Introdução ao desenho com caneta: como criar forma com valor e textura

1. Introdução: Olá, e bem-vindo ao Desenho com caneta 101, Criando forma usando valor e textura. Estou tão animada para mergulhar nesta aula com você. Meu nome é Sarah Nelson. Sou um artista e ilustrador aqui em Los Angeles, e adoro desenhar. Eu também amo caminhar, e eu amo comida, e eu amo jardinagem, mas todas essas coisas também informam meu trabalho. A maior parte do meu trabalho centra-se em torno do ambientalismo. Minha crença é que as técnicas que você aprenderá nesta aula capacitarão a falar sobre as coisas que estão em seu coração. Estou animado para fazer um mergulho profundo no desenho com caneta usando ferramentas que estão espalhadas em sua própria casa e aprender a desbloquear essas ferramentas para que você possa criar coisas com as quais você está animado. Você vai aprender a fazer eclosão, cruzamento, pontippling, ferramentas incríveis para criar valor e forma, e então vamos falar sobre texturas. Então, quando começarmos nosso projeto de classe, vamos descobrir como colocar todas essas coisas juntas em um esboço proporcional e dar vida a um desenho completo. Todos esses conjuntos de habilidades são extremamente importantes e têm sido a base da minha carreira. São técnicas fundamentais que podem se traduzir em todos os tipos de diferentes meios, todos os tipos de diferentes práticas artísticas. Eles desbloqueiam um mundo que você pode traduzir em qualquer assunto para criar imagens realmente dinâmicas e bonitas. Este curso tem muitos mini-projetos incorporados em cada lição, e isso ajuda você a aprimorar as habilidades necessárias para o projeto da classe principal. Cada lição aborda um método diferente de criar valor e textura que ajudará a realmente trazer a forma de sua espécie para a vida. Certifique-se de ir para a seção de recursos da classe, usar o guia e o PDF de recursos, bem como o quadro do Pinterest enquanto você trabalha seu caminho através dessas lições. Esta aula é principalmente para iniciantes, mas isso não significa que você não é capaz de aprender algo se você é um pintor profissional. Se você não fez desenho com caneta com muita frequência, esta é uma ótima aula para você. Se você é totalmente novo no desenho em geral, esta aula é para você. Eu vou percorrer todos os tipos diferentes de técnicas que vão capacitá-lo a não ficar sobrecarregado, mas realmente levá-lo passo a passo para criar coisas das quais você se orgulha. Mal posso esperar para ver o que você cria. Por favor, poste tudo o que você criar na seção do projeto de classe abaixo. Queremos vê-lo, queremos comemorar com você, e eu quero ser capaz de lhe dar feedback se você tiver dúvidas, então nunca hesite em entrar em contato. Acho que é hora de começar. 2. Seu projeto do curso: Vamos falar do projeto da aula. Estou tão entusiasmada com esta parte da turma. Nós vamos prepará-lo com todas essas técnicas diferentes, mas então você vai criar algo completamente do zero. Vamos nos concentrar especificamente em uma espécie que você pode escolher ou você pode seguir junto. Vou fazer a arara azul e amarela. Você vai adicionar contornos proporcionais misturados com todas as ferramentas que aprendemos, eclodir, cruzar, pontuar e, em seguida todas as diferentes texturas que aprendemos para escalas e penas. Vamos juntá-los para criar um desenho realmente dinâmico e bonito. O que você vai precisar para esta classe são: canetas de desenho, preferência uma caneta Micron 005, mas você pode usar uma caneta esferográfica também, ou uma caneta fina, e então você precisa de papel, lápis e borracha e uma régua. Estou tão animado para ver o que você cria. Por favor, publique-o na seção de projetos de classe abaixo, e espero que você nos permita comemorar você e ficar entusiasmados com as coisas que você está aprendendo e criando. 3. Conhecendo as canetas: Estou tão animado para apresentá-los ao universo do desenho de caneta e caneta e todas as incríveis técnicas de caneta que eu aprendi e me apaixonei muito nos últimos 10 anos da minha carreira. O que você vai precisar para esta lição é um pedaço de papel de raspadinha, e antes de realmente mergulharmos, dar a volta em sua casa, fazer uma pausa e dar a volta em sua casa, recolher todos os diferentes tipos de canetas que você tem colocando para que possamos ir e explorar a variedade de propósitos e fabricação intencional que existe dentro dessas ferramentas. Vamos mergulhar. Caneta é uma das minhas ferramentas favoritas. Como há uma variedade tão ampla para escolher, pode ser difícil saber quais tipos são adequados para você e para os projetos em que você deseja trabalhar. Eu quero quebrá-lo. Canetas geralmente quebram e podem ser decifradas por essas duas coisas, sua ponta e seu tipo de tinta. Sua dica irá dizer-lhe os tipos de linhas que podem criar e o tipo de tinta irá ajudá-lo a saber a largura da linha que pode produzir, se é arquivo, o que significa água e desbotamento, e quão intrincadamente você pode desenhar ou quão ousadamente. Eu coletei todos os meus tipos de caneta, assim como eu pedi para você fazer, e eu vou analisar cada um deles para dar a você uma análise sobre o design deles e o propósito pretendido. Vamos mergulhar e começar com esses marcadores. Eles são muitas vezes embalados da mesma maneira. Eles parecem semelhantes e todos podem vir em cores diferentes. Então, o que os distingue? Como mencionei antes, é o propósito pretendido deles. Os marcadores destinam-se a preencher espaço e as canetas destinam-se a trabalhos lineares. Por exemplo, esta caneta de tinta foi projetada para preencher espaço com uma cor extremamente opaca. Ele pode ser usado para escrever com, mas esse é o seu propósito secundário. Sua tinta pode ser usada em papel, mas foi projetada para ser em pedra, janela , pedras, e brilhará quando for usada na superfície certa. Agora vamos olhar para marcadores Copic. Ele tem duas dicas, pincel e cinzel, e pode ser usado para escrever, mas não é algo que você usaria em documentos, cartas ou lição de casa a menos que você não tivesse outra opção. Sua tinta é vibrante e é à base de álcool, então funciona melhor com papel de desenho e não papel de impressora básico. Adoro marcadores, mas vou deixá-los de lado, e vamos falar sobre canetas reais. Primeiro, temos canetas. Existem muitos tipos de canetas de escova e até marcadores geralmente têm pontas de pincel. Mas há uma diferença entre uma caneta de pincel como esta e uma ponta de pincel em um marcador, e isto é, sua tinta. canetas de pincel verdadeiras são projetadas intencionalmente para desenho de linha e caligrafia. Em seguida, temos uma caneta-tinteiro. Eles são recarregáveis, sua qualidade de linha é incrivelmente única. Suas linhas são naturalmente texturizadas e podem ser usadas para esboçar. Mas a maneira como a tinta se constrói à medida que você adiciona mais linhas é que ela sangra em si mesma e não camada a menos que você deixe cada camada secar. Agora, para os dois tipos de caneta mais conhecidos espalhados por casas ao redor do mundo, a esferográfica e a caneta rollerball. As canetas esferográficas ostentando todos os tipos de logotipos corporativos têm um monte de metal na ponta. Eles criam recuos quando desenham ou são escritos com, e isso é porque tem uma tinta grossa e é realmente projetado para escrever e foi adotado para desenhar, especialmente rabiscar, mas seu objetivo principal é escrever. Rollerball parece muito com uma esferográfica. Tem uma ponta de metal também. A tinta rollerball é uma tinta mais fluida e não requer a pressão que uma caneta esferográfica faz para escrever ou desenhar. Ambos são honestamente excelentes ferramentas de desenho e escrita, que é algo que eu amo sobre caneta. Estes são meios acessíveis. Mas como essas canetas específicas não foram projetadas para artistas profissionais para usar, você tem que lembrar que eles têm uma tendência a manchar, eles correm quando a água atinge normalmente, e sua tinta vai desaparecer ao longo do tempo. Agora rolo de tambor, a caneta micron. Esta é uma caneta de ponta fina que é arquivística, o que significa sua prova de desbotamento e impermeável. Eles variam em tamanho, eles variam em cores, eles até têm uma versão caneta pincel. Minha preferência pessoal e sugestão para esta aula é o 005, que é sua menor caneta com ponta. Porque quanto menor a ponta, mais matizado seu detalhe pode se tornar, e eu gosto de detalhes. Essas canetas são 100% projetadas para artistas usarem. Você pode escrever com eles, e eu até faço algumas vezes, mas eles são definitivamente uma ótima ferramenta para desenhar e eles foram feitos para viver em ambos os espaços. Mergulhamos os dedos do pé no universo da caneta. Por favor, publique todas e todas as canetas que você encontrou ao redor da casa e coloque-as na seção da classe abaixo. Deixe-me saber quais são os seus favoritos e por quê. Em seguida, vamos mergulhar em como criar linhas confiantes. 4. Criação de linhas confiantes: Passamos agora pelo tema das canetas, como escolher qual é o certo para você e agora é hora de falar sobre linha, porque as canetas, esse é todo o seu propósito, é criar linhas que então construímos em outra coisa. É muito importante que você se sinta confortável e se sinta orgulhoso do trabalho que está criando e confiante ao mergulhar no que eu gosto de chamar de terror da página em branco, o que é muito comum. No segundo que você coloca algo no papel, você já tem essa sensação fedorenta em seu estômago que isso não vai parecer do jeito que você imaginou ou ou esperava. Então vamos percorrer alguns exercícios diferentes e alguns tipos diferentes de linha para ajudá-lo a entender como usar essa ferramenta para criar coisas que você realmente pretende criar. Vamos mergulhar. Desenhar uma linha com confiança é principalmente sobre prática e tempo, mas há alguns componentes psicológicos também. A primeira e talvez a maior barreira para a maioria das pessoas é o medo da página em branco. Uma coisa enorme que me ajudou a superar esse medo foi aprender a trabalhar com caneta. Você não pode apagar caneta, você não pode clicar em Desfazer, é apenas permanente. Eles têm a habilidade de nos ensinar a deixar de lado o medo de estragar tudo. Em vez de entrar constantemente naquele ciclo de refazer e desfazer, aprendemos com cada desenho à medida que avançamos. Outra parte da criação de linhas confiantes é entender como usar a linha e quais são suas opções. Quando estou usando uma caneta, penso sobre as diferentes características da linha e a primeira é o peso da linha. peso da linha pode mudar com a pressão ou o ângulo da sua caneta e é uma linha que vai de mais escura e mais espessa para mais fina e mais leve. As partes mais escuras da linha se sentem mais pesadas e podem comunicar sombra ou peso apenas por uma simples mudança na mão ou um pequeno pouco de pressão. A próxima é a direção da linha. Quando coloco uma linha angular versus uma linha vertical, repare como seu olho responde de forma diferente a essas linhas. Na linha angular, seus olhos são mais propensos a se mover do ponto A para o ponto B e geralmente da esquerda para a direita. Então, quando eu desenhar uma linha vertical, meu olho ou se torna mais estático ou se eu incorporar o peso da linha, ele começa a se mover da parte mais pesada da linha e até a parte mais leve. Se eu curvar minha linha, meu olho segue seu caminho e eu posso usar o peso da linha para guiá-la na direção que eu quero que o olho do espectador siga. O comprimento da linha geralmente é emparelhado com direção da linha e peso da linha. Vamos usá-lo muito com eclosão e cruzamento, e especialmente quando chegarmos às texturas. Finalmente, temos linha implícita e é aqui que você deixa alguns de seu trabalho de linha até a imaginação do espectador. Nesta folha, estou sugerindo fortemente com direção e peso e a forma que esta é uma folha. Mas eu não estou desenhando todas as veias da folha, todos os pequenos detalhes. Nesta folha inferior, estou explicitamente lhe dando todos os detalhes e isso é mais apenas contar uma história em vez de implicar ou insinuar. Ambos linha implícita ou o uso negrito da linha são úteis e têm o seu lugar. O que você precisa saber é como usar essas técnicas para melhor comunicar seu assunto ou conceito. Vamos praticar um método de desenho clássico que ajuda você a conectar seus olhos às suas mãos. Esta é uma ótima maneira de realmente adicionar confiança à sua criação de linha, porque se você não consegue fazer seus olhos e sua mão se conectarem, vai ser muito difícil para você confiar no trabalho que você está colocando em um pedaço de papel. Para isso, você vai precisar de um pedaço de papel, uma caneta e um assunto para desenhar. Eu vou usar as plantas na minha mesa na minha frente e assim que você tiver o seu objeto configurado na sua frente, eu quero que você desenhe sem pegar sua caneta. Isso é chamado de desenho de contorno. Você também pode fazer desenho de contorno cego por não olhar para o seu papel e apenas olhar para o seu assunto e eu recomendo fortemente praticar isso também. Encontre um ponto de partida. Eu geralmente pego um dos dois lados, ou na base com o topo dos objetos e eu começo a seguir o contorno do meu objeto muito lentamente com meus olhos e movendo minhas mãos enquanto eu lentamente mover meus olhos. Estou percebendo nuances e estou olhando principalmente para o que estou desenhando e muito menos para o meu papel. Ao quebrar alguns dos métodos usuais que você usaria para desenhar, como olhar para seu papel ou apenas esboçar rapidamente ou pegar sua caneta, você ajuda a diminuir a velocidade e vê o que está criando. Uma coisa que espero que todos concordemos ao aprofundarmos o desenho de caneta é que, não há problema em estragar tudo. Este é um lugar seguro para continuar, continuar desenhando, continuar praticando, continuar criando, porque você só vai melhorar e você só vai se tornar mais confiante. Por favor, publique seus desenhos de contorno, compartilhe sua experiência na seção do projeto da classe. Mal posso esperar para vê-los e, a seguir, mergulhamos em técnicas de linha e vamos começar com a eclosão. Vejo-te na próxima lição. 5. Hachura: Estou tão entusiasmada em apresentar-te à eclosão. Eu não poderia estar mais animado. É uma das minhas técnicas favoritas. É um que eu uso todos os dias. É provado e verdadeiro. Tem sido usado por tantos artistas ao longo da história, incluindo Leonardo da Vinci, e o trabalho é sempre bonito. Vamos falar sobre escalas de valor e esferas. Por favor, publique todos os seus exercícios na seção de projeto da classe abaixo. Mal posso esperar para ver o que você cria. Vamos começar. Vamos falar sobre eclosão. Eu tenho minha caneta Micron 005 pronta e um pouco de papel, o que significa que estou pronto para rock and roll. Estou usando um novo Micron 005 canetas para que a ponta e a tinta produzam suas linhas pretas. Porque à medida que essas canetas envelhecem, a ponta se desgasta e as linhas se tornam mais largas, o que pode ser realmente útil. Eu tenho algumas canetas mais velhas aqui e eu vou te mostrar mais tarde nesta lição como podemos usá-las. Mas, por enquanto, vou começar com a minha caneta nova. Hachching é uma técnica que usa linhas repetitivas para criar valor. Neste caso, estou começando por baixo e subindo. Só quero ter certeza de que você é sempre consistente com a direção em que suas linhas estão se movendo. Então aqui eu vou começar com uma escala de valor usando hachching. Eu vou criar essas linhas verticais em uma fileira movendo-se da esquerda para a direita. Então usarei repetição, não pressão para criar valor. Vou trabalhar para criar uma escala clara que se mova do escuro para a luz. Agora, a razão pela qual usamos repetição e não pressão é porque estas são canetas de ponta fina e a pressão pode esmagar a ponta e pode até mesmo fazer a tinta da caneta explodir. Basicamente, nada de bom vem de pressionar estas canetas. É por isso que usamos técnicas como eclosão. eclosão também cria naturalmente essas belas texturas que podem ser incrivelmente úteis para vários assuntos. Nós vamos falar mais sobre isso mais tarde nesta aula também. Observe como estou sempre começando na base da fila e movendo para cima e eu paro um pouco abaixo da estrada cada vez que eu começo minha linha de linhas novamente. Esta é uma maneira muito fácil de garantir que sua escala de valor fique gradualmente mais leve e leve. Algo que você já pode ter juntado é que a maneira que você cria suas luzes é permitindo que mais papel brilhe. Seu papel sempre será seu ponto mais leve. Você pode ver que eu claramente tenho escuros, médios e luzes, tomando forma na minha escala de valor. Certifique-se de que você pode identificá-los em sua escala também. Existem alguns elementos de linha que realmente queremos manter em mente enquanto desenhamos com caneta e o primeiro é o peso da linha. Você pode ver nesta linha que a base onde eu toquei pela primeira vez caneta no papel é a parte mais escura e mais grossa da linha. É onde a maior pressão da minha mão é, naturalmente, colocar mais tinta no papel e ele desaparece enquanto eu continuo desenhando porque a pressão da minha mão está liberando. Eu quero ter certeza de que todas essas linhas começam da mesma maneira, a fim de manter minha escala consistente enquanto eu passo do escuro para a luz. Outro elemento que queremos pensar é o comprimento da linha. À medida que a balança fica mais leve, posso adicionar linhas mais curtas para ajudar a desvanecer-se na luz. Ok, uma vez que você tenha completado sua escala de valor, desenhe um círculo em seu papel e nós vamos fazer mais um exercício juntos, eu chamo de esfera. Este exercício é muito importante porque nos ajuda a usar as ferramentas que já aprendemos criando a escala de valor e adaptando-a para nos ajudar também a criar a ilusão de forma. Uma das coisas mais importantes sobre a criação uma forma de aparência redonda usando eclosão é que nós não queremos, repito, não queremos conter nossas linhas mesmo quando você está trabalhando com um objeto arredondado. Curvamos nossa linha de linhas, não curvamos nossas linhas. Mantemos a linha reta para que ela fique limpa e limpa. É muito mais fácil repetir linhas retas e linhas curvas e mantê-las consistentes. A próxima coisa que queremos ter certeza é determinar nossa fonte de luz. Eu vou colocar a minha fora para a direita e eu vou desenhar um filho pequeno me ajudar a lembrar de onde minha luz está vindo e para você ver com o que eu estou trabalhando. Agora, quando eu começar a usar a eclosão para criar uma aparência arredondada, eu quero ter certeza de que todas as minhas linhas estão começando na base deste círculo, que neste caso é o ponto mais distante da luz. Vou começar as minhas linhas a partir da base e mantê-las retas. Mas eu vou permitir que eles encurtem junto com esta curva. Criar sombras em algo como um círculo pode ser muito complicado porque não podemos usar o mesmo método que usamos em nossa escala de valor. A luz não está recuando da esquerda para a direita, em vez disso, está recuando de baixo para cima, mas nossas linhas ainda serão verticais. Então este é outro uso para o comprimento da linha. Vamos adicionar algumas linhas mais longas intermitentemente para criar esses comprimentos médios e nossos tons mais claros, e um monte de linhas mais curtas e repetitivas mais próximas da parte inferior do círculo. Quanto mais tempo eu trabalho nisso, mais fluidas são as linhas, e menos agitados os sombreamentos vão parecer. Então, como você pode ter adivinhado o nome do jogo com a maioria das técnicas de caneta e isso inclui incubação é paciência. Ok, pratique esses exercícios quantas vezes você precisar para se sentir confortável. Você pode dizer que eu estou realmente tomando meu tempo e eu estou girando comprimentos de linha. Enquanto estou indo, estou sempre observando minhas escuras, mídias e luzes, e depois misturando-as para ter certeza de que elas ainda são identificáveis, mas também em transição suave e que meu círculo está se sentindo esférico. Como eu aludi anteriormente, se você tem 005 canetas mais velhas e a ponta é um pouco desbotada e tinta é um pouco mais leve, você ainda pode usá-los. Na verdade, eles são excelentes para criar detalhes delicados. Já podemos ver como ele está adicionando uma mistura suave e agradável ao meu trabalho de caneta. Certifique-se de praticar estes dois exercícios até se sentir confortável com a caneta. Lembre-se de se concentrar na repetição, não na pressão, para levar seu tempo para usar o comprimento da linha e o peso da linha em sua vantagem. Por fim, quando você trabalha na esfera, lembre-se de dobrar sua linha de linhas e não suas linhas. Eu realmente espero que você poste isso na seção de projeto da classe para que possamos ver seu progresso e aprender com você e acompanhar sua jornada de caneta. Vemo-nos na próxima lição, onde discutimos a eclosão cruzada. 6. Hachura cruzada: Vamos falar sobre eclosão cruzada. Esta técnica baseia-se na eclosão. Vamos usar linha implícita, direção da linha, peso da linha, todas essas coisas, a fim de criar esta bela escala de valor usando esta técnica. Use o mesmo pedaço de papel ou encontre um novo se você estiver fora do espaço, pegue sua caneta e vamos começar. Tudo que você vai precisar é papel, caneta, e como falamos, minha preferência seria Micron 005. Uma caneta de ponta fina ou uma caneta esferográfica fará muito bem também. Começaremos com nossa escala de valor exatamente como fizemos para a eclosão, então vamos fazer linhas retas movendo-se de baixo para cima em uma linha movendo-se da esquerda para a direita. Agora vamos começar a cruz. Começaremos no canto inferior e nos moveremos em uma diagonal para cima e para fora, e aqui está algo que é muito, muito importante. Estas linhas não são linhas curvas. Essas linhas estão em um novo ângulo. Em outras palavras, estamos usando direção de linha, uma ferramenta muito útil e importante ao sombrear e adicionar textura ou forma. Você pode ver que eu diminuí minhas linhas diagonais à medida que eu me aproximo das áreas mais leves, e aqui eu vou usar o comprimento da linha para manter essa área mais leve. Quanto mais papel for exibido, mais leve será a área, então sempre queremos colocar menos tinta nessa parte de nossa escala ou desenho para manter essa luz brilhante. Podemos usar o comprimento da linha e o peso da linha para garantir que essa transição aconteça sem problemas. Agora, vou adicionar linhas diagonais indo na outra direção, começando novamente do canto através da linha, e então eu poderia voltar para linhas verticais retas e voltar através de todos os ângulos novamente. Ao incubar ou desenhar um assunto, realmente importa onde você começa suas linhas, e você sempre quer ter certeza de que você está colocando sua caneta no papel nas áreas mais escuras para que você possa garantir uma sombra perfeita. Mas nesta escala de valor, você estará trabalhando em todos os lados da escala, então apenas certifique-se de colocar sua caneta no papel nas bordas da escala, não em algum lugar no meio da linha. Algo que eu acho realmente útil ao trabalhar em eclosão cruzada é girar meu papel. Isso me ajuda a desenhar linhas consistentes porque minha mão só tem movimento limitado. Então mover os papéis para que eu possa ter um movimento consistente é uma maneira que eu tento manter minhas linhas consistentes. Você pode começar a ver minhas escuras se formando e alguns de meus médios, e assim como com a eclosão, esse processo pode levar tempo, e quanto mais você trabalhar nele, mais suave será a transição de valor. Estamos a começar bem e podem ver que a minha textura também está boa. Agora, vamos tentar essas técnicas nesta esfera. Vamos colocar nossa camada inicial de linhas como fizemos quando eclodimos. Curvamos ou linha de linhas usando o comprimento da linha para enfatizar o arredondamento do círculo, e começamos na base onde é o mais distante da fonte de luz. Agora vou trabalhar da base para cima e vou começar a usar um pouco daquela magia de eclosão cruzada. Estou trabalhando das extremidades laterais ainda usando linhas verticais. Eu vou usar algum comprimento de linha para chegar ao centro e criar alguns desses tons médios, e eu vou usar linhas mais curtas e densas em direção à base para enfatizar essa sombra. Porque você está inclinando suas linhas, a tentação de frear suas linhas cresce. Resistir a isso. Quando você se sentir como se fosse a esfera de cruzamento extraordinário, você pode passar para a próxima lição. Mas não se esqueça de praticar tanto quanto você precisa. Eu desenho todos os dias. Eu uso essas técnicas todos os dias, e este exercício ainda parece sempre benéfico para o meu trabalho e geralmente me ensina algo novo. Portanto, não hesite em fazer mais do que uma dessas esferas e escalas de valor e certifique-se de postar seu trabalho na seção de projetos de classe enquanto você for. Próximo, Stippling. 7. Pontilhado: Cross-eclosão, eclosão, checado. Agora você está pronto para o ponto, que é uma partida em alguns aspectos, ainda usa repetição, não pressão para criar essas escalas de valor que eu acho que você vai ficar animado. Vou ser honesto que este requer paciência extra para eu completar. Eu recomendo atualizar o tamanho da sua caneta, então vá para um 01 ou um 08 se você tiver uma variedade de tamanhos de caneta Micron; caso contrário, experimente com uma caneta esferográfica e pegue uma folha de papel, e vamos começar. Vamos mergulhar em stippling. Agora, antes de começarmos, as pontas são diferentes de eclosão e eclosão cruzada. Stippling é o processo de usar pontos repetitivos. Novamente, não pressão, mas repetição para criar valor e definir forma. Não tem nada a ver com o peso da linha ou a direção da linha, mas depende da repetição, e é principalmente uma técnica de caneta. Vamos fazer um retângulo de pequenos pontos que serão a camada base para a nossa escala de valor. Assim como fizemos com a eclosão, temos a primeira camada base de linhas verticais, esta é a nossa camada base de pontos. Vamos seguir a mesma rota que fizemos com eclosão e eclosão cruzada, onde continuamos a varrer através do retângulo com pequenos pontos da esquerda para a direita, e vamos sempre parar um pouco curto cada vez, a fim de criar um escala desbotada. Há duas maneiras de abordar o stippling: uma é que se trata de um processo meditativo, e a segunda é que é enlouquecedor. Eu recomendo tentar ficar com o primeiro para sua própria sanidade. Talvez coloque alguns sons da natureza, um bom podcast, sua música favorita e deixe-se relaxar. Se você tem alguma recomendação para podcasts ou música, por favor envie-os para mim. Sempre à procura de boas recomendações. Você provavelmente já pode ver por que eu mudo para uma dica um pouco maior. Este processo pode criar uma textura realmente bonita, e é extremamente útil, especialmente se você está sombreando em pequenas áreas ou se você só quer o look stippling que tem sido extremamente popular ao longo da história da arte. Mesmo que seja preciso paciência, tecnicamente, é muito mais fácil do que algo como eclosão ou eclosão cruzada. Eu adoraria ouvir o que dessas três técnicas você sente como é o mais emocionante ou está se tornando um método mais natural go-to para você. Você pode ver que eu estou começando a obter meus três tons: escuro, médio e luzes. Vou chamar esta escala de boa, por enquanto. Vamos para a esfera. Vou mudar onde a minha fonte de luz é só por diversão, e vou colocá-la no lado esquerdo desta vez em vez de fazer o lado direito e o lado inferior direito, o meu ponto mais escuro. Eu vou