso tende a tornar as curvas um pouco mais interessantes Então, vamos criar uma forma para a cauda, mas vou reduzir um pouco meu esboço Acho que estou desenhando um pouco grande demais para o tamanho da tela. Agora que tenho mais espaço para a cauda, estou olhando a referência para obter o comprimento dela em relação ao corpo. Eu meio que quero que o corpo chegue a um ponto mais forte aqui só porque eu sinto que a forma precisa disso. Tudo bem, então eu estou adicionando algumas linhas para as pernas aqui. E vou colocar um galho para o pássaro se apoiar. Acho que vou adicionar algumas marcas para representar os pés que envolvem o galho Para finalizar, vou colocar um pequeno círculo aqui para ver os olhos também. Tudo bem, agora aqui está nosso esboço inicial usando formas básicas como guia A segunda maneira de visualizar formas é por meio do design de formas, criando os detalhes do assunto usando as formas mais interessantes possíveis Isso pode se aplicar à luz e sombras e até mesmo aos pelos e cabelos Desta vez, estamos procurando formas nos grupos de penas e nas asas do pássaro Estou traçando as formas que vejo para que você tenha uma ideia do que estamos procurando Nosso objetivo é reconhecer essas formas e talvez adicionar algum interesse a elas exagerando no design das curvas Agora vamos finalizar nosso esboço usando o desenho da forma que acabamos de encontrar na referência Vou trabalhar em uma camada separada acima do nosso esboço. Tudo bem, vamos começar dando uma olhada mais de perto no bico Agora, novamente, eu costumo adicionar mais linhas retas do que curvas, mas isso é algo que eu faço por opção, só porque gosto Não sinta que precisa fazer a mesma coisa. Só queremos nos concentrar em formas bem desenhadas neste estágio. Queremos desenhar formas boas porque essas formas acabarão por servir de guia para a pintura. Então, eu gostaria de ampliar um pouco para poder fazer traços maiores com a caneta Acho isso mais fácil e também deixa minhas linhas um pouco mais limpas. Também costumo girar muito a tela porque gosto puxar linhas em minha direção em vez de afastá-las, e isso é só porque é mais confortável para mim na maneira como Portanto, o olho de um pássaro geralmente não é redondo por causa da pele que se sobrepõe Então, estou definindo uma forma diferente aqui, além de um círculo, para refletir isso. Acho que vou remover algumas dessas linhas e redesenhá-las para que elas se encontrem um pouco melhor Ok, olhando esses grupos de penas para a asa agora, parece que há um agrupamento menor aqui Então, a asa gira para cima e envolve o corpo neste local Ok, vamos ver. O que mais é necessário. Vou definir um pouco mais as pernas, e na verdade só precisamos de uma linha para representá-las. Mas vou definir formas melhores para os pés aqui. E eu também preciso de um pouco mais de definição para o ramo. Então, vamos seguir em frente e fazer isso também. À primeira vista, acho que a cauda deve ser um pouco mais longa em relação ao corpo. E vou reduzir o desenho novamente porque acho que ainda é um pouco grande para o tamanho da tela. Oh, vamos continuar e desligar a camada de esboço. Agora podemos reduzi-lo. E parece que perdi algumas linhas aqui ao redor do bico agora que desligamos essa camada Ok, agora concluímos nosso esboço com base em uma estrutura de boa forma e finalizamos com um design de boa forma Agora vamos dar uma olhada na aparência uma pintura completa com base em um esboço como esse Mesmo que algumas das formas tenham bordas suaves na pintura, você ainda pode ver que o desenho da forma do esboço ainda está presente e aparece na peça final Tchau. Tudo bem, vamos falar sobre esboços soltos versus esboços apertados e onde aplicar detalhes Como artistas, é nosso trabalho guiar o olhar do espectador em nossas pinturas para criar essencialmente um ponto focal. Uma excelente maneira de fazer isso é por meio da colocação de detalhes. Neste desenho de raposa, quero que o espectador se concentre principalmente nos olhos e no centro do rosto Todo o resto é menos importante e como resultado, requer menos detalhes. Eu coloquei algumas linhas onduladas onde o pelo para ou muda de cor, mas os detalhes do pelo ao redor da cabeça são menos importantes do que os detalhes ao redor dos olhos e do nariz Você pode ver isso aparecer na pintura final. Os olhos e o nariz são os mais nítidos e detalhados. Vamos dar uma olhada em outro exemplo. Este esboço de pardal é totalmente renderizado a lápis. Não há nada de errado com isso, mas tem muitos detalhes. Muitos detalhes em todas as áreas não permitem que os olhos do espectador descansem. Como resultado, você pode ver a aparência da pintura. Basicamente, tonifiquei o lápis de marrom claro e adicionei algumas cores de aquarela ao fundo . Há mais renderização a lápis do que tinta. Novamente, não há nada de errado com esse resultado, mas quero que você entenda o quanto um esboço afeta uma pintura e, como resultado, espero que esteja atento e seja um pouco mais estratégico com seus Agora vamos dar uma olhada nesse mesmo esboço de pardal com muito menos Este esboço servirá basicamente como um guia para a pintura com mais detalhes na cabeça e algumas linhas para sugerir onde as penas, asas e caudas Olhando para a pintura final, você pode ver o quanto essa versão é diferente e o quanto o desenho subjacente pode afetar o resultado final. Aqui, há mais foco no olho e no bico do pássaro devido ao contraste de bordas e detalhes nítidos em comparação com o resto da pintura Isso é intencional porque eu quero que a cabeça do pássaro seja o principal ponto focal Como tarefa, tente desenhar algo simples, como um pássaro ou talvez um pedaço de fruta Lembre-se de procurar formas básicas na estrutura e no design do seu desenho. Sinta-se à vontade para compartilhar seus esboços comigo nas redes sociais. Eu adoraria saber se as formas básicas tiveram um impacto na forma como você desenha. Ok, agora que temos uma boa ideia de desenhar para aquarela, vamos seguir em desenhar para aquarela, vamos Te vejo no próximo vídeo. 5. 5. Trabalhando a partir de referência: Antes de falarmos sobre o uso de referência, quero dissipar alguns pensamentos ou ideias que você possa ter sobre a necessidade de referência Só porque você precisa de ajuda visual para produzir um desenho ou pintura, isso não faz de você menos artista. Na verdade, isso faz de você uma pessoa melhor. Para dar um exemplo, se você está pintando um animal, há absolutamente nenhuma maneira sua memória conter as informações necessárias para retratar com precisão a anatomia e as características desse animal, a menos que você o tenha pintado uma dúzia, duas dúzias ou talvez até 100 vezes No entanto, muitas vezes você precisa reter as informações necessárias sobre o assunto. E mesmo assim, você pode precisar de referência para diferentes ângulos ou poses. Artistas mestres ao longo da história confiaram na referência para produzir sua arte Portanto, não pense que a referência é trapaça. Na verdade, é uma ferramenta essencial na caixa de ferramentas de qualquer artista. Então, agora que sabemos que a referência é uma coisa boa, vamos falar sobre os diferentes tipos de usos da referência. Essa é provavelmente a maneira como eu mais uso a referência. Consiste em reunir imagens do assunto em diferentes ângulos e diferentes iluminações. Gosto de ter esse tipo de referência aberta enquanto estou desenhando e pintando. Ter várias imagens me ajuda a entender as formas do assunto. Eu uso um aplicativo chamado Vizaf para manter várias imagens abertas ao mesmo tempo Também me permite salvar várias coleções de fotos de referência para uso posterior. Quando estou trabalhando a partir de uma referência como essa, estou produzindo um desenho que é semelhante ao que vejo, mas não corresponde exatamente. Isso permite um pouco de liberdade criativa no posicionamento e nas proporções do objeto. Mas eu ainda faço uma medição visual enquanto estou trabalhando. Normalmente, faço isso encontrando um ponto de referência no meu desenho e comparando-o com o mesmo da foto de referência Em seguida, meço visualmente partes do objeto usando esse ponto de referência Por exemplo, esse olho de pássaro tem um olho do bico e cerca de três olhos da nuca Normalmente faço isso na minha cabeça enquanto procuro uma medição indireta Acho que geralmente estou bem perto, pois estou acostumada a medir dessa maneira. Você vê artistas tradicionais fazerem isso levantando o polegar ou o pincel e fechando um olho enquanto olham para o assunto Eles estão usando o tamanho do polegar para obter a altura da cabeça de um sujeito, por exemplo, e depois usando essa medida para determinar o comprimento de outras partes do corpo referência também pode informar as decisões que você toma ao pintar. Por exemplo, meu esboço está mais próximo dessa foto, mas eu gosto muito mais da iluminação dessa foto Então, quando eu começar a colocar a tinta, usarei essa foto para informar minha sombra iluminada Então, quando eu começar a escurecer as sombras, usarei essa foto como referência para posicionamento ao redor do bico e dos olhos referência também pode ser usada como tema para sua pintura. Em outras palavras, você está fazendo uma cópia exata ou pintando o que vê em uma foto ou ainda está vivo. Para esse tipo de pintura, eu recomendaria medir com precisão, especialmente se você estiver pintando um retrato. Se você deseja capturar uma imagem e os olhos de seu objeto ou até mesmo um pouco, prometo que será perceptível Para medir com precisão, usaremos o mesmo método de referência de antes, mas desta vez, em vez de observá-lo, faremos nossa medição, copiaremos e colaremos ao redor do rosto Vou usar o olho de Luke como ponto de referência. Ah, não. Copie com três dedos para copiar e colar. E parece que entre seus olhos está o comprimento de um olho. E também veremos que o comprimento do nariz, da ponte do nariz até a ponta, também tem cerca de um olho. Então, em sua bochecha há cerca de um olho mais um quarto. Do outro lado do rosto, há cerca de dois comprimentos de olhos e um quarto Você pode continuar fazendo essa medição em toda a face para obter o posicionamento preciso de cada recurso. Todos os artistas profissionais dedicam tempo para medir. É algo que você vai se acostumar a fazer, e quanto mais você fizer isso, mais rápido e mais proficiente você se tornará nisso Reserve um tempo para medir com precisão e ver como isso melhora seu trabalho. Quando se trata de arte, geralmente há mais de uma maneira de fazer as coisas. Um método muito útil para copiar uma referência que você pode achar um pouco mais fácil é o sistema de grade. Para esse método, você coloca uma grade em sua referência e coloca a mesma grade em sua tela. Agora você tem uma medição constante com a qual trabalhar. Basta esboçar o que você vê em cada um dos quadrados da grade Isso ajuda você a produzir seu assunto na escala exata. Eu configurei essa grade abrindo minha foto de origem e Procreate primeiro Toque no ícone da ferramenta e ative a guia de desenho. Em seguida, toque em Editar guia de desenho. A partir daqui, você pode ajustar o tamanho da grade e alterar a cor. Em seguida, faço uma captura e a recorto dentro e ao redor da foto Em seguida, copio para a prancheta e colo no Vizraf. A partir daqui, posso excluir a foto procriar e começar meu desenho Eu também quero mencionar o rastreamento. Claro, é possível rastrear seu assunto, mas eu o aviso sobre esse método. A menos que você entenda as formas que está traçando e possa adicionar um pouco de sabor e personalidade ao traço à medida que avança, o resultado pode ser um pouco sem vida Se você optar por traçar seu assunto, recomendo procurar áreas que você possa exagerar ou encontrar formas às quais você possa adicionar um pouco mais de design Em outras palavras, use o traço para obter proporções básicas preencha os espaços em branco com seu estilo pessoal e gostos de design Por mais importante que seja a referência, não quero que você se sinta constrangido por ela Como mencionei antes, use-o para ajudá-lo a entender o assunto, mas sempre procure áreas para adicionar design, forma e forma aos seus desenhos. Isso o ajudará a dar seu toque pessoal ao seu trabalho, e isso definitivamente aparecerá em suas pinturas Como tarefa, gostaria que você escolhesse três temas que gostaria de pintar e reunisse uma coleção de cinco a dez boas fotos de referência para manter em mãos e usar essa referência em trabalhos futuros Mantenha-os em uma galeria de fotos, no seu iPad, no Dropbox ou em um aplicativo como o Vsref Em seus esboços, pratique a medição visual e depois as medições reais para ver o quão perto você chegou Não deixe de publicar a comparação nas mídias sociais. Eu adoraria saber como a medição teve um impacto em sua arte. 6. 