Ilustração de personagens: crie um personagem com Photoshop e aquarela

1. Introdução: O que eu mais amo antes de desenhar personagens é que ele me dá a chance de canalizar todo tipo de emoções diferentes através deles. Meu nome é Yana Bogatch e sou ilustradora e artista de quadrinhos. Na aula de hoje, vou mostrar a vocês como criar uma ilustração de personagens usando uma combinação de mídia digital e tradicional. Especificamente usando o Photoshop, tinta e aquarela. Estou muito animado para compartilhar meu processo com você porque passei muitos anos aperfeiçoando-o. Eu acho que iniciar o processo digitalmente, e esboçar no Photoshop cria uma base realmente sólida. Usar mídia tradicional, por outro lado, requer muito compromisso instantâneo, onde é realmente difícil consertar algo. Então você tem que desenvolver uma habilidade para aprender a trabalhar com os erros que você comete, e às vezes esses pequenos erros são o que torna o desenho muito mais espontâneo e divertido de olhar. Na aula de hoje, vou compartilhar todo o meu processo com vocês começando com o primeiro passo de fazer esboços de aquecimento e terminar com digitalização para desenhar e fazer retoques finais no Photoshop. Então vou imprimi-lo e usar uma caixa de luz para transferir o esboço em papel aquarela. O próximo passo é pintar o desenho, e o último passo é colocar em cores com aquarelas. Há algo realmente satisfatório em segurar uma obra de arte acabada em suas mãos e ser capaz de olhar para ela de diferentes ângulos, e eu espero que você possa seguir esse processo para que você possa experimentar isso também. Por favor, publique suas obras de arte na galeria do projeto, porque eu adoraria ver o que você inventou. Estou super entusiasmada por teres decidido juntar-te à minha turma. Vamos começar. 2. Processo e materiais: Então, nesta aula, vou ensiná-los a desenhar um personagem usando Photoshop, tinta e cor da água. Eu costumo começar com pelo menos 30 minutos de esboços de aquecimento porque eu acho que minhas mãos são bastante rígidas e isso ajuda a afrouxar e realmente acelera o processo de esboço à medida que eu vou mais longe. Então, geralmente vale a pena tomar um tempo para fazer isso primeiro. Uma vez que eu termino de aquecer, eu geralmente tenho uma boa idéia do tipo de ilustração que eu quero criar na minha cabeça, mas eu ainda não fiz nenhum esboço. Então eu vou fazer um pouco de miniaturas para obter a composição para baixo e eu costumo torná-los muito pequenos o que torna o processo muito mais rápido e eu posso passar por um monte de opções e escolher o que eu mais gosto. Depois de escolher um esboço em miniatura com o qual estou feliz, tiro uma foto rápida e envio para mim mesmo para poder abri-lo no Photoshop. Eu arrasto a foto para um arquivo do Photoshop que geralmente é um tamanho de papel normal, então oito e meio por 11. Vou explodi-lo para que ele ocupe toda a página e faça outra camada para que eu possa fazer uma versão mais finalizada do esboço. Na próxima etapa, dependendo de quão clara é a miniatura, eu geralmente vou fazer um esboço muito leve que mostra uma essência de onde tudo estará para que eu possa fazer outra camada para fazer uma versão mais limpa do personagem espero, o Final. Às vezes você tem que fazer uma camada adicional apenas para ter certeza de que tudo é o mais claro possível. Assim que o esboço do Photoshop estiver pronto para uso, imprimo-o e uso uma caixa de luz para transferi-lo para papel aquarela. Normalmente tenho uma ideia do esquema de cores que usarei. Então, dependendo disso, eu vou usar um lápis colorido para criar um esboço realmente leve no papel aquarela. Uma vez feito isso, vou direto para as tintas. Minha abordagem típica quando se trata de criar ilustração digital seria chamada de sombreamento cel. Então eu vou começar com a arte de linha e, em seguida, criar outras camadas à medida que eu avançar. Então isso também é algo que eu transferi para o meu processo de pintura tradicional. Então eu também vou começar com a arte da linha usando tinta e eu também vou colocar sombras e de forma semelhante a criar outra camada em cima disso e configurá-lo para multiplicar para estabelecer cores planas, eu vou apenas usar aquarelas para fazer a mesma coisa e alcançar um efeito semelhante. Para o último passo, vou apenas trabalhar nos pequenos toques finais usando guache branco para um pouco de destaques ou lápis de cor para amarrar a imagem juntos. Então estas são algumas das minhas ferramentas básicas e eu uso esses lápis de cor para transferir o esboço. Eu costumo usar essa caneta esferográfica que recebi de Muji para esboçar. Por alguma razão, não uso um lápis de verdade para esboçar há muito tempo. Eu gosto muito de usar esta caneta porque é muito suave e é relativamente fina para que eu possa obter linhas muito precisas com ela. Também tenho algumas canetas de tinta micron aqui. Eu costumo usar uma ponta para pintar, mas às vezes para detalhes muito finos, eu vou usar estes. Então eu também tenho esta borracha de precisão que ajuda se eu estou trabalhando com um desenho relativamente pequeno que tem