Livros ilustrados II: ilustre uma história

1. Trailer do curso: Olá, sou Christine Fleming e sou ilustradora e escritora. Formei-me na Universidade Estadual da Carolina do Norte com um BFA em Design Gráfico. Estou agora a ilustrar tanto nos mercados editoriais da ciência como nas crianças, como também a escrever e ilustrar os meus próprios livros ilustrados de ficção e não ficção. Recentemente, fiz uma parceria com um cientista principal Buzz Hoot Roar para escrever e ilustrar um próximo livro de imagens baseado em ciência. Eu também sou um membro ativo na Sociedade de Escritores e Ilustradores de Livros Infantil chamada SCBWI, e eu fui premiado com as honras do SCBWI Illustrator of the Mês e SCBWI em Destaque Blog. Esta classe Skillshare é chamada de Livros Picture II: Ilustrate Your Story, e é a segunda de uma série de duas partes sobre como criar seu próprio livro ilustrado para crianças. Nesta aula, vamos explorar os elementos de ilustrações de livros ilustrados, incluindo composição, cor, espaço em branco, perspectiva, estilo e tipografia. Com os conceitos básicos para baixo caminho, eu vou levá-lo através de tutoriais em vídeo de todo o meu processo de ilustração de um livro de imagens. Esses vídeos abrangerão cada um dos meus passos, incluindo detalhar o manuscrito, desenvolvimento de personagens , storyboarding, fazer um pequeno manequim, esboços, desenhos finais e colorir digital no Photoshop. Nada foi planejado ou decidido antes de filmar esses vídeos de processo tutorial para que tudo o que você vê é meu autêntico, on the fly processo de pensar e criar. Além disso, como na última classe, há uma nova camada de conteúdo bloqueada de bônus explicando o processo passo a passo para criar um manequim ilustrado para seu livro ilustrado e como enviar esse manequim para editores. Esta aula é perfeita para ilustradores, escritores, designers e qualquer um que já quis criar seu próprio livro ilustrado. No final deste curso, você terá tudo o que precisa para ilustrar seu próprio livro de imagens. 2. Introdução e recaptulação: Oi caras. Estou tão feliz que você decidiu fazer minha aula sobre ilustração de livros ilustrados, e espero que você aprenda muito ao longo do curso. Enquanto assiste aos vídeos, acompanhe o guia do projeto e publique seu trabalho de processo na galeria do projeto. Agora vamos começar. Antes de começarmos, quero ter certeza que você saiba que esta aula é a segunda de uma série sobre criação de livros ilustrados. Os livros ilustrados de primeira classe I, Write Your Story, tem algumas informações vitais sobre o propósito, história e estrutura de um livro ilustrado que você realmente precisa saber para ilustrar um livro ilustrado. Eu não quero me repetir muito para aqueles que já fizeram ambas as aulas. Então recomendo que pare essa aula agora e volte e assista. Pelo menos os três primeiros vídeos em Livros de Imagens I, Escrever Sua História, antes de continuar com este curso. Eu não vou estar cobrindo esses tópicos novamente nesta aula. Uma introdução aos livros ilustrados, uma breve história de livros ilustrados e uma estrutura e partes de um livro ilustrado. Certo, com isso fora do caminho, vamos começar. Este primeiro vídeo é chamado, Uma Introdução e Recapitulação. O único conceito que vou recapitular da aula anterior é o que é exatamente um livro de imagens. Um livro ilustrado combina palavras e imagens em um formato de livro destinado a crianças pequenas. O público-alvo são crianças de dois a oito anos. Um livro ilustrado é diferente de um livro ilustrado, como um livro de capítulo de classe média. Porque as fotos em um livro de imagens são vitais para a história. Em um livro ilustrado. As ilustrações são suplementos para um texto que pode ficar por conta própria. Wild Wood de Colin Meloy e Carson Ellis é um exemplo de um livro ilustrado. É estruturado mais como um livro de capítulo e ilustrações não estão necessariamente em todas as páginas e às vezes são apenas uma pequena ilustração local. Where The Wild Things Are de Maurice Sendak é um exemplo de um livro de imagens. Há menos texto e ilustrações que ajudaram a contar a história completa em vez de reiterar a história. Ok, então isso é tudo para a recapitulação. Sério, volte e assista os outros vídeos. Só levará 12 minutos e meio. Antes de entrarmos nisso, só quero te dar uma conversa animada. Algumas pessoas pensam que escritores, ilustradores e todos os artistas têm um talento inato e que nascem com a capacidade de desenhar. Para isso, eu digo crença. Acredito que um ilustrador não nasce com o talento de desenhar mais do que o cirurgião nasceu com o talento de cortar corpos. Há esse tipo de misticismo em torno de escrever e ilustrar, e com certeza é divertido pensar sobre coisas assim. Mas deixa-me dizer-te directamente. Ilustrar é um ofício. Escrever é um ofício. Fazer arte é uma arte. Isso significa que a única maneira de ser bom nisso é fazê-lo e fazê-lo de novo e de novo e de novo. Pode parecer que um ilustrador tem o talento inato para desenhar. Mas não é porque eles nasceram com o gene do desenho. É porque eles estão desenhando há anos e têm aprimorado sua arte ao longo do tempo. Se esta é a sua visão sobre a vida como ela é minha, então você deve ver como uma grande notícia porque é isso que significa. Qualquer um pode fazer qualquer coisa. Você pode ser um escritor. Você pode ser um ilustrador. Você poderia ser um bombeiro. O que quer que você queira ser, você só tem que se jogar nisso e entrar completamente no ofício. Em que tudo o que há para saber sobre ele e fazer, fazer fazer. Eu acho que isso soa como trabalho duro e é, mas é melhor do que desejar que você nasça com um conjunto diferente de genes, certo? 3. Conceitos básicos sobre ilustração de livros: Investigando ilustrações de livros ilustrados. Um livro ilustrado Illustrator tem que refinar muitas habilidades além de ser capaz de apenas desenhar ou pintar bem. Eles também devem ter essas habilidades: uso apropriado de cores, desenhar os mesmos personagens de forma consistente, desenhar personagens em uma variedade de poses, expressões faciais e configurações, ser capaz de criar ilustrações que irão combinar bem com o manuscrito, ao mesmo tempo que adiciona significado adicional e não apenas palavras repetidas, e conhecimento do tamanho dos livros, formatos, número de páginas, estrutura do livro e colocação de textos. A coisa mais importante nos livros ilustrados é como a história escrita e a história ilustrada funcionam juntas. Um autor mestre de livros ilustrados deixará espaço para o ilustrador preencher espaços em branco e expandir a história com as imagens. Muitas vezes, alguns dos livros ilustrados mais bem sucedidos são criados pela mesma pessoa atuando como o escritor e o ilustrador. Desta forma, eles são capazes de misturar completamente os dois e fazê-los trabalhar juntos para contar uma história. Um exemplo favorito recente disso é o livro Beekle de Dan Santat. Olha para esta propagação do Beekle. As únicas palavras nesta página são : “Ele fez o inimaginável.” O resto da história e a propagação é contada completamente pela imagem. Sem a ilustração, não teríamos ideia do que Beekle fez. As duas histórias aqui estão trabalhando juntas para contar a história completa. Decalagem é uma técnica que é a disparidade entre palavra e imagem. A palavra diz uma coisa, mas as imagens dizem outra. Um exemplo disso é Cacatua de Quentin Blake. Neste livro, um homem está procurando por seus pássaros ao longo da história. As palavras neste espalhamento dizem : “Ele subiu uma escada e piscou sua tocha ao redor do sótão. Eles não estavam lá.” Mas olhe atrás