6. Composição: Toda vez que você começa um esboço ou uma pintura, você está compondo Você está colocando elementos na tela uma forma que acha esteticamente Acho que a composição geralmente é pensada em relação a paisagens em que você coloca elementos como horizonte, árvores e nuvens. Agora, isso certamente é composição, mas na verdade se aplica a todo tipo de pintura, não importa qual seja o assunto. Mesmo com assuntos únicos, porque você também está compondo com valores, posicionar o assunto e até mesmo o posicionamento na tela é um fator Também quero salientar que composição e design andam de mãos dadas. Então, quando você está compondo sua arte, o que você realmente está fazendo é projetar, e um bom design e arte podem superar todas as outras armadilhas Eu diria que o design é o elemento número um mais importante em sua arte. Se sua pintura for bem desenhada, quase todo o resto se encaixa, e as escolhas restantes que você tem têm muito menos importância e se tornam mais fáceis de fazer. simples planejamento de uma composição ajuda muito na produção de uma pintura bem-sucedida. Você não começaria a construir uma casa pregando algumas tábuas e vendo o que acontece O mesmo vale para uma pintura. A melhor maneira de planejar uma composição é fazendo um esboço em miniatura Nunca começo uma pintura sem uma miniatura para ter uma ideia do que estou criando Eu recomendo que você faça de três a cinco esboços rápidos em miniatura para todas as pinturas que você faz, pois isso lhe dá a oportunidade de explorar e experimentar com pouco ou nenhum compromisso Você pode experimentar o posicionamento e o layout de valor de várias maneiras diferentes e, muitas vezes, descobrirá que acaba optando por algo completamente diferente do que inicialmente tinha em mente para a peça. Há muitas teorias quando se trata de design e composição, tanto que pode ser um pouco assustador entender Mas eu os reduzi a cinco truques simples que considero os mais comuns quando estou trabalhando em uma aquarela E a boa notícia é que não há muitas suposições envolvidas Essas são regras e ideias bem definidas que você pode aplicar diretamente ao que estiver pintando. Ao iniciar uma composição, gosto de resumi-la às formas do nível básico ou forma geral da silhueta do objeto Ajuda ver a peça dessa forma para que você possa compor sem a distração dos É muito mais fácil fazer escolhas de design ao visualizar as formas simples do tentar tomar essas decisões quando você já está começando a pintar Por exemplo, neste layout floral, estou usando formas simples para determinar o arranjo antes de desenhar ou pintar qualquer detalhe. Mas não estou apenas organizando formas simples aqui, também estou usando uma forma simples para orientar meu posicionamento Você também pode permitir que formas simples informem sua decisão sobre os ângulos e o posicionamento do objeto na tela. Nesta pintura de peixe-anjo, a silhueta do peixe é bem forte e bem definida, com bordas nítidas ao redor do peixe, o diferencia da Essa pintura de raposa, por outro lado, tem muitas bordas perdidas que se misturam com as lavagens, mas a silhueta da raposa ainda é visível em todas as áreas importantes Em ambas as pinturas, uma silhueta bem desenhada ajuda a definir o assunto Mesmo visto em um tamanho menor, você ainda pode ver claramente qual é o assunto. A regra dos terços consiste em dividir sua tela em três seções vertical e A grade resultante fornece uma diretriz geral para posicionamento Por exemplo, pode ser um pouco mais interessante visualmente colocar o assunto um pouco fora do centro do que diretamente no meio da tela. Neste exemplo de ilustração, você pode ver que a grade da regra dos terços está sendo usada para ajudar a orientar o posicionamento de vários objetos uma forma agradável aos E observe também que uma forma de triângulo também está sendo usada para posicionar os personagens. I Para criar uma grade de regra de terços e procriar, ative a guia de desenho e toque em editar guia de desenho Divida a altura do pixel por três e defina o tamanho da grade para esse número. Meu Canvas tem 4.000 pixels de altura, então estou usando 13 33 Em seguida, arraste o ponto azul até o canto superior e toque em Concluído. Agora toque na miniatura de uma camada e no assistente de desenho de sapatos. Desenhe duas linhas horizontais para dividir a tela. Siga exatamente o mesmo passo para as linhas verticais, mas desta vez divida a largura por três. Minha tela tem 5.000 pixels de largura, então estou usando 16 67. A mesma camada desenha as linhas verticais. Agora você pode desativar a guia de desenho e ficar com uma grade que divide sua tela em terços Você deve sempre levar em consideração o número de elementos que você coloca em uma composição. O cérebro humano, por qualquer motivo, parece encontrar um equilíbrio com números ímpares O mais fácil de compor é o número três. Se você quiser incluir mais de três elementos, eu recomendaria 5/4, para não dizer que você não possa ter um número par, mas um número par de elementos em uma cena tende a competir um pouco por espaço Vamos dar uma olhada rápida nesta pintura de NC Wyeth. Você pode pensar que esta é uma pintura de tema único, e você não estaria errado, mas números ímpares estão sendo usados aqui com pontos focais Também estamos vendo aquela forma familiar de triângulo novamente. Acho que parte do motivo pelo qual o cérebro humano encontra equilíbrio no número três está diretamente relacionada ao triângulo De volta ao nosso layout floral, estou usando três nesta composição para criar um equilíbrio com números ímpares Eles variam em tamanho, colocando o foco na flor maior. Falamos um pouco sobre isso nos vídeos anteriores. movimento se refere à forma como o olho do espectador interage e se move pela peça Isso pode ser feito por meio de linhas ou formas principais que apontam diretamente para o assunto, posicionamento de detalhes ou até mesmo algo mais sutil, como valores contrastantes, que abordarão mais no próximo vídeo É importante considerar como o espectador verá e interagirá com seu trabalho e, se você puder ter um propósito com essa interação, isso poderá tornar sua arte mais interessante Na pintura anterior do chapim, o olhar do espectador está sendo atraído para a cabeça do pássaro pelo valor contrastante ou pela parte mais escura da Mas poderíamos reforçar ainda mais o ponto focal emoldurando-o com folhas, por exemplo Observe que as folhas também estão servindo como linhas principais apontando diretamente e conduzindo o olho para o ponto focal. espaço positivo se refere às áreas da pintura que incluem o assunto ou áreas de importância. Já o espaço negativo é exatamente o oposto com áreas de menos foco que cercam o assunto Muitas vezes, a aquarela expôs o papel branco como um elemento na pintura Essa área geralmente é considerada um espaço negativo. Portanto, é importante considerar como lidamos com esse espaço negativo. Costumo usar lavagens para preencher essas áreas ao redor objeto, pois é um aspecto da aquarela que eu Muitas vezes, o espaço negativo é mais afeta a forma como recortamos nossa pintura A forma como a pintura é cortada pode realmente mudar a dinâmica da peça finalizada Como exemplo, estou colocando esse pássaro fora do centro e recortando a tela, levando em consideração a quantidade de espaço negativo na parte superior Usar a regra dos terços também me ajuda na colocação. Observe como a mudança de posição afeta a peça. Estar muito perto da borda nos dá uma sensação de desequilíbrio. Você sempre pode pensar no espaço negativo como dando espaço para a pessoa respirar. Outro bom exemplo é esse anseio de peixe. O original não é necessariamente recortado com um bom equilíbrio entre espaço positivo e negativo Então, criei uma nova versão e usei a grade da regra dos terços para criar um corte mais apertado O ponto focal da peça é o rosto do peixe, que eu mantive no terço inferior inferior. Também há um bom equilíbrio de espaço negativo em toda a volta. Eu queria que o peixe parecesse que ele estava se virando e nadando muito rápido. Esse movimento é sugerido pelas barbatanas e pelos respingos que se movem para o canto superior direito Usando a regra dos terços, tendo em mente o movimento e um bom equilíbrio do espaço negativo, acho que essa é uma representação muito melhor para esta peça Agora que exploramos algumas ideias por trás da composição, espero que agora você se sinta equipado com uma nova confiança quando se trata de planejar suas pinturas Acho que você descobrirá que, com esses truques simples em mente, as regras de composição podem ser facilmente adicionadas à sua caixa de ferramentas artísticas Como tarefa, gostaria que você escolhesse um assunto e fizesse de três a cinco esboços em miniatura, tendo em mente a silhueta, a regra dos terços, os números ímpares, o movimento e o espaço positivo versus negativo. Cada miniatura não precisa conter todos esses elementos, mas se você puder incluir um ou dois, estará no caminho certo para uma composição fantástica Certifique-se de publicar seus resultados nas redes sociais e me marcar. Eu adoraria ouvir como você planejou sua pintura. Tudo bem, estamos avançando, e nos vemos no próximo vídeo 7. 7. Entendendo o contraste de valor: contraste na arte pode se referir a muitas coisas, como textura versus traços suaves ou formas pequenas versus grandes ou linhas retas versus irregulares Mas quando se trata de aquarela, acredito que o contraste mais importante está nos valores Você precisa de bons valores contrastantes em suas pinturas para criar um nível de realismo e profundidade Se você já pintou algo e se perguntou por que parece plano ou não se destaca, o provável culpado é a falta de contraste de valor Então, neste vídeo, vamos nos aprofundar no valor e, depois, você verá seu trabalho com novos olhos. Você saberá o que procurar ao pintar e como verificar se seu trabalho tem uma boa faixa de valor. E eu garanto que essas habilidades por si só farão uma diferença incrível na forma como você vê seu. O valor se refere a quão clara ou escura é uma cor. Por exemplo, observando essa escala, vemos uma faixa de tons de preto puro ou valor de 100% a branco ou valor de 0% Sua pintura deve sempre incluir valores nessa escala, que significa que seu tom mais claro deve ser encontrado aqui, seus tons médios aqui e seus tons mais escuros em algum lugar Se sua pintura incluir apenas tons médios , você terá uma aparência plana, tornando mais difícil para os olhos discernir formas diferentes Observe nesta pintura de gato vista em preto e branco como todos os tons usados são encontrados na faixa média de nossa escala. O resultado é plano e, definitivamente, é mais difícil para nossos olhos identificar qualquer profundidade real nas sombras ou realces Acho que muitos artistas iniciantes pintam em valores médios porque parecem mais seguros Fazer mudanças extremas de contraste pode parecer intimidante no início, como se você estivesse indo longe demais. Também é possível que seus olhos simplesmente não estejam acostumados a procurar uma faixa de valor dessa maneira. Quando vemos a pintura original em preto e branco, podemos ver que toda a faixa na escala de valores está presente. É muito claro onde estão as sombras mais escuras e onde estão os destaques mais brilhantes O resultado é mais profundidade do que mais realismo. profundidade em uma pintura é criada pela separação desses valores. A pintura parece mais real porque essa é a faixa de valores que vemos no mundo real o tempo todo. Observe também que o valor é relativo aos valores circundantes, o que significa que um valor aparecerá mais escuro cercado por um valor mais claro e mais claro quando cercado por um mais escuro Isso faz mais sentido quando o visualizamos na escala de valor. Você pode ver que o mesmo tom médio parece mais claro em uma extremidade e mais escuro na outra, mesmo que seja o mesmo tom de cinza em toda parte Vamos dar uma olhada em um exemplo disso. Esta é uma pintura para um design de camiseta que fiz para um cliente há alguns anos. Quando o visualizamos em preto e branco, você consegue escolher o valor mais claro Parece que os peixes pequenos são leves, mas você pode encontrar o mesmo valor na truta salpicada abaixo do olho Na verdade, os peixes pequenos parecem mais brilhantes porque o valor ao redor é muito mais escuro Isso cria mais separação, profundidade e contraste em torno desses peixes pequenos, tornando-os um ponto focal como resultado. Você também vê a mesma escala de valores em cores. Adicionar mais branco a uma cor a move para cima na escala, criando uma tonalidade da cor base, enquanto adicionar preto a move para baixo na escala, criando um tom da cor base Algumas cores têm um valor base mais claro , enquanto outras são mais escuras A cor é o que mais notamos em uma pintura, mas o valor real é o que está fazendo todo o trabalho. Na verdade, acredito que a cor que você escolhe é menos importante do que seu valor. Vou te mostrar o que quero dizer. Falamos antes sobre o ponto focal dessa pintura de raposa ser o centro de sua face porque a maioria dos detalhes é colocada lá. Mas também chama a atenção do espectador porque também tem a separação mais valiosa do resto da pintura. Mesmo se mudarmos a cor da pintura, ela ainda funcionará porque as separações de valores ainda estão lá Muitas vezes, você está compondo com uma variedade de valores em Uma pintura pode ser escura, clara ou dominante de valor médio. Neste exemplo, podemos ver