um monte de detalhes nele. Então esta é a minha tinta que eu uso, é Ph Doctor Martin e há dois tipos diferentes que eu tenho. Há um tapete e uma versão brilhante. Eu costumo ir com tapete quando eu adicionar aquarelas mais tarde para que ele não distrair com o brilho. Também uso tinta preta Winsor e Newton. Mas eu tenho usado muito este ultimamente e eu gosto dele. Estas são as tintas coloridas que eu gosto de usar, eles também são Winsor e Newton. O que eu realmente gosto neles é que eles são realmente brilhantes e vívidos e eles são realmente um pouco como aquarela. Mas a melhor coisa sobre eles é que eles não são revividos com água depois que eles estão secos. Então é por isso que eu uso estes em vez de aquarela para misturar com a minha tinta preta. Às vezes, quando eu quero dar uma ilustração como um toque extra pouco, Eu também vou misturar em qualquer tinta prata Winsor e Newton ou esta tinta Mica ouro Kuretake. Estes são os pincéis que são usados. Não sou muito exigente quando se trata de pincéis. Eu costumo ter escovas de aquarela regulares disponíveis em qualquer loja de arte. Estes dois tamanhos são o meu go-to, então eles são um tamanho quatro e dois. Eu gosto de ter o pincel menor para um trabalho detalhado. Este pincel de tamanho médio é um que eu uso mais comumente e eu também gosto de ter um ligeiramente maior para preencher áreas maiores com aquarela ou tinta e eu uso esses pincéis para tinta e aquarela intercambiavelmente. Para a maioria do trabalho de tinta, eu uso uma ponta de marca deleter, é o genoma. Eu acho que é muito popular entre os artistas de quadrinhos no Japão, mas é uma linha muito agradável e fina e geralmente tem alguns desses apenas por precaução. Este é o meu conjunto de aquarela favorito. Aí está a aquarela transparente e sincronizada do Dr. Martin. Eu realmente gosto desses porque eles são muito brilhantes e eles se misturam muito bem. Então eu posso obter uma ampla gama de cores e também líquido para que eu possa ser muito preciso com a quantidade de cor que eu coloquei no meu paladar. Então, além das aquarelas do Dr. Martin, também gosto de usar as normais. Eu acredito que estes são pentel e eles vieram em pequenos tubos espremidos. Então eu coloquei todos no paladar para que eles sejam fáceis de chegar. Às vezes eu gosto de usar isso porque eles dão um pouco de efeito diferente e quando eles secam, eles não reviver tão facilmente como os do Dr. Martin. Então eles são um pouco mais fáceis de usar nesse sentido, mas a cor não é tão brilhante. Esta é a almofada de papel aquarela que eu uso mais comumente. Eu não sou muito exigente sobre o tipo de papel que são usados. Às vezes eu também vou usar papel Bristol se eu não quiser textura, mas ultimamente eu tenho usado papel aquarela a maior parte do tempo. Minha maior preocupação geralmente é ter certeza de que o papel não é muito grosso para que eu possa usá-lo na caixa de luz para transferir o esboço. Este é o meu caderno de esboços favorito atual para usar. Eu tenho usado estes há alguns anos de forma consistente e o que eu gosto muito sobre ele é que ele é muito fino, por isso é facilmente portátil e eu posso trazê-lo onde eu quiser. Além disso, quando eu abro, ele permanece relativamente plano e não há muito alto de uma borda para que eu possa desenhar todo o caminho até as bordas do papel. Então esta é a caixa de luz que eu uso, artograph é a marca e eu realmente gosto muito dela porque eu tenho usado por alguns anos e nunca tive nenhum problema com isso em tudo. Eu gosto de como o brilho é relativamente alto. Então eu posso usar um papel muito grosso, mas também não é tão brilhante que dói meus olhos quando eu trabalho nele não quando eu usá-lo por um longo período de tempo. Para a parte digital da ilustração, eu uso Photoshop e um 22 HD Cintiq, mas você pode usar qualquer tablet que você tem e nem precisa ser Photoshop. Portanto, qualquer programa digital com o qual você se sinta confortável funcionará perfeitamente para esboçar. 3. Esboços de aquecimento: A razão pela qual eu realmente gosto de começar o processo com alguns esboços quentes, é porque eu acho que minhas mãos são geralmente muito rígidas. Isso é algo que eu nem necessariamente percebo. Passei tantos anos desenhando e na maior parte do tempo eu estava muito impaciente, então eu me sentava e ia direto para o trabalho, mas eu descobri que fazendo aquecimento e gastando pelo menos 30 minutos e até uma hora e talvez até mais às vezes, realmente ajuda a acelerar o processo mais tarde. Ajuda muito na precisão e geralmente torna muito mais fácil de desenhar. Isso é algo que eu definitivamente tive que aprender da maneira mais difícil, e é realmente fácil de esquecer. Mas eu recomendaria sempre começar com aquecimento, porque definitivamente vale a pena. Quando o warm-up sketching, eu não gosto de colocar muito tempo em qualquer pose única porque o objetivo é apenas usar sua mão muito, para aquecer. Então, talvez faça alguns minutos em casamento, talvez até cinco no máximo, mas geralmente é em torno de dois ou três minutos. Normalmente gosto de trabalhar a partir de imagens de