Transcrições
1. Introdução: Alguma vez você já se perguntou como você poderia melhorar sua iluminação? Meu nome é Jose Carvajal. Eu sou um fotógrafo de beleza, moda e ainda vida, e também um designer 3D ocasional com sede em Sevilha, Espanha. Tenho trabalhado como fotógrafo profissional nos últimos quatro anos, publicando em revistas como TUSH,
Nylon, L'Officiel ou Neo2. Também trabalhei para grandes empresas como Mango e Adobe. Nesta turma, Studio Photography: Lighting Setups for Beauty, Fashion e Still Life, eu vou levar você por todas as etapas para aprimorar sua fotografia, entendendo como a luz funciona em diferentes ambientes. Com a ajuda de alguns exercícios e tarefas que eu fiz, você vai aprender a usar a iluminação e a criatividade uma maneira inteligente para alcançar os conceitos mais interessantes, e como filtrá-los para criar um excelente trabalho. Além disso, vou mostrar-lhe o meu processo para obter as imagens mais nítidas e refinadas para construir um portfólio incrível e obter empregos comerciais com ele. Trabalharemos em um quadro de humor, usaremos diferentes modificadores de luz, aprenderemos a trabalhar com modelos
e maquiadores e como editar nossas fotos com perfeição. Se você é um iniciante ou um profissional, se você quer melhorar sua criatividade em técnicas de iluminação, esta aula é para você. Espero que todos gostem desta aula. Vejo-te por aí.
2. Aula inaugural: Hoje vamos aprender a usar estroboscópios de luz para tornar nossas fotos mais temperamentais, dramáticas, e dar-lhes um visual mais profissional. Isso é absolutamente essencial se você quiser construir sua carreira como fotógrafo, se você quer centrar seu trabalho em torno da indústria da moda, ainda vida, retrato ou fotografia de beleza. Em primeiro lugar, vamos trabalhar através de algumas das minhas principais referências artísticas, bem
como livros que considerei essenciais. Depois disso, vou mostrar-lhe alguns exercícios criativos para treinar seu olho e aumentar sua produtividade quando se trata de criar novos projetos. Eu também vou explicar, como eu entendo a criatividade e como podemos aplicar nosso conhecimento de iluminação para essa área. A segunda tarefa será a criação de um quadro de humor. Como procuramos referências? Como organizamos todas as nossas ideias? Eu também vou ensiná-lo a usar aplicativos como Shot Designer, para construir configurações de iluminação esquemática e incluí-los em nossos moodboards. Então vou explicar como a luz funciona. Vamos mergulhar profundamente explicando luz dura e difusa, diferentes fontes de luz artificial, o equipamento básico, a Lei do Quadrado Inverso e os conceitos básicos de uma luz estroboscópica. Vou levá-lo através de todas as configurações essenciais para a beleza, moda e a vida morta,
como a garra, a chave e
a luz do aro, os truques por trás da fotografia do produto ou como usar um medidor de luz. Tudo o que você precisa para acelerar. Se você está pronto, vamos entrar nisso. Vejo você!
3. Equipamento: Nesta lição, vamos cobrir as necessidades de equipamento que teremos para o nosso projeto de tiro. A principal peça de equipamento que
nos permitirá expressar nossa criatividade é a câmera. Se você é um iniciante, não se preocupe com megapixels ou especificações secundárias. Pegue a câmera com a qual você se sinta mais confortável. A opção mais acessível é uma câmera reflex, e você pode encontrar câmeras realmente agradáveis mesmo no mercado de segunda mão, se você precisar economizar um pouco. Para as lentes, as mais comuns para a fotografia de moda são lentes
telefoto como esta 100mm da Canon, que eu absolutamente amo, porque eu posso usar sua característica macro em meus trabalhos de beleza. De qualquer forma, se você quiser ser um pouco mais criativo e experimental, você sempre pode tentar lentes mais largas, como o Nifty Fifty, o 40mm, ou mesmo um 28mm. Para tiroteios em estúdio e as configurações de iluminação onde você vai fazer, os estroboscópios serão indispensáveis. Há muitas opções acessíveis, sendo o meu favorito e mais usado, o SK400 da Godox. O que você deve olhar é o poder do estroboscópio sendo 400, o mínimo necessário para o que vamos fazer. E, por favor, não se esqueça de usar um tripé bom e resistente para segurar seus estroboscópios. As pessoas tendem a passar por isso, mas ter um bom tripé é uma das melhores maneiras de se preocupar com nossos estroboscópios. Além disso, você deve ter alguns cartões de memória e um refletor 5-em-1, o que permitirá que você salte a luz com diferentes texturas e cores. Como um equipamento opcional, você pode ter um cabo de ligação para fotografar e assistir suas fotos em um monitor externo ou em seu laptop. Você também pode ter um medidor de luz para fazer algumas correções no campo mais rápido. Tenha sempre em mente que, para começar, você não precisa do equipamento mais caro. Com coisas acessíveis e combinando isso com a compreensão da luz e como ela funciona, você já terá ótimos resultados. Para a próxima lição, vou dizer-lhe quais são as minhas principais referências e analisaremos como elas usam luzes. Vamos!
4. Procurando por inspiração: Nesta lição, vamos explorar o trabalho das pessoas criativas que eu admiro, assim
como fotógrafos, artistas 3D, designers
gráficos e artistas conceituais. É absolutamente necessário ter referências
no setor criativo e não apenas fotógrafos. Porque este será o ponto de partida para conhecer a nós mesmos, o que queremos fazer e quem estaremos olhando para cima, para possamos começar a desenvolver nossa carreira. Eu acho que o conceito é um aspecto muito importante para começar a contar histórias através de nossas fotos e evoluir como artistas. Por exemplo, eu amo como Eugenio Recuenco cria um mundo único e toda uma história em cada imagem, e o olho pintor que ele tem fornece aos seus conceitos uma visão poderosa. Ele tende a usar luz contínua e composições com um monte de set design, que mantém cada imagem interessante e vai fazer
você olhar para cada parte dele por horas. Sua formação em Belas Artes é bastante perceptível, bem como sua maneira particular de contar histórias. Em seu 365 Project, ele filmou uma imagem para cada dia do ano, mantendo um conceito básico, mas mudando a história dentro dele. Desta vez, ele só usa um conjunto específico para cada fotografia. Três paredes e uma janela. Veja como ele muda tudo configurando novas ideias e experimentando novas luzes, novas cores, posições da câmera ou até mesmo trabalhando com espaço negativo. Para mim, ele é o exemplo perfeito de ter uma ideia básica como ponto de partida e levá-la muito longe. Quanto a retratos e artistas de beleza, eu poderia mencionar ícones como Peter Lindbergh ou Helmut Newton. Mas para mim, Cecil Beaton é absolutamente imperdível. Beaton costumava atirar em pessoas famosas, mas de uma forma mais íntima e sensível. Ele queria normalizá-los com esses retratos impressionantes. Você também deve seguir novos talentos como Agata Serge, Cho Gi Seok, Zhong Lin, Elizaveta Porodina e Anna Rudzit para ver o que está em tendência agora e como moda, beleza e criatividade evoluíram no tempo. Elizaveta cria novas situações cheias de cor, saturação, adereços e mistura de diferentes materiais para fazer uma imagem sonhadora e poderosa, que permanece muito para Man Ray. Além disso, em uma pequena nota para a vida morta, confira o trabalho de Roberto Greco, um fotógrafo incrível e sensível que se preocupa imensamente com composição, cor e delicadeza. Procuro sempre novos meios de expressão artística, como 3D e design gráfico. Um dos meus favoritos é Peter Tarka, que desenvolve belas composições conceituais com as paletas de cores mais limpas. Além disso, este livro foi uma revelação para mim em termos de textura e uso da cor. Ele apresenta um monte de artistas incríveis com perspectivas criativas únicas. Confira, se você está interessado em ver novas formas e belas idéias. Como uma dica profissional, eu diria para ficar fora de sua zona de conforto, especialmente se você não é um iniciante. Isso irá ajudá-lo a treinar seu olho em outras disciplinas e talvez isso faça você tentar novas situações visuais. Para mim, a criatividade é o filtro de nossas idéias e temos que trabalhar sem parar nisso. Além disso, mudar seus principais referentes e estar em um processo de busca constante irá mantê-lo acordado com um monte de idéias fluindo. Agora, para esta lição, eu quero adicionar um pouco de tarefa, definindo um conceito através da criatividade. Você tem que escolher entre as idéias de dor, felicidade e esperança,
e tirar uma foto de cada um, evitando preto e branco para a dor, pessoas rindo para a felicidade, ou o uso de verde para a esperança. Evitar clichês fará você se esforçar mais para obter os melhores resultados. Na próxima lição, vamos definir o moodboard para o nosso projeto final. Siga-me!
5. Fazendo nosso moodboard: Nesta lição, vou orientá-los através do processo de fazer um moodboard consistente. Tendo todas as referências em mente, é hora de conferir o Pinterest e procurar o tipo de imagens que gostaríamos de fotografar para o nosso projeto final. Um moodboard é um documento ou guia onde vamos adicionar todas as ideias que consideramos interessantes para a nossa filmagem, para que tenhamos tudo mais claro. É uma parte fundamental
do processo de pré-produção e eu
recomendaria que você se acostumasse a fazê-lo para cada filmagem. Vou escolher algumas imagens e fazer o meu próprio quadro de humor para a sessão de moda, a sessão de beleza, e a sessão de vida morta. A dica profissional sobre o uso do Pinterest está tornando nossa pesquisa o mais específica
possível para que possamos filtrar os resultados e obter as imagens tão próximas quanto temos em mente. No meu caso, eu queria filmar uma maquiagem colorida e brincalhão, que contrasta com a pele sarda, e também colocar um par de retratos e referências de moda. Além disso, você pode ver o quadro de humor que eu
criei para a filmagem da vida morta para esta aula. Para a sessão de moda, eu queria ir para um olhar contrastado, com retratos pretos e brancos próximos e jogar mais com poses
diferentes em vez de me concentrar em roupas excêntricas. Dito isto, para as referências de retrato, fui para a “Sardenta Series” de Agata Serge, que funciona como um ótimo estudo de pose e é ideal para aprender alguma direção de modelo e processamento de cores. No caso dela, ela usa principalmente luz natural. Mas lembre-se, estas são apenas referências para poses e tiros. Tente procurar poses interessantes procurando por esse tópico específico e abra sua mente. Variedade é o que vai fazer você se destacar. O que ele mais gosta no Pinterest é que você pode procurar conteúdo
relacionado em cada imagem que você escolher e é muito fácil de organizar com pastas e pinos, que você pode definir como privado caso você não queira qualquer um para vê-los. O melhor conselho que posso lhe dar aqui é
procurar folhas de contato com diferentes posas e atuações. Isso vai criar uma biblioteca mental de opções para escolher quando você está em uma sessão de fotos. Acredite em mim, isso é realmente útil se você ficar sem idéias ou se o modelo não é muito experiente. Como fotógrafos, é nossa responsabilidade saber dirigir alguém. Será melhor para o humor da filmagem se você replicar as poses que você tem em mente, ou se você mostrar a referência ao modelo. Este foi o meu último quadro de humor para a sessão de moda. Como mencionei anteriormente, minha ideia para a sessão de beleza foi brincar com o contraste entre algumas paletas pastel e as sardas do modelo que tínhamos. O maquiador e eu trabalhamos juntos para conseguir o resultado final antes do dia das filmagens. Certifique-se de organizar adequadamente os diferentes looks. Eles não precisam ser feitos na mesma ordem que você definir em seu moodboard porque alguns produtos de maquiagem podem ser mais difíceis de tirar, e aqueles devem ser aplicados na última. Você não quer passar horas e horas no Photoshop! Acostume-se a fazer seus moodboards de beleza com seu maquiador. Não vai resolver quaisquer dúvidas que você tem. Se você quiser seguir o caminho da fotografia de beleza, você tem que aprender sobre produtos, texturas e aplicações na pele e cabelo. Este era o meu moodboard para a sessão de beleza. Para minhas fotos mortas, eu queria ir para uma imagem clássica de produto com uma garrafa de perfume. Eu queria obter um tiro temperamental com uma luz de fundo agradável para adicionar alguns tons de cor extra, que poderia adicionar mais tempero e dimensão. Tente definir seu tom ainda vida antes de você estar
na filmagem real, porque como você vai ver mais tarde, é um gênero de fotografia muito técnico, que não aceita muitas mudanças porque um pequeno movimento pode fazer você começar tudo de novo. Além disso, procure referências interessantes e tente
anotar a configuração da iluminação depois de ter aprendido um pouco sobre isso e descubra novas maneiras de configurar suas luzes. Este era o meu quadro de humor para a filmagem da vida morta. Este é um exemplo de um quadro de humor profissional que fiz para filmar com um modelo. Como podem ver, preparei um documento externo para enviar à equipe e à agência para planejar tudo. e comecei a explicar meu conceito para a filmagem, que era sobre marcas de nascença, cicatrizes, e o que quer que isso nos torne únicos e especiais. Então eu fiz uma paleta de cores no site Coolors, que permite explorar possibilidades e definir tudo melhor. Claro, aqui temos algumas fotos e referências de atuação. Eu queria ir brincalhão uma vez que a modelo também é uma excelente atriz e ela poderia entrar em qualquer humor que eu disse a ela. Esta foi a modelo que filmamos, Cecilia. Neste caso, como eu sabia quem seria a modelo, pintei sobre um retrato dela com lápis de aquarela e desenhei alguns looks para enviá-los para o maquiador, para que pudéssemos ter nossa direção criativa clara. Duas das minhas três propostas foram apresentadas para a sessão final, como podem ver nestes exemplos. O editorial foi publicado no L'Officiel. Planejar tudo fará com que você seja bem sucedido. Como uma tarefa, você terá que preparar um moodboard com um conceito explicado brevemente seu próprio, 3-4 linhas, um máximo de 10 imagens para descrever visualmente sua idéia, e uma descrição de si mesmo com seu portfólio ou fundo. Agora você está pronto para aprender os tipos de iluminação que usaremos. Vamos lá!
6. Conhecendo nossa luz: Nesta lição, você entenderá as diferenças entre luz natural e artificial. Vamos manter nossa atenção em luz
artificial e veremos luzes contínuas e estroboscópicas. Embora possa soar óbvio, fontes de luz
artificiais são tudo o que não vêm de um ambiente natural como o Sol ou o que quer que reflita a sua luz. Um estroboscópio é uma fonte de luz que contém a energia em um tubo de flash. Sempre que acionamos o controle remoto, ele libera toda essa energia em uma única descarga, e isso é o que comumente chamamos de “o flash”. Podemos limitar a quantidade de energia no painel de flash da nossa luz para que possamos usá-los com paradas F variáveis. Para marcar as principais diferenças entre estroboscópios e luz
contínua é que a potência estroboscópica é condensada em uma única descarga de flash, enquanto sua luz de modelagem funciona apenas como uma orientação da posição. Mas não é tão poderoso quanto uma fonte contínua dedicada. Por outro lado, as luzes contínuas têm um feixe de luz constante que às vezes é modificado por dimmers. Exemplos desses últimos podem ser lâmpadas HMI, fluorescentes, LEDs ou Fresnel. Independentemente, todas essas fontes de luz podem ser duras ou difusas, que é determinado pela suavidade
da transição entre os destaques e as sombras. Quando a transição não mostra médios e muito contraste,
estamos falando de uma luz dura. Por exemplo, olhe para os pontos mais altos de luz aqui em Laura. Os destaques serão concentrados na testa, no nariz e no queixo. Se você observar como a luz cai sobre este ponto, você vai encontrar as sombras duras que fazem desta uma imagem realmente contrastada. Mas se vemos um gradiente com destaques, luzes médias e sombras mais suaves, temos uma luz difusa. Aqui em Kayla, vemos uma coisa totalmente diferente. A transição é muito mais suave, embora tenhamos uma luz de borda dura na mandíbula dela. Olhe novamente para as sombras e tons médios sob seu nariz e sua bochecha, e compare essa suavidade com o impacto mais severo da luz do aro que mencionei antes. Isso pode afetar o resultado de nossas fotos, tornando-as realmente contrastes ou muito mais suaves. Dependerá do que queremos alcançar. Temos de acrescentar a isto a Lei do Quadrado Inverso, que é uma lei física que determina a queda ou a diferença iluminação se movermos a fonte para mais perto ou mais longe do objeto. Se o afastarmos do assunto, teremos uma melhor transição entre os destaques e as sombras, enquanto se o
aproximarmos, obteremos uma luz mais dura, aumentando o contraste. Lembre-se de ajustar a abertura, cada vez que você mover a luz mais ou mais perto dos assuntos. Podemos modificar a percepção e o efeito da luz movendo-a em torno do eixo horizontal ou vertical. Desta forma, podemos alcançar resultados mais intensos e dramáticos, e o mais importante, com volume e tridimensionalidade. Este é um exemplo de uma luz de aro, que consiste em mover
a fonte no eixo horizontal para iluminar as bordas do objeto. Ele é usado como um kicker, uma linha fina de um destaque em uma sombra profunda para dar volume. Se movermos a luz para uma posição lateral, obteremos uma luz lateral, que tem mais presença do que um kicker, mas cria um belo contraste para as formas. Este emparelhado com outro no lado oposto é muito usado para fotografia esportiva. Colocar a sobrecarga leve irá criar um efeito misterioso e suspense, que é bastante legal para alguma fotografia de moda mais escura ou para adicioná-lo ao cabelo claro se você estiver fotografando beleza. Se você disse que sua luz totalmente na frente de seus assuntos, você vai perder o contraste, mas você vai ter um olhar mais suave, e se você escolher o modificador certo, por exemplo, um grande guarda-chuva, você pode acender o toda a cena com apenas esta luz. É perfeito para fotografia de moda ou sessões de teste. Uma posição de ângulo baixo certamente não é muito comum como uma configuração de uma luz devido à sua aparência mais dura. Mas você pode combiná-lo com a configuração básica de beleza para fazer o efeito clamshell, que irá preencher com luz os sacos de olho e outras sombras indesejadas. Agora, vou mostrar-vos alguns exemplos do meu próprio portfólio. Aqui, você pode ver nos olhos de Amanda, a posição frontal da luz. Como você pode ver, não é muito contrastado porque eu gosto do olhar macio e queria sentir o trabalho de maquiagem consistentemente. Aqui, eu combino duas fontes de luz frontal, mas uma delas está um pouco acima da cabeça de Axinia, o suficiente para iluminar seu lindo cabelo e não perder um olhar limpo para sua pele deslumbrante. Com Jasmijn, misturei três configurações básicas. O frontal, mas um pouco acima de sua cabeça, o kicker, saltando duas luzes contra o fundo para ter uma poderosa luz aro em ambos os lados, e a configuração de ângulo baixo com um refletor. Ela está linda, não é? Neste editorial, eu queria muito contraste usando apenas uma luz. Era uma vibração escura, então coloquei um estroboscópio sobre os modelos. Você tem que estudar que humor você quer dar aos seus tiroteios que você
possa resolver a situação de não saber qual configuração é melhor para você. Este é um pouco de um processo de tentativa e erro, mas pratique e você vai torná-lo mais fácil cada vez que você atirar. Em seguida, vou mostrar-lhe o que são modificadores de luz, e quais deles são mais úteis para moda, beleza e fotografia de vida morta. Vejo você lá!
7. Modificadores de luz: Modificadores de luz serão o tempero que adicionaremos à nossa luz para definir a intenção e o humor que queremos dar às nossas fotos. O essencial será softboxes e octaboxes, que lançam uma luz suave e difusa, semelhante à luz natural filtrada através de uma janela. É realmente útil para retratos ou um tiro de vida ainda mais pintor. A caixa de tira é um modificador que se parece com uma softbox regular, mas é mais estreita. Portanto, seu objetivo principal é usá-lo para definir uma
luz de borda agradável e adicionar essa linha de destaque em uma sombra pura. Podemos ter um efeito semelhante saltando a luz contra o fundo, por exemplo, com o próximo modificador, o refletor parabólico. Ele nos dará um feixe de luz áspero, e bem usado, pode imitar o efeito da luz solar. Produz alto contraste, o que pode diminuir usando materiais de difusão. Agora, um dos meus favoritos, os guarda-chuvas. Guarda-chuvas são um dos modificadores mais acessíveis, polivalentes e fáceis de transportar e montar que você encontrará em um mercado. Eles são usados para moda, beleza, comercial, e alguma fotografia ainda vida,
exceto fotografia de produto com produtos muito reflexivos. Estes podem ter material reflexivo prateado ou branco, o
que tornará a luz mais dura ou mais suave respectivamente. Você pode encontrar os maiores para realmente barato, e você pode usá-los como um modificador mais resolutivo para quase qualquer tipo de trabalho. Distribui a luz de uma forma muito consistente e bonita. Esta é a principal razão pela qual eu amo tanto este. Se você quiser ir um pouco mais específico sobre fotografia de beleza, o Prato de Beleza vai ser seu melhor amigo. É um modificador bastante difícil de domar, mas quando você sabe como usá-lo, parece incrível. É um modificador circulado completo que contém um pequeno prato de metal dentro dele que é colocado na frente da fonte de luz. Então funciona como um segurança leve, distribuindo a luz lindamente e dando a isso um visual comercial de
beleza que todos nós queremos nessas fotos. É mais dura do que o guarda-chuva, mas mais suave do que os refletores parabólicos. E minha recomendação pessoal é usar um de 70 cm com capa branca dentro. Um pequeno modificador curioso é este snoot. Tem uma construção tubular que faz a luz se concentrar em um ponto específico de um objeto. O snoot produz um feixe de luz áspero, que pode ser ainda mais focado com uma grade. E é comumente usado para o produto e na fotografia de vida morta. Para uma nota mais comercial, é
impossível não mencionar scrims, que são grandes superfícies quadradas com material difundido, e eles são perfeitos para manter uma luz suave, mas contraste-y sem perder consistência. Finalmente, os acessórios mais comuns são grades de favo de mel, que concentram a luz fundida sobre o assunto, difundindo materiais, seguranças em diferentes versões ou filtros de cor. Eles podem ser usados habilmente para ser criativos e experimentais, e eles vão facilitar a definição de nossa intenção de iluminação, ou até mesmo ter uma luz de assinatura em nosso trabalho. Quando queremos projetar nossas configurações, a melhor ferramenta para isso é o app Shot Designer. Nós vamos fazer todas as nossas configurações com ele a partir de agora. Shot Designer é um aplicativo usado principalmente por cineastas e diretores de fotografia para liderar suas equipes facilmente e ter tudo organizado em termos de equipamentos e iluminação. Eu recomendo o uso dele porque ele vai tornar seu trabalho mais rápido, já que você já planejou tudo antes de ir para a filmagem, e você pode desenvolver alternativas se uma configuração não funcionar. Sempre que definimos uma nova cena, teremos dois modelos por padrão, e você pode excluí-los ou adicionar mais clicando na opção Adicionar caractere. Você também pode criar quantas câmeras precisar na guia Adicionar câmera. Você pode adicionar adereços se você vai ter algum set design e você quer fazer a sua mente mais rápido, ou se você tem que atirar dentro de uma sala onde
você não é capaz de mover nada dentro dela. Você pode criar seus próprios espaços adicionando conjuntos. Complementarmente à aba Props, isso ajudará você a colocar as luzes com mais precisão e até mesmo definir os modificadores que você deseja usar dependendo do tamanho do conjunto. A guia mais importante, Adicionar iluminação. Aqui você verá uma grande variedade de modificadores que podem ser renomeados e redimensionados como qualquer outro elemento do Shot Designer. Você pode definir tudo perto da perfeição. Sugiro que você adicione anotações e rótulos para dizer a diferença entre modificadores, conjuntos ou caracteres. Tendo limpo nossas referências e modificadores de luz, agora é hora de verificar as configurações de iluminação. Vamos!
8. Iluminação para fotografia de moda: Nesta lição, abordaremos as principais configurações para Fotografia de Moda. Primeiro de tudo, você vai ver como eu fiz minha pré-produção no Shot Designer. Vou te mostrar duas configurações. Vou começar a adicionar o modelo. Quem deve estar a cerca de dois metros de distância do pano de fundo. Isso é importante, especialmente para a próxima configuração. Então eu vou adicionar um Octabox como minha luz chave em um ângulo de 45 graus do modelo e um pouco acima de sua cabeça, com o estroboscópio apontando para ela. Use um grande Octabox se você tiver um por perto e isso cobrirá todas as suas necessidades, seja fotografando retratos próximos ou fazendo uma sessão de teste, que exigirá fotos mais largas. Claro, coloque um difusor no Octabox porque queremos fazer contraste, mas ao mesmo tempo, não
queremos uma luz muito dura. No lado oposto da Octa, coloque outro estroboscópio, mas mude o modificador para uma caixa de tira para definir a silhueta do modelo. Esta é uma configuração de luz muito comum porque você pode adicionar volume facilmente e é um tipo de retrato que poderia ser usado por agências para ter os livros de seus modelos mais completos. Seu trabalho não será apenas focado em iluminar a cena, você tem que dirigir um modelo e usar suas referências para obter os melhores resultados possíveis. Não tenha medo de pedir à modelo para replicar certas poses, mas certifique-se de que ela está confortável com o trabalho que ambos estão fazendo. Há sempre uma chance de mudar tudo no caso de alguém da equipe não gostar das fotos e é preferível fazê-lo em vez de ser desconfortável ou com situações tensas. Escuta sempre a tua equipa! Quando se trata de dirigir um modelo, nossas referências visuais nos ajudarão a ir em uma direção mais interessante e podemos replicar essas poses por nós mesmos para que o modelo possa entender o que queremos. Posicionar as mãos e fazer o olhar mais intenso abaixando o queixo é fundamental para ter as melhores fotos para isso. Poderíamos tentar levantar o queixo para termos uma atitude desafiadora, e isso é muito comum na fotografia de moda. Para fazer uma recapitulação, trabalhe com o Octabox como a luz chave e coloque-o em um ângulo de 45 graus do modelo. Use uma caixa de tira para ter uma bela luz de aro. Não se esqueça de dirigir e trabalhar em equipe. Para a segunda configuração, vamos usar apenas uma luz e um modificador, meu lindo guarda-chuva branco. Coloque-o atrás de você e acima da cabeça do modelo, mas não fazendo uma configuração de sobrecarga e sinta-se livre para atirar. Será a configuração mais fácil que faremos hoje. Se você experimentar com isso, você pode aplicar o conhecimento de lições anteriores. Lembre-se da Lei do Quadrado Inverso, se você quiser obter contraste com este modificador suave, coloque a luz mais perto do modelo. Mas se você também quiser iluminar o fundo, coloque-o ainda mais. Se você estiver trabalhando em um estúdio e ele for fornecido com um suporte de luz da lança, use-o para mover a luz facilmente. Se você tiver a chance de usar um medidor de luz para saber como fazer medições
rápidas no campo para alterar as configurações da câmera se houver algo errado ou para ajustar a potência do estroboscópio. Um medidor de luz é uma ferramenta que recebe luz e, dependendo das configurações que você tem em sua câmera, ele irá calcular a exposição correta, dando-lhe um valor de abertura. Minha recomendação é que você configure-o para o modo flash se você estiver trabalhando em um estúdio, defina sua câmera para 1/200 e 160 ISO e tente alcançar cerca de f/8 a f/16, que será perfeito para as configurações de moda e beleza. Lembre-se, um guarda-chuva branco é a melhor e mais acessível opção para começar a fotografar moda. Utilize um medidor de luz para se certificar de que está a utilizar a energia e as definições adequadas. Defina tudo para pelo menos 1/160 e 160 ISO. Para moda e beleza, tente filmar entre f/8 e f/16. Aqui você tem alguns exemplos dos resultados da minha filmagem. A primeira parte do projeto de classe principal começa aqui. Você tem que fazer uma sessão de moda, tentando uma das duas configurações que eu ensinei. E, em seguida, entregar uma imagem em JPEG. Pratique essas configurações e sempre que você se sentir pronto, comece a próxima lição onde eu estarei cobrindo algumas
configurações para fotografia de beleza. Vejo você lá!
9. Iluminação para fotografia de beleza: Nesta lição, abordaremos as principais configurações de Fotografia de Beleza. Esta é a minha cena no Shot Designer para o primeiro look de beleza. Começamos a construí-lo criando o modelo e a câmera, meu 7D com a lente macro de 100mm. Depois disso, vamos para a guia de iluminação e selecione a Softbox, que será renomeada como Prato de beleza. Vamos escalá-lo e especificar a dimensão do modificador, neste caso, 40cm. Vou adicionar uma luz PAR, que será renomeada como refletor parabólico. Vai lançar a luz contra o fundo. O objetivo deste refletor parabólico é soprar o pano de fundo com luz, obtendo uma luz de borda bonita e macia e um fundo limpo. Você pode adicionar outro para preencher a cena um pouco mais. Eu também adicionei um par de V-Flats, apenas no caso de eu gostaria de ter mais contraste com seus lados pretos ou preencher com mais luz usando os lados brancos. Lembre-se: o Prato de Beleza deve estar sempre acima da cabeça do modelo e do fotógrafo. Poderíamos ter um ou dois estroboscópios soprando o fundo com força
quase total para criar uma luz de borda na cabeça e no corpo do modelo. Podemos ter V-Flats opcionais para gerar mais contraste ou saltar um pouco mais de luz. Finalmente, a câmera deve estar um pouco sob a aparência do modelo. A primeira foto de cada olhar é o nosso guia para ver se há algo para corrigir. Temos que ser extremamente cuidadosos com cada detalhe. Temos que confiar em nossa equipe e estar confiantes o suficiente para dizer ou perguntar se eles precisam dar uma segunda olhada na maquiagem, o que reduzirá muito a quantidade de trabalho de pós-produção. Em termos de direção do modelo e, posicionamento
da câmera, temos que estar um pouco abaixo dos olhos do modelo. Enquanto ela deve estar sempre olhando direto para a câmera ou dizendo para ela se queixar. Ao usar o Prato de Beleza, tente posicioná-lo tão próximo quanto o diâmetro das marcas do modificador. Porque se formos longe demais, não
teremos o visual de beleza. Você pode colocar um refletor prateado ou branco sob o corpo do modelo, que irá preencher com luz, os olheiras e teremos o visual comercial de beleza clássico. Isso também é conhecido como a concha. Estes foram os meus resultados para este primeiro olhar, como você pode ver, o esquerdo foi baleado apenas com a luz dura
do prato de beleza e o direito com o parabólico e a beleza combinados. Eu também usei meu refletor de prata, para fazer esse efeito de concha neste. A maneira perfeita de liderar uma equipe em uma sessão de beleza é ter referências visuais
claras e diferentes looks de maquiagem. A próxima é uma das minhas configurações favoritas usando o guarda-chuva prateado. Desta vez você tem que se preocupar com a distância entre o modelo, o fundo e a luz. Se o modelo estiver muito perto do plano de fundo, poderíamos gerar um resultado plano com quase nenhum contraste. Queremos volume, então vamos separar o modelo e o plano de fundo. Vamos colocar o guarda-chuva não apenas acima de nossas cabeças, mas também apontando para o corpo da modelo como se você estivesse tentando cobri-lo. Isso fará uma luz mais envolvente com um resultado muito consistente. Para fazer uma recapitulação, use seu guarda-chuva apontando para o modelo para cobrir todo o conjunto com luz. Defina a distância adequada entre o plano de fundo, modelo e o estroboscópio. Você também pode adicionar um refletor ou outro estroboscópio para fazer o efeito clamshell, bem
como V-Flats. Diga ao modelo para se queixar e tentar cortar com sua lente para fazer um close-up poderoso. Estes foram os meus resultados usando o guarda-chuva e
juntando-se a um maquiador criativo para desenvolver um belo resultado, e usando apenas uma fonte de luz com um grande guarda-chuva. Impressionante, certo? Você tem que treinar muito seu olho para ser capaz de fazer esses close-ups extremos. Mas lembre-se, a prática faz um mestre. Se a modelo tiver a cabeça muito baixa, você terá muito contraste geral e ela não terá a luz refletida em seus olhos. Dizer a ela para se queixar vai ser uma direção freqüente se você começar a fotografar beleza. Agora é a sua vez de tentar fotografar um olhar de beleza. Trabalhe com um maquiador e um modelo e experimente uma das configurações que eu cobri. Sempre que você se sentir pronto, siga-me para a próxima lição, vamos construir uma configuração de iluminação para uma Still Life. Vamos lá!
10. Iluminação para fotografia de natureza morta: Esta lição será sobre como podemos criar um tiro com 7-8 fontes de luz, mas apenas com um ou dois estroboscópios. Siga-me e verá o truque disso. Este é o resultado que obtive da minha foto de vida morta, e esta é a configuração. Como você pode ver, há muitas fontes de luz, mas nós realmente não precisamos desses muitos estroboscópios. O truque é ter claro o olhar que queremos, e começar a encontrar a posição para o nosso produto. Depois disso, temos que fotografar uma foto quase sem luz, o mais escuro que pudermos. Então vamos começar a adicionar diferentes fontes, luzes chave, luzes aro, realçadores de detalhes, feixes
sutis, uma luz para o pano de fundo... Teremos cerca de 5-7 fotos, dependendo de quantas luzes queremos, e vamos colocá-las todas no Photoshop. Então vai haver um pequeno
retoque de empilhamento para misturar todas essas luzes em apenas uma imagem. Claramente, esta é a mais difícil de todas as configurações que estamos cobrindo hoje. Isso requer ser preciso e cuidadoso, então vamos entrar nisso! Em primeiro lugar, eu recomendo que você coloque sua garrafa e uma placa reflexiva em um tripé resistente. Encontre a altura e a colocação final da garrafa
e, em seguida, use um pouco de material adesivo como Blu-Tack para colar o objeto na placa. Não queremos que ele se mova. Uma vez que fizemos este lugar a câmera, tentar ajustá-lo na mesma altura que a garrafa, pelo
menos para começar, e fixar a sua posição em um tripé. Tenha cuidado com movê-lo uma vez é configurado também, como eu mencionei que vamos empilhar algumas fotos no post. Agora a parte divertida, iluminar a cena. Defina um fundo com um papelão preto e atrás dele configure um estroboscópio com uma Softbox retangular. O cartão não vai funcionar apenas como pano
de fundo, mas também vai funcionar como uma bandeira. Na fotografia e na cinematografia, uma bandeira é um objeto que bloqueia luz e é precisamente isso que vamos fazer com o estroboscópio por trás dela. Por quê? Porque desta forma vamos dividir esta luz traseira em duas lindas luzes de aro. Eu recomendo que você use um controle remoto do obturador ou
o temporizador interno da câmera para evitar qualquer movimento possível ou agitação que você poderia fazer acidentalmente. Uma vez que você filmar este, afaste o papelão preto e atire novamente. Você já fez uma máscara no Photoshop? Esta é a maneira manual de fazer isso e isso facilitará o retoque e o processo de empilhamento porque
processaremos a imagem sem comprometer o resto dela. Assim que resolvermos isso, vamos para as outras fontes. O próximo seria a nossa luz chave, que é um estroboscópio com o Softbox que usamos anteriormente, mas em um ângulo de 45 graus do objeto, cobrindo sua altura, tente atirar cobrindo parte da Softbox com outra bandeira se você quiser obter uma luz uniforme dependendo da garrafa. Neste caso, eu precisava disso, então eu cobri diferentes áreas para ver qual delas funciona melhor. Já temos três fotos, vamos para a próxima. Coloque outro estroboscópio para o lado oposto da luz chave e usando uma caixa Strip, vamos acender um pouco mais da garrafa e especialmente a tampa. Como você pode ver, estamos iluminando os objetos individualmente e podemos fazer isso com apenas uma luz, mas lembre-se sempre de ser preciso para que nosso truque funcione melhor. Quatro fotos feitas, vamos com a quinta. Como você pode ver, não podemos ver o logotipo, mas usando o mesmo estroboscópio com um snoot vamos resolver este problema. Um snoot é um modificador que concentra a luz em uma peça específica, e vamos apontá-lo diretamente para o logotipo da marca. Mas como você pode ver, nós não temos tudo coberto da mesma maneira. Como consertamos isso, então? Pegue um pedaço de papelão branco e coloque-o sob o logotipo. Atire quantas vezes você precisa mover o papelão para cima e para
baixo para obter toda esta parte coberta de luz, ser paciente e você vai tê-lo. E a sexta e última imagem: Coloque um estroboscópio embaixo do tripé, que segura a garrafa, e usando o refletor parabólico apontando para o fundo. Isso criará um feixe como o que temos em nossas referências e podemos transformá-lo em qualquer cor que quisermos. Talvez devêssemos tentar um belo roxo nele! Eu usei uma grade nele para concentrar a luz um pouco mais, mas isso não é totalmente necessário. Para fazer uma recapitulação, antes de tudo, seja paciente e não se apresse. Isso é muito técnico, mas tenho certeza que você será capaz de obter um resultado incrível. Seja delicado mover-se ao redor da câmera ou da base do objeto. Experimente diferentes modificadores, experimente ângulos de câmera
e, o mais importante, não tenha medo dos estroboscópios! Bandeiras e tábuas vão ser seus melhores amigos aqui. Para o processo de retoque, selecionei minhas fotos favoritas, as
exportei e as coloquei no Photoshop. A chave para isso é usar as máscaras, invertê-las e pintar sobre a imagem base que você deseja. Então, passo a passo, você estará adicionando mais fontes de luz à sua imagem. Para o logotipo que eu substituí, aquele que foi aceso com o snoot criando uma máscara com a ferramenta Caneta (P). Fiz uma máscara de recorte tão refinada quanto pude apenas selecionando-a, invertendo-a e obtendo instantaneamente o logotipo que eu queria. Lembra-se da imagem da máscara manual? Aí vem ele. Depois de resolver a iluminação do logotipo, podemos selecionar e refinar nossa imagem usando a ferramenta Seleção rápida no Photoshop pressionando “W”. Crie uma máscara a partir dele e substitua as máscaras invertidas no resto das imagens. Com a ferramenta Pincel, limpe algumas arestas e detalhes que deseja apagar. By the way, ao mascarar a garrafa não se esqueça de fazer o mesmo trabalho em seu reflexo. Por último, mas não menos importante, eu quero virar para roxo o feixe de luz no fundo. Acho que pode criar um belo contraste. Com o Ajuste Seletivo de Cores podemos transformar este cinza em um poderoso roxo mascarando o feixe de luz. Aqui você tem novamente os resultados. Como você pode ver, eu também filmei um com um ângulo de câmera diferente. Espero que goste muito deles! Agora é a sua vez, pratique esta configuração com algo que você tem ao redor e crie uma bela cena compondo camadas de luz. Na próxima lição, veremos como trabalhar em cores e melhorar a aparência do nosso trabalho. Vamos lá!
11. Colorir nossas fotos: Esta lição abordará o meu processo de preparação das imagens no Capture One para ter a edição de cores mais próxima para o resultado final. O que eu prefiro ajustar no início são os parâmetros de exposição. Você pode encontrá-los na guia Exposição no Capture One. Dentro dele, vamos ver um monte de controles, como exposição, contraste, brilho e saturação. Com a Exposição, vamos expor ou subexpor nossa imagem se precisarmos compensar nossa foto inicial. O contraste aumentará ou diminuirá a transição entre realces e sombras. Se o puxarmos para baixo, obteremos mais luzes e lavaremos as sombras um pouco. Mas se puxarmos para cima, teremos destaques e sombras mais fortes. O Brilho aumentará o poder dos destaques, mas tenha cuidado, aumentar o Brilho não é o mesmo que aumentar a Exposição. Quando aumentamos a Exposição, estamos modificando a intensidade geral da iluminação, mas com o Brilho, estamos apenas ajustando os destaques. Uma imagem brilhante não é a mesma que uma superexposta. A saturação irá definir o sinal de cor final da nossa imagem. Se diminuirmos abaixo de zero, a imagem perderá cor. Se alcançarmos valores maiores que zero, nosso sinal de cor será mais forte, mais vívido. Todos esses controles devem ser modificados levemente. Capture One tem a vantagem de permitir que você altere qualquer coisa fazendo correções sutis, então tente não editar demais. Temos de cuidar das nossas técnicas de iluminação, mas também devemos fazer o mesmo com o nosso processo de coloração. Na aba High Dynamic Range, podemos editar a intensidade
dos destaques e sombras de uma parte específica da nossa imagem, bem
como os tons preto e branco. Com o Clarity, você pode suavizar a textura da pele ao usar um valor negativo. Bem, isso irá melhorar alguns detalhes se você der um valor positivo. É especialmente útil para sardas, sobrancelhas, cabelos e outras texturas interessantes. Encontraremos abaixo o parâmetro Structure, que definirá um pouco mais as linhas das formas dentro da nossa imagem. Funciona de forma semelhante a um filtro de passagem alta. Para modificar tons claros e coloridos, teremos as Curvas e os Níveis. Mas o que eu prefiro usar é o controle de curva. Estou acostumado a isso e acho mais fácil. Você pode diminuir os tons de cor dominantes para corrigir sua imagem geral. Se, por exemplo, parecer mais verde ou avermelhado do que deveria ser
, modifique a exposição nos controles Cor e Luma. Experimente com ele e encontre sua maneira de trabalhar com eles. Eu sugiro começar por fazer essas correção clássica em forma de S, que geralmente funciona muito bem. Na guia Cor, vamos encontrar Ajustes de Balanço de
Branco caso você queira refiná-lo um pouco mais, e as Rodas de Cor, que podem afetá-lo de forma geral com o Controle Mestre, mas também podem ser divididas em três rodas; Sombras, tons médios e destaques. Desta forma, você pode matizar com cores os diferentes tipos de luz da sua imagem. Uma das minhas configurações de cores preferidas é o controle preto e branco, que permite que você altere a intensidade de cada tom de cor individualmente, diminuindo ou aumentando sua potência de luz. Você pode criar contraste pesado de preto e branco com estes, e é muito divertido fazê-lo. Além disso, você pode dividir os tons no topo ao lado dele. Que alteram a cor dos realces e sombras com os painéis de matiz e saturação. Finalmente, um truque divertido que sempre gosto de mostrar. Você pode mudar de cor usando uma máscara seletiva, e acredite em mim, isso é bastante impressionante. Vá para a guia Camadas e crie uma Nova Camada de Ajuste Vazia. Em seguida, pressione “B” para selecionar o pincel e pintar onde quiser mudar a cor. Se você não conseguir ver nada, pressione “M” para mostrar a máscara que você pintou. Como você verá, não precisamos pintar exatamente a mesma forma, mas podemos pedir ao Capture One para fazê-lo. Vá para a camada em que você está trabalhando, clique com o botão direito nela e selecione “Refinar Máscara”, e ela se adaptará à forma que você pintou. Em seguida, você estará pronto para jogar com qualquer mudança de cor ou luz. Legal, não é? Agora, para exportar a imagem, certifique-se de que você selecionou a receita certa, definindo a saída em TIFF, 16 bits e 300 PPI. o botão direito nas imagens que queremos exportar, pressione, “Exportar variantes” e voilà. Com alguns pequenos toques, teremos nossa imagem pronta para exportar. Ao usar o Photoshop para beleza e moda, podemos nos encontrar em algumas situações que precisamos corrigir. Para a beleza, talvez precisemos apagar algumas espinhas ou algum cabelo que não deveria estar lá. Para espinhas, eu gosto de usar a Ferramenta de Patch. Você pode encontrá-lo pressionando “J.” Se você alternar as opções desta ferramenta, você encontrará minha primeira escolha quando se trata de apagar coisas finas. A ferramenta Pincel de cura de pontos. Lembre-se, não retoque demais. A melhor coisa a fazer é apagar as coisas temporárias e não modificar o modelo para um ponto exagerado. Para situações como a que vemos nesta imagem, podemos apagar os modificadores do fundo com a mesma Ferramenta de Patch e adicionar
os pedaços de fundo que precisamos com a ferramenta de carimbo de clonagem. Se você quiser ter um processo de clonagem perfeito, use a ferramenta Caneta para selecionar onde deseja trabalhar. Cada vez que você usar a Ferramenta Carimbo de Clone, ela afetará somente essa área. Experimente cores e compartilhe suas edições aqui conosco. Na próxima lição, vamos terminar e fazer uma pequena recapitulação antes de começar a fazer o seu projeto. Venha comigo!
12. Considerações finais: Parabéns por terminar a aula! Espero que tenha achado interessante e aprendido muito. Para fazer uma pequena recapitulação, abordamos como procurar as melhores referências artísticas, como criar um quadro de humor, e como iluminar cenas diferentes, tendo em mente as diferenças essenciais entre luz dura e difusa, luzes contínuas e estroboscópicas, e como os modificadores funcionam. Além disso, criamos três fotos: uma para a moda, uma para a beleza, e a última, uma composição de vida morta. Estou muito animada para ver o que você fez. Não se esqueça de compartilhar seu trabalho aqui e nas redes sociais, e me marcar para que eu possa passar pelo que você fez, e dizer o que eu acho. Fotografia é um pouco de sucesso, mas eu tenho certeza que você vai encontrar o seu caminho se você tem tudo claro. De qualquer forma, se tiver alguma dúvida, fique à vontade para deixá-las lá em baixo. Obrigado por participar desta aula, e espero vê-los novamente em breve! Tchau!
Jose Carvajal, Beauty photographer from Spain.