dessas malas. Há seis cacatuas escondidas no sótão. A tática de dizer uma coisa, mas mostrar outra, pode trazer muita emoção intenção para o livro. As crianças adoram ser capazes de escolher as diferenças para si mesmas e ler a história verdadeira através das imagens. Vamos explorar alguns dos elementos visuais dos livros ilustrados. Primeiro, sua composição. A direção da composição é um aspecto importante dos livros ilustrados que não têm o mesmo nível de importância em outros tipos de ilustração. As ilustrações em um livro ilustrado devem guiá-lo através do livro da esquerda para a direita em cada página e de página para página. Isso pode ser feito sutilmente organizando sua composição dessa forma, ou pode ser feito de forma mais óbvia por ter seus personagens correndo pela página da esquerda para a direita, por exemplo. Aqui está um exemplo de uma composição forte da ilustradora Marla Frazee no livro, Seven Silly Sisters. Vejo todos vocês, cada elemento nesta composição está levando você da esquerda para a direita e até mesmo um pouco para baixo em direção ao onde no canto da página estaria. A cor e o espaço em branco podem comunicar rapidamente a emoção e o humor da história. O espaço em branco também é um bom indicador de humor. Um exemplo de forte uso da cor é, O Pequeno Rei de Taro Miura. O humor peculiar divertido da história é imediatamente transmitido ao leitor através do uso de cores brilhantes e ousadas. Um exemplo de forte espaço branco é The Red Shoes de Gloria Fowler e ilustrado por Sun Young Woo. Neste ponto da história, o personagem principal aqui está experimentando o ponto baixo. Isto é mostrado através da ilustração, colocando-a no canto inferior da página e rodeando-a de espaço vazio e solitário em branco. Como a combinação de palavras e imagens é a essência dos livros ilustrados, topografia é um elemento vital do seu design. O texto pode ser tipográfico tradicionalmente em estrofes como poesia, ou pode ser mais abstrato e integrado com as ilustrações tornando-se parte da própria imagem. Como o texto é tipográfico pode comunicar um bom negócio sobre a história. Um exemplo de topografia forte é o Passeio de Henri para Paris de Saul Bass. Assim como uma nota lateral aqui, Saul Bass é um designer gráfico super famoso, não é surpresa que seu livro tenha alguma topografia espetacular. Olhe para a propagação da caminhada de Henri para Paris e como o texto me parece um pouco de fumaça saindo da chaminé, mas é feito de uma maneira sutil e não uma maneira brega. Faz você se sentir confortável e quente olhando para ele. A perspectiva escolhida de uma ilustração também comunica emoção e história. Se olharmos para baixo para um personagem, eles geralmente parecem tímidos, duvidosos ou assustados. Se olharmos para um personagem, eles parecem corajosos, animados e determinados. Cortar a ilustração de perto ou mostrar uma paisagem panorâmica também aumenta o humor da história. O livro, Sophie's Fish visto aqui por A.E Cannon e ilustrado por Lee White é um grande exemplo de forte uso da perspectiva. Olhe para a propagação com um tiro sobre o personagem principal bem no momento da história em que ele concorda em assumir a responsabilidade de observar o peixe de seu amigo. Dá um ar de importância em talvez um sentimento sinistro, não acha? Livros ilustrados existem em todos os estilos imagináveis. A arte pode ser mais realista e suave, ou abstrata e divertida. Os personagens podem ser bastante representacional e direta, ou até mesmo desenhos animados e estranhos. Um exemplo de forte uso do estilo é The Baby Tree de Sophie Blackall. Esta história é sobre de onde os bebês vêm e as respostas dos livros misturam realismo com fantasia. Cada spread tem uma explicação realista à esquerda onde você pode ver os desenhos e proporções são bastante realistas com o estilo que não é muito louco. Bem, do lado direito, que é um pouco mais infantil de uma explicação imaginativa, eles usam estilo e proporções mais loucos. Este é um ótimo exemplo de como o estilo pode enfatizar e espelhar a história e ajudar a contar a história com mais clareza. há realmente nenhum meio preferido em livros ilustrados. Pode usar o que quiser. Livros ilustrados sempre usaram lápis, caneta, tinta, aquarela, óleo, acrílicos, colagem, meios digitais, qualquer coisa. Às vezes, os livros ilustrados mais emocionantes usam uma combinação de diferentes meios. Olha para este livro, Fox's Garden. É tudo feito de papel e, em seguida, fotografado como ilustrações planas, então realmente qualquer coisa está disponível para agarrar. 4. Dividindo seu manuscrito: Eu imprimi no meu manuscrito aqui os três porquinhos que você pode encontrar na tarefa do projeto. Uma vez que você tenha impresso, leia a história. Basta ler, não pense no que você vai ilustrar ou personagens ou qualquer coisa assim. Basta ler a história uma vez e tentar realmente observá-la. Em seguida, leia novamente e destaque o que você acha que são as partes mais vitais da história. Vou fazer isso agora. Agora, eu tenho meus elementos vitais destacados. Em seguida, vou sublinhar quaisquer descrições de caracteres. A primeira vez que ler a história, não desenhe ou sublinhe nada. Mas na segunda vez que você estiver sublinhando as descrições dos personagens e os elementos vitais, se uma imagem vier à sua mente, vá em frente e anote-a. Se eu tiver uma imagem desta mala e eu quiser lembrar o que está na minha cabeça, vá em frente e desenhe bem rápido. Não gaste muito tempo nisso, mas é melhor tirar isso da cabeça. Se você tem algum pensamento sobre ilustrações, você pode anotá-los também. Eu notei aqui que eles dizem muito porquinho. Talvez eu queira que este seja um porquinho bebê, e eu só tenho uma pequena descrição para eu me lembrar mais tarde. Agora, vamos ver se podemos decidir o que é o ato 1, ato 2 e o ato 3. Isso vai nos ajudar a quebrar a história. primeiro ato pode ser depois da linha quando encontra um porco que é um tolo ou eu poderia colocá-lo atrás da linha, um porco que construiu sua casa de palha. Qualquer um pode funcionar. Por enquanto, vou colocar depois de conhecer um porco que é um tolo. Nesta história, o primeiro ato é muito curto. Então toda a ação que temos praticamente como ato 2, é assim que a história geralmente como você tem um ato curto 1, um grande ato 2, e um ato curto 3. Acho que o terceiro ato começará depois e o matará com um único tiro. Esse é o clímax da nossa história. Agora, que já fizemos isso. Podemos desenhar linhas onde achamos que nossas quebras de página podem vir. Este é apenas um exercício para dividir o texto. Você vai entrar mais nisso em um storyboard. Mas é bom fazer um aplicativo também, fora disso com o pino vermelho. Você pode não obter exatamente 32 páginas ou pairando spreads que você planeja ter mais tarde, mas é apenas um bom exercício para transferir os textos por conta própria. Isso me dá 21 páginas. Se eu realmente quisesse, eu poderia voltar e arredondado para 32, mas eu vou deixar isso por enquanto, e eu vou começar mais sobre a história com o storyboard. É bom dividi-lo em pedaços agora antes de começar a desenhar. É isso para o manuscrito. 