referência para os esboços de aquecimento. Normalmente gosto de usar poses dinâmicas, vários tipos de ações porque são muito mais fáceis de capturar e ver. Eu realmente gosto de usar o Pinterest e realmente usá-lo para muitos outros aspectos do meu trabalho, não apenas esboços de aquecimento. Pinterest também é muito útil quando você está começando um projeto. Eu geralmente gosto de criar uma pasta cheia de inspiração que eu sempre posso ir e olhar, que vai ajudar a fazer fluir os sucos criativos. Então, ao fazer esboços de aquecimento, gosto de começar por encontrar a caixa torácica, seguida da pélvis e é como uma forma básica de travesseiro. A partir daí, estabelecer uma linha de ação é muito bom. Assim, dá-lhe uma boa noção do movimento dentro da pose. É muito importante colocar os pés. Então eu gosto de fazer isso cedo sem entrar em detalhes. Depois, a cabeça. Eu geralmente tento conectá-lo ao tronco o mais rápido possível para que a colocação seja relativamente precisa. Então, eu vou descobrir mais ou menos para onde as mãos vão. Assim como. Talvez indique um gesto rápido do que a pose das mãos. Sim. Então, depois do básico só está pronto para ir. Vou preencher um pouco dos detalhes. Normalmente, neste processo, eu vou descobrir que, talvez eu perdi a marca em determinado lugar especialmente quando eu apenas começar a aquecer, então eu vou fazer ajustes como eu ir. O ponto aqui é não obter nenhum desenho agradável ou algo assim, é apenas para colocar a mão em movimento e para capturar a pose. Se não for ótimo, há sempre o próximo. Vá em frente e faça seus próprios aquecimentos, tente gastar pelo menos 30 minutos. Às vezes você gasta até uma hora, o que é muito bom. Na verdade, quanto mais tempo você gastar nisso, melhor, mais fácil ficará, quando você passar para os próximos passos. Sim, mas não se concentre muito em como os desenhos se parecem. O objetivo é apenas se aquecer e soltar as mãos. No próximo passo, vamos começar a planejar a ilustração desenhando pequenas miniaturas para obter a composição básica para baixo. 4. Planejando seu personagem: Então, o próximo passo é escolher Miniatura, a ilustração para baixar a composição básica e descobrir como você deseja que ela se pareça. Eu costumo ter uma idéia áspera do que vou desenhar, então ajuda ter um personagem em mente, é claro , e talvez como algum tipo de ação que você gostaria que eles estivessem fazendo, ou talvez até mesmo um sentimento que você gostaria de passar. Então, com esta ilustração em particular, eu quero desenhar um personagem meu e a coisa em que eu quero focar é a expressão facial dela. Então, geralmente, vou começar com algo assim e ver onde isso me leva. Então, com esse pequeno esboço que desenhei aqui, eu estou colocando para baixo o ângulo do rosto que eu estava pensando e também pensei em talvez tê-la segurando o cabelo assim. Então, é apenas um pouco de uma exploração para que na próxima miniatura, eu possa descobrir como será a pose inteira. Eu realmente gosto de onde isso vai dar, mas eu sinto que eu deveria desenhar mais algumas opções só para ver onde eu posso levá-lo. Eu fiz algumas miniaturas mais pequenas para explorar a idéia que eu estava indo com. Comecei desenhando esta pose aqui. Embora eu tenha gostado, parecia um pouco formal demais e eu não gostava dela, ela estava diretamente de frente para a câmera. Então eu tentei esses dois e eles estavam muito mais perto do que eu tinha em mente, mas neste, seu rosto não era visível o suficiente, então eu decidi tentar uma pose onde ela estava deitada. Mas esta outra vez, eu não gostei muito de composição, mas eu realmente gostei da idéia de usar cogumelos como folhagem ao redor dela e como um pequeno tronco que ela pode estar colocando. Então eu desenhei mais algumas opções e com esta, foi uma boa combinação de seu rosto ser visível o suficiente para que eu possa incorporar a expressão facial que eu gostei no início e eu também poderia usar os cogumelos como folhagem ao redor. Chegando com poses para usar para o meu personagem, eu gosto de evitar qualquer coisa que é muito estático, então eu geralmente não tendem a fazer poses de pé. Para este desenho em particular, eu realmente gosto da idéia de ela segurar o cabelo. Acho que correu bem com a expressão facial dela e deu uma certa sensação ligeiramente nervosa, apesar de ela estar relativamente relaxada na árvore aqui. Então, sim, ter um pouco de uma idéia como essa ajuda muito na criação de uma pose interessante. Então, qualquer ação minúscula como uma personagem segurando seu cabelo é mais do que suficiente para sair, para chegar a uma composição interessante. A que eu pousei foi essa miniatura, então eu vou levar isso para o Photoshop para fazer um esboço finalizado. Eu realmente gosto desta parte do processo porque ele me permite explorar rapidamente minhas opções sem ficar muito envolvido em detalhes. No passado, às vezes, eu tentei esboçar poses muito maiores na página e, infelizmente, isso me fez focar em detalhes e levou muito tempo. Assim, com estes, às vezes quanto menor, melhor. Eu acho e eu não tenho que me preocupar muito em