começar exatamente como eu fiz com a escala de valor, criando uma camada base de pontos. Eu recomendo tomar todo o tempo que você precisa; acenda uma vela, fique aconchegante e tente fazer isso realmente relaxante. É o seguinte, eu tenho ADD, então se eu puder ficar paciente e criar a esfera de pontos, você também pode. Algo que era realmente importante ter em mente enquanto você está trabalhando em pontas é que você quer ter certeza de que você está colocando seus pontos no espaço real em branco. Depois de um tempo, uma vez que você chegar a esses pontos mais escuros, é realmente fácil manter colocando pontos no mesmo lugar, então cuidado com essas ondulações brancas e começar a certificar-se de que seus pontos estão realmente preenchendo esses espaços. Você pode ver que eu tenho minhas escuras, minhas mídias, e minhas luzes. É tudo sobre repetição, certificar-me de que estou consciente da minha fonte de luz e certificar-me de que estou a fazer a transição sem problemas apenas mantendo varreduras repetitivas de pontos de um lado para o outro e sempre afunilando um pouco. Leve todo o tempo que você precisa para completar esses três exercícios. Eles são tão úteis, e eles serão extremamente úteis à medida que avançarmos para as texturas. Certifique-se de postar todos os seus desenhos de exercícios na seção Classe abaixo. Mal posso esperar para ver o seu trabalho. Em seguida, vamos falar sobre fotos de referência. Vejo-te na próxima lição. 8. Uso de fotos de referência: Fotos de referência. Que ferramenta incrível que precisamos para descobrir como traduzir em coisas que nossas mãos podem realmente criar. Vamos falar sobre olhar para fotos e como escolher as que são adequadas para nossos projetos. Vamos falar sobre como olhar para ele e saber o que tirar dele intrinsecamente e o que deixar de fora. Todas essas coisas são muito importantes. Todas essas coisas são realmente úteis. Vamos começar. Vamos falar sobre fotos de referência por um momento porque esta parte da configuração do projeto é bastante crucial para garantir um desenho bem composto. Eu quero te preparar para o sucesso direto do portão. Na verdade, vou usar uma comissão fracassada como referência para falar sobre isso. É um ótimo exemplo porque o cliente queria uma truta marrom e a isca que eles usam para pegá-la e a lua cheia é aparentemente o melhor momento para pegar uma truta marrom. Está estragado porque usei a foto de referência errada para a truta marrom. Vamos dar uma olhada aqui onde eu digitei truta marrom e eu puxei todas essas várias imagens no Google Images. O que eu estava procurando era como a truta marrom foi posicionada, coloração e clareza do detalhe do peixe real na imagem, assim resolução e iluminação. Agora, com peixes que geralmente são pescados, há um problema natural ao procurar referências fotográficas porque na maioria das vezes, quando são fotografados, eles estão sendo mantidos, o que cobre e distorce partes do o corpo do peixe que são realmente importantes para identificá-lo. Só não parece natural se você vai desenhá-lo sem as mãos. Em seguida, há um monte de ilustrações diagramas que pessoalmente eu tento ficar longe ou não desenhar apenas porque eles são um pouco muito rígido olhando e eles geralmente são desenhados em um estilo semelhante ao meu trabalho marcador galhardete. Não quero copiar o desenho de outra pessoa. Eu estava procurando um peixe que não foi realizada e eu queria que a imagem para ter boa resolução, coloração clara, não muito editada, preferência olhando como ele estava nadando em direção à superfície. Eu pousei nesta imagem onde o peixe está nadando debaixo d'água e está em uma bela forma crescente. A parte em que eu errei foi quando você olha para este peixe fora da água, você pode ver que não há nenhuma dessas cores vibrantes que tivemos em nossa primeira foto de referência ou que eu desenhei aqui. Isso porque essas cores só aparecem quando o peixe está nadando e a luz está refletindo diretamente através da água turva do rio. Acabei tendo que refazer a imagem para combinar com as cores conhecidas e associadas com a truta marrom. Agora, vamos esquecer por um segundo que este é um desenho fracassado e vamos falar sobre traduzir esta imagem para papel com nossas canetas para que você possa olhar para a posição, fonte de luz, detalhes, e então tentar colocá-lo em uma configuração ou traduzir esta imagem para papel com nossas canetas para que você possa olhar para a posição,fonte de luz, detalhes, e então tentar colocá-lo em uma configuração ou composição com outras imagens que deixam claro que isso é algo próprio. Neste caso e para esta classe, procuro principalmente texturas, sombras, atributos definidores, como estas barbatanas e estes padrões. Estou procurando meus pontos de ancoragem para ter certeza de que eu possa desenhar isso claramente e que ele se encaixa na minha composição. Quero ter certeza de que posso ver sombras claras. Quando olho para esta foto de referência, estou prestando muita atenção para onde essas sombras começam porque isso vai me dizer como mover minha caneta. Eu mentalmente começo a dividir a foto de referência em peso de linha, direção de linha, formas para garantir que eu possa traduzi-la no meu papel. Outra coisa que eu quero realmente ter certeza de que eu estou prestando atenção é o ângulo em que a foto foi tirada. Eu geralmente quero evitar obter ângulos realmente bizarros que para encurtar ou cortar componentes definindo do meu assunto. Por exemplo, com este panda vermelho, quero ter certeza de que recebo imagens que me ajudem a definir isso como um panda vermelho. Em certos ângulos, pode ser facilmente confundido com um cão realmente inchado. Eu também não quero usar um Photoshop de longe acima se eu estou tentando desenhar algo que parece direto e nós não queremos ter que inventar coisas ou adivinhar quando não precisamos. Se você precisa ser capaz de desenhar os pés, você precisa de uma foto de referência onde você pode ver os pés. Você também quer pensar sobre a fonte de luz e tentar mantê-la semelhante a qualquer outra coisa que você está adicionando a essa composição. Acho que estamos prontos para mergulhar no mundo das texturas. Eu tenho um link para uma série de fotos de referência em um álbum do Pinterest para esta classe na seção de recursos da classe. Próximo passo, vamos mergulhar em peles. 9. Textura: pelos: Estou tão animado para mergulhar em texturas com você. Falamos sobre eclosão, eclosão cruzada e pontippling. Sua caixa de ferramentas está cheia, então agora é hora de colocá-los para uso com um assunto real. Porque estamos falando de peles, eu não poderia pensar em um assunto mais bonito do que o panda vermelho, uma espécie ameaçada de extinção, também algo que eu sou realmente apaixonado. Você tem algumas opções com esta lição. Você pode usar o esboço da seção de Recurso de Classe que eu tenho para você e imprimi-lo e apenas acompanhar ou você pode tentar desenhar isso do zero você mesmo e implementar as coisas que eu estou falando enquanto eu vou. Tudo o que eu recomendo é que você não pular, porque mesmo que pele pode soar fácil, existem algumas dicas e truques que eu acho que vai ser realmente útil para você. Estou muito animado para apresentá-lo ao mundo das texturas e para falar especificamente sobre peles nesta lição. Eu tenho imagem Google pesquisado para pandas vermelhas, sinta-se livre para encontrar o seu próprio para trabalhar. Eu recomendo um onde você dê uma boa olhada em seu rosto ou você pode usar o desenho acabado que eu tenho na seção Recurso de classe e trabalhar a partir dessa imagem. Agora eu vou começar apenas fazendo um esboço de mão livre rápido para minha foto de referência a lápis e uma vez que eu tenho isso completo, eu estou pronto para mover diretamente para a textura usando minha caneta. Quando estou trabalhando com textura e desenho uma espécie peluda, começo sempre com o contorno. Eu vou estar principalmente usando eclosão nesta imagem e eu vou começar aqui na orelha. Eu vou para você usar pequenas linhas repetitivas para criar uma borda peluda, peluda e eu vou usar algum comprimento de linha variável para mostrar como é desigual e isso apenas acrescenta a esse olhar peludo. Assim que eu começar esse esboço ou até mesmo completá-lo, eu recomendo que você vá trabalhar para as áreas mais escuras da sua imagem, porque dessa forma você está começando onde é o mais difícil bagunçar e vai aumentar a confiança. Eu uso eclosão cruzada para preencher os olhos, ajuda a parecer mais redondo e mais escuro. Certifique-se sempre de deixar um pouco de luz no olho porque ajuda a parecer vivo. Algo a notar é que, como não temos um esboço difícil para aterrar nossas linhas e sair, precisamos encontrar áreas que possamos mover linhas de escotilha dentro e fora de uma nova maneira. É complicado saber por onde começar as linhas, então faça o seu melhor para manter suas linhas claras e confiar na repetição para um valor mais escuro. Eu também não vou desenhar cada pitada de pele, eu vou usar linha implícita para fazer esses tufos, onde camadas mudam ou cores estão acontecendo de novas maneiras, evidentes. A direção do vento é tão importante quando se trabalha com peles. Mesmo que estejamos chocando, podemos inclinar as linhas para mostrar para que lado o pêlo está se colocando e se movendo. Muitas vezes, peles gostam de se espalhar de um local central, que significa que muita magia de direção de linha é necessária. Algo a observar sobre as linhas é que, mesmo que você esteja fazendo linhas semelhantes a escotilha, essas linhas gerais são apenas contornos. Alguns deles podem ser curvos como este swoop e você vai eclodir dessa linha usando linhas retas. Como você não quer curvar suas linhas de hachura, é importante saber quando você precisa criar uma linha de contorno e quando você está usando apenas hachura para criar valor ou forma. Agora há algumas cores mudando no meu panda vermelho e há alguns tons de vermelho, alguns tons de pele branca e preto para os olhos e nariz e algumas áreas cinzentas nos ouvidos. Comece a pensar nos tons do que você está olhando e tente mostrar ênfase e mudanças de valor para acomodar as mudanças de cor e valor em preto e branco. As cores não são estáticas, então você não quer que seus tons médios sejam estáticos também. Os tons médios incluem uma ampla gama de tons, portanto, use a ampla matriz. Quando estamos trabalhando nas áreas brancas do pêlo, queremos ter cuidado para não exagerar no trabalho de linha e queremos mantê-lo olhando branco deixando o papel visível. Apenas coloque o trabalho de sombra e linha onde a pele precisa ser definida porque está mudando de direção ou está em camadas ou há uma sombra que ajuda a definir a forma. Como mencionei anteriormente, negros ou áreas escuras raramente são sólidas ou planamente escuras. Com essas técnicas, você pode criar a variância mesmo nas partes mais escuras do seu desenho, permitindo que ele permaneça escuro, mas mesmo com o escuro, tem um intervalo de valor. Quando trabalhamos na testa, vamos usar a direção da linha para criar aqueles cabelos laranja e branco que se espalham sobre a testa. Você só precisará de uma ou duas camadas de luz lá com diferentes comprimentos de linha para mostrar a textura se espalhando. Na ponte do nariz, há um monte de abanar porque ele está se movendo para dentro e para cima e para fora, e largo para as bochechas. Às vezes, não é direção de linha, mas direção de suas linhas hachadas que podem ser igualmente eficazes na exibição de forma, textura e valor como direção de linha. Aqui temos. Posso continuar a trabalhar nisto o tempo que quiser, mas vou chamar isto de bom por enquanto. Mal posso esperar para ver seu trabalho com peles na seção Recursos de Classe, certifique-se de postar. A seguir, falaremos sobre penas. 10. Texturas: penas: Temos pêlo para baixo. Estamos acumulando nosso conhecimento e nossas ferramentas agora, e estamos mergulhando em penas, que é um dos meus favoritos porque eu amo desenhar pássaros. Adoro usá-los para ensinar porque eles realmente utilizam todas as nossas técnicas em um assunto. Estou usando o belo bunting de índigo. Se você não os procurou, eu recomendo o Google pesquisá-los. O azul deles é inacreditável e lindo. Pegue um pedaço de papel, pegue sua caneta, e vamos começar. Tenho uma nova folha de papel. Tenho a minha caneta O5. Se você preferir não desenhar seu próprio esboço, apenas sinta-se livre para imprimir o esboço que eu forneci para você na seção de recursos de classe. Você pode facilmente pesquisar bunting índigo do Google se você quiser encontrar sua própria foto de referência e criar seu próprio esboço. Há tantas imagens excelentes para escolher. Vou começar como fiz com o panda vermelho. Vou criar um esboço de lápis rápido, e assim que terminar, vou passar para a minha caneta. Desta vez eu vou começar com os olhos porque às vezes começar com as partes mais escuras é a melhor maneira de aumentar a confiança, e também define a minha escala de valor. Vou deixar um pouco de branco nos olhos só para mostrar o reflexo da luz. Como com a pele, o contorno não será linhas sólidas completas. Mas ao contrário do panda vermelho, textura dos pássaros geralmente muda por todo o corpo, e isso depende do pássaro. Mas a maioria deles tem algumas áreas que são macias e outras que são suaves. Então eu quero ter certeza de que eu permita que o contorno mude junto com as penas do pássaro. Em áreas mais suaves, deixarei linhas pequenas e quase tracejadas que se movem horizontalmente ao redor do corpo e mais tufos eclodidos para áreas que são emplumadas. Vou adicionar algumas linhas implícitas e algumas pequenas marcas eclodidas para mostrar onde as penas estão começando a camada e onde suas penas que nos ajudam a identificar este tipo de pássaro, como penas grandes, penas com marcações especiais, ou coloração diferente. Temos de nos certificar de que estamos a manter as marcas de identificação porque uma ligeira mudança pode mudar toda a identidade do pássaro. Estou usando a direção da linha para mostrar a direção que as penas estão colocando. Além disso, como com nossas criaturas peludas, nem sempre temos um lugar bom ou óbvio para ancorar nossas linhas. Quando possível, e é um pouco mais possível com penas, queremos encontrar essas áreas mais escuras e sair delas. Quando você não tem uma área mais escura ou um contorno para se afastar, lembre-se de manter suas linhas realmente claras e confiar na repetição para esse valor. Também queremos pensar na nossa escala de valor enquanto trabalhamos. Como estamos transformando nosso pássaro de cor para preto e branco, queremos ter certeza de que nosso uso de cor é refletido na mudança de valor. Só porque este pássaro é bastante monocromático, ainda há tons escuros, médios e claros que queremos representar. Como estamos eclodindo, é bom lembrar que não queremos curvar nossas linhas, queremos curvar nossa linha de linhas. Quando eu estou trabalhando na parte escura da cabeça, eu estou usando eclosão para dar, tanto a definição para a forma, mas eu também estou tentando manter a textura na cabeça. Quando eu me movo para o peito do pássaro, há muito mais texturas definidas que são mais fofas, e eu quero mostrar isso com minhas linhas eclodidas. Linhas movendo-se para baixo e o contorno da área é um pouco menos apertado e mais solto na minha eclosão. Tudo isso ajuda a mostrar essa fluffiness. Eu posso me mover tanto da base da asa quanto do exterior para o centro, o que permite que ambas as texturas apareçam, mas também está me dando um lugar para ancorar minhas linhas. Vou enfatizar aquela pequena sombra no fundo desta ala. Às vezes, a maneira como as penas estão se movendo e a forma do corpo estão se movendo não são as mesmas. Por exemplo, esta parte traseira é arredondada, mas as penas na parte de trás estão se movendo diretamente para baixo. Então eu vou adicionar um pouco de eclosão para mostrar a redondeza das costas e a pequena sombra desta asa na parte de trás. Eu também vou adicionar pequenas linhas eclodidas que são um pouco mais ponderadas para mostrar que as penas estão se movendo pelas costas do pássaro. Você pode ver como essas duas texturas podem parecer unificadas quando são usadas juntas. Quando eu chego um pouco mais abaixo para a parte de trás do pássaro, há mais destaques e sombras. Então eu posso fazer um pouco menos controlado linhas eclodidas que mostram algumas das áreas sombreadas, e ele não só define as texturas dessa área, mas também começa a adicionar valor importante. Ao olhar para o pássaro, posso ver que as pontas são mais escuras. Então eu vou me mover das bordas para dentro e adicionar uma pequena sombra onde eles se sobrepõem. Você pode ver que essas camadas estão se unindo. A forma está sendo definida. Estou recebendo meus tons escuros e médios, e o contorno está variando de acordo com a textura real do pássaro. Marcas de identificação estão se juntando também. Viva. Vou trabalhar um pouco mais para adicionar um pouco dos tons médios e texturas para as penas traseiras. Mas caso contrário, este pássaro está pronto para ir. Não se esqueça de adicionar seu trabalho à seção do projeto de classe abaixo. Estou tão animado para ver o seu trabalho de penas, e eu vou vê-lo na próxima lição onde falamos de escalas. 11. Texturas: escamas: As escalas são um componente tão interessante dos criadores. Eles existem em peixes, répteis, todos esses incríveis seres antigos. Elas são estranhas de serem criadas. Então pegue outra folha de papel, pegue sua caneta, prepare-se para compartilhar o que está trabalhando comigo, e vamos mergulhar no peixe da Betta. Esta lição será um pouco diferente porque falaremos sobre dois tipos diferentes de espécies. Ambos têm diferentes tipos de escamas, e vamos nos concentrar no peixe Betta e no camaleão. Vou começar com o peixe Betta, começando, como sempre faço, com um contorno de lápis. Sinta-se livre para procurar sua própria foto de referência ou usar o esboço e fotos de referência que tenho disponíveis para você na seção de recursos da classe. Agora, é hora de uma caneta. Tenho a minha ferramenta 005 Pen. Parte da razão pela qual eu escolhi o peixe betta especificamente é porque ele tem alguma textura bônus que nós começamos a falar sobre em suas barbatanas. Suas barbatanas são muito parecidas com pétalas ou folhas, e então quando falamos sobre essa porção do peixe, estas serão texturas que você também pode traduzir para a maioria dos desenhos botânicos. Uma das principais diferenças ao trabalhar com uma criatura escamosa versus uma peluda ou com penas é que a eclosão e o cruzamento não estão criando textura, eles estão apenas criando valor e definindo formas. Stippling pode ser usado para textura, mas no geral, estamos usando linha implícita para indicar a textura. Quando começamos com os peixes e répteis, geralmente você vai usar principalmente uma linha sólida como um contorno para o corpo. Você não vai usar marcas eclodidas para mostrar qualquer tipo de textura peluda porque você quer ter certeza de que ele parece suave e sólido. Como nossas linhas são tão sólidas e suaves, você quer ter certeza de que suas linhas são intencionais. À medida que vou ao redor do corpo e das barbatanas, vou adicionar algumas ondulações no contorno, e então vou começar com as escamas do corpo. Não quero desenhar cada escala. Vou usar a linha básica de definição de escala que, neste caso, é uma meia-lua, e adicionar pequenas referências a ela em todo o corpo. Isso já está começando a comunicar uma mudança na textura das barbatanas para o corpo. Uma vez que eu os tenha no lugar, eu vou começar a adicionar eclosão para mostrar o arredondamento e as dobras no corpo. Vou começar com as áreas mais escuras. Eu vou usar a direção da linha para ajudar que eu sei para que lado a sombra está se movendo, e eu vou camada com repetição, não pressão, para criar meus valores escuros. Vou usar alguns comprimentos de linha para garantir que a transição de valor seja suave. Nas barbatanas, você vai querer se mover do corpo ou das dobras para baixo usando eclosão mais do que cruzamento para mostrar como a barbatana está ondulando e como a luz e as sombras estão se movendo através dela. Use o comprimento da linha e permita que a linha de linhas eclodidas mostre o fluxo movendo-as com as curvas das sombras e as ondulações nas barbatanas. Usar uma variedade de comprimento de linha realmente ajuda, especialmente nas bordas da barbatana, a mostrar como esse efeito de ondulação está acontecendo. Agora vamos falar sobre o camaleão e seu tipo diferente de escala. Eu já completei meus esboços de lápis ásperos, então eu vou mergulhar direito na caneta. Agora, porque esta é uma criatura muito turbulenta, eu quero refletir isso no esboço. Eu não vou usar eclosão, como eu fiz com peles ou penas, mas eu vou permitir que minha caneta para ondular sobre o contorno para os solavancos e picos, deixando minhas linhas claras, mas ainda comunicando o fato de que há uma textura em todo o exterior e não é completamente suave. Agora, enquanto trabalhamos na balança do interior, vamos estar olhando para o tamanho. As escalas não são consistentes geralmente e elas mudam de tamanho e de definição, então as mais proeminentes, eu vou adicionar contornos mais completos, e para os menos explícitos, eu vou adicionar uma pequena linha rabiscada para mostrar o escamas leves que estão em torno de lugares como a boca aqui ou parte do cume do nariz. Há um cume da frente da boca sobre o olho que eu posso usar meio círculos para mostrar essa mudança na escala, e quando eles são realmente pequenos, pontando é uma ótima técnica para usar para mostrar esta textura. Com balanças, você não usa incubação e cruzamento para criar textura como fizemos com o peixe betta, mas você pode usá-las em conjunto para mostrar a forma. Então eu vou usar a eclosão novamente para mostrar sombra e para mostrar onde o corpo é mais arredondado e para enfatizar a textura da escala às vezes, se eles são grandes o suficiente para deixar uma sombra. Você também pode usá-lo para mostrar algumas das listras ou as mudanças de cor, e sempre que estamos desenhando, queremos encontrar bons lugares para ancorar nossas linhas. Então encontrar sombras, fazer marcas de luz, e usar repetição para criar valor, é uma ótima maneira de começar. Como sempre, estamos procurando garantir que nossa escala de valor mude do escuro para a luz e que fazemos bom uso de nossos tons médios, mas também que não sombreamos muito ao ponto em que a textura, neste caso as escalas, não são mais visíveis. Além disso, você pode ver que eu estraguei tudo na cauda? Espero que isso ajude você a se preocupar menos com bagunçar tudo. Todos nós fazemos isso. Às vezes, só temos que rolar com ele e fazer o nosso melhor a partir daí. Nosso pequeno camaleão está começando a se unir. Compartilhe sua betta e camaleão conosco na seção de projetos da classe. Mal posso esperar para ver o que você criou. Em seguida, vamos começar a trabalhar em nosso projeto de classe e vamos passar sobre como desenhar contornos proporcionais. Eu não posso esperar. Vejo você na próxima lição. 12. Criação de contornos proporcionais: Aprendemos tanto até agora. Falamos sobre eclosão, eclosão cruzada, pontippling. Passamos por todas essas texturas diferentes, peles, agora há escamas. Agora vamos falar sobre como criar um esboço proporcional e começar oficialmente seu projeto de aula, o qual estou tão animado. O que vamos fazer nesta lição é descobrir como ter certeza de que quando você desenha algo que você está olhando, que você não está tendo uma cabeça que é muito grande para o corpo ou um corpo que é muito grande para o Cabeça. Para manter tudo proporcional, certifique-se de que se você está fazendo referência a algo, é preciso para o que você está se referindo, e eu mal posso esperar para ver o que você cria. Vamos para ele. Finalmente é hora de começar o desenho oficial de sua espécie escolhida para o seu projeto de classe. Eu vou criar uma arara azul e amarela, e eu vou ter guias para essa espécie específica na seção de recursos de classe. O ponto principal desta lição é menos criar uma arara, mas aprender a colocar tudo o que aprendemos em prática para um começo completo ao final do desenho. Nosso primeiro passo é criar um esboço proporcional. Você precisará de papel, lápis, uma régua e uma caneta. Há duas maneiras de abordar a criação de contornos proporcionais: a primeira é a construção de formas e a segunda é o desenho à mão livre. Em ambos os casos, você vai querer verificar seu trabalho no final. Vamos começar com a construção da forma. construção de formas é o processo de quebrar nossa imagem em suas formas mais simples e lentamente adicionando nuance e complexidade à medida que avançamos. Faz algo que inicialmente pode parecer muito esmagador, muito mais simples de digerir. Quando olho para esta bela arara, começarei com um círculo para uma cabeça, triângulo para o bico, retângulo para o pescoço, oval para o corpo, e duas ovais para as duas asas. Uma vez que eu os tenha no lugar, eu vou começar lentamente a rever essas formas e solidificar o contorno ao seu redor, adicionando alguns dos detalhes que eu percebo enquanto eu vou. Você pode continuar a dividir formas ainda mais se quiser adicionando formas menores e menores nas formas grandes. Mas eu descobri que apenas adicionar essas grandes formas para começar é realmente útil e leva você onde você precisa estar. Como estou refinando este esboço, estou prestando muita atenção às minhas fotos de referência. Eu estou observando o arco do bico, o tipo de cabeça arredondada, se é uma curva plana ou curva alta, etc Eu vou começar a adicionar alguns desses outros elementos como o olho e algumas das variações de penas. Você pode ver que eu adicionei todos os principais elementos a este lindo pássaro, e eu vou adicioná-lo onde eu noto discrepâncias como a altura desta asa. Isso não será perfeito imediatamente, mas é por isso que estamos construindo esta base a lápis. Freehand está desenhando o que você vê como você vê. Você se move lentamente ao redor do contorno e você tenta capturar toda a complexidade de uma só vez. Nenhum desses métodos é melhor do que o outro, ambos alcançarão resultados impressionantes. Então, apoie-se na que se sente mais útil para você. Pessoalmente, eu costumo usar à mão livre. É o que eu estou mais confortável e acostumado, e treinei meu olho e minha mão para trabalhar em conjunto, prestando atenção enquanto eu vou, para ver onde o bico está alinhado com outras partes do pássaro, e onde o olho está alinhado, etc Você pode ver que eu não estou pressionando muito com meu lápis, eu quero ter certeza de que eu posso apagá-lo quando eu terminar, mas eu estou sendo muito intencional com minhas linhas, e eu estou tentando notar a largura, comprimento, geral formas, tudo o que estou desenhando à medida que vou. Você pode ver meus dois pássaros ao lado do outro. Ambos parecem bastante parecidos. Mas vamos verificar o nosso trabalho para ver se eles realmente acabaram. Ao verificar o nosso trabalho, procuro coisas que se alinham para me ajudar a saber que fiz as coisas proporcionais. Por exemplo, posso ver que a parte superior deste ombro direito está logo acima do pé direito. Usaremos a minha régua para ver se estão alinhados no meu desenho, e se não estiverem, posso fazer uma marca para mostrar onde o pé deve estar. Posso ver que a ponta deste bico precisa atingir a parte inferior do pescoço. Em um desenho, eu tenho muito curto, e no outro, eu preciso alongá-lo. Você pode fazer tantos alinhamentos quanto precisar para garantir que seu desenho seja proporcional e bem alinhado. Como eu mencionei ao longo desta classe, queremos ter certeza de que as características de identificação são feitas corretamente, e às vezes isso inclui comprimento do bico, largura da cabeça, comprimento da asa, etc Sabendo como obter esses desenhos para proporcional pode ser realmente útil e importante. Se você decidiu fazer a arara, eu tenho um alinhamento de grade simples, cheio de pontos de ancoragem na seção de recursos da classe para você olhar. Se você decidiu usar uma espécie diferente, essas dicas ainda se aplicam. Obtenha uma régua, encontre as áreas onde as características alinham na sua imagem e aplique-as ao seu desenho. Por favor, publique esses contornos na seção do projeto da classe. Deixe-nos saber se você usou construção de forma ou à mão livre, e eu vou vê-lo na próxima lição onde começamos a adicionar nossas texturas. 13. Adicionando textura: Nós criamos nossos contornos. Estamos até a etapa final de nossa parte oficial do projeto da classe. Vamos começar a adicionar textura à nossa espécie. Mal posso esperar para ver o que você faz. Vamos mergulhar. Está na hora, vamos finalmente adicionar textura ao seu projeto de classe. Isto é tão excitante. Você vai precisar do seu contorno, uma borracha, sua caneta, preferencialmente aquele mícron 005, e sua foto de referência. Se você tem algumas canetas micron mais dotado, este é um ótimo momento para obter aqueles fora e pronto também. Como em todas as nossas lições de textura, vamos começar com o esboço. Vou pegar minha caneta micron 005. Vou começar com o ombro esquerdo onde encontra a asa e vou começar a fazer algumas linhas ligeiramente tracejadas ao redor da cabeça. A cabeça está cheia dessas penas planas. Então eu estou usando linhas que estão quebrando intermitentemente para mostrar a textura da cabeça e linhas sólidas para mostrar a qualidade forte e suave do bico grande. Enquanto faço meu caminho ao redor, eu estou mantendo minhas linhas suaves, observando textura, e eu estou lentamente começando a obter o contorno completo desenhado. Estou usando o peso da linha, variando como uso minhas canetas para que certas áreas pareçam mais ousadas e outras mais delicadas dependendo da definição no valor. Essas linhas que estou colocando são todas linhas de contorno, então lembre-se, elas podem se curvar se precisarem. À medida que adiciono referências aos tufos de penas em todo o corpo, não estou apenas referindo textura, mas também estou criando áreas onde posso incorrer minhas linhas de caneta quando começo a eclodir e cruzar também. Vou adicionar algumas texturas na cabeça, aquelas listras de zebra. Aqui está o contorno finalizado da caneta. Posso apagar meu lápis agora se quiser, mas estou pronto para adicionar mais textura e valor usando hachching e crosshatching. Para a Fase 2, vamos. Estamos nos movendo para nossas partes mais escuras agora. Vou começar com o bico, porque o meu bico é a minha parte mais escura. Tal como acontece com outras áreas escuras, queremos manter as nossas áreas mais escuras dinâmicas. Vou usar eclosão cruzada, movendo-se dos contornos para o centro para criar a mudança de valor. Observe os destaques, observe a mudança de valor nessas áreas. A direção da linha vai ser realmente útil para ajudar a manter a aparência arredondada no bico e para mantê-lo com aparência suave. Eu vou usar apenas eclosão movendo-se para baixo para criar a sombra do pescoço e eu também vou me mover através das listras ao longo do rosto, movendo-se do topo da faixa para baixo e eu nunca vou curvar essas linhas. Mudei o ângulo da linha para seguir a curva da faixa. Tenho muito trabalho a fazer para deixar o bico tão escuro quanto eu queria, mas vou voltar a isso durante todo o processo e continuar aprofundando esse tom escuro. Eu vou passar para os pais inferiores, pegar a sombra sob as asas e depois adicionar textura e penas acima dela usando essa sombra como meu ponto de âncora para linhas eclodidas se movendo para cima. Uma vez que eu tenho que a sombra sob a asa começou, eu vou me mover para as outras penas em camadas na asa, movendo-se para baixo em uma fileira que oscila como um meio círculo, delineando as penas em camadas enquanto eu vou. Então, do lado esquerdo, eu vou me mover da área onde o azul e o amarelo se encontram, movendo-se usando essa mudança de cor como meu ponto de ancoragem. Parece que a fonte de luz está vindo de um ângulo à esquerda. Então, estou tentando manter isso verdadeiro da maneira que posso, especialmente quando estou adicionando minhas sombras. Inicialmente, eu estou apenas estabelecendo algumas bases de sombreamento, então eu vou continuar a refinar as sombras enquanto eu continuar. Vou passar para a parte amarela geral do corpo daqui, usando a direção da linha para mostrar como as penas se deitam e como as sombras caem. Certifique-se de que os seus realces e sombras são fiéis à imagem real e não apenas assumidos. Vou usar as linhas de penas referenciadas para mostrar os tufos com fileiras de pequenas linhas eclodidas mostrando sua forma nesses círculos e eu estou mantendo-os como referência. Está tudo a começar a juntar-se. Podemos ver toda a textura e as camadas de base para os meus tons são colocados. É hora de construir sobre isso e torná-los mais definidos. Eu vou adicionar um pouco stippling na parte branca da cabeça que atende o bico porque há uma textura semelhante na foto e eu estou trabalhando na parte colorida da cabeça. Eu quero mover de baixo para cima e também adicionar pequenas linhas movendo-se de onde ele encontra o amarelo. fim de mostrar a forma da cabeça é arredondada, eu vou continuar esse padrão nas partes onde é verde também. A cabeça é marcada com coloração azul, verde contra este amarelo e é um bom momento para realmente pensar através cores traduzidas em preto e branco porque isso exigirá o uso pensativo de metons. O mesmo acontece onde azuis e amarelos se encontram na asa. Você quer ter certeza de que o azul permanece dinâmico porque ele tem realces e sombras que ele traduz em uma cor diferente do amarelo, e o mesmo vai do amarelo, especialmente quando você colocá-lo contra o branco. Falamos muito sobre repetição e não pressão. Mas eu quero acrescentar uma nota a isso; você nunca quer adicionar mais pressão, mas você pode aliviar a pressão, permitindo que as linhas apenas toquem a superfície porque sua ponta está apenas apenas tocando o papel. Esta é uma ótima maneira de adicionar tom para os amarelos e o corpo sem fazer parecer escuro. Outra ótima maneira de obter esse tom é usando mícrons desgastados que têm tinta naturalmente mais leve porque eles são apenas mais velhos e sua ponta está quase desaparecida. Eles também são ótimos qt misturando e suavizando áreas e você pode ver como isso está funcionando bem nessas áreas sombreadas. Quando eu olho para a parte onde o amarelo e o branco se encontram, você quer ir em ambas as direções para mostrar que as cores estão se reunindo e suas são penas sobrepostas lá. Novamente, você não quer que o amarelo fique muito escuro, mas você quer mostrar que há uma mudança de cor. Eu estou apenas continuando a encontrar lugares para ancorar minhas linhas para que você possa seguir as penas que se deitam em cima uma da outra usando sombras da camada de penas como meu ponto de partida. Está começando a parecer arredondado. Estamos começando a ver essas sombras entrarem em jogo e essas cores estão começando a variar. Este processo vai exigir muita repetição e tempo, mas você tem isso. Vou continuar a rever cada secção do corpo, escurecendo a minha sombra, adicionando textura aos meus tons médios e aqui está. Temos as texturas, os valores, as cores variadas traduzidas em vários tons. Nosso contraste é bom. Nós fizemos isso. Publique seus projetos na seção de projetos de classe. Eu quero vê-los e eu quero comemorar com você. seguir, temos algumas seções bônus e a primeira é que vamos olhar para como o desenho de caneta usando caneta de arquivo funciona com outras mídias, especificamente marcador e aquarela. Vejo-te na próxima lição. 14. Adição de outros meios: Estou muito entusiasmado com esta lição porque podemos pegar este desenho incrível que fizemos, e podemos adicionar um pouco de brincadeira a ela. Vamos falar sobre aquarela e marcador, e como eles funcionam com os desenhos de caneta que acabamos de criar. Vou mostrar-vos como uma caneta pode ser tão eficaz com ambos os meios. Mal posso esperar para ver o que você cria. Por favor, documente seu processo, sua brincadeira. Se você não quiser usar o desenho no qual você trabalhou tanto, use as escalas de valor com as quais você tem praticado, círculos e essas escalas de valor para jogar e praticar. Isso não tem que danificar sua peça, você pode jogar e aprender sobre estes com coisas que você tem menos e caro ao seu coração. Mal posso esperar para ver o que você faz. Vamos jogar. O que você vai precisar para esta lição são algumas aquarelas, papel que pode lidar com aquarela, que significa apenas papel mais grosso, e quaisquer marcadores que você tem por aí. Você também pode usar uma de suas escalas de valor ou desenhos de textura de pele. Você não precisa usar a ilustração do projeto de classe que você acabou de gastar tanto tempo trabalhando. Vou usar um papel Legion Stonehenge, que é ótimo para uma variedade de médiuns. Vamos começar com aquarela, e eu vou mostrar como aquarelas se sentam com este trabalho de caneta arquivística. Vou começar com alguns amarelos, e ficar nas cores quentes. Eu vou carregar meu pincel com cor, e então eu vou aplicá-lo a partir das bordas desta esfera, as partes mais escuras, e eu vou movê-lo para a área destacada. Observe como a caneta não sangra. É porque eu usei uma caneta de arquivo, que novamente, é à prova de desbotamento e à prova d'água. Torna-se um pouco mais sutil porque agora está sob uma camada de cor, que é um efeito que eu realmente amo. Ele mantém seu caráter , molda bem com este meio. Estes dois são apenas um excelente emparelhamento. Se você usou uma caneta esferográfica, veja se ela funciona, veja como ela interage com a água, documente e compartilhe com a classe. Há tantos cursos de aquarela Skillshare incríveis, e eu tenho um monte de meus favoritos ligados na seção de recursos da classe abaixo. Vá conferir se você quiser saber mais sobre esse meio incrível. Em seguida, vamos trabalhar com marcadores. Eu falei muito sobre marcadores no meu outro curso de Skillshare. Eu não vou nos dizer como usar marcadores, eu só quero mostrar como esses dois meios ficam bonitos ao trabalhar juntos, especialmente quando você usa essas técnicas específicas de caneta. Eu vou usar meu desenho camaleão, e eu vou começar com uma das minhas cores mais claras como uma camada base. Assim como com aquarela, vou sair das áreas mais escuras para fora. Assim como com caneta, estou trabalhando em formulários de linha. Não importa se minhas linhas são retas porque não estamos chocando com marcadores. Mas estou me movendo de meus pontos de âncora por todo o corpo. O meu trabalho com caneta vai suavizar com este marcador à base de álcool, mas eles mantêm a forma e não sangram nem estragam a ponta do marcador. Se você usar esses marcadores com lápis ou caneta escorrendo, ele vai arruinar seus marcadores porque suas pontas absorvem grafite e outras tintas canetas, e então eles carregá-lo em um futuro desenhos e outras marcações. Tenha cuidado com o que você mistura seus marcadores. Como uma nota lateral divertida que esses marcadores são recarregáveis, que é uma das minhas partes favoritas sobre esses marcadores, e uma das muitas razões que eu os amo. Eu estou usando minhas áreas eclodidas como um guia enquanto eu me movo para marcadores mais escuros. Vou para frente e para trás entre marcadores mais claros e marcadores mais escuros ajudando-os a misturar-se. Você pode ver como nosso trabalho com caneta é útil, os marcadores não podem capturar essa textura da mesma maneira. Isso permite que a cor do camaleão realmente brilhe e se destaque, mas também deixe as texturas escuras e bonitas que os camaleões têm especificamente, permite que aqueles brilhem também. Quase todo o meu trabalho é construído sobre esta combinação de meios, caneta e marcador. Sou um grande fã. Espero que tenha se divertido tentando novas combinações. Por favor, compartilhe todo o seu trabalho. A seguir, vamos dar uma olhada rápida no mundo digital, e como essas técnicas de caneta se traduzem. Tchau. Vejo-te na próxima lição. 15. Caneta digital: Nós estamos aqui. Estamos basicamente na linha de chegada. Vamos falar sobre todas as coisas que aprendemos até agora e traduzi-las em uma esfera digital. Estou muito animado para compartilhar essa informação com você. Espero que você tenha acesso ao iPad ou a algum tipo de Surface onde você possa usar o Procreate ou o Adobe Fresco. Vamos percorrer o universo do desenho de caneta digital para que você possa fazer isso em seu próprio mundo com seu trabalho e compartilhá-lo de uma maneira totalmente nova. Estou muito entusiasmada. Vamos mergulhar. Estou tão animado para dar uma olhada rápida no mundo da caneta digital. Vou usar o Adobe Fresco, mas quase tudo isso se aplica ao Procreate, ou a todas as outras plataformas de desenho, se você preferir outro tipo. Eu tenho uma aula de Skillshare que se aprofunda no Adobe Fresco, então eu não vou entrar em todas as ferramentas ou como essa plataforma funciona. Eu só vou te mostrar o que é possível. Há também muitos outros cursos de Skillshare sobre Fresco e Procreate, e eu recomendo verificar cada um deles. Vou começar com pincéis de pixels, e vou usar minha caneta Blake, que é uma caneta padrão no Adobe Fresco. Usando meu Apple Pencil, vou adicionar uma nova camada e tentar eclodir e cruzar a eclosão. Você já pode ver que isso está começando a se parecer muito com nossa caneta no papel. A única diferença é que este pincel em particular está deixando sua marca mais leve quando eu toco meu lápis pela primeira vez na superfície, e ele fica mais escuro à medida que eu subo, o que é o oposto do que acontece quando realmente trabalhamos com caneta e papel. Isso significa apenas que precisamos ajustar a forma como fazemos nossas linhas eclodidas. Mas os princípios continuam os mesmos. Cada pincel que você tentar vai ser um pouco diferente, e você pode usar pressão e não fazer uma caneta explodir. Mas, a fim de obter a textura certa, você ainda vai querer continuar usando repetição. Você pode alterar os tamanhos do pincel, você pode alterar os tipos de pincel, as pontas do pincel. Você tem uma ampla gama de opções personalizáveis, mas isso também nos dá a capacidade de usar o que acabamos de praticar ao longo toda a classe, a fim de criar digitalmente de maneiras que você pode facilmente colaborar. Você pode traduzi-lo para o produto. Você pode facilmente compartilhar seu trabalho. Há tantas portas que se abrem com o reino digital do desenho. Vejamos os pincéis vetoriais. Estes podem ser dimensionados infinitamente, e são os meus favoritos para realmente fazer cruzamento digital e eclosão. Eles não ficam mais escuros com pressão, eles só ficam mais largos, mas a cor da tinta permanece sempre preta. Como os pincéis vetoriais podem ser dimensionados infinitamente, eles também me permitem criar uma quantidade louca de detalhes que não se perdem em nenhuma escala. Você pode ver como isso já está começando a se parecer muito com o trabalho de caneta que estávamos fazendo no início deste curso. Há vários tipos de pincéis vetoriais que têm dicas diferentes, que torna mais bom conhecer os tipos de caneta ou pincéis que você deseja usar para seu projeto, especificamente. Por causa da estratificação, há tantas outras coisas para explorar. Coisas que você pode combinar com suas técnicas de caneta, incluindo camadas de cores com algo como aquarela, um marcador, pastéis ou tintas a óleo. Você pode criar um número infinito de misturas. Há tanto para explorar. Aprender a traduzir todo o trabalho que eu estava fazendo manualmente para o mundo digital tem sido uma ferramenta incrivelmente poderosa. Abriu tantas portas para a minha carreira. Eu recomendo vivamente olhar para essas plataformas de desenho e ver o que é possível, e o que ele faz para o seu trabalho e sua carreira. Oh, meu Deus, estamos quase terminando. Por favor, compartilhe seus experimentos na seção Projeto de classe abaixo. Mal posso esperar para vê-los. Em seguida, vou compartilhar alguns pensamentos finais. 16. Considerações finais: Você fez isso. Vocês estiveram nesta jornada épica de desenho de canetas comigo, e estou tão grato por terem aproveitado o tempo para percorrer cada uma dessas etapas, aprender a fazer eclosão, eclosão cruzada e pontippling, e todas essas texturas, e proporcionais e, em seguida, como adicionar diferentes mídias e desenho digital naquelas belas peças que você criou. É incrível todas as coisas que você absorveu nesta aula. Estou tão animada para ver o que você fez. Estou tão animado para comemorar com você, e espero que mais do que qualquer coisa, que você tenha se divertido, mas dois, que você tenha ficado surpreso com o que saiu de suas próprias mãos naquele papel, e que você está sentindo animado e encorajado pelo que isso significa é possível no futuro. Revise esta aula. Por favor, publique todo o seu trabalho na seção do projeto da classe. Siga-me no Skillshare. Vamos entrar em contato. Mal posso esperar para ouvir mais de seus pensamentos e mais de seu trabalho, e estou ansioso para vê-lo em outra aula. 17. BÔNUS: timelapse do Pinguim de Galápagos para o Inktober: Feliz Inktober a todos. Tem sido tão divertido ver todos criarem e compartilharem seu trabalho e comemorar ao longo do caminho. Tem sido uma explosão. Se você está assistindo isso depois que o Inktober já passou, estou tão feliz que você esteja aqui e espero que você goste de trabalhar neste pinguim de Galápagos tanto quanto eu durante esta temporada de desenho bastante especial. Este não é um vídeo instrucional, é apenas um lapso de tempo onde você pode me ver criar um pinguim de Galápagos do início ao fim. Existem planilhas na seção de recursos de classe, use-as se isso for útil para você e espero que você publique na seção de projetos de classe. Adoro celebrar seu trabalho e compartilhá-lo com outras pessoas e dar feedback se você tiver dúvidas, então, por favor, compartilhe. Obrigado por estar nesta jornada comigo. Desenho feliz.