que o ponto focal é criado com um objeto de valor escuro e uma composição dominante de valor médio, ou pode ser o oposto com um valor claro e uma cena dominante de valor escuro. É importante pensar na colocação de valor em sua composição porque os pontos focais geralmente são criados por esse contraste. Dar outra olhada nessa pintura de peixe-anjo, desta vez em preto e branco, nos dá aproximadamente três valores O branco do papel é o mais claro, com o valor médio compondo a lavagem de fundo O ponto focal é criado contrastando valores claros e escuros na cabeça, sem falar na pequena ajuda de algumas linhas principais Neste momento, mostrei várias pinturas em preto e branco. Na verdade, essa é a maneira perfeita de verificar seu trabalho enquanto pinta. Basta deslizar com três dedos para procriar e selecionar copiar tudo e deslizar com três dedos novamente para colar sua pintura em uma camada acima E então diminua a saturação. Veja sua faixa de valores atual e veja onde você precisa de ajustes. Compare-a com uma escala de valores para ver onde você precisa de mais de um determinado valor. Faça isso várias vezes, se necessário, enquanto trabalha em uma peça. Em breve, você treinará seus olhos para ver as cores como valores e verá onde é necessário um bom contraste de valores à medida que você trabalha. Deste ponto em diante, gostaria que você pensasse sobre os valores em suas pinturas, ciente deles e como eles são usados para criar contraste, composição, profundidade e realismo em seu trabalho Como tarefa, gostaria que você criasse uma escala de valores. Use nove quadrados para criar a faixa do preto ao branco. Compare-o com seu trabalho mais recente e veja se consegue encontrar uma boa faixa de valores de luz, meio e escuridão. Isso provavelmente lhe dará uma ideia de onde você está atualmente quando se trata de pintar com contraste de bom valor. Agora que temos uma boa teoria da pintura nos últimos vídeos, vamos dar uma olhada em alguns pincéis 8. 8. Seleção de pincéis: Vamos dedicar alguns minutos para falar sobre pincéis. pincéis são essenciais para criar o efeito de aquarela que procuro em minhas pinturas digitais Minha formação é em arte tradicional, então costumo procurar certos elementos em meus pincéis que são importantes para mim, como texturas, bordas macias e duras e certos tipos de respingos e efeitos de lavagem. Eu incluí um conjunto básico de 14 pincéis junto com este curso Usaremos esse conjunto para pintar em todos os próximos vídeos. Vamos dar uma olhada nos pincéis deste conjunto para que você possa se familiarizar com eles e saber qual tipo de pincel usar nas diferentes áreas de uma pintura O primeiro pincel deste conjunto é um lápis. Este provavelmente é bastante óbvio, pois se destina a ser usado em seus esboços O pincel cria uma linha fina quando segurado normalmente ou cria uma linha de sombreamento mais grossa quando inclinado para o Eu gosto de usar uma cor cinza escuro maioria das vezes com esse pincel, a menos que eu o esteja usando como um lápis de cor, criando um esboço de tom A seguir está o detalhador em aquarela. Esse pincel é destinado a trabalhos com detalhes menores. Seria quase uma pequena rodada quando comparado a um pincel tradicional. O pincel é transparente e cria uma borda dura. Mesmo que o pincel seja destinado a trabalhos detalhados, você certamente pode ampliá-lo e pintar áreas maiores com ele, se quiser. O pincel de água é outro pincel redondo de borda dura, mas este é mais transparente, pois contém mais água do que tinta. É sensível à pressão, então quanto mais leve você pressiona, mais água entra no pincel. O pincel também tem uma textura agradável que se torna mais visível com a pressão. O pincel opaco é equivalente a um pincel tradicional cheio de tinta e sem água Eu sei que mencionei antes que a aquarela é sempre transparente Mas quanto mais tinta você coloca em camadas, mais opaca ela começa a aparecer Você pode fazer o mesmo com um pincel transparente como os que acabamos de ver, mas esse pincel economizará tempo, permitindo que você estabeleça áreas mais opacas rapidamente Este se tornará regular em sua seleção de pincéis, pois você usará para criar contraste de valor mais rápido do que camadas O pincel plano imita um pincel tradicional que tem uma ponta mais branca. Você o usará para sombrear áreas maiores ou criar variações em seus traços, pois os traços nem sempre são visíveis com pincéis redondos Os pincéis de lavagem suave e de lavagem mais macia criam traços suaves nas bordas, semelhantes aos que criamos no vídeo de aquarela tradicional Eles são excelentes para pintar lavagens ou adicionar bordas sutis em suas pinturas Os pincéis com efeito de álcool e sal servem para criar certos tipos de efeitos especiais que abordarão mais em um vídeo posterior O liquidificador de água é destinado especificamente para a ferramenta liquidificadora, mas entenda que você certamente pode pintar com ele, assim como você também pode usar outros pincéis neste conjunto com a Este pincel está cheio de água e vai misturar qualquer pincelada como se você estivesse pintando molhado com molhado. As duas escovas de carimbo de lavagem servem para criar lavagens grandes rapidamente, mas também têm vários outros usos, que abordarão mais em um Os pincéis de gotejamento e respingos estão entre os meus favoritos. Quase sempre termino todas as minhas pinturas com alguns respingos O pincel de gotejamento adicionará alguns pontos únicos, enquanto o pincel de respingos enlouquecerá espalhando tinta Vamos pintar uma pena rápida para dar uma ideia do que esses pincéis podem fazer e fique à vontade para pintar comigo, se quiser Vou esboçar essa pena de memória porque quero que seja uma demonstração rápida do pincel e acho que a forma é simples o suficiente para que eu possa fazer isso sem referência Enquanto trabalho, vou tentar ter em mente uma silhueta forte e evitar padrões repetidos na Também vou manter o esboço bem solto porque sei que em alguns minutos vou ajustá-lo na próxima etapa Ok, estou tocando na ferramenta de transformação, vou reduzi-la um pouco e depois incliná-la levemente. Então, agora estou criando uma nova camada e movendo-a abaixo da camada de esboço Estou usando o pincel opaco em azul escuro para delinear a silhueta da pena, usando o usando o Na verdade, não estou seguindo exatamente as linhas do esboço aqui, pois quero continuar adicionando variação e interesse visual à medida que trabalho Isso é algo que eu realmente tento conhecer continuamente, especialmente no início da pintura. A forma que estou criando aqui servirá como base para nossa seleção de penas, com as quais pintaremos em outras camadas Na verdade, não fará parte da pintura final. Agora estou preenchendo o contorno e vou criar algumas peças de penas mais finas com traços simples, e estou fazendo isso apenas para adicionar um pouco mais de interesse visual à pouco mais de interesse visual Então, estou usando o mesmo pincel opaco, mas desta vez com a ferramenta de borracha para eliminar algumas áreas da silhueta da pena Em uma pintura tradicional, essas áreas são criadas partir de espaços entre pinceladas que não foram molhadas Porque a aquarela não fluirá para essas pequenas áreas secas menos que você a empurre para lá com um pincel Então, ao apagar esses espaços, é como se eu estivesse imitando aquela aparência da Agora que temos uma forma de pena, vou renomear essa base de camada Vou fazer uma seleção dessa camada e desativar a visibilidade. Em seguida, vou criar uma nova camada e preenchê-la com uma grande pincelada com a escova macia. E agora temos essa bela base de textura para trabalhar. Agora vou escolher uma cor roxa para pintar em alguma variação de cor Em seguida, usando o mesmo pincel macio com o blurtl, vou misturar o azul e o roxo Vou criar outra nova camada e vou tirar uma amostra da cor roxa da pena e torná-la um pouco mais escura Usando o mesmo pincel macio novamente, vou pintar fora da seleção, permitindo que apenas a borda do pincel passe sobre a forma de uma pena Isso escurecerá a borda de nossa pena, que imitará novamente o comportamento da aquarela tradicional pois a tinta tende a escorrer em direção à borda de uma forma à usarei o blentol novamente para desfocar algumas áreas nas bordas E na mesma camada, estou escolhendo um pincel e vamos estampar um pouco de roxo mais escuro na base da pena E por causa de nossa seleção, o selo se limita à nossa forma de pena. Agora, em outra camada usando o pincel de água desta vez, vamos detalhar as bordas novamente. Na verdade, vamos usar o pincel detalhador de aquarela Vou pintar uma linha fina de detalhes ao redor da pena, reforçando o efeito de borda escura Ao contornar a pena, escureço algumas bordas e deixo algumas de fora, pois quero que o efeito seja um pouco fora, pois quero que o efeito seja Agora estou criando uma nova camada e movendo-a abaixo da nossa camada de borda detalhada. Estou selecionando um pincel úmido novamente e, desta vez, usando uma cor azul e estampando a outra parte da pena apenas para adicionar um pouco mais Em outra nova camada, vou adicionar mais variações selecionando um azul claro e pintando alguma textura usando o pincel de efeito álcool. Para finalizar esta peça, adicionarei alguns respingos na seleção de penas usando novamente uma cor azul clara Agora vou desfazer a seleção e adicionar mais alguns respingos ao redor da pena usando Ok, como ajuste final, vou combinar todas as camadas, aumentar a saturação e variar um pouco a tonalidade E eu acho que isso vai bastar para este. A pergunta que recebo com mais frequência sobre meus conjuntos de pincéis é como sei qual pincel usar? A resposta para essa pergunta é: o que você está pintando? Se você estiver criando uma borda dura, pegue uma das rodadas. Se você precisar de uma borda macia ou algo com mais textura, pegue uma escova macia. Se você estiver detalhando uma área pequena, use o detalhador ou até mesmo o pincel Eu realmente acho que a seleção de pincéis se resume à experiência, porque com a experiência vem a confiança e saber o que você está fazendo, o que você está procurando e está pintando. Se você acha que ainda não chegou lá, tudo bem. Temos muito mais a abordar neste curso, e você estará lá antes que perceba. 9. 9. Criando variedade de bordas: Falamos um pouco sobre o conceito de variedade de borda, mas eu queria criar um vídeo especificamente sobre o assunto porque acredito que seja uma parte essencial de uma pintura. É importante para mim que você tenha uma compreensão sólida desse tópico e saiba como aplicá-lo em sua própria arte Acredito que existam três tipos de bordas em uma pintura bordas duras ou afiadas, bordas suaves e bordas perdidas. Esses três tipos de arestas desempenham um papel na hierarquia visual. Isso significa que tendemos a ver certas bordas em ordem de importância ou clareza visual. As bordas rígidas são as mais altas nesta classificação. Como eles têm a maior clareza, é o que nossos olhos tendem a notar primeiro. Os pontos focais nas áreas de detalhes tendem a ter as bordas mais duras em uma aquarela As bordas suaves geralmente são secundárias e contêm alguma importância, mas menos do que as bordas rígidas. A pele é um bom exemplo de bordas suaves. Às vezes eu pinto o pelo muito suavemente com pouco ou nenhum detalhe Seu olho vê que está lá e o registra como pele, mas não necessariamente habita ou repousa sobre essas áreas da pintura Bordas perdidas são uma espécie de espaço mágico em que estamos insinuando que algo está lá sem realmente mostrá-lo É como se seu cérebro preenchesse o espaço sem realmente ver Na verdade, essa é uma lição muito boa e algo para se ter em mente Em uma pintura, nem sempre precisamos mostrar tudo. Ao fazer isso, na verdade, criamos mais interesse porque seu cérebro gosta do mistério de preencher os espaços em branco com imaginação Bordas perdidas também podem ser usadas para adicionar um pouco de qualidade abstrata a uma pintura. E isso é algo que eu pessoalmente acho muito atraente nessas áreas ao decidir onde elas deveriam estar Vamos dar uma olhada em como os pincéis foram usados para criar uma variedade de bordas nesta pintura floral para proporcionar um bom equilíbrio e hierarquia visual A forma geral da silhueta da flor foi pintada com um pincel duro, como o detalhador em aquarela ou o pincel detalhador em aquarela ou o Em seguida, as cores do interior das pétalas foram pintadas com o pincel plano E então as bordas foram suavizadas usando a escova plana novamente com a ferramenta de borrar Eu escolhi perder algumas das bordas do formato da flor, como se a tinta fugisse da silhueta Fiz isso na parte de trás da flor para definir um pouco de profundidade e combinar um pouco a forma com o fundo. Também fiz isso um pouco na frente apenas para sugerir um pouco de profundidade de campo. profundidade de campo se refere à distância entre os elementos mais próximos e mais distantes em uma foto ou pintura, neste caso, que parecem nítidos e focados Então, olhando para esta pintura, podemos ver claramente todas as três arestas em ação. Bordas duras dão foco e prioridade visual à silhueta da flor Eles também são usados nos detalhes encontrados no centro da flor. Bordas suaves são usadas para pintar a cor dentro das pétalas da flor, e bordas perdidas estão sendo usadas para definir um pouco de profundidade e interesse para o fundo e um pouco para o primeiro plano Uma pergunta que sempre recebo é como faço para evitar desfocar minha pintura? A causa mais provável é que você não tenha variedade suficiente de bordas, especificamente bordas rígidas. Você precisa da nitidez das bordas duras e dos pontos focais para que seu olho seja guiado até lá e tome cuidado com o uso excessivo da ferramenta de Se sua pintura parecer muito embaçada, é provável que você esteja perdendo essa nitidez Portanto, recomendo que você seja cuidadoso com as bordas e certifique-se de que sua pintura tenha um equilíbrio entre os tipos de bordas para evitar aquela aparência embaçada Como tarefa, gostaria que você experimentasse uma pintura simples de uma fruta, algo fácil como uma fatia de laranja, uma maçã ou um morango, como estou fazendo aqui Eu quero que você tenha em mente a variedade de ponta. Seja estratégico sobre onde você coloca esses três tipos de arestas. Se a pintura começar a ficar embaçada, comece a procurar as bordas duras para trazê-la de volta ao Na minha pintura de morango, estou usando bordas mais suaves na iluminação do morango para sugerir As bordas do morango e das sementes pequenas têm bordas mais duras para dar foco e nitidez Eu até tenho uma borda ligeiramente perdida na base onde a sombra começa porque nenhuma luz está pousando lá. Experimente e não se esqueça de me compartilhar e marcar nas redes sociais e me dizer como você usou bordas para dar mais dimensão e foco à sua pintura. 