fazer as coisas direito, porque isso é principalmente para obter a essência de como o desenho vai se parecer. A grande coisa sobre levá-lo para o Photoshop é que eu posso ampliar e usar a miniatura como um desenho sob diretamente para o esboço final. Então, neste ponto, uma vez que eles têm miniatura com a qual eu me sinto muito confortável, eu vou tirar uma foto rápida dela e eu vou apenas levar a imagem diretamente para o Photoshop. Então, agora que eu mostrei a vocês meu processo básico, você pode ir em frente e começar a desenhar algumas miniaturas de sua própria e lembrar de se divertir com o personagem e entrar em como é sua personalidade e usar isso como trampolim para idéias para poses. Certifique-se de não ficar muito preso nos pequenos detalhes porque este é apenas o começo. O próximo passo é colocar a imagem em miniatura no Photoshop e fazer um esboço mais limpo. 5. Esboços no Photoshop: Então, o próximo passo no meu processo é trazer o esboço em miniatura para o Photoshop para criar uma versão mais limpa. Eu só vou começar um novo arquivo, e nós vamos com um oito e meio por 11. A razão pela qual eu estou fazendo oito e meio por 11 para que ele possa ser facilmente impresso em uma impressora normal que você pode ter em casa. Então, para o arquivo, você só precisa ter certeza de que ele tem pelo menos 300 dpi em resoluções para que você possa imprimi-lo com boa qualidade. Então eu vou ir em frente e arrastar a foto. Agora, vou redimensionar o esboço, que se encaixe melhor. Neste ponto, você não precisa necessariamente ter o tamanho exato, você sempre pode ajustá-lo mais tarde. Então agora, eu vou diminuir a opacidade para algum lugar em torno de 20%, que você ainda possa vê-lo facilmente. Então eu acabei de criar uma nova camada no topo da miniatura para fazer uma versão mais limpa. Meu pincel favorito para esboçar com no Photoshop é o pincel de basalto áspero do Megapack de Kyle, e eu tenho usado isso por muito tempo. Acho que ajusto um pouco. Então, se você for para as configurações do pincel, eu costumo ter certeza de que a transferência está ativada e criar jitter de capacidade e um jitter de flutuação estão ajustados para a pressão da caneta. Nesta etapa, eu vou começar fazendo um gesto, um gesto áspero, mas muito levemente para que eu possa estabelecer a figura com um grau maior de precisão do que a miniatura. Assim, ele também pode corrigir qualquer anatômica e consistências. Normalmente, nesta etapa, serei muito mais preciso com o ângulo do rosto. Aqui, posso fazer pequenas mudanças à medida que elas surgem. Por exemplo aqui, eu estava planejando desenhar a mão subindo assim, mas agora que eu olho, eu acho que ficaria melhor se eu desenhasse assim. Vou aproximadamente planejar onde alguns recursos irão apenas para ter certeza de que o posicionamento está correto. Então, neste ponto, eu ainda estou apenas tentando obter a essência da pose, mas com mais precisão neste momento. Uma vez que eu ainda estou estabelecendo a pose na primeira passagem do esboço final, eu geralmente vou colocar em uma forma áspera para o cabelo, eu possa descobrir quanto espaço eu queria ocupar e qual será a forma geral. Agora que eu tenho uma primeira passagem contorno áspero da pose do personagem, eu estou pensando que eu poderia querer mudar a forma como as pernas estão posicionadas. Então eu vou voltar e apagar isso e tentar algumas opções diferentes. Esta é uma das melhores coisas sobre esboçar no Photoshop é que é muito rápido para se livrar de algo e tentar algo novo. Neste ponto do processo de esboço, eu não preciso mais ver a miniatura, então eu vou apenas me livrar disso. Então, agora que terminei com o contorno áspero, estabeleci a colocação de todos os membros e a pose. Para que eu possa entrar em detalhes. Depois de completar a primeira passagem do esboço, você sempre pode adicionar outra camada apenas para manter esta no caso de você querer voltar e refazer os detalhes. Às vezes eu vou fazer isso ou em outros momentos quando eu tenho mais certeza sobre onde a competição está indo, eu vou apenas continuar com os detalhes na mesma camada. Também é uma boa idéia começar em uma camada diferente se o esboço ficar muito confuso do que é muito mais fácil limpá-lo mais tarde quando ele está por baixo. Mas como isso é relativamente limpo, eu vou apenas ir em frente e desenhar na mesma camada. Nesta etapa, vou me concentrar mais em certos elementos onde vou colocar mais detalhes e deixar outras coisas para o processo de tinta. Então é um pouco mais orgânico e eu não tenho que gastar muito tempo no esboço. Eu geralmente gosto de começar com o rosto porque ele vai me ajudar a definir o tom para o resto da ilustração e é a parte mais importante da ilustração também. Então, ao esboçar o rosto, eu geralmente tento obtê-lo o mais finalizado possível para que quando eu passar para a tinta, não há nada para resolver e eu possa rastreá-lo um-para-um para que a expressão facial permaneça o mais próximo do esboço possível. O rosto é geralmente o ponto focal e geralmente é a primeira coisa que o espectador vai olhar quando vê a ilustração pela