Fundamentos de design de personagens Parte 3: cores e trabalhos de linha

1. Introdução ao curso: Quem não adora um bom design de personagem, quem não se entusiasma um personagem na tela que é cativante visualmente e que realmente se conecta com o espectador em um nível emocional. O impacto que seus designs podem ter sobre os outros é algo verdadeiramente único e especial. Quase como uma superpotência. Criar um personagem é divertido e empolgante, mas também pode parecer um pouco assustador se você não aprendeu as leis fundamentais do bom design de personagens. Bem-vindo à série fundamental de design de personagens. Meu nome é Emma Gillette e sou ilustradora profissional em tempo integral com experiência nas indústrias de publicação e animação. Eu tenho um BFA, diretor de animação e arte no curta-metragem tipo t2 indicado ao Emmy. Trabalho como ilustradora há cinco anos e meus clientes incluem Disney, random penguin house e American girl, entre muitos outros. Este é o terceiro e último capítulo da minha série sobre fundamentos e noções básicas de design de personagens. Nesta série, mostro todas as regras e princípios fundamentais que aprendi na escola de arte. Na primeira aula, você aprendeu tudo sobre construção básica e linguagem de formas. Você projetou dois personagens, um herói e um vilão. Na segunda aula, aprendemos como transformar seus designs em gestos dinâmicos e expressivos. Agora, nesta terceira aula, podemos pegar todos os esboços das duas classes anteriores e fazê-los brilhar com um revestimento colorido. Se você ainda não fez as outras aulas desta série, uma pausa, faça essas aulas primeiro e depois volte a esta, porque você precisará criar seus personagens heróis e vilões para concluir o projeto de classe desta Eu também recomendo fazer minha segunda aula. A série abrange todos os princípios básicos e fundamentais design de personagens. Esses fundamentos são ferramentas do ramo que todo designer de personagens experiente e experiente conhece de cor. E em breve você também o fará. Nesta terceira parte da minha série fundamental, você aprenderá como polir seus esboços, fazê-los brilhar com cores bonitas e linhas atraentes. Há muito mais que você pode comunicar ao espectador sobre os designs de seus personagens apenas por meio das cores que você escolher. E ao usar intencionalmente o trabalho em linha, você pode pegar um esboço medíocre e transformá-lo em uma bela obra de arte, combinada com os princípios que aprendeu nas outras duas aulas Ao terminar esta série, você poderá levar uma ideia do conceito ao esboço e, finalmente, a uma bela obra de arte que conta uma história clara e poderosa. projeto de aula de hoje é finalizar seus designs de heróis e personagens com linhas e cores. O estilo das técnicas de revestimento e coloração dependerá de você. Portanto, dois projetos não terão a mesma aparência. Compartilharei diferentes estilos, técnicas e truques que você pode usar ao decidir como deseja lidar com seus designs. Se você está começando sua própria jornada de design ou está procurando aprimorar algumas habilidades. Esta é a série para você. Se você aplicar consistentemente essas ferramentas obtidas em minha série, poderá entrar cada novo projeto de design com confiança, sabendo que poderá contar histórias claras e poderosas com seus designs. E que, ao fazer isso, você crescerá como artista a cada novo projeto em que entrar. Estou muito empolgada em ver os designs de seus personagens em sua forma final. Então, vamos começar. 2. Seu projeto: No final desta aula, você demonstrará seu conhecimento sobre o uso do trabalho em linha e os princípios do design básico de cores usando o herói e o vilão que você projetou na primeira parte, ou os gestos que você fez para eles em parte desenhos que você mais gostou dos dois. Você os levará para finalizar o trabalho com cores e linhas usando as ferramentas que aprendeu nesta aula. Se você entender o material do curso, acabará com belos designs de personagens de Rick que parecem bem pensados e propositados. O projeto desta aula é empolgante porque é o culminar de todos os conhecimentos e habilidades adquiridos com dificuldade que você adquiriu ao longo desta série O objetivo é ter um design de personagem que seja coeso em sua história, usando todas as ferramentas e habilidades que você adquiriu nesta série, da linguagem básica de formas aos gestos e, finalmente, até trabalhando com cores e linhas à medida que você pratica e usa os princípios que aprendeu nesta série, você continuará a crescer e desenvolver sua arte como designer de personagens para este projeto de classe Eu usarei o Procreate no iPad Pro. Mas você pode usar qualquer programa digital ou qualquer meio tradicional que lhe pareça mais confortável. Se você estiver curioso sobre os pincéis que eu uso no meu projeto de aula, você poderá me assistir fazer você poderá me assistir fazer uma demonstração disso no final desta aula Eu os vincularei abaixo na caixa de descrição. Eu também vou examiná-los um pouco mais tarde na aula. As dicas que eu compartilho, mesmo que os pincéis não sejam os mesmos de outros programas, poderão ser transferidas para qualquer outro programa, como o Photoshop ou o Clip Studio Paint. A maioria dos programas digitais tem o mesmo fluxo entre si. Também darei minhas recomendações para ferramentas de alinhamento que você pode usar se estiver usando ferramentas tradicionais. E esses também estarão vinculados abaixo. Se você estiver curioso, ao terminar seu projeto, compartilhe abaixo na galeria do projeto, eu adoraria ver seus designs. Se você estava procurando uma crítica, por favor, peça isso também. Receber críticas, como sempre, é a melhor e mais rápida maneira de crescer como artista. Portanto, não tenha vergonha de perguntar. Além disso, se você compartilhar seu artigo no Instagram ou no Twitter, não se esqueça de me marcar com meu nome de usuário. Eu adoraria compartilhá-lo com meus espectadores nessas plataformas. E eu também adoro ver os bastidores ou esboços enquanto você trabalha em seus projetos lá. E, como sempre, também estou disponível para críticas nessas plataformas. Gosto de fazer desenhos e já fiz isso antes nas minhas histórias do Instagram. Então, vamos falar sobre ferramentas. 3. Suprimentos digitais e tradicionais: Existem muitos programas excelentes de arte digital, mas eu uso principalmente o Procreate e, às vezes, o Photoshop. Concluiu o projeto da aula e Procreate no iPad Pro. Você vai me ver pintá-los no final desta aula. Se você está curioso sobre os pincéis que usei, verá que eu uso principalmente o guache flow e os pincéis flow rough do pacote retro max do Max que você está ouvindo. Eu os uso na maior parte da minha coloração. Para forro. Eu uso o lápis Narendra, que é um pincel básico de procriação. E para momentos em que eu queria poder comunicar a opacidade das minhas cores melhor do que o máximo de pincéis que me permitem usar o pincel de lavagem, que também é um pincel básico de procriação. Isso só me permite alterar a opacidade melhor do que as outras. Pessoalmente, gosto da textura que pincéis de simulação de guache fornecem, mas você pode não gostar deles pelo seu estilo pessoal. Portanto, use os pincéis que você mais gosta. Vou deixar um link na guia de recursos para os conjuntos de pincéis de Max se você estiver interessado em conferi-los Acho que existem ótimos itens básicos para qualquer Illustrator usando o Procreate. Para aqueles que lidarão com seus projetos tradicionalmente, ter boas canetas de papel e materiais para colorir os ajudará a obter os melhores resultados possíveis. Para a maioria das medianas, um papel de mídia mista pesado funcionará bem. Ou se você planeja usar marcadores à base de álcool, um papel feito especialmente para um marcador, marcas como Prismacolor ou Copic ajudarão você a evitar sangramentos. Com uma experiência de alta qualidade em Cancún, faremos uma grande diferença ao o forro para o design de seu personagem. Há muitas opções para escolher, mas acho que a melhor e mais fácil caneta para iniciantes é a série Pentel point liner. Essas canetas vêm em uma grande variedade de tamanhos, então pegar algumas diferentes ajudará você a conseguir praticamente a sorte que quiser. Como você pode ver, eu tenho muitas dessas canetas. Eu os amo muito. Se você quiser experimentar algo um pouco mais baseado em habilidades, experimente uma caneta de pincel estilo japonês. Eles são ótimos para obter linhas fluidas suaves que podem mudar de espessura sem problemas. Também existem muitas marcas para essas marcas, mas eu gosto da minha marca Pentel tanto quanto de qualquer outra marca existente. Eles são legais porque você também pode recarregá-los com novos cartuchos de tinta. acostumar-se a usar No entanto, acostumar-se a usar uma caneta de pincel pode levar muitas horas. Então, esteja ciente disso. Pode não ser uma boa caneta para este projeto se você está apenas começando. Se você deseja fazer arte de linha colorida em vez de apenas tinta preta simples para sua peça tradicional, precisará ser um pouco criativo. Você pode usar um lápis colorido que você mantenha bem afiado ou usar um pincel de ponta fina e usar guache acrílico que você realmente não diluiu muito. Ou você pode ficar chique e usar uma das melhores tintas indianas. E estou pensando em canetas que estão aí. Há muitas opções diferentes para você escolher. Qualquer mistura dessas opções funciona melhor para você. Experimente e divirta-se. Os meios tradicionais podem ser meio assustadores de abordar no início, mas eles são muito divertidos e me ajudaram a sair da minha cabeça e talvez um pouco menos perfeccionistas que eu faço com minha arte digital. Então, definitivamente recomendo isso para quem talvez queira se esforçar. Ou, se você estiver fazendo o digital desta vez, volte e faça a aula novamente, mas com um meio tradicional. Assim como acontece com os pincéis digitais, todas as ferramentas tradicionais que mencionei serão listadas abaixo. 4. Qualidade de linha e como usá-la: Uma frase comum que você ouvirá os designers de personagens usarem é qualidade da linha ou espessura da linha. São a mesma coisa e simplesmente se referem à espessura ou intensidade de uma linha e de um desenho. Linhas grossas têm mais peso visual do que linhas finas. O mesmo pode ser dito sobre linhas escuras versus linhas claras. Um desenho sem qualidade de linha terá linhas com a mesma espessura em todo o desenho. Você viu como esse desenho parece insípido ? Talvez você não tenha conseguido identificar por que esse desenho parece sem brilho. Mas agora vamos compará-lo a um desenho com boa qualidade de linha. As linhas em todo esse desenho variam em espessura e espessura. Cada linha tem um propósito e seu peso. O olho se move suavemente de um lugar para outro no fórum, parece ter peso real e até parece se mover para frente e para trás no espaço. Não se engane. As decisões de onde colocar uma linha grossa e uma linha fina não foram tomadas aleatoriamente ou arbitrariamente. Vamos ver o mesmo desenho com a espessura da linha feita de forma descuidada. Como você pode ver, só porque você tem uma variação na espessura da linha e um desenho não o torna bom ou atraente. O que diferencia esses dois desenhos? Bem, o da esquerda entende que usar linhas grossas e finas não acrescenta nada a um desenho se elas não forem usadas em relação umas às outras. Desenhar uma linha muito grossa no braço de um personagem sem pensar porquê ou no que as outras linhas ao redor estão fazendo em relação umas às outras. É apenas um feitiço para o desastre e o caos. O da esquerda entende que o forro é uma prática e organização que usa linhas grossas para denotar importância, proximidade, peso e sombra. E linhas finas para denotar falta de importância, distância, luz, conhecer e compreender as aplicações práticas do trabalho em linha são extremamente importantes ao criar personagens. Eu acredito que existem basicamente quatro maneiras de usar uma maneira leve de primeira linha para enfatizar e não enfatizar. Espessura da segunda linha para expressar proximidade com o espectador. Peso da terceira linha para expressar a forma e esperar. E por último, a espessura da linha para dar a impressão de luz e sombra. A primeira maneira de usar a espessura da linha é enfatizar ou não enfatizar certas áreas do seu design. Assim como aprendemos a direcionar a atenção do nosso público usando elementos contrastantes nas duas aulas anteriores. O mesmo pode ser feito com a arte da linha. Ao estabelecer uma hierarquia visual em seus desenhos, você ajuda o espectador a saber o que é importante parar e olhar e o que ignorar. Colocar linhas grossas ou escuras cercadas por linhas claras ou finas criará contraste. Porque nós, humanos, estamos programados para buscar contraste. Isso sinalizará ao espectador que essa linha é muito importante em relação às outras linhas que a cercam. Ao decidir cuidadosamente onde concentrar suas linhas grossas e finas, claras e escuras, você poderá estabelecer um ponto focal ou área de interesse para o espectador focar sua atenção. Uma pequena dica. No design de personagens, você normalmente quer que seu público preste mais atenção ao rosto e às mãos do seu personagem. No entanto, essa não é uma regra rígida e rápida. Pode haver muitos casos em que você queira não enfatizar o rosto para fins de história. Por exemplo, se você quisesse que a identidade do personagem fosse obscurecida ou se quisesse que o espectador se concentrasse em um elemento do figurino ou em um objeto que ele estivesse segurando. Talvez seu personagem esteja no meio de uma ação. Talvez ele esteja balançando uma espada e você queira que a ação da espada cortando o ar seja enfatizada. Sempre reserve um tempo para pensar na mensagem e na história que você está tentando comunicar e traçar seus limites de acordo. A segunda aplicação do peso da linha é expressar proximidade e distância. Assim como você pode organizar seu desenho do mais importante para o menos importante, você pode criar uma hierarquia que transmita profundidade e perspectiva. Linhas grossas e escuras chamam a atenção do espectador. Essas linhas sempre aparecerão mais próximas do observador, enquanto linhas finas de luz parecem desaparecer da vista, dando a impressão de estarem longe do observador. Você pode usar isso a seu favor e dar ao seu personagem a sensação de existir no espaço e na profundidade. Braços e pernas que estão afastados do espectador podem ser desenhados um pouco mais claros, empurrando-os para trás. Isso ajuda o personagem a parecer ainda mais que está se afastando do espectador. Por outro lado, se você tem um personagem estendendo a mão em direção ao espectador, desenhar a mão em linhas escuras e grossas ajuda a dar a impressão de que ele está atravessando a quarta parede e entrando no espaço do espectador. Essa é uma ferramenta muito poderosa que ajudará a fundamentar seu personagem na realidade e fazer com que ele se sinta como um ser vivo que existe no mundo real. Você ficará surpreso com a forma como esse aplicativo simples pode realmente transformar e elevar seus desenhos. A espessura da linha também pode ser usada para fazer com que um personagem pareça ter um fórum. Ou, em outras palavras, parecem ser um feixe tridimensional. Isso é semelhante à aplicação anterior de proximidade e distância, mas é usado como um pouco mais sutil. Vamos começar com um exemplo simples de como você pode usá-lo para expressar esse cilindro já parece ter forma usando a construção básica e o uso da perspectiva. No entanto, pode chegar a um nível usando a espessura da linha. A área mais próxima desse cilindro do observador é esta seção aqui no centro e na amiga. Enquanto a seção central na parte traseira e as linhas nas bordas externas se curvam para longe do observador ou para o mais longe. Podemos ajudar a tornar essa curvatura ainda mais real diminuindo as linhas para que o ponto mais grosso comece aqui no meio e fique lentamente mais fino à medida que um cilindro se curva. Para um efeito adicional, podemos usar linhas internas mais curtas. Mais longos e mais espaçados. Quanto mais eles se movem ao longo dessa curva, longe do observador. Essas linhas internas menores também podem ser usadas para ajudar a expressar fazendas macias ou luxuosas que podem ter cantos arredondados. Em vez de desenhar uma linha dura que daria a impressão de um canto afiado, essas linhas pequenas e levemente em forma de gancho fazem com que essa borda pareça macia. Essas técnicas são boas para desenhos que não serão coloridos ou que terão sombreamento mínimo ou nenhum. Usando todos esses aplicativos, agora podemos desenhar um travesseiro cilíndrico de aparência muito verossímil. Reserve algum tempo para praticar este exercício com uma variedade de formas e formas básicas. Porque assim que você dominar essa prática em formas simples, agora será fácil traduzi-la para a forma humana. O corpo humano é firme a partir dessas formas básicas Agora você verá onde pode enfatizar a curvatura dos membros, do tronco, das muitas características do rosto e muito mais. Essa é uma maneira bonita e simples de adicionar um toque de sofisticação e beleza aos seus designs. Outra forma de fazer com que seus designs pareçam verdadeiros objetos vivos e carnudos é dar-lhes peso. A magia do forro é que podemos imitar gravidade simplesmente com a espessura e a intensidade de nossas linhas. Simplesmente adicionar um pouco de espessura à parte inferior de um braço ou onde o corpo repousa sobre um objeto, dará imediatamente a impressão de que esse lado da figura é mais pesado que o outro lado. Ou faça com que pareça que o personagem está colocando muito peso no pé ou na mão, em oposição à outra. Você se lembra do exemplo do hip pop da aula anterior? Outra forma de enfatizar esse estalido é tornar as linhas do pé portador mais grossas do que as linhas do pé em repouso. Essa é uma maneira pequena, mas cuidadosa, de ajudar a comunicar esse gesto ainda melhor do que antes. Essa técnica é realmente útil se você estiver desenhando algo grande e pesado e realmente quiser fazer com que o espectador sinta esse peso. Também pode ser usado para fazer com que algo pareça leve e arejado, desde que as linhas usadas sejam finas e leves. Em contraste com as linhas abaixo, ele parecerá emplumado e tardio. A quarta maneira de usar o forro é dar a impressão de luz e sombra. Linhas escuras, grossas e sólidas indicarão sombra ou falta de exposição à luz. Embora a luz fina e a lente quebrada pareçam ter alta exposição a uma fonte de luz. Essa técnica é particularmente útil para desenhos revestimento desfocado ou com pouco ou nenhum sombreamento. Alguns artistas, como Mike Mignola, apagam áreas inteiras em preto para indicar áreas de sombra. No entanto, se isso for muito extremo para o seu gosto, você pode usar apenas algumas linhas e a próxima e fendas do seu design. O traje desse personagem tem muitos pequenos lugares onde o traje se afasta da pele, até mesmo áreas protegidas da luz. Também há lugares em seu corpo como nas orelhas, embaixo do queixo e no gesto com a mão, que podem receber algumas pequenas linhas próximas umas das outras que podem dar a aparência de sombra e forma. Essa é uma maneira fácil de adicionar uma camada de profundidade e interesse aos seus designs. Se isso parece muito difícil de entender e você não tem certeza de como aplicar todas essas técnicas aos designs de seus personagens. Talvez agora seja um bom momento para fazer pausa e praticar um pouco o trabalho em linha. Para isso, incluí na guia de recursos cinco exercícios para você baixar e usar. Esses arquivos podem ser impressos para prática tradicional ou colocados em uma tela digital. Em primeiro lugar, você já praticou sua habilidade de atingir diferentes espessuras e intensidades de sua luz. E no segundo exercício, tente fazer com que o conjunto de formas pareça se mover para trás no espaço corretamente e se relacionar entre si. O terceiro exercício estuda onde as luzes estão apontando para cada objeto, quão perto ou longe eles estão. E adicione uma arte de linha que corresponda. E no quarto exercício, faça o possível para que os diferentes travesseiros pareçam tridimensionais e esperem. E, em seguida, no exercício final, combine todas as quatro aplicações no design do personagem para obter os melhores resultados. Depois de terminar, os personagens recomeçam do zero e veja se você pode melhorar sua técnica pela segunda vez. 5. Estilização: Agora que você está familiarizado com esses aplicativos para espessura de linha, é importante observar que nem todo desenho de arte linear que você precisa usar, todos eles. Você pode usar todos ou nenhum deles dependendo de qual é o seu projeto e quais são suas necessidades. Na verdade, a coisa mais importante a lembrar de tudo isso é que tudo gira em torno da hierarquia. Você pode ordenar sua hierarquia. Então, não importa quais técnicas você use , elas parecerão intencionais. Isso pode ajudá-lo em sua busca pessoal por seu próprio estilo ou explorar novas formas de estilização, por exemplo, nesta peça, a hierarquia existente tem apenas três ou quatro variações e espessura de linha diferentes. As maiores linhas mais escuras são as linhas externas que traçam o perímetro do personagem. Depois, há as segundas maiores linhas que delineiam as principais formas internas. E então os pequenos detalhes são feitos na menor linha de tamanho. Esse design realmente não usa nenhuma das técnicas que acabamos de discutir. No entanto, segue sua própria hierarquia e, portanto, parece coeso e interessante. Depois de decidir a hierarquia de sua linha de trabalho, o mundo realmente se abre para você em termos de estilização e maneiras pelas quais sua peça parece única e interessante para você. Não existe uma maneira certa ou errada fazer o forro e você pode se sentir atraído por certos estilos de trabalho de linha mais do que outros estilos Você pode usar linhas de sombreamento muito intensas em quadrinhos , em preto e branco. Ou você pode optar por um trabalho de linha colorida mais sutil para fins ilustrativos. Ou você pode ir a algum lugar entre esses dois. Ou você pode fazer algo parecido comigo, onde eu começo com um bloco de cores e depois adiciono linhas onde eu acho que elas ficam bem. Então, é como uma mistura de arte linear e arte irracional. Independentemente de como você escolher estilizar, sua arte de linha funcionará bem. Desde que você seja consistente com as escolhas que você faz no início. 6. Dicas e truques para lineart: Antes de concluirmos esta seção sobre arte linear e passarmos para a cor, gostaria de dar algumas dicas que ajudarão você a obter traços melhores e mais confiantes. E também algumas dicas para usuários digitais que podem ajudá-lo a obter alguns looks diferentes para sua arte de linha. Vou usar o Procreate, mas praticamente todas as técnicas que mostrei transferidas para qualquer outra plataforma digital. No entanto, a primeira etapa que vou compartilhar com você se aplica tanto aos artistas digitais quanto aos tradicionais. E é usar traços rápidos e confiantes em sua arte de linha. Se você estiver desenhando digitalmente o controle, Z se tornará seu melhor amigo. Fazer traços rápidos e confiantes e refazer a mesma linha algumas vezes antes aterrissar na linha certa é melhor do que fazer linhas trêmulas e extremamente tímidas. Você é competente, brilha em sua arte quando é corajoso com suas linhas, desenhe com ousadia. A próxima dica é para artistas tradicionais e digitais, mas os métodos para fazer isso serão um pouco diferentes. Minha dica é fazer três passes no total do design do seu personagem. O primeiro será seu primeiro esboço energético que definirá a linha de ação, as formas básicas e a sensação geral de seu design. Este será um esboço muito aproximado e energético que visa capturar a energia geral e a sensação de seu design. A segunda passagem será seu esboço mais restrito. E neste passe, você mesma tenta fazer com que seu design chegue a 80% de conclusão. Aqui você calcula a anatomia, expressão e os detalhes finos do seu design. Basicamente, você quer ter certeza de que não precisa contratar nenhum convidado para trabalhar na última linha de arte. Como você deve se concentrar apenas na arte linear, em vez de desenhar. Então, finalmente, na terceira passagem, você completará seu design com uma bela arte de linha polida. Isso pode parecer uma série de etapas, mas trabalhar com um desenho e passes permite que você resolva cada problema em fases. Em vez de tentar resolver tudo de uma só vez. A última coisa que você quer fazer é passar horas desenhando uma linha artística, pulando os esboços da construção e depois perceber que construção deles está errada e depois ter que descartar e fazer tudo de novo. Se você desenha tradicionalmente, não é tão fácil. Ou você precisará de uma mesa leve, que é uma mesa com um material translúcido na parte superior e uma luz embaixo. E então, ao ligá-lo, você pode colocar o papel de desenho em cima com um novo papel por cima e a luz permitirá que você veja o papel embaixo do joelho. No entanto, se você não tiver uma dessas, geralmente pode comprar mesas de luz baratas on-line sem usar muito os detalhes de uma mesa iluminada Você sempre pode juntar os papéis com papel e ficar em uma janela para obter o mesmo efeito. Minhas próximas dicas serão apenas para artistas digitais e serão maneiras de obter looks diferentes com sua arte de linha. suavização de linhas é uma função usada por muitos programas, como o Procreate , que altera suas linhas depois desenhá-las, causando um defeito suave. Para alguns projetos e estilos, isso pode ser muito útil. Mas, para os propósitos desta aula, recomendo que você não use seu projeto. É importante para seu crescimento artístico dominar o controle de linha. E você não poderá fazer isso se tiver um computador alterando suas linhas para você. Então, desligue-o e se acostume com o botão de desfazer. Você descobrirá que quanto mais cair ousadia e sem ajuda sua precisão e exatidão melhorarão lentamente com o tempo. A maneira mais fácil de colorir sua arte linear é desenhar o forro em um canal alfa. Os canais alfa são camadas, mas não têm uma cor de fundo. Parecerá ter esse fundo quadriculado branco e cinza. Isso significa que não há absolutamente nenhuma informação de pixels nessa camada. Então, quando você desenha seu forro nele, as únicas informações serão as linhas do seu desenho. Isso é o que possibilita que você coloque imagens diferentes umas sobre as outras e ainda possa ver o que está na camada inferior. Todos os programas de arte digital têm essa função. E todos os programas de arte digital permitem que você bloqueie esses canais alfa. Ao bloquear a camada do canal Alfa, você bloqueia as informações do pixel, que significa que você não poderá colorir fora das linhas e cores que estavam no canal alfa antes do bloqueio e simplesmente escolher a cor que deseja colorir largura da arte da linha e colori-la sobre o desenho. Veja como isso é simples. Você pode escolher manualmente as cores à medida que avança, ou uma maneira rápida e eficaz de cobrir seu trabalho de linha ao fazer uma peça totalmente colorida. Preencha toda a linha com uma cor, geralmente vermelhos, rosas e roxos funcionam melhor e defina o estilo da camada para multiplicar. Agora você tem uma linha colorida, combina com as cores do interior. Isso inclui a opacidade e a cor para efeitos diferentes. E uma maneira fácil de adicionar um belo efeito à sua arte de linha é primeiro duplicar sua camada de arte de linha. Na primeira camada, use um efeito Gaussian Blur e defina o estilo da camada para multiplicar, ajuste a opacidade para. Eu também apaguei todo o efeito desfocado na parte externa das minhas linhas. Então você pode mexer com isso e ver o que você mais gosta. Mas agora você verá que sua arte de linha terá um belo efeito brilhante que adicionará uma camada de profundidade e interesse ao seu desenho. Você também pode brincar com a cor dessa camada e ver como ela afeta a aparência do design. Esse é um truque bacana que aprendi recentemente. Ou seja, para designs como este que eu compartilhei anteriormente, esse design usa apenas três ou quatro variações de linha. Eu poderia tentar observá-lo toda vez que precisasse mudar minha linha. Mas se eu realmente quisesse manter uma visão consistente do meu design, ter uma maneira de salvar as linhas seria muito útil ter uma maneira de salvar as linhas que eu quero, e você pode fazer exatamente isso no Procreate. Quando toco no controle deslizante para ver o tamanho do peito, posso apertar esse sinal e ele fixará o pincel no controle deslizante. Posso adicionar quantos eu precisar e, em seguida , alternar entre eles conforme necessário. A solução para isso no Photoshop seria anotar o número do tamanho do meu pincel e digitá-lo no controle deslizante quando eu precisar alternar entre os tamanhos. Espero que essas dicas e truques sejam úteis para você. Experimente com ele, diferentes estilos e técnicas que mostrei e veja o que funciona melhor para você. E se você tem uma técnica especial que você realmente gosta e não viu compartilhada neste vídeo. Compartilhe-os na guia de discussões. Eu adoraria ver quais técnicas você usa e adoraria compartilhá-las com os outros alunos da turma. Agora que aprendemos tudo sobre arte linear, vamos começar a colorir e ver como podemos usá-la para contar ainda mais as histórias de nossos personagens. 7. Esquemas de cores e design de personagem: Agora vamos passar para a segunda parte desta aula e aprender como dar vitalidade aos designs de seus personagens com cores. Este não será um curso abrangente de teoria das cores, mas abordaremos o básico. Até o final desta seção. Você terá as ferramentas necessárias para poder tomar decisões informadas e inteligentes sobre quais cores atenderão melhor às suas necessidades de design de personagens. Para tomar essas decisões inteligentes, você precisará entender a roda de cores e os termos saturação, matiz e valor. Aqui está uma roda de cores básica. Cada cor diferente nesta roda representa uma tonalidade diferente. Você pode estar familiarizado com a sigla Roy G Biv, que significa vermelho, laranja, amarelo , verde, azul, índigo e violeta. Veja a aparência da roda de cores e do Photoshop. Quando selecionamos uma tonalidade, temos essa caixa que tem dois eixos. Valor e saturação. Valor é o quão clara ou escura é a cor , com branco e preto nas extremidades. E a saturação é o quão pura é a tonalidade, com sua forma mais pura e brilhante, e cinza nas extremidades. É assim que a roda de cores aparece no Procreate, que é o mesmo conceito, mas em, vamos formar. Ao jogar com esses controles deslizantes, você aprenderá rapidamente que as variedades de cores e valores são inúmeras. Você pode estar se perguntando como no mundo devo escolher qualquer cor para meus designs quando há tantas para escolher, quais cores ficam bem juntas e como vou saber se elas são quais cores ficam bem juntas e a escolha certa para meu personagem antes que você se deixe levar uma enxurrada de confusão de cores Vamos oferecer a você um ramo para manter a forma de uma ferramenta especial chamada esquemas de cores, ou também conhecidas como paletas de cores. Um esquema de cores ou paleta é simplesmente uma combinação diferente de cores. Existem tipos específicos de arranjos que falharam. Um designer pode inserir cores em quase como um problema de matemática quando feito corretamente. Esses esquemas de cores criam paletas que parecem coesas e atraentes. Há muitos, muitos tipos diferentes de esquemas de cores. Mas, para os propósitos desta aula, abordaremos apenas seis das mais comuns. O primeiro e mais simples é um esquema de cores monocromático. Para criar uma, tudo o que você faz é selecionar uma única tonalidade na roda de cores. Ao ajustar o valor e a saturação, você verá que isso cria um movimento muito coeso e uma nota única coeso e uma nota única para suas pinturas. Portanto, se você quiser comunicar uma mensagem ou característica muito forte sobre seu personagem, um esquema monocromático pode ser adequado para você usar um esquema de cores análogo. Escolha uma tonalidade e as duas tonalidades próximas a ela no volante. Muitos designers aplicam a regra 16ª 3010 para alcançar o equilíbrio. Isso significa que a cor principal será usada 60% das vezes, e as outras duas cores, geralmente as do perímetro, devem preencher os 40% restantes como cores de destaque, com uma talvez reservada para pequenos detalhes e destaques, assim como no monitoramento. Novamente, em todos os outros esquemas de cores, você pode escolher diferentes valores e saturações com esses tons . Falaremos sobre como você pode tomar essas decisões um pouco mais tarde. Mas, por enquanto, vamos continuar abordando os esquemas básicos de cores. O esquema de cores gratuito exige que você escolha uma fila e escolha a tonalidade diretamente oposta na roda de cores. A cor base deve ser usada como cor principal na imagem, mas é uma cor complementar usada como acentos. Uma divisão complementar é semelhante à sua antecessora, mas forma um pequeno triângulo no volante, mas a cor principal e as duas cores se equilibram em frente a ela. Um esquema de cores triádico é uma variante do esquema complementar dividido, mas as três cores são divididas uniformemente na roda de cores, criando um triângulo equilátero. Esse pode ser difícil de equilibrar, então é melhor deixar um ser da cor principal e deixar o outro tubo funcionar como coadjuvante. E por último, há a tétrade, que também pode ser chamada esquema duplo de cores complementares. Tem dois pares de cores que têm uma cor correspondente oposta, criando um retângulo na roda de cores. Isso geralmente resulta em um pólen vibrante e ousado que também pode sair agressivamente. Portanto, tenha cuidado e tente usar uma cor principalmente com a outra servindo como acentos. Você notará que em cada uma dessas paletas, há uma grande variedade de valores entre os tons. Raramente você verá uma paleta com todas as suas diferentes tonalidades a mesma intensidade e brilho. Por quê? Bem, vamos fingir que nossas cores estão cantando em um grande curso. Se todas as nossas cores estivessem cantando a plenos pulmões. Embora acabemos com um curso muito caótico, sem onde focar. Não haveria harmonia. E dito que se nossas cores reduzissem suas vozes para ficarem mais baixas e menos saturadas, já podemos ver que elas estão começando a se gelificar já podemos ver que elas estão começando a um pouco melhor e ainda melhor, se permitirmos que uma voz cante mais alto do que outras, teremos um resultado muito mais interessante pois agora introduzimos o contraste. E, como mencionei em toda a série, os humanos adoram ver o contraste. A aplicação real disso é buscar maneiras de introduzir contraste em suas paletas de cores. Ao escolher algumas cores para cantar alto e outras cores, duas corcundas suavemente no fundo. Isso ajudará você a alcançar harmonia em suas paletas de cores. Agora que você conhece esquemas de cores e como criar um, talvez esteja pensando que isso é muito legal. Mal posso esperar para escolher um para meus personagens, mas como posso saber qual esquema de cores é ideal para meu personagem? É aqui que você coloca seu boné de pensamento e pensa sobre seus personagens através das lentes de suas histórias e personalidades. E então tente ver se você consegue extrapolar essas histórias como personalidades por meio dos diferentes esquemas de cores que você aprendeu Qual esquema de cores combina melhor com a personalidade do seu personagem? Você está criando um foco, caráter e corpos do OneNote , uma característica singular. Pense na tristeza da Pixar de dentro para fora, ela é a personificação de uma característica singular, a tristeza. Portanto, uma paleta de cores monocromática se encaixa perfeitamente em sua personalidade. Ou talvez seu personagem esteja lidando com crenças ou desejos opostos e precise fazer uma escolha. Talvez um esquema de cores complementar possa ajudar a mostrar essa dicotomia na personalidade do seu personagem. Você pode ser realmente criativo ao interpretar os diferentes esquemas de cores e como interpretá-los através das lentes dos designs de seus personagens. Ao criar personagens para televisão ou cinema, os designers de personagens geralmente fazem com que todo o elenco compartilhe uma paleta semelhante. Ou pelo menos garante que haja duas ou três cores que percorram todo o elenco para que todas pareçam existir no mesmo mundo. Uma maneira tão simples de evitar que nenhum personagem do vinho e seu elenco pareçam não pertencer à sua história. Outra ferramenta extremamente importante para você usar ao escolher as cores de seus personagens é lembrar a importância e o poder da psicologia das cores. O design de personagens tem tudo a ver com contar histórias. E contar histórias consiste em manipular os sentimentos, as emoções e os pensamentos do seu público para fazer com se relacionem e sintam de uma certa maneira sobre seus designs. Saber como o cérebro do espectador funciona e como você pode usá-lo para as respostas que você está procurando. Por exemplo, o vermelho é uma cor que foi programada em nossos cérebros para exigir atenção e também pode alertar sobre perigos. É uma cor apaixonante e pode evocar sentimentos de determinação, amor, poder e força. Essa cor é ótima para protagonista e antagonista, mas talvez não tanto para alguém que é preguiçoso ou que não tem muita coisa acontecendo na vida ou muitas paixões. Cada cor tem qualidades associadas. E eu vinculei abaixo um recurso que tem cada cor e suas qualidades associadas. Esta lista foi feita com as culturas ocidentais em mente. É muito importante observar que cada cultura tem associações diferentes para cores diferentes. Nos Estados Unidos, branco é uma cor frequentemente associada ao casamento, pureza e inocência. Onde na Índia, o amarelo pode ser associado a qualidades muito semelhantes. Se você estiver criando um personagem de um país específico, você pode dar um passo extra e aprender quais associações de cores esse país tem com as cores que você pode escolher. Outra forma de analisar a psicologia das cores seria examinar categorias de cores em vez cores individuais e algumas categorias que você talvez queira considerar. Ou tons naturais, tons de joias, tons pastel e tons quentes e frios. Estar familiarizado com essas categorias pode ajudar a direcioná-lo para a direção geral que você deseja que o esquema de cores de seus personagens siga. Depois, você pode reduzi-lo a partir daí. Por exemplo, se eu estivesse desenhando um rei ou uma rainha, eu poderia decidir olhar as cores que seriam categorizadas em tons de joias. E então escolha meu esquema de cores a partir daí. 8. Sombreamento, textura e padrões: Depois de concluir sua arte de linha, escolher seus esquemas de cores definir suas cores planas. Você está muito perto de terminar o design do seu personagem. A última etapa é adicionar textura, sombreamento e padrões aos designs de seus personagens. Esses pequenos detalhes farão seu design brilhar e adicionarão pequenos interesses e histórias ao seu design. É também aqui que você pode experimentar esse estilo e métodos para os quais usará o sombreamento. Você pode usar gradientes da ferramenta Lasso ou pincéis grandes e macios para adicionar delicadamente camadas de cor. Você também pode optar por fazer o sombreamento celular e usar pincéis redondos duros para bloquear grandes áreas de sombra. Esses designs de personagens não pretendem ser pinturas digitais altamente renderizadas. Portanto, tente não se perder tentando pintar todas as formas de uma forma bonita e realista. Deixe sua linha funcionar, faça o trabalho pesado por você e seu sombreamento e cor acentuem e apoiam a textura e o padrão também podem ser ferramentas realmente poderosas para adicionar camadas adicionais de profundidade e interesse à sua narrativa. Adesivos e logotipos em uma lancheira para meninas da escola podem realmente dizer ao espectador muito sobre seus interesses e hobbies. Padrões intrincados costurados em uma capa Royals podem realmente transmitir a sensação de luxo e decadência, ao contrário de uma capa suja, enlameada e suja que um camponês pode usar. Novamente, o planejamento cuidadoso e cuidadoso de seus personagens e o conhecimento de suas histórias por dentro e fora permitem que você por fora permitem que você tome decisões simples, mas poderosas etapas do processo ao todas as etapas do processo ao criar um design bonito. Um design cujas peças de trabalho se unem para contar uma história poderosa e clara. 9. Demonstração: Bem-vindo à parte de demonstração de nossa aula. Eu vou te mostrar como eu completei meus designs de personagens de vilão e herói. Então você verá aqui que eu realmente fiz algumas miniaturas coloridas dos meus personagens apenas para ter certeza de que todas as cores funcionariam juntas. Para que eu não precisasse descobrir isso enquanto os estava terminando. É mais ou menos o que eu estava dizendo sobre fazer seus desenhos e passes. Fazer uma miniatura colorida pode ajudá-lo a fazer muito trabalho pesado e pensar em conceber antes de realmente passar muito tempo colorindo e depois sentir : Ah, não, eu escolhi a cor errada. Agora eu tenho que voltar e mudar isso de qualquer maneira. Então eu fiz uma variação no esquema complementar dividido. Eu tenho minhas três cores no lado mais quente, e depois tenho uma cruz delas, essa cor verde azulada que eu uso em todo o resto das paletas. Então esse é o esquema de cores que eu estou escolhendo. E vou usá-los tanto para meu herói quanto para meu vilão. A primeira coisa que vou fazer é alinhar as áreas maiores de cor. Você verá aqui que é muito simples. Alinhei a área e depois vou colori-las com o pincel guache flow da embalagem Max. Eu só vou fazer isso para todas as cores do personagem. Porque esse pincel é bem translúcido. Ele precisa de algumas camadas para chegar à opacidade que eu quero. Então, em vez de fazer isso manualmente todas as vezes, eu apenas duplico a camada e depois entro nos pontos irregulares e os preencho. É uma maneira fácil de fazer isso. Agora que eu tenho todas as cores definidas, você verá que eu tenho cada uma delas em uma camada separada. E eu faço isso porque é mais fácil bloquear essas camadas e depois sombreá-las individualmente. Mas, por enquanto, vou começar na arte linear e vou fazer tudo em preto. E então eu vou voltar e escolher as cores para minha camada de arte de linha mais tarde. Mas aqui estou usando o lápis Narendra e vou entrar aqui. Aqui você verá que eu estava tentando descobrir se eu poderia adicionar pouco mais de sensibilidade à pressão a esse pincel, porque é basicamente um pincel redondo com variações conhecidas. Eu não consegui fazer isso. E então eu, você verá que eu não entendo esses traços rápidos, como mencionei anteriormente na aula. Gosto muito desse pincel, mas ele não me permite fazer isso. Então, acho que provavelmente preciso fazer meu próprio pincel que pareça com o lápis Narendra, mas que me permita fazer aqueles traços rápidos e confiantes que você geralmente deseja quando está fazendo um delineador. Agora, quando meu forro estiver completo, vou começar a colori-lo. Eu só vou bloquear minha camada de arte linear. E eu vou escolher as cores locais para cada área. E geralmente escolho algo um pouco mais saturado e um pouco mais escuro do que a área em que ele vai se roçar. E vou começar a preencher minha arte de linha para combinar com as cores que ela envolve. No meu estilo pessoal, prefiro que minha arte de linha varie em cores. Então, não vai ficar só na pele dela não vai ser só nessa cor de pêssego. Na verdade, vou entrar e as áreas que seriam protegidas da fonte de luz. Vou deixá-los mais escuros, vou deixá-los mais saturados. Acho que essas mesmas mudanças de cor realmente contribuem para a minha arte de linha. Por isso, eu realmente recomendo experimentá-lo. Também é muito divertido fazer isso. O forro está pronto. É aqui que eu entro e coloco o sombreamento, as sombras e a textura. Estou usando novamente, o max pack Retro, o pincel de guache retrô max pack. E eu vou entrar e colocar destaques básicos, sombras e blush em toda a fazenda. Nada louco. Mas, como você pode ver, eu realmente o dá vida e apenas adiciona o acabamento final de que esses designs precisam. Também vou adicionar padrões, e você verá em um minuto que vou adicionar coisas como sujeira em suas botas e em seu vestido, o que ajuda a dar a impressão de que essa garota é uma aventura e não se preocupa em sujar a roupa. Ela gosta mais de curtir a vida e estar na natureza. Também vou adicionar um pouco dessa sujeira ao vilão. E vou prestar atenção especial à sua casca de besouro e garantir que haja textura suficiente na minha. Então, parece uma concha de besouro brilhante e iridescente. Não pareceria um bug nem pareceria um bug se não tivesse essa textura e os destaques. É aí que a textura pode realmente servir e ajudar você a fazer com que seus designs a aparência e a sensação reais dos materiais que você deseja que eles usem. Você também verá que eu adicionei alguns efeitos mágicos ao vilão. E depois disso, os designs dos meus personagens estão prontos. Então, obrigado por se juntar a mim. Espero que isso tenha sido útil para ver como eu trabalho e possa ajudá-lo com seu fluxo de trabalho. 10. Considerações finais: Você conseguiu. Parabéns por concluir minha série fundamental de design de personagens. Você realmente deveria se dar um grande tapinha nas costas. Ou se você ainda não fez a primeira ou a segunda aula desta série, eu realmente encorajo você a voltar e cursá-las. Há muito para aprender e processar ao longo de toda essa jornada. E estou muito orgulhosa de você por persistir e fazer o trabalho árduo para desenvolver suas habilidades de design. Estou muito orgulhosa de todo o seu trabalho árduo e espero que você também esteja. Estou muito empolgada em ver seus designs de personagens finalizados. Essa foi uma jornada incrível, levando seus personagens do conceito ao fim. E eu realmente espero que as ferramentas que você adquiriu nesta série criem um design do qual você tenha muito orgulho e esteja animado para exibir. Espero que você tenha uma grande sensação de realização e que também sinta que está um pouco sobrecarregado no processo. O crescimento artístico é conquistado com dificuldade por meio de coragem e determinação. Então, deixe-me dar uma salva de palmas por fazer um trabalho tão bom. Todas as técnicas e princípios que você aprendeu nesta série serão ferramentas valiosas no kit de ferramentas do seu designer. E quando você os revisa com frequência, você continuará crescendo em seu caminho artístico. A jornada do artista nunca termina. Portanto, se você sentir que encontrou um obstáculo em sua jornada pela frente, certifique-se de voltar e revisar algumas coisas que podem reviver em seu ofício e ajudá-lo a levar seus projetos a um nível totalmente novo. Compartilhe seus projetos concluídos e a galeria abaixo. E se você quiser pedir uma crítica antes disso, solicitá-la na aba de discussões ou me perguntar no Instagram ou no Twitter, adoro dar feedback. E se você os compartilhar on-line, também, não se esqueça de me marcar na postagem que você compartilha. Essa foi a terceira e última parte da minha série sobre os fundamentos do design de personagens. Muito obrigado por se juntar a mim nesta jornada. Se você puder, por favor, deixe um comentário que realmente ajude minhas aulas a serem divulgadas para futuros alunos. E se você quiser se manter atualizado sobre minhas futuras aulas, certifique-se de me seguir aqui no Skillshare e também em minhas outras plataformas de mídia social. Obrigado novamente, e nos vemos na próxima.