10. 10. O que é uma lavagem em aquarela?: O termo lavagem se refere a uma técnica em que você pinta uma camada muito fina de aquarela em uma grande área de água Isso faz com que a tinta se mova pela piscina de água, criando redemoinhos e flores e todos os tipos de Mais uma vez, essa é uma técnica que permite que a aquarela se pinte sozinha, já que você está abrindo mão do controle e deixando a tinta assumir o Depois que a tinta seca, você fica com áreas da pintura que realmente têm vida própria As texturas resultantes deixadas pela mistura de água e tinta dão vida à pintura Pessoalmente, adoro esse aspecto da aquarela e o uso o tempo todo em trabalhos tradicionais e digitais Gosto de criar lavagens e procriar de duas maneiras , e muitas vezes uso esses dois métodos juntos para ter total flexibilidade e controle sobre a aparência O primeiro método é pintá-los usando pincéis macios Aqui estou usando os pincéis lavados macios do conjunto de pincéis grossos Pintar lavagens como essa permite um nível de liberdade na forma e nas áreas claras e escuras, porque você está pintando do zero Costumo usar a ferramenta de borrar com o mesmo pincel selecionado para espalhar a lavagem ou desbotar nas bordas A outra técnica que eu uso para criar lavagens é usar pincéis de carimbo Aqui estou usando os dois pincéis de carimbo do conjunto de pincéis do curso Esses pincéis foram criados usando fotos de alto risco ou digitalizações de lavagens reais criadas com tinta tradicional Portanto, o resultado é o mais realista possível. Esses pincéis são rápidos e fáceis e geralmente criam aleatoriedade e acidentes felizes, o que eu acho muito divertido As lavagens podem ser usadas para criar e misturar formas, e também podem ser usadas para criar planos de fundo abstratos Vamos tentar pintar uma forma primeiro e sinta-se à vontade para pintar junto, se quiser. Começaremos desenhando uma folha com o pincel de desenho a lápis Em seguida, vamos querer criar uma área de confinamento para a pintura Em uma aquarela tradicional, isso será equivalente a uma área molhada do papel tinta permanecerá dentro dos limites do espaço úmido e não escorrerá nem se moverá para o papel seco Em Procreate, criaremos a mesma área confinada com uma seleção Então, vamos delinear nossa forma de folha com a ferramenta de seleção Isso nos dá o equivalente a uma área úmida de papel. Depois, podemos carimbar ou pintar algumas lavagens para nos dar nossa forma pintada Isso é muito fácil de fazer e pode ser o passo inicial em muitas pinturas. Adoro a aleatoriedade de construir formas dessa forma versus pintar em áreas sólidas de cor As pinturas em aquarela normalmente não têm uma área sólida de cor opaca, como as pinturas a óleo Geralmente há algum grau de textura. Portanto, esses amortecedores de lavagem também são perfeitos para dividir essas áreas de cores sólidas com um pouco de aleatoriedade Ok, vamos tentar outro. Desta vez, vamos usar as escovas macias. A ação já foi feita e vou pintar ao redor da borda da folha sem levantar a ponta do lápis até que esteja pronto para começar uma nova camada de lavagem. Também estou pintando ao redor da borda, a parte externa da folha para escurecer as bordas Vamos pegar a escova mais macia e aumentá-la um pouco Vamos pintar em outra camada de lavagem. Também estou usando uma pressão muito leve aqui. Portanto, escurecer as bordas dessa forma ajudará a criar a aparência de tinta real, pois ela tende a se mover em direção à borda quando começa a secar OK. Aí está. Aí está nossa segunda folha desta vez pintada com pincéis Ao usar lavagens como plano de fundo, penso nisso como uma mistura de áreas que aumentam ou aprimoram a composição Com esse conceito em mente, você não quer estampar qualquer produto de lavagem em qualquer lugar Eu vou te mostrar o que quero dizer neste exemplo. Vamos terminar o plano de fundo dessa raposa. Incluí essa pintura nos recursos do curso, caso você queira acompanhar, mas não se sinta obrigado a lavar nas mesmas áreas que eu Sinta-se à vontade para experimentar e ver o que você pode criar. Ok, vamos usar os pincéis úmidos do conjunto de pincéis grossos Vou começar com uma lavagem úmida 2. Nosso arquivo está em camadas e queremos colocar uma nova camada abaixo de todas as outras. É aí que vamos colocar nossas lavagens iniciais. Vou provar uma cor da nuca da raposa e acho que vou colocar minha primeira lavagem nessa área. Diminua o tamanho do pincel um pouco. Ok, isso parece muito bom. Deixe outro aqui. Ok, eu já gosto disso. Vou provar uma laranja mais escura, colocar uma mais abaixo. Ok, eu gosto muito disso. Vou pegar uma para lavar. Vou deixar outro no meio. Isso funciona muito bem. Eu gosto do fluxo natural que isso tem. Eu já está aumentando a forma da raposa, e parece uma extensão natural da pintura. Se eu jogasse outro aqui em cima, veria como isso meio que o desequilibra um pouco Não parece tão natural. Eu vou escolher um azul frio agora ou um cinza frio. Vou tomar banho úmido novamente e vou começar um plano de fundo para o rosto da raposa Está bem? Novamente, estou procurando uma extensão natural da pintura. Enquanto coloco essas lavagens, meu olho está em busca de uma composição equilibrada Ok, isso é um pouco baixo demais. Vou pegar a ferramenta de desfoque Vou desfocar alguns desses elementos repetidos. As ferramentas de desfoque já estão configuradas no liquidificador de água. Eu tenho apenas alguns desses respingos repetidos dos quais eu meio que quero me livrar A umidade da lavagem gira toda vez que você a coloca, mas, ocasionalmente, você ainda obtém alguns desses elementos repetidos É rápido e fácil simplesmente apagá-los ou misturá-los. Ok, vamos criar uma nova camada acima de todas as outras desta vez? Isso será para alguns destaques. Quero dividir algumas dessas áreas de cor que estou vendo, além do pincel , desta vez, quero dividir essa área aqui Vamos torná-lo um pouco maior. OK. Eu tenho outra área aqui que eu quero dividir. Isso é muito bom. Eu também tenho essa linha dura que estou vendo no rosto e quero dividir essa área também. É muito bom, mas talvez seja um pouco demais. Vamos tentar outro. Isso é um pouco mais sutil. Eu gosto mais disso. Agora vamos usar as escovas macias para aprimorar as lavagens que já preparamos Vou criar uma nova camada abaixo da camada de destaques e vou escolher a escova macia. Então, estou procurando essas áreas nas lavagens onde parece que a tinta pode ter fluído na água antes de secar E eu quero meio que melhorar ou escurecer essas áreas. Toda vez que eu pego e coloco a ponta do lápis com esse pincel, ele escurece o traço, mas tudo bem, porque vou misturá-los um pouquinho Então, vejo outra área aqui na qual também quero adicionar um pouco de fluxo. E outro aqui em cima também. Agora vou usar o liquidificador com o mesmo pincel macio selecionado e vou misturar algumas dessas bordas mais duras Mas eu não quero misturar tudo porque ainda quero ter um pouco dessa variedade de bordas na máquina de lavar. Basicamente, estou apenas tentando imaginar onde a tinta teria fluído e onde teria se espalhado. É muito fácil exagerar ferramenta de desfoque com algo assim Mas as bordas de nossos carimbos de lavagem em outra camada estão ajudando a evitar que as coisas pareçam muito embaçadas. Ok, eu acho que isso parece muito bom. Mais alguns retoques. Ok, vamos dar uma olhada no que fizemos ligando e desligando a camada. O que fizemos foi muito sutil, mas criou algumas áreas escuras nas lavagens e adicionou algumas variações ao pelo Acho que estou muito feliz com essa raposa por enquanto. Viu como é fácil pintar com lavagens? Passamos disso para isso em cerca de 5 minutos. Isso é muito legal. Espero que o conceito de usar lavagens da maneira que descrevi tenha aberto novas ideias para suas pinturas e inspirado você a pintar mais elementos abstratos em sua arte E agora que vimos algumas lavagens em aquarela, vamos passar para mais alguns efeitos especiais Ah 11. 11. Efeitos especiais em aquarela: Um aspecto muito interessante da aquarela é como ela interage com coisas como água, álcool e sal quando são introduzidas no momento em que a tinta começa a secar Além disso, o tipo de papel usado e a superfície desse papel desempenham um papel no resultado final. Esses efeitos podem dar a uma pintura em aquarela uma textura muito original Também podemos aplicar esses efeitos especiais às nossas pinturas digitais para criar mais profundidade e realismo Vamos examinar mais de perto esses efeitos e como eles são criados. água é definitivamente o influenciador número um na forma como uma pintura em aquarela É preciso água para ativar o pigmento para iniciar uma pintura, mas ela também pode ser usada para criar efeitos especiais quando a tinta estiver no papel Por exemplo, um pincel úmido pode ser usado para espalhar ou mover a tinta ou misturá-la completamente Podemos usar o pincel do liquidificador de água para fazer a mesma coisa e procriar Aqui eu tenho a ferramenta de borrar com o pincel do liquidificador de água selecionado Estou iniciando a escova fora da lavadora e movendo a pincelada para dentro dela. É como colocar água limpa na tinta, ao passo que iniciar a pincelada na lavagem e movê-la para fora é o oposto, como mover a tinta para a água Outro efeito da água pode ocorrer quando a água é introduzida na tinta quando ela começa a secar no papel. A água faz com que a tinta se espalhe novamente sobre si mesma, e o resultado é chamado de flor. Acho que as flores são um bom efeito para quebrar áreas sólidas de cores em uma pintura digital Podemos criar flores usando os pincéis úmidos com a ferramenta apagadora ou pintando-as manualmente usando um pincel e a ferramenta apagadora Sal e álcool são dois métodos para criar texturas realmente únicas em uma pintura Quando sal ou álcool são introduzidos na tinta antes de secar, isso cria uma resistência na tinta Os resultados criam uma textura áspera e aleatória. Em uma pintura tradicional, você pode borrifar álcool para criar uma espécie de efeito de respingo reverso em uma grande área de Podemos fazer o mesmo no Procreate usando o pincel de efeito álcool com a ferramenta de borracha Você também pode usá-lo com a ferramenta de pincel para espalhar a lavagem, dando uma borda texturizada mais áspera Ao usar sal em uma pintura tradicional, ele normalmente é borrifado na tinta úmida e depois deixado secar antes de ser removido Isso resulta em uma textura fina e arenosa. Podemos criar essa aparência e procriar usando o pincel com efeito de sal e uma tinta de cor mais clara do que a que estamos pintando Essa é uma excelente maneira de adicionar textura a uma área mais lisa de uma pintura Os Splatters são meus favoritos pessoais. Há um aspecto deles em uma pintura tradicional que exige que você renuncie ao controle que tem sobre o que está acontecendo Você pode fazer algumas coisas para apontar na direção dos respingos, mas não Em nossas pinturas digitais, temos um pouco mais de controle sobre onde nossos respingos caem Eu incluí dois pincéis de respingos no conjunto de pincéis grossos O pintor de gotejamento aplicará um respingo de cada vez, e o pincel de respingos aplicará muitos respingos de uma vez, com a pressão da caneta controlando controlando Adoro aplicar respingos para renderizar ainda mais a pintura de uma forma, porque os respingos têm uma borda dura Ele pode focar áreas da pintura, o que significa que nossos olhos as verão primeiro em que significa que nossos olhos as verão vez de uma área mais macia da peça Também os adoro como elemento de composição porque também podem fornecer uma forma ou direção sutis ou direção Os tipos de papel têm um grande impacto nas aquarelas tradicionais. Existem basicamente três tipos de papel, independentemente da qualidade ou marca. Os três tipos são prensa a frio, prensa a frio áspera e prensa quente. A prensa a frio é provavelmente a mais comum com uma textura semi-rugosa Aplicar textura de papel e procriar é muito fácil, mas tem um grande impacto na pintura Incluí uma textura básica de papel prensado a frio nos recursos do curso. A maneira mais simples de aplicar essa textura de papel é colocá-la em uma camada acima de todas as outras e definir o modo de mesclagem dessa camada para multiplicar A textura resultante proporcionará uma pintura digital e uma aparência muito mais realista. Agora, vamos pegar todos esses efeitos especiais e usá-los para finalizar nossa pintura de raposa do vídeo anterior. Mais uma vez, não acho que você precise jogar respingos e efeitos nos mesmos lugares que eu O objetivo é se familiarizar com o funcionamento desses pincéis e como esses efeitos podem ser usados para completar uma pintura Vou começar com uma nova camada acima de todas as outras, e selecionei duas camadas úmidas como meu pincel Vou experimentar essa cor de pele clara e quero criar uma pequena flor aqui nesta área e talvez fazer com que ela flua um pouco. Então, estou batendo na flor com a lavagem úmida e vou usar o pincel mais macio para pintar um pouco mais, como se a flor se Tudo bem, acho que parece muito bom. Agora vou pegar o pincel Wash Dump Two novamente e quero adicionar outra pequena flor em que esse branco mude para o escuro abaixo do nariz Tudo bem, agora vamos criar uma nova camada novamente, e eu quero usar o pincel com efeito de sal desta vez Vamos usar esse pincel para quebrar algumas áreas de cor mais suaves, como a que está abaixo do olho Estou amostrando esse tipo de cor de sienna queimada e vou torná-la mais Isso vai precisar de uma pressão mais leve. Tudo bem, vou fazer a mesma coisa aqui, então vou provar esse laranja escuro, mas vou deixá-lo um pouco mais claro Ok, vou dar uma olhada e colocar mais algumas onde acho que um pouco de cor precisa ser quebrada. Use um pouco aqui embaixo na área cinza. Tudo bem, isso é muito sutil. Acho que a cor precisa ser mais clara. Tudo bem, isso é melhor. Vou dar uma olhada. Parece muito equilibrado até agora. Acho que vou adicionar uma nova camada, e vamos tentar algumas mais escuras. Então eu vou fazer o oposto. Vou provar essa cor de pele escura, mas vou deixar a cor mais escura Ok, isso é demais. Vou aumentar o pincel, e vou tentar apenas alguns toques em vez de pinceladas, toques no alfinete Ok, isso é bom. Gosto de como isso separa aquele branco. Vou adicionar um pouco na cabeça com uma leve pressão real, só um pouquinho. Ok, está parecendo bom. Gosto de como essa textura salgada está quebrando a tinta e é uma combinação muito boa termos de textura para esta pintura. É demais. Ok, eu gosto disso. Um pouco mais. Isso é muito bom. Vou tentar o branco novamente só para ver se consigo adicionar um pouco mais de variação em alguns pontos. Voltando para aquela cor clara. Então, estou usando o pincel opaco com a ferramenta de borracha para me livrar de algumas dessas pequenas manchas Tudo bem, agora esse é o modo experimental completo, basta ver se alguns desses respingos de sal branco funcionarão em Tudo bem, olhando em volta, acho que isso bastará para o efeito do sal Então, vamos adicionar outra nova camada para alguns respingos. Normalmente começo primeiro com respingos mais escuros, então seleciono a cor de pelo mais escura novamente e a deixo Então, vou usar o pincel de respingos. Já está configurado para um tamanho bem grande. Vamos dar uma olhada em alguns e ver o que acontece. E estou apenas tocando no pino para colocá-los. Quero ter em mente esse tipo de fluxo direcional na pele e meio que quero mantê-lo com os respingos, se eu puder Talvez tente algumas na cabeça. Vou diminuir um pouco o tamanho do pincel. Lembre-se de que o pincel é sensível à pressão ; portanto, toques leves causarão respingos pequenos e toques duros farão respingos maiores. Vou experimentar alguns escuros, alguns cinza-escuros aqui embaixo. E talvez alguns no topo, também. Tudo bem, então vamos experimentar alguns respingos de luz em uma nova camada e ver como as coisas se equilibram Estou usando o pincel de respingos novamente para esses respingos mais leves Ok, o mesmo processo de antes. Desta vez, vou experimentar cores claras e tocar nos respingos. Ok, então muito leves e pequenos para alguns deles, talvez você nem consiga vê-los no vídeo. Ok, estou dando uma olhada agora, e as coisas parecem muito boas e equilibradas. Eu acho que isso é realmente algo que você tem que decidir por si mesmo. Se tudo estiver bem nos seus olhos, você definitivamente saberá. Você quer que esses efeitos pareçam uma parte natural da pintura, aprimorando o que está lá e não o distraindo Como última etapa, vamos adicionar uma textura de papel rápida. Vou até a galeria e pegar a textura do papel nos recursos do curso. Vou deslizar três dedos para copiá-lo e voltar para a pintura Agora, vou deslizar novamente para colá-lo e definir o modo de mesclagem de camadas para multiplicar Ok, acho que isso completa nossa pintura de raposa. Espero que este vídeo ajude você a ver como é fácil e divertido adicionar efeitos especiais e como eles podem ser usados para renderizar e aprimorar ainda mais suas pinturas. 12. 12. Introdução à teoria das cores: Ah. A cor pode ser intimidante no início, mas com um pouco de conhecimento básico e a ajuda de uma roda de cores, é muito fácil entender os fundamentos da teoria das cores Existem alguns esquemas de cores que eu mais uso. O primeiro é o mais simples. Um esquema de cores monocromático é apenas uma cor. Esse esquema é uma ótima prática para entender valor, porque quando você está pintando com uma cor, você é forçado a usar vários tons e tonalidades dessa cor para obter todos os valores necessários em sua pintura Esquemas de cores complementares são uma maneira fácil de começar a planejar cores para uma pintura. A ideia é usar uma cor junto com seu oposto na roda de cores. Essas duas cores sempre terão um bom contraste de cores. Por exemplo, você pode começar com cores quentes como luzes e cores frias complementares como sombras Agora vamos dar um passo adiante com outro tipo de esquema de cores chamado triático Um triângulo é usado na roda de cores para localizar duas cores complementares da primeira cor escolhida. Costumo trabalhar com uma variação desse esquema triático. Eu escolho uma cor e descubro sua cor complementar mais seu esquema triático e considero que todas as cores na parte inferior do triângulo podem ser usadas Mas entenda que as cores em uma pintura digital podem ser fluidas. A ideia de um esquema de cores como esse é um começo sólido, mas quando uma pintura começa, um esquema de cores pode ser experimentado e possivelmente alterado ao longo do caminho Vamos dar uma olhada em um exemplo finalizando nosso esboço de chapim anterior. Pegue seu esboço e fique à vontade para pintar junto, se quiser Ok, então eu quero que isso seja uma pintura colorida. Mas esse pássaro em particular não tem muita cor. Então, vamos falar sobre um plano para escolher as cores para representar os valores desse pássaro. Então, vou selecionar isso da isra. Sou como a imagem superior, e vou movê-la, vamos dar uma olhada nela Vamos dar uma olhada em preto e branco. Ok, então você pode ver os diferentes valores. O escuro está aqui, as luzes estão aqui, e depois há alguns tons de cinza médio Portanto, precisamos escolher cores para representar esses valores diferentes. Tudo bem? Então, vamos nos livrar disso. Vamos falar sobre um plano de cores. Eu sei que quero que as cores escuras do pássaro na cabeça e nas penas caiam em algum lugar aqui nesta faixa azul púrpura Portanto, o complemento estaria aqui nesta faixa de amarelo-laranja. Mas usando esse esquema triático sobre o qual acabamos de falar, sei que todas essas cores são adequadas para esse esquema específico Então, para representar alguns dos meus tons médios, posso usar laranja ou verde, e minhas luzes provavelmente serão amarelas ou amarelas esbranquiçadas. Tudo bem Então, vamos começar. A primeira coisa que vou fazer é mudar a opacidade, diminuir a opacidade do meu pássaro. Vou criar uma nova camada em cima do esboço. Quero começar a pintar em alguns desses valores de tom médio. Então, sabemos pelo nosso exemplo de roda de cores, que provavelmente vai cair em algum lugar nesta faixa de amarelo-laranja aqui. Vou usar o pincel de água e vou começar a pintar em alguns desses valores que vejo na minha referência. Agora, em uma aquarela tradicional, você está pintando do claro ao escuro Estamos fazendo a mesma coisa aqui, mas como isso é digital, provavelmente revisitaremos as luzes mais leves em uma etapa posterior Além disso, estou pintando essa cor clara sob algumas dessas áreas escuras, onde sei que o roxo azulado ficará mais tarde, mas estou fazendo isso porque quero criar essa aparência em camadas, já que a aparência em camadas, já que maioria desses pincéis Ok, eu vou usar um pouco de laranja mais escuro agora. E vou usar o detalhador de aquarela só porque esse pincel é um pouco mais opaco do que o Nós, vamos crescer um pouco mais. Agora vou usar a escova de água com a ferramenta de borrar e vou misturar algumas dessas bordas mais duras. Agora vou usar a escova de água com a ferramenta de borrar e vou misturar algumas dessas bordas mais duras Ok, agora, essa área de sombra embaixo, fica um pouco mais escura do que a que eu tenho, então vou usar ainda mais laranja para essa área só porque há uma bela sombra lá Muitas vezes, as sombras podem ser, muitas vezes, as sombras podem ser cores frias, mas para essa pintura em particular, acho que quero experimentá-la com apenas um laranja mais escuro, para ver como funciona Sempre podemos mudar. Ok, vou desfocar as bordas disso também, só um pouco, na parte interna do pássaro Vou deixar essa perna um pouco mais fina também. Vou usar o pincel de água para espalhá-lo um pouco mais, porque esse pincel também ficará um pouco embaçado. Acho que parece muito bom até agora. Ok, voltando à nossa roda de cores, sabemos que queremos usar um roxo azulado para os escuros Então, vou tentar algo assim, talvez ficar um pouco mais azul, algo bem aí dentro. E eu vou usar o detalhador de aquarela novamente porque é um pincel bem opaco Vou usar exatamente o mesmo processo que usei com o tom mais claro, então vou acelerar o tempo um pouco. Acho que quero experimentar um pouco de rosa para preencher a lacuna entre esse tom escuro e claro. Agora, está se desviando um pouco das nossas opções de roda de cores. Tudo bem. É só por uma questão de experimentação. E se não gostarmos, sempre podemos removê-lo. Então, vou adicionar uma nova camada para experimentar isso. E eu vou usar uma espécie de rosa púrpura. Talvez alguma coisa esteja lá dentro. E acho que vou experimentar uma escova macia para isso. Eu também tenho o pincel configurado com cerca de metade da opacidade. Ok, eu gosto muito disso, e acho que vou seguir em frente e mesclar essas camadas. Ah. Vamos tomar algumas lavagens. Gosto usar lavagens e respingos e pinturas de pássaros porque os pássaros têm muito movimento e energia e pulam e voam E acho que adicionar lavagens ao fundo realmente representa esse movimento e energia Ok, então eu vou usar a escova de lavagem úmida. Eu tenho um valor bem alto. Eu fico com opacidade total. E lembre-se disso, lembre-se da nossa roda de cores. Por exemplo, tínhamos um pouco de verde amarelo neste lado, então eu quero começar com essa cor verde amarela, ver como isso funciona. Faça com que seja bem leve. E eu quero adicionar uma nova camada abaixo da nossa pintura. Ok, novamente, isso é experimentação, então vou clicar e remover até gostar da aparência até achar que a lavagem aumenta a forma e a pintura Ok, acho que também quero usar uma laranja, mas quero deixá-la um pouco mais vermelha, um pouco mais saturada. Vamos tentar isso. Ok, isso é muito legal. Vou diminuir um pouco a opacidade e talvez tentar uma aqui Ok, isso parece muito legal. Vou tentar, vou experimentar um roxo ao redor da cabeça, já que a cabeça já está roxa, vou diminuir um pouco mais a opacidade e ver como isso funciona Parece muito bom. Acho que vou comprar um com um pouco mais de opacidade Oh, acho que vou reduzir isso um pouco. Experimente isso. Mamãe. Vamos adicionar mais um. Vou fazer mais uma vez com aquela laranja vermelha novamente, aqui mesmo. Lá vamos nós. Ok, enquanto estamos aqui, vamos jogar um pouco de álcool nessa lavanderia. Vamos fazer isso com a ferramenta de borracha e o pincel de efeito álcool, e eu o tenho com uma opacidade um pouco menor Temos um conjunto de tamanhos bem alto. E eu só quero, com uma leve pressão, trazê-lo para a frente e trazer de volta aquele destaque no pássaro, apagando