5. Critérios para o desenvolvimento de personagens: Elementos de desenvolvimento de personagens. Há alguns traços importantes que um Illustrator deve ter ou aprimorar para poder criar caracteres convincentes. Eles devem ter um interesse em personalidades humanas, e uma capacidade de retratar a personalidade visualmente. Você pode ajudar a aprimorar esses traços estudando outros humanos aka pessoas assistir tanto quanto você pode e praticar desenhar emoções diferentes. Numa conferência que participei recentemente, ouvi um dos melhores conselhos que já recebi. Nesta conferência, cada participante apresentou uma ilustração, e nosso trabalho foi projetado em uma tela por alguns momentos. Um por um, um painel de nossos diretores nos disse sua primeira impressão da peça muito rapidamente. Uma das coisas que eles continuavam repetindo repetidamente era que, por exemplo, a garota parecia uma garota em vez de aquela garota. ponto deles era, o que torna seu personagem diferente do próximo? Como é que isto é um personagem único com quem nos importamos e não apenas outra rapariga? Quando você está desenhando um personagem, você não pode simplesmente desenhar um corpo e terminar com ele. Você está desenvolvendo uma criaturinha inteira ou uma pessoa com peculiaridades, falhas e personalidade como você e eu. Você tem que mostrar sua personalidade por fora, e tentar mostrar seu verdadeiro caráter por como eles são desenhados e quais são suas proporções, o que eles vestem, como eles sorriem, como eles andam, tudo. É um pedido alto e um pé duro, mas é muito divertido. Tenho três critérios que procuro em um personagem bem sucedido. O primeiro a que chamo de particularidades. Estes são o que tornam o seu personagem único para que possa ser identificado a partir de outros personagens imediatamente. Isso pode ser qualquer coisa de um penteado como uma trança, ou um acessório particular como uma camisa listrada vermelha. Essas pequenas particularidades e as idiossincrasias. Particularidades também tornam seu personagem único para que eles possam ser identificados a partir de outros caracteres imediatamente. Isso pode ser qualquer coisa de um penteado como uma trança, ou um acessório particular, como uma camisa vermelha listrada. Essas pequenas particularidades podem estar em seu rosto e óbvio, como dar seu cabelo confuso personagem para mostrar que eles são tomboy na natureza e traços de caráter selvagem. Mas também pode ser muito mais sutil. Muitas vezes são esses toques sutis que realmente incutir personalidade e realismo em seus personagens. Todos esses aspectos do desenvolvimento de caráter que estou falando ocorrem em outras formas de arte também. Um dos meus mestres de personagens favoritos é o lendário Miyazaki. Leve ao herói do filme Spirited Away. Ela é um dos meus exemplos favoritos de idiossincrasias sutis em um personagem. Há uma cena em Spirited Away onde Chihiro está na sala da caldeira de uma casa de banho. Ela calça os sapatos e vai embora. É simples. Mas ela não apenas escorrega em seus sapatos, ela os desliza, dá um passo e depois bate no dedo do pé no chão. Naquele momento, com aquele pequeno movimento, faz com que ela pareça uma pessoa tão real. Ou olhem para estes desenhos dos pais do Chihiro a comer. Você só pode ver suas costas e tudo o que eles estão fazendo é sentar-se, mas você pode imediatamente ver suas personalidades e idiossincrasias chegando. Adicionando essas particularidades, dê realismo aos seus personagens, o que é importante e seus leitores podem se identificar com os personagens. Também é importante se a sua história é uma fantasia ou uma história mágica, como Spirited Away, porque o toque da realidade a torna muito mais credível. Lembre-se, não diga que seu personagem é tímido, bagunçado, ou forte vontade, MOSTRE IT. Meu segundo critério para caráter bem-sucedido são possibilidades. Seu personagem deve ter muitas possibilidades. Isso significa que eles devem ser capazes de retratar uma variedade de emoções, poses e executar em qualquer situação. Uma coisa que você pode querer considerar é, você pode não querer dar seu chapéu de personagem que cobre seus olhos, como isso faria sua gama de expressões e possibilidades muito mais limitada. Você também precisa perceber que você vai desenhar este personagem um bajilhão de vezes. Nesta fase de desenvolvimento de personagens, você vai atraí-los uma e outra vez, mas você também tem que fazer o livro inteiro. Isso significa que você vai se juntar a eles provavelmente em cada página, de modo que é 32 vezes para o livro final. Então você tem que contar as inúmeras versões de storyboards, esboços e dummy's. Eu não estou dizendo desenhar um personagem simples só para tornar a vida mais fácil para você, mas é algo a considerar. Talvez se o seu personagem principal é um dragão, você pode considerar como você vai desenhar suas escamas. Se for viável desenhar todas as escalas do corpo dele, sempre que o desenhas. Provavelmente há uma maneira melhor de representar visualmente as escalas. Finalmente, seu personagem deve ser atraente. Originalmente, eu quero dizer agradável, mas eu não acho que isso é um dado automático. Seu personagem pode começar como um valentão ou um pirralho, mas passar por uma transformação para sair agradável do outro lado. Além disso, eu não acho que um personagem tem que ser agradável para ser um grande personagem. Seu personagem principal, eu suponho, deve ser agradável, então os leitores se preocupam com o que acontece com ele na história. Mas e quanto a Cruella Deville? Você não deveria gostar dela, mas ela é uma personagem incrível. De qualquer forma, acho que apelar é uma palavra melhor. Isso significa que seu personagem deve ser realista, original e defeituoso. Falamos sobre realismo com particularidades mais cedo. Original deve ser bastante óbvio, mas falho? Seus personagens absolutamente têm que ser defeituosos. Ninguém é perfeito, e ninguém quer ler sobre um personagem perfeito, isso seria chato. Não sei quanto a você, mas não posso me relacionar com alguém que é perfeito. Certifique-se de que seu personagem tem algumas falhas como as pessoas reais. Talvez ela não seja tão confiante, talvez ele seja desajeitado e sempre se esqueça de amarrar os sapatos. Vamos passar por alguns componentes de um personagem. Primeiro, temos as proporções do corpo. As proporções de um personagem podem se comunicar muito na parte de trás sobre quem eles são. Certas histórias exigem certas proporções. Uma história mais séria pode exigir proporções mais realistas, enquanto uma história mais peculiar, pode utilizar proporções mais estranhas como cabeças grandes e olhos grandes. Personagens mais jovens tipicamente têm cabeças maiores e olhos maiores que são mais baixos no rosto. Os personagens mais velhos tipicamente têm cabeças menores e olhos menores que são mais altos no rosto. Assim como com as pessoas reais, como nossos personagens vestidos imediatamente nos diz muito sobre quem é a pessoa. A escolha da roupa como forma de expressão para todos nós. O que você veste diz algo sobre quem você é e como você está se sentindo naquele dia. Não é diferente com seus personagens. O que seu personagem usa pode facilmente dizer ao leitor se o seu personagem é um tomboy ou menina menina, criança bagunçada ou prim e adequada, excêntrica ou média. O rosto de um personagem é muitas vezes a melhor ferramenta de comunicação para retratar a emoção. Nenhuma pessoa ou personagem expressa a mesma emoção da mesma maneira. Ao olhar para um personagem, pense em alguns desses aspectos. Como as características faciais estão dispostas, quão grande é sua boca, onde estão os olhos e quão grandes eles são, o que suas sobrancelhas estão fazendo. Às vezes, até mesmo o cabelo pode ser usado como uma característica facial como Chihiro aqui em Spirited Away. Em um livro ilustrado, geralmente não é tão imperativo desenhar seus personagens completamente anatomicamente corretos, mas você quer que eles sejam reconhecíveis e críveis. Tente fazer suas poses um pouco baseadas na realidade, mesmo que suas proporções de personagem não são. Concentre-se no gesto da pose, em vez de corrigir todas as partes do corpo. Exagerar um pouco a pose também ajudará a trazer mais emoção e emoção para o desenho. Sub personagens também podem adicionar um monte de interesse visual à sua história, bem como adicionar mini-narrativa secundária que está apenas nas imagens e não nas palavras. Eles também dão à criança uma narrativa especial que eles podem seguir por conta própria sem ter que ser capazes de ler. Por exemplo, você poderia ter um pequeno companheiro gato para o seu personagem principal que nunca é mencionado nas palavras da história, mas está sempre lá nas fotos, talvez reconhecer o próprio hábito ou apenas estar pelo lado do personagem principal. 