primeira vez. Então, é muito importante acertar. Depois que eu terminar de finalizar o rosto, eu costumo passar para as mãos porque elas são a próxima coisa mais importante. A razão pela qual eu gosto de me concentrar tanto na mão no esboço é porque geralmente, é um sorteio bem morto por falta de conhecimento anatômico. Então eu não gosto de deixar isso ao acaso para pintar também. Então eu gosto de obtê-lo o mais próximo possível da final no esboço que mais tarde eu só tenho que repeti-lo cuidadosamente com tinta. Normalmente, quando eu terminar de finalizar o rosto e as mãos, eu vou apenas zoom para fora novamente e olhar a imagem geral e certificar-se de que ele parece certo para mim, e eu estabelecer algumas formas básicas para a roupa, onde quer que esteja faltando. Como você pode ver aqui, eu já indiquei para onde a saia vai, mas, eu realmente não fiz nada nas áreas do tronco. Então eu vou entrar e fazer isso. Normalmente, nesta fase, eu não vou entrar em muitos detalhes, eu vou apenas estabelecer onde as dobras vão mais ou menos. Algumas das coisas mais importantes para ter certeza que eu tenho para baixo são as formas. Vou me concentrar em como a roupa cai e em que tipo de forma ela cria em torno dos membros apenas para ter certeza de que nada parece estranho, e é tudo dinâmico e nada realmente luta demais. Não costumo fazer um elemento de cada vez. Então eu viajo em torno de toda a ilustração e adiciono linhas aqui e ali como eles entenderem. Então agora, eu vou passar para o cabelo e finalizar isso um pouco mais. Desenhar o cabelo é geralmente o mais divertido de uma ilustração para mim. Eu realmente aprecio o quanto de liberdade e permite e eu geralmente não me importo muito sobre como é suposto parecer na realidade. Então eu vou dividi-lo em fios e formas maiores para que seja mais gerenciável e ajude a organizar a imagem e torná-la mais coerente, e então eu posso voltar e adicionar pequenos fios onde eu sinto que é necessário. Eu também posso fazer isso enquanto tinteiro também. Então eu não gasto muito tempo entrando em pequenos detalhes no processo de esboço. Então, uma vez que eu tenho a maioria dos elementos personagens praticamente trabalhado para fora, eu vou ampliar novamente e decidir quanto detalhe colocar em segundo plano. Então, como eu mencionei o esboço, eu realmente gosto da idéia de colocar alguns cogumelos e folhagem. Então eu indiquei algumas áreas ásperas onde eu gostaria que isso fosse e mais ou menos que forma eu gostaria que ele tomasse. Então, baseado nisso, eu vou desenhar. Esses tipos de coisas são muito rápidos e fáceis de desenhar, então eu não tenho que desenhar cada um deles. Estes são o tipo de detalhes que eu realmente gosto de deixar para a tinta porque é mais espontâneo dessa forma, e geralmente vai acabar parecendo mais interessante. Então eu sinto que este não é um bom lugar, mas eu vou trabalhar nele por um pouco mais apenas para descer as linhas que estão faltando e apertar isso um pouco antes que eu possa passar para o passo final do esboço. Então, neste ponto, o esboço é mais ou menos bom para ir e eu fiquei um pouco entusiasmado com a adição de detalhes. Então isso é um pouco mais detalhado do que eu normalmente iria, mas eu notei que é um pouco difícil dizer o que está acontecendo em torno do rosto e do cabelo. Então eu decidi adicionar um tom plano no cabelo apenas para tornar mais fácil de ver através do papel uma vez que eu transferir o esboço usando a caixa de luz. Então isso é uma coisa muito rápida e simples. Eu costumo ir para os pincéis e escolher algo normal. Então, a partir de pincéis gerais, eu vou com escova redonda dura e certifique-se de que o fluxo é de 100 por cento. Vou verificar as configurações e garantir que a transferência não está ligada. Então é um pincel sólido. Sem se preocupar muito em ficar dentro das linhas, eu vou apenas escolher letra cinza, um meio de dois tons de letra. Embora quando ele imprime, não está muito escuro, então eu ainda posso ver as linhas através dele. Vou colocar o tom em uma camada separada, geralmente embaixo do esboço ou se você vai colocá-lo em cima, certifique-se de que ele está definido para se multiplicar. Porque há tantas linhas no esboço, é um pouco difícil dizer onde o cabelo termina e o vestido começa. Por isso, torna mais fácil e rápido pintar quando há um tom plano ali. Então, nesta etapa, tente se concentrar em realmente atender ao seu próprio nível de habilidade e ver quantos detalhes você deseja entrar. Normalmente, quanto mais detalhado o esboço e quanto mais finalizado for, mais fácil será duas tintas. Para mim, geralmente eu gosto de me concentrar no rosto e nas mãos apenas para ter certeza que essas coisas estão realmente finalizadas, e talvez ser um pouco mais solto com o cabelo ou a roupa só porque eu fiz isso tantas vezes e eu gosto de adicionar um pouco de experimentação. Mas apenas indique seu nível de conforto e certifique-se de que você se sente realmente bem com o esboço antes de passar para a tinta. Neste ponto, eu me sinto muito confortável com o esboço. Então eu vou apenas ir em frente e imprimi-lo, que eu possa usá-lo com a minha caixa de luz. 6. Traçando seu esboço: Então, nesta etapa, estamos prontos para transferir o esboço para o papel aquarela. Então eu tenho o esboço impresso aqui e um pedaço de papel aquarela que é um pouco maior do que o papel da impressora, então será fácil de anexar a. Para enfiar no papel aquarela, vou usar fita washi. Não adere muito ao papel. Para que quando eu tirar mais tarde, não rasgue. Agora, estamos prontos para passar para a transferência do esboço, e ver como adicionar o tom plano realmente ajuda, ver onde o cabelo vai acabar. Então você já pode imaginar o desenho vai se parecer. Eu tenho feito esse processo por algum tempo e no começo, eu costumava ir direto para tintas sem primeiro recriar o esboço com um lápis colorido, mas de experimentá-lo algumas vezes, eu descobri que é realmente muito mais fácil passar algum tempo rastreando o esboço para que eu não tenha que manter a caixa de luz ligada o tempo todo, porque desde que a luz vem através, especialmente quando eu quero preencher uma grande área de tinta lavada, então se eu quiser deitar tom plano, às vezes é difícil determinar o que vai parecer porque parece mais leve quando a caixa de luz está ligada. Então, é mais fácil transferir o esboço, que eu possa simplesmente desligá-lo e pintar sem ter a luz brilhar através do papel. Eu gosto de rastrear o esboço usando um lápis vermelho especificamente um prismacolor, para que eu possa apagá-lo facilmente apenas no caso de eu cometer um erro. Ele derrete muito facilmente na tinta uma vez que começamos revê-lo para que eu não tenha que realmente voltar e apagá-lo depois quando eu terminar. Eu gosto de, eu tenho um monte de cores disponíveis, então eu costumo escolher uma cor que irá complementar o resto da paleta de cores que eu estou planejando usar. Costumo imprimir duas cópias do esboço. Então, um que eu costumava colar na parte de trás da folha, mas o outro, eu vou ficar bem ao meu lado para que eu possa olhar para ele para referência, porque às vezes, quando os papéis ficam, você realmente não pode ver os pequenos detalhes. Nesta ilustração particular o rosto é muito pequeno em relação ao resto do papel, então eu não posso realmente vê-lo muito bem com a caixa de luz. Então eu gosto de manter a segunda impressão aqui para referência apenas para que eu possa dar uma olhada rápida e replicá-la no local. Enquanto eu ainda estava trabalhando no sketch no Photoshop eu decidi colocar alguns ramos no cabelo dela. As coisas que eu estou colocando um pouco mais de detalhes nelas. Algo que eu gostaria de salientar é procurar padrões que você procura automaticamente. Por exemplo, para mim eu meio que zona fora e às vezes eu tendem a colocar as coisas em distâncias iguais distantes umas das outras. Então, se você olhar aqui há um galho bem ali e aqui e ali e parece que a distância entre eles é igual, o que parece meio estranho, e parece um pouco ordenado demais. Então, aqui eu vou apenas omitir este ramo para que ele não esteja lá em tudo e ele vai parecer um pouco mais orgânico dessa forma. Assim, da mesma forma, como no Photoshop, vou omitir os detalhes para aplicá-los para colocar com a tinta. Então, atrasos. Novamente, estou apenas rastreando o esboço básico que não estou entrando nos pequenos detalhes aqui. Embora para este esboço eu quero ser um pouco mais limpo do que o Photoshop. É importante lembrar a mim mesmo que eu quero o esboço seja bem leve para que ele derreta nas tintas facilmente. Então agora estamos prontos para começar a pintar. 7. Pintando seu personagem: A primeira coisa que eu começo é misturar a cor certa. Às vezes leva um pouco de tempo para fazer isso, mas eu gosto de ter certeza que eu acerto. Eu sempre mantenho um pequeno pedaço de papel por perto. Esse é geralmente o mesmo papel em que estou fazendo a ilustração só para que eu possa ver como a tinta interage com ele e para ter certeza que eu tenho o tom certo. Eu geralmente gosto de adicionar um pouco de tinta colorida na tinta preta apenas para adicionar uma tonalidade a ele para que fique mais perto do esquema de cores que eu estou planejando para fazer a ilustração com. Para esta ilustração, vou misturar uma cor marrom quente. Estava pensando em um clima sombrio para um ambiente de florestas nebulosas. Eu vou mantê-lo muito mínimo com cores principalmente aderindo a um casal e eu vou ver talvez eu possa introduzir uma cor extra, mas eu geralmente gosto de manter esquemas de cores muito simples, porque eu não encontrei exatamente a proporção perfeita ainda, mas É sempre bom apenas experimentar. Então agora que eu adicionei um pouco de marrom e vermelho ou como uma cor rosada eu vou testá-lo para fora. Faço um tom mais leve para que as linhas não sejam muito pesadas. Também o uso para sombrear. Eu geralmente gosto de pré-mistura o escuro, o tom mais escuro e um mais leve bem e ter aqueles prontos para ir. Como eu estou tinta se é necessário ter algum tipo de tom médio eu vou apenas misturá-lo no local e seguida, sempre certifique-se de testá-lo antes de eu usá-lo na ilustração. Portanto, o passo de tinta é provavelmente o passo mais desafiador até agora porque erros são muito mais propensos a ocorrer e você não pode realmente voltar para corrigi-lo ou apagar. Mas também o torna muito mais divertido porque às vezes você comete um pequeno erro espontaneamente e eles acabam adicionando à peça e também é uma experiência de aprendizagem muito boa porque aprender a consertar algo que é relativamente permanente na página é uma habilidade muito boa para ter. Então, neste ponto, eu gostaria de adicionar algumas linhas. Eu costumo começar com o rosto porque é a parte mais importante da ilustração porque quase sempre é a primeira coisa que o espectador vai olhar. Para mim, pessoalmente, eu realmente gosto de me concentrar em expressões faciais. Então eu gosto de ter certeza que acertamos primeiro e caso eu cometa algum tipo de erro que eu não possa consertar. Às vezes isso acontece que eu tenho que apenas começar de novo e é por isso que é melhor começar com a parte mais importante na mistura para acertar, porque tudo o resto pode deixar deslizar erro se eles aconteceram mais tarde no processo, mas definitivamente não na cara. Agora eu vou para o fundo e adicionar um tom molhado sobre molhado para criar uma atmosfera agradável e para definir o tom para que eu possa contrastar o cabelo e o vestido contra ele. Então a primeira coisa que eu vou fazer é apenas molhar o papel e então eu só tenho que ter certeza de fazer isso rapidamente para que eu possa voltar rapidamente. Vou procurar mais água onde quer que esteja a começar a secar. Estou fazendo isso para criar um efeito de desvanecimento. Então eu não tenho que molhar o papel em todos os lugares Eu só vou fazê-lo onde eu quero desvanecer o código de tinta. Então agora eu vou adicionar um pouco mais de detalhes mais perto do ponto focal que é o rosto. A razão pela qual eu deixar esses detalhes para o passo de tinta como porque eu sinto que é redundante para fazê-los e outra vez porque é realmente fácil torná-lo open spot que também adiciona um elemento orgânico a ele. Eu nunca sei exatamente que tipo de padrão eu vou usar. Então, é muito divertido deixar isso ao acaso. Mas, novamente, também é porque eu já fiz isso tantas vezes antes. Então você deve definitivamente mostrar o que você está confortável com e se você quiser incluir mais detalhes no processo de esboço que sempre ajuda se você sentir que é difícil tomar uma decisão. Então, nesta fase do processo de tinta eu praticamente estabeleci a maioria das coisas importantes em torno do rosto e eu vou tentar colocar menos detalhes na área circundante como no fundo e outras coisas para que não tira do ponto focal da imagem. Geralmente quando o detalhe é muito uniformemente espalhado cria um pouco de confusão e para mim pessoalmente é um ponto muito grande que eu estou tentando melhorar porque eu sempre tendem a se perder nos detalhes e eu uniformemente espalhá-los em toda a imagem. Estou a tentar esforçar-me para trabalhar nisso. Então eu acho que neste momento eu estou praticamente feito com o estágio de tinta. Estou muito feliz com o que aconteceu. Como você se lembra, ele realmente não entrou na iluminação ou algo assim no esboço. Então gosto de deixar isso ao acaso. Então eu decidi no local, eu não queria ir para nada muito realista. Só queria concentrar-se principalmente no rosto e criar uma atmosfera misteriosa e um pouco de uma sensação fantasmagórica. Então agora estou pronto para adicionar um pouco de cor. 8. Adicionando aquarela: Ao pintar esta peça eu decidi usar um esquema de cores análogo, que significa que eu vou estar usando cores que estão próximas umas das outras na roda de cores. Desde que eu usei um tom marrom quente para pintar, eu vou apenas usar laranja, como um esquema de cores laranja ou acastanhado a vermelho. Se você é alguém como eu que está muito intimidado por usar esquemas de cores complicados, análogo é uma boa escolha porque é quase garantido para olhar bom não importa o quê. Porque as cores estão tão próximas umas das outras. Eles se complementam muito bem. Então, como com a tinta, eu vou começar colocando um pouco de cor na paleta e certificando-se testá-lo primeiro antes de adicioná-lo à ilustração. Então eu estou pensando em usar tons de laranja ou acastanhado mais quentes no fundo bem aqui e deixá-los como estão, e então adicionar talvez um pouco de vermelho no rosto para criar contraste adicional. Em seguida, usando talvez um pouco de um marrom mais brilhante para destacar os ramos que estão no cabelo. Então talvez eu coloque um tom baixo no vestido, mas vamos ver como ele fica com todos os outros elementos primeiro. Gosto de tomar muitas decisões no local. Porque me ajuda a aprender e experimentar. Esta tinta em particular é muito concentrada. Então eu gosto de adicionar muita água. Então aqui estou eu usando a técnica molhada sobre molhada novamente; como com a tinta, mas desta vez aquarela. Eu quero criar um gradiente suave ao redor das bordas, como aqui mesmo, para um efeito interessante e também para manter o tipo de atmosfera nebulosa. Embora neste momento isso seja muito brilhante, então talvez o humor esteja mudando um pouco, mas eu gosto que as palavras se foram. É meio que um processo espontâneo. Agora eu estou apenas misturando uma versão ligeiramente mais brilhante desta cor. Eu estou apenas colorindo nos ramos que eles não lêem como parte do cabelo, tanto quanto fazer agora, e também cria pequenos pops de cor em toda a figura, porque agora ela parece escala muito cinza em comparação com o fundo. Então eu só quero integrá-la no resto da imagem sem colocar muita cor. Acho que vou adicionar um pouco de vermelho. Agora vou adicionar algum direito ao rosto para fortalecer o contraste e chamar mais atenção para o ponto focal. Então eu sinto que agora a ilustração está em um lugar muito bom e eu estou pronto para seguir em frente e adicionar alguns toques finais. Eu geralmente tendem a não excesso de trabalho, porque às vezes eu posso arruinar o desenho adicionando muita cor ou apenas gastar muito tempo no passo. O próximo passo é adicionar alguns toques finais com vários meios mistos. Eu gosto de usar guache para adicionar alguns destaques brancos e talvez algum lápis colorido para amarrar a imagem juntos. 9. Retoques finais: Então agora vou adicionar alguns retoques finais à peça. Primeiro, vou usar guache branco para talvez adicionar alguns destaques e consertar algumas partes. Oh, eu cometi pequenos erros. Então eu adiciono alguns destaques aqui e ali. Eu costumo usar guache branco para ir por cima e consertar algumas das áreas que eu cobri com tinta, apenas para adicionar mais precisão e atrair o olho de volta para o ponto focal. Eu gosto de usar guache porque é opaco, mas eu também posso misturá-lo com água se eu quiser que ele tenha alguma transparência. Bem, eu sei que é bastante comum usar uma caneta de gel branca para este tipo de macio, mas eu acho que um guache apenas me dá mais precisão e uma gama mais ampla de qualidade de linha. Estou aqui para misturar os ombros ao fundo um pouco. Então eu vou apenas adicionar uma linha de mancha para criar uma borda. Eu só vou adicionar um pouco de detalhe ao fundo agora bem só para ver o que acontece. Agora, eu só vou entrar com um pincel mais largo e ver se eu posso reduzir este ponto escuro aqui um pouco. Eu gosto de como misturar o branco e cria um pouco de um tom legal. Então é um bom contraste com o resto do mais, dá-lhe uma sensação mais nebulosa, como eu inicialmente queria. Então eu vou apenas derrubar ou derrubar alguns dos fios de cabelo para criar um pouco mais de profundidade. Agora, eu só vou adicionar um último toque em nós com um lápis vermelho. Estou usando o mesmo lápis que uso para transferir o esboço. O que eu estou fazendo agora é principalmente adicionar alguns ingredientes para fortalecer ainda mais o ponto focal que é o rosto. Acho que é uma boa hora para desistir. É difícil dizer como exatamente eu decido quando é feito, mas eu sinto que se eu colocar um novo mais detalhes então ele vai se sentir sobrecarregado. Só queria deixar algumas peças soltas. Acho que cria um tipo de atmosfera mais interessante. Então, nesta etapa, eu usei guache para adicionar alguns detalhes adicionais e apenas para corrigir quaisquer pequenos erros que eu cometi ao longo do caminho, bem como para chamar a atenção extra para o ponto focal, e então eles usaram um lápis vermelho apenas para amarrar o imagem inteira juntos e adicionar alguns gradientes sutis aqui e ali. Agora, você pode ir em frente e fazer o mesmo com sua ilustração de personagem. 10. Encerramento: Então agora você viu todo o processo começando com o esboço em miniatura e terminando com a ilustração final, e agora você pode finalmente ter a satisfação de segurar uma obra de arte acabada em suas mãos. Então, mesmo que eu tenha feito esse processo muitas, muitas vezes no passado, eu acho que na maioria das vezes a obra de arte acabada parece muito diferente do que eu originalmente pretendia, que é totalmente bom porque eu tendem a fazer um monte de decisões no local e eu apenas rolar com o que quer que aconteça. Então ele cria um nível extra de emoção sobre o desenho em geral, e eu estou realmente feliz com como isso acabou. Depois de terminar o trabalho artístico, gosto de digitalizá-lo e trazê-lo de volta para o Photoshop para que eu possa ajustar ainda mais as cores se precisar, e talvez corrigir alguns pequenos detalhes ampliando. Assim, enquanto você continua a usar esperançoso este processo, espero que você aprenda algo novo a cada vez. Eu realmente aconselharia você a não se concentrar muito em fazer algo perfeito porque mesmo esta peça, embora eu esteja realmente feliz com ele. Ainda há um monte de coisas que eu posso tirar daqui para frente e eu definitivamente faria algumas coisas diferentes da próxima vez. Assim, cada ilustração é uma experiência de aprendizagem. Então, se você está acompanhando minha aula, eu realmente espero que você tenha aprendido algo novo e eu absolutamente adoraria ver o que você inventou. Então, por favor, envie suas criações para a Galeria de Projetos. Muito obrigado por assistir minha aula e mal posso esperar para ver o que você cria. 11. Explore mais cursos na Skillshare: