Fotos conceituais com propósito: domine a narrativa visual com fotografia

1. Introdução ao curso: Oi, eu sou Josh aparece e eu estou feliz em recebê-lo ao meu curso on-line e a narrativa artificial. O objetivo principal deste curso é que você entenda como a narrativa visual funciona para que você possa criar imagens mais significativas. Então eu não vou ensinar a parte técnica porque é perfeitamente possível aprender isso sozinho. Estaremos aprendendo a pensar e 2D conceitualmente. Vamos mergulhar profundamente em nossas mentes e ferramentas para que possamos encontrar essas idéias significativas neste curso on-line, eu coletei todo o meu conhecimento e experiência e ainda isso em dez módulos de aprendizagem com muitas tarefas práticas. Nessas dez semanas, aprenderemos sobre cinco regras básicas para ajudar você a contar ótimas histórias com suas fotos. Técnicas práticas para gerar ideias instantaneamente. Formas de grandeza, trabalho autêntico e significativo que irá ressoar com o seu público, vai falar sobre o que fazer quando você ficar preso e descobrir ferramentas simples para iluminar completamente blocos criativos. Também discutiremos por que e quando trabalhar em imagens sérias e não individuais. Como resultado de completar o curso, você entenderá como contar histórias visuais significativas. Treine sua mente para criar conceitos facilmente. Você nunca terá medo de ter blocos criativos. Novamente. Você terá um roteiro claro de ideias para seus futuros trabalhos conceituais. E juntos vamos gerar um tópico para uma série de trabalhos para você. E, claro, você também precisará de seus colegas criativos de todo o mundo para poder participar plenamente do curso, você precisará, em primeiro lugar, computador pessoal com câmera de acesso à Internet, que você é confortável com. Isso é recomendado, mas opcional, uma vez que você não será obrigado a filmar muito. Próximo de duas a seis horas por semana para completar os exercícios. E o que é muito importante é a autoconsciência intencional e a consideração. E, claro, muito entusiasmo e desejo de experimentar. Acredito que a parte mais valiosa deste curso é a prática. É por isso que eu quero que você realmente se beneficie de todos os materiais que eu lhe dei e coloque em prática imediatamente. Preparei muitos exercícios práticos para você. No entanto, eu entendo que todos nós podemos ser pressionados por tempo e ter vidas ocupadas. É por isso que eu não espero que você atire para cada tarefa, mas pelo menos desenha caches e explicações secas para eles. Então, sim, neste curso vamos falar muito sobre criar magia, surpreender pessoas e contar histórias visuais. Sei que deve soar muito interessante e excitante, mas ao mesmo tempo pode ser um pouco intimidante também. Eu acho que você está aqui porque você quer fotografar imagens que são semelhantes às minhas. Mas deixe-me adivinhar que pode haver dúvidas. O que tenho eu não tenho o talento. Mas se eu não tiver as idéias, se minha vida for chata e eu não tiver uma história para contar, se eu não souber contar histórias? E se eu não tiver o fundo certo para colocá-lo no modo certo para este curso? Deixa-me dizer-te uma coisa. Você pode atirar como eu ou melhor ainda. Não existe tal coisa como talento especial. Você pode e espero que vai dizer mais profundas preocupa-lo maneiras melhores. Você pode elevar sua criatividade para incríveis novos níveis altos, mas você precisa trabalhar para isso e o trabalho muito. E neste curso e com esta comunidade, você tem um espaço muito seguro para fazer isso. 2. Módulo 1: a Pyramid de mestres: Antes de mergulharmos na carne do curso e falar passado hotel com fotografia, deixe-me compartilhar a pirâmide de domínio com você. Aqui um par de meus pensamentos sobre como você pode chegar ao estágio de quando você cria. São histórias fantásticas e significativas que todos queremos criar. Deixe-me compartilhar a pirâmide mestre de sim, isso foi criado por mim e reflete meu ponto de vista sobre recombinante grande fotógrafo ou qualquer outro tipo de arte é. Então você pode concordar ou discordar disso. Mas é assim que eu digo. Primeiro, você tem que reconhecer o interesse em sua área. Você já encontrou sua arte visual, seja fotografia, videografia ou qualquer outra forma. Mas você já tem uma profunda curiosidade sobre se expressar visualmente. E então vem o estágio de treino. Também pode chamá-lo de fase de criação. Quando você está interessado e tem vento pequeno e sua área de interesse, você está motivado a explorar esta área mais. Este é o estágio em que você cria nosso experimento de lote em descobrir, falhar, copiar, imitar, cirurgião para você e seu estilo e fazer tudo de novo. Em algum momento, sua arte visual começa a ser claramente reconhecível. E isso é o que eu chamo de palco de estilo. Nesta fase, você sabe muito sobre o seu ofício e já pode brincar com ele. Você também obtém uma compreensão sobre suas preferências visuais, quais elementos visuais você deseja ou não ter seus trabalhos. E só depois disso, você pode criar essas imagens significativas, aquelas obras-primas impactantes estavam todas querendo criar. Este é o nível de onde alguns de nós ficam presos porque a parte visual do estilista lá, você tem o trabalho que criamos não traz o cumprimento que queremos obter de ser um fotógrafo em primeiro lugar. O que ele precisava, os estágios, a aprendizagem que vivenciam, são realizações. Eles resolvem os problemas do passado e os traumas superados, auto-desenvolvimento, se você quiser. Essas coisas nos ajudam a nos tornar melhores artistas e tornar nosso trabalho mais profundo e autêntico. E enquanto você está fazendo todo esse trabalho em si mesmo, você pode criar essas imagens significativas que você está aprendendo a criar, essas obras-primas impactantes. E esta é a minha definição de domínio. Ser capaz de criar um trabalho profundo e significativo que ressoa com outras pessoas e causa um impacto. E, por favor, não se intimide com a palavra Maestria. Acredito que está disponível para todos nós. E novamente, vêm em uma variedade de formas e formas. Duas obras-primas não precisam estar nas paredes do museu. Se esse não é o seu objetivo. Eles podem simplesmente tornar a vida de outras pessoas mais bonita, quente, emocional, confortável. Mas o mais importante, eles serão uma maneira você expressar seu eu único para a garganta. E farão de você um ser humano mais feliz. Mas só se você fizer todo o trabalho, o que não será fácil. Mas arte de verdade não deveria ser. É por isso que se chama Art. Muitos de vocês estão no nível de querer um pouco no nível três deste pai. Se você está no fundo desta escada, apenas saiba que não há problema em estar lá. Dê tempo a si mesmo e deixe-se explorar o artista dentro de você. Tudo virá com o tempo. E minha esperança é que a narrativa artificial te ajude com a gente. 3. Módulo 1: o que é fotografia conceitual?: Nesta lição, quero dizer algumas palavras sobre o que é fotografia conceitual e como ela é diferente de outros tipos de fotografia. Tenho certeza que você já ouviu muito o termo fotografia conceitual. Todos nós entendemos que tipo de fotografia é este curso. No entanto, ainda assim, não existe uma definição clara para ele. Algumas pessoas chamam de soma conceitual, soma finita, criativo, algum conto de fadas ou sonhos como Tetra. Outros falam a palavra narrativa. No entanto, existem três características básicas que diferenciam esse tipo de fotografia. E eles são, em primeiro lugar, fotografia conceitual é encenada, que significa que você conscientemente selecionar os modelos, os adereços de localização para criar uma imagem. Ele sempre faz uplink, ir e procurar por uma cena nas ruas. Você não captura momentos da vida real. Não é um documentário ou um Taj de borracha. Com a fotografia conceitual, muitas vezes você imita algum tipo de ambiente que ajuda você a introduzir algum conceito. Portanto, ao falar sobre fotos conceituais estará falando sobre diferentes elementos de uma imagem como co-localização, luz, cores, um tetra. Em seguida, a fotografia conceitual sempre tem uma ideia ou conceito por trás dela. Este é o y para o qual a fotografia é criada. Geralmente há um tópico, um tema ou um problema que interessa profundamente ao fotógrafo. É por isso que ele ou ela quer filmar esta imagem em particular. Às vezes, essa ideia ou tema se revela somente depois que a imagem foi criada, mas está sempre lá. No entanto. A próxima fotografia conceitual está aberta à interpretação. E essa é a melhor parte das fotos conceituais. Eles são como romances que serão interpretados pela base do leitor sobre o fundo do leitor e visão do mundo. A interpretação pode, por vezes, ser muito diferente do que o artista tinha em mente. Isto é o que geralmente torna essas imagens intrigantes, divertidas e provocadoras. Você pode contar histórias com qualquer tipo de fotografia, não apenas belas artes reais. Pode ser Rua, viagens, retrato, moda ou até fotografia de comida. Nas próximas aulas, ainda, estaremos focando principalmente na fotografia conceitual. Se você já tentou fotografar uma imagem conceitual antes. Faça este exercício simples, tire sua foto conceitual e mostre a três de seus amigos. Pergunte-lhes qual é a cena, a imagem, o que é essa turnê que aparece em suas mentes? Que tipo de emoções eles sentem ao interagir com a queda de ar? Você vai se surpreender com o quão diferentes as respostas podem ser umas das outras e do que você tinha em mente ao criar seu trabalho. 4. Módulo 1: a importância de ser um narrador: Não é uma coincidência que no mundo da arte contemporânea de hoje, que inclui também a fotografia, galerias, curadores, marcas são afirmações para fotógrafos que são capazes de contar grandes histórias visuais. Boas cartas de contador de histórias estão em grande demanda. Vamos dar uma olhada mais de perto por que isso acontece. Contar histórias visuais tornou-se uma espécie de palavra-chave hoje. ainda há uma grande ambiguidade sobre o que é contar histórias visuais e por que é importante. O termo é relativamente novo e não existe uma definição geralmente aceite para ele. Vantagens da Wikipédia como muito simplesmente uma história contada principalmente através do uso de mídia visual. Sim, o termo é novo, mas a narrativa visual existia há muito tempo. Desde que os humanos caminharam pela primeira vez na Terra, eles contaram histórias e histórias visuais vieram muito antes das escritas e faladas. Lembra-se dos desenhos das cavernas? Sim, estas foram as primeiras histórias visuais. Aqui você pode ver as primeiras pinturas rupestres do mundo em uma caverna na Indonésia. Foi criado há 35 mil anos. E, a propósito, os textos foram inventados apenas 32 mil anos depois. Depois das histórias de animais Han, chegamos até as artes visuais de hoje, como fotografia, livros ilustrados, quadrinhos, videogames, Instagram, Snapchat, Hollywood, filmes 3D e realidade virtual. Então, além de ser o primeiro meio de comunicação humana, por que contar histórias é importante? E por que você deve tê-lo como componente-chave para reemitida? Aqui fora minhas seis principais razões. E antes de tudo, uma história atrai a atenção e levou a mantê-la. No mundo de hoje, quando os seres humanos são enterrados e todo tipo de informação visual agarrar sua atenção torna-se crucial. status mostra que a atenção humana se tornou menor do que a de um peixinho dourado. Basta pensar nisso. Hoje, são oito segundos. Isso é um segundo inteiro a menos do que os nove segundos de tempo de atenção do peixinho dourado médio. E se você quer que seu trabalho seja visto, você precisa encontrar algo que chame imediatamente a atenção do seu público e segurá-lo. E a história é a primeira coisa que fala ao espectador da imagem. Mantém-nos interessados no que se passa no quadro. Podemos então adivinhar o que aconteceu antes e o que acontecerá depois disso, o que é mostrado na imagem. Podemos criar uma narrativa completa para o assunto principal enquanto vemos uma foto. É por isso que historiador 3x telespectadores e atraí-los para uma imagem. A segunda razão seria uma história que faz as pessoas se lembrarem da sua ideia. Sim, histórias são lembradas muito melhor do que fatos e , portanto, são facilmente reproduzidas e transmitidas mais adiante, esquecemos nomes e rostos. Esquecemos o que aprendemos na álgebra do ensino médio. Bem, porque era álgebra do ensino médio. Mas uma boa história, queremos esquecer. Isso acontece em grande parte porque os turistas escolheram nossas emoções e quando conectamos fatos com emoções, eles são lembrados melhor. Já se perguntou por que Coca-Cola e vantagem do olhar contemporâneo para Santos. E ele usa até hoje em seus comerciais. Deixe-me dar-lhe outro exemplo. E ambas as fotos incluem burocracia, mas a foto à esquerda tem uma história. Podemos interpretar o que está acontecendo e a imagem de várias maneiras. Podemos pensar no que aconteceu antes da imagem ser tirada e o que vai acontecer no futuro seria definitivamente centralizar movimento lançado que está vindo da imagem. Ao mesmo tempo. Quando vemos a imagem à esquerda, não sentimos nenhuma emoção sobre os fatos estão representados aqui. Agora, deixa-me perguntar-te isto. Qual deles você vai se lembrar melhor? Acho que a resposta é clara. E agora a terceira razão como história é impactante. E como uma imagem simples que só dá dados aleatórios ou fatos como a imagem de contar histórias inspira as pessoas, faz com que elas pensem e sintam. Em outras palavras, ele pode ter um impacto maior no espectador. Muitas vezes, uma história faz com que as pessoas mudem suas crenças, atitudes e opiniões. Basta pensar sobre isso. Mais uma vez. Pode mudar as crenças, atitudes e opiniões das pessoas. Grandes histórias nos ajudam a ilustrar fatos e nos ajudar a entender melhor algum fenômeno. Através disso, eles também podem facilmente transformar nosso comportamento e fatos sozinhos não podem. Tema, que é você capturar, não pode ser apenas sobre você. Talvez você queira iluminar uma causa social ou uma injustiça, ou simplesmente fazer as pessoas reconhecerem ou se tornarem conscientes de algumas coisas acontecendo ao seu redor despercebidas. Nessas situações evocam em emoções fortes através da narrativa, a fotografia pode fazer mudanças sociais ou obrigar as pessoas a agir. Vamos dar uma olhada nesta foto de Tyler Shields como um exemplo. Aqui está o que ele diz sobre esta imagem. Barriga requer um nível de dedicação que a maioria das pessoas não está disposta a dar. Há algo sobre ultrapassar aquele ponto em que as pessoas dizem que você é louco e você sabe que você está fazendo exatamente o que você está destinado a fazer. O sucesso não vem sem trabalho duro. Agora pense nisso. Será que essas palavras ou algumas estatísticas sobre dedicação de entradas válidas fazer a mesma impressão em você como esta imagem. Duvido muito disso. Agora o quarto motivo, ele ajuda você a se destacar e traz sucesso comercial. Agora, voltando ao que começamos, sim, discurso, galerias, colecionadores e compradores terríveis. E mesmo, ou talvez espacialmente casais que procuram um fotógrafo de casamento irá encaminhar mais para aqueles profissionais que podem contar uma história sólida com o nosso trabalho. Por quê? Enquanto vamos encarar, fotografia sem contar histórias é apenas uma mercadoria. Qualquer fotógrafo que seja tecnicamente bom, mas tire fotos de fatos justos. E aqui você pode pensar em picaretas de webstore, fotos de passaporte, fotos da cena do crime podem ser facilmente substituídas por alguém que faz o trabalho mais rápido, mais barato ou melhor. Agora, se você me perguntar, você pode ser comercial de sucesso sem aspecto de contar histórias estar presente em suas imagens? Minha resposta será sim, especialmente quando você criar essas fotos de commodities como Webster picaretas, olhar livros, fotos de passaporte, e em muitos fotógrafos que podem obter fotos tecnicamente perfeitas de qualquer coisa. E a história não é tão importante para eles. E eles não precisam enviar seus principais técnicos. Como qualquer que seja a verdade da vida é tal que os técnicos podem ser facilmente substituíveis. Por quê? Exatamente porque eles não são únicos. Qualquer um pode fazer o que faz. Contadores de histórias são diferentes. Você pode gostar ou não do detalhe de armazenamento, mas você definitivamente reconhecerá suas imagens e lembrará delas. Agora, se você quer colocar seu trabalho em paredes de galeria, histórias contadas Naughton, imagens individuais aleatórias. Mas na coerência série de obras será o que os curadores vão pedir de você. Galerias sabem que, a fim de comprar, arte, colecionadores precisam se conectar com isso. Eles têm que entender isso. É por isso que eu incluí um módulo inteiro sobre contar suas histórias em série. E no final deste curso, você terá uma nova série brilhante de sua própria mapeada e pronta para filmar. Motivo número cinco, uma história liga você ao público. Na era digital, estamos mais conectados do que nunca. No entanto, muitos de nós se sentem desconectados. Por que estamos nas redes sociais todos os dias? E o que o nosso cirurgião estrangeiro Google, uma conexão humana e mais experiências contadas através de histórias. Muitas vezes, a conexão mais forte emerge quando as histórias das pessoas que são semelhantes aos seus próprios, Essas histórias ajudá-los a se sentir não sozinhos. Por exemplo, se Dane ou Bill, que teve um trauma profundo e história de ano que reproduz sua situação. Eles podem entender que as coisas que aconteceram com eles também aconteceram com outras pessoas. E se essas pessoas foram capazes de superar as dificuldades então Jain e Bill serão capazes de fazer isso também. E é também por isso que as melhores fotos são baseadas em histórias pessoais que são duramente caídas pelo fotógrafo. Este é um, uma profunda conexão entre o espectador e um artista estabeleceu. E isso nos leva a uma das razões mais importantes para contar uma história visual. Razão número seis, uma história significativa e sincera permite que você encontre filamentos em seu trabalho. Não é isso que todos nós estamos procurando? Auto-realização, que por definição é satisfação ou felicidade como resultado do desenvolvimento de alimentos habilidades ou caráter. Esta razão não é muitas vezes falada, mas eu sinto que é tremendamente importante se você está comprometido com a fotografia ou qualquer tipo de arte visual, não só como sua profissão, mas algo mais chamado paixão, chamando caminho da vida ou outra coisa, seu trabalho só lhe trará realização. Você está completamente alinhado com as histórias que conta. Acreditei profundamente nisso. Se você não tem medo de entrar no fundo de si mesmo, encontre aquelas histórias que falam a sua verdade e tenha a coragem de contá-las publicamente ao mundo. Essas histórias visuais são mais impactantes, mais lembradas, e te dão mais satisfação com o que ele faz. Encontrar essas histórias requer trabalho. Você será capaz de encontrá-los olhando para dentro e compreendendo melhor a si mesmo. Isso inclui suas escolhas, motivações, seus valores, seus interesses, é claro, estarão fazendo exatamente isso durante este curso, juntamente com você, a narração visual é limitada apenas à fotografia conceitual? Claro que não. Então, para o exercício desta lição, eu peço que você encontre três exemplos de fotos que não são conceituais, mas que ainda contam uma história. Eles podem viajar em que documentário, família ou fotos de comida. Cabe a você. Resuma a história em uma frase e envie suas imagens com resumos curtos das histórias contadas para o nosso espaço de aprendizagem. Enquanto isso, parabéns por terminar o primeiro módulo de aprendizagem deste curso. Agora, o que eu quero que você faça é refletir sobre o que eu acabei aprender e tentei entender qual foi a sua maior vantagem deste módulo. O que eu quero que você faça a seguir é ir à nossa comunidade do Facebook e compartilhá-la com outras pessoas. Porque esta é a maneira mais eficaz que você vai aprender. Em nosso próximo módulo, vamos mergulhar diretamente em cinco regras básicas de grande narração visual. Mal posso esperar para compartilhá-los com você até a próxima vez. 5. Modul2: cinco regras de grande narrativa visual: Ruble#1: Neste modelo, temos que falar sobre cinco regras básicas de grande narração visual. Eu escolhi estes cinco porque eu acho que eles se aplicam a qualquer história visual. E na minha opinião sobre eles, os mais importantes. Esta lista não é limitada, é claro. E se você conhece outras regras, por favor, vá em frente e grite. Na nossa comunidade de aprendizagem. Há uma série de papéis para contar histórias e escrever, e também há regras para contar histórias visuais. Eu tentei criar uma combinação daqueles que você pode aplicar para tornar nas imagens internas da história mais proeminentes e convincentes. Então, quais são as cinco regras básicas para criar grandes histórias visuais? E em primeiro lugar, grandes histórias visuais apelam às nossas emoções mais profundas. Tenho certeza que você experimentou uma variedade de emoções para si mesmo ao olhar para uma imagem particular. Então vamos cavar mais fundo em coletes. psicólogos geralmente concordam que existem seis emoções básicas. Raiva, nojo, medo, felicidade, tristeza e surpresa. As melhores fotografias são aquelas que podem evocar as suas emoções mais profundas. Isso pode nos deixar animados para rir ou chorar ou sentir empatia por outra pessoa. Aqui é onde chegamos pela primeira vez à noção de autoconsciência, que basicamente significa conhecer a si mesmo e estar ciente dos seus gatilhos emocionais pessoais. Ser capaz de entender a si mesmo é crucial para contar histórias impactantes. Quanto mais você entender como ou quando suas próprias cordas emocionais são puxadas, mais você vai apreciar como isso funciona em outras pessoas. E quanto mais você será capaz de usar essas emoções em suas histórias, picos são ator repetitivo direto coloca assim. O que você está tentando fazer quando você está contando uma história é escrever sobre um evento em sua vida que fez você se sentir de alguma maneira particular. E o que você está tentando fazer quando você conta uma história é fazer com que o público tenha esse mesmo sentimento, você precisa conscientemente ser capaz de reconhecer essas várias emoções em si mesmo. E pense no porquê, por que você se sente de certa forma quando está olhando para uma imagem? Ou dê uma olhada mais ampla e pergunte a si mesmo, por que estou me sentindo assim nesta situação da vida? Como você pode ser capaz de entender o porquê por trás de suas emoções e contar uma história? Questionando-se continuamente em determinado selo, suas próprias reações emocionais a imagens, situações de vida e histórias contadas de maneiras diferentes. Quando você faz isso, você aprende a contar histórias mais autênticas, você mesmo. Histórias que podem realmente mover as pessoas. A parte interessante sobre a fotografia é que ele pode ser emocional sem realmente mostrar quando expressões emocionais nos rostos das pessoas em uma foto conceitual criativa, eles emoção é muitas vezes comunicada através do ambiente, localização, paleta de cores, adereços, profundidade de campo. A Tetra. Dê uma olhada nessas duas imagens. Em ambos, você verá casas no campo. No entanto, as emoções que você obtém ao olhar para elas são totalmente diferentes. A imagem à esquerda é mais propensa a evocar felicidade e alegria ao mesmo tempo, a imagem à direita parece ser sombria e triste. O que torna essas imagens tão diferentes? Pense sobre isso. Eu diria que é o uso de cores claras, estação, localização, e talvez você possa pensar em outra coisa também. Se sim, por favor, faça um grito na nossa saúde comunitária on-line, a imagem à esquerda é filmada em um dia ensolarado de verão, casas cercadas por uma bela vegetação. A casa em si parece muito pré-adolescente arrumada. As cores estão muito saturadas, certo? Pelo contrário, eles imagem à direita usa uma paleta de cores desbotada. Houve uma nuvem e um dia sombrio de outono. Não há folhas nas árvores e não há vida nas florestas que o rodeiam. As casas obviamente abandonadas. E isso faz você pensar na solidão e até mesmo na morte. Talvez. Outro exemplo é da fotografia de alimentos. Quem são estes dois metros de Donald. No entanto, sentimentos que coletamos deles são completamente diferentes e a imagem à esquerda parece trazer, tem sentimentos de alegria, esperança e lágrima. Provavelmente pode lembrá-lo de uma manhã em um dia de primavera, é muito leve e escrever a imagem à direita traz emoções positivas também, mas de um tipo diferente. É Moody. Provavelmente vai fazê-lo pensar sobre isso. E noites escuras de inverno, uma xícara de chocolate quente e um par de meias de lã. Você concorda? Como é que a diferença na emoção é transmitida? E, novamente, será através da paleta de cores, através de prompts ou iluminação e localização ou fundo neste caso. Agora vamos dar uma olhada nessas duas fotos. Que tipo de emoções eles evocam perto da imagem à direita tem todas as cores saturadas brilhantes e, portanto, parece justiça chorosa a da esquerda. No entanto, há um tom ligeiramente diferente de uma emoção aqui. E a emoção pode mudar à medida que vamos olhar a fotografia por mais tempo e tentar entender os detalhes. Sim, há alguns pontos muito comuns aqui, mas há também um detalhe perturbador, uma cadeia entre eles. Pode lembrá-lo das algemas usadas pela polícia. E esta associação pode trazer mais uma onda de emoções. Para mim. A imagem à esquerda é um reflexo da cultura pop com todos os seus prós e contras. Além disso, este elemento de cadeia pode fazer você pensar em vícios. As pessoas têm vício em comida sendo uma delas. Você concorda que ambos estes são fotos de comida, mas o da direita também é conceitual e tem um elemento de surpresa que imediatamente agarra sua atenção, vai falar sobre elementos surpresa nas futuras lições. Resumindo, em histórias visuais, as emoções podem ser transmitidas através de luz em cores, paletas, locais ou fundos, adereços É isso? Claro que não. Agora, vamos dar uma olhada nesses dois retratos. Em ambos podemos ver o rosto bonito da famosa modelo de moda, Natalia the Danelaw. No entanto, o combustível que obtemos de cada uma dessas imagens é profundamente diferente. Tire um minuto e compare as duas fotos. Você vai notar que as fortes emoções no retrato tiro recibo linha bipolar, que vemos à direita, são mostradas através da luz, localização ou configuração, roupas ou sua ausência. Neste caso, maquiagem e estilo de cabelo, arcos do modelo, expressão em seu rosto, a direção de seu olhar, o ângulo a partir do qual a foto foi tirada. Será que esta lista perdeu alguma coisa? Se você tiver uma sugestão sobre o que pode ser adicionado a esta lista, por favor, compartilhe-a em nossa comunidade. Então agora você sabe por que meios você pode adicionar certas emoções ao seu retrato. E quais os detalhes que você precisa ter em mente quando tentou comunicar menos as suas emoções à UE. Agora é hora de praticar. E o nosso primeiro exercício neste módulo de aprendizagem é compreender as emoções na fotografia. O que quero que façam é pegar as seis emoções básicas, raiva, nojo, medo, felicidade, tristeza e surpresa, e encontrar uma imagem que ilustre cada uma delas. Então, seis imagens. A imagem pode ser qualquer coisa, invólucro documental, publicidade esquiva, foto de casamento, o que for. Mas tem que transmitir uma emoção. Apontou os elementos que comunicam essa emoção ao espectador. É a paleta de cores é uma deslocação? É essa a expressão no rosto do sujeito, certo? Todos esses elementos ao lado da imagem e envie suas seis imagens para o nosso espaço de aprendizagem. Na próxima lição, falaremos da regra número dois. Todas as grandes histórias são claramente estruturadas. O que é agora. 6. Modul2: cinco regras de grande narrativa visual: Ruble##2: Então a segunda regra básica da grande narrativa visual é que grandes histórias têm uma estrutura clara. Então, como essa estrutura se parece? Grandes histórias visuais têm, primeiro lugar, o seu assunto, o personagem. A principal questão aqui que você precisa perguntar é quem? Então, como definir a situação, esse personagem é n. E aqui nós respondemos as perguntas de quando e onde, e então narrativa, enredo, o que está acontecendo com o personagem? Idealmente, é algum tipo de transformação. As perguntas que fazemos aqui são o quê e porquê. Seu assunto é um personagem com o qual seu espectador pode se identificar e se colocar em novos sapatos de assuntos. Deve ser pelo menos alguém em quem o espectador será emocionalmente investido. Seu assunto, seu herói, l, personagem principal deve ser perceptível e significativo dentro de toda a cena ou quadro. Há várias maneiras de fazer isso, seja por foco e profundidade de campo, por composição, linhas iniciais, sub-enquadramento ou por corte. E sua imagem estará voltando para eles e explorá-los mais de perto nos seguintes módulos, sua configuração é o local onde você tira a foto. Cabe a você o quanto você quer mostrar na imagem. Mas quanto mais você mostra a localização, mais informações você fornece sobre o personagem e a situação que ele ou ela é. E talvez seja por isso que raramente faço close-ups permitindo a localização. Tenho certeza que vai ser a parte da história. Próxima narrativa. A narrativa, o histórico real, pode ser mostrado na forma de movimento. Tanto roupas, adereços, maquiagem e estilo de cabelo, e outros detalhes que estão presentes em sua imagem. Tudo isso dará ao seu espectador mais informações sobre o personagem e o que está acontecendo com o personagem. Seu assunto dizendo e narrativa é basicamente suas filmagens um DEM. Como a história é contada, escreveu esta informação o espectador entende ou vem com sua idéia para duas coisas principais. Sobre o que é a história, isso significa o que você pode realmente ver acontecendo na imagem. E então a próxima é sobre o que a história é realmente. O conceito, a idéia por trás do gráfico, o pensamento que um fotógrafo está tentando se comunicar através da imagem. Deixe-me dar-lhe um exemplo dos meus trabalhos. Então o personagem na história é uma menina ou uma mulher. Ela está sentada sozinha na praia. O setter aqui é o mar aberto, que é comum, pacífico, basicamente clima perfeito para uma viagem de mar. A atmosfera é uma espécie de humor sombrio devido ao tom frio da foto, a narrativa. Ela está sentada no aterro em uma gaiola com um navio de papel dentro do olhar para o mar calmo. Então, sobre o que é essa história? Claramente, é sobre uma garota que tem um barco de papel e uma gaiola. Sobre o que a história realmente é? Aí vem a parte interessante, a interpretação. Por que isso é interessante? Porque na narrativa conceitual, na fotografia, a história pode ser interpretada de várias maneiras diferentes, de várias maneiras. Na verdade, muitas vezes a fotografia conceitual usa símbolos que também podem ter significados diferentes e em diferentes situações vai voltar a símbolos e falar mais sobre eles nos seguintes módulos. Aqui está a minha interpretação da história. É uma história sobre se segurar, sobre NÃO tornar seus sonhos realidade sobre ficar seguro na gaiola. Então, o barco de papel representa um sonho e a garota não quer deixá-lo flutuar nas águas do mar, mesmo que sejam vigaristas. No entanto, esta história pode ser interpretada de várias maneiras diferentes. E qual seria a sua resposta para a pergunta? Sobre o que é realmente a história? Eu adoraria saber. Então, por favor, compartilhe sua opinião em nossa comunidade online. O exercício desta lição é compreender a estrutura da história em uma foto. Então o que eu quero que você faça é encontrar três fotos no piso europeu de telecomunicações libra tentou ver a estrutura da história visual e escrevê-la. Então você precisa responder as perguntas. Quem é o personagem e como ele ou ela é? Qual é o cenário da história, quando e onde ela está acontecendo? O que o personagem está fazendo? O que está acontecendo com ele ou ela? E como, em seguida, Watts, a história é sobre. E o grande era o sari, é realmente sobre. Quero que carregue as três imagens com nós para o nosso espaço de aprendizagem. 7. Modul2: cinco regras de grande narrativa visual: Ruble##3: Continuamos a falar sobre as cinco regras básicas da grande narrativa visual. E nesta lição vamos discutir a regra número três, que é assim. Grandes histórias têm um propósito claro. As principais perguntas a responder aqui são, por que você deve contar essa história em particular a seguir, qual é a crença que queima dentro de você de que esta história se alimenta? Terceiro Vonn, que propósito maior isso serve? O que ensina? Quando você tem um propósito real para a história talionis, sua história terá um impacto maior no mundo. Integridade com o que você cria é fundamental. Eu acredito profundamente que se você não entende por que você cria o que você cria, por que essas imagens não deveriam ser importantes para você? Você histórias não será tão poderoso e ainda mais, você não será capaz de sustentá-lo Fotografia e artística real longo prazo. No entanto, se você atribuir algum tipo de significado ao seu trabalho, você tem uma razão para continuar com ele continuando a causar um impacto? Como você acha esse significado? Você vai perguntar, minha resposta curta é, enquanto olha para dentro e compreendendo melhor a si mesmo, suas escolhas, suas motivações, valores e seus interesses, é claro, estarão fazendo exatamente isso durante este curso juntos com você, pode sua imagem um batalhão, uma história sem você saber que tipo de história é e por que sua cidade, a resposta é sim. Na verdade, alguns artistas visuais, incluindo eu, começam assim. Eles têm um desejo ardente de criar uma história, mas eles não pensam conscientemente sobre as emoções que seus espectadores terão ao olhar muito limitado. Talvez você esteja muito familiarizado com isso também. Você sabe o sentimento quando você simplesmente derramar suas emoções em sua obra de arte sem pensar em qualquer razão particular por que você faz isso. Qual será o impacto do seu trabalho se você não estiver na sua cabeça agora, saiba que você não está sozinho. E há espaço para este tipo de criação, de fato, é extremamente importante, especialmente no início de sua jornada artística. No entanto, quando você amadurecer como artista, sua alma deseja atribuir um significado mais profundo a uma imagem aleatória. Você pode chegar a um significado para visual, desculpe, mesmo depois de ter sido criado por pensar no que foi influente Nova York ler Ed vai falar mais sobre como fazê-lo nas lições comuns do curso. Agora, para a regra número quatro, grandes histórias são simples e focadas. 8. Modul2: cinco regras de grande narrativa visual: Ruble#4: Continuamos a falar sobre as cinco regras básicas da grande narrativa visual. E nesta lição vamos discutir o número quatro do rolo, que é assim. Grandes histórias são simples e focadas. Não se perca nos detalhes. Reparem quando as pessoas contam histórias que parecem vaguear para sempre e nunca levam a nada chato de quem está ouvindo. Uma história visual é a mesma, se não pior, muitos detalhes e você perde a atenção dos espectadores. As pessoas estão ocupadas e expostas a muita informação hoje. Delta, onde focar direito e limpar a estrutura de sua imagem, sua composição é fundamental para isso como um bom fotógrafos agora, e a maneira como você organiza as coisas em seu quadro pode falar volumes por si só. Vou te dar alguns exemplos rápidos aqui. Por exemplo, eliminar detalhes desnecessários e adicionar um espaço negativo à sua imagem ajudará o espectador a concentrar-se mais no seu assunto e menos em tudo o resto, incluindo outras imagens. Vamos comparar essas duas imagens. Qual deles é provável que se lembre? Aposto que é a imagem à esquerda que trabalha de Rodney Smith, um dos meus fotógrafos favoritos. E por que acha que vai se lembrar melhor? Bem, porque é focado e não tem zilhões de detalhes desnecessários. E, ao mesmo tempo, a imagem à direita transborda com informações, muitas cores, muitos acessórios. Você entendeu a idéia. 9. Module 2: Module 2: regras de grande narração visual: Ruble#5: E a última, mas não menos importante das nossas regras, é a regra número cinco. Grandes histórias são surpreendentes e inesperadas. Sim, o elemento surpresa é uma arma secreta de contador de histórias, ou talvez nem mesmo esse segredo. Por que ele já mencionou nas lições anteriores que, com incrível quantidade de informações visuais derramando em nossos espectadores do mundo real, internet, outdoors, revistas, tetra, O maior desafio torna-se para pegar a sua atenção. O que torna as histórias visuais convincentes é quando nossas percepções da realidade são desafiadas ou alteradas de alguma forma. As pessoas não mudaram muito desde a forma moderna de contar histórias que nascemos. A maioria ainda está esperando para ser chocado, mistificado e espantado quando esperamos que algum objeto na foto pareça de um jeito, mas parece completamente diferente. A própria vida parece mais interessante porque podemos experimentar um estado de todos. Isso é bom como um imagens reais atraem enormemente mais espectadores. Eles têm um elemento surpresa. Muitos grandes assuntos de fotógrafos, começando com não registrados todos foram influenciados pelo surrealismo, embora o trabalho não contenha quaisquer objetos levitados são cenas surreais. Para entender como você pode usar surpresa, podemos começar com a definição simples. O elemento surpresa é melhor descrito como sua corrente de qualquer coisa em sua história visual que é considerado pelo leitor como inesperado. Há muitas maneiras de conseguir isso. Vamos aprofundar os truques de magia e aprender sobre o elemento exato de surpresa que eu uso em minhas imagens quando vamos estar falando sobre os elementos de uma imagem nas seguintes lições. Agora, vamos ver alguns exemplos. Ambas as fotos têm grupos de meninas bonitas, mas uma das fotos será mais memorável do que a outra. Por quê? A foto à direita é o trabalho de Michael Dell, venha, um fotógrafo de moda da ex-Checoslováquia. Como é que ele chama a atenção? É então composição usual, falta de detalhes desnecessários e pose verdadeiramente incomum dos modelos. Faz-nos pensar por que este tendão desta forma, o que vai acontecer agora? Agora, você conhece todas as cinco regras chave para contar grandes histórias visuais. E são grandes histórias que apelam às nossas emoções mais profundas. Segundo, grandes histórias têm uma estrutura clara. Terceiro, grandes histórias têm um propósito claro. As histórias da quarta série são simples e focadas, e as histórias da quinta série são surpreendentes e inesperadas. Agora, entender as características é ótimo. Contar histórias visuais é importante, mas isso não significa que você tenha que começar a ganância e imagens significativas desde o início. Leva muito tempo e prática e muito pensamento também. No momento, você tem criado fotos apenas por causa de sua estética, não há nada de errado com isso. Na verdade, eu tenho feito isso por pelo menos cinco anos antes de sentir a necessidade de cavar mais fundo. No entanto, se você quiser se expressar completamente e impactar seu público, uma boa história é crucial. Agora é hora de se exercitar. Para este, eu quero que você fotografe imagens que evocam emoções no espectador, mas fazê-lo sem um ser humano presente neles. Tome duas emoções básicas, felicidade, tristeza. Pense em como você pode criar um inventário que irá tocar seu visualizador. Que cores vêm à sua mente quando você pensa em felicidade? Que tipo de luz vem à sua mente quando se pensa em tristeza? Pense em quais elementos ajudam você a introduzir a emoção em sua imagem e colocá-los para baixo depois de criar uma foto real. Como resultado, você precisa ter pelo menos uma promoção de imagem, uma para felicidade e tristeza. Eles não precisam ser tecnicamente perfeitos. Isso pode ser picaretas por telefone, mesmo que o objetivo principal é transmitir a emoção para esta tarefa, fazer upload de nossas imagens em nosso espaço de aprendizagem. Parabéns. Agora você terminou o segundo módulo do nosso curso e agora sabe tudo sobre as cinco regras básicas da grande narração visual. Qual deles é o seu favorito e aquele que você vai começar a implementar hoje em seus trabalhos. Vá em frente e rasgue isso em nossa comunidade do Facebook. Agora, na próxima semana estaremos discutindo o estilo de seus remédios e aprendendo quais outros elementos de uma imagem além da surpresa que acabamos de falar, você precisa ter em mente ao contar sua história visual até a próxima vez. 10. Módulo 3: por que estilo?: Agora que você sabe o que é uma grande pesquisa visual e ser como, vamos dar uma olhada em como ele pode ser criado. Neste módulo de aprendizagem, temos que falar sobre este bloco de uma sessão de fotos e soou. E vamos falar sobre cada elemento de uma imagem com mais detalhes. Se você já tentou fotografar retratos de palco antes, você provavelmente percebeu que não é nada como apenas pegar novo, Cameron, ir para as ruas em busca de cenas da vida real. Contando uma história do jeito que você quer contar. Exige muito planejamento e preparação. E, de fato, é verdade não só para a fotografia conceitual. Sempre que você está fazendo um produto de casamento recém-nascido família ou interior deve, ele tem que ser cuidadosamente planejado e preparado. Ele também inclui compreender o estilo do seu estilo de tiro futuro e relaciona-se com a sua capacidade de organizar e cena esteticamente agradável. Estilo desempenha um papel importante em contar sua história. Quando se trata de estilo em uma sessão de fotos, isso pode significar tudo, desde guarda-roupa, os adereços, ambiente, pano de fundo, e até mesmo até as unhas. Nem todas as fotos devem ter o orçamento para contratar um estilista. Claro, quando trabalho no meu projeto de arte pessoal, costumo dizer-lhes pessoalmente. As filmagens de clientes maiores geralmente são feitas com um estilista profissional como parte da equipe. Ele teve pela minha experiência, maioria das vezes, você vai ter que aprender o básico envolvido com o estilo. Uma sessão de fotos. O estilo geralmente consiste em vários elementos básicos. Eu os chamo de elementos de uma imagem. E eles incluem, em primeiro lugar, modelo se você trabalha com pessoas, é claro, localização, próximo e estudiosos, maquiagem leve e cabelo, adereços, guarda-roupa e o elemento surpresa. Consegue pensar em mais alguma coisa? Deixe-me agora, em nossa comunidade on-line, a coisa chave a entender aqui sobre esses elementos é que, no final, eles funcionam como elementos de um quebra-cabeça e depois em correspondência para que sua história visual seja contada coesa e coerente antes que possamos tomar quaisquer decisões de estilo, você tem que saber qual mensagem está sentindo você deseja expressar com as fotos que você está tentando contar uma história. Assim, cada elemento dentro do conjunto deve efetivamente seguir esse enredo e ser coeso. Há muitos aspectos variados na foto. Isso pode prejudicar Massey e não conseguiu chamar a atenção de seus espectadores. O menor detalhe pode fazer toda a laranja neural diferente. A diferença entre uma fotografia esquecível e imagem de elastina pode se resumir às escolhas de roupas. Então vamos falar sobre cada elemento com mais detalhes. 11. Module 3: elementos de imagem: modelo: Nesta curta lição, vamos falar sobre o personagem principal de sua história, seu modelo, a pessoa que se associou, tomando, eu sei que muitos de vocês devem auto-retratos todos trabalhar com clientes. Estes pontos também serão válidos aqui. Então não se distraia com a palavra mortal. Se você nunca trabalhou com um. Estes pontos podem realmente se referir a qualquer assunto. Portanto, se você estiver trabalhando com animais ou produtos, você também pode achá-los úteis. Há muitas maneiras de adicionar narrativa visual à forma como seu modelo aparece na foto. Discutiremos vários deles. Então, como você pode adicionar visualmente narrativa ao seu assunto? Talvez a primeira coisa que vem à mente esteja focada em seu acordo sobre o personagem principal de sua história. Ao mesmo tempo, as coisas que são menos importantes serão mais borradas ou desfocadas. Isso só será verdade se você criar uma profundidade de campo rasa. Então, coloque isso em concentração ao criar sua imagem. A próxima maneira de adicionar narrativa ao seu assunto é compor a sua foto, a onda que vai chamar a atenção dos espectadores para o seu modelo. Isso não significa que seu modelo tenha que estar sempre no centro da sua imagem. Então você pode aplicar várias regras de composição aqui. Em seguida, podemos jogar com profundidade de campo. Quanto mais superficial for, menos importante o fundo é para a sua história. E quanto mais você quer a tensão do seu visualizador D-pad para o seu personagem principal. Vamos dar uma olhada nessas duas imagens e tentar responder a pergunta, sobre quem é a história? A imagem à esquerda de Tim Walker definitivamente conta a história de três pessoas. Todos eles estão em foco, seus corpos preenchendo o quadro da imagem e o tiro é composto para que eles sejam igualmente importantes para o espectador. Quanto à imagem à direita, o retrato de Jean-Paul Sartre por razão não registrada. É claramente apenas sobre uma pessoa. Há outro homem na imagem, mas ele foi cortado e não vemos o rosto dele. E o rosto dele não é importante aqui. Ele é usado como meio de direcionar nossa atenção para o personagem principal do retrato. No entanto, o fundo desfocado não é importante por si só. Sem dúvida, acrescenta a toda a atmosfera da foto. Seu principal objetivo, porém, é adicionar à narrativa sobre o assunto do retrato. Você também pode usar o recorte como uma forma de história de Danny. Quando suas imagens firmemente cortadas em torno de seus modelos de frente para o corpo, significa que o resto não é tão importante. E você não quer adicionar qualquer narrativa através da escolha do local, por exemplo, porque é simplesmente um ser visto. A próxima maneira de adicionar uma narrativa ao assunto é a aparência. Este é um amplo, porque inclui características faciais, altura, tipo de corpo, comprimento do cabelo e cor, e, claro, fecha e maquiagem. Falaremos sobre isso um pouco mais tarde. Você também pode adicionar narrativa ao visual, desculpe pelos arcos de seu personagem principal e mantê-lo em mente ao direcionar seu modelo no local. Aqui está outro exemplo para retrato de diluição monóculo. A pessoa é a mesma, mas as histórias contadas pelas fotos são completamente diferentes, certo? A imagem à direita parece muito mais íntima e tecnológica, principalmente porque está tão perto, tudo sem importância foi cortado. A imagem à esquerda nos dá muito mais informações sobre Monica. Imagem pública instalada através do penteado vestido Bose e outros detalhes. Mas esta foto não diz nada sobre como ela se sente. Então, mantendo tudo isso em mente, como selecionamos um modelo para nossa futura sessão de fotos? Sugiro fazer uma pergunta a si mesmo. Eu precisava de um personagem principal ou de um adereço? E eis o que quero dizer com isso. Quando penso na minha futura sessão de fotos, pergunto-me: preciso do meu modelo para poder expressar alguma emoção? Ou preciso que ela simplesmente esteja lá como um adereço? Causa? Há dois tipos de fotos que eu faço, close-ups e tipo de retratos ambientais. Primeiro, meu modelo se mistura com o ambiente, fundo ou situação. Então, se eu precisar de um modelo de adereço do que eu só me importaria com a forma de seu corpo e seu comprimento de cabelo e cor e o que deve em que, claro, quando eu sou plano e um close up, eu sou mais exigente com a escolha do modelo, causa em Neste caso, o modal terá que ser capaz de agir um pouco, se não muito. E eu tenho certeza que você sabe, que nenhuma pessoa pode facilmente puxar uma emoção na frente de uma câmera. Eu também amei modelos bem conhecidos têm características faciais interessantes e, de preferência, os bens podem. Neste caso, eu certamente vou fazer uma sessão de teste e ver o que meu modelo é capaz de fazer na frente de uma câmera. Agora você sabe como você pode adicionar narrativa visual ao seu personagem principal. Você pode fazê-lo por plano com foco, composição, profundidade de campo, agarrar, aparência e pose de seus modelos. Na próxima lição, falaremos sobre a localização da sua sessão de fotos. 12. Module 3: elementos de imagem: localização: Nesta lição, vamos falar sobre locais para histórias visuais futuras. Vou compartilhar algumas dicas e truques sobre como encontrar minhas localizações. E falaremos sobre o que prestar atenção quando organizarem seus navios de bombeiros. Locais onde você vai fotografar sua imagem. Pode ser dentro e ao ar livre. Ocasiões de urina superação pode ser em qualquer lugar. Pode ser o seu quarto no quintal, pode ser ruas, canteiros de obras, pontes, qualquer coisa. Em oitenta e cinco por cento dos casos, você não precisa de um estúdio chique ou um belo castelo para criar uma imagem que conte uma história visual interessante. Embora possa ajudar, é claro, a afirmação para catiões é chamada de locais encolhidos. Faço isso muitas vezes. O que eu faço é simplesmente andar pelas áreas do meu CD e tirar fotos de edifícios interessantes, paredes, pontes, árvores, etc. Se você fizer o mesmo, eu recomendo que você crie uma pasta em seu telefone ou computador onde você pode armazenar todos esses locais para que sempre que tivermos uma idéia ou um pedido de cliente, você pode simplesmente ir para essa pasta e escolher o local que aquece o humor ou a cor do tiro. Localização será uma grande parte da sua história visual, dependendo de quanto do que você deseja mostrar em sua imagem, ele irá definir o humor básico e atmosfera de sua fotografia. Vamos comparar essas duas imagens, por exemplo. E a da esquerda é mais romântica e macia. O da direita é mais futurista, surreal e meio duro. A atmosfera em ambos a mitose criada por localização. Em primeiro lugar, outros elementos adicionam à sensação de que a localização define desde o início, localização sempre determinará o estilo e a cor da sua futura sessão de fotos. Então, se esse é o ponto de partida, a própria imagem, você precisa ter isso em mente ao pensar nas cores, guarda-roupa e prompts para sua filmagem. Se esse não for o ponto de partida, então ele deve corresponder ao seu ID e estilo. Deixe-me dar-lhe algumas dicas úteis sobre como escolher o local certo para sua sessão de fotos. Primeiro de tudo, quando você encontrar um novo local que o inspire, pense no que seu personagem pode fazer neste espaço, como ele ou ela pode interagir com ele. Se você encontrar respostas para esta pergunta, você já terá metade da sua história pronta em seguida. Ao escolher um local, você precisa pensar, se você é adereços, modelos e guarda-roupa sobreviverão nele. Por exemplo, se o seu solicita um feito de papel, eles podem ser facilmente soprados pelo vento ou arruinados pela chuva. Então, se você é como eu, viver na área onde é provável que chova a qualquer momento do ano, é mais seguro filmar com prompts de papel dentro de casa. Outra coisa a levar em consideração é a localização, acessibilidade. Seremos capazes de filmar seus a qualquer momento. Qual é o melhor momento para fotografar sua luz sábia e multidão sábia, porque se é muito lotado, o processo de tiro torna-se muito, muito mais difícil. A localização de Leiden é muito importante porque esta será a luz que você verá em sua imagem. Então, digamos que você queira fotografar com luz natural ambiente e você escolhe um local interno. E digamos que sua ocasião é um espaço público com muita luz elétrica amarela de ópera. Neste caso, ajuda a descobrir se eles podem ser desligados, caso contrário, a luz elétrica pode arruinar sua imagem naturalmente iluminada. Então, quando você escolhe o seu ocasionalmente, é bom ir lá com uma câmera e fazer uma sessão de teste com um amigo ou mesmo com apenas sua bolsa para que você saiba exatamente onde seu modelo será colocado e onde você estará de pé. Ele vai economizar muito tempo durante a sessão de fotos em si. E seu modelo não terá que esperar até encontrar o lugar perfeito. Além disso, você conhece melhor o espaço e pode ajudá-lo a evitar surpresas desagradáveis como portas trancadas, luz solar direta onde você não precisa, etc Agora você sabe o que prestar atenção quando você escolhe um local para um futura sessão de fotos. E na próxima lição, falaremos sobre um elemento de imagem extremamente importante e profundamente amado por mim, que é a cor. 13. Module 3: elementos de imagem: cor: Nesta curta lição, discutiremos as cores de sua futura sessão de fotos e como elas podem influenciar sua história visual. As cores que eles usam na sessão são um elemento imensamente importante que às vezes é negligenciado por fotógrafos iniciantes de todas as formas de cores de comunicação não verbal, o método mais instantâneo de transmitir mensagens e significados. Pense nisso antes que os seres humanos aprendam a apreciar a estética da cor, havia um aspecto muito mais prático de se comunicar com a cor. Muitas vezes, nossa própria sobrevivência depende de sua capacidade de identificar objetos necessários e sinais de Warren, sejam eles animais, vegetais ou minerais. E a cólera desempenha um papel vital no processo de identificação. Cores, companheiros de equipe no trabalho sinergicamente com todos os sentidos. Simboliza conceitos abstratos e pensamentos, não expressou fantasia ou realização de desejos. Ele também pode ajudá-lo a recordar outra hora ou lugar e produz uma resposta estética altamente emocional. O interessante é que grande parte da reação humana à cor é subliminar e os espectadores geralmente desconhecem os efeitos da cor sobre eles. No entanto, nós, como Criadores, devemos estar cientes dos efeitos, das cores que escolhemos para nossas histórias visuais, produzindo nosso público. Então, como as cores podem nos ajudar a contar nossas histórias visuais? Em primeiro lugar, a cor pode ajudá-lo a enfatizar os detalhes. Por exemplo, quando você usa cores contrastantes para chamar sua atenção para uma pessoa ou objeto. Em seguida, as cores também podem criar um clima ou uma atmosfera, vai dar uma olhada em alguns exemplos em poucos segundos. Além disso, as cores podem fortalecer sua composição. Vamos ver que tipo de cores narrativas podem adicionar ao tiro. E em primeiro lugar, as cores têm o humor geral da imagem. Há muitas teorias e idéias sobre como a cor afeta a composição da Lua e, portanto, fotografias no nível mais básico, cor pode ser separada em duas categorias muito gerais. Frio e quente. Cores legais são aquelas no azul, verde e do espectro. Essas cores invocam sentimentos de tranquilidade, paz e calma. Na outra extremidade do espectro estão os vermelhos e amarelos ou cores quentes. Estas cores são mais convidativas. Eles invocam sentimentos de felicidade, otimismo e excitação. Dependendo do contexto, eles também podem fazer um espectador se sentir irritado, irritado ou até mesmo com fome. Já se perguntou por que tantos logotipos de fast food são vermelhos ou amarelos. Color é uma ferramenta poderosa quando se trata de adicionar um certo humor à sua imagem. O humor geralmente é adicionado usando cores claras ou escuras. As cores escuras são frequentemente usadas para criar um efeito mais dramático e cores mais brilhantes para uma sensação mais clara e feliz. Compare estas duas fotos, supervidente bipolar e Tim Walker. Que tipo de humor você tem ao olhar para cada um deles? As cores saturadas do parafuso tornam sua foto mais emocional, pouco dramática. Eles chamam à ação. É por isso que as cores saturadas são tão frequentemente usadas na moda e anunciam a fotografia quando você usa cores desbotadas com baixo contraste, acrescenta uma sensação mais onírica. Cores suaves, megafauna o menos dramático, mas mais misterioso e intrigante. Às vezes, a cólera também desempenha o seu papel na composição. Tigelas cores saturadas como vermelho ou laranja pode agarrar essa tensão do espectador, por exemplo, e colocá-lo na direção certa. Dê uma olhada nisso emitido por Tim Walker. Qual é a primeira coisa que chama sua atenção? Sim. É o escuro saturado para aceitar o estresse da ferida, que contrasta com quase incolor que sombreou o ambiente. Além disso, as cores podem colocar visualmente objetos e objetos na sua imagem de volta ou trazê-los para a frente. Normalmente, todas as cores legais como azul ou roxo fizeram as coisas parecer como se estivessem mais longe de você. As cores quentes, como laranja e vermelho, irão aproximar o seu assunto do espectador. Você acabou de aprender sobre o próximo elemento de uma imagem, cores. Agora você sabe como as cores podem influenciar nossos humores, direcionar nossa ascensão e nos ajudar a compor nossas histórias visuais. Na próxima lição deste módulo, falaremos sobre o elemento extremamente importante de uma imagem, que é a luz. 14. Módulo 3: luz: O próximo elemento de imagem importante sobre o qual quero falar é a luz. Este é crucial. Afinal, a fotografia é chamada de pintura com luz. No entanto, devo admitir que eu tendi a negligenciá-lo por um longo tempo simplesmente porque eu escolhi minha guia de Anos Luz atrás e eu estou muito confortável com ele. Muitos fotógrafos dedicam toda a sua vida a estudar em tipos de luz e como eles afetam o humor, movimento e atmosfera geral de uma imagem. Livros foram escritos sobre este assunto. Nesta lição, não vamos aprofundar muito as partes técnicas e entender a luz. Meu objetivo aqui é torná-lo ciente de como a luz que ele deve com pode mudar a impressão de sua história visual no espectador. E como isso pode ajudar você a desdobrar sua narrativa ou trazer toda a idéia que você estava tentando transmitir. A luz tem Bower extra comum para criar emoções, intifada, todas as diferentes qualidades de luz, como brilho, contraste, direção, temperatura, e assim por diante, todos carregam suas próprias emoções. E a foto com luz traseira escura com alto contraste envia uma mensagem muito diferente de uma floresta brilhante e arejada ao nascer do sol. E na fotografia, sua luz para complementar seu assunto. Se você está tentando fotografar e cachoeira intensa e dramática, sua luz deve contribuir para essa ferida, não distrair do que você está tentando dizer. O mesmo é verdade se você está fotografando um hábito divertido retrato a luz para refletir essas emoções pessoalmente, Eu prefiro trabalhar com luz natural. Eu tentei trabalhar neste 2D ou muitas vezes ele tinha apenas encontrar que eu posso obter o modo exato que eu quero transmitir em minhas histórias com iluminação estúdio pode ser diferente e isso é totalmente bom. Uma coisa que eu quero abordar aqui, é que se você é como eu e não tem nenhuma educação formal em fotografia, quem pode ter a impressão de que você tem que saber como trabalhar com luzes de estúdio para se tornar um fotógrafo de verdade. E isso não é totalmente verdade. Esta foi uma das crenças limitantes que eu tinha, uma começando. O que eu não sabia é que a luz natural ainda é considerada a melhor luz possível. No entanto, uma vez que é muito difícil provocar e controlar frequentemente para fotógrafos, é por isso que eles usam todo tipo de equipamentos de iluminação e modificadores para imitar essa luz do jeito certo. Existem muitas vantagens no trabalho em um estúdio. Primeiro deles é que você pode trabalhar a qualquer hora por quanto tempo você quiser. Ele nunca depende das condições meteorológicas, da hora do dia, etc, até que eu prefira perseguir o sol e as nuvens e trabalhar com luz natural da maneira mais difícil. Mas, novamente, isso significa, vamos dar uma olhada no impacto emocional único trazido por diferentes profundidades de luz. Embora algumas partes sejam subjetivas, outras são quase universais. Eu suspeito que você vai reconhecer muitos desses temas em seu próprio trabalho. Um dos tipos de luz mais emocionais é a luz escura intensa com muitas sombras. Isso funciona bem para todos os tipos de fotografia. Retratos temperamentais, paisagens poderosas e trabalhos documentais sombrios. Fotos conceituais também. A luz escura é popular em toda a linha com uma boa razão. Simplesmente, é único. luz escura esconde informações dos espectadores, fazendo com que uma fotografia pareça misteriosa e, dependendo do assunto, potencialmente omnibus ou achado, você vê homens e fotógrafos de produtos capturados imagens escuras para anúncios high-end. Uma vez que, novamente, em faz um trabalho tão bom de transmitir emoções. Assim, as emoções que escuro, luz pode ajudá-lo a transmitir nosso poderoso, onívoro, refinado, verão intenso, o contraponto óbvio, luz brilhante carrega seu próprio conjunto de movimentos importantes. Diga que você deseja capturar fotografia de área térmica. Você prefere tirar fotos sob uma tempestade dramática ou uma luz solar brilhante Durant Hazel final da tarde. E esta não deve ser uma pergunta difícil que a luz do sol da tarde dará à sua foto uma área muito mais suave e de qualidade. O mesmo é verdade em outros casos. Por exemplo, talvez você queira capturar aconteceu imagem otimista. Se esse é o seu objetivo, você provavelmente não vai sair e procurar por cantos de rua da noite. Eles simplesmente não se encaixam no humor que você está tentando entrar em sua foto. Embora uma cena mais brilhante possa, no entanto, tenha em mente que há sempre exceções à regra. Embora a luz certa seja bastante comum, ainda vale a pena salientá-la. Em muitos casos, se você está atrás de um certo mergulho de ferida como área otimista, luz brilhante será o que você está indo para. Aqui estão as principais emoções que podem ser transmitidas usando luz brilhante em suas imagens. E eles são otimistas, luz arejada. Daniel Carroll, o próximo tipo de luz é alto contraste. Muitas fotos boas fazem uso de iluminação de alto contraste. Poeira, as regiões extremamente brilhantes e escuras justaponentes da imagem ao lado um do outro. Se você tem uma montanha escura silhueta na frente do céu, esse contraste. Se você tem um laço de noiva contra uma costa escura, isso é contraste. contraste ocorre quando os elementos corretos e escuros estão próximos um do outro. Muitos fotógrafos supõem que imagens de alto contraste atraem muita atenção. Alguns os chamavam de punchy. Eles são dramáticos e tradicionalmente conflitos dramáticos, que o alto contraste é uma grande ilustração de, é uma ferramenta poderosa na narração de histórias. Então, imagens de alto contraste se destacam da multidão. Receba pessoalmente, acredito que usar luz de alto contraste nem sempre é uma coisa boa. Depende da imagem, mas se esse é o seu tipo de luz, vá de cabeça e trabalhe com ela, nunca há um certo ou errado. Você pode encontrar contratos procurando por luz não difusa. Em outras palavras, uma tarde ensolarada ou um flash de câmera não modificado provavelmente resultará em imagens de alto contraste. Embora isso dependa do seu assunto, é claro, fotos feitas em uma tarde ensolarada tendem a parecer particularmente dramáticas e intensas. Os principais movimentos da iluminação de alto contraste são dramáticos. Alto, vibrante, punchy e char. No entanto, o que vale a pena mencionar é que fotografar pessoas com luz brilhante de alto contraste, que significa que sábado é particularmente desafiador. Isso inclui obter sombras realmente duras nos rostos das pessoas, o que pode, em muitos casos, até mudar as características faciais visualmente. Então, tenha isso em mente. O próximo tipo de luz é baixo contraste, e este é o meu tipo favorito de luz, ambiente e considerar que esta é a mentira que, na minha opinião, parece mais misteriosa e onírica. É macio e canalizado. A luz de baixo contraste ajuda-me a criar o sonho numa atmosfera pacífica. Estou sempre atrás. Esta luz é mais fácil para mim trabalhar no pós-processamento também. No entanto, você deve lembrar que este slide é plano e menos dramático. Ele irá adicionar menos movimentos à sua foto. Se você estiver fotografando uma cena tranquila e gentil ou quiser um clima suave para sua foto conceitual, minha recomendação principal é procurar uma luz de baixo contraste. Então, como e onde muito simplesmente emitido em um dia nublado ou dentro de casa sem luz direta vindo de uma janela. O que fazer por qualquer motivo em particular você tem que atirar em um dia ensolarado brilhante? Bem, eu sou um especialista em mesas. Então, aqui estão algumas dicas úteis. Em primeiro lugar, até o momento, certo? Então, se você sabe que é provável que você tenha que trabalhar com sol brilhante, a primeira coisa que você tem a fazer é escolher o tempo e o certo para que a luz seja um pouco mais suave e permita que você obtenha a sensação que você quer a partir dele. Normalmente é primeiras horas da manhã, 4D vezes antes do pôr do sol quando o sol não é tão alto e as sombras, aqueles para apresentar olhar muito mais agradável. Tentei avaliar quando seria mais conveniente para você e seu modelo se adequar e entender exatamente quanto tempo você tem nesse tipo de luz. Se não há absolutamente nenhuma escolha, você deve, em um dia ensolarado brilhante, eu sugeriria cirurgião para uma sombra, um lugar, ou você também pode esperar até que você tenha uma cobertura de nuvens no céu. No entanto, mesmo na sombra, a luz pode ser diferente. Portanto, é útil fazer fotos de teste e avaliar a situação de iluminação em diferentes pontos da sombra. E isso às vezes pode ser bastante desafiador para mim já que o fundo é extremamente importante em minhas imagens, mas vale a pena fazer, no entanto, outra coisa útil é trazer seu refletor para o local. Ele pode criar uma sombra ou iluminar as partes que aparecem extremamente escuras perto de imagens ao usar o refletor colocado em frente à fonte de luz e, em seguida, ajustar o ângulo para direcionar a luz exatamente onde você deseja. Você também vai querer mover o refletor para mais perto do seu objeto para uma luz mais forte e mais longe para um efeito mais suave. No entanto, com refatoração, você sempre precisará de ajuda. Alguém tem que segurá-la. Mais um ponto que quero fazer sobre a iluminação suave é este. Muitos fotógrafos pensam que fotos de baixo contraste não se destacam tanto na primeira concessão. Eles não gritam por atenção. No entanto, pela minha experiência com o transbordamento de imagens de alto contraste. As pessoas estão procurando por algo onde seus olhos descansem. Algo suboptimal, gentil, suave e amortecedor. E, além disso, acho que muitas pessoas preferem ter algo confortável em baixo contraste nas paredes de suas casas. Só porque imagens de alto contraste muitas vezes as perturbam e queremos ter paz em casa. Não é uma regra universal, claro. Por isso, não acredites na minha palavra. 2s a opção de luz que irá ajudá-lo a contar suas histórias da maneira que você quer contá-las. luz bem sucedida nem sempre precisa extrair atenção imediata. Em vez disso, é a luz que combina com o personagem da sua história, o enredo da sua narrativa. Os movimentos que a luz de baixo contraste traz para suas histórias visuais são moderados, pendurados, resolvidos, silenciosos, sem som. Até agora, deve fazer sentido que o brilho e o contraste impactem fortemente os movimentos de uma foto. Mas e a direção da luz? Há cinco direções primárias de luz. Estou colocando isso da maneira mais simples possível aqui. O primeiro é retroiluminação do que a iluminação lateral de carregamento frontal, e pode ser iluminação aérea esquerda ou direita e sublinhado. Os quatro primeiros são bastante comuns na maioria dos tipos de fotografia, de fotos de rua a paisagens. O último, sublinhado, pode ser usado para imagens mais misteriosas ou até mesmo assustadoras. Além disso, você pode ter várias fontes de luz, normalmente para nós hoje trabalho de fato, configurações de fotografia de produção high-end podem ter mais de uma dúzia de luz diferente. há realmente nenhum limite além da praticidade simples, mas crepúsculo, a direção da luz afeta seu movimento de fotos e sua resposta é sim. Mas o caminho específico para fatos emoção é difícil de generalizar, uma vez que depende de tantos fatores e de sua visão direta, às vezes a iluminação de fundo será alto contraste e dramática. Outras vezes, digamos, em um dia nebuloso, tinha uma boa causa para a atmosfera iluminar com raios de sol brilhantes. Não é conhecido aqui em consistência. Isso é mesmo verdade. Se você estiver capturando o Retrato sob condições controladas, você pode obter muitas emoções diferentes de uma única direção de luz. Por exemplo, altero a difusão da sua carne. E sobre a cor do fundo ou até mesmo o movimento que o assunto está transmitindo? Todos esses fatores significam que a iluminação de fundo ou a iluminação lateral, apenas para citar alguns exemplos, querem sempre levar as mesmas emoções de uma foto a seguir. Então isso é algo que você terá que abordar caso a caso. Olhe para esta cena, analise a interação da luz e veja quais elementos da sua foto ela destaca. Normalmente, essa é uma boa maneira de dizer quais emoções é mais provável transmitir. E o importante aqui é que a direção da luz não volta para fotos e movimentos, mas não consistentemente de uma forma ou de outra. Você precisa experimentar o local e pensar cuidadosamente sobre qual humor a luz está criando. Agora que você viu como a luz pode transportar movimento, será mais fácil para você introduzir essas emoções em suas histórias visuais. No entanto, o que eu quero sublinhar aqui é que não há tipo certo ou errado de luz para suas fotos. Você pode e deve tirar fotos com todos os tipos diferentes de luz porque suas histórias podem ser bem diferentes. Com o tempo. Você pode ficar com um tipo particular de luz como eu. Ou você pode variado a qualquer momento que você quiser em. O que é realmente importante é prestar atenção ao tipo de luz que você está capturando em uma foto específica, já que você quer ter certeza de que ela complementa sua história e impõe sua mensagem o mais fortemente possível. Na próxima lição, falaremos sobre mais três elementos de uma imagem. E esses são adereços e guarda-roupa, maquiagem e cabelo. 15. Módulo 3: props: Esta curta lição é sobre os detalhes de emitidos, ou seja, adereços ou objetos que podem ajudá-lo a contar sua história e para elementos que nos dão mais informações sobre o personagem principal de sua narrativa, as roupas que ela ou ele usa, e como seu rosto e cabelo lu. Então, primeiro de tudo, vamos falar sobre adereços. Adereços são objetos que ajudarão você a contar sua história visual sem palavras. Eles podem ser prontos e comprados em uma loja ou podem ser feitos especificamente para sua sessão de fotos. Ambos um bom, pessoalmente, Eu prefiro trabalhar com prompts bastante simples que não exigem grandes investimentos financeiros e pode facilmente ser criado por mim mesmo. Vai falar mais sobre prompts mais adiante. Enquanto isso, quero apontar uma coisa importante. prompts são geralmente objetos que têm alguns significados simbólicos adicionais por trás deles. E os símbolos são uma das coisas que tornam a fotografia conceitual tão cativante Objetos Simbólicos geralmente não têm apenas um, mas vários significados diferentes. E torna-se divertido para o espectador adivinhar qual deles o autor da imagem tinha em mente ao criá-la. próximo elemento importante da sua foto é o que seu modelo está vestindo pesado. Já pensou em quanta informação a roupa pode nos dar sobre uma pessoa, sobre seus gostos, antecedentes, posição social, interesses e até traços de caráter. Esta é a primeira coisa que julgaria quando dizemos uma pessoa pela primeira vez. Tenha isso em mente quando você contar uma história sobre seu personagem visualmente, o que irá abordar comunicar ao seu espectador. Além disso, seu guarda-roupa pode adicionar uma configuração de tempo à sua imagem e enviar toda a história visual para o passado. Se você usar um codificadores vintage ou para o futuro se seu modelo onde algo guarda forno, e, claro, guarda-roupa e acessórios precisam ser muito relevantes para a localização, maquiagem e estilo de cabelo, bem como para trabalhar bem com toda a paleta de cores da sua história. O mesmo será verdadeiro para a maquiagem e o estilo de cabelo do seu personagem principal. Eu não tenho maquiagem e cabelo para baixo profissionalmente para cada uma de suas sessões de fotos. O que eu estou tentando enfatizar aqui é que se você está filmando um close up, a maquiagem certa pode aumentar o efeito sobre o espectador. Seu fórum de afirmação, ao mesmo tempo, compõem seu penteado que não se encaixa no estilo geral de sua sessão de fotos e não suporta a história por trás de sua imagem pode facilmente destruir a impressão de que você deseja produzir um novo menos. Diga que o seu deve na menina romântica no campo, os sais mais leves e umedecido o vento brinca com seus sapatos de vestido vintage descalços. Mas se ao mesmo tempo, deveríamos estar usando maquiagem pesada e escura à noite, ele tem todas as chances de causar uma impressão errada em seu público. Agora passamos brevemente por todos os elementos principais que compõem o estilo geral de sua sessão de fotos. Falamos sobre modals, as ocasiões, cores, luz, adereços, guarda-roupa e maquiagem e cabelo. Como eu mencionei, o estilo da floresta e ocorre em quase todas as partes da fotografia de palco, seja arte fina conceitual, mas também vestindo retrato de família ou até mesmo fotografia interior e comida. No entanto, há um último elemento que será principalmente único para retratos conceituais e essa surpresa. Na próxima lição final deste módulo, falaremos sobre meus tipos favoritos de elementos surpresa que podem ser encontrados e juventude em imagens conceituais. 16. Módulo 3: surpresa: Esta lição, vamos falar sobre maneiras de surpreender sempre o seu, com suas fotos. E eu vou compartilhar minha lista de truques mágicos favoritos com você, que é de modo algum está completo. Se você sabe que algum empréstimo visual é, que pode ser surpreendente para o seu espectador, por favor, vá em frente e compartilhá-los em nossa comunidade do Facebook. Mas vamos avançar para os truques de magia. Vamos entender por que surpreendentemente, irradiância pode ser tão importante. Deixe-me compartilhar esta citação de Martin Parr, fotografia magnum com você e envolver-se. Você nunca ouviu falar de Magnum. Recomendo vivamente que procure. É a agência fotográfica mais respeitável do mundo especializada em fotografia americana e documental. E Riccardi AB razão, que mencionei muitas vezes neste curso, foi um dos fundadores deste agente. Mas voltando à citação de Martin, ele diz que elementos de surpresa são a chave para uma foto memorável e eles realmente querem novamente, elementos de surpresa é a chave para uma foto memorável. Então, por que um fotógrafo documental insiste que no módulo anterior cerca de cinco regras ou grande narrativa visual, já estamos brevemente tocados no importante de surpreendentemente espectadores hoje, quando a quantidade de visual informação e pobre e sobre nós todos os dias é enorme, os espectadores procuram algo surpreendente e divertido quando nós, como o público, pensamos, quando agora tudo sobre o mundo, pode haver algum momento mais surpreendente? E então aquela que te sacude de seu estado mental conhecido e te faz acreditar, mesmo por um segundo, que ainda há algo misterioso no mundo. Então as melhores histórias visuais têm aqueles que doadores em 200. E novamente, a imaginação de uma criança não vê limitações. E se as histórias visuais frescas e surpreendentes o suficiente, nem nós, como adultos e em boa história visual, destruiremos limitações. As histórias que capturam os estranhos ou até mesmo um choque serão lembradas mais para mim, editor, elemento surreal, minhas imagens extremamente importante também porque eu acho que isso me ajuda a expressar minha visão não tão comum do mundo ao longo dos anos Eu coletei uma lista de elementos surpresa que eu vou para quando eu penso em grande e sua história visual, vamos dar uma olhada nele em alguns segundos. Todos os truques de magia estão listados aqui, pode ser usado em, como ferramentas para trazer um inesperado ligado ao seu trabalho. Esta lista não está completa. Nós lhe daremos a idéia de onde começar e o que explorar. E em primeiro lugar, o meu favorito absoluto, mas também às vezes pode ser um pouco difícil e caro de preparar. E isso são vários objetos. Você pode ter uma perda de objetos idênticos em sua foto ou vários objetos de um tipo semelhante, como diferentes copos e pratos nesta imagem em particular. Claro, alguns de vocês podem argumentar e eu vou apoiá-los, que você não precisa ter todos os objetos ou assuntos no lugar. Você vai ao mesmo objeto várias vezes. E isso é verdade. Mas apenas até certo ponto, há casos. Digamos se você quer ter uma pilha de objetos quando realmente é. Mais fácil colocar os objetos no local do que tentar criar essa pilha no Photoshop. O próximo elemento surpresa é incomum objetos grandes ou pequenos. As imagens tendem a capturar uma tangente quando o tamanho de um objeto ou de uma pessoa usada neles é diferente do que estamos acostumados. Sempre objetos excepcionalmente grandes ou pequenos atrairão um Danton e farão as pessoas se perguntarem como o efeito foi alcançado. Eu, pessoalmente, prefiro trabalhar com objetos que foram feitos invulgarmente grandes ou pequenos, especificamente para o meu Photoshopped. Mas é claro, agora você pode muitas coisas boas usando software de edição. Então, é totalmente com você. No próximo, seremos o mundo em miniatura. Este elemento surpresa é muito próximo do anterior, no qual a maioria dos objetos e pessoas não têm tamanho normal ainda diferente. Neste caso, você transforma seus súditos em uma Lena deturpada, e coloca seu sujeito em um mundo de objetos gigantes. O mundo dos mediadores sempre torna sua imagem extremamente atraente, mas somente quando ela é feita corretamente. Acredito que o Darrel Robertson, um famoso fotógrafo do Canadá, é o rei quando se trata de criar um mundo em miniatura. Por isso recomendo vivamente que verifiquem os trabalhos dele. O próximo elemento surpresa é uma limitação quando objetos, pessoas ou animais que geralmente não são supostos para levitar a luz, parece muito incomum e instantaneamente agarra a atenção dos espectadores. Você pode ser criativo com levitação e aplicá-la a pessoas, cabelos, objetos ou animais à sua imagem. Assim como com muitos outros truques, levitação exige muito planejamento anterior e, mais tarde, composto em, no Photoshop. O próximo elemento surpresa é muito interessante e exige muito conhecimento de diferentes materiais. Eu chamo isso de efeitos no palco. O que eu quero dizer com efeitos no palco é tudo, desde fumaça a poeira, e de usar filtros de filme coloridos físicos reais para tocha slides para criar interesse em fatos iluminados. Coisas como o sol flares pisca a pintura de luz, tiro subaquático e similares sempre vai olhar incomum e, portanto, surpreendente para os seus espectadores pode a próxima coisa que vai atrair muita atenção para a sua foto está usando animais, especialmente não os gatos e cães habituais. Nossos ancestrais precisavam detectar animais para sobreviver, a fim de não serem mortos. Eles desenvolveram regiões cerebrais que detectaram animais, e nós herdamos esses mecanismos. Isso significa que até hoje os animais capturam uma parte da nossa atenção finita. Animais especialmente fazê-lo quando você fotografá-los em uma proximidade incomum e interações de seres humanos, o grande desafio relacionado com o uso do elemento surpresa na urina faz, é que os animais podem ser bastante difíceis e caros de obter no local. E, claro, você pode tirá-los de uma imagem de estoque, mas também precisará de muitas habilidades para tornar esse composto parecer credível. E isto é água. Tudo depois disso, como uma imagem real parece credível ao mesmo tempo, o próximo elemento surpresa será guarda-roupa incomum. Escusado será dizer que a forma como as pessoas olham. É fora do comum, vai imediatamente chamou a atenção dos espectadores. E o próximo elemento é maquiagem incomum e cabelo em nossas fotos, intimamente conectado com o anterior, mas mais específico ao rosto do seu assunto. Ele funciona melhor com aplicativos próximos porque você quer que a maquiagem eo estilo de cabelo para ser visto em todos os detalhes. Se você estiver usando este, lembre-se que ele realmente deve sair do caminho e tipo de revisor perturbado para alcançar melhores resultados com este, eu recomendo fortemente para colaborar com o profissional. Ambos terão a chance de experimentar e experimentar algo novo, que é sempre bom para o seu desenvolvimento como artista. Em seguida, vem a composição. Um elemento surpresa não tão óbvio, mas muito forte que você pode adicionar às suas fotos. Você pode criar um efeito surreal organizando elementos em seu tiro de forma incomum. Muitas vezes, se as coisas e objetos na imagem são cuidadosamente organizados, isso sozinho parece surreal porque raramente pode ser encontrado na vida real. É por isso que muita atenção para compor e minhas fotos e certificando-se de que todos os detalhes lá têm seus próprios lugares é porque a ordem que um add às minhas Imagens é surreal e se olhar ao seu redor. A vida real nunca está em perfeita ordem quando uma imagem está escorrendo, organiza, parece surpreendente. O último, mas não o menor elemento surpresa seria encontrar um conexões inesperadas entre coisas e lugares e construir imagens em associações. Às vezes você pode encontrar semelhanças visuais e pensa que nunca estaria conectado na vida real. Aqueles quando feito direito, imediatamente pausado as pessoas e fazê-los tropeçar. Aqui. Nem sempre tem que manipular essas imagens. Tudo que você precisa é de um Kenai que veja padronizado e conecte pontos. Antes de arredondar a lista de elemento surpresa, eu quero dar-lhe o último bônus para mim é o uso de expressões e metáforas. Eis o que quero dizer com isso. Você pode pegar qualquer frase definida do seu idioma. Você é como e conectado a outra coisa e tentou visualizá-lo quando você faz IDMS ou frases metafóricas populares visuais, ele sempre entretém as pessoas e faz com que elas parem e reflitam exatamente como artistas espanhóis shaker faz com todas as metáforas e expressões, ligadas ao amor e ao coração. Consegue adivinhar o que são? Então esta é uma lista dos meus truques de magia favoritos que podem fazer suas imagens olhar tão real e surpreendente. Não está nem perto de estar completo. E se você tiver suas sugestões, por favor, publique-as em, em nossa comunidade online. Agora, depois de termos estudado todos os elementos, É hora de aprender a reconhecê-los em seu papel em fotos e outra história regional. Então, para este exercício, que é quebrar imagens em elemento e entender essa conexão desses elementos. Eu quero que você selecione três imagens de seus fotógrafos favoritos e anote todos os elementos que você pode encontrá-los. Eles, nem todos os elementos podem estar presentes. E isso é bom para o ponto do exercício é aprender a quebrar e criar imagens para elementos e entender como todos eles estão conectados para contar essa história. Qual desses elementos representa o personagem, o cenário, a narrativa da história contada na imagem. Quero que responda às perguntas. Quem é o personagem, como ele ou ela é, e qual é o cenário da história, quando e onde ela está acontecendo? O que o personagem está fazendo? O que está acontecendo com ele ou ela? E como, sobre o que é a história e, claro, sobre o que a história é realmente. Há algum elemento surpresa nesta história visual? Se sim, o que é? Leia, então eu quero que você aplauda as três imagens com comandos para o nosso espaço de aprendizagem. Espero que tenha gostado de aprender sobre os elementos de uma imagem e foto do Tyler. Agora, eu quero que você passe pela consciência sobre quais elementos de estilo são mais importantes para você quando você está tentando te contar uma história. Pensa mesmo nisso. Algumas pessoas podem cuidar de locais, luz de Bose para algumas pessoas, essas coisas podem ser sem importância. Quais são os mais importantes para você. E lembre-se, você sempre pode experimentar com isso quando você atirar e ver como ele vai. Agora, é hora de praticar o que você aprendeu até a próxima vez. 17. Módulo 4: por que usar símbolos: Hoje é agosto figura símbolos válidos e narrativa visual. Por que é importante ter símbolos em suas histórias visuais? Vamos discutir tipos de símbolos e vamos falar sobre como você pode criar símbolos próprios. Também falaremos sobre alguns clichês de balas. Todos nós os usamos. Todos nós não queremos usá-los. Então este vai ser o tema da nossa lição. Primeiro de tudo, o que é esse símbolo? Aqui está o que a Wikipédia diz, uma marca de simbolismo, sinal ou palavra que indica significa ou é entendido como representando uma ideia, objeto ou relacionamento. Símbolos permitem que as pessoas vão além do que é conhecido ou visto pela ganância e uma ligação entre conceitos e experiências de outra forma muito diferentes. Toda a comunicação é arquivada através do uso de símbolos. Símbolos assumem a forma de palavras, som, ideias de Jeter ou imagens visuais, e são usados para transmitir suas outras idéias e crenças. Na verdade, muitos símbolos oficiais, eles estão ao nosso redor e nós os usamos todos os dias sem estar conscientes disso, mesmo, por exemplo, em algumas culturas, cores particulares estão associadas ao gênero, como pagar por meninas e azul para os meninos. Símbolos e artes visuais representam conceitos ou idéias não necessariamente diretamente relacionados com a imagem, mas entendidos pelo espectador com base em horrores ou seu conhecimento de fundo, alguns símbolos são imediatamente óbvios, enquanto outros exigem que o espectador coloque mais esforço na compreensão e seu significado. E esta pode ser a parte divertida de ver arte. A principal função dos símbolos em uma imagem é adicionar uma mediana de uma forma que não seja imediatamente clara. Desta forma é mais sutil do que usar textos e seus perímetros, por exemplo, vamos comparar essas duas fotos. Ambos são sobre o mesmo tema, mas a foto à direita nos deixa menos espaço para interpretação. Diz o que se trata muito alto e claro. A foto à esquerda é mais sutil. Quanto mais você olha para ele, mais conectado e emocionalmente investido em você se torna. Há um pouco de mistério por trás disso. E nós realmente queremos entender o que é essa coisa de cara quebrada. Este é o poder da inação de símbolos. Eles mostram que uma foto é melhor do que a outra. Claro que não. Mas sugiro que aquele que usa mais símbolos chame mais atenção e seja lembrado mais. E é por isso que usar símbolos em seu trabalho conceitual é tão importante. Ele ajuda o espectador a perceber o conceito e compreendê-lo melhor. Símbolos em seu trabalho ajudarão seu espectador a responder a pergunta sobre o que a história realmente é sobre. Na verdade, os símbolos podem transmitir uma mensagem que, de outra forma, seria difícil ou impossível de transmitir na obra de arte através símbolos e autor pode facilmente desenhar ligações com o espectador. Vocês dois vão saber algo que um certo fenômeno ou objeto pode ficar fórum, digamos que você usa peças de quebra-cabeça em sua imagem. Seu espectador pode associá-lo imediatamente um problema ou a um desafio com base em suas experiências anteriores. É assim que suas conexões são formadas no peso muito básico, como eu já mencionei, símbolos têm enorme interpretação de potencial e adicioná-los mencionados para o pior impacto possível. É por isso que os realistas gostam de Dolly de ingredientes, estamos usando-os o tempo todo em seu trabalho. E é claro, eles são divertidos de decodificar. Compreendendo-os pode se transformar em um verdadeiro quebra-cabeça para a mente. Isto significa que o seu espectador vai ficar com a sua imagem mais e mais uma vez, vai ser mais emocionalmente investido nela. Agora vamos começar realmente específico e falar sobre simbolismo e fotografia em particular, você pode usar apenas prompts como símbolos muito longe dele, simbolismo pode ser introduzido a uma foto de uma variedade de maneiras. Já falamos antes sobre significados das cores. Por exemplo, este é um tipo de simbolismo que você pode usar para construir sobre um tema ou uma dica de uma emoção. Tons de azul, por exemplo, são calmantes e fazem as pessoas pensarem no céu. Enquanto laranja é uma cor emocionante que às vezes é usada para representar a ambição além das cores, o uso de luz e sombra pode ser simbólico. Já falamos sobre as diferentes emoções que podem ser atribuídas a diferentes tipos de luz. Agora vamos dar um passo adiante e anexar certo significado simbólico a ele. Imagens de alto contraste podem representar o bem e o mal, por exemplo, ou dualidade dia e noite de positivos. E muito mais do que, do que há objetos, é claro, e estes são os símbolos mais comumente usados. Que tipo de objeto pode ser símbolo? Você vai se surpreender, mas praticamente qualquer coisa, geralmente qualquer item de avião que vemos ao nosso redor na vida cotidiana pode ter o significado simbólico. O significado pode ser trazido pelo que o item é usado ou por onde ele geralmente pode ser encontrado pelas qualidades do item, bem como, suavidade, nitidez, brilho, qualquer coisa. Por exemplo, vamos pegar alguns itens simples. O que um livro pode simbolizar enquanto é tradicionalmente conhecimento, sabedoria, história, aprendizagem, mas também talvez imaginação e memórias, é claro, e isso é apenas a ponta do iceberg. Outro exemplo, escadas. Eles podem fazer seus espectadores pensar um banho ou algum desafio que o personagem precisa superar, talvez um sonho que um personagem tem dependente do ambiente. Eles também podem fazer você pensar em algum mistério. Outro exemplo é um qij. A primeira coisa que vem on-line se nós vê-lo, pode ser preso, controle da prisão, falta de liberdade, constrangido. No entanto, ao mesmo tempo, alguns de nós podem pensar nisso como um escudo ou um meio de proteção. Não é fascinante como um simples objeto pode lembrá-lo de tantas coisas? Memórias, experiências passadas, histórias que já ouvimos e vimos antes. E aqui estamos prontos para construir nossas próprias histórias, interpretando a imagem à nossa frente. Esse é o poder dos símbolos em ação. 18. Módulo 4: tipos de símbolos em histórias visuais: Nesta pequena lição, falaremos sobre os tipos de símbolos que você pode usar em suas futuras histórias visuais e como cada tipo pode ajudá-lo a tornar sua narrativa visual muito mais forte. Tradicionalmente, os símbolos podem ser divididos em universais e símbolos universais específicos da cultura são aqueles que são entendidos ou interpretados pela maioria das pessoas de forma semelhante, independentemente da sua origem cultural. Por exemplo. E podemos pegar nossos objetos ou itens como pássaros, livro, coração, filho, estrela, três, fogo de bandeira. E basicamente todos os emojis que usamos todos os dias podem ser chamados de símbolos universais. Estes símbolos são generalizados e são amplamente reconhecidos em uma variedade de culturas. Quando você incorpora símbolos universais básicos em sua fotografia, há uma boa chance de que muitas pessoas respondam a esse significado universal consciente ou subconscientemente. Eles serão capazes de se relacionar com essa imagem. E é isso que procuramos quando a imagem ressoa, as pessoas prestam mais atenção e se lembram melhor. Claro, o próximo grupo de símbolos é culturalmente específico. Os símbolos culturais específicos serão compreendidos apenas por representantes de uma determinada nacionalidade ou de qualquer outro grupo cultural. Por exemplo, em muitas culturas, um peixe dourado é considerado um símbolo de prosperidade e riqueza. Na cultura russa, um peixinho dourado também simbolizará sonhos que se tornam realidade e impermanência. Isso ocorre porque há um conto de fadas popular em que um peixinho dourado atua como um gênio e dá às pessoas o que elas desejam. Mas no final, quando pedem demais, o peixe tira tudo. Este é o agrupamento tradicional de símbolos, mas há um outro tipo que também vale a pena mencionar e que é símbolos pessoais. E estes são os que nós mesmos criamos. E esses podem ou não ser interpretados por outros. Da mesma forma, cada um de nós pode ter símbolos altamente pessoais baseados em sua personalidade e história únicas. Se você visse um passarinho, diretor Rosebush, você poderia associar rosas com a morte. É assim que os símbolos funcionam por esse tipo muito básico de processo de pensamento conhecido como associação. Associamos isso a isso. Isso me lembra que as linhas de associação geradas pelo símbolo podem estar prontas em muitas direções. Se você está familiarizado com a história de Harry Potter, você provavelmente se lembra dos Patronas criados por Harry quando ele estava tentando se proteger de demanders. Era um veado. Em muitas culturas, um veado é um símbolo de sabedoria, gentileza e suavidade. Em alguns, pode representar proteção para Harry, neste caso, um veado tornou-se um símbolo de sua família, ou seja, seu pai. Então este é um exemplo de um símbolo pessoal, mas as coisas ficam muito mais complexas e muito mais interessantes. Quando uma imagem contém uma variedade de símbolos possíveis, os símbolos podem ser combinados. Então você tem símbolos interagindo com símbolos, significados, interagindo com significados. E não são apenas os elementos de uma interação de imagem uns com os outros, mas também o não, cores e composição que adicionam ao simbolismo e significado. Como é que tudo se encaixa? Novamente, pode haver uma variedade de maneiras de responder a essa pergunta, e elas variam de uma pessoa para outra. É por isso que estamos fascinados com grandes obras de arte. Eles estão cheios de todo tipo de significados. Quais são as diferentes coisas que poderia simbolizar? Nenhuma resposta certa ou errada. Brincar com possibilidades. Vejamos esta imagem do sombreamento Brooke, por exemplo. Aqui ela brinca com uma variedade de símbolos como água, tempestade, lanterna, luz para citar melhor vista. Outro exemplo é o trabalho de Rodney Smith. Que símbolos você vê aqui? Eu vejo um balanço guarda-chuva, circo, jardim, árvores endereço, e o que você é. Agora é hora de se exercitar. E nesta lição estaremos nos exercitando na leitura de símbolos em fotos. Então, para este exercício, eu quero que você encontre três exemplos de imagens conceituais. Estas podem ser as fotos que você tem para lições anteriores ou algumas novas. Eles podem ser ambos, sejam seus ou por outra pessoa. Quais objetos ou elementos de imagem parecem simbólicos? Você os lê? Esses símbolos são universais, culturais ou pessoais? Eu queria colocar esse tipo ao lado de cada símbolo. Quanto mais símbolos você pode encontrar, melhor e mais interessante o exercício se torna. Bem, a seguir, vamos falar sobre clichês simbólicos. Devemos usá-los em nossas histórias visuais? Não são. Assista à próxima lição para descobrir. 19. Módulo 4: clichês simbólico: O próximo tópico sobre o qual queria falar é clichês simbólicos. E eu acho que você concordaria que este é um tópico muito complicado para muitos de nós, me incluído conceitual ou fotografia de arte fina é construído em símbolos e clichês também. Vemos malas, lanternas, vestidos vintage, flores, árvores em todas as outras fotos, as pessoas deixam de ser surpreendidas por elas e não captam mais sua atenção quando há um transbordamento desses, você concorda que imagens com símbolos clichê não terá tanto impacto sobre o espectador. Vamos encarar isso. Todos estão acostumados a ver uma e a mesma coisa uma e outra vez. Ele deixa de ser mantido dividindo mais. Por que isso acontece? Vamos dar uma olhada nisso mais de perto. Tudo remonta ao que alimentamos nossa largura de banda. E em primeiro lugar, as imagens de um olhar, é claro, enquanto digamos que você está interessado em fotografia de tabulação e em todos os lugares que você olha, você vê arcos, novos perdões, compósitos de photoshop de bebês em bolas de basquete e ninhos ao lado das imagens pós-recém-nascidas estão as fotos de crianças pequenas e florestas e campos banhados por uma luz dourada sobrecarregada. Você pode pensar que uma vez que todo mundo parece estar fotografando dessa maneira, é basicamente o que os clientes um, e é assim que suas fotos devem parecer. Esta é uma maneira segura de se encontrar perdido no mar da mesmice. A mesma coisa está acontecendo com os limitadores conceituais foram vistos em todos os lugares. Por exemplo, eu realmente admiro o trabalho que quebrou o sombreamento, e eu amo sua atividade como artista, como educadora. No entanto, na minha opinião , tem alguns efeitos colaterais. Eis o que quero dizer. Seu trabalho é muito popular e muitos de nós são pegos olhando apenas para suas imagens, mas ser inspirado apenas por sua arte resulta em nós usando os mesmos clichês simbólicos. E isso é o que obtemos como resultado. Tudo isso, as imagens foram filmadas por pessoas diferentes, mas poderiam facilmente ser confundidas com o trabalho. Então, só um artista. Você concordaria? Isso acontece porque quando vemos obras de apenas um artista, um estilo e símbolos similares sendo usados o tempo todo. Temos uma idéia consciente ou inconscientemente de que é assim que nossas fotos devem ser. E não existe tal coisa como um suposto Luke para uma foto. Basta pensar sobre isso. Não existe tal coisa que se deve olhar quando se aprende com os outros. Nunca se esqueça que essas coisas são apenas diretrizes, mas não as regras definidas em pedra sua fotografia e você está aqui para criar suas próprias regras. Em algum momento, a coisa sobre fotógrafos destacados é que eles se destacam precisamente porque eles não estão fazendo o que todos os outros estão fazendo. A verdade sobre trabalhar em algum gênero específico, incluindo a fotografia conceitual, é que você não precisa se encaixar seriamente, basta pensar nisso. Você não tem que se encaixar. E muitos de nós estão tentando fazer exatamente isso ao usar clichês simbólicos. Então não, não há nada de errado em usar copos, livros e lanternas do navegador ainda quando você usá-los, lembre-se que primeiro, você não deve tê-los em seus emissores. E em segundo lugar, que ele não vai parecer tão original como você iria adorar também. A menos que você use o objeto de uma maneira nova e típica, talvez até mesmo da maneira que ele nunca foi usado antes por outros. Então, quando você quer criar arte verdadeiramente impactante, tentou encontrar novas maneiras de usar símbolos universais antigos. Isso não vai chegar até você instantaneamente. Claro, pode levar anos para entender que história você está tentando contar sobre que tipo de mensagem você quer enviar para o mundo. Isso virá com maturidade. Essa coisa que quero comunicar a vocês hoje é que vocês devem estar cientes dos clichês e considerar as possibilidades de evitá-los para fazer sua arte se destacar, eu quero compartilhar esse exemplo com vocês, embora não seja estritamente fotográfica. Aqui estão duas imagens e onde podemos ver flores. O da esquerda de Margarita Karima é incrivelmente bonito. Seu valor estético é incrivelmente grande. No entanto, o da direita de Banksy, porém, não tão estético, produzirá um impacto mais profundo no público. Eu não estou dizendo aqui que produzir imagens esteticamente bonitas é caminho errado, ainda. Estamos aqui para aprender a contar histórias verdadeiramente impactantes. E é por isso que eu queria expor você a essa idéia de ir mais fundo e não apenas para a estética, pode não parecer justo comparar essas duas imagens. E eu entendo que, no entanto, eu ainda acho que é uma maneira perfeita de ilustrar minha idéia. Você pode definitivamente usar clichês simbólicos, mas tente encontrar novas maneiras inesperadas de usá-los no. By the way, não há nada dizendo que você tem que usar símbolos estabelecidos dentro de seu próprio trabalho. Pelo contrário, criar seus próprios símbolos é como nós como cultura, desenvolvemos novos símbolos, ideias e significados. Portanto, não hesite em criar algo próprio e usá-lo para unir o seu corpo de trabalho. Para alguns fotógrafos, o símbolo é um objeto que está sempre incluído em uma imagem. O pai da arte de Maria mostra a piscina como seu símbolo, e ela usa essas dezenas e dúzias de suas imagens. Quando se trata de escolher símbolos, é muito difícil dar errado. Simplesmente duas coisas que significam algo para você. Aqui estão alguns exemplos dos meus trabalhos. No 1, decidi que são pássaros guardiões em minhas imagens representarão as emoções que podem ser esmagadoras, mas totalmente comidas ao mesmo tempo. Outro exemplo é o uso de gêmeos ou dualidade como uma representação da auto-conversa que todos nós experimentamos em nossas cabeças. Às vezes temos lutas internas em outras vezes tentando descer e tentar encontrar a paz interior. Aqui está mais um exemplo. É a minha série que chamo de cortes de papel. Decidi que o Caesars recorda-me uma transformação e livrar-me de algo que já não te serve. Então, a resposta para a pergunta como usar símbolos é simples. Não há maneira certa. Não há como dizer a um fotógrafo ou qualquer outro tipo de artista como usar o simbolismo. Você mesmo pode olhar para as palavras dos outros para entender melhor os significados. Mas no final, é sempre uma escolha pessoal. Os símbolos que você escolher devem parecer certos para o trabalho que você está fazendo. Para este exercício de lição, temos encontrar símbolos e seus significados. Eu quero que você escolha três itens que você vê em seu quarto. Objetos que você acha interessantes como um modelo de caixa, vela, lâmpada, relógio podem ser literalmente qualquer coisa, mas algo que é facilmente acessível, mas não muito óbvio. Agora venha com significados simbólicos para todos eles, pense, o que eles podem simbolizar e como os espectadores podem interpretá-los. Eu queria escrever esses três significados para cada um deles, depois pensar novamente e tentei chegar a mais três significados e associações. Escavar mais fundo e descartar as primeiras coisas que vêm à mente irá ajudá-lo a criar histórias mais originais no futuro. Quero que você compartilhe essas imagens em nossa comunidade online com comandos sobre quais significados simbólicos eles podem ter e suas fotos não precisam ser bem filmadas neste momento. Eles simplesmente precisam dar uma idéia de que tipo de objeto Perez. Então sinta-se livre para ir com fotos de telefone também. Agora que você sabe que tipos de símbolos podem ser como novo serviço visual, é hora de tentar apresentá-los ao seu trabalho. Confira a tarefa desta lição. E mal posso esperar para ver o que Hugo acredita. 20. Módulo 5: criando uma história visual a partir de um único ponto de partida: Em geral, descobri que existem três maneiras de construir uma história visual. O primeiro, quando galeria eu teria um tema ou tópico. Por exemplo, há algum problema que lhe interessa e quer expressar o seu ponto de vista sobre esse problema. Então você sabe exatamente que tipo de mensagem você quer comunicar através de seu trabalho. Outro exemplo seria tomado parte de um concurso de fotografia que tem um tópico e você precisa criar algo dentro desse tópico. Em seguida, quando você tem alguma referência visual ou coleção de referências e você quer tentar introduzir algumas idéias dessas referências para o seu trabalho. Digamos que você encontrou uma foto legal no Pinterest e você quer filmar algo assim acontece com todos, certo? Outro exemplo seria referenciar ilustrações, peças de arte, cultura, você começa a idéia. A próxima maneira de começar a construir uma história visual é quando você encontrar algum elemento de sua imagem futura e você quer filmar com esse elemento. Por exemplo, você corre para uma bela ocasião e você quer filmar algo lá, ou você encontrou um objeto interessante, como, Digamos uma máquina de escrever vintage e você quer ler alguma história em torno dela. Vamos falar sobre os dois primeiros em nossos seguintes módulos de aprendizagem sobre como trabalhar com inspirações e descobrir conteúdo. Hoje, vamos explorar como construir uma história a partir de um único elemento de uma imagem, como localização, adereço, guarda-roupa, modelo ou maquiagem. Então é exatamente isso que eu quero dizer com um ponto de partida. Qualquer um dos elementos de uma imagem que falamos no módulo anterior pode ser o ponto de partida da sua filmagem. Seu ponto de partida, novamente pode ser abordado um adereço, uma alocação de pessoa. E, naturalmente, esse elemento inicial será sua inspiração primária e fonte de idéias. Todos os outros elementos terão que ser montados por você, como peças de quebra-cabeça. Com cada elemento de empreendimento, você precisará se fazer certas perguntas e brincar com associações. Talvez você vá para suas memórias e se lembre de histórias que leu ou ouviu. Não se preocupe, se você acha que não conhece nenhuma história interessante para ir, todo mundo sabe. Mesmo que muitas vezes nós pensamos que nossa vida pode ser chata quando ele tentou responder as perguntas certas sobre o seu ponto de partida, idéias surgirão. Este processo é, em muitos casos, muito natural. Então, quais são as perguntas certas? Lidaremos com a qualidade do seu ponto de partida e com as formas como o seu personagem principal pode interagir com ele. Flipping lhe dá um exemplo. Você encontrou um vestido vintage incrível que você quer atirar com. Então você respondeu a pergunta, o que o personagem principal está vestindo, mas que história você pode contar sobre seu personagem para entrar que você pode dar uma olhada no vestido e entender que tipo de informação ele pode dão-lhe para construir a sua história. Por exemplo, que tipo de endereços que é um dramático ou sexy. Que tipo de status social isso pode te dizer? Quais seriam as circunstâncias em que o vestido seria usado? Como estação, local, hora do dia, que tipo de pessoa usaria esse vestido? As qualidades deste vestido podem ser transformadas em significado simbólico. O que este vestido pode ser um símbolo de responder a essas perguntas irá ajudá-lo a criar sua história e selecionar todos os outros elementos da sua imagem. Então, um por um, você vai descobrir como seu modelo deve ser e quem deve ser, que tipo de ocasião você estará usando para a filmagem William estará filmando de manhã ou durante a noite. Que tipo de adereços você precisa, e assim por diante. Deixe sua imaginação fluir e não desencoraje se suas idéias parecem muito clichê deste ponto, você pode começar a partir daí e, em seguida, desenvolver algo mais original. O ponto chave é começar a imaginar e construir essa história. Deixe-me dar alguns exemplos do meu próprio trabalho e vamos ver se você reconhece seu processo criativo em mente. Então aqui está o primeiro, meu ponto de partida, e para esta imagem foi um elemento surpresa, uma idéia para colocar um castelo de papel mediador na cabeça de uma menina. Então eu peguei essa idéia emprestada de uma ilustração que você vê na tela. E meu processo de inspiração foi subornos, muito parecido com o que é familiar para você. Eu estava apenas procurando coisas interessantes no Pinterest e salvando ideias em potencial. Eu realmente gosto da idéia de um castelo representando um processo de pensamento. Foi assim que eu interpretei e decidi tentar introduzir esta ideia para a minha foto e não é uma coisa muito fácil de fazer. Você concorda? A ilustração original parece ter todo um estudo em sua mão e é difícil imitar isso na vida real. Então decidi limitá-lo a um castelo. Meu próximo passo foi entender como será meu futuro Castelo. Novamente, eu navego pelas imagens no Pinterest e aqui está o que eu encontrei. Depois disso eu fiquei realmente abatido e acima disso deveria e comecei a procurar pessoas que poderiam me ajudar a construir a bela colheita. Há uma coisa em que eu não sou muito bom, como há trabalhar com as mãos. Quando encontrei o decorador que adorava a ideia de fazê-lo, tive o meu primeiro problema resolvido. Agora meu pai e se torna para construir uma história visual em torno do meu adereço. Isso significa que eu tenho que encontrar todos os outros elementos para a minha história visual futura, e nomeadamente assunto, meu modelo, localização, cores, guarda-roupa e maquiagem e cabelo. Então, quero também responder às perguntas quem, quando, onde, o quê e por quê. Eu selecionei todos os elementos para que eles apoiem um humor sonhador do adereço principal, castelo de papel. Eu sabia que minha imagem tinha que ser um close up para que o castelo fosse visto claramente e em detalhes. Foi por isso que decidi trabalhar com a Theresa, a minha modelo. Ela tem características faciais incríveis e fez uma impressionante impressoras. Eu tenho um rosa, por exemplo, como vestido de lojas de segunda mão, de re-shoot. Deu à minha imagem futura uma configuração de cor que eu estava fotografando durante o inverno, então eu estava fazendo isso dentro de casa onde eu tenho uma parede branca lisa para fechar retratos, maquiagem e cabelo foi selecionado para que eles suportassem todo o estilo da imagem futura. Sonhador, mágico. Aqui está outra história que eu construí em torno de um adereço. Temporário, os dois de uma marca famosa e aviso de isenção de responsabilidade, eu não faço homens e colaborações de marca, mas eu realmente queria mostrar a vocês como as regras que eu ensinei aqui poderiam ser aplicadas às colaborações de seus amigos como um criador de conteúdo, se você é um, que as duas marcas me permitiu escolher os produtos. E eu conheci sua ação de um que eu gostei mais da cor sábia. Este brunch preto particular com folhas me atraiu por causa deste monocromático e permitir monogramas, como você sabe. Agora, novamente, o que posso criar em torno dele? O que meus outros elementos de imagem devem ser leves? Inicialmente, eu estava pensando na área do corpo que eu poderia colocar os dois para que a foto final ainda fosse meu estilo e não marcá-la. Eu ainda quero sempre ter fases em minhas imagens ainda colocar em dois no rosto é um pouco difícil demais. Então eu decidi ir com a mão e colocá-lo perto do rosto. Quando eu fiz isso, eu pensei que a forma dessas folhas deveria ser de alguma forma parecido com a forma dos olhos do modelo. E isso me deu um empurrão para procurar um modelo asiático e fazer uma preferências com ILA entra por acaso, eu encontrei um papel de embrulho com um padrão que quase repetiu o design no temporário para dois. Então isso se tornou meu plano de fundo e determinou minha paleta de cores, que agora é totalmente reduzida a uma monocromática. Agora, a última coisa era decidir o que meu modelo usaria. E ombros nus parecem ser um ajuste perfeito aqui. Então eu escolhi um top preto simples. Eu realmente espero que você ache esses exemplos úteis para o seu trabalho futuro. Agora é hora de se exercitar. Para este exercício, eu quero que você escolha um dos objetos do exercício de simbolismo que você completou para o módulo de aprendizagem anterior. Este será o seu adereço principal. Agora tentou criar uma história em torno dele, construindo toda a imagem a partir do elemento inicial. Neste ponto, você não precisa filmar nada onde aprender a planejar seu futuro tiro. Então você pode jogar com um ou vários significados simbólicos do seu objeto que você escreveu para a lição anterior. Tente responder às perguntas. Quem, como ele ou ela são, quando, onde, como, o que ele ou ela estão fazendo? Sobre o que é tudo isso? Tipo, sobre o que é a sua história e sobre o que é real? Se você está achando difícil, tente este truque simples. Escreva uma lista de coisas que você não terá na sua imagem. Muitas vezes, as coisas que vão desempilhar irão aparecer. Na maioria dos casos, você será condicionado pelo tamanho, cor e uso do objeto, ou pelo seu significado simbólico adicional. Por enquanto, você não precisa se importar com o desenvolvimento e o significado real da sua história. Tente selecionar todos os outros elementos da imagem para que você entenda primeiro o processo, se você não os tiver assistido, que é natural, a maioria dos casos tenta imaginá-los. Você precisa fazer uma lista de como seu modelo de localização, guarda-roupa e outros elementos serão parecidos e desenhar um esboço para ilustrar sua idéia. Defina o personagem, o cenário, e a narrativa ou sua história, que movimento ele transmitirá? Como resultado, você terá um esboço que poderá ser usado posteriormente para sua futura foto do seu esboço e enviado para o nosso espaço de alerta. Se você tem tempo para grande, uma imagem real, vá em frente com amor para ver fotos reais ainda mais. 21. Módulo 5: construindo uma história de vários pontos: Agora, esse foi o primeiro passo para construir uma imagem a partir de um único elemento inicial. Na vida real, um trailer acontece assim. Muitas vezes você será condicionado por seus próprios recursos e deixe-me explicar. Digamos que você tem uma amiga e você sente que ela seria uma ótima modelo para uma sessão. Seu outro amigo tem acesso a um incrível espaço vazio com paredes vermelhas e amarelas e você adoraria filmar algo lá. Ambas as ofertas são um tempo limitado porque digamos que ambos os seus amigos partem em breve e que você não terá acesso a elas. Agora você já tem três pontos de partida. E o primeiro é modelo, que é uma morena fina, cores, vermelho, amarelo e preto do cabelo da menina. E a sua localização. É um espaço interior com uma certa luz e certo para o chão com um certo estilo. E você tem que acomodar suas idéias para todas essas coisas. Você precisa conectar todos os três em uma história enquanto encontra os elementos ausentes de uma imagem. Neste caso, vai ser maquiagem e cabelo, dicas guarda-roupa e surpresa. Isto pode parecer muito mais desafiador. E não é terminado porque você está condicionado para dar todos aqueles em mente ao planejar seu futuro photoshoot. No entanto, é muito possível e vou mostrar-lhe como em um segundo. Aqui está um exemplo da minha prática. Eu estive em Paris por uma semana e eles realmente querem filmar alguma coisa. Quando eu descobri este local incrível, Eu também afirmo para modelos e encontrei Christina, que estava feliz em trabalhar comigo e estava disponível para que pudéssemos agendar uma sessão no tempo. Agora eu tenho a minha certa cor pontual, que é rosa e preto. Como Christina é morena, eu tenho um modelo, Burnett magro, e localização, estilo futurista sem móveis. Minha tarefa agora é conectar o ponto de partida em uma única história. Ao mesmo tempo que eu precisava descobrir os adereços, o guarda-roupa, maquiagem e cabelo, meu elemento surpresa, e como eu vou filmar tudo isso. Então foi isso que eu inventei. Eu decidi usar acessórios de origami de papel, uma vez que eles são fáceis de fazer e fáceis de usar, mas o mais importante, fáceis de trazer para o local que é um espaço público, uma universidade. Eu estava pensando sobre as formas de nossas elásticos e decidi ir com aviões desta vez, já que eu senti que eles pareciam mais apropriados neste caso, eu já mencionei que eu amo monocromático. O vestido que eu estava procurando foi sempre colorido, sem padrões e meio atemporal. Neste caso, eu era como na minha modelo não tinha vestido adequado no caso de ela não ter as tendências. Eu procuraria algo em lojas como H&M e Zara e depois devolveria o item após a filmagem. Outra opção é verificar lojas de segunda mão, claro, quanto à maquiagem e cabelo, decidi ir com tons de cabelo rosa e solto, avião e não dragão. Muita atenção do que está acontecendo com a garota. Agora, entra no elemento surpresa. Eu escolhi, neste caso, eu decidi usar um avião de papel límbico incomum. Vamos imediatamente atrair a atenção das pessoas e também queria adicionar uma menor, que seria uma agradável surpresa quando os espectadores seguram os olhos na foto por um pouco mais. Então decidi fazer os pequenos aviões voarem. O que esta história é sobre, é sobre uma mulher que de alguma forma pode transformar aviões de trança regulares em gigantes ao interagir com eles. Mas o que é o surreal sobre eu interpretei assim. É sobre esperança e como as pessoas podem ter com o poder de transformar e elevar tudo ao seu redor quando têm a atitude e a mentalidade certas. Deixe-me mostrar mais um exemplo. Esta imagem foi desenhada a partir de três ou mesmo quatro pontos de partida iniciais, maquiagem e estilo de cabelo, localização, elemento surpresa, que está intimamente ligado com a seleção de adereços. Neste caso, o primeiro ponto de partida desta imagem foi um modelo Sabrina, com quem eu queria trabalhar. Sabrina tem uma fase muito interessante e também ela tinha cabelo verde direito na época. As minhas condições iniciais estão cientes da minha modelo e da cor do cabelo dela. O ponto de partida seguinte foi localização e interessante edifício futurista em Hamburgo, Alemanha. Adorei porque era simples, mas tão real e industrial. Meu desafio era criar a história conectando cabelo verde de Sabrina com este local futurista. Isto é quando eu me lembrei sobre uma antiga inspiração minha que eu encontrei longo e objetivo em 40 por Rodney Smith que você pode ver em sua tela agora, Eu amei a idéia de cortar papel com Caesars para revelar algo de outra forma escondido, mas eu queria fazer do meu jeito. Então meus adereços eram papel e tesoura. Agora, eu precisava descobrir os elementos que faltam, cor e guarda-roupa. Neste ponto, você já pode adivinhar que aqueles eram óbvios para mim. Escolhi verde para manter o campo monocromático e encontrei um vestido adequado para a minha modelo. Voltando às perguntas básicas da nossa regra número 2 de criar grandes histórias visuais. Podemos colocar assim. Então, quem é o assunto principal da minha história? É uma menina, como deve ser. Ela tem um cabelo verde e um vestido verde. Minha exigência para a maquiagem e cabelo aqui nós somos muito simples, novas matrizes e lábios vermelhos. Onde é que a história acontece? Mylocation é algum lugar turístico indefinido que com linhas retas duras. Agora, de volta às grandes perguntas. O que ela está fazendo? Sobre o que é a história? Ela está segurando um pedaço de papel cortado no meio da tesoura. O que é realmente a desordem? Posso dizer-te mente e predação. Mas, na verdade, na maioria dos casos, para os espectadores abandonam e suas experiências e associações anteriores. Minha história é assim. A menina quer descobrir algo novo, algo que ela estava escondendo da abertura para isso, cobrir-se de qualquer maneira e mostrá-lo aos outros. Foi por isso que ela fez aquela janela num pedaço de papel. Adrenal gosta de ouvir que tipo de histórias aparecem em sua mente quando você vê esta imagem, por favor, compartilhe suas idéias em nossa comunidade do Facebook. Quando você cria uma história a partir de um único ou vários pontos de partida, entenda qual elemento da imagem é mais importante para você. Responder a esta pergunta irá ajudá-lo a se concentrar nas coisas certas e enfatizá-las mais em suas imagens, que é um primeiro passo para encontrar seu estilo artístico único. Agora, eu tenho outro desafio criativo para você será aprender a gerar idéias a partir de vários elementos iniciais. Então, como eu mencionei antes, raramente haverá apenas aqueles que não são um elemento de uma imagem na vida real, geralmente precisamos combinar vários elementos desde o início. Este exercício irá ajudá-lo a aprender a fazê-lo. Abaixo estão a lista de três categorias de elementos de imagem. Sua tarefa é criar uma idéia de imagem que tem um elemento de cada lista para que nenhum elemento seja repetido ou anote descrições curtas de suas imagens e descontá-las. Assim, suas opções para o elemento de imagem colorida são azul, vermelho e verde. Então eu lhe dou a escolha de objetos, e estes são a lâmpada de César e cadeira e olhar para ocasionalmente nós vamos com os campos tratar ou quarto. Como resultado, você terá três esboços de imagens que você pode usar para sua futura sessão de fotos. Você tem tempo tentou filmar pelo menos uma das imagens com esses elementos imediatamente. Carregue fotos de esboços ou suas imagens finais para o nosso espaço de aprendizagem. E não se esqueça de sua descrição, quais elementos você usa e qual é a história que você está tentando contar. Use exemplos da lição no modelo a seguir, vamos falar sobre um dos tópicos mais emocionantes, como trabalhar com inspiração e onde encontrá-la para que nunca acabe até a próxima vez. 22. Módulo 6: ideias e inspiração: Neste módulo de aprendizagem, falaremos sobre um tópico fascinante. Encontre inspiração. E esta é a pergunta que mais me fazem. Onde se eu aumentar o preço do problema. Então eu vou compartilhar algumas das minhas fontes de inspiração com vocês e vamos mostrar-lhe como usá-las sem blocos a cópia e as idéias delas. Qual cidade? Antes de falarmos sobre encontrar inspiração, gosto de dizer algumas palavras sobre ideias e como elas podem ser definidas quando aplicadas à fotografia conceitual, a palavra ideia pode ficar em primeiro lugar, o conteúdo. Qual é a história realmente sobre o significado da idéia do artista que ele ou ela está tentando transmitir e por que ele ou ela está criando esta obra de arte. É a ideia por trás. Como exemplo, podemos tirar a famosa foto de um saco plástico parecendo um iceberg. A idéia principal dos artistas aqui é que a poluição devido ao crescimento da produção em breve destruirá a natureza do nosso planeta e terá literalmente sacos plásticos flutuando em nossos oceanos e conjunto de icebergs. A palavra idéia também pode significar a execução e realização visual do conteúdo, como a história é contada e apresentada ao espectador. Pense nisso como uma coleção de tendências na decoração de interiores ADS, por exemplo, muitas vezes você vai detectar ou obter idéias interessantes que não têm nenhum conceito particular por trás deles. Exemplo da minha vida por um longo tempo, fiquei fascinado com laminas, como eles olhavam e fotos, e sabia que eu queria filmar algo com eles, mas eu não sabia exatamente o que. Depois de um tempo, quando você vive com sua idéia e tentou conectá-lo com outros elementos de uma imagem. Nós vamos encontrar uma maneira de você ser executivo em sua filmagem. Agora, de volta à inspiração, o tema principal desta lição. E por inspiração aqui quero dizer duas coisas. Primeiro de tudo, é uma força criativa, que significa que eu vejo algo bonito e isso me motiva a criar algo bonito eu mesmo. Minha nova criação não se assemelhará necessariamente à peça pela qual me inspiro. E o segundo significado é referência. Eu vejo algumas idéias particulares história que pode ser usado na minha próxima imagem. O primeiro está claro. Todo mundo quer se sentir inspirado e criar algo. No entanto, quando se trata do segundo, pode haver dúvidas. Você concorda que há discussões contínuas sobre referenciar outros artistas em seu trabalho e sobre plágio. Cada um de nós quer criar obras verdadeiramente autênticas e originais. É por isso que você está fazendo este curso em primeiro lugar. Na próxima lição, vamos falar sobre a minha opinião sobre a cópia e trabalhar com inspiração irá responder a todas as perguntas, incluindo copiar ou não copiar, assistir. 23. Módulo 6: para copiar ou não copiar e como não copiar. Inspiração em camadas: Hoje queremos fazer um mergulho mais profundo no tópico de copiar outros artistas e se ele deve ter um lugar em sua prática criativa. Na verdade, é a pergunta mais frequente quando as pessoas discutem sobre ser inspirado pelo trabalho de outras pessoas para copiar ou não copiar. Alguns especialistas valorizam que cor verde ou roubar idéias é a prática comum e não há nada de novo sob o sol. Outros, pelo contrário, pedirem que você não copie sob nenhuma circunstância, apenas produza o trabalho original. Ambas as respostas podem ser bastante intrigantes porque você pode estar em algum lugar no meio. Claro, você quer produzir conteúdo original pelo qual você será reconhecido. No entanto, você também entende que as melhores histórias e idéias são universais e atraem um grande número de pessoas, que significa que elas não são novas. Creio que há dois aspectos da cópia. Primeiro, copiar como uma forma de aprender o ofício. Pense nisso. Qualquer gráfico só pode ser dominado copiando algo. É por isso que na escola de arte, frequentar museus e tentar reproduzir o trabalho de algum grande mestre é uma prática comum para os alunos. Você precisa conhecer as regras para quebrá-las. Quando você copia o trabalho de outra pessoa, você meio que desconstruiu, corta como um sapo, e estuda todos os elementos separados e como eles foram colocados juntos. Deixem-me dar-vos um exemplo. Aqui está uma obra de Dario Caval. É um jovem fotógrafo com sede em Madrid, Espanha. Com sua fotografia, ele fez um exercício simples. Ele tentou recriar uma rede por renomear concordou. Ao fazê-lo, ele tentou encontrar todos os elementos da imagem, e tentou fazê-los coincidir com a pintura original. E isso incluiu modelos, adereços, guarda-roupa, cores claras e a localização também. Quando ele faz tal exercício, você meio que entra na mente de uma pessoa que criou o trabalho inspirado e você aprende muito com isso a este respeito, lidar com isso é uma maneira de se tornar um artesão habilidoso. A transição de um artesão para um artista vem quando você começa a conectar coisas que não estavam conectadas antes, você pega os ingredientes de seu conhecimento anterior e combina-os de uma nova maneira. Foi quando o artista nasceu. E a propósito, para algumas pessoas, a transição nunca acontece. Eles ficam no nível de artesãos e está tudo bem também. Agora, há situações em que nossos cérebros copiam alguns elementos de um estilo particular quase inconscientemente. Então o que acontece é que tentamos copiar outros, muitas vezes nem percebemos que fazemos isso porque achamos que nossas fotos devem ser semelhantes às que nos inspiramos porque queremos roubar a ideia de outra pessoa. Digamos que esteja interessado em fotografia infantil. Estas são as obras criadas por quatro pessoas diferentes, mas talvez você concorde que elas poderiam ser facilmente atribuídas a apenas uma. Acontece em outras áreas de fotografia para ouvir alguns exemplos de fotografia de casamento. Note, eu não digo que as imagens parecem ruins. Eu realmente amo essas fotos ainda, eles não têm individualidade. E, a propósito, a fotografia conceitual também não é imune a isso. Aqui, a situação fica ainda pior. Às vezes, com Whedon e imagens de família, você ainda pode se opor. Os clientes querem o tipo de fotos que veem nos álbuns de fotos de seus amigos. Mas a fotografia conceitual de arte é geralmente auto-iniciada. Na maioria dos casos, não há nenhum cliente que encomende e tipo particular de uma imagem. No entanto, as pessoas nesta área continuam a criar imagens que parecem iguais. O que você precisa lembrar é que se destacam, fotógrafos se destacam precisamente porque eles não estão fazendo o que todos os outros estão fazendo. Às vezes, isso significa ser corajoso e seguir um banho menos popular. Portanto, inspire-se pelos outros, mas não se compare, admire seu trabalho, mas não tente imitá-lo porque você só vai acabar parecendo uma imitação pobre de algo grande copiado para aprender com eles, mas não para tornarem-se eles. Permitam-me que partilhe uma citação de Peter Lindbergh para apoiar esta declaração. E ele disse: Não me inspirei em desfiles de moda. Eu realmente não vou a muitos desfiles de moda e não tenho por 15 anos porque eu não quero ser inspirado pelas mesmas coisas que todos os outros. Se todos são inspirados pelas mesmas coisas, então é claro que você faz as mesmas fotos. Deixe-o afundar por um momento. E não há tal coisa em vez de procurar uma foto quando você aprende com os outros, nunca esqueça que essas coisas são apenas diretrizes, mas não regras definidas em pedra. É a sua fotografia. Você está aqui para criar seus próprios papéis em algum momento. Agora, de volta ao segundo aspecto da cópia. E soa assim, roubando ideias e conectando os pontos. Talvez, você sabe, a famosa citação que tem sido atribuída a muitas pessoas, mas na maioria das vezes a Pablo Picasso. Bons artistas copiam, grandes artistas roubam. O que significa é que não há nada de errado em usar idéias que você vê no trabalho de outra pessoa. Se você conseguir usá-los melhor do que o original e torná-los você está errado, adicionando sua percepção e experiência. Outra citação que suporta este ponto é de Austin Kleon ainda como um artista, o que um bom artista entende é que nada vem do nada. Todo o trabalho criativo se baseia no que veio antes. Nada é completamente original. Partindo do movimento dos dados para o realismo, os artistas começam a perceber que as imagens ao nosso redor afetam nossa psique e formam nossa perspectiva do mundo. Em outras palavras, nossos cérebros registram e protestam, muita informação visual. Já está lá. Go brain se lembra de coisas que você viu no passado, mesmo que você não saiba disso, basta pensar sobre isso. As coisas que afetaram seu emocionalmente, você será mais vívido e tenderá a aparecer em suas criações com mais frequência. Agora, sua tarefa como mesa nar torna-se para combinar a informação visual gravada em seu cérebro de uma maneira inesperada para ilustrar ou expressar uma idéia importante. Mais uma vez, sua tarefa é combinar essa informação de forma inesperada. Uma ideia que é importante para você por essa ou aquela razão deve ser apresentada de uma forma nova. E essa deve ser uma ideia que te desencadeia emocionalmente. Então, no mundo de hoje, há um todo e a fotografia em particular torna-se uma maneira de conectar os pontos, selecionados e conectando várias peças de informação e introduzi-los de uma forma nova. Isso servirá as necessidades da sociedade contemporânea. Pense em diferentes chefs cozinhando uma refeição. Eles podem ter os mesmos ingredientes, mas o resultado final provará e parecerá diferente de cada um deles. Há uma enorme diferença entre plagiar por atacado e parafrasear um pedaço de informação visual para expressar uma idéia entre simplesmente imitar alguém e usar uma idéia de uma forma transformada para expressar um pensamento próprio. Por exemplo, Salvador Dali foi inspirado em praticamente tudo. Muitas de suas inspirações vieram de esculturas gregas antigas, por exemplo. Mas nunca ousaria dizer que seu trabalho não era original, certo? Mas vamos aprofundar ainda mais a história da arte. Rubens, o famoso pintor flamengo, emprestou ideias de aclamados italianos como Tisha e Vanessa estanho, Caravaggio e Michelangelo. No entanto, ninguém se atreveria a dizer que ele roubou alguma coisa. Chamam isso de influenciar o que Rubens fez. Ele tomou elementos que calcanhar gostava no trabalho desses artistas e combiná-los, criando assim algo fresco e único para o seu tempo. Se o seu trabalho claramente inspirado por outros artistas, é importante afirmar honestamente, porém, que será benéfico para ambos, você e para a fonte de sua inspiração. E se a fonte é um poeta grego antigo ou pintor renascentista contemporâneo e não um poeta grego antigo, ele ou ela pode até se sentir lisonjeado por sua obra ter tal impacto em outros artistas. Então, mais uma vez, conectando os pontos, estou dizendo para ser inspirado por outros artistas. Tire ideias deles, mas conecte-as com seu próprio passado, memórias, visões do mundo, sua situação atual da vida, e transforme-as em algo único. A chave para o sucesso aqui é ser inspirado pelo NADH, uma pessoa em particular, mas muitas pessoas ao mesmo tempo. E isso é o que eu quero dizer com camadas de sua inspiração. Você precisa alimentar seu cérebro com mais e mais informações de qualidade que você pode gerar ideias a partir de quando você cria. Não olhe apenas para uma foto em particular ou para um fotógrafo em particular com admiração. Encontre muitas pessoas cujo trabalho você gosta e encontrá-los em muitas áreas da arte, não apenas fotografia, para criar mais interesse em histórias visuais e gerar idéias mais autênticas, você precisa dar uma olhada fora da fotografia e obter inspirado por outras formas de arte. Pode ser qualquer coisa e será muito específico para você. Por exemplo, pode ser música ou literatura, teatro, dança, etc E, claro, outras artes visuais que incluem design, cinematografia, ilustração, belas artes clássicas e assim por diante. Vamos falar sobre como trabalhar com inspirações da fotografia e outras formas de arte nas seguintes lições deste módulo. Mas a inspiração em camadas não deve parar aqui. Vá mais longe e incorpore seus interesses e hobbies evento. Você está preocupado com os direitos das mulheres, situação ambiental ou puericultura e UCT fazer como esportes ou atividades ao ar livre, fundir pequenos fios de todas essas áreas em um para criar suas imagens e eles serão únicos. Então, minha linha de fundo aqui é, é assim que eu vejo copiar e fui inspirado em palavras simples, quando você entende o que sua esposa atirar e por que você gostaria de filmar, e por que é importante para você e o que você quer dizer com seu trabalho. Você simplesmente não é capaz de plantar a cópia. Qualquer um que ainda pode estar utilizando este um elemento ruim que é, ou de outros artistas. Mas o processo de criação de emprego se transformará em conectar os pontos, os pontos das inspirações visuais que você viu, os humores e tópicos que refletem seus interesses, os truques técnicos que você aprendeu com outros fotógrafos, suas experiências pessoais, eventos que afetaram você emocionalmente. E embora pontos quando você aprender a tocar neles, podem ser misturados de uma maneira única apenas porque isso é o que você é único, estaremos mergulhando mais profundamente nas maneiras de procurar as respostas para essas perguntas nos seguintes módulos. Agora, eu quero que você pratique a maneira inteligente de lidar com este exercício. Eu quero que você tente e recriar um 40 ou qualquer outra obra visual de arte, como ilustração, pintura, você nomeá-lo, e tentar chegar o mais perto possível do original, copiar tudo, cores, iluminação, adereços, localização, et cetera. Você não tem que tirar um retrato. Tente trabalhar com a vida morta para torná-la mais fácil, upload da sua inspiração original e da sua de 40 em nossa comunidade de aprendizado, anote a parte mais desafiadora do exercício e suas principais conquistas. Enquanto isso, na lição a seguir, falaremos sobre as maneiras inteligentes de ser inspirado por fotografias sem copiá-las sem rodeios. 24. Módulo 6: como se inspiração em fotos, mas não copie: Todos nós estamos tão acostumados a olhar para as obras de outros fotógrafos foram constantemente bombardeados com informações visuais. E grande parte dele é fotografia, Instagram, Facebook, Pinterest, outdoors, revistas, no Windows, caixas de cereais, vadose estão em toda parte. Eu acredito que olhar para o trabalho de outros fotógrafos pode ser bom e ruim. Então, por que é bom? Precisamos saber o que está acontecendo na indústria, quais novos métodos e técnicas estão sendo usados, onde a fotografia está indo? Quais fotos foram favorecidas pelo público no espaço comercial, especialmente se tivermos negócios de fotografia. Agora, essa influência também pode ser ruim. E se olharmos para muitas fotos, nosso cérebro registra apenas essas. E nós inconscientemente começamos a reproduzir imagens que vemos uma e outra vez. Significa que podemos copiar o trabalho de outras pessoas sem sequer saber. Nenhum de nós quer que isso aconteça. Ótima. Então, como continuamos a coletar referências sem copiá-las cegamente? E aqui estão três coisas que você pode fazer. E antes de tudo, veja mais fotos e mais fotógrafos. Sim. Você ouviu que o trato é crucial para que você não fique preso no trabalho de apenas um ou dois modelos. Tire um minuto e faça uma lista de pelo menos 10 fotógrafos cujo trabalho você gosta, quanto mais nomes você tem na lista é melhor. Agora eu sugiro criar uma pasta para cada um deles e coletar suas fotos favoritas deles nessa pasta. Pode ser uma pasta no seu computador ou no quadro do Pinterest. Você também pode ser um verdadeiro nerd e criar uma pasta de papel com fotos que são impressas. Ele precisa fazer isso para que você possa mais tarde olhar para uma representação válida de todo um corpo de trabalho de um artista. Que tipo de fotografia você deve olhar? Na minha opinião, é muito importante conhecer a história da fotografia e o que as notas estavam fazendo antes de você. Esse conhecimento ajudará você a entender por que a fotografia contemporânea é assim. Estudar a história da fotografia não precisa ser complicado. Por exemplo, quando decidi que queria me tornar fotógrafo, decidi que deveria conhecer grandes mestres do passado. Para isso, eu simplesmente encontrei alguns artigos na web, cerca de 100 melhores fotógrafos de todos os tempos. Eu li um parágrafo sobre cada um deles e comecei seu trabalho criando quadros do Pinterest para cada fotógrafos obras-primas. Ainda uso essas tábuas quando procuro inspiração. E aqui estão algumas das pessoas que encontrei naquela época e que me inspiram até hoje. Primeiro, esta é Julia Margaret Cameron. Ela foi uma das primeiras fotógrafos femininas e primeiras fotógrafos a criar imagens sonhadoras nos anos 18 e 60. Eu recomendo estudar seu trabalho, especialmente se você está em criar imagens que um conto de fadas temático. A próxima das minhas favoritas é a rezona não gravada. Ele é um célebre deus da composição e célebre fotógrafo de rua que inventou a teoria de um momento decisivo para tirar fotografias. Já o mencionei várias vezes neste curso. Então, se ainda não o fez. Vá em frente e pesquise ele e seu trabalho agora. Suas obras são muito espontâneas, mas cuidadosamente compostas do mesmo tempo. Então, em muitos casos, eles parecem tão reais, embora ele fosse um fotógrafo traço de rua e wrapper, o próximo artista é Rodney Smith e ele é uma das minhas maiores inspirações de sempre. Eu acho que você pode definitivamente dizer isso a partir do meu trabalho, brincalhão e alguns reais suas fotografias estão nas páginas do Time, Wall Street Journal, e The New York Times, entre outros, Eu recebo inspiração e idéias de seu trabalho o tempo todo. Aqui está um exemplo da minha fotografia que foi muito inspirada nas obras de Rodney Smith. Como você pode ver, você não precisa ser muito literal quando foi inspirado por uma foto. Sempre apresente sua própria interpretação de Nadya. Outra fotógrafa que admiro muito é Diane Arbus. Ela tirou imagens de grupos marginalizados para trabalhar com uma ampla gama de assuntos, incluindo membros da comunidade de álgebra DIY, strippers, artistas de carnaval, novos budistas, crianças, mães, casais , idosos e meio... famílias de classe. Adoro os movimentos em suas obras e como ela consegue mostrar pessoas reais que vivem em Manaus, mas muitas vezes saíram e notam apenas porque são diferentes. Esta atenção para o estranho Fox sozinho faz o trabalho de dança parecer surreal e muito atraente para mim quando você estuda fotógrafos do passado, dança, olha para seus trabalhos, mas também lê biografias e ouve suas entrevistas. Você pode obter toneladas de informações a partir disso sozinho. Eu também acho que é crucial ver para onde a indústria da fotografia contemporânea está indo, que tipo de tópicos são usados, que tipo de mídia são empregados e quais são os padrões modernos. Não me entenda mal. Não vejo que seu trabalho deva seguir tudo isso. Ser educado permitirá que você aumente a qualidade de suas imagens de maneiras que falam com você. O modo aqui é uma lista de pessoas cujo trabalho eu fechar o seguinte depreciar. E primeiro deles é polarização e fotógrafo de moda italiano que vive em Paris. Ele é famoso por suas técnicas únicas de iluminação quando combina a janela larga e a carne em um ambiente de estúdio. Você verá muitos de seus trabalhos como exemplos neste curso. O próximo é, claro, Tim Walker. Ele é um aclamado assunto de retratos surreais e um dos fotógrafos de moda mais famosos vive hoje em dia. Se você mergulhar no mundo dele, ele nunca vai parar para fasciná-lo. Eu estou usando Tim walkers imagens icônicas em todos os lugares neste curso como exemplos para o próximo que eu quero compartilhar com você é, claro, colocar Oldenburg conhecido por suas imagens cinematográficas memoráveis. Ele