Introdução ao Storyboard para animação

1. INTRODUÇÃO DO CURSO: Olá a todos. Meu nome é Re Ginger, sou Collin. Sou artistas de longa-metragem atualmente trabalhando na Netflix Animation Studios. Este curso introdutório sobre storyboard se concentrará nos fundamentos do storyboard como uma forma de comunicação visual e animação. O curso abordará conceitos básicos de edição de câmera, desenho e como tudo se refere ao storyboard. Esta aula é para aqueles de vocês que são iniciantes absolutos, o storyboard. Portanto, você não precisa se preocupar com software ou hardware caro é simples. Caneta e papel funcionarão totalmente bem. Mas se você tiver software e hardware, tudo bem. Você deve fazer essa aula se não tiver muito tempo em suas mãos, mas ainda quiser obter informações realmente importantes de alguém que está trabalhando na indústria. Nesta aula, você receberá pequenas tarefas que visarão as habilidades básicas que você precisa ter para passar para o Estudo Avançado de Storyboard. Eu juntei essa aula com a esperança de lhe dar o máximo de informações possível. E estou super animado para você experimentar isso. Então, vamos começar. 2. 1 introdução ao storyboarding: Ok pessoal, bem-vindos novamente à Introdução ao storyboarding comigo ridge e Jerome Cohen. E estou tão feliz por vocês estarem fazendo essa aula. E espero que você aprenda esta classe e isso melhore seu storyboard e habilidades. Esta é uma introdução realmente básica a tudo storyboard. Então, se você for mais avançado, eu recomendo que você pule esta, essa classe e vá para as outras classes. Isso é só eu te dando uma rápida introdução ao que é o storyboard. Então, vamos entrar nisso agora. Vamos falar sobre o, o quê, o porquê, o como, o onde e quem do storyboard, certo? Então, o que é storyboard para aqueles que sabem disso pode ter uma pequena ideia que é para aqueles que nem sabem o que é, mas apenas curioso sobre storyboard. Basicamente, o storyboard faz parte do processo de produção e cria programas de televisão, filmes, jogos, coisas, narrativas, contador histórias visuais e produções. O que é basicamente o planejamento, usando linguagem cinematográfica para contar sua história e ajudar a diretora ou os contadores de histórias a prever como eles acham que seria o filme. Também é uma forma de visualizar scripts. E assim os artistas, as crianças veem e os diretores puderam ver como sua visão está aparecendo. Quais mudanças poderiam ser feitas para ajudar a economizar tempo e economizar dinheiro no processo de produção. Então, como criar storyboards? Então, basicamente, tudo o que você precisa para essa aula é que você pode ir tradicional ou digital. Isso não importa. Você poderia usar uma caneta ou lápis e um pedaço de papel, praticamente, ou caderno de desenho, certo? Se você for digital, talvez precise de um software de desenho digital. Teríamos Photoshop, ou europeu, ou qualquer um desses softwares, certo? Você também pode usar um software livre chamado storyboard, que eu recomendo porque é um software de desenvolvimento realmente bom que é absolutamente gratuito e sou apenas eu. E para storyboard, as coisas que você pode usar para criar storyboards. Então, por que criar storyboards? E eu meio que passei por cima disso e o anterior, como o que nossos storyboards, por que criamos storyboard é economizar tempo, economizar dinheiro e ajudar a prever sua história é praticamente storyboards são um poupança de tempo e eles ajudam com a produção e ela preencheu para que você não perca tempo. Você não fica estressado demais. Porque imagine se você está criando um filme e você não sabe do que é o filme e você simplesmente entra e começa a fazê-lo. E você quase terminou e então você decide, você sabe o que, essa coisa toda não está funcionando. Mas se você tivesse feito isso e storyboards, teria visto os problemas com a história e você conseguiu consertá-la sem gastar tanto tempo e tanto dinheiro na produção. Quem cria storyboards para qualquer pessoa cria storyboards para pessoas especiais, crie storyboards. Bem, sim, as pessoas que criam storyboards são chamadas de storyboard add. Agora, para ser um artista de storyboard, você precisará de um conjunto específico de habilidades. E essas habilidades sobre as quais vamos falar nas aulas futuras. Essas são as habilidades que você vai aprender. Você vai ser, você vai ter que ser um bom esboço para isso. Você vai ter que ser um bom contador de histórias, vai ter que ser um bom escritor, um bom leitor, uma boa análise, pessoa de análise. E você vai precisar muitas habilidades para ser um artista de storyboard. Você vai ter que ser diretor também. Então, seguindo em frente, vamos falar sobre algum artista de storyboard. E vou mostrar a vocês alguns dos artistas de storyboard que eu procuro inspiração. E eles trabalham na indústria há tanto tempo e trabalharam em produções incríveis. Vamos começar com Brenda Chapman, porque Brenda Chapman é uma das principais contadoras de histórias do setor agora. E tive a sorte de conhecê-la em uma apresentação que ela fez sobre trabalhar lá na indústria. E naquela época eu não sabia quem ela era. E quando vi uma apresentação sobre quem pode possuir breve e Príncipe do Egito, fiquei tão espantado com o trabalho que ela fez. E eu estava tão hipnotizado e realmente tive que descobrir mais sobre ela. E então eu li muito mais sobre ela e percebo que ela tem trabalhado na indústria. Voltamos há muito tempo e os dias do Rei Leão nos socorristas não estão sob isso na Disney. E eu recomendo totalmente que se você não ouviu falar da Brand e da Chapman, que confira o trabalho dela. Outra pessoa que você deve conferir é Chris Sanders. Seu trabalho mais famoso. Acho que seria Leila um ponto, mas ele também trabalhou com a Disney e outras produções como Moulin e The Lion King. E você pode ver aqui, esses são alguns de seus storyboards. Ele tem um estilo de esboço realmente único e seu, todo o seu visual e como ele, como ele desenha é realmente único e eu totalmente, recomendo totalmente que você o verifique. Outro artista de storyboard de grade é Dean day Bullet. Bullies, provavelmente. Esse nome, mas ele é incrível. Eu o descobri enquanto eu estava fazendo algumas pesquisas sobre Milão e a produção fora de Milão. E fiquei tão espantado com os storyboards. Foi tão bem trabalhado para que eles fluidos tão bem. E, e a sua maneira de desenhar foi tão incrível. Estas são apenas algumas de suas tábuas que eu consegui fazer para o meu livro. Eu já fiz. E se você não ouviu falar do Dean, eu recomendo totalmente que você os verifique. Eu recomendo que você confira todos esses caras e domine alguns de vocês. A única maneira que você provavelmente não sabe sobre me contratar como Zaki é se você é realmente, muito jovem e você não tem idéia sobre um voto, animação de voto ou qualquer coisa. Porque o alto muzak, é bem conhecido todo o mundo como um dos maiores contadores de histórias, os maiores diretores até consideram comprar muita gente. Ele trabalhou em impressoras de manhã, ok, Spirited Away. E filmes muito mais incríveis. Na verdade, ele é um dos meus diretores favoritos e um dos meus artistas favoritos de storyboard. Agora, a coisa única sobre os storyboards Jaime e Zackie é que ele realmente não trabalha a partir de um roteiro. Ele trabalha organicamente com a história e acabou de comprar e editar. E ele sente que a história cresce e muda. E ele, ele, ao contrário da Disney, onde eles trabalham a partir de um roteiro e você tem vários artistas trabalhando juntos como uma equipe que é tão eficaz. Miyazaki realmente tem o buraco. Ele prevê todo o filme e como meu e , em seguida, portal todo o filme. E às vezes ele nem termina storyboard e o remove antes que a produção comece. A produção começa e às vezes ele nem sabe como o filme terminaria. Então, se por algum motivo estranho você não viu nenhum filme de Miyazaki e precisa ir assistir aos filmes dele. Você precisa verificar storyboards de auditoria e fazer algumas pesquisas sobre eles. Então isso me leva à tarefa de estandes para vocês. Eu sei disso, essa aula introdutória é muito, muito curta. Eu só quero que vocês realmente façam algumas pesquisas sobre esta lista de artistas de storyboard que eu coloquei aqui. Há tantos grandes artistas de storyboard trabalhando na indústria agora. E toda vez que vejo que eles funcionam, sempre me inspiro a tentar melhor, tentar fazer melhor para tentar ser um artista de storyboard melhor que enterrou um contador de histórias melhor. Eu sempre recomendo que você olhe para muitos artistas são uma variedade de artistas. Não importa, não importa se você não gosta das histórias que eles contam, se você gosta das histórias que eles contam e analisa seu trabalho e inspiração antiga e aprende com elas. Gays, essa foi a primeira classe desde a introdução ao storyboard, storyboard comigo. E espero que você vá para a próxima aula e animado para a próxima aula. 3. 2 Como desenhar storyboards: Tudo bem pessoal, bem-vindos à lição dois de storyboard comigo, Raj. Nesta lição, vamos falar sobre como desenhar para storyboards são storyboard. E há uma certa maneira que você precisa saber como desenhar uma certa mentalidade que você precisa ter em um desenho. E vamos rever meu sotaque e analisaremos essas técnicas nesta lição. Então, vamos direto a isso. Então aqui temos, vamos ver, vamos fazer alguns storyboards para uma ação ao vivo ou animados. Claro, temos esses três personagens aqui. Agora, quando você está desenhando storyboards, você precisa ser capaz de desenhar muito rápido e precisa cumprir os prazos. E você precisa, muitas vezes você precisará fazer muitas mudanças porque o direto não gosta da porque o direto não sequência e ele quer que você denuncie ou por algum outro motivo. É por isso que, quando você está fazendo storyboards, você não fará suas ilustrações ou esboços com muitos detalhes. Portanto, há muitos esboços de mãos curtas, storyboard. E um ano quando você está desenhando um personagem, ou tenta fazer é tentar obter a menor quantidade de linhas para representar esse personagem. E você ainda precisa ser capaz de, como alguém vê o esboço, eles ainda precisam saber qual personagem que o esboça. Então, vou fazer alguns esboços rápidos dessas três pessoas aqui. E eu quero mostrar a vocês como eu abordo isso. Então, para a garota, vou desenhar as amostras e vou desenhar um cara de figura de pau, certo, para representar. E então eu só vou adicionar os recursos que eu acho que nos fazem destacar como quem ela é naquela foto. Só vou adicioná-lo aqui e isso é praticamente para ela. É assim que eu a desenharia em um storyboard. Para esse cara aqui. Quando eu os desenhar, vou desenhar o mesmo esboço rápido, figura de pau. E, mas o que vou fazer é adicionar óculos e seu estilo de cabelo cortado em tigela para te mostrar que você sabe que este é ele. Para o último cara, ele é muito mais velho. Então o que eu vou fazer e ele tem um calor , então vou me certificar de adicionar esses elementos. Então, quando estou fazendo placas ou quando alguém observa o quadro, eles sabem que isso é uma abreviação desse storyboard de personagens e você não precisa desenhar muito, muito chique. Você não precisa desenhar coisas realmente detalhadas, como quando você apenas começa e storyboard e você fica exposto a ele, fica, é um pouco difícil porque você vai querer que você comprou. Então, pareça um pouco pouco impressionante. À medida que você obtém mais e mais experiência, você percebe que as ilustrações só precisam ser claras e simples para comunicar a história. Então, vamos passar para mais alguns exemplos. Agora. Vamos ter essa garota aqui. Digamos que ela fosse a personagem principal da sua história, certo? Agora, quando olhamos para a fantasia dela, estamos vendo muitos detalhes. Sei que é um vestido de estilo indiano. Então, quando olhamos para ela, eu olhava para isso e tentava ver quais são os elementos importantes para caráter e as coisas que eu posso deixar de fora que totalmente desnecessárias e comunicam e historiadora se comunica e seu personagem. Fiz dois exemplos aqui para mostrar a vocês como, como pode ser simples. E eu fiz um que um pouco que fui um pouco ao mar e o detalhe que mostraria que é um pouco desnecessário ir esse detalhe. Então esse é o que está no meio da ideia. E o