6. Realizando experimentos: Vamos mergulhar no processo de desenvolvimento de personagens. Se estou trabalhando com minha própria história original, prefiro escrever minha história primeiro e obtê-la o mais perfeito possível. Embora muitas vezes a minha história seja inspirada a partir de uma ilustração que eu desenhei anteriormente. Para o meu processo, é importante para mim ter uma boa história primeiro e depois os personagens e visuais vêm depois. Mas muitas vezes quando eu terminar a história e começar a ilustrar a linha da história muda também, então é um pouco de ida e volta. Não há nenhum processo certo ou errado, todos têm o seu próprio e você deve experimentar diferentes até encontrar o que funciona melhor para você. Alguns outros ilustradores preferem desenhar primeiro e outros preferem escrever primeiro. Para esta aula, eu estou baseando no meu próprio processo, já que é isso que eu sei e estamos trabalhando com este manuscrito que já foi escrito por Roald Dahl. Vamos nos concentrar em desenhar apenas um personagem. Você pode escolher qualquer personagem que você quiser desta história, você pode escolher Chapeuzinho Vermelho ou o Lobo ou qualquer um dos porcos. Vou escolher o terceiro porco, aquele que luta no final e aquele que acaba chamando Chapeuzinho Vermelho. Minha primeira dica é usar papel barato ou um caderno de esboços barato para seus desenhos de personagens. Você não quer ter qualquer pressão para fazer um bom desenho. Agora você está apenas focando em tirar tudo da sua cabeça e apenas experimentando com coisas diferentes, apenas o que você tem em sua cabeça de como um porco se parece. Descobri que se você desenhar em um caderno de esboços caro como um moleskine, eu tenso a ficar tenso e estou preocupado com tudo parecer bom porque estou desperdiçando um papel caro. Aqui eu só tenho uma pilha de papel de computador que eu não sei que custou alguns dólares e então não há pressão para mim para fazer uma boa imagem, eu estou apenas desenhando agora. As primeiras coisas que você desenha provavelmente serão muito chatas. Esta é a ideia de todos de um porco, não é tão boa, mas eu só preciso tirá-la da minha cabeça porque é isso que eu estou vendo agora. Uma vez que você desenha as coisas chatas, então como você continuar experimentando você vai entrar em coisas mais interessantes e originais, mas todo mundo tem idéias chatas para começar. Agora percebo que não sei como são os pés traseiros de porco, então sei que vai ter que ser algo que pesquisarei mais tarde. Não se preocupe em apagar ou algo assim, apenas desenhe. Às vezes, até é bom desenhar sem borracha. Você pode começar a pensar sobre a emoção ou humor de seu personagem, o que ele está fazendo na história. Este não parece ter tanto medo dos outros porcos, ele parece ter um pouco mais de vontade de viver em sua história. Você pode começar a desenhar algumas outras coisas que acontecem na história. Nós nos concentramos demais em outros objetos, eu vou ter que deixar este telefone em paz. Mas você pode ver como essas cenas se desenrolam com esse personagem 7. Pesquisando referências: Referências visuais são realmente importantes no desenvolvimento de personagens, e podem fazer sua imaginação parecer mais real. Você pode usar referências para personagens, configurações, expressões faciais, poses, animais, qualquer coisa. Você não quer copiar as imagens, você só quer usá-las para ajudá-lo a entender a realidade. Você deve tentar procurar fotografia objetiva precisa para suas referências. Imagens subjetivas como ilustrações representam a interpretação do artista da realidade, e você não quer desenhar sua interpretação, você quer desenhar sua própria interpretação. Para este manuscrito, Os Três Porquinhos, vou pesquisar porcos. Meu personagem é um porco. Eu sei como é um porco, mas eu não tenho uma boa compreensão da realidade dos porcos. Gosto de usar o Pinterest para organizar todas as minhas imagens para o desenvolvimento de personagens. Você pode fixar imagens de qualquer lugar na Internet, você não precisa ficar no Pinterest. Mas manter suas imagens de personagem e desenvolvimento no Pinterest é uma boa maneira de organizá-las. Você pode organizar as imagens em quadros, e você também pode ter quadros secretos para que outras pessoas não tenham que olhar para todas as suas imagens de porcos. Lembre-se, estamos pesquisando a realidade aqui, não como outras pessoas desenharam porcos. 8. Refinando seus personagens: Então agora nós fizemos nossos primeiros experimentos de desenvolvimento de personagens e nós temos nossas referências visuais. Agora vamos pegar essa informação e combinar e refinar. Então, quaisquer elementos dos meus esboços originais que eu gostei, eu vou continuar desenhando naqueles e experimentando com eles e eu vou largar as coisas que eu acho que são estranhas, que é um monte de coisas. Eu vou manter minhas referências ao meu redor para que eu possa ver como é um porco de verdade e não ter orelhas tão feias e narizes estranhos. Outra coisa que queremos pensar é a atitude do nosso caráter. O porco que estou desenhando, em vez de apenas gritar, ele tenta se defender e diz ao lobo que, ele vai precisar de muito sopro para explodir sua casa. Então ele tem um pouco de coragem para o seu caráter. Eu quero ter certeza de que isso aparece nas imagens porque não é explicado nas palavras. Então eu poderia experimentar o porco em diferentes poses onde ele parece um pouco corajoso. Você também quer considerar a idade do seu personagem. Nesta história, refere-se aos porcos como porquinhos, mas não temos certeza da idade. Então acho que pode ser ambíguo. Esses porcos podem ser de qualquer alcance, mas parecem jovens. Você também deseja capturar versões extremas do seu personagem. Empurre os elementos do personagem o mais longe possível. Por exemplo, o nariz pode ser realmente enorme, ou as orelhas podem ser muito pequenas, ou o nariz poderia ser muito pequeno e as orelhas poderiam ser realmente enormes. Junto com empurrar seu personagem ao extremo, vem experimentando com proporções corporais. Dar aos seus personagens proporções irrealistas dá à sua história uma sensação de fantasia e capricho. Comece a experimentar com a forma como o seu personagem vai se mover. Transforme-os em qualquer pose que você possa pensar. Você também quer pensar em fantasiar. Este é um porco, mas ele pode estar vestindo roupas. Podíamos dar-lhe um chapéu. A história não diz se o porco é macho ou fêmea, então cabe a nós decidir. Você pode torná-lo ambíguo como os que eu desenhei até agora, ou você pode tentar torná-lo mais óbvio, qual for a maneira que você quiser que seja. Você pode ver agora que eu estou começando a ficar mais de um personagem agora em vez de apenas um porco. Então, quanto mais você desenha um personagem, mais você vai conhecê-lo e eles realmente ganharão vida. Uma vez que você chega a este estágio, desenhando o personagem uma e outra vez, fica muito mais fácil porque você está começando a sentir quem eles são e onde eles querem que você vá. Então, a partir daqui, continue desenhando e vamos passar para a nossa ovelha modelo de personagem. 9. Folha de modelo de personagem: Depois de experimentar o suficiente e decidir sobre seu design final de personagem, pegue esse personagem e crie uma folha de modelo de personagem para você usar como referência para o resto do seu livro. Basta configurar seu papel com linhas para as proporções do corpo que você já decidiu, e então desenhar seu personagem da frente, de trás, de lado e de três quartos da vista. Aqui está a minha folha de modelo que eu fiz para o porquinho número três com base nos meus desenhos de personagens. Primeiro fiz a lápis e depois delineei a caneta. Então é um pouco mais limpo e eu posso ver todos os pequenos detalhes. Eu saí da frente, do lado, da parte de trás, e da vista de três quartos. Fazer isso realmente ajuda você a analisar as partes do seu personagem e certifique-se de que você sabe, o que o piggy parece das costas, como suas pernas se parecerão do lado. Várias coisas que você pode não pensar de outra forma, mas você precisa saber para todo o seu livro. Mais tarde, uma vez que você começar a trabalhar nas ilustrações finais, você pode voltar à sua folha de modelo de personagem e adicionar cor e textura para uma folha de modelo de caractere mais atualizada, se quiser. Vamos passar para o storyboard. 10. Elementos do storyboard: Um storyboard é um layout de miniatura visual de todo o seu livro. É uma ferramenta que permite que você pense e planeje o layout do seu livro. Storyboards permitem que você veja como você vai começar a progredir para você porque toda uma história de separação ajuda para se ajustar ao formato, grande ritmo e movimento, porque eu sou composição e design que detalhes, e garantir equilíbrio e ritmo. Antes de começarmos a fazer seu storyboard, vamos dar uma olhada em alguns tipos de ilustrações. Temos quatro tipos que vamos rever. Encaixoteados, vinhetas, manchas e sangramentos completos. Primeiro, vamos olhar para ilustrações em caixa. Para isso, vou mostrar onde estão as outras coisas, por Marie Sivek. Ele usa ilustrações de caixa durante todo o início de seu livro, e uma ilustração de caixa é uma ilustração que tem um quadro e não se estende até as bordas da página. Então você sempre tem algum espaço em branco ao redor da ilustração. Uma ilustração em caixa não precisa necessariamente ficar todo o caminho no quadro. Você pode ver aqui que algumas das folhas estão começando a sair do quadro apenas um pouco. Outro exemplo de ilustrações Box é o Jolly Christmas Carteiro de Janet e Alan Ahlberg. Aqui você pode ver que eles usam ilustrações de caixa com o pequeno quadro em torno da ilustração. Você pode ter um quadro ao redor ou não. O próximo tipo de ilustrações é vinhetas e Beatrix Potter, a autora e ilustradora de The Tale of Peter Rabbit, é como o mestre das vinhetas. Ela usa vinhetas em quase todas as ilustrações. Uma vinheta é uma ilustração cujas bordas se desvanecem no branco. Aqui você pode ver que não é bem uma ilustração encaixotada porque não há nenhuma borda definida em torno da ilustração. Desvanece-se aqui, as bordas para o espaço branco. A próxima ilustração é ilustrações spot. As ilustrações spot são pequenas ilustrações flutuantes gratuitas que não têm fundo. Por exemplo disso, vou mostrar-vos a verdadeira história de Os Três Porquinhos por [inaudível] ser ilustrado por Lane Smith. Aqui está um exemplo de uma ilustração spot. É flutuante livre, não está ligado a nada, é pequeno e não tem fundo. Um pouco como uma vinheta. O próximo tipo de ilustração como fluxo bleep. Por isso, vou mostrar-vos o meu livro favorito de todos os tempos, Max Deluxe, do Prefeito Coleman. Ela usa ilustrações de sangria total em quase todas as páginas. Aqui está um exemplo de que sangra total, que é realmente propagação completa também. Isso significa que a ilustração se estende até as bordas das páginas e passa por elas, preenchendo a página inteira ou toda a página espelhada. Pode ser uma ilustração completa em toda a página como esta, ou poderia ser duas ilustrações separadas. Isso é sangria total na página e sangria total na página. As ilustrações de sangria total são frequentemente usadas para aumentar drama e são frequentemente usadas no clímax da história. Finalmente, você não precisa escolher apenas um tipo de ilustração. Você pode e deve misturá-lo e combiná-los em todo o seu livro. Um grande exemplo disso é a locomotiva de Brian Floca e isso realmente ganhou o prêmio Casal este ano. Ele faz um ótimo exemplo de usar alguma vinheta isso seria sangramento total na página. Um pouco na vinheta da página. Então, em momentos de drama ou como excitação intensa, ele usa mais de um sangramento completo. Ele faz um trabalho muito bom combinando-os na página e no design. Veja isso tem um monte de drama nesta imagem. Então é isso. Esses são os tipos de ilustrações e livros ilustrados. Lembre-se, você quer tentar comprá-los e combiná-los em seu storyboard. Você só tem que criar ritmo e ritmo. 11. Configurando seu storyboard: Eu normalmente trabalho através de seis estágios quando eu storyboard. Primeiro, montei meu storyboard. Segundo, eu acabo com a história. Em terceiro lugar, concentro-me na composição e no ritmo. Em quarto lugar, concentro-me no movimento e no ritmo. Quinto, eu analisei para repetição, e finalmente, eu crio um pequeno manequim. Entre esses estágios podem ser várias versões de storyboard, e depois do manequim, talvez eu precise voltar e revisar os storyboards mais. Vamos entrar e vê-los em ação. Anexei meu modelo de storyboard que uso para planejar minhas histórias na seção de atribuição do projeto. Você pode usar este modelo para o seu storyboard ou criar o seu próprio, se quiser. Para estes comprimidos, existem três opções. Paisagem, retrato ou quadrado. Você não precisa ter certeza do tamanho do seu livro final. Você deveria escolher um tamanho e trabalhar com isso. Mas a editora e o designer trabalharão com você para finalizar o tamanho do seu livro se ele for usado. O que você tem que saber é se o livro seria orientado como paisagem ou retrato. Normalmente, colocar seus livros com um monte de vistas largas e configurações seria em paisagem, e livros com elementos mais altos, como arranha-céus ou árvores, podem funcionar melhor em retrato. Cabe a você e vale a pena experimentar. Mede e livros que você gosta e veja como as ilustrações se encaixam em suas proporções. Eu prefiro começar storyboard muito pequeno como as miniaturas neste modelo porque se eu gosto muito grande, Eu acabo gastando muito tempo desenhando detalhes. Para pelo menos seus primeiros storyboards no processo, você deve se concentrar no layout geral e design, posicionamento de elementos e dispersão geral, e não em detalhes específicos. Acho que trabalhar pequeno ajuda a manter-me concentrado. Então eu tenho meu modelo de storyboard aqui, e todas as páginas já estão numeradas, da página um aqui até a página 32 aqui. A primeira coisa que vamos fazer é preparar o assunto da frente. Você se lembrará da última aula que as primeiras duas a quatro páginas do seu livro ilustrado estão reservadas para material de fachada. Isso inclui o título, nomes de autor e ilustrador, talvez meio título, editor, direitos autorais e dedicação. Então, no seu modelo, deixe as primeiras páginas em branco por enquanto e comece sua história na página 3 ou na página 5, dependendo da quantidade de espaço que você acha que precisará. Você sempre pode alterá-lo em um storyboard futuro assim que começar a dividir sua história. Acho que para esta história vou começar na página 5. Então vou dizer que este é o meu meio título. Esta é minha página de título com minhas informações de direitos autorais aqui, e então minha dedicação provavelmente vai para aqui. Agora posso começar a trabalhar na minha história na página cinco. 12. Dividindo sua história: Então vamos passar para o segundo passo, quebrar a história. Você provavelmente terá que desenhar vários storyboards antes de conseguir que a história se encaixe no formato do seu livro de imagens da melhor maneira. A menos, é claro, que você fez o boneco dos escritores na última aula e acertou totalmente. Nesta primeira etapa, seus objetivos para decidir qual parte da história irá em cada página, o que ilustrar e o que não ilustrar. Agora você não quer se concentrar em desenhar belas imagens e nem se preocupar com a composição. Estamos terminando e ajustando a história no formato e reorganizando a estrutura. Ninguém desenharia o mesmo storyboard para a mesma história. Todos interpretarão de forma diferente e escolherão diferentes aspectos para destacar. Ao pensar em como quebrar sua história como fizemos antes no manuscrito, considere pontos de drama, ações vitais para a história, momentos emocionais e momentos que são totalmente descritos no texto. Então você só quer passar e você pode ter seu manuscrito com você que já trabalhamos mais cedo. Basta passar e esboçar todo o livro com desenhos muito ásperos, tentando não se distrair com detalhes. Em cada ilustração, o que você não desenha é tão importante quanto o que você desenha. Algumas coisas são melhor deixadas invisíveis pelo leitor. Por exemplo, em Where the Wild Things Are, mãe de Marx nunca é desenhada ou mostrada no livro, mesmo que ela seja uma parte muito importante da história. Manter a mãe invisível permite que ela seja mais um conceito do que um personagem e possivelmente permite que mais crianças se relacionem. Lembre-se, se a imagem pode dizer, então não são necessárias palavras. Então eu vou começar no meu primeiro storyboard. 13. Criando ritmo e andamento: Agora que você terminou sua história, o próximo passo é começar a refinar suas composições e ritmo. Considere seu uso de sangria total, como aqui, vinhetas como aqui, e ilustrações locais como aqui em todo o seu livro. Imagens inteligentes, como manchas e vinhetas, tendem a sugerir bons momentos, enquanto grandes imagens tendem a ser reservadas para momentos mais dramáticos. Enquanto você está desenhando, você também deve começar a considerar onde o texto será colocado, e deixar espaço suficiente para você ler. Você pode ver em alguns lugares que eu fiquei sem espaço e na minha próxima versão, eu vou ter que mover as coisas um pouco para dar espaço para o texto. Neste ponto, eu gostaria apenas de colocar uma linha para cada linha de texto. Não há necessidade de escrever as cartas e eu provavelmente não posso escrevê-las tão pequenas de qualquer maneira. Quando você desenha suas páginas espelhadas no próximo storyboard, às vezes é útil pensar em cada página espelhada como um quadro de filme que você está vendo através da lente da câmera. Você deveria estar olhando para baixo para o personagem? Abete-os, feche, longe. Pontos de vista podem comunicar emoção e drama rapidamente, e você quer ser capaz de usar uma variedade de pontos de vista e composições para criar ritmo através da sua história. Lembre-se também de estar ciente da calha em cada propagação. Você não quer colocar elementos importantes na sarjeta de cada página porque um pouco da página será sugado para a sarjeta quando o livro estiver vinculado. Por exemplo, você não gostaria de desenhar o rosto do seu personagem direito sobre a sarjeta. Digamos que este é um close-up do meu porquinho. Se eu desenhasse assim, o nariz dele seria sugado para dentro da sarjeta, e parte dele vai ser cortado provavelmente por isso. Até os olhos dele podem estar um pouco distorcidos. Você realmente não quer colocar nada super importante na sarjeta. Mas é bom cruzar a sarjeta com imagens porque isso pode ser muito dinâmico e levar seu olho através da página. Uma boa maneira de ver e afinar o seu ritmo é redesenhar o seu storyboard, com apenas os grandes elementos. Isso permite que você se concentre no design geral e na composição, em vez dos caracteres e detalhes. Antes de começar o ritmo, vou redesenhar todo o meu storyboard e focar na composição. Eu vou olhar para os elementos no spread e redesenhá-los com apenas um pouco mais de detalhes e afinar algumas coisas se eu precisar dar mais espaço para o texto, ou empurrar algumas coisas para baixo para que o design geral do spread seja mais Agradável. Vou começar com isso agora. Uma vez que você tenha feito a sua composição, para esta rodada, pelo menos, vamos olhar para o ritmo do nosso storyboard. Uma boa maneira de ver e afinar o ritmo do seu storyboard é desenhar seu storyboard novamente com apenas os grandes elementos. Isso permite que você se concentre no design geral e composição, em vez dos caracteres em detalhes. ritmo e o ritmo são frequentemente determinados pelo tamanho das suas imagens. Veja o seu uso de vinhetas, manchas ou ilustrações de raça completa. É como se cada ilustração ou elemento fosse uma batida, e você tem que espaçá-los para que eles fluam juntos em um ritmo. Eu vou pegar outro storyboard e eu vou redesenhar isso apenas com os grandes elementos. Não vou desenhar o nariz e os olhos dele. Eu só vou desenhar um círculo ou uma forma para cada elemento. Agora você pode ver os grandes elementos da minha composição para cada propagação e ao longo de todo o livro. É realmente interessante olhar para ele desta forma porque você pode ver como a ilustração flui, como o ritmo flui. Se você tem muito da mesma forma, muitas raças cheias. Acho que este tem um bom equilíbrio. Eu poderia tentar fazer algo com esses dois para fazê-los não se destacar tanto. É mais para a progressão de imagens menores para imagens maiores. Estou fazendo isso aqui com os porcos que estão olhando pela janela. A janela deste porco é muito pequena, janela deste porco é maior e o porco que realmente tenta se defender é a maior janela. Você pode ter esses ritmos e equilíbrios em sua composição para adicionar algum significado extra à sua história. Olhando para o ritmo geral, e decidir se você precisa mudar alguma coisa e você pode voltar e revisar sua composição, e seu storyboard geral tanto quanto você precisar. 14. Criando movimento: Agora que temos composições fortes e um ritmo, vamos olhar para o nosso storyboard e focar no movimento dentro das páginas e desenhá-los de todo o livro como um todo. Aqui estão algumas perguntas a fazer a si mesmo enquanto analisa o seu storyboard. Suas composições puxam seus olhos através da página da esquerda para a direita? Seus spreads parecem um pouco unificados e fluindo juntos como um todo? Suas composições são dinâmicas ou estáticas? Movimento e ritmo ajudam a história e os personagens a sentirem-se vivos, mas eles também movem a história e podem empurrar o leitor de página em página. Você pode usar elementos individuais em sua composição, como configuração, clima ou caracteres para adicionar movimento. Por exemplo, nesta cena onde o lobo está caminhando até a segunda casa. Este movimento dele andando e o desenho fluindo como este cria movimento ao longo da página, e assim ele carrega seu olho através desta página, mas, em seguida, também para a próxima propagação. Usando elementos como este e ter seus personagens se movendo através da página irá criar movimento na página espelhada e torná-lo mais dinâmico. O design geral do seu spread também pode adicionar movimento, puxando o leitor da esquerda para a direita através do spread e para a próxima página. Você pode usar pontos e vinhetas para movimentos detalhados menores como aqui para acelerar a história, e ilustrações de página inteira como aqui. Estas são duas páginas de sangria para construir a história. Em seguida, propagação total, ilustrações de sangria total como aqui. Para picos e ação. Em um livro de romance ou capítulo, a história pausa em quebras de parágrafo, vírgulas e pontos. Em um livro de imagens, a história pausa entre páginas e uma página espelhada, e entre páginas espelhadas nas voltas de página. Assim, cada uma de suas ilustrações de propagação tem que ser forte o suficiente não só para comunicar a história, mas também para atrair o leitor a virar a página. O movimento dentro dos spreads da esquerda para a direita é uma maneira de seduzir o leitor. O movimento dentro dos spreads da esquerda para a direita, como ver aqui, é uma maneira de seduzir o leitor, levando-os diretamente de onde eles começam a ler para o canto da página. Outra maneira de criar voltas de página amarradas é terminando spreads com um momento de tensão ou incerteza. Assim, o leitor é tentado a virar a página, por exemplo, aqui na página 19, esta propagação termina a linha vai soprar e inchado e azul e azul. Então o leitor é seduzido a virar a página porque queremos saber o que aconteceu. Ele explodiu a casa? Ele comeu o porco? Nós não sabemos. Queremos virar a página para descobrir. Close ups são frequentemente usados em momentos de alta emoção ou ação, como exaltação ou medo. Por exemplo, aqui, quando o terceiro porco causa capuz vermelho, eu dou um zoom em seu rosto um pouco em vez de mostrá-lo tão longe para realmente zoom em sua emoção de medo. Em seguida, na página oposta, contrastando que ele é muito pequeno, segurando um telefone que é obviamente muito grande para ele. Então mostrar essa imagem distante dele e torná-los muito pequenos mostra que este é o ponto baixo dele e que ele está tendo dúvidas. Eu não fiz isso neste storyboard, mas você pode integrar um subenredo em seu livro como outra maneira de criar movimento. Você pode soltar pistas visuais através da história para adicionar significado à história, e pode até mesmo inscrever outra narrativa visual para ser executada paralelamente ao texto. Falamos sobre sub personagens e a palestra de desenvolvimento de personagens e é aí que isso entra em jogo. Pistas como estas atraem o leitor a virar a página e manter a história em movimento e dar à criança uma interação mais profunda com o livro como eles são capazes de ler uma sub-narrativa por conta própria que não foi mencionada nas palavras. 15. Analisando para repetição: Agora que temos o nosso movimento a funcionar bem, vamos ver a repetição no nosso storyboard. Assim como no texto do livro ilustrado, também deve haver um ritmo nas suas ilustrações. A repetição de certas imagens ou layouts de design pode ajudar a enfatizar o ritmo. Semelhanças e repetição dão ao leitor um sentimento de familiaridade. Isso ajuda o leitor a seguir e desfrutar da história e também faz momentos em que você rompe com a repetição ainda mais poderoso e emocionante. Uma maneira que eu uso repetição no meu storyboard é ter os porcos vigiando da janela de sua casa da mesma maneira. Aqui está o primeiro porco olhando para sua casa de palha. É uma ilustração de página inteira, cheia de sangue, com o porco olhando pela janela aqui no centro da página. Então, com o segundo porco e a casa dos galhos, temos o mesmo layout, mas é claro que esta casa será feita de galhos. Ainda é uma página inteira, ilustração de sangria total. Mas sua janela é um pouco maior que a última janela. Para criar repetição, mas também um pouco de diversidade. Então, o terceiro porco na casa de tijolos é o mesmo layout, página inteira, sangramento total, mas a janela é ainda maior e você pode ver mais do porco, então os porcos ficam progressivamente mais corajosos até o terceiro porco. Eu também uso repetição para ter o lobo deitado. Aqui depois que o lobo comeu o primeiro porco, você pode vê-lo deitado, relaxando depois que ele comeu o primeiro porco. Depois que ele comeu o segundo porco, você pode vê-lo deitado em outra posição, esticado de costas com os dois porcos vislumbrando sua barriga. Então, finalmente, depois de Capuchinho Vermelho matar o lobo, ele se estendeu como um daqueles tapetes de caça ao tigre no chão de alguém. Então você tem a repetição do lobo deitado, o que, em última análise, leva à resolução. Então, aqui estão algumas perguntas a se fazer sobre a repetição em seu storyboard. Existe uma boa quantidade de repetição em suas composições? Há muitos dos mesmos tipos de ilustrações, por exemplo, para muitas vinhetas ou ilustrações de sangria total. É a sua variedade em como seus personagens são colocados. Seu personagem está sempre virado para a frente e nunca de três quartos de vista? Existe uma repetição e uma variedade de pontos de vista? Finalmente, você tem um equilíbrio entre imagens ocupadas no laboratório e pequenas silenciosas?. Às vezes, imagens simples com muito espaço em branco como este onde a casa de tijolos ainda estava de pé podem ser as mais poderosas. Depois de analisar a repetição, redesenhe seu storyboard se achar que não há repetição suficiente ou demais de quaisquer elementos. 16. Fazendo uma pequena maquete: Antes de passar para os esboços finais, gostaria de fazer um pequeno manequim com as miniaturas do storyboard para ver as voltas da página e o impacto mais claramente. Às vezes faço uma cópia do meu storyboard, corto os spreads, e depois junto-os para fazer um pequeno livro. Outras vezes eu apenas fazer um pequeno livreto com papel e eu rapidamente esboçar esboços ásperos no livreto para dar uma idéia geral do livro. Para este boneco, fiz uma cópia do meu storyboard e vou cortar as miniaturas bem rápido. Assim que tiver todos os seus spreads cortados, pegue o primeiro com metade do título e uma página em branco e coloque-o virado para baixo na mesa. Isto vai ser como a capa para o seu boneco. Em seguida, pegue o segundo espalhamento e dobre ao meio com o conteúdo no interior. Em seguida, pegue este terceiro spread e faça a mesma coisa, dobre-o com o conteúdo no interior. Agora você tem essas duas páginas em branco se juntando. Você vai pegar essas duas páginas juntas. Em seguida, continue com o seu quarto spread, colocando as duas páginas em branco juntas, você está basicamente fazendo um bug acordeão aqui. Eu só vou passar por isso muito rápido com todos os spreads. Este é o nosso pequeno boneco. Temos a metade do título, os direitos autorais e o título, a dedicação, e aqui está a nossa primeira página da nossa história. O boneco é realmente uma ferramenta de pensamento e pode não fazer muito sentido para outras pessoas, mas quando você está fazendo esses storyboards e esboços, faz muito sentido para você. Vê-lo em formato de livro realmente aponta alguns dos erros que você pode ter cometido. É melhor perceber todos os seus erros agora, em vez de começar a desenhar suas ilustrações finais e seus esboços finais. Porque então, é muito mais difícil voltar e mudar o design e a composição. Esse é todo o meu livrinho. Se você está tendo dificuldade em trabalhar com storyboards, um exercício muito bom é criar storyboard um livro de imagens existente. Aqui está um storyboard que eu desenhei do livro, A Very Fuddles Christmas, escrito e ilustrado por Frans Vischer. Eu só passei pela história, página por página, e desenhei os principais elementos do livro. Aqui você pode ver a metade do título, e eu faço o meio título, em seguida, a dedicação de copywriting e a página de título completo. Então, aqui está a primeira página com uma sangria completa, ilustração de página inteira e, em seguida, duas ilustrações spot. Você pode ver que eu desenhei simplesmente uma ilustração de página inteira de sangria total. Eu até escrevi no topo cheio e dois pontos. Em um olhar rápido, eu posso ver que ilustração ela usou ao longo da história. Este é um exercício realmente bom que ajuda você a ver claramente como um ilustrador experiente usa uma variedade de composições e repetições para criar ritmo e ritmo em todo o livro. É uma ótima experiência de aprendizado e me ensinou muito sobre como fazer storyboard. Eu realmente recomendo que você experimente. Isso é tudo para storyboards e bonecos. 17. Configurando seus esboços: Uma vez que eu tenho a pasta impressa, eu coloco na minha caixa ao vivo. Então eu gravo outra página em branco no topo. Então eu levemente traço o desenho para a nova folha de papel, e aqui eu não me concentro em desenhar os pequenos detalhes. Eu só quero colocar a composição na página nos lugares certos e no tamanho certo. Vamos fazer isso bem rápido. 18. Refinando seus esboços: Agora que eu tenho meu esboço básico de composição, eu vou apenas passar e refinar o desenho. Isso às vezes pode ser um processo longo e pode envolver várias rodadas de desenho; então vamos começar. Quando você está refinando seus esboços, você também quer considerar o posicionamento do texto também. Eu gosto de escrever as palavras reais em vez de apenas linhas como nas miniaturas, para ver como elas se encaixam no espaço que eu reservei para elas. A textura tem uma boa quantidade de espaço para respirar em torno dela, por isso é fácil de encontrar e ler. Tradicionalmente, livros de texto e imagens são apresentados como um poema em estrofes como esta, e em um tipo de letra Serif. Mas toneladas de livros quebram esse padrão. Alguns usam San-Serif, alguns projetam o texto para ser mais unificado com a ilustração, alguns do texto está envolvendo as ilustrações, e alguns até usam o tipo desenhado à mão. Pode ser divertido integrar o texto com a ilustração e pode definitivamente fazer um livro poderoso, mas tenha cuidado para não ir ao mar. A imagem deve se destacar e ser a estrela da propagação. Então eu acho que esse é um layout muito bom tipo por enquanto. Depois de entrar no Photoshop, posso digitar o texto e reajustar conforme necessário. 19. Criando seus desenhos finais: Para meus desenhos finais, acabei de colocar meu esboço refinado em uma caixa de luz, como fizemos antes, e vou rastrear o desenho em uma nova folha de papel. Normalmente, meu desenho final é completado a lápis, mas às vezes eu uso caneta. Você pode escolher o material com o qual preferir trabalhar. Eu também tinha algumas coisas que eu não estava tão feliz com no meu último esboço. Pensei que os braços dele talvez não fossem os melhores aqui. Seus braços definitivamente não eram os melhores aqui, eles eram um pouco embaraçosos. Este lobo em geral, eu não era realmente um fã de. Não achei que ele combinasse com o estilo dos porcos. Eu fui em frente em outra folha de papel e eu desenhei algumas outras opções. Eu não vou rastrear este lobo e em vez disso vou rastrear este lobo que eu desenhei antes. Vamos começar o nosso desenho final. Quando você está desenhando suas texturas, se você fizer isso em um pedaço de papel separado, também é uma boa idéia para traçar o contorno da página novamente assim como você fez em seu desenho de linha porque então você pode facilmente alinhá-los no Photoshop quando você digitalizá-los. São todos os meus desenhos e texturas. 20. Passando a limpo no Photoshop: Quando estou feliz com meus desenhos finais, digitalizo o trabalho em linha e as texturas a lápis, e abro no Photoshop. Coloquei o arquivo de textura em sua própria camada acima do arquivo de trabalho de linha, e rotulei cada um deles. Então eu vou ligar ambas as camadas, e transformar as texturas de lápis em multiplicar, para que fique transparente e eu possa ver ambas as camadas juntas. Então eu vou pegar a ferramenta pincel, e colorir qualquer branco sobre quaisquer marcas estranhas na página que eu vejo em cada camada individual. Então agora nós temos todo o nosso trabalho de linha limpo. 21. Composição tipográfica no Photoshop: Um designer será o único a escolher o tipo de letra e layout tipográfico geral do seu livro, se ele for publicado. Mas você, como ilustrador, ainda tem que planejar o texto e ter um lugar para ele ir. O texto deve ser um pouco integrado com o design, para que ele não pareça ter sido apenas esbofeteado ao acaso. É uma boa ideia não escolher um tipo de letra louco para o seu livro. Você está realmente projetando o texto como um suporte de lugar por enquanto. Você quer que ele seja legível e limpo, e não distraia suas fotos. Vou apenas digitar o meu texto e colocá-lo onde eu tinha planejado antes em meus esboços. Vou usar o tipo Baskerville. É uma das minhas fontes favoritas e é um conjunto limpo de tipos. Um bom tamanho de fonte, se você está trabalhando em uma folha de papel 8,5 por 11 como eu estou agora, provavelmente é cerca de 18. Não há padrão, mas isso parece certo para mim. Agora você pode começar a brincar com o layout do tipo e encaixá-lo na página com o resto da sua composição. Acho que isso é bom por enquanto. Podemos sempre voltar e mudá-lo mais tarde. 22. Coloração digital no Photoshop: A cor é um dos elementos mais visíveis e influentes de uma ilustração. Pode afetar muito o humor e o tom geral desta propagação e transmitir imediatamente a emoção da história. Antes de começar a experimentar, considere se você deseja que seu livro geral seja brilhante e colorido, ou silencioso e silencioso. Qual delas se encaixaria melhor na história? Você também pode misturá-los e usar hits de cor e spreads que embalam mais ação para ter um impacto ainda maior em contraste com os outros spreads. Cor seria, em seguida, cada propagação também ajuda a orientar o olho do leitor. Você pode destacar seu personagem principal fazendo com que eles se destacem do fundo com cores complementares ou silenciando o fundo um pouco. Prefiro trabalhar com paletas de cores limitadas, escolhendo apenas duas ou três cores para trabalhar e os tons dessas cores. Eu acho que essa restrição me faz prestar mais atenção como eu uso as cores e me permite realmente focar o olho do leitor. É importante planejar sua cor para o livro como um todo, em vez de apenas uma página. Você precisa de uma paleta que possa ser forte em todas as páginas do livro, não apenas em uma página. Vou mostrar a vocês como eu faço minha cor estável com minha paleta escolhida. Vou pegar a camada de storyboard e colocá-lo em cima e configurá-lo para multiplicar para que as linhas sejam transparentes em cima das cores e eu vou apenas pegar a ferramenta pincel e começar a pintar as cores. Esse é o meu estudo de cores storyboard e ajuda você a planejar as cores em todo o seu livro usando o formato storyboard. Você pode vê-los todos juntos como um livro unificado. Agora vou passar por uma breve visão geral do meu processo de coloração digital. Se você gostaria de um tutorial mais aprofundado meu processo de coloração, você pode conferir a minha outra classe Skillshare, ilustração científica que transmite informações com charme. A última unidade dessa classe leva você através passo a passo do meu processo de coloração digital através de um screencast, mostrando como eu colorir, tratar o trabalho de linha, adicionar texturas e criar tipografia de desenho à mão. Vamos continuar com esta propagação.