um pouco da água no fundo Ok, vamos também adicionar uma camada em cima da nossa camada inicial de tinta e vamos aplicar algumas lavagens por cima. Está bem? Quero ver se consigo obter essa cor roxa clara. E vamos voltar a lavar dois pratos úmidos. E vamos ver se eu quero torná-lo um pouco menor. Ali mesmo. Isso é muito bom. Agora, vamos ver. Talvez mude um pouco o roxo. Eu vou ficar um pouco mais triste com ele. Ok, aí mesmo. Diminua um pouco a opacidade Eu vou voltar para o meu verde. Ok, vamos continuar e trazer de volta alguns dos nossos destaques. Vamos criar uma nova camada. Eu quero escolher uma cor que seja um pouco amarela, quase branca, não totalmente branca, mas apenas com um toque de amarelo Eu quero usar o Oh, provavelmente vamos usar, vamos tentar o detalhador de aquarela A ideia aqui é trazer de volta alguns desses destaques, e queremos que alguns deles se misturem como se estivéssemos usando guash em uma pintura tradicional e usando muita água para que o guash se espalhe e se misture com a cor subjacente Ok. Também vou adicionar um pouco de sal usando a mesma cor amarela clara. Vou fazer isso em uma nova camada e só quero adicionar um pouco de textura sobre nossa tinta existente. Usando uma pressão muito leve aqui, talvez você não consiga ver o que está acontecendo. Está apenas adicionando um pouco de textura. Agora é só uma questão de adicionar alguns detalhes. Vou começar adicionando alguns detalhes escuros ao redor da cabeça e da asa. Vou usar o pincel opaco para fazer isso. Eu o tenho configurado para um tamanho bem pequeno. Vou desfocar alguns detalhes com a ferramenta de desfoque usando o pincel de Vou selecionar um roxo escuro e vou trabalhar em uma nova camada. Estou adicionando esses tons mais escuros para agregar mais valor ao contraste na pintura Então, estou procurando os negros mais profundos na foto de referência Estou misturando algumas das bordas mais duras para que pareça que a tinta escorreu junto E isso também criará um pouco de variedade. Agora vou fazer a mesma coisa novamente com os detalhes da luz. Desta vez, vou usar branco puro. E eu vou pintar em outra nova camada. Como mencionei antes, usaríamos abóbora em uma aquarela tradicional para pintar de branco sobre outras cores pintar de branco sobre outras Guash é aquarela, mas é simplesmente opaca. Como é aquarela, estou misturando as bordas dos detalhes em branco para fazer parecer que a tinta se espalhou em outras Agora eu quero terminar a pintura com um pouco de respingos E vou prosseguir e fechar minha referência para isso. Ok, minha filosofia com a adição de respingos é apenas adicionar pouco mais de direção externa à peça e dar a ela um pouco mais de movimento e energia E acho que quero ir em frente e desligar o esboço agora também E vou adicionar esses respingos em uma nova camada acima de tudo E eu vou pegar o pincel de respingos. E vou começar adicionando algumas das laranjas aqui. Agora, esse pincel é sensível à pressão, então quanto mais eu toco, maiores são os respingos, e toques leves resultam hora de pegar um pouco desse verde, mas vou deixá-lo um pouco mais escuro só para que possamos ver os respingos Ok. Acho que vou adicionar algumas laranjas aqui embaixo. Estou apenas amostrando cores ao redor do pássaro perto de onde estou colocando os respingos Pegue alguns roxos aqui e talvez alguns bem escuros aqui em cima. Alguns bem pequenos. Ok, eu também quero adicionar alguns brancos. Ok, eu gosto disso. Eu gosto disso. Parece muito equilibrado. Deixe-me ver talvez. Sim, vamos lá. Ok. Sim, parece muito equilibrado e parece que é apenas uma parte natural da pintura. Nada é realmente perturbador. Você sabe, você não quer que nenhum respingo caia sobre o olho ou o bico, só porque essas são características realmente proeminentes, e um respingo sobre essa área distrairia o ponto focal Eu quero tentar outra coisa bem rápido. Quero nivelar tudo em uma camada, exceto os respingos Descobriu essa técnica há poucos dias por acidente. Mas se eu usar a ferramenta de borrar e o efeito sal, estou basicamente borrando com Posso adicionar alguns respingos realmente aleatórios e coisas que parecem ter acontecido na pintura, apenas alguns efeitos aleatórios reais, apenas alguns efeitos aleatórios reais, e isso cria um tipo muito legal híbrido de respingos de textura São efeitos aleatórios reais, e acho meio legal tocar em apenas alguns É muito sutil em alguns lugares, mas cria um efeito muito bom Agora, quero colar nossa textura de papel a partir dos recursos do curso e vou me livrar da nossa roda de cores e definir a camada do papel, o modo de mesclagem que devo configurar para multiplicar para adicionar a textura do papel Agora, lembre-se que eu disse que cor pode ser uma coisa meio fluida. Só porque você tem um esquema de cores inicial que usa como base, não significa necessariamente que você tenha que continuar com ele. E vou te mostrar o que quero dizer. Eu costumo fazer alguns pequenos ajustes de cor para finalizar uma pintura. E para fazer isso, deslizo com três dedos e seleciono copiar tudo e precisamos estar na camada superior e deslizar com três dedos para colar Agora temos a pintura inteira achatada na camada superior E eu geralmente faço um ajuste de curvas. E eu coloquei vários pontos na linha curva. E vou simplesmente movê-los, e isso realmente cria um ajuste de cor aleatório muito bom. E geralmente também cria um pouco mais de contraste, mais contraste de valor. E eu apenas faço pequenos ajustes nessas curvas. Ok, isso é muito bom. E outro ajuste que eu gosto de fazer é o equilíbrio de cores. Normalmente começo com os tons médios e acho que quero tentar empurrar os tons médios, talvez um pouco para o vermelho. Amarelo E então eu quero empurrar as sombras um pouco para o azul Muitas experiências podem ser feitas com o ajuste de cores, mas estou muito feliz com isso e acredito que isso completa nossa pintura Espero que, ao pintar esse pássaro juntos, você tenha descoberto como é fácil criar um plano de cores em suas pinturas e também como pode ser divertido manter esse plano flexível e experimentar cores enquanto trabalha. 13. 13. Pintura de projeto parte 1: Como pintura final para um projeto de classe, achei que seria divertido fazer uma tartaruga marinha Nunca pintei uma tartaruga marinha antes e achei que seria uma ótima oportunidade para alguma variação Examinamos pelos e penas e alguns assuntos anteriores, e esse é um bom contraste com superfícies mais duras Além disso, achei que seria divertido fazer uma cena subaquática para pintar com lavagens e vários efeitos Essas são as fotos de referência que eu reuni e são todas lindas. Eu acho que a iluminação é espetacular em todos eles. Gosto especialmente desse porque gosto da aparência pretensiosa do nariz no ar e ele meio que olha para nós Além disso, os efeitos de iluminação da superfície da água interrompendo a luz do sol são muito legais e divertidos de pintar. Além disso, achei fantástica a variação de cor desta . Tem alguns roxos e pouco de verde amarelo claro e alguns azuis contra a água É ótimo, tem um ótimo contraste de cores. As poses em todas elas também são ótimas, porque em algumas delas parece que ele está voando, e eu gosto muito disso porque suas barbatanas me lembram asas, e acho que é uma foto interessante, especialmente aquela em que ele está se virando e tem mesma expressão pretensiosa no rosto, que eu realmente amo Inclua links para fotos de referência semelhantes nos recursos do curso, mas sinta-se à vontade para reunir suas próprias fotos, se quiser. Agora vamos dar uma olhada em alguns esboços em miniatura que fiz com base nessas Tentei manter a composição em mente o máximo possível ao desenhá-las e também usei a grade da regra dos terços para ajudar a orientar meu layout E na minha primeira miniatura, eu queria tentar recriar essas Agora, eu gosto da forma como a barbatana se estende para frente nelas, mas nesta, ela é cortada Então, eu queria ter certeza de que, no meu esboço, você pudesse ver a barbatana inteira Também acho que há um bom equilíbrio de espaço negativo acima e abaixo da tartaruga A coisa toda parece muito equilibrada. Além disso, ao adicionar a superfície da água e o fundo do oceano, além das barbatanas, isso meio que dá uma boa linha principal de volta ao nosso ponto focal, que é a cabeça. Então eu sinto que essa é uma grande possibilidade para a pintura. Agora, na minha segunda miniatura, eu queria recriar essa pose. Gosto de como você pode ver a tartaruga inteira. Também sinto que há um bom equilíbrio nessa composição. E, novamente, temos essas boas linhas principais. Minha terceira miniatura, eu queria recriar uma dessas poses voadoras em que a tartaruga está vindo No geral, acho que essa pose é um pouco estranha só porque não consigo ver muito da tartaruga Com base nisso, acho que esses dois são provavelmente meus maiores candidatos à pintura Agora, nesta fase, eu recomendo que você faça uma série de miniaturas também Dessa forma, você estará preparando as bases e fazendo um plano sólido para sua pintura Em seguida, comecei alguns esboços em tamanho real com base nas minhas miniaturas E estou trabalhando em uma tela de 5.000 por 4.000 pixels a 300 DPI Agora, essa é uma escala muito grande, e você certamente não precisa trabalhar tão grande. 3.000 por 2.000 pixels seriam suficientes. Eu trabalho nesse tamanho porque gosto de reduzir minha peça final porque ela torna a imagem mais nítida Mas falaremos um pouco mais sobre isso em nossas etapas finais desta pintura. O primeiro esboço que fiz foi baseado na miniatura dois, e fiz esse porque fiquei muito atraída pela foto de referência inicial dessa Acho que esse esboço tem muitas oportunidades boas de valorizar o contraste e acho que está muito bem equilibrado na tela Mas quando o vi desse tamanho, senti que havia falta de interesse visual, e acho que isso se deve principalmente ao formato das barbatanas e da cabeça. Se olharmos apenas para as formas básicas, podemos ver que elas são muito semelhantes em forma e tamanho, e acho que competirão um pouco pela atenção do espectador. Então, decidi fazer um esboço com base na minha primeira miniatura. Olhando para este, ele também tem um bom equilíbrio, mas há mais variação nas formas. Olhando para esta como formas básicas, você pode ver que há mais variação de tamanho e forma. Também acho que o arranjo dessas formas é apenas mais interessante visualmente. Também decidi virar a tartaruga horizontalmente. Essa é a direção para a qual ele está olhando na foto de referência, e acho que parece um pouco melhor porque lemos da esquerda para a direita. Então, colocando o ponto focal à esquerda, meu olho o vê primeiro e depois se move naturalmente para a direita. Eu recomendo que você faça um esboço em tamanho real como este com base em um de seus desenhos em miniatura Isso permitirá que você tome algumas decisões de design maiores como eu acabei de fazer antes de começar a pintar. E quanto mais planejamento você fizer dessa forma , melhor será sua pintura. Antes de entrarmos na pintura, vamos fazer um pequeno plano para um esquema de cores. Agora, estou vendo algumas dessas cores douradas, meio amarelo-alaranjadas na tartaruga, então eu sei que quero que essa seja minha cor base para minha tartaruga Então essa cor provavelmente cai aqui em algum lugar. Então, a cor complementar ou oposta na roda de cores estará aqui nesse tipo de roxo azul, que eu também já estou vendo um pouco desse roxo na tartaruga Agora, com base em nosso esquema triático, sabemos que essas cores serão um jogo justo Então, assim como fiz antes no vídeo anterior, considerarei essas cores como um jogo justo. Agora, eu poderia empurrar esse azul um pouco para o verde porque estou vendo uma espécie de cor aquática, esse verde azul aquático no fundo, a cor da Então, olhando para esse plano, acho que posso começar a me referir a isso como o esquema do veleiro Ok, agora que temos um bom design, um bom esboço para trabalhar e uma ideia das cores que queremos, vamos começar a pintar Tenho minha referência aberta aqui à esquerda no Isref e tenho meu esboço aqui no Procreate Vou reduzir a opacidade desse esboço em cerca de 30% e vou criar uma nova camada abaixo da camada do Agora, quero começar adicionando algumas cores azuis no fundo para começar a usar a água E eu quero escolher um azul que esteja em algum lugar entre azul e verde, uma bela cor azul aqua E vou usar o pincel mais macio para pintá-los E eu quero variar um pouco a pressão e também pegar a ponta do meu alfinete para criar algumas áreas mais escuras Agora, eu sei que minha fonte de luz virá daqui de cima e virá na diagonal, semelhante às fotos de referência. Quero manter essa área aqui um pouco mais clara por enquanto. Ok, isso já está começando a parecer água para mim. Tudo bem? Agora, vamos criar uma nova camada e eu vou escolher branco para a cor. E eu quero usar o pincel opaco. O que vou fazer é criar uma máscara para a tartaruga. A razão pela qual estou fazendo isso é porque em uma pintura em aquarela tradicional, teríamos evitado pintar na forma de tartaruga porque, se o fizéssemos, nossa tartaruga teria um tom azul porque a aquarela é transparente, modo que o azul apareceria Tudo bem, vamos adicionar um pouco daquele tom base de ouro amarelo que encontramos na foto de referência, e essa foi a base do nosso esquema de cores. Então eu vou escolher um amarelo, mas eu vou. Vou empurrá-lo um pouco mais para o laranja. É um laranja muito claro. Vou criar uma nova camada acima da camada de máscara branca. Vou usar a escova macia, vamos selecionar fazer uma seleção da nossa máscara branca. Dessa forma, podemos pintá-lo bem rápido. E eu vou usar o pincel de água, eu acho, apenas para escurecer em algumas das áreas que estão na sombra É só um pouco, deixe um pouco mais escuro de laranja Então, há um pouco de adição de tom. Podemos pintar em alguns dos tons mais escuros que vemos. E para fazer isso, vamos escolher uma cor roxa, e não queremos ficar realmente saturados, meio que em algum lugar no meio, um pouco mais escura e um pouco mais vermelha do que azul E vamos pintar em uma nova camada. Vou usar o detalhador em aquarela em um tamanho um pouco maior Agora, vou acelerar o tempo enquanto pinto isso. Mas quando estiver pintando, dê um tempo nesta etapa e certifique-se de observar todas essas áreas nas fotos de referência que têm esse roxo mais escuro E observe também que, ao pintar áreas como essa, costumo tentar manter a forma em mente. Então, vou pintar meus traços na mesma direção da forma ou da forma. E eu tento incorporar a forma, a forma da forma em meus traços Agora vou usar a ferramenta de desfoque, junto com o liquidificador de água, para misturar apenas algumas dessas bordas mais duras, mas não todas, apenas algumas Agora, vamos pegar a ferramenta de borracha com o pincel opaco selecionado e apagar um pouco do padrão que vemos na barbatana E lembre-se de que há um formulário aqui. Então, queremos que essas linhas representem essa forma virem e voltem para representar a forma da barbatana. Tudo bem, vou usar a ferramenta de desfoque e vou desfocar algumas dessas linhas ou apenas algumas áreas só porque é aquarela e linhas nem sempre são tão nítidas Então, vou apenas desfocar alguns, mas não quero exagerar Só para que as linhas não sejam tão nítidas quanto são agora. Olhando para nossa referência, vemos um pouco de cor de ferrugem, vamos ver se podemos adicionar um pouco disso usando a escova macia Vamos fazer isso em uma nova camada. Vamos selecionar uma cor laranja. Talvez seja um pouco mais saturado e um pouco mais vermelho. Está mais aí. Agora, vamos adicioná-lo em algumas áreas que vemos. Estou vendo isso um pouco na cara. Então, vou adicionar alguns lá. Eu vejo isso aqui na barbatana e talvez um pouco ali no pescoço da concha. E ao longo da barbatana ali. Vá em frente e adicione um pouco mais debaixo do pescoço. Ok, isso é muito sutil, então não queremos exagerar. Acho que isso vai funcionar. Vamos criar outra nova camada e, desta vez, vamos adicionar alguns desses destaques realmente claros. Podemos vê-los, especialmente aqui nesta tartaruga em seu rosto, ao redor de seus olhos e na parte de trás de sua concha aqui Vamos procurar esses destaques realmente claros. Agora, quero usar um amarelo, mas quero que seja quase branco, mas não totalmente branco. Vou usar o pincel opaco para isso. Ok, novamente, esta é uma etapa em que você deve tomar seu tempo e realmente procurar por essas áreas de luz e ser lento e não se apressar. Ok, agora vou pegar a ferramenta de desfoque e, com o liquidificador de água selecionado, vou misturar algumas dessas bordas Ok, como queremos muito contraste de bom valor em nossa tartaruga, vamos adicionar outra nova camada Mas desta vez, vamos voltar às trevas, e queremos adicionar essas sombras mais escuras que você vê, como aqui nesta área abaixo do olho da tartaruga e no rosto E alguns aqui na borda da barbatana, esses escuros muito escuros. Agora, parece que é preto, mas não queremos usar preto porque preto pode ser um pouco duro demais. Então, queremos que essa cor se misture. Então, o que vamos fazer é voltar ao nosso roxo. Na verdade, vou apenas provar nosso roxo da pintura. E vamos torná-lo um pouco mais escuro e um pouco mais saturado Mas eu não vou ficar totalmente preto aqui. Está bem? Temos nossa nova camada e vou usar o pincel opaco novamente. E o mesmo de antes. Vou pintar os detalhes e depois vou desfocar um pouco as bordas para que tudo se misture muito bem Agora, novamente, não tenha pressa. R Vamos desligar nossa camada de esboço porque acho que temos o suficiente para que possamos ver o que estamos fazendo sem a ajuda do esboço. R Vamos desligar nossa camada de esboço porque acho que temos o suficiente para que possamos ver o que estamos fazendo sem a ajuda do esboço Então, estou percebendo que há alguns lugares em que meu tom é muito claro e quero ajustá-lo um pouco Eu também quero borrar essa linha aqui, essa linha roxa É um pouco forte demais, então vou misturá-lo um pouco sobre o formato da concha, só para que não haja uma linha tão dura. E acho que quero, vou provar um pouco dessa laranja novamente. Vou usar minha camada de laranja e acho que usamos a escova macia. Eu só quero que um pouco dessa laranja passe pela cabeça aqui só para pela cabeça aqui só para reforçar um pouco essa forma, um pouco só um pouquinho, e vou misturar isso só para que tenhamos um pouco mais de tom na cabeça Talvez eu também adicione um pouco mais na casca e misture. Ok, eu acho que este seria um bom lugar para parar e fazer uma pausa e talvez ir tomar uma xícara de café. Continuaremos a pintura no próximo vídeo e nos vemos lá. 14. 14. Pintura de projeto parte 2: Ok, a seguir, quero trazer de volta um pouco dessa textura leve criada por essas protuberâncias na pele da tartaruga E eu quero fazer isso em uma nova camada. E eu quero selecionar uma cor amarelo-dourada, não tão clara quanto nosso destaque era algo intermediário Provavelmente lá dentro. Agora, você notará que estamos alternando entre claro e escuro Estamos fazendo uma camada de luz, uma camada de escuridão, uma camada de luz, uma camada de escuridão. E estamos fazendo isso apenas para criar esse contraste de valores. Estamos dando um passo de cada vez para facilitar o processamento. Não estamos tentando fazer tudo em uma única camada, estamos indo e voltando. E vamos testar nosso contraste de valores daqui pouco para ter certeza de que estamos na faixa certa. Ok, então estamos analisando texturas de destaque, essas protuberâncias de textura de destaque que estão na pele da tartaruga Ah, também, eu quero que você note que a luz virá dessa direção, atingirá o fundo do oceano e voltará para a tartaruga Então, nossos destaques estarão aqui em cima da cabeça, pescoço e carapaça da tartaruga Mas esses destaques por baixo precisam ser, não precisam ser tão claros quanto esses Então, neste momento, esse destaque é quase o mesmo que está aqui em cima. Então, também queremos reduzir isso para a cor dourada mais amarelada que selecionamos Então, vamos recuperar isso. E estamos em uma nova camada. E queremos usar o pincel opaco novamente e vamos desfocar algumas bordas, se necessário Bem, isso parece um pouco dourado demais. Ok, isso é melhor. Combina um pouco melhor Você sabe, vamos usar o detalhador de aquarela porque não é tão opaco Ok, isso é melhor. Uma coisa que eu gosto fazer nesse estágio é criar uma nova camada e definir essa camada para sobreposição Isso é apenas para experimentação e para adicionar um pouco de variação em nossa iluminação Vou selecionar um amarelo mais claro e quero experimentar a escova macia. Eu só quero pintar em apenas algumas áreas dessa sobreposição e isso cria alguma variação É muito sutil, cria alguma variação na iluminação. Olha, eu deixei essa área um pouco mais quente na cabeça e na concha aqui e um pouco na barbatana Enquanto estamos nisso, vamos tentar outra camada e fazer aquela cor dourada novamente, apenas retirando o branco dela, apenas a tonalidade aqui apenas a tonalidade E vamos tentar, vamos tentar adicionar um pouco de efeito de sal, só para criar um pouco de textura porque essa tartaruga tem muita textura Não quero perder nenhuma oportunidade de adicionar algumas. Adicione algumas variações e texturas legais. Ok, isso vai ser uma pressão muito sutil. Sim, acho que vou experimentar uma cor mais escura, talvez roxa É um roxo muito suave, e eu vou fazer a mesma coisa apenas com uma leve pressão real E eu vou ampliar para que você possa ver aqui. Isso é simplesmente super sutil. Se você pode ver isso, é apenas adicionar essa textura muito sutil. Mas essa tartaruga tem muito, você pode ver aqui. Há muita textura acontecendo. É uma ótima oportunidade de adicionar algumas dessas variações interessantes. Ok, antes de começarmos nosso histórico, vamos verificar se nossa tartaruga tem um bom contraste de valor Vou colar a escala que criamos em um vídeo anterior e quero deslizar com três dedos, e quero deslizar com três dedos copiar tudo e depois colar Agora, vamos reduzir a saturação. Acho que essa é uma boa faixa de contraste de valor para nossa tartaruga Estou vendo toda a escala. Estou vendo as trevas mais escuras e as luzes mais claras. Estou vendo alguns bons tons de cinza médio. Acho que temos um contraste de valor coberto para nossa tartaruga. Agora vamos passar para o plano de fundo. Ok, para começar nosso plano de fundo, vamos até o final e criar uma nova camada. E vamos experimentar um pouco dessa cor azul aquática e torná-la um pouco mais escura Ok, então o que queremos fazer é usar essa foto de referência principalmente porque é a única com o reflexo da água e o fundo do oceano visíveis Então, o que queremos fazer é criar esse tipo de linha do horizonte na parte de trás, onde a água muda de cor à medida que avança . Também queremos incluir o fundo do oceano aqui e a superfície da água no topo e como tudo isso meio vai em direção a um ponto, em direção ao horizonte. Ok, então para fazer isso, vamos experimentar o pincel macio e vamos pintar em um pouco daquela água mais escura e distante E vou começar uma espécie de direção geral para o fundo do oceano e a água refletiva no topo ou na superfície da água Vou deixar minha cor um pouco mais clara. Ok, agora em uma nova camada, vou provar um pouco desse ouro amarelo da tartaruga E vou usar o detalhador em aquarela, e quero pintar e começar a pintar em algumas dessas áreas refletivas onde está sua concha, há um reflexo na superfície da Agora, você não precisa ser muito preciso com isso porque isso é apenas um reflexo e está na água e é muito ondulado Só queremos algo para começar. E acho que vou usar a ferramenta de desfoque com o pincel de água para desfocar um pouco as bordas Agora, precisamos que você possa ver aqui, há algumas bordas nítidas nesse reflexo, então não queremos desfocar tudo. Queremos manter um pouco disso. Ok. Também podemos ver que há alguma variação. Veja como há um azul de tom médio, um azul claro e um azul escuro lá dentro. Então, queremos obter isso também. Vou usar o detalhador em aquarela novamente. Desta vez, queremos provar esse azul, e vamos pegar esse azul mais escuro Vou inclinar a minha para o lado porque é mais fácil desenhar algumas dessas linhas a partir desse ângulo Ok, queremos manter a perspectiva de que as coisas estão desaparecendo à distância Ok, eu vou pegar uma espécie de azul mais claro. E vamos pegar uma luz, também, uma luz azul clara. Tudo bem Também vou desfocar algumas dessas bordas Ok, queremos fazer a mesma coisa na área dourada. Também há um pouco de amarelo mais claro. Na verdade, vou pegar e provar da tartaruga. E ainda estamos trabalhando na mesma camada, no mesmo pincel. Bem, vamos torná-lo um pouco mais leve. Deixe-me desfocar um pouco essa borda. Ok, e vamos pegar essa cor roxa porque você pode vê-la refletindo um pouco aqui em cima Vamos usar um tom bem escuro para ver alguns detalhes, porque se você olhar bem de perto, também poderá ver isso. Há algumas áreas muito escuras nesse reflexo. Ok, vamos pegar esse azul novamente. E vamos adicionar, vamos ver. Vamos torná-lo um pouco mais escuro. Vamos fazer uma amostra daqui de baixo. Vamos ver se podemos adicionar um pouco dessa superfície, essas linhas que estão saindo de baixo Faça o pincel um pouco maior. E acho que vou pegar a escova macia. Há uma área aqui que talvez seja um pouco clara demais. Vou para a camada inferior ou para a camada inferior e vou adicionar um pouco mais de água aqui atrás Ok, também vemos em nossa referência que há um pequeno destaque azul amarelado ou verde amarelado no fundo do oceano e um pouco Então, vamos ver se podemos tirar uma amostra amarela da nossa tartaruga e talvez empurrá-la um pouco mais para o verde, eu acho, talvez um pouco mais clara Ok, vamos experimentar a escova macia ou talvez a escova mais macia e pintar com um pouco desse destaque E vamos fazer isso em uma nova camada também. Vamos fazer isso acima de todas as nossas camadas de água. Opa. Vamos torná-lo um pouco menor. Faça-o um pouco menor ainda. Ok, isso está realmente trazendo uma boa luz. Ok, isso parece muito bom. Ok, agora eu quero misturar tudo com algumas lavagens, e vou fazer isso criando uma nova camada acima das outras camadas de água E vou provar um azul aqui, mas acho que vou torná-lo um pouco mais azul e um pouco mais claro, um pouco mais longe do verde. Ok. E vamos usar o carimbo de lavagem para escovar e aumentar a opacidade Eu tenho um conjunto muito grande. Vou reduzir isso um pouco. E vamos ver se podemos misturar. Estou apenas estampando em algumas áreas só para ver se consigo misturar um pouco disso Vou provar esse azul. E estou apenas explorando algumas áreas apenas para misturar as coisas. Ok, isso é muito bom. Acho que, como quero que tudo fique mais claro no meio, vou provar que vejo essa cor de destaque muito clara. E vou tentar isso em uma nova camada, caso eu queira desfazer isso Vou tentar adicionar um pouco de destaque ao meio com essa lavagem mais leve. Posso torná-lo um pouco maior? Há fontes de luz vindo de cima nessa direção. Olha, acho que está parecendo muito bom. Vou diminuir a opacidade. Ok. Eu gosto disso. Quero adicionar um pouco desse roxo volta ao reflexo. Estou começando a perder um pouco disso. Então, vou provar esse roxo novamente, e vamos voltar ao detalhador de aquarela e ver se podemos realmente, sabe Vamos experimentar com uma lavagem. Vamos ver o que isso faz. Vamos aumentar a opacidade. Ok, isso pode funcionar. Sim, acho que gosto muito disso. Na verdade, vou desfocar alguns desses pedacinhos, para que fiquem um pouco melhor misturados Tudo bem, agora vamos criar uma nova camada acima de todas as outras. E vamos adicionar alguns respingos. E eu acredito que esses respingos aparecerão como bolhas porque essa é uma cena subaquática, e os respingos naturalmente parecerão parecerão Então, vamos começar com alguns azuis. Acabei de tirar uma amostra de azul do nosso fundo e vou usar o pincel de respingos E vamos ver, estamos configurados para um tamanho bem grande, e vou tocar em alguns para ver como é, aumentar um pouco. Ok, isso parece muito legal. Ok, agora, eu tenho um que caiu bem sobre o olho e o nariz Isso definitivamente distrai. Então, vou remover esse. Tudo bem, agora vamos experimentar uma dessas cores roxas mais escuras, com um tamanho um pouco menor Ok. Eu também vou pegar uma cor amarela. Tudo bem, isso parece muito bom, e acho que estamos muito perto de encerrar isso Mas antes de fazermos isso, vamos pegar a ferramenta de borracha e usar a escova mais macia E vamos para nossa camada de máscara original. E vamos apagar um pouco disso para misturar um pouco mais nossa tartaruga ao fundo Isso só vai eliminar parte dessa borda dura que está sendo criada por aquela máscara branca. Eu só quero fazer isso em alguns lugares. É só para ajudar nossa tartaruga a se misturar um pouco. Já me perguntaram antes, como você sabe quando terminou de pintar? Acho que a melhor resposta para isso é quando as mudanças que você está fazendo têm pouco ou nenhum efeito. Então, por exemplo, poderíamos entrar e adicionar mais respingos, ou poderíamos adicionar mais detalhes ou alguns Mas, neste momento, ele realmente não está fazendo nada. Não está tendo um grande efeito na pintura. Então, quando você começa a fazer esses pequenos ajustes que não estão tendo muito impacto geral na peça, acho que essa é sua melhor resposta. Esse é o melhor indicador de quando a pintura está concluída. Ok. Vamos fazer algumas coisas para terminar essa. Uma coisa que eu sempre gosto de fazer são alguns ajustes finais de cores. Para fazer isso, eu deslizo com três dedos e seleciono copiar tudo. Depois, me certifico de que estou na camada superior, deslize com três dedos novamente para colar. Eu gostaria de fazer alguns ajustes de cores por meio de curvas e equilíbrio de cores Vamos dar uma olhada nas curvas primeiro. A primeira coisa que faço é criar muitos pequenos pontos na linha curva. E então eu os ajusto. Eu só faço pequenos ajustes. E quando eu faço isso, isso tende a agregar muito contraste de valor. Isso realmente afeta os valores. Estou muito feliz com isso. Agora vamos dar uma olhada no equilíbrio de cores. Comece com tons médios. E eu quero deixar os tons médios um pouco mais quentes Então, vou avançar em direção ao vermelho e ao amarelo. Oh, na verdade, acho que vou para o azul. Acho que gosto um pouco mais disso. E vamos tentar levar as sombras um pouco para o azul Não, eu gosto mais das sombras em direção ao amarelo. Acho que vou manter o verde magenta onde está . Vamos dar uma olhada nos destaques. Costumo manter os destaques onde estão porque isso confunde tudo com um elenco. Talvez empurre um pouco para o vermelho. Tudo bem, acho que isso dá um bom ajuste. Ok, uma coisa que eu também estou notando é que na minha pintura, comparação com minha referência, cabeça dele é um pouco mais alta, e você pode ver isso nessas duas A cabeça dele é minha cabeça está um pouco comprimida, então vou fazer um ajuste nisso Para fazer isso, vou liquefazer. Vamos ver como está configurado. Isso é grande o suficiente, eu acho. O tamanho do pincel é grande o suficiente. Vou esticar a cabeça dele para ficar um pouco mais alto Essa é a beleza da pintura digital. Ok, acho que parece melhor. Também vou colar a textura do papel recursos do curso. E eu quero definir a textura do papel para se multiplicar. Agora, muitas vezes em uma aquarela tradicional, quando você tem uma pintura que ocupa o papel inteiro, geralmente há uma borda branca criada a partir de onde o papel foi colado Então, vamos recriar esse visual adicionando uma borda branca ao redor de toda a peça Vou criar uma nova camada. E vou criar uma seleção de retângulos. E eu quero começar perto da borda, mas não totalmente. Vou deixar um pouco de espaço aqui ao redor da coisa toda. E eu vou inverter a seleção, depois vou selecionar o branco e preenchê-lo Agora, queremos ter certeza de que está abaixo da textura do nosso papel. Ok, para nossa última etapa, tudo o que resta a fazer é assiná-lo. Tudo bem, pessoal, espero que tenham se divertido tanto pintando essa tartaruga quanto eu Esta foi minha primeira tartaruga marinha. Estou muito feliz com o resultado. Eu acho que é muito divertido. Temos uma seleção muito legal de cores e algumas texturas legais, e estou muito feliz com o resultado dessa Não deixe de compartilhar sua pintura comigo na comunidade de cortes de design e fique à vontade para fazer qualquer pergunta que você possa ter. Estou sempre por perto e sempre fico feliz em ajudar. 15. 15. Preparando para impressão: Eu queria dedicar alguns minutos para examinar alguns preparativos para impressão. Eu mencionei algumas vezes que normalmente trabalho em uma tela grande de 5.000 por 4.000 pixels Isso é para que eu possa reduzir para um tamanho menor para impressão. Diminuir a escala é uma prática de impressão mais antiga, e a ideia é que a imagem fique mais nítida quando reduzida Também funciona para uma apresentação na tela. Imagine que você está compartilhando uma imagem 2000 por 2000 pixels. Se você pintasse o original em 4.000 por 4.000 , deixaria mais espaço para detalhes fossem criados nesse tamanho maior Outro item a ser considerado é o DPI ou pontos por polegada. Na maioria das vezes, eu pinto a 300 DPIs. Essa é a mais aceita entre as gráficas e tem sido há anos. Também trabalho no modo de cores RGB sobre CMYK. Eu faço isso porque o RGB é o meio com o qual estamos pintando, pois depende da luz para produzir cores na A maior parte da impressão com a qual lidaremos será digital e não offset, portanto, o modo de cores RGB funcionará perfeitamente Quando estou preparando uma pintura para ser impressa, removo qualquer textura de papel que tenha sido adicionada porque a textura será criada pelo papel físico em que a pintura será impressa. Em seguida, alisarei as camadas e farei uma nitidez final da peça tocando em ajustes Eu faço isso apenas para adicionar um pouco mais de clareza e nitidez à pintura final antes da Como etapa final, exportarei o arquivo no formato TIF. Esse formato usa menos compactação do que um arquivo JPEG. O resultado será um tamanho de arquivo muito maior, mas a qualidade será maior. Ao imprimir uma pintura, também é bom estar familiarizado com o termo argila Z. impressão em argila Z refere-se às tintas à base de pigmentos versus as tintas usuais à base de corantes. O resultado são detalhes mais nítidos em um espectro de cores muito maior E se impressa em papel de arquivo, a impressão pode durar décadas, talvez até centenas de anos sem desbotar Você pode encontrar facilmente serviços acessíveis de impressão em argila Z ou belas artes on-line. Com um pouco de conhecimento e preparação, é fácil obter resultados de impressão incríveis. Também é incrivelmente satisfatório ter uma pintura impressa final em suas mãos 16. 16. Uma palavra final: Eu não posso te agradecer o suficiente por fazer este curso comigo. Abordamos muitos tópicos desde a aquarela tradicional, o básico do esboço, teoria do design e a composição, até a criação e impressão de uma Espero que você saia deste curso com tantos novos conhecimentos e confiança que mal possa esperar para começar sua próxima peça. Vou terminar este curso com algumas palavras de um dos meus artistas favoritos. Drew Strzen disse que a arte é necessária. É pela verdade, é pela bondade, é pela bondade, é pelo Isso mantém o mundo feliz, bom e saudável, é o que precisamos. Mal posso esperar para ver suas pinturas e como você incorporou as ideias deste curso em seu trabalho. Se você estiver interessado em fazer um curso complementar e mais avançado, entre em contato comigo e me conte sua opinião entrando em contato comigo na comunidade de cortes de design. Lembre-se também de compartilhar sua arte comigo lá e fique à vontade para fazer qualquer pergunta que você possa ter. Estou ansioso por isso e nos vemos lá. 17. Estratégia de pincel BStrategy NUS: Este curso inclui um conjunto de pincéis de aquarela que eu uso durante as aulas, mas você certamente pode usar qualquer outro conjunto de pincéis de aquarela que Neste vídeo, mostrarei minha estratégia de pincéis para que você possa ver como eu categorizo e gerencio meus pincéis e os benefícios de fazer isso Esse método pode ser aplicado a qualquer conjunto de pincéis, mas usarei meus próprios conjuntos nos exemplos a seguir. Uma característica comum em meus conjuntos de pincéis é que eles normalmente contêm um grande número de pincéis, mas há uma boa razão para isso A estratégia de pincéis digitais que desenvolvi para meu próprio trabalho depende de ter uma variedade de pincéis de determinados tipos de pincel Por exemplo, o conjunto principal de aquarela inclui cinco pincéis de detalhes em vez de apenas um Todos esses pincéis têm o mesmo propósito, mas oferecem uma boa variedade na seleção de pincéis para esse propósito Isso não significa que eu use tantos pincéis em uma pintura Normalmente uso cerca de seis a dez pincéis de tipos diferentes, mas troco-os ocasionalmente entre pinturas para criar uma variedade marcas e texturas. Vou te mostrar o que quero dizer. Em uma pintura tradicional, posso usar apenas esses pincéis, mas cada um tem seu próprio propósito Não há necessidade de realmente trocá-los porque cada pincel é capaz de fazer uma variedade de marcas ou traços Os pincéis digitais, por outro lado, geralmente têm uma textura definida ou o tipo de marca que eles fazem Portanto, se considerarmos nosso conjunto de pincéis de curso como nossos principais tipos de pincéis, temos um ou dois pincéis para todas as marcas necessárias para fazer detalhes, um pincel opaco, um pincel plano, algumas lavagens e Você encontrará os mesmos tipos de pincel mais alguns em meus outros conjuntos. No conjunto definitivo de aquarela para caixas de ferramentas de pincéis, você verá pincéis organizados desde pequenos detalhes até pincéis de lavagem maiores, efeitos especiais e pincéis para borrar medida que avança Para o conjunto principal de aquarelas, você as encontrará divididas em categorias separadas por essas linhas tracejadas, pincéis detalhados, arredondamentos texturizados, pincéis planos, etc planos Para usar um conjunto maior de pincéis com o curso ou com qualquer pintura futura, você só precisará ter em mente esses tipos ou categorias de pincéis em vez dos pincéis individuais Dessa forma, você não ficará sobrecarregado com todas as opções Por exemplo, se você tiver o conjunto mestre, basta usar um dos pincéis de cada categoria enquanto trabalha no curso Manter meus pincéis organizados em categorias de tipos de pincéis e usar um ou dois pincéis dessas categorias para cada pintura ajuda a manter as coisas simples, mas permite uma incrível variedade de marcas entre as pinturas Esse tipo de estratégia mantém meu trabalho atualizado no processo de pintura divertido e emocionante. Semelhante ao que eu experimentaria com uma pintura tradicional. E por falar em pintura tradicional, lembra que mencionei que não há necessidade real de trocar os pincéis? Bem, isso não me impede. Às vezes, novos pincéis o levarão a fazer coisas novas. Às vezes, isso apenas lhe dá um pouco mais de confiança para aquele pequeno impulso em direção à experimentação. A mesma coisa também pode acontecer com o trabalho digital, e isso é sempre bom.