último longe demais, certo? Este é um esboço muito, muito, muito áspero, áspero muito, muito áspero, áspero e áspero de como eu desenharia um storyboard para ela. Agora, quando estou embarcando, tudo o que eu realmente preciso é saber quem é esse personagem e ter os dois pães e seu cabelo é apenas o suficiente para eu saber e me comunicar com meu diretor ou meu equipe de storyboard que este é o personagem e isso vai prejudicar a cena. Então, quando procuram o personagem na cena, eles estavam apenas procurando por uma garota com duas tranças. E digamos, digamos que você tenha dois personagens. Nesta cena. O que você faria é apenas adicionar outro elemento ao esboço rápido que mostraria, que diferenciaria os personagens. Então, o que está no meio é um exemplo do que você não vai fazer e tentar não seguir esse detalhe porque você perderá muito tempo. Portanto, não são apenas personagens que você precisa desenhar taquigrafia e se comunicar de forma simples. Também são seus ambientes e tudo o que está neste storyboard. Então, agora, aqui temos exemplo de um castelo, certo? Então, digamos que em sua história ou em seu roteiro, tem que haver um castelo. E este é o design do carro para que talvez a equipe de design tenha passado para, você sabe, você tem que desenhá-lo em seu storyboard. Agora eu fiz outro exemplo aqui que mostra aquele castelo que é um pouco detalhe demais, um pouco complicado demais para storyboards. Pode ser bom o suficiente para talvez limpar, mas não quando você está fazendo difícil inicial. Então, vou ficar super simples. E é assim que eu faria talvez uma primeira passagem em um storyboard, apenas deixá-lo super claro, super simples. Tudo o que a equipe precisa saber. Como o diretor precisa saber é que este é o castelo. Isso é o que é importante no castelo e na área. Se for apenas uma foto estabelecedora, isso é praticamente tudo o que você precisa mostrar. Muito, muito simples. Esta imagem é comunicada que, Ei, este é um castelo e está cercado por água, e é aqui que os eventos da cena vão levar. Seguindo em frente. Agora, temos outro exemplo de alguns gatinhos aqui. Um exemplo novamente, mesmo que este seja apenas um esboço rápido que fiz desses gatinhos. Agora, no contexto do storyboard, isso é um pouco ainda demais como, sim, eu sei como esse esboço rápido aqui, eu fiz isso. Há muito poucos detalhes. Ainda é um pouco detalhe demais e você pode simplificá-lo mais. E isso é o quão simples você poderia realmente ir como alguns círculos e ele apenas mostrou os olhos. Você nem precisa desenhar toda a comida e coisas que você está vendo no gato. Agora, a menos que cada corte seja um personagem particular em um filme e você precise colocar um padrão alimentar específico no personagem para significar qual corte é qual personagem, então você provavelmente iria desenhar isso. Mas se, digamos que tenha alguns cortes aleatórios, tudo realmente precisa desenhar tantos detalhes. Tudo bem, a próxima coisa que você precisa estar ciente ao desenhar para storyboards é ser capaz de entender o gesto. E saber que o gesto é mais importante do que desenhar anatomia correta para um personagem. Agora, para aqueles de vocês que podem não conhecer o gesto, gesto está basicamente desenhando a essência ou durante a ação de um personagem com todos focados músculos individuais de uma figura. Então, neste exemplo, onde temos aqui um desenho da anatomia de um ser humano. E então temos basicamente o gesto das amostras do mesmo homem conhecendo a versão anatomia, vemos que ela é desenhada com todas as complexidades dos músculos e desenhamos os abdominais e xadrez e tudo. Agora, para storyboards, como novamente, porque você está em um prazo e precisa passar suas ideias muito rápido. Você não tem tempo para desenhar todos os músculos ou desenhar tudo anatomicamente correto. Então o que você faria é apenas focar no gesto do personagem porque ele gesto comunicaria a ação do personagem e seria mais claro. E seu público de direção que está assistindo esses storyboards será capaz de entender o que você está tentando ver. E eles não precisam que os músculos estejam lá para que a ideia se depare. Então, digamos, por exemplo, disjoint, certo? É um desenho muito bom. Ele desenha, ele, ele, tem todos os músculos bem proporcionados e tudo e o personagem está se esticando. Temos a ideia do que o personagem está fazendo. Mas com storyboards agora, desjunte-se também refinado e storyboard. Você não tem tempo para desenhar tudo tão bem refinado, tudo tão preciso em talvez um primeiro passe seja o segundo ônibus. E nós gesticularíamos o desenho, geralmente é muito, muito rápido, muito, muito solto. Você se concentra na ação. Você não se concentra em, tipo, você sabe, tudo sendo anatomicamente correto. Então, como neste desenho, você pode ver que tudo está muito mais solto e ainda comunica a mesma coisa que o personagem está fazendo qualquer desenho anterior. Agora vamos dar uma olhada neste exemplo. Agora. Outra coisa que você precisa saber sobre anatomia é que, às vezes quando você desenha coisas realmente precisas para a vida, ela tende a sair muito rígida e um pouco sem vida. Quando recriado em Detroit. Quando você está fazendo um gesto, gesto adiciona mais vida e você vê muito mais vida no desenho em comparação com aquele que tem mais precisão para a vida porque geralmente são gestos empurrar, geralmente é exagerado. Então você entende, você é capaz de empurrar a ideia ainda mais e trapacear um pouco em termos de realismo e ainda comunicar sua ideia O diretor. Então, agora eu queria mostrar a vocês um exemplo de alguns storyboards feitos por algum artista de storyboard da Pixar. Não consegui encontrar o crédito dele, então sei quem é. Eu adoraria saber o nome dele porque eu realmente amo essas placas. Estes são alguns storyboards do filme Coco. E se você olhar para eles, você pode ver o quão soltos e gestuais esses desenhos, eles não tentam ser super, super precisos para a vida. Porque se você já viu esse filme que você sabia que esses personagens, eles são principalmente laços e ossos esqueléticos. Mas esse artista, ele não desenha todos os ossos e as costelas. Ele não desenha todos os ossos. Mãos, tudo não precisa ser preciso. Você apenas adiciona o suficiente para saber que esses personagens são esqueleto. E você realmente não precisa adicionar todos os detalhes. Então, estes são muito, muito bons comprados. Esses barcos estão realmente no YouTube. Você pode simplesmente digitar storyboards de cacau, cenas excluídas e você poderá ver esses barcos e ação. Eles são muito, muito bons. Você deve verificá-los. Agora, a última coisa que vamos olhar e com desenhos de compreensão para storyboard é ter uma silhueta clara com seus desenhos. Agora, muitos de vocês se depararam isso e nós vamos passar por cima de novo. Mas vamos dar uma olhada em um exemplo, um exemplo rápido, e vamos apenas ir para ele muito rápido novamente. Então temos dois desenhos da mesma mulher e ela está segurando uma lança. Agora o da direita é a melhor maneira de desenhá-la. Porque se bloquearmos o Detroit e sair, você ainda poderá saber e ver o que a mulher está fazendo claramente. Agora, com o desenho à direita, quando bloqueamos a semana toda, fique confuso com o que realmente está acontecendo. Nós realmente não sabemos onde a colocação desse espaço. Não podemos dizer o que realmente está acontecendo com certeza. Mas comparado com o vermelho, pudemos ver claramente que ela está segurando uma lança à esquerda, esticada. E sabemos o que está acontecendo. Com silhueta. Tentamos manter essa silhueta muito, muito clara. Aqui estão mais alguns exemplos. Podemos dizer o que esses personagens estão fazendo claramente. Tudo isso no cabelo dela, não era uma espada para cima, segurando uma arma. Sabemos o que esses personagens estão fazendo. Então, quais storyboards tentamos manter tudo claro. Então, o que vamos fazer agora é que vou mostrar a vocês um exercício que vocês vão fazer para sua tarefa, que o ajudará a construir, ou eles estão tendo o hábito de desenhar para storyboards? Na verdade, é uma tarefa que eu vejo, Bem, quando eu estava aprendendo storyboards que eu vi que muitos artistas de storyboard fizeram, talvez como um exercício de aquecimento ou exercício que eles costumavam estudar filme. Esta saída, que o ajudará a construir, ou eles estão tendo o hábito de desenhar para storyboards? Na verdade, é uma tarefa que eu vejo quando eu estava aprendendo storyboards que eu vi que o artista de storyboard fez talvez como um exercício de aquecimento ou exercício que eles usam para estudar filme. Este exercício, percebi que realmente ajuda você a desenhar em taquigrafia. Então, o que realmente é o exercício é você faria um filme ou programa de TV ou qualquer, qualquer tipo de meio visual ou um problema ou qualquer coisa. E você tomaria uma cena. E então, à medida que a cena se desenrola, você tenta desenhar essas cenas enquanto elas se desenrolam com uma pausa antiga no braço, no filme ou no programa de TV. Então isso forçaria você a desenhar os elementos mais importantes o mais rápido possível. Então, neste exemplo, tenho na tela aqui, decidi fazer o incrível onde a família estava sentada à mesa. E basicamente o que estou fazendo aqui é que desenhei algumas caixas para as cenas. Eu desenhei isso antes de começar, então não vou perder tempo desenhando a caixa tão bem que vi que está acontecendo. E então eu toco a cena. E eu tentaria desenhar a cena o mais rápido possível, capturar e elementos mais importantes da composição, quais personagens estavam em cena, a colocação do personagem e tudo o mais. E isso vai forçá-lo a ver o que é importante e esquecer os detalhes, esquecer todo o sombreamento extravagante, esquecer coisas que realmente não, que realmente não adicionam à história ou se ajustam como elementos de fundo que não são importantes no momento. Então, essa será uma de suas tarefas. O que eu quero que você faça é encontrar uma cena e talvez seu filme favorito ou um TV favorito, programa animado favorito. E pegue uma cena, desenhe as caixas de storyboard, reproduza a cena. E então descontroladamente visto está acontecendo. Desenhe. Tentar e desenhar é visto o mais rápido possível, mesmo que seja realmente difícil, mesmo que você entenda seus esboços, tudo bem. O ponto é que você tenta e tenta obter uma nova e nova mentalidade de desenhar uma boa taquigrafia para storyboard. Então, há outra hora, outra tarefa que é semelhante a esta, mas um pouco mais relaxada, certo? Então, o que você faria é pegar a mesma coisa ou você pode tirar outra cena. Mas o que eu quero que você faça é pausar o primeiro quadro de cada cena e depois tomar algum tempo e desenhar os elementos importantes na cena. E então jogue a cena. Em seguida, adicione o final dessa cena, pause-a e desenhe, desenhe o final dessa cena. Então isso mostrará que você é, na verdade mais um tipo de exercício de estudo de cena. Mas o que eu quero mostrar é que, quando você tiver mais tempo para desenhar uma cena, você veria que se comparar a tarefa anterior e ver quantos detalhes você adicionou enquanto você tinha mais tempo e a quantidade de detalhes que ele tinha quando não tinha mais tempo. E veja, compare os elementos que você adicionou em todos os elementos que você nem sequer comparou com a primeira tarefa. Veja o que você desenhou que foi mais importante, o que não era importante em comparação com a primeira passagem, certo? Então pessoal, certifique-se e façam essa tarefa porque isso realmente o ajudará com sua velocidade em um esboço e isso irá ajudá-lo e ter a mentalidade certa para o storyboard e ajudá-lo a ver além do detalhe, mas para ver o que é importante para essa história sobre o que você precisa se concentrar. Então, espero que faças isso e espero que volte para a próxima aula. Então, porque mal posso esperar para mostrar a vocês o que não armazenamos. Então, espero que você tenha gostado desta aula e eu te vejo na próxima. 4. 3 As fotos: Ok pessoal, bem-vindos à aula três de storyboard comigo, garagem. Na lição três, vamos falar sobre vocabulário visual. E o disparo muda a mesma coisa. Então, para aqueles de vocês que talvez não saibam, storyboard envolve entender a arte da linguagem cinematográfica. Agora, há um determinado idioma que você precisa saber. Linguagem visual quando você faz storyboards, você pode simplesmente desenhar e cenas, feliz, ter sorte. Existem certas regras. Você precisa saber. Quando você conhece essas regras eventualmente, você pode quebrar essas regras. Agora, antes de entrarmos na foto, eu só queria fazer uma explicação rápida da proporção. Agora, qual proporção é basicamente é, eu mostrei, muitos de vocês já viram filmes e vocês viram quando olham para a tela, às vezes você viu filmes com as barras pretas na parte superior e inferior. E, às vezes, você pode ver um filme com ele preenche toda a tela. E, às vezes, você pode olhar para um filme muito antigo e ele pode estar em uma forma de tipo de caixa. Bem, isso é basicamente proporção. A proporção é basicamente a relação da largura da tela com sua altura. Então, aqui está um diagrama bastante aproximado de algumas proporções. Então, a proporção afortunada é basicamente a proporção realmente antiga que costumava estar em televisores onde você teria uma TV que é realmente apenas um quadrado. Agora essa era a proporção que o filme foi filmado para aqueles televisores. E com o passar do tempo, a proporção se tornou ampla porque era mais imersiva. E então, no filme, temos a proporção de 1,1, 0,8521 proporção, que é uma ampla proporção cumprida, certo? Então a televisão alcançou o cinema. E agora temos televisores de tela branca na proporção de 16 hoje à noite. Portanto, eles são mais proporções intermediárias por causa da evolução do cinema e da evolução do filme e do vídeo. Mas esses são os três principais que você deve saber basicamente. A falsificação é a proporção da caixa original. Este 16 por nove geralmente é o que você estaria fazendo storyboard para um programa de TV. E o 1.8521 é o que você provavelmente seria usado em cumprido. Agora, a razão pela qual estou dizendo isso é porque, dependendo da produção em que você está trabalhando, você vai ter os atos, seja históricos, admirar alegria, você tem uma história. Qual proporção será o show ou um filme? E porque é muito importante, porque É uma das primeiras coisas que você precisa fazer quando abre seu storyboard e software, não importa o que seja, você precisaria trabalhar na proporção do mostrar. Então, se você quiser ler mais sobre a proporção, há um monte de coisas na Internet experimentam as diferentes proporções e história com filmes e vídeos, etc. Mas vamos passar para os tiros agora. Primeiro, vamos falar sobre o tiro largo. Tiro largo. Muitos de vocês já viram filmes, como a maioria dos filmes, a cena de abertura é uma grande foto. Tiro largo. tiro largo geralmente estabelece o ambiente ou o local onde a história vai acontecer. Digamos que neste tiro eu saí ou apenas um prédio aleatório. E este é o primeiro tiro. Eu queria, eu queria dizer ao meu público que é aqui que a cena ou a história dessa cena vai acontecer. Quero contar a eles, quero comunicar a eles que é aqui que a história vai acontecer. Agora, às vezes tiros largos e sempre usam para abrir uma cena. Às vezes eles podem usar, costumávamos terminar a cena para mostrar, revelar algo, manter suspense ou gostar de ser uma revelação para o público. Às vezes, nem sempre é usado como estabelecimento. O segundo tiro sobre o qual vamos falar é o tiro completo. Este é um tiro que é usado muito. E o que esse tiro é usado é principalmente para mostrar todo o corpo de um personagem. Então, o público sabe quem é esse personagem, aquela fantasia que eles poderiam dar uma olhada completa para eles. Tenha uma ideia sobre quem é esse personagem. Essa foto também é usada para mostrar. Personagem no ambiente. Eles queriam filmar o personagem, o personagem completo no ambiente e como eles interagem com esse ambiente. Agora, esse tiro que vamos falar aqui agora é chamado de tiro de cowboy. E como você pode ver, esse tiro está um pouco mais perto logo acima dos joelhos. Eles chamam isso de tiro de cobalto porque geralmente são as armas do garoto do carvão realmente penduradas. E acho que acredito que posso estar errado. Eu acredito que eles costumavam usar muito o tiro em Westerns e outras coisas. Então, a razão pela qual você gostaria de usar essa foto é chegar um pouco mais perto do personagem, um pouco mais íntimo. Vamos falar sobre intimidade um pouco mais com o tiro médio de close-up. Agora, o tiro médio de close-up, geralmente termina, certo? Digamos que você estava usando uma camisa e você percebe que deve balde, geralmente termina como ali. Ele cobrirá da área do tórax até a cabeça. Agora, o tiro médio é usado mais quando você tem personagens estão conversando uns com os outros e eles falam e talvez eles estejam apenas tendo uma conversa rápida. Provavelmente não é muito sério, provavelmente não muito dramático, apenas uma conversa casual. E agora vamos ter que mover a câmera ainda mais perto do personagem. Este é chamado de gargantilha. Geralmente cobre a cabeça, direto para onde as articulações, o corpo. Este é um tiro como, ok, você quer ser um pouco mais íntimo, um pouco mais emocional. E acho que para mim, quando uso tiros próximos, eu costumo usá-los cada vez mais momentos emocionais, mais como quando eu quero ver a emoção no rosto do ator, eles sabiam que actina realmente matizada e o rosto do ator. E à medida que você continua se aproximando, você tem o tiro de close-up de cabeça grande isso às vezes você quer ser realmente dramático. Ele vai muito perto e você fica ainda mais dramático, até mesmo indo para o extremo close-up, certo? Então esta foto é o close-up extremo geralmente corta muitos dos personagens enfrentam. Às vezes você pode ir tão perto quanto apenas o olho e apenas dar um tiro no olho e você não está vendo que sabe que não está vendo o outro. Acabei de dar um tiro no olho. Certo? E às vezes, como eu disse antes, às vezes você pode não usar uma foto estabelecida para abrir uma cena, certo? E nessas outras circunstâncias, você pode usar um close-up extremo para abrir uma cena. E à medida que você se afasta e revela mais informações para o público, é assim que você pode abrir uma cena também. Então tudo o que vamos falar agora é sobre o tiro sobre o ombro. Então, espero abrir movendo-se muito rápido para vocês, porque essa é uma linguagem de cinema básica e básica. Há muita, muita linguagem do cinema. E esses são os realmente básicos que você precisa entender. O tiro sobre o ombro é um tiro em que digamos que você tenha dois personagens falando ou você quer fazer é ter o, você quer desenhar a ilusão da câmera estar sobre o ombro de um personagem ou outro. Como você pode ver, temos dois personagens conversando aqui. E você veria pelos diferentes ângulos onde a câmera realmente está. Está sempre por trás do outro, o outro personagem que não está falando ou com quem não queremos que o público realmente olhe no momento. Vamos falar mais sobre esse tiro quando falamos sobre a regra de 180 graus. Mas, por enquanto, esta é uma rápida introdução ao ombro. Agora, vamos falar sobre os dois disparos. Um tiro de dois é basicamente dois personagens em um tiro. Muito, muito, muito simples. Então, primeiro exemplo, dois personagens ao lado um do outro. E você apenas se certifica de que personagens em negrito estão na foto. Porque se caracteres em negrito, se um personagem não estiver no tiro e um personagem tiver muito mais espaço e eles dispararem, provavelmente não seria considerado um tiro de dois. Então este é o primeiro exemplo de dois disparos. Mova-se para a direita. Segundo exemplo, personagens em um pouco mais de perspectiva. Então, temos a câmera mais do lado de um personagem em vez do Próximo. E agora podemos ter outro exemplo de dois disparos. O que desligamos personagens falando. Você quer mostrar o token de dois caracteres na mesma foto. Este é um exemplo de dois disparos. E mesmo este último exemplo aqui, onde temos os personagens como enfrentar uma semana olhando para algo. E eu não desenhei o que eles estão olhando, mas eu só queria te mostrar isso. Certo, vamos ver. Esses dois personagens estão olhando para uma nave espacial e temos as costas de ambos. Isso também é um tiro de dois, por isso não precisa necessariamente ter seus medos, medos e a câmera para que ela seja fechada. Então agora vamos falar sobre a árvore fechada, certo? Agora. O tiro na árvore é, geralmente é muito simples. É quando você tem uma foto de personagens de árvore todos na mesma foto. Então, temos quatro exemplos aqui. O primeiro é alguns personagens literalmente pé em uma linha ao lado do outro e vemos todos os três personagens. Este é um tipo de tiro em árvore. Agora, se nos movermos para o outro lado à direita, podemos ter um pouco mais dinâmico aqui, onde temos personagens em tamanhos diferentes. Nesta foto, temos a maior delas sendo o foco principal e, em seguida, o segundo maior é o segundo foco no personagem que estamos atrás sendo o menor foco. Isso também é um tiro em árvore e é um pouco mais dinâmico que o primeiro. Então, se voltarmos para a esquerda, temos outro exemplo de um Trisha. Este é apenas um arranjo triangular de personagens conversando . Agora, este é um pouco mais complicado porque também envolve, você quer que ele governe e falando sobre filmar personagens que estão falando e não confundem o público. Vamos nos aprofundar nisso, nas lições posteriores, como eu disse antes. O último exemplo de um tiro complicado ainda é um pouco mais de perspectiva onde o personagem está olhando para a distância, mas temos os personagens mais próximos dos alimentos. Todos esses são exemplos de camisetas. Provavelmente há muito mais maneiras de organizar uma foto complicada, mas esses são alguns exemplos básicos. Esta foi uma rápida introdução de algumas das linguagens cinematográficas que você precisaria saber quando estou desenhando storyboards e talvez tenha um roteiro e tendo idéias visuais em sua cabeça para que você possa contar a história em storyboards. Então, vamos passar para a tarefa para esta lição será muito simples e muito divertida. Então, vamos chegar a isso. Certo, para esta tarefa, vamos fazer uma análise de cena. Quero que vocês escolham uma cena de um filme favorito. Assista à cena e detalhe os tipos de tiro que o diretor usa, observou a intercalação entre os tiros. Tome nota da forma como o diretor usa o tiro largo, o tiro de close-up e todos os outros tiros. Veja se você consegue identificar por que o diretor pode ter usado um tiro de close-up em vez de um tiro largo e sobre o ombro em vez de um tiro de dois. Assim como antes, quero que desenhe todas as fotos para a cena e as estude como um todo. Esta é a sua tarefa para esta classe. Boa sorte. 5. 4 perspectiva: Nesta lição, vamos falar sobre perspectiva básica, que é algo com o qual todos estão familiarizados. Mas no storyboard, parece muito e você precisará saber como lidar com perspectiva para fazer muitas fotos. Agora, antes de entrarmos nos diferentes tipos de perspectiva, quero que vocês estejam familiarizados com os diferentes eixos em sua composição. Então, neste diagrama, temos um eixo x, que é a linha do horizonte. O eixo z, que está indo diagonalmente no eixo y, que é frio verticalmente. Conheça a perspectiva de um ponto. Temos um eixo x e um eixo z. Temos a linha do horizonte, que tem o ponto de fuga nela. E então temos as linhas que convergem, a confusão das linhas do eixo z direção ao ponto na distância. Agora, a perspectiva de um ponto é quando essas linhas convergem para 1, essas linhas convergem para 1, muitos de vocês estão familiarizados com isso, então não vamos gastar muito tempo nessa perspectiva de dois pontos. Quando temos dois pontos de fuga na mesma linha do horizonte e temos as linhas convergem e em direção a ambos. Agora, na perspectiva de dois pontos, você vai usar muito o tiro para muitas fotos panorâmicas quando estiver desenhando, tentando simular um tiro panorâmico, você terá que saber como desenhe grades de perspectiva de dois pontos. Agora, na perspectiva de dois pontos, é, como diz, você terá pontos de árvore desaparecendo e basicamente terá um acima verticalmente. E então você tem as duas linhas na linha do horizonte. Não conheço essa perspectiva de dois pontos. Você usa isso como digamos, se quisesse mostrar um prédio alto e então você tem as ruas GO e confusão em ambas as extremidades. É aqui que você terá muita perspectiva de dois pontos. Agora, a perspectiva Triple Mim não quer simplesmente subir. Também pode ir do escuro se você tiver uma visão aérea e obter uma perspectiva de dois pontos também. Neste diagrama, você pode ver como se a câmera estivesse acima dos edifícios. E então podemos ver a linha do horizonte com os outros dois pontos de perspectiva. Talvez atire nas ruas, vá e distancie e as linhas convergem para esses pontos à distância. Agora, vamos falar sobre o nível de IA. Eu nivelar é algo que é realmente importante para você entender em termos de quando você está desenhando como uma grade, dependendo de como a câmera está ali. E isso é basicamente o que eu nivelo. É o nível em que a câmera está. E este é o nível em que seu público estará vivenciando essa história em qualquer diagrama aqui, você pode ver como um cara pequeno, ele está olhando para a câmera. E à direita podemos ver o visor onde ele está, o que ele está realmente dizendo. Não, quero que vocês vejam de perto as linhas do eixo z. Quero que você perceba quantos existem e quão próximos eles estão. Agora, essas são as linhas de grade relativamente próximas você vai ter com alguém que está realmente de pé totalmente e olhando para a câmera. Agora, à medida que avançamos e chegamos a este exemplo em que temos o assunto que ele está meio inclinado, olhe para a câmera e ele não está em pé direito. Ele está agachado um pouco. Agora, à medida que o assunto é reduzido, as linhas dos eixos z, d z começarão a espalhar e se tornar menos. Agora, a linha do nível dos olhos, a linha horizontal do horizonte, desculpe, permanecerá no mesmo lugar. Ele permanecerá no mesmo lugar do localizador de entrevistas, bem no meio ali. A menos que você faça alguns maiores para dez para a câmera, ela vai ficar a mesma, certo? Agora, à medida que você ficar ainda mais baixo, você terá menos linhas do eixo z. Agora, junte-se, vamos ver. As linhas de eixo criarão a ilusão de que sua câmera está ficando cada vez baixa e mais próxima do chão à medida que ficamos ainda mais baixos. E você vê, este não é necessariamente o ponto mais baixo. Você pode carregar uma câmera. Às vezes você pode até ir em um todo. Mas estas são as mais baixas disputas e podem ir sem realmente cavar um buraco, estão indo abaixo do nível do mar. Você pode ver que a linha do eixo z tem linhas se tornaram apenas duas linhas convergindo para um ponto. E os drenos anteriores emDestrua. E você poderia dizer que o ponto de fuga não é diretamente todas as linhas em convolução diretamente para o ponto de fuga. Porque à medida que a câmera fica mais baixa. O ponto de fuga não será tão visível porque a era do piso se tornará muito maior e você não poderá ver alto o suficiente para ver o ponto de fuga real das linhas agora e o direção oposta total com o nível dos olhos. Se esse assunto começar a ficar cada vez mais alto e mais alto, você obterá mais e mais linhas do eixo z porque a área de superfície que você pode ver na distância se torna cada vez mais. Então você obterá cada vez mais as linhas do eixo. Então, isso realmente criará a ilusão. Enquanto quando você desenha linhas do eixo z mod que você é mais alto, alto no ar e você tem uma fonte maior. Você provavelmente terá que desenhar mais linhas do eixo z quando estiver fazendo como um tiro de guindaste ou um tiro de visão de pássaro ou visão aérea Eixo. Então, isso lhe dará uma pequena idéia de como desenhar as linhas de grade para os diferentes níveis da câmera. Então agora eu quero falar com você um pouco, um pouco, um pequeno atalho chamado perspectiva pendurada. Agora, eu sou a perspectiva vai te ajudar quando você estiver desenhando muitas pessoas em uma cena que basicamente a mesma altura. Então temos o assunto aqui, ele está de pé no chão aqui, Andy horizonte linha, a linha do nível dos olhos está perto de seus pés e cortando os pés de. Então, se eu quisesse atrair mais pessoas na cena e eu quisesse que a perspectiva fosse realista para não quebrar as regras ou nada. O que eu faria é desenhar o mais simples e certo, mas eu os desenharia de uma forma que a linha horizontal cortará suas pernas no mesmo lugar em que está cortando as primeiras pernas dos sujeitos fora no tiro. Então, portanto, eu teria que desenhá-los um pouco menores, obviamente porque ele está mais atrás, mas eu gostaria que a linha horizontal do horizonte cortasse. E metros onde quase abaixo de seus joelhos que eu gostaria de conhecer o mesmo lugar que a primeira pessoa. E mesmo que você incline a câmera um pouco e tenha mais visão visual de um verme. E você está olhando para o personagem onde as linhas horizontais, como neste exemplo, encontram a linha do horizonte, desculpe, encontra o tornozelo do personagem. E você quer desenhar mais personagens nesta cena. Tudo o que temos que fazer é desenhar mais personagens na cena, mas deixar a linha do horizonte encontrá-los em seus tornozelos, como nesta foto aqui, é a mesma coisa com um tiro de close-up. Se você tem um assunto e é mais um tiro de close-up médio, como neste exemplo. A linha do horizonte está se cruzando no pescoço e você quer atrair mais pessoas na cena. Você apenas os desenha um pouco menores, mas permite que a linha do horizonte cruze o assunto na mesma área que a primeira pessoa. Então, à medida que você adiciona mais pessoas, você cruza a linha no mesmo lugar. E isso é um, tudo isso é um bom atalho para você desenhar mais e mais pessoas na loja o manteria nas regras da perspectiva. Ok, eu quero falar um pouco sobre desenhar linhas de grade. Então, vamos fazer outro exemplo aqui para mostrar como eu me aproximei de linhas de desenho. Então, temos um assunto aqui e dizemos um pouco que estamos acima dele talvez, mas com todas as linhas de grade, não podemos dizer com certeza. Então, neste exemplo, quero mostrar a vocês que a importância das linhas de grade, que está mostrando a um espectador qual ângulo olhamos para esse personagem, porque realmente não podemos dizer com certeza onde a câmera é com esse personagem porque não temos nenhum senso real do meio ambiente. Não há grades para mostrar o que é esse personagem. Onde está esse personagem e o que ele está de pé ou qualquer coisa assim. Então, minha abordagem inicial para este cartão é que eu quero o público saiba que esse personagem está sendo visto de cima. Talvez pareça um tiro de guindaste, certo, mas na verdade está fechado. Então, o que eu faria para começar a desenhar a grade é que eu desenharia duas linhas do eixo z. Agora, a linha do primeiro eixo, que é a linha vermelha, costumo desenhar essa linha em linha com os sujeitos ombro paralelo ao ombro do sujeito. Portanto, essa linha vermelha é na verdade paralela com a mesma linha ou a mesma direção. Os ombros dele não são conhecidos. A linha verde que você vê é esta linha está na verdade em linha paralela a direção de seus pés. Então você pode ver que a linha verde perto pé esquerdo dele é realmente paralela. Agora, isso vai me ajudar a começar a desenhar minha grade para, para a cena, certo? Então, quando eu desenhar completamente a grade, ela ficará assim. Agora, essa grade ajudará o espectador a saber que, ei, estamos olhando para esse personagem de cima e você precisará saber como desenhar grades adequadas para o seu storyboard. Então, quando você estiver filmando, talvez um companheiro de equipe ou para um público, eles saberão onde está a câmera e você terá que desenhar suas grades na perspectiva adequada. Então, vamos passar para outro exemplo que temos aqui. Temos outro personagem. Vamos desenhar a grade acima da cabeça dele. Então, será o mesmo princípio de desenhar as grades para a visão dos olhos do verme. Você vai desenhar as linhas paralelas ao ombro dele, que é a vermelha. E então você vai desenhar outra linha de grade que é paralela à direção de seus pés. E depois de desenhar essas duas primeiras linhas, você pode preencher a grade paralela a essas linhas. Agora você teria uma grade mostrando o teto ou a visão aérea onde as pessoas saberão que a câmera está abaixo fazendo uma imagem de visão visual desse personagem. Tudo bem, para esta tarefa, o que você vai fazer é que você vai tirar algumas capturas de tela de algumas cenas de qualquer filme que você quiser. E você vai quebrar o tiro e olhar para a perspectiva. E você vai desenhar as linhas de grade para as cenas. E vamos codificar que o ângulo da câmera é usado para tentar entender a perspectiva. Então aqui estão alguns exemplos do que eu quero que vocês façam exatamente é então vocês terão visto, então este é realmente de Indiana Jones. Tudo bem, você pode pausar essa cena, o que é visto? E então veja onde está a linha do horizonte. E então desenhe as grades e tente colocar tudo na composição e tente entender como as grades funcionam e a perspectiva funciona e veja como o diretor usa sua linha do horizonte e onde ele colocou. E, você sabe, tome conhecimento dessas coisas. Então faça o máximo possível para que você entenda a perspectiva e as linhas da grade e realmente faça observações sobre o uso delas e os ângulos em que lá 6. 5. A regra 180: Tudo bem pessoal, bem-vindos à lição cinco de storyboard. E comigo, Raj. Nesta lição, vamos falar sobre a regra de 180 graus. Tenho certeza que muitos de vocês sabem o que é essa regra. Muitos de vocês provavelmente têm uma ideia e muito bons nisso. Vou ser realmente honesto. A primeira vez que comecei a storyboard, eu continuei pulando eles querem linha ET. Continuei quebrando a regra. Eu, eu não consegui entender isso na primeira vez comecei a comprar e minhas placas meio que realmente sofreram firme com isso. Toda vez que recebi críticas dos meus mentores de storyboard, sempre me dizendo que continuo pulando a linha e depois tenho que refazer as placas porque estraguei toda a direção da tela para o todo storyboard. E foi menos realmente, muito, muito, muito frustrado. Então eu acho que a regra de um grau é uma regra que você realmente precisa estudar e praticar muito e seus conselhos. Então, vamos pular direto para ele. Então, qual é a única regra ET? De qualquer forma? Por que o usamos? Por que é, portanto, a regra de 180 graus é, na verdade uma linha invisível entre, como se fosse criada entre dois assuntos quando eles estão, quando eles estão tendo uma conversa. Ou mesmo não apenas entre dois assuntos, mas entre nosso sujeito e talvez um objeto na sala ou no conjunto ou o que quer que seja. E este diagrama aqui, você pode ver duas pessoas falando, certo? Então você tem um à sua direita, um à esquerda, e então você tem a câmera, que está gravando, que está enquadrando e gravando sua conversa. Agora, desenhei uma pequena linha pontilhada na parte inferior para mostrar onde está a linha de 180 graus. E então desenhei um semicírculo. Agora esse semicírculo é, na verdade uma representação de um palco em termos de teatro. Então, digamos que a câmera é onde o público está sentado em um teatro onde os assentos, e eles estão olhando para esses dois atores na performance do palco. É por isso que desenhei um pequeno semicírculo de palco para representar isso. Agora, a regra de 180 graus é uma regra em vigor para que você não confunda um público quando estiver gravando um filme ou storyboard. Então, a regra é basicamente que a câmera está de um lado. Como você pode ver. A regra é que você, quando você começa a gravar uma conversa, você tem um personagem em uma extremidade, como aqui, e um personagem da outra. Então, neste exemplo, aqui, você vê que o personagem um está à esquerda e o personagem dois está à direita da tela. E para que isso permaneça o mesmo, câmera precisa ficar desse lado do ET que está bem no diagrama acima, você vê a linha invisível. Você vê que a câmera está de um lado. E por causa desse personagem, um está à esquerda, correto? Dois estão à direita. Agora, se quebrarmos essa regra quando estivermos filmando os personagens falando ou quebramos essa regra, eu estava no storyboard, terei algo assim onde colocamos a câmera na extremidade oposta dos personagens . Então, agora, quando realmente gravamos e olhamos pelo visor da câmera, veremos que o personagem um está agora à direita e o personagem dois está agora à esquerda. Agora, se, se você estiver editando sua cena ou editando seu storyboard, e você juntar essas duas cenas. Em comparação com essa cena, você confunde seu público porque ninguém está à esquerda e seu público vai ser como, espere, como ele ficou à esquerda que ele atravessou? Ele apareceu magicamente à esquerda, o dia mudar de lado túnica, estou confuso. E isso pode realmente confundir o público. E a principal coisa que ele faz é, na verdade, ele tira o público da história imersiva que você está tentando contar. Porque quando você é um contador de histórias, você quer que seu público seja absorvente e armazene. Você não quer que eles se distraiam quaisquer aspectos técnicos do cinema. Você não quer que seu público se preocupe essas coisas e confundi-las assim pode retirá-las. Então, de volta ao primeiro. O que você quer fazer é manter a câmera de um lado durante a filmagem. Agora, seus personagens podem mudar de lado, mas você precisa mostrá-los mudando de lado. Você pode fazê-los mudar de lado em um corte. Então, o que você faria é ter, digamos que você queria que o personagem um viesse à direita. Você teria que o personagem um realmente caminhasse para a direita, caminhasse para a direita, passe o personagem para todos em uma só vez para realmente mostrar a qualquer público que ei, esse personagem é na verdade movendo o caractere passado para uma entidade do lado direito da tela. Como visto aqui. Você nunca iria querer apenas cortar e ter um personagem mudando lado e confundindo o público. Agora. Você precisa realmente manter essa regra ao longo de uma cena e marcar, marcar, mantê-la para manter a regra no lugar para não confundir o público. E como eu disse antes, se você quer que um personagem se mova e troque, você actua realmente tem que mostrá-lo. Digamos que você quebrou a regra. E então, para o resto do episódio, você continua quebrando a regra. Você vai ter que relatar toda a cena para recuperar essa regra e o equilíbrio. E então você não vai confundir o público. Agora, há certos momentos que você pode quebrar a regra, e é apenas a única vez que você pode quebrar a regra é na verdade, quando você quer tornar as coisas menos confusas. Então, digamos que você esteja seguindo a regra de querendo até o grau e você descobrirá que, ei, isso parece confuso ou eu posso mostrar algo claramente do que você queima, você quer que seja regra de grau. E pode haver certos casos em que você precisa quebrar a regra, mas apenas quebrá-la para que você possa ser mais claro ou menos confuso. Agora, eles queriam se reagrupar. A regra cinza é bem simples quando se trata de dois caracteres. Mas quando chegar a três ou mais personagens falando, como no exemplo aqui, você não vai apenas obter uma linha, certo? Você vai conseguir, neste caso, você terá três vidas invisíveis com três personagens, certo? E é aí que as coisas começam a ficar um pouco mais técnicas e um pouco mais confusas. Mas temos que quebrá-los aqui, agora mesmo. Então personagem, um, personagem para personagem, todos esses três caras conversando e temos a câmera do lado de fora, o número invisível três linhas. Então, no visor, o que vamos ver está na parte inferior aqui, o diagrama na parte inferior aqui, a câmera está mais próxima do personagem um e, em seguida, talvez o personagem três. E o personagem dois é provavelmente o primeiro personagem por semana. Agora, quando você está gravando conversas entre três personagens, a melhor coisa a fazer é agrupar dois dos personagens e viver um dos personagens do outro lado do tela. Então, neste exemplo, temos o personagem um e o caractere dois à esquerda e o caractere três à direita. Ainda mantemos a tela dividida em duas. Então, digamos que o personagem um e o personagem dois estejam na posição de apenas outro personagem. Mas o que fizemos foi agrupá-los para fazer com que se sinta assim. Então, neste enquadramento, sentiríamos o caráter um e o personagem dois do mesmo lado da conversa. E ambos são contra o personagem três, que tem uma opinião própria. Então, digamos que quiséssemos cortar e obter um ângulo diferente. E no diagrama acima, movemos a câmera para mais hoje, certo? Mas, como você pode ver, ainda não saltamos sobre o invisível 180, linha três, certo? Ainda estamos por trás disso. E este é o ângulo que você vai ter. Como você vê, ainda temos os personagens agrupados. Os três ainda estão sozinhos e o personagem 12 estão agrupados à esquerda, então estamos mantendo a direção da tela. Então, basicamente, a direção da tela é basicamente ter caráter. Digamos que um personagem apareça no lado direito da tela. Podemos mantê-lo no lado direito. E se um personagem estiver do lado esquerdo, vai mantê-los à esquerda, então não confundimos o público. Então pessoal, a regra de 180 graus é realmente, muito complexa no início e pode levar algum tempo para se acostumar com isso. Depois de continuar praticando, uma vez que você mantenha o storyboard e ele virá eventualmente, direção da tela e todas essas coisas complicadas e complicadas. E você nem precisa se preocupar em pensar nessas coisas. Eles virão tão naturalmente para você quando você estiver fazendo é quando você está fazendo seus quadros e você pode se concentrar em sua história e coisas mais complexas. Então, vamos passar para a tarefa desta lição. E isso vai ajudar você a praticar. Eles queriam regra de grau. Então, vamos passar para isso. Não. Certo. E agora aqui tenho uma cena que acabei de inventar com dois personagens. E eu meio que um edifício muito esboçado aqui. E o que eu quero que vocês façam é usar essa cena. Eu quero que você crie o maior número possível de fotos diferentes que você puder na área de 180 graus. Então, como você viu, eu coloquei algumas apenas três câmeras lá dentro e estas são apenas amostras de onde você pode colocar a câmera para tirar uma foto, certo? Então, o que eu quero que você faça exatamente é como este exemplo aqui. O que eu fiz foi colocar a câmera atrás do personagem também. E eu criei essa grande foto dos dois personagens um pouco sobre o ombro do personagem para. Este é apenas um tiro que você pode criar dentro da regra de 180 graus. Agora, eu quero que vocês criem tantas fotos diferentes quanto possível. Pode ser um close-up, pode ser amplo, pode ser médio. Pode ser um tiro de dois. Eu só quero que vocês criem tantas fotos quanto possível dentro da regra de querendo grau usando esta cena de amostra de personagens. Então, espero que vocês gostem desse exercício e vejam vocês na próxima aula. 7. 6 composições: Certo, nesta lição, vamos falar sobre composição de choque. Agora. Vamos falar sobre algumas regras que ajudarão e guiarão você com a composição de suas fotos, certo? E a primeira linha que vamos apresentar aqui é a regra dos terços. Agora, essa regra é uma regra muito básica em fotografia e cinematografia. E muitos de vocês podem estar familiarizados com isso, mas vou passar por isso para aqueles que podem não estar familiarizados. Agora, a regra dos terços é basicamente quatro linhas para correr horizontalmente e correr verticalmente, criando uma grade de nove retângulos ou quadrados dependentes da composição. E o que essas linhas fazem é que elas criam pontos completos na composição. Que esses quatro pontos grelham áreas em sua composição para tocar assuntos ou objetos que parecerão agradáveis aos olhos de um público, certo? Então, agora temos um exemplo aqui com um close-up médio, close-up de alguém, certo? E a razão pela qual essa composição é agradável aos olhos é porque é nesse ponto, o rosto da pessoa está nesse ponto. E queremos que o público olhe para o rosto dessa pessoa. Certo? Agora, essa pessoa está voltada para a direita. Então, o melhor lugar que poderíamos ter colocado o rosto dessa pessoa está no lado esquerdo da tela e nesse ponto, à direita. Agora, se você quiser, se a pessoa estivesse virada para a esquerda, melhor o lugar seria colocá-lo no lado direito, certo? Nesse ponto, certo. Agora temos uma foto mais ampla com todo o corpo do personagem. Como você pode ver, o rosto da pessoa é colocado diretamente nesse ponto. E é um bom ponto focal para o público olhar para isso. Muito, muito agradável. E não é chocante, não está fora do caminho. Não é de forma alguma posições, certo? Se você olhar para toda a cena, certo, você pode ver que o personagem está olhando para talvez fazer rock no canto. E você pode ver o ponto que é criado na metade inferior da cena. A rocha está nesse ponto, certo? Você tem como os dois assuntos nesses pontos, certo? Agora. Você não está totalmente restrito quando estiver usando a regra de dois. Isso mesmo. Você não gosta totalmente, totalmente tem que colocar tudo diretamente nesses pontos. Eles são muito mais um guia para você quando você compõe suas cenas e torna mais fácil para você colocar objetos nessa cena, certo? Agora, esses eram os pontos na regra dos terços. Agora vamos olhar para as duas linhas horizontais na regra dos terços, certo? Agora. Essas duas, essas duas linhas horizontais atuam como duas áreas nas quais você pode colocar sua linha do horizonte. Agora, neste primeiro exemplo, temos a linha do horizonte b e d, a linha horizontal inferior na grade. Certo? Agora, isso, quando você coloca sua linha de horizonte aqui, geralmente é que você quer enfatizar mais a área superior da cena. Nesta cena, queremos enfatizar o céu e talvez as nuvens azuis sobre a casa nesta cena, certo? Então, colocaríamos a linha do horizonte na parte inferior, certo? Agora, em uma cena diferente, onde gostaríamos enfatizar a metade inferior da cena. Queremos enfatizar talvez mais da grama, mais do que está acontecendo no plano terrestre, certo? Podemos colocar a linha do horizonte na metade superior da grade horizontalmente. Então, nesta cena, gostaríamos de enfatizar mais a casa e o carro indo em direção à casa. Agora, se você quiser enfatizar mais disso, não mostraríamos mais do céu, certo? Isso mostraria mais da linha. Então é por isso que, neste, nós carregamos a linha do horizonte mais para o que é a metade superior. Tudo bem? E mesmo nesta cena, podemos ver que colocamos os dois objetos à direita. Temos o carro em um dos pontos da grade, e então temos a Casa e os pontos de grade porque há dois pontos focais da cena, certo? O carro e a casa. Agora, vamos passar para outra ferramenta de composição, ou outra forma de compor é vista é uma composição centrada, certo? Coisas. Diretamente no meio de uma cena. Agora, quando alguém está assistindo a um filme, quando um objeto é colocado como centro morto na composição, ele geralmente puxa o maior foco. Portanto, quaisquer objetos que estejam ao redor desse assunto sempre virão, talvez segundo para o membro do público. Então, colocar objetos nos dados e como você pode ver, o que é outra boa maneira de focar atenção do seu público é colocar algo no centro morto. Como neste exemplo, temos um meio de close-up, um close-up médio de seu personagem e seu rosto é um centro morto na cena. Certo? Agora. Nem sempre temos que colocar o ponto morto do rosto da pessoa. Você pode ter alguma margem de manobra ao colocar um objeto. Então, neste exemplo, temos no topo que temos o, o tiro médio de uma pessoa estendida mão lá. Mas como você pode ver, rosto deles não está totalmente no centro morto, está um pouco acima. E você poderia colocar objetos um pouco acima e ainda não descer, não tem o ponto, não precisa ficar entre os olhos o tempo todo. Papai disse a mesma coisa no fundo aqui que temos o assunto. Ele está no centro da tela, mas não é um centro morto. Isto é, ainda é bom colocar seu assunto. Ele nem sempre, sempre tem que ser que você tenha alguma margem de manobra entre as áreas ao redor daquele centro. Agora mesmo, mesmo eu, quando você está fazendo fotos largas e mais amplas e você tem mais cenas com edifícios e fora. Você também pode usá-lo que enviou uma composição. Então, neste, temos uma casa no meio do campo, e queremos que nosso público olhe diretamente para a casa. Não queremos que o público se distraia com mais nada dessa fonte porque sabemos que a história está acontecendo nesta casa e queremos que eles se concentrem naquela casa. É a mesma coisa com um assunto colocado em um ambiente online, certo? Há tanta complexidade acontecendo no ambiente e talvez o assunto possa ser muito pequeno. Um deles é pequeno. Para que pudéssemos mostrar o meio ambiente. O que faríamos é colocar o assunto no centro morto, certo? Isso se quisermos que o público se concentre em nosso assunto, mesmo que ele seja tão pequeno na cena. Usar a composição do centro morto tornará muito mais fácil para o público se concentrar nesse assunto. Então agora vamos passar para nossa próxima maneira de compor suas cenas. E está compreendendo o tamanho do objeto em sua cena, certo? Então, a ideia básica aqui é que qualquer objeto realmente grande em sua cena atrairá a maior parte da atenção. E será dizer ao seu público, olhe para esse objeto por causa de seu tamanho, ele se relacionará com ele é importante. Portanto, o tamanho é relativo ao importante. Então, nesta cena, temos um cara que está muito mais perto da câmera. E você poderia ver em segundo plano, nós temos pessoas talvez em uma multidão olhando para a direita. Agora, a coisa mais importante nesta cena, obviamente, por causa de seu tamanho, é esse personagem na frente que parece estar pronto para se envolver em uma briga de algum tipo, certo? Então, ele é o objeto mais importante na cena. Agora temos nosso próximo exemplo aqui, com um cara apontando uma arma para o quê, alguém ou algo certo? Agora, a coisa mais importante nesta cena é a arma. Porque a arma é quase tão grande quanto a pessoa na cena, certo? A segunda coisa mais importante nesta cena é o cara real. Mas a maioria, o mais importante é a arma. É o fator decisivo na cena. E a maneira como fazemos isso à medida que aumentamos o tamanho da arma no quadro. Então, criamos uma sensação de enorme importância é a mesma coisa com esses edifícios aqui. Você pode usar o tamanho para caracteres, usar objetos de tamanho, você pode usar ambientes de tamanho. Agora, nesta cena, temos um senso de estruturas maciças e maciças aqui e ali. Tão enorme em comparação com a pessoa que está no canto inferior, canto inferior esquerdo. Ele não é tão importante quanto essas estruturas maciças e é visto quando olhamos para esta cena, sabemos que as estruturas são as coisas mais importantes nesta cena. Essa cena pode ser usada como uma cena de abertura ou uma grande foto para mostrar onde a história vai acontecer. E estamos mostrando a importância dessas estruturas nessa cena. Tudo bem. Então, vamos passar novamente para outro. Temos compondo sua cena e é legal. Quadro dentro de um quadro, certo? Agora, basicamente, neste tipo de tiro, vamos usar elementos na cena em si, certo? Isso cria quadros, que enquadrariam um objeto de importância, certo? Então, basicamente, temos a câmera se você encontrar agora no visor da câmera. Neste exemplo, temos um personagem que está por trás de algumas árvores. Agora, se você olhar para os galhos das árvores, verá que eles criam um quadro que não é realmente um quadrado, mas enquadra o assunto em um espaço, certo? E esse Freeman permite que o público se concentre ainda mais nesse assunto, certo? Ele cria um quadro de, ele, remove todas as outras distrações da cena e permite que o público se concentre nesse quadro. Então, vamos dar uma olhada em outro exemplo aqui. Agora isso é um exemplo. Vamos usar muitos filmes usando a moldura da porta como cena, bem, como qualquer moldura da porta como uma moldura dentro do quadro desta cena, certo? Agora, isso realmente permite que você se concentre no personagem dentro dessa sala. Agora, o público está fora da sala, mas o quadro nos permite não nos distrair com nada fora da moldura da porta. Então este é um quadro muito, muito bom dentro de uma cena de quadro, certo? Então, essas são regras que você poderia usar para ajudá-lo em termos de compor essas cenas, certo? Vamos passar para a sua tarefa agora para esta aula. Ok pessoal, para a tarefa, o que eu quero que vocês façam é escolher uma cena do seu filme favorito ou de qualquer filme. Tudo bem? Em seguida, tire capturas de tela de cada foto nessa cena. Eu quero que você desenhe a regra da grade de terços em cada poço, seu quadro. E quando você desenhar a grade, eu quero que você analise como os idosos se compõem. Algum desses assuntos recai sobre algum dos pontos da regra dos terços, certo? E então eu quero que você desenhe a grade do centro morto na mesma cena. Analise a cena e veja se o diretor usa isso como um guia para compor a cena. Então, aqui estão alguns exemplos do que eu quero que você faça. Eu tirei algumas capturas de tela de cenas da última cena, e David Fincher tem sete. E o que eu fiz foi apenas desenhar as diretrizes da regra dos terços para a cena, para, para a composição. E eu basicamente fiz isso para ver onde o diretor coloca o assunto, se você colocá-los em qualquer um dos pontos para ver como ele compôs esse tiro em comparação com a regra dos terços, se ele usou o regra dos terços ou ele não usou a regra dos terços. Este é apenas um exercício básico para você tentar ajudá-lo a analisar cenas e dividi-las para que você possa eventualmente usar sementes que você vê em sua loja. 8. 7 movimento da câmera: Vamos falar sobre o movimento da câmera agora como um artista de storyboard, para tornar seu trabalho mais dinâmico, basta adicionar esse movimento extra da câmera pode ser tão essencial para a cena. Para a psicologia de uma cena, um tipo de emoção que você vai querer expressar e você quer que o público preencha essa cena. Conhecer os vários movimentos da câmera realmente adicionará esse comprimento extra ao seu storyboard. O primeiro movimento da câmera e vamos falar sobre o pan. A panela está basicamente ajustando sua câmera da esquerda para a direita, da direita para a esquerda, da direita para a direita. Agora Ele perfurou que você não mova todo o corpo da câmera. Você não pega e sintoniza. Basta ativá-lo em seu eixo para que ele siga o assunto. Neste exemplo, você pode ver que temos um personagem em frente à câmera. Então, demonstra como a câmera se ajustará a ela em seu eixo, as várias juntas mostrarão que, ok, é aqui que a câmera está sintonizando. Agora, como isso ficaria em um visor? Veja que temos o personagem, o ponto inicial do personagem. Ele está no meio do visor. Queremos virar a câmera para a esquerda. Então, à medida que giramos a câmera, você vai desenhar o personagem movendo-se cada vez mais para a direita da tela porque estamos virando a câmera esquerda e girando a câmera para a direita. Neste diagrama aqui, o personagem verá sendo movido cada vez mais para a esquerda da decomposição. Então é assim que você provavelmente se aproximaria do desenho, ao desenhar o movimento da câmera. O assunto se moverá na direção oposta do comércio. Então, criaria essa ilusão de um pan shot. Lembre-se, na verdade , não usamos live-action, então não vamos realmente usar vírgula R2, mas temos que simular o movimento da câmera na foto dos pontes. Agora, e se tivermos, vamos ver, estou movendo o assunto e queremos mover o assunto sem mover o assunto vai parecer algo assim. Então, digamos que temos um personagem correndo e eu vejo você correndo em direção à câmera. E então você quer seguir a ação do personagem enquanto ele passa pela câmera e continua. Não, é basicamente assim que você desenharia. Para simular isso quando você estiver, quando estiver desenhando, você não vai realmente desenhar o personagem no quadro assim. Para simular isso, acabei de desenhar todos os estágios do personagem correndo nessa cena. Então você veria, oh, eu me aproximo. Agora, nesta foto, você tem uma perspectiva 2 porque você tem o personagem vindo de uma direção. E então, à medida que você move a câmera, ela criará outro ponto na linha do horizonte, mas haverá um segundo de perspectiva na linha do horizonte. Então, ele cria dois pontos, certo? Então você desenharia o personagem correndo em sua direção. O ponto mais próximo do personagem, ele em direção à câmera. Seria mais como uma vista lateral. E então, quando um personagem foge, você veria a caixa. Então, quando você carrega isso e leva isso para o programa de edição e você realmente envia, lidera, o movimento da câmera em cada quadro do personagem aparece. À medida que a câmera se encaixa, você simulará uma foto panorâmica no personagem que corre pela cena. Então, vou mostrar um exemplo de como faço isso agora, é basicamente assim. Então este é um storyboard que eu fiz que incorporou esse tipo de simulação de um soco. Temos dois personagens chegando escada rolante em uma estação de trem. E eles vão passar pela câmera. E como você pode ver , simulo essa foto desenhando cada sequência como elas são. E no início você pode ver que há uma perspectiva aqui. E à medida que a câmera se sintoniza, você tem outro ponto de perspectiva deles se afastando. Então, esse é um exemplo disso. Simule uma foto aparente de personagens em movimento. Então agora vamos falar sobre a inclinação da câmera. Então, basicamente, inclinar é o movimento vertical para cima ou para baixo da câmera. Ainda não movemos o corpo da câmera de um lugar para o outro, mas com a inclinação no seu, no eixo, no eixo y para ser exato, inclinamos para cima ou inclinando-a para baixo. Então, este diagrama aqui você pode ver que a câmera está voltada para o personagem e estamos mostrando o alcance da inclinação da câmera agora, vamos olhar para ela no visor. Então, quando estivermos desenhando a inclinação, você terá que desenhar alguma distorção na inclinação para simular o movimento da câmera. Agora, porque a criança do visor só vê um certo alcance e quando o desenhamos, queremos simular como a câmera vê as coisas. Então você teria que desenhar o que eu lhe disse. Você terá que desenhar a perspectiva do ponto de entrada com leve distorção e desenhar essa distorção. Então, quando você o coloca em seu software de edição de camadas e realmente faz a inclinação. Movimento e software, ele não vai parecer onde parecerá mais preciso para a vida real, porque a distorção é como seguramos a câmera realmente a veria. E isso realmente parecerá normal porque eles são muito vários pontos de perspectiva movendo-se para cima e depois para baixo para o personagem. Então você terá que simular esses pontos de perspectiva em uma articulação. Então você vai ter pontos de perspectiva de árvore. Vejamos outro exemplo com esta árvore, certo? Então, digamos que quiséssemos desenhar uma simulação de um tiro de inclinação. Vamos ter que desenhar assim como fizemos com o personagem anterior. Vamos ter que desenhar com 2 perspectivas com a distorção de vários pontos de perspectiva. Porque à medida que movemos a câmera, seremos alterados e perspectivas. E não queremos desenhar algo com apenas uma perspectiva de um ponto. E à medida que avançamos, nós conseguimos, não obtemos o efeito que queremos. Queremos criar esse efeito que a câmera está aqui, mas está inclinada, não está se movendo. Este é o fato de que queremos que o movimento inclinado. E teremos que desenhar, desenhar assuntos assim para o seu storyboard criar esse efeito. Então, aqui está um pequeno exemplo do tiro de inclinação em ação. Então este é um castelo que desenhei com os elementos de distorção aplicados com uma perspectiva 2. Como você pode vê-lo enquanto a câmera se inclina para baixo do topo do castelo até o fundo do castelo. Você realmente não percebe a distorção no desenho porque se você encontrá-lo, só é capaz de ver tanto. Agora, se você visualizar o desenho, o desenho completo, você notará que a distorção, e isso pareceria irrealista. Mas porque a forma como a câmera se inclina, essa é uma boa maneira de simular essa câmera Tilton. Agora, o tiro de boneca, também conhecido como empurrar ou empurrar para fora, é um tiro onde você move fisicamente a câmera para mais perto ou mais longe do assunto. Então, o tiro de boneca é uma forma de combinar dois tiros sem ter que cortar tiros entre eles. Por exemplo, um tiro de boneca pode começar como um tiro largo e depois terminar com um tiro médio de close-up. Agora, com o zoom shot, a diferença entre este e o tiro de boneca é que você não move fisicamente a câmera, é Zoom é uma mudança óptica, a distância focal. E o que isso significa, em outras palavras, é basicamente ampliação. Com uma captura de zoom, o assunto fica maior no quadro e seu plano de fundo fica comprimido. capturas de zoom removem a sensação de profundidade em seu quadro. Ok pessoal, para a tarefa para esta aula será um pouco diferente. Vai ser um pequeno tipo de ação ao vivo. Então, o que eu quero que você faça é se você tiver um telefone com câmera ou uma câmera digital. O que eu quero que você faça é simplesmente sair e fotografar usando esses movimentos de câmera que acabamos de aprender. Eu quero que você use o fragmento de libra até filmar o zoom e a boneca. E apenas atire em coisas diferentes. Basta ser criativo e apenas se acostumar com os diferentes tipos de movimento da câmera e deixá-los fazer parte do seu vocabulário e contar histórias. Então divirta-se com essa tarefa e seja criativo. Vejo vocês na próxima aula, pessoal. Muito obrigado. 9. 8 Desenho do roteiro: Storyboards quase sempre são feitos usando a ajuda de um script. Durante o pipeline de produção de um filme animado de programa ilimitado que escrevo, eu passaria o roteiro para a loja. Que equipe que então usa o grau de script esses storyboards. Em alguns casos, produção de longas-metragens muçulmanas como equipe armazenável começaria a criar histórias, esboços sem um roteiro. Mas, para este exemplo, usaremos um script. Agora, uma vez que você tenha seu script finalizado ou você está dizendo sequenciado, a primeira coisa que você deve fazer antes mesmo de pensar em desenhar é ler seu roteiro várias vezes. Eu diria que o raio esfrega o máximo de tempo possível, dado o prazo atribuído. Ler seu roteiro pelo menos cinco vezes deve ser bom o suficiente para você entender a ideia geral desta loja apresentada a você. É importante para um artista de história e conhecer a história ou a sequência do começo ao fim. Ou você criar miniaturas ásperas é uma ótima maneira de tirar essas primeiras ideias iniciais da sua cabeça. Então você pode vê-los no papel. Muitos artistas de storyboard usam miniaturas muito ásperas para obter suas ideias são rápidas. Às vezes, essas miniaturas são tão difíceis que só elas podem entendê-las. A razão pela qual as miniaturas são tão eficazes é porque você usa pouco tempo e esforço para colocar suas ideias para o pH. Não é muito importante nesta fase que você não se apaixone por suas ideias. Você tem que ver além do que parece muito legal e se concentrar em cenas sagradas soprar a história. Ao passar por um passe difícil, pense na sua história. Pense nas emoções que você quer que o público sinta quando assiste a essa sequência. Pense nos tiros. Você acha que eles fariam o motion show ainda mais. Acho que quando estou trabalhando em uma sequência e é visto como faltando algo ou pode ser melhorado. E eu sinto isso no meu instinto, minha marca talvez fique preguiçosa e me diga que a sequência pode funcionar como está, mas meu Deus sempre sabe onde melhorar. Sempre ouça seu instinto quando ele lhe diz para melhorar alguma coisa. Nunca fique preguiçoso ao relatar porque eventualmente, você terá que mostrar ao seu diretor. E às vezes, bem, na maioria das vezes, esse sentimento instinto que eu tinha que mudar algo às vezes é sempre apontado por outra pessoa que assiste. Então sempre ouça seu instinto e recompensa quando você sentir que denunciar. Muitos de vocês podem ter ouvido a frase, história é rei é um congelamento. Todo artista da história deve viver, não, independentemente do tipo de história que esteja trabalhando. Como você resolve essa história? Portanto, manter o conceito de histórias rei em mente influenciará os tiros e a encenação. Você usa um storyboard em uma sequência. Por exemplo, digamos que você estivesse fazendo storyboard uma sequência introduzindo um personagem heróico. Os tiros que você usaria provavelmente incluem tiros como um tiro de ângulo baixo, o que daria o efeito de um personagem forte e poderoso como este. Ou talvez você seja armazenável e nossos segredos com alguém que se sente sozinho, provavelmente usaremos mais um tiro largo para fazer com que o personagem se sinta pequeno e insignificante nesse ambiente. Você nunca escolheria fotos para sequências só porque você gosta de usar essas fotos. Duas fotos que melhorarão a história de sua cena ou sequência. Agora, para a tarefa, vou dar-lhe um roteiro parcial continuará. Para a primeira parte da tarefa. Quero que você leia o roteiro pelo menos cinco vezes. Então, para a segunda parte, quero que você faça um caminho em miniatura aproximado do roteiro. Então este é um roteiro escrito por Brian McDonald chamado Freeman. Eu quero que vocês o leiam cinco vezes e depois façam uma passagem difícil. Esta é a cena de abertura do roteiro, e não é muito complicado. Para a terceira parte, quero que você pegue suas miniaturas e as coloque juntas em um storyboard. Então eu quero que você recompense a mesma sequência de duas maneiras diferentes. Isso ajudará você a não se apaixonar por suas ideias iniciais e a ajudá-lo a desenvolver as habilidades de contar uma história de várias maneiras. Isso não significa que suas primeiras ideias estejam erradas. Às vezes, o diretor pode adorar sua primeira ideia, mas por uma questão de melhorar sua versatilidade, criar storyboards diferentes na mesma sequência ajudará você a melhorar. Então essa é sua tarefa para esta semana, pessoal. Boa sorte. 10. 9. Limpeza: Então, vamos falar sobre a limpeza é storyboards. Minha primeira auditoria profissional como artista de storyboard foi em seu estúdio e Salt Korea chamada de animação de fluxo engraçado. Quando comecei a trabalhar lá como estagiário, fui designado para trabalhar como limpeza artistas são o principal artista de storyboard da equipe. Esse trabalho envolve tirar o storyboard completo dos artistas desta história e limpar suas placas para deixá-los mais claros. Normalmente, um trabalho de artista de storyboard seria muito esboçado. Os artistas de limpeza geralmente rastreavam as placas e os fazem Clara os personagens mais e modelar e acrescentando que artista de storyboard extra detalhado não teve tempo para trabalhar. O objetivo de limpar storyboards é que quando eles forem transmitidos para a equipe de animação, não haverá confusão ou mal-entendidos quando olharem para os storyboards. Alguns fãs, placas muito difíceis podem ser difíceis de entender. Nesta lição, vamos analisar a limpeza de alguns storyboards ásperos e quantos detalhes você precisa adicionar nas placas para torná-los apresentáveis sem perder muito tempo. Vamos dar uma olhada no storyboard áspero que fiz para essa sequência e o processo de criação desses storyboards, criei uma abreviação tão solta que os personagens pareciam bonitos muito parecido com o Stickman. Pode ser muito difícil diferenciar os personagens. Se você não é a pessoa que criou os storyboards, em alguns casos, você teria designs de personagens para trabalhar para ajudá-lo a limpar os storyboards. Às vezes, você pode não ter os projetos finais ainda do departamento de design. Usando a referência de design de personagens, você deve tentar adicionar detalhes importantes do personagem para que o público saiba quem é quem. Então agora vou fazer uma demonstração de limpar storyboards para vocês verem como me aproximo de fazê-lo. E então vou contar a vocês sobre sua tarefa. Certo? Então, esta é a captura de tela do storyboard anterior que podemos limpar. Agora, eu escolhi este porque ele tem caracteres suficientes e fundo suficiente para mostrar a vocês tudo o que vai para limpar um storyboard. Agora, antes de limpar o storyboard, quero mostrar a folha de caracteres que vamos usar para este storyboard. Agora, esses são desenhos de caracteres um pouco grosseiros dos personagens. Então, vamos ver que sua equipe de design envia esses designs de personagens difíceis, mas não finais para você usar para limpar o storyboard. Então, você verá esses designs de personagens e limpará seus storyboards usando essa referência. Então, vamos começar com a limpeza. Normalmente, quando eu limpo storyboards, eu teria os desenhos de personagens abertos em um monitor separado. E então eu apenas referenciaria quando estou limpando. Então, nesta foto, como dissemos antes, tem todos os personagens. Então vamos começar a limpar agora, a primeira coisa que eu faço é que eu desenharia o fundo primeiro. Então, se esse é o gemido ou se for como algumas paredes e algumas árvores ao fundo, eu desenho isso primeiro. Agora, neste exemplo, acabamos de ter o chão. Então, vou desenhar na grade. E quando eu desenho na grade ou no fundo, coloco isso em uma camada separada. Então, vou desenhar na grade e depois colocar os caracteres em uma camada separada. Então, uma vez que você tenha sua grade no lugar, você fica sentado, reservando seus personagens, o que estaria em uma camada separada. Eu geralmente coloco todos os caracteres em uma camada em menos, como se eu precisasse de algo especificamente se movendo de forma diferente das camadas de caracteres. Então vou começar com o personagem e seu centro, que é Jordan, que é esse personagem na cena. E eu vou começar a limpar os storyboards iria desreferenciar em mente. Agora, não precisa ser uma má representação do personagem dos desenhos de personagens. Só precisa ser uma função mais limpa e bem construída do personagem. E enquanto você assiste a isso, você verá que não é totalmente exatamente como os desenhos dos personagens. É, mas está referenciando mais de perto o design do personagem em comparação com os caminhos grosseiros foos, que era basicamente apenas um homem de pau. Então, geralmente eu, enquanto prosseguia, repetiria o processo para todos os outros personagens e limpava os personagens à medida que avançamos. Então, vamos cortar para terminar os personagens. Agora, uma vez que eu terminasse os personagens, a próxima coisa que eu faria, se necessário, para esse tipo de produção, seria adicionar alguns tons de cinza. Agora, o motivo pelo qual você deseja adicionar tons de cinza ao storyboard é dois. Por um lado, deixe as coisas claras para chamar a atenção para certos elementos da cena que mostram mais importantes, certo? Então, as duas coisas que têm o mais importante na cena, ou os personagens que estão olhando para algo. Então, queremos que o público se concentre neles. Então, quando adicionamos a ferramenta de grade, e será simplesmente aumentando o contraste com os personagens. Simplesmente vamos adicionar uma melodia de grade ao plano de fundo e, em seguida, vamos adicionar um branco aos personagens. Saiba, adicionar isso criaria um grande contraste real nos personagens. E chamaria a atenção do público para os personagens. E é basicamente por isso que adicionamos tons de cinza aos storyboards. E é basicamente assim que um storyboard limpo olharia para o final. Então, agora, se você virar para frente e para trás entre os dois, você pode ver o quanto é diferente. Não é super, super completo. Não é provável que o produto final da produção, mas seria muito mais claro e compreensível quando você passa esses storyboards para a próxima equipe, provavelmente estará na equipe de animação, que poderia então interpretar seus storyboards e animar as cenas de acordo sem qualquer confusão. Então, para sua tarefa para esta classe, eu quero que você pegue as miniaturas ásperas que você fez para o seu storyboard anterior, para o roteiro Freeman. E eu quero que você limpe. E eu quero que você adicione alguns tons de cinza ao seu storyboard. Quero que você use os tons de cinza para ajudá-lo a adicionar mais clareza para ver seu público. Essa é a sua tarefa para esta aula. Boa sorte e te vejo. 11. 10 pitching: Certo, todos sabem que você tem seus storyboards prontos. Nesta lição, vamos falar sobre lançar seus storyboards. arremesso é basicamente se levantar na frente do seu diretor. Estou apresentando seus storyboards de uma sequência. O objetivo principal é fazer com que o diretor entenda a sequência de forma clara. Então, o que vou fazer é compartilhar algumas sugestões que podem ajudá-lo a lançar seus quadros de forma mais eficaz. Então, as primeiras coisas primeiro, certifique-se e prepare-se. Pratique arremessos ou pranchas para colegas artistas antes apresentação principal nem os quadros e o diálogo como a parte de trás da sua mão. Na maioria das vezes, você pode ter que fazer a narração para os personagens em sua sequência. Se você estiver confortável fazendo as vozes do personagem, vá em frente. Mas se você não está fazendo sua própria voz é bom o suficiente. Fale claramente. Tente muito para não murmurar sua sequência, projetar vocalmente para seu público, apresentar com confiança, com certeza que você está realmente confiante na sequência. Se você não estiver confiante, isso pode afetar o impacto geral de uma história em seu público. A próxima sugestão é ter certeza e ter uma boa apresentação de piercing justo. Tente fazer com que tudo flua de forma suave e eficaz. Não pare de explicar demais coisas técnicas, como direção da tela. E não pare para comparar suas fotos com outros filmes. Não seja horrível para a sequência de Rashtriya à custa de ser claro. Energia curta durante a apresentação, mas não supere bem, e chame a atenção para longe de suas pranchas. Falar na frente das pessoas é um número um falha alguns meses. Uma maneira de se livrar do medo é focar nos quadros que você está apresentando. Concentrando-se em seu storyboard ajudará você a se sentir menos autoconsciente. Lembre-se sempre de ser você mesmo e você ficará bem durante sua apresentação. Então agora vou fazer um exemplo de tom. Vai ser um conto que eu escrevi e os storyboards para. Então, vamos fazer isso. Desde que abriu com essas cidades de brinquedo muito legais que uma criança é como todo esse brinquedo é tão incrível. Ele corre por eles. Mamãe puxa o tempo dela, mãe, mãe, mãe vem verificar e olhar para este brinquedo. É tão incrível. Puxe-o pela sala, confira. É tão arrumado. Olhe, mãe. Ela olha para o outro lado, olha para baixo para o preço que muito caro. Bem, agora, você poderia, você poderia me ouvir um pouco? Agora? Você vê, eu não posso pagar algo tão caro. Mas eu quero isso. Esfrega a mão dela. Ele olha para o outro lado da loja e vê uma camiseta mais barata. Ela é como, vamos, deixe-me mostrar algo um pouco mais legal. Caminha pela loja de brinquedos. Ele olha para trás e notou que os brinquedos se movendo cada vez mais longe dele ficam tristes. É como olhe para isso, olhe para esta camiseta. É realmente incrível. Tem Ultra Man nele. Isso não é legal. Não quero isso. Bem, eu acho que você não terá os poderes de alteração de carvão que vêm com esta camiseta. Sim, só pessoas especiais recebem os poderes e colocam essa camiseta. Realmente, eu quero os poderes de ultra asa. Mas você tem que ser realmente digno de obter os poderes. Vou levá-lo, sou digno como aqui, depois coloque-o e pegue seus altro empoderadores. Sim. Ele coloca, imagina que está se transformando em alterar supersônico baseado em suco. Voando para quase a velocidade da luz. Pare e veja essa criatura alienígena se abrindo para você. Você nunca destruirá o universo. Vou parar. Você. Ame monstros, carrega isso. Voa para cima. Ela vai em frente, mas de repente pára porque algo os distrai. Olha para cima, Mameluks para o outro lado da loja que você poderia pegar aquele brinquedo para mim? Uau, é tão incrível. Obrigado, pai. Livros sobre o garoto pegando os brinquedos. Oh, eu não quero mais isso. Certo, pessoal. Então, basicamente, esse era o campo. Basicamente, o que eu fiz é que eu apenas adiciono algum diálogo, quero dizer, uma descrição aproximada do que está acontecendo na cena. Esse passo rápido definitivamente poderia ser melhorado. Mas você tem a ideia básica do que precisa fazer. Tipo, eu não parei para descrever, como fotos e fotos panorâmicas e Sandy, a câmera vai para Pontiac ampliando aqui. Essas coisas são desnecessárias, ou você precisa fazer é apenas adicionar mais efeitos, mais torque. E porque o antibiótico já está mostrando coisas, e o que você precisa fazer é adicionar no automático e dar-lhe efeitos sonoros. Tente chegar o mais próximo possível do filme final. Então, agora que você viu um exemplo, vamos passar para a tarefa. Então, para sua tarefa, o que eu quero que você faça é pegar os quadros anteriores que você criou e eu quero que você pratique lançar os pranchas sozinhos, o diálogo. Todos os defeitos na cena. Estou praticando isso. E então eu quero que você lance para talvez um amigo, Bridget talvez faça um irmão ou irmã e apenas pratique lançá-lo para o maior número possível de pessoas até você se acostumar com a forma de arte de lançar seus storyboards. Essa é a sua tarefa para esta aula e vejo você na próxima vez. 12. 11 portfólio: Então, antes de falarmos sobre o que você deve ter em seu portfólio de storyboard, quero falar sobre os formatos nos quais você pode apresentar seu portfólio. Primeiro de tudo, há uma cópia física do seu portfólio. Você basicamente organiza todos esses storyboards juntos e os imprime. E então você pode criar isso, criar um livro, juntá-lo, certo? Esta era a única maneira de mostrar seus conselhos no passado, era eficaz se você estiver participando uma convenção ou workshop e quisesse facilmente apresentar ao empregador ou gostar de um storyboard sênior artistas para crítica. Agora, a desvantagem desse formato é que você pode nem sempre ter seu portfólio quando estiver saindo e nunca sabe com quem você pode encontrar. Como ter uma cópia física de seus quadros poderia ser restritivo em termos de estar pronto para oportunidades. A próxima coisa sobre o formato um portfólio físico para storyboard é o formato dos storyboards reais porque cópias físicas podem ser montadas e antibióticos, cópias físicas de um storyboard portfolio só poderia ter o formato tradicional de coluna ou linha. Agora, existem alguns revisores que gostam de passar por pH de um painel em formato PDF. E isso é outra coisa que a cópia física pode fazer é ter um pH de painel para eles virar muito rápido e um formato PDF, você pode imprimi-lo um painel Bu pH, mas então você teria esses portfólios muito grossos e isso não é uma boa ideia. Agora, o segundo formato você pode ter seu portfólio e é digital, e eles formam um site dedicado apenas ao seu storyboard. Existem muitos sites gratuitos nos quais você pode criar seu portfólio. Blogspot são asas ou Tumblr. E se você puder pagar, você pode ir para um dos períodos como o Squarespace, etc Agora, a grande vantagem de ter um portfólio on-line de um portfólio físico é que você terá acesso fácil. Ele sempre estará lá no telefone, laptop ou no computador se conectar. Quando estiver conectado à internet, pronto para mostrar a alguém. Você também pode enviá-lo via link para qualquer pessoa via e-mail, WhatsApp, tudo é muito conveniente. A segunda vantagem é que você pode criar antibióticos e enviá-los em seu site. Carteiras físicas podem ter outra matriz como dissemos antes. Agora, antieméticos, com certeza, habilidades cinematográficas mais óbvias, certo? Porque os antibióticos envolvem edição, voz, actina, ritmo, etc. Então, os antibióticos são uma ótima coisa para se ter em seu portfólio. Agora, da maneira como eu tenho falado, isso sugeriria que você deveria ter apenas um portfólio digital, um portfólio de storyboard digital. O que eu realmente sugiro é que você tenha os dois. Porque no final do dia, você nunca sabe o que poderia acontecer. Talvez aquele artista de storyboard que você procura, ou aquele artista de storyboard que esteja analisando seu trabalho. Talvez eles adorem cópias físicas portfólios de storyboard e talvez isso seja apenas a coisa deles. E eles podem contratá-lo porque você tem um portfólio físico e talvez outra pessoa, eu prefiro PDF ou talvez outra pessoa possa ter pessoas assistindo antibióticos. Então, a principal essência disso é ter todos eles prontos. Eu apenas sugeriria a toda a cópia física Pavlov de um site, instagram, Facebook, seja lá o que for, apenas esteja pronto para todos eles. Estou apenas dizendo todas as maneiras que você pode estar pronto agora que temos isso fora do caminho, vamos falar sobre o que você deve colocar em seu portfólio de storyboard. Agora, a primeira coisa que você deve saber é que seu portfólio de storyboard deve ser voltado para o setor em que você deseja entrar. Por exemplo, digamos que você queira fazer storyboards para Disney ou DreamWorks Animation. Seu portfólio não deve ter storyboards para filmes de ação ao vivo ou livro comercial. Seu storyboard deve estar na linha de filmes de animação. Agora, os estúdios que fazem filmes de animação procuram coisas diferentes em comparação com estúdios de ação ao vivo. Por exemplo, a Disney procura storyboards que tenham muitos gestos, desenho, nuance, atuação com os personagens e uma variedade de cenas emocionais e orientadas para a ação. Além disso, seu estilo deve ser semelhante ao trabalho do estúdio para o qual você está se candidatando. Disneyworld provavelmente contrata mais rapidamente alguém que possa se adaptar ao seu estilo mais rápido em relação a alguém que precisa realmente desenhar seu estilo. Agora, essa é uma sugestão bastante óbvia, mas sempre mantenha seu melhor trabalho na frente ou no início do seu portfólio. Você não tem uma segunda chance de causar uma boa primeira impressão. Tente deixar todos vocês, a menos que um trabalho forte na parte de trás do seu portfólio. Ou você poderia colocar seu trabalho mais fraco entre suas peças mais fortes. A próxima sugestão seria contar uma variedade de histórias. Tentando não ter storyboards que estão apenas em um gênero. Se você quiser colocar cinco storyboard em seu portfólio. Minha sugestão seria ter uma história de amor e uma história de ação, uma história de terror, uma história triste e talvez até um musical. Isso mostrará ao seu empregador que você pode lidar com uma variedade de histórias e sua gama é muito ampla. O último passo que quero compartilhar com vocês é algo um pouco diferente. É algo que você deve estar ciente ao mostrar seu portfólio para um artista sênior ou a um potencial empregador. A dica é ficar quieto e ouvir. Ao receber feedback, ouça a crítica em que você está recebendo o ingresso. Tente entender o ponto de vista do crítico de arte em seu trabalho. Não os interrompa para dar desculpas e divagar. Mantenha seu ego sob controle. Você pode se sentir um pouco capuz se o crítico for duro, mas aprendendo como P e para, e vale a pena o grupo. Então, apenas ouça e leve tudo. Então pessoal, foram algumas dicas e sugestões sobre como montar seu portfólio. Espero que ajude você se você não soubesse dessas coisas. Eu criei esses pontos, basicamente de tentativa e erro aplicando a diferentes estúdios. E eles me deram feedback sobre meu portfólio e eu só queria compartilhá-lo com vocês. Espero que isso ajude e boa sorte coloquem seu portfólio de storyboard juntos. 13. 12 visão geral: Tudo bem a todos, finalmente chegamos ao fim da introdução ao storyboard. Neste vídeo, eu só quero fazer uma pequena visão geral do curso e dar a você um último conselho. Agora, para aqueles de vocês que nunca souberam sobre storyboard antes, teria havido muita informação aqui para absorver. Mas o melhor é que você pode assistir a esses vídeos quantas vezes possível porque eles são gratuitos. Só no caso de você não entender algo. Aqueles de vocês que estão familiarizados com o storyboard antes desta aula podem ou não ter sido introduzidos a novas informações. Mas se você fez e ainda assistiu a todos os vídeos, isso mostra que você está com fome de aprender coisas novas e está apenas aprendendo constantemente, o que é muito bom. Agora, esses vídeos cobriram o conhecimento básico que você precisaria saber ao trabalhar no storyboard. Mas o maior desafio na criação storyboards é não conhecer as regras do storyboard, mas na verdade criar ao contar suas histórias. A única maneira de você melhorar no storyboard é criando tantos storyboards e contando tantas histórias quanto puder. Pratique fazer quadros a partir de scripts. Ou se você quiser escrever sua própria história e storyboard, essa maior parte de sua melhoria não virá assistindo a vídeos de aulas, mas da criação de suas histórias e seus storyboards. Haverá coisas que você aprenderá que só poderiam vir da criação desses storyboards. E aprendendo o processo real de criação de storyboards. Trabalhe o mais duro e o mais inteligente possível. Conte as histórias que você quer contar. Não crie histórias que você acha que seriam populares. Crie histórias que você adoraria criar. Você realmente criará histórias melhores se você gosta de criá-las. Todos têm uma história única para compartilhar com o mundo. Portanto, certifique-se e diga ao seu. Antes de dizer minhas despedidas finais, eu só quero fazer um último plugue sem vergonha. Essas aulas estarão aqui, sempre gratuitas, e vou adicionar novas aulas o máximo que puder. E eles estarão disponíveis gratuitamente. Mas obrigado por assistir. Eu realmente aprecio por você tomar o tempo para assistir a essas aulas. Boa sorte com tudo e vejo vocês da próxima vez.