é reconhecido como um dos fotógrafos contemporâneos mais influentes. Estes são apenas alguns dos grandes mestres cujo trabalho eu tenho certeza que você ouviu falar ou pelo menos viu. Mas é claro que eu sigo as pessoas que são um pouco menos icônicas, mas não são menos inspiradoras. E aqui estão os poucos nomes. Um deles é uma perna ou pré-escolar. Como um verdadeiro fotógrafo de belas artes da Ucrânia, ele é um mestre na criação de imagens coloridas e sonhadoras que arrastam você para sua narrativa visual. Assembléia. Não quero parar de olhar para eles. Na verdade, uma das minhas imagens mais populares será inspirada na fotografia dele. Em seguida, Gabriel Isaac é um fotógrafo da Suécia. Ele cria cenas reais e melancólicas onde convida o espectador a interagir com o mundo interior de sal ou dedos que simbolizavam nossos próprios estados inconscientes. Seu trabalho é muito pacífico, monocromático e minimalista, e eu amo isso sobre isso. Eu também admiro as obras minimalistas de avião do Nilo Oswald, a forma como ela joga com regras de composição me fascinam. É por isso que eu queria te apresentar ao trabalho dela também. Outro dos meus favoritos é a Sony Music. Suas obras são uma explosão de cor. A mente dela não parece ter limites. Você concorda? Agora, quando você coletar as aspirações de urina, a próxima coisa a fazer é analisá-la. Como resultado do exercício anterior, você precisa ter pelo menos 10 fotógrafos cujo trabalho ressoa com você por esse ou aquele motivo. Agora, a parte importante que muitas vezes é tentar entender por que o trabalho ressoa e especialmente quais partes dele falam com você. Você gosta de como um mestre joga com luz ou iPhone para ter uma paleta de cores. Talvez sejam os assuntos ou humores que te fazem gostar do trabalho. Pergunte a si mesmo, o que eu gosto sobre esta imagem e o que eu não gosto? Elementos de seu trabalho que eu quero adicionar às minhas fotos, fazer uma lista para cada fotógrafo. Por exemplo, gostei de fotos de Rodney Smith. Por quê? Porque eles parecem tão reais. Há Sr. neles, a composição é perfeita. O que eu quero pegar emprestado dele? São as mesmas coisas. Ao mesmo tempo, eu gosto das fotos do bastão numero de areia. Suas obras são surreais e explodem de cor. Eu não acho que eu gostaria de adicionar essas cores realmente ousadas e saturadas ao meu trabalho, mas eu gosto de como suas imagens quebram alguns limites ou percepções. E quero aprender isso com ela. Eu entendo isso sobre todos os fotógrafos. Eu posso misturar todas as coisas que eu gosto de muitos fotógrafos em meu próprio estilo pessoal. Esta mistura será única para mim e para o meu trabalho e nunca parecerá uma cópia simples da imagem de outra pessoa. Outro exemplo, você gosta de arquitetura para aqueles, mas você não é realmente um grande fã de arquitetura. Por que você gosta dessas fotos então? Principalmente porque eles parecem organizados e simples. Talvez porque alguma arquitetura parece correio tão real porque você gosta das cores dessas fotos. Entrar nessas perguntas irá ajudá-lo a entender a si mesmo e sua fotografia muito e vai fazer você olhar para ela de um ângulo diferente. No entanto, embora você pode obter um monte de inspiração do trabalho de outros fotógrafos, é realmente importante para não ficar sobrecarregado e ser focado no, sobre isso. Lembre-se, nosso cérebro grava tudo. E você pode ser o segundo nas idéias. Você vê o trabalho de outra pessoa inconscientemente e depois esfrega, reduzi-a. Na Europa, é totalmente certo que é sua própria criação. É por isso que de vez em quando, É realmente importante desligar todas as inspirações fotográficas inseridas de diferentes fontes. Mas agora é hora de exercitar e entender o que o inspira para a prática desta lição, eu queria criar uma lista de 10 fotógrafos que você admira a muda cujas imagens você vai olhar e pensar, eu quero filmar assim. Em seguida, para cada fotógrafo, leia pelo menos três coisas que fazem você gostar de seu trabalho. É a composição, cores, processamento de chefe? Também será útil se você criar coleções das fotos para sua referência pessoal. Então você pode fazê-lo como placa no Pinterest ou como pastas em seu computador ou telefone. Depois disso, leva algum tempo para refletir por que você gosta desses recursos específicos e como você pode apresentá-los à sua fotografia para comunicar melhor seu armazenamento. No entanto, acredito firmemente que nossa inspiração nunca deve ser limitada a fotos sobre quando precisaremos obter inspirações de outros tipos de arte. E é exatamente disso que falaremos na lição a seguir. 25. Módulo 6: buscando inspiração de fora da fotografia: Amy trabalhar com uma fotografia triste é como esse bebê que precisa ser alimentado o tempo todo. Está sempre com fome. Precisa ser lido para cuidar. Então, como alimentamos esse bebê, se não com fotos? De onde mais podemos nos inspirar? Já mencionamos que você pode se inspirar outras formas de arte e falaremos sobre isso em um segundo. No entanto, não pare por aí. Eu também sugiro olhar para seus interesses mais amplos em diferentes áreas como esportes, política, saúde, psicólogos, espiritualidade, o que quiser. Agora eu quero falar sobre maneiras que você pode desenhar inspirações de diferentes áreas da arte, outros tipos de arte visual, principalmente, o que pode ser? E antes de tudo, belas artes, é claro, vão a exposições em museus, olharão através de livros com reproduções. Belas artes estão na web, então você pode encontrá-lo lá também. Mas não basta olhar para ele ativamente estudado. É importante ser intencional aqui. O que você pode aprender estudando belas artes e também qualquer tipo de galeria de arte contemporânea? E em primeiro lugar, as poses das pessoas e especialmente a posição das mãos. Como sabemos, as mãos podem ser o maior problema para um modelo ao posar, muitas peças de arte vão dar-lhe muitas poses frescas AD é para a sua fotografia. Em seguida, entenda como a luz e as sombras são pintadas e interagem em uma imagem. Estudo, combinações de cores e tentou entender como eles adicionam a um humor geral da peça. O pintor usou cores suaves para criar uma atmosfera mais romântica e pacífica? Ou seu objetivo era realmente perturbá-lo com seu trabalho, ou mesmo colocá-lo em um estado de choque leve. Você pode aplicar essas combinações ao seu trabalho para alcançar o mesmo efeito? Outra coisa que eu queria mencionar no que diz respeito a encontrar artistas aprendendo com culturas e em instalações artísticas, arte contemporânea quebra todos os limites e usa todo tipo de materiais para expressar suas idéias. Então, por que não emprestar essas idéias deles? Coisas a notar aqui, quando você vê uma instalação ou uma arte contemporânea, objetos são materiais que foram usados, como eles olham em uma luz diferente, como eles podem ser combinados, o que eles podem simbolizar ? Como as pessoas podem interagir com elas? Se você olhar de perto, uma visita a uma exposição muito pequena pode recorrer a uma fonte analista de novas ideias. Sua próxima grande fonte de inspiração visual pode ser e deve estar assistindo filmes e séries, na verdade, qualquer tipo de vídeos, incluindo músicas. cinematografia está intimamente relacionada com a fotografia, mas é muito diferente. Portanto, há muitas coisas para aprender com grandes diretores de cinema e diretores de fotografia. E aqui está um ótimo exercício que você pode fazer enquanto assiste filmes e curtas-metragens. Pause-os e próximas capturas de tela. Mais tarde, você pode analisar essas capturas de tela. partir dessa análise, você pode entender como construir uma atmosfera, como compilar um certo estilo, o uso de detalhes e acessórios, como usar a luz e a sombra ou até mesmo emprestar idéias reais. Por exemplo, comecei a trabalhar com nossos gummies depois que vi o cupom do filme de animação as duas cordas, fiquei fascinado pelo fato de que um objeto tão simples, um pedaço de papel, poderia ser transformado em milhares de diferentes com muitos significados. Ou a próxima fonte de inspiração visual é projetada. Pode ser qualquer tipo de design de anterior para web e produto um. Como você pode se inspirar pelo design? Novamente, você pode participar de projetos de submissões, olhar através de revistas de design e loja de vitrines em lojas de design, procurar idéias de uso inesperado das coisas. Muitas vezes, os designers usam materiais ou objetos de maneiras incomuns ou mesmo surreais. Aqui estão as inversões para coletar conceitos. Por exemplo, eu encontrei a idéia para esta imagem na revista de design de interiores cerca de cinco anos atrás. Eu não usei exatamente como foi apresentado na revista com ilustrações botânicas. No entanto, em vez disso, eu usei páginas de um livro regular e meu que era o meu trabalho pré Instagram. Agora, parece que todos estão usando livros e páginas em seu conteúdo visual, o que não é uma coisa ruim, mas definitivamente não parece original justo também. Em seguida, e talvez o meu favorito para inspiração visual seja a ilustração. O que eu gosto nos ilustradores e no seu trabalho é que eles são muitas vezes desconectados da realidade completamente. E nós, fotógrafos, geralmente somos muito na realidade, mesmo que você queira criar uma foto surreal desde o início de sua existência, fotografia tinha este componente documental para ele, e foi criada para documentar a vida real. E eu adoro isso sobre fotografia. Gosto de criar fotos que parecem reais, mas nosso surreal ao mesmo tempo, gosto de filmar tudo no mesmo lugar, nunca mudando fundos de minhas imagens. No entanto, eu sempre tenho que pensar sobre como eu vou realmente deve a cena e às vezes é um bloqueia minha imaginação. Ilustradores não têm esses limites. Para eles, tudo quanto possível. Adoro emprestar ideias de ilustradores e recriá-las na minha fotografia, minha maneira. Muitas vezes viverei em th, o significado original e a mensagem da ilustração. Mas isso é uma parte de camadas inspiradoras. Você não simplesmente copia, mas parafraseia com suas próprias regras. Aqui está um exemplo de como o nosso emprestado uma idéia que eu vi no trabalho de ilustrador italiano e Nicollet para chamá-lo, estas foram as fontes visuais de sua inspiração. No entanto, sua inspiração pode vir de qualquer lugar e qualquer forma de arte, música batida, teatro, dança, literatura. E talvez muitos de vocês tenham sido inspirados por peças musicais antes para aqueles que não foram. Aqui está um exercício de um fotógrafo americano mais fino, Rob Woodcock. Tire uma hora ou até mesmo um casal, fique sozinho ou vá para fora e leve seus fones de ouvido e um álbum ou seus artistas favoritos com você e apenas ouça a música continuamente notar em que tipo de imagens surgem em sua mente. Essas seriam as ideias para seus trabalhos futuros. Você pode ouvir música sem palavras e músicas com letras, e tentar imaginar ativamente o que a banda ou músico está falando na música. Esta prática me traz pelo menos 23 novas ideias todos os dias. A próxima fonte popular de operação financeira é, naturalmente, toda a literatura, romances, contos, poesia, e assim por diante. Uma das maneiras mais diretas de inspirar na literatura, mas definitivamente não a única, é usando enredo e histórias reais. Vamos dar uma olhada em como o popular conto de fadas sobre as impressoras e o P se reflete nas obras de cinco fotógrafos contemporâneos bem conhecidos. Todos eles têm semelhanças. Claro, é assim que você reconhece o enredo. No entanto, a atmosfera e a impressão de que estas fotos produzem um euro são profundamente diferentes. Rodney Smith cria uma placa de imagem impressoras em uma floresta de conto de fadas. É sonhador, mágico e pacífico também. O código do programa Eugenio conta mais de uma história de alta moda usando adereços interiores vintage e guarda-roupa. Imagem por Brooke sombreamento é como sempre misterioso e escuro. Rosie Hardy criou uma foto de filme de terror quase nos mostrando como as impressoras devem ter sido aterrorizadas os hematomas que visam como foto de Ferdinand Goldstein, ele claramente mistura elementos da cultura pop e borracha fotografia holandesa . Tão interessante e divertido ver essas interpretações. Você concorda? Então essas eram suas fontes artísticas de inspiração. Em que mais você pode se inspirar? Quais são os seus interesses mais amplos? Ferro faz esportes, política, psicólogos de saúde, territorialidade como natureza ou animais? Muitos artistas são inspirados pela natureza de maneiras diferentes. É assim que funciona para mim. Normalmente, quando estou fora para um passeio, eu olho em volta e vejo alguns locais interessantes e demônios parte faz atirar algo lá. Para mim, este local é o ponto de partida do meu pára-quedas e o início da minha história visual. Recentemente inspirada nos detalhes da natureza, a forma como certas coisas parecem, como são organizadas ou desorganizadas, as cores desses objetos. E estas podem ser coisas muito simples como rochas, frutas, flores ou galhos de árvores e folhas. Sempre pequenas coisas, não grandes locais como campos ou praias. Você também pode tentar desenhar idéias a partir daí. Agora vamos ficar ainda mais práticos. Quais são seus hobbies e como você pode incorporá-los em sua fotografia? Deixem-me dar-vos um exemplo. Esta é a Veronica. Ela também é conhecida como cutover kicker no YouTube e Instagram. Ela é uma dançarina profissional e desapaixonada por precisar e seus interesses em fotografia vieram exatamente de lá. Ela queria criar imagens interessantes de suas malhas. Agora, nem todo seu público sabe sobre suas necessidades e hobby, eu acredito porque um puro em levá-la a uma fotografia criativa de amor maior. Agora há mais uma fonte de inspiração que eu gostaria de compartilhar com vocês. Isso é típico o suficiente mencionado durante qualquer torques na inspiração Fotografia, mas eu sinto que é um enorme e você precisa considerá-lo também. Minha inspiração e motivação para criar muitas vezes vem de pessoas e interações significativas. Se você está me seguindo há algum tempo, você sabe que eu sou um grande defensor de colaborações. Além de todos os outros benefícios, como criar projetos em uma escala maior, você pode se inspirar pelo trabalho de seus colaboradores e pelo processo de co-criação de algo juntos. Deixem-me dar-vos um exemplo. Estas duas imagens são apenas o produto das minhas colaborações. Eu não os teria criado de outra forma, ainda mais para que eu nunca pensasse em Creta e algo assim. Veja temático ele. Foi uma colaboração com o mais novo comerciante, Irina Cova legal. Ela abordou-me com a ideia de trabalharmos juntos. Decidi tentar. E isso iniciou o processo de busca por diferentes maneiras de conectar nossa criatividade. Antes desse momento, nunca me ocorreu adicionar ilustrações às minhas imagens. A imagem com o guarda-chuva de flor de diodo foi um produto da minha colaboração com um florista, LN e Bostrom. Yolanda queria fazer algo muito incomum com flores e começamos a procurar ideias juntos. Aqui está o que nós inventamos, e eu sou muito grato por esta experiência. Em uma nota final sobre inspiração, gostaria de conhecê-los e trazê-los de volta às histórias. Histórias sobre pessoas que são levadas a criar uma grande parte da minha inspiração e motivação vem de me alimentar constantemente com histórias como essa. E nem importa o que essas pessoas criam e acabam, desde que seja algo construtivo e não destrutivo. Deixe-me explicar e dar-lhe um exemplo. Sou um grande fã do show ao vivo do J no YouTube. James Jarvis é um fotógrafo mundialmente famoso e enterpreneur, mas eu sou fã de uma história. Não porque eu goste do estilo de fotografia dele. Não em tudo, mas porque ele está constantemente criando algo e ajuda os outros a fazer o mesmo no show. Ele caga para os melhores criativos do mundo e pergunta a eles sobre suas lutas e como eles conseguiram superá-los. Eu vejo todas essas pessoas, grandes empreendedores não são super-humanos que são exatamente como você e eu, mas eles trabalham duro em tudo o que eles fazem. E isso me motiva a continuar com minha arte e fazer o mesmo. No entanto, esses são apenas pequenos ajudantes. Eu acredito profundamente que se você precisa constantemente se motivar a fazer algo, então provavelmente é algo faz algo não é apenas para você e você tem que encontrar a sua coisa. Suas motivações profundas devem vir de dentro, do seu desejo de se expressar visualmente e compartilhá-lo com as pessoas somente quando você entende por que você absolutamente deve criar algo. Você pode sustentá-lo por um longo tempo e encontrar uma resposta para esta pergunta não virá imediatamente para você. Pode levar anos, por isso não desanime se ainda não souber. Gostaria de finalizar nossa palestra sobre inspiração com conselhos simples e poderosos. Fique entediado, inspire-se da ARDS e das pessoas fantásticas. No entanto, se você está constantemente consumindo apenas conteúdo, você acaba por não criar nada sozinho. Você também precisa fazer pausas e ficar entediado. A inspiração para criar vem daqueles minutos de tédio. Quando você não olha para o seu telefone, quando você não está assistindo TV e não está falando com ninguém. Não surpreendentemente, muitas pessoas relatam que se inspiram. Os chuveiros ou durante a condução, ou o pior de tudo, na minha opinião, é logo antes de adormecer. A razão para se inspirar nesses momentos é cientificamente estudada e tem sido usada por décadas pelos mais bem sucedidos criativos e bons. E Einstein, por exemplo, você precisa entrar no estado Alpha da atividade cerebral. Isto é quando você não está pensando ativamente, mas está relaxado e acalmar sua Grã-Bretanha mais difícil e batido lentamente. Você pode se colocar nessa condição sentando-se e tentando meditar. Normalmente, você não pode limpar completamente sua mente de pensamentos. Mas as ideias brilhantes finalmente têm uma pesagem. A idéia de quietude que está se tornando cada vez mais popular hoje em dia tem uma aplicação muito prática para artistas. Então, se você tem empurrado para longe, dê-lhe uma garantia de tentar e morrer que você verá resultados positivos imediatos em suas práticas criativas. Então agora você sabe como e onde você pode obter inspiração para seus trabalhos futuros. Agora, é hora de praticar. Escolha dois dos seguintes exercícios e carregue os seus resultados para o nosso espaço de aprendizagem. O primeiro, ele pode ser assistir a um filme ou um vídeo musical e fazer screenshots dos episódios que você realmente gostou. Pense sobre por que você gosta deles. Será que o componente visual é emocional? Anote suas respostas. A próxima opção, pense nas três principais atrações da sua cidade. Por que não tem essas subtrações? É o componente visual de novo, a história está ligada a eles? É algum tipo de sentimento que você conectá-los com eles para fora aqueles entra opção número 3 e ler um conto de fadas ou um conto de fadas. Como descreveria o enredo em uma frase curta? Escreva a próxima opção. Pegue uma revista de design de interiores. Não importa se é antigo e você olha através das tendências, quais são as características básicas? O que você pode aplicar à sua fotografia? E se transformar em um conceito? Anote suas respostas. Opção número cinco, três grandes objetos naturais. Você pode escolhê-los no parque nas proximidades ou em uma mercearia, não importa. O que você gosta nesses objetos? Quais são as características mais proeminentes? Formas de cor Daxter, algo mais? Dê uma olhada neles de perto e anote suas associações. O que esses objetos te lembram? Assim, suas respostas para as perguntas nesses exercícios são os detalhes que você pode usar para suas imagens futuras. Então, novamente, você pode escolher dois exercícios dos cinco minutos e acima e completá-los. Você pode chegar aos três outros três mais tarde quando tiver mais tempo. Mas se você for bom a tempo, faça todos os cinco, compartilhe suas inspirações, faça upload de suas imagens ilustrando suas respostas para pelo menos três perguntas. Seu escrito entra no comando para as imagens. Estou intrigado para ver o que te inspira. Agora pessoal. Eu sei que foi uma boca cheia, mas lembre-se que você não precisa se inspirar pelo eritema ao mesmo tempo. Terça-feira fontes de inspiração que são ideais para você e explorá-los em profundidade. Isso irá ajudá-lo a entender melhor a si mesmo, e isso inevitavelmente resultará em você produzir um trabalho mais significativo e mais autêntico. 26. Módulo 7: duas maneiras de atribuir um conceito para um foto: Este módulo de aprendizagem, vamos falar sobre um tópico avançado, conceitos criativos. E nós estaremos tentando encontrar uma resposta para a pergunta sobre o que sua história realmente é sobre. Se isso soa interessante, mas um pouco intimidante, saiba que você não está sozinho. E eu estava lá também. Acontece só porque você continua dizendo a si mesmo que sua vida é chata e que você realmente não tem nenhuma história para contar. Mas saiba que são apenas mentiras. Vou mostrar-lhe como você pode criar histórias significativas cavando fundo em sua mente até, e encontrando esses conceitos. Assistir. E mal posso esperar para compartilhá-los com você. Dentro de Harvard, 10 anos de minha prática artística e depois entrevistar mais de 50 fotógrafos trabalhando na mesma área conceitual, descobri que existem duas maneiras de atribuir esse conceito ao seu trabalho. Você pode criar um conceito para sua imagem antes ou depois de criar sua fotografia. E ambos os lados estão bem. Então, o que quero dizer com antes de criar é que você vem com um conceito, tópico ou um problema que você quer falar antes mesmo de planejar sua fotografia, você escolhe algo que ressoa com você em um nível pessoal profundo, e só então você criar intencionalmente prestando atenção a cada detalhe. No entanto, há um segundo esperado através do conceito para o seu trabalho e isso é depois de criar, essa é a sua idéia executiva. Qual é o seu processo? Depois que a imagem estiver pronta, você tenta responder a pergunta, o que me empurrou para criar esse trabalho em particular? Vou ensiná-lo a encontrar conteúdo antes de começar a criar o trabalho na lição a seguir. Enquanto isso, vamos deixar claro sobre as fotos que você criou e continuar a criar apenas porque e para a frieza ou beleza dele, saiba que é bom deixar-se explorar assuntos sem atribuir um certo conceito a ele a partir do Muito começando. Em alguns casos, é mesmo necessário do céu entrevistado muitos reconhecem fotógrafos na escuridão. Agora percebo que criar um mas sem sentido, e coloco sem sentido entre aspas. Mas o trabalho esteticamente agradável faz para a beleza e estranheza dele. Um passo importante para criar esse trabalho profundo e forte que irá impactar as pessoas em níveis emocionais e cognitivos. Além disso, vamos encarar, uma grande parte da criação de qualquer tipo de arte é subconsciente. Se tentarmos controlar tudo e tomar a parte intuitiva da criação , não será mais arte. O que é importante entender é que muitas vezes o trabalho que parece não ter sentido para você no início ainda pode ser visto como conceitual e contar uma história clara. No início do curso, falamos sobre como uma história pode ser contada em qualquer tipo de fotografia, mesmo quando você fotografa flores ou rosquinhas. Lembre-se, no final, tudo se resume ao significado que você atribui ao seu trabalho. Sim, você é o artista e é seu direito e responsabilidade realmente ficar consciente sobre por que você cria, quando você cria, Por que você quer tirar essas imagens de almofadas, casais, flores, rostos felizes disse mulheres e vestidos vintage, caras sem cabeça na água, o que seja. Deixe-me dar-lhe um exemplo pessoal. Conceitos foram parte muito complicada para mim no início da minha respiração fotográfica, quando comecei a experimentar este tipo de fotografia, eu só queria criar algo incomum e surreal, basicamente algo que parecesse legal. Eu não tinha uma história real por trás de nenhuma das minhas fotos. E se você reconhecer sua história na minha, saiba que isso é normal. Esta é a etapa de descobrir e construir o seu interesse em uma determinada área da arte. Mais tarde, quando amadureci como artista, comecei a me perguntar por que criar, o que eu crio uma conectada as imagens que eu tinha com meus interesses em psicologia e relações humanas. E eles perceberam que eu estava comunicando coisas que estamos me tocando em um nível emocional profundo subconscientemente. E eventualmente eu fui capaz de inventar conceitos reais e histórias de meus trabalhos passados. Então, se você quer ir para o próximo nível e você faz porque você está aqui. E em nossa faixa visual de contador de histórias, você terá que começar a fazer algumas perguntas realmente profundas. Tipo, por que eu quero criar um trabalho como este? Que tipo de valor pode adicionar verde às pessoas? Que tipo de valor isso me traz? Quando você começar a entender essas coisas, você vai perceber que havia realmente histórias profundas em seu trabalho, mas elas vieram através de sua mente subconscientemente. Agora é hora de você colocá-los em palavras e atribuí-los todos os significados que você acha importante? Sim, tente interpretar seu próprio trabalho. Tentei olhar para ele como se você fosse um estranho. Essas perguntas são realmente grandes e provavelmente você não será capaz de encontrar imediatamente respostas para elas. Algumas pessoas levam anos. E, a propósito, as respostas podem mudar no decorrer do tempo. Então não fique estressado com isso imediatamente. Simplesmente tentou tomar tempo para pensar sobre eles e anotar suas respostas, depois voltar para as perguntas em uma semana ou em um mês. Isto irá mantê-lo centrado e comprometido com a sua prática fotográfica. Porque quando você encontrar respostas para essas perguntas, quando você sabe o seu porquê, você será capaz de manter suas práticas criativas e nunca vai se cansar de trabalhar para os clientes. Assim, seu objetivo como artista torna-se elevar os níveis de auto-consciência e consciência sobre si mesmo e as histórias que você quer contar. Isto é quando você começa a ter mais realizações sobre as coisas que são importantes para você e por que elas são importantes, então você conscientemente quer que sua arte seja transformadora para o espectador enquanto ainda está aberto à interpretação, Vamos praticar o que acabamos de falar. Dê uma olhada em seus trabalhos passados. Procure aqueles que você criou para a estética pura ou estranheza deles. Escolha três imagens. Agora, volte ao momento em que você estava criando e pergunte a si mesmo, o que eu estava pensando? Mas o mais importante, o que eu estava sentindo? As respostas a essas perguntas lhe darão pistas e dicas sobre os conceitos e histórias que agora podem ser conectados com seu trabalho passado. Por favor, note que você só deve ir para as histórias e conceitos que realmente ressoam com você agora e que não parecem falsos. É importante ser completamente honesto consigo mesmo enquanto faz este exercício. Outro conjunto de perguntas que eu quero que você se pergunte ao olhar para sua senha é que tipo de coisas, objetos, pessoas que você gosta de ter em suas imagens. Por que você acha que eles estão presentes em seu trabalho? O que você quer que os espectadores sintam quando vêem seu trabalho? Com quais de suas obras você está conectado mais emocionalmente, especialmente, e por quê? Responder a essas perguntas ajudará você a entender melhor a si mesmo e ao seu trabalho. Na próxima lição, aprenderemos a encontrar conceitos para os trabalhos que você está planejando entregar no futuro. Não vai ser fácil, mas definitivamente vai ser divertido. Assistir. 27. Módulo 7: conceitos interiores: Nesta lição, vamos falar de vírgula num com conceitos pessoais ou internos. Antes de mergulharmos nisso, quero lembrá-los que com este curso, meu objetivo é ensiná-los a começar a se conscientizar sobre as histórias que você quer contar para este mundo. Por que isso é importante? Primeiro? Porque quando você entende por que você cria seus trabalhos, seus trabalhos trazem sua realização e você é mais provável encontrar as pessoas que irão ressoar com a mensagem que você está colocando lá fora. E isso inclui galerias, colecionadores, seguidores no Instagram. Além disso, se você já está trabalhando em um plano e trabalhando com marcas e clientes, isso ajudará você a atender melhor seus clientes. Quando você aprende a contar histórias em seus projetos pessoais, seria muito mais fácil transformar esse processo em seus rans de trabalho comerciais, revistas e até mesmo indivíduos sempre têm uma mensagem que eles querem transmitir para seu público. É por isso que eu quero cavar, integrar em conceitos gerais para suas imagens primeiro e , em seguida, descer para encontrar uma idéia real para sua foto. Qual é o primeiro passo para encontrar conceitos para o seu trabalho? Vamos dar uma olhada em como os conceitos podem ser classificados. Gosto de dividir conceitos em dois grandes grupos em conceitos do Word e externos. Conceitos internos incluem tudo relacionado com a sua vida pessoal, com suas memórias, suas dificuldades e momentos felizes, seu histórico familiar aqui, emoções e basicamente sua psicologia, conceitos externos refletem o que está acontecendo no mundo ao seu redor e como você reage a essas coisas estará mergulhando mais profundamente naquelas da lição a seguir. Enquanto isso, vamos falar sobre conceitos internos. Procurando por conceitos internos, você precisa estar pensando sobre questões como, o que são preocupados, maiores lutas da vida? Que desafios você teve que superar? Quais foram suas reações emocionais a eles? O que aprendeu com eles? Qual foi a pior ou melhor coisa que já te aconteceu? Por que foi a melhor ou a pior coisa? Quais são os seus maiores medos? Quais são as coisas pelas quais você é mais grato? Quais são seus sonhos e aspirações? Quais são seus objetivos na vida? Por que você escolheu esses objetivos? E eles entendem totalmente que essas perguntas são realmente grandes e não são fáceis. Talvez esta seja a primeira vez na sua vida que lhe fizeram essas perguntas. No entanto, quando você realmente se sentar e tomar um tempo para pensar sobre essas perguntas, você começará a se entender melhor e, eventualmente, se refletirá em seu trabalho. Além disso, analisar-se lhe dará uma abundância de conceitos para suas imagens futuras. E não apenas imagens, mas toda a série de obras que pretendiam. Deixe-me mostrar-lhe alguns exemplos de fotógrafos trabalhando com conceitos internos. Por exemplo, eu criei essa imagem quando eu não estava no meio de uma séria transformação psicológica. E o padrão que havia dois de mim, aquele que todos ao meu redor, significando que minha família e amigos queriam ver. E a verdadeira, que eu não era do lado, mas não permitia mostrar porque não se encaixava na maneira como as pessoas ao meu redor viviam na imagem. Estou a tentar harmonizá-los. A parte interessante é que eu não tinha isso. Em mente quando estudante a imagem, veio a mim depois quando eu me questiono por que essa imagem era tão importante para mim fotografar. Mais tarde, eu descobri que este tópico era muito interessante e eu realmente posso desenvolvê-lo de várias maneiras. E não se trata do bem e do mal em nós. Passou a ser sobre o diálogo interno que todos nós temos. Às vezes, esse diálogo é cruel e nos castigamos. O que eu estava tentando fazer com o meu trabalho era colocar esse diálogo interior, um positivo, e para que encontramos em sua peça, Aqui está um exemplo de outro fotógrafo. Ele ou Evan Smith, quando ela teve um bebê, isso lhe deu um novo significado para sua vida e a fez reavaliar muitas coisas sobre seus relacionamentos mãe-filha. Esses pensamentos são refletidos nesta série que você chamou, viu, não ouviu. Outro exemplo é de um fotógrafo acabado. Wilma cavalo pode realmente especular sobre o tema de crescer e mudar e criou toda uma série de imagens onde ela reproduzir suas antigas fotos de infância. O próximo passo de descobrir seus conceitos internos pode parecer ainda mais complicado. Alguns de vocês se perguntam sobre seus valores de vida, por que isso é importante para um artista? Bem, os valores são uma parte de nós. Eles destacam o que representamos. Eles podem representar um único ativo individual. Os valores orientam o nosso comportamento e, claro, devem ser refletidos no nosso trabalho quando possuímos o nosso, nossos valores centrais pessoais consistentemente e deixá-los brilhar em nossas fotos. Nós experimentamos a realização de filmagens e estamos preparados para fazê-lo enquanto pudermos descobrir novos valores fundamentais requer algum trabalho psicológico pessoal, que inclui olhar para trás para suas experiências mais memoráveis na vida. Isso pode ser feito com um guia especializado e treinador mentor por conta própria. E há uma série de artigos sobre passos práticos sobre como descobrir seus valores pessoais. Eu recomendo que você confira quando você descobrir o que você realmente valoriza na vida é, nós vamos fazer magia para as imagens que você cria e você nunca vai se preocupar copiar o trabalho de outra pessoa, pois seu trabalho estará refletindo você completamente. Agora, vamos fazer algum trabalho prático e ver que mergulhar em sua própria personalidade, memórias, sentimentos e crenças pode ser uma tremenda fonte de inspiração artística e fornecer uma abundância de conceitos para suas imagens futuras. Portanto, este exercício é chamado de criação de conceitos internos. E eu quero que você escolha três perguntas da lista abaixo, digite-as o mais honestamente possível. Você não vai compartilhar suas respostas com ninguém. Portanto, seja honesto ao responder a cada pergunta, faça pelo menos três coisas. Então as perguntas são, quais são suas maiores lutas na vida? Que desafios você teve que superar? Qual foi a sua reação emocional a eles? Qual foi a pior ou a melhor coisa que já te aconteceu? Quais são os seus maiores medos? Quais são os seus maiores sonhos? Quais são as coisas pelas quais você é mais grato na vida? Quais são seus objetivos na vida e por que você escolheu esses objetivos? Depois de ter completado a lista? Olhe para eles. Qual deles te desencadeia emocionalmente mais? 2s que um. Este pode ser o conceito básico do seu futuro projeto. Por exemplo, se você escolher medos em seus projetos futuros, você pode explorar os tópicos de tipos semelhantes de medo e medo. Esse medo desempenha um papel importante no desenvolvimento de cada ser humano do que pode ser formas de superar os medos, ou pode ser o que os medos podem fazer às pessoas e assim por diante. Não tenha medo de não ser original com o conceito. Lembre-se de que boas histórias são universais e seus espectadores precisarão de algo para torcer em seu trabalho. Na próxima lição, falaremos sobre conceitos externos e como você pode encontrar aqueles que você mais gosta. 28. Módulo 7: conceitos para exterior: Nesta pequena lição, vamos falar sobre os conceitos externos. O que quero dizer com isso é o que está acontecendo no mundo e como isso afeta as pessoas e você pessoalmente. Isso incluirá processos globais que estamos testemunhando como tendências e tendências políticas, econômicas ou tecnológicas , psicológicas, sociológicas e ecológicas que estão acontecendo na vida cotidiana ao seu redor. Mais uma vez, sugiro que voltem aos seus interesses mais amplos e não apenas interesses, mas preocupações, assunto para cuidar e apaixonado. E deixem-me dar-vos um exemplo. Já mencionamos esta famosa foto de Jorge Gamboa. Claramente o fotógrafo estava preocupado com a situação ecológica no mundo. Sua imagem simples é muito poderosa porque brinca com associações e visa fazer as pessoas pensarem no estado atual do ambiente. Aqui está um exemplo diferente de um fotógrafo canadense, Dean e Goldstein. Ela decide especular sobre como a vida das princesas da Disney poderia ser como no mundo moderno. Através desta série, ela aborda muitas questões que não estão limitadas apenas a um tópico. Podemos vê-la se esquivando e sobre a política, bem como problemas psicológicos e sociológicos. Em sua outra série, Dina chama nossa atenção para a forma como as sociedades capitalistas modernas se organizavam. Suas imagens são adicionar cartazes que vendem coisas como idéias, vingança, amor, ou até mesmo compras. Mas e se você for um daqueles que não consegue se conectar com as questões globais? E se você ressoar com algo que lida com sua vida pessoal e experiências passadas, mas não chama para resolver o problema da pobreza ou da fome no mundo. Saiba que você não está sozinho e que você não é um pária ou não foi linguístico ou muito egocêntrico. Você está se concentrando nas coisas que te tocam no nível emocional mais profundo. E quando você tenta processar suas próprias emoções conectadas com algo pessoal, como um drama familiar, um trauma de infância, ou algo assim. Você serve de exemplo para outras pessoas que lidar com dificuldades é possível. Muitos espectadores podem ressoar com esse tipo de trabalho porque essas coisas acontecem a todos. Ou digamos, você é apaixonado pela vida de porcos-da-índia na Hungria nos tempos medievais. Sim, é um exemplo estranho. Mas se você realmente se conectar com esse tópico, você sabe por que isso é importante para você. E quando você cria arte relacionada a isso, ela vai tocar pessoas que têm os mesmos interesses. A beleza do mundo de hoje não é a diversidade. Tudo bem ser diferente e fazer parte de um grupo menor ao mesmo tempo. Bem, o que de sua arte é feliz? Existe algum lugar para isso no mundo? Porque muitas vezes parece que para ser considerado profundo e profundo, um conceito tem que estar conectado com algum tipo de problema. E minha resposta é, claro, sim, há um lugar para a arte feliz que não sai para resolver em nenhum problema global, mas ajuda você a ver a beleza da vida e apreciado mais. Meus artistas pesados favoritos são Enodeb é e Danielle Ruanda. As artes podem parecer uma luz para algumas pessoas, no entanto, serve uma missão maior de tornar a vida o valor da conta e as pequenas coisas nele. Como conclusão, gostaria de salientar que, no final do dia, tudo se resume a uma pergunta, quanto de si mesmo você está disposto a colocar no seu trabalho e compartilhar com o mundo. Muitos de nós, inclusive eu, não estamos dispostos a declarar nossas opiniões publicamente porque na maioria dos casos, temos medo de sermos julgados e reprovados. No entanto, é muito importante entender que nunca é possível agradar a todos e você nunca deve atribuir muito poder às opiniões dos outros. Certifique-se de que os cínicos e odiadores têm seus próprios pratos mais importantes para se preocupar. No entanto, vocês começam a se abrir e compartilhar seus pontos de vista reais, o mundo, vocês são muito mais propensos a construir conexões significativas com pessoas que se importarão e terão muito mais chances de me ouvir dois em troca. E, em última análise, não é isso que todos nós procuramos? Conexão? Serei honesta. Eu ainda tenho um monte de luta com compartilhar e fiquei na minha opinião para a minha arte porque é muito mais fácil criar imagens de sonhos que mostram contos de fadas e oferecem uma fuga, mas não realmente fazer você pensar ou enfrentar as coisas que estão acontecendo por aqui. Também é muito mais fácil produzir uma peça de arte emocional e não entender por que você fez isso. É mais fácil não fazer o trabalho em si mesmo. Tentar entender suas intenções pessoais mais profundas é muito mais fácil dizer: “ Eu fiz isso, diabos sabe por quê. Agora vocês mostraram como ele e se conectam com ele por qualquer motivo. Mas, então, como podemos esperar que os espectadores se conectem com o nosso trabalho se nós, nós mesmos, não estamos conectados com ele. Agora vamos praticar descobertos nos conceitos externos que significam algo para nós. Pegue um jornal ou vá para a página Últimas Notícias de qualquer site de notícias popular, olhe através dele e encontre pelo menos três tópicos que tocou você a coisa mais emocionalmente eles sobre e tentou colocar cada um deles em uma frase curta. E essas frases, o, os conceitos básicos para seus projetos futuros, escolher um deles, que fala mais com você e tentou expandir o tópico. Por exemplo, você pode listar vários problemas dentro de um grande isquio. Digamos, se você está pensando em poluição ambiental, você pode dividi-la em tipos de poluição ou em efeitos de poluição em diferentes áreas do mundo. Isso é apenas um exemplo com um conceito bastante negativo. Você também pode pegar algumas tendências positivas e quebrá-las em peças mais detalhadas. Agora, eu sei que isso foi um tópico um pouco avançado, mas eles simplesmente não conseguiram passar neste curso. São realmente queridos para ficar consciente sobre por que você está atirando. O que você fotografa e que tipo de métodos você quer colocar neste mundo. Porque só então você será capaz de sustentar sua prática criativa por um longo tempo. Só então você estará motivado a atirar de novo e de novo e de novo. E isso é o que todos nós queremos encontrar satisfação em nosso trabalho. 29. Módulo 8: maneiras práticas para desbloquear seu Genius: Neste módulo de aprendizagem, falaremos sobre o tema que muitos de vocês estão tão preocupados com os blocos criativos. E vou mostrar-lhe como se livrar deles de forma rápida e eficaz. Eu também vou me concentrar em técnicas práticas de como você pode gerar idéias facilmente a qualquer momento. Vamos começar, Ok, bem, vamos falar sobre os monstros assustadores. Muitos criativos estão tão preocupados com o bloqueio criativo. E antes de tudo, vamos deixar claro sobre o que é exatamente quando você sabe como um monstro se parece e de onde ele vem, torna-se muito mais fácil lutar contra ele. Em outras palavras, você precisa entender o problema e estar ciente dele para que você possa lidar com ele de forma eficaz. Os blocos criativos ou barreiras à inspiração podem ser descritos como a incapacidade de acessar sua criatividade interna. A condição varia de dificuldade em chegar a idéias originais para ser incapaz de produzir trabalho criativo por dias, semanas, ou mesmo anos. Bloqueio criativo pode ser experimentado por qualquer pessoa por uma série de razões. Muitos escritores, artistas, músicos relataram períodos de criatividade em algum momento de suas carreiras. Por exemplo, Francis chamado Fitzgerald estava entre eles, no entanto, muitas vezes simplesmente se tornando consciente de quando, como, e por que um bloco criativo se desenvolve pode ajudar uma pessoa a abordar o bloco criativo e impedido de retornar. Então vamos mergulhar mais fundo nisso. Neste módulo, falaremos muito de ideias. Então, deixe-me lembrá-lo em que significado eu uso esta palavra por idéias. Quero dizer como uma história é desenvolvida em uma imagem, a execução visual de um contrato, por exemplo, nesta imagem, o conceito central é mostrar a fragilidade de uma relação entre duas pessoas. A idéia principal aqui é usar as piscadelas de papel gigantes para desvendar esse conceito enquanto conversava com muitos fotógrafos, concluí que artistas geralmente geram idéias de duas maneiras diferentes. O primeiro é quando você tem um ponto de partida, como discutimos anteriormente, um elemento de vestido local de surpresa que você quer experimentar, ou talvez seja o rosto de um modelo ou um adereço legal. E então você tentou conectar algum tipo de história ou entrar em contato com ela. Esse tem sido o meu jeito por muitos anos. Isso também será, em muitos casos, a maneira como você construiu em suas histórias visuais. No caso de você estar trabalhando com marcas, por exemplo, muitas vezes elas lhe dão um produto e pedem que você crie algo interessante com ele. O segundo é começar com uma história ou um conceito. Quando você já tem um problema que você quer a atenção do público seja atraída. Ou se você quiser compartilhar alguma experiência pessoal profunda, mas você não tem nenhum elemento de imagem ou pontos de partida. Creio que ambos estão bem e têm o direito de existir. No entanto, ambos têm vários grandes desafios potenciais ou tipos de blocos que eu quero discutir com vocês hoje. Então, quando praticamos minha maneira de criar uma imagem a partir de um ponto de partida, então as chances são de você ser pego apenas no componente estático de sua imagem futura. Então sua história será fraca ou não está presente. Isso aconteceu comigo muitas vezes. antídoto para este seria nunca esquecer os significados simbólicos de cores, adereços, locais, poses que você está usando, e tentar alinhá-los com seus valores, opiniões e pontos de vista. Simplesmente prestando atenção em como esse ou aquele significado de um adereço, por exemplo, ressoa com você e quais emoções em você são desencadeadas para não serem sobrecarregadas pela pura estática. Faça perguntas sobre seu ponto de partida, como discutimos em um de nossos módulos anteriores, por exemplo, mencionei como atribui um significado simbólico pessoal ao meu óregon e pássaros. Quando você tem uma história clara em sua mente que você quer compartilhar com o mundo, você ainda pode enfrentar obstáculos potenciais. E esses podem parecer blocos criativos. A primeira, a síndrome da tela em branco, quando você enfrenta o fato de que sua história pode ser contada de milhões de maneiras diferentes e você não sabe qual delas escolher e por onde começar. Mas não é o único desafio em potencial. Uma vez que você veio para cima com a maneira mais legal de apresentar sua história, que não está realmente conectado com os locais, prompts, etc. E então você tem em mãos, você pode ser chamado no mundo ideal e queria que tudo fosse exatamente como a imagem que você tem em sua cabeça. E isso pode ser bom e ruim. Por um lado, ele irá empurrá-lo para aprender coisas novas, encontrar novos adereços e locais legais, novas pessoas para trabalhar, etc É extremamente bom, é claro, por outro lado, você pode começar a procrastinar, dizendo a si mesmo que você não tem isso ou aquilo para sua imagem ideal ainda. E muitas pessoas param aí mesmo. Eles vêm com uma imagem ideal em sua cabeça, mas eles não podem tê-la na realidade devido a algumas limitações da vida real, e eles simplesmente não a criam em tudo. Mas não queremos isso, é claro. Então aqui estão minhas sugestões sobre como lidar com esses dois obstáculos potenciais e antídoto para a síndrome da tela em branco é estabelecer limites. Limite-se conscientemente. Uso de alguns prompts específicos, locais, cores, assim por diante. Lembre-se do exercício que completamos ao construir a história a partir de três elementos. Agora, você pode definir esses elementos para você mesmo. Mais uma vez, ser intencional quando você disse os limões e constantemente se perguntar por você escolhe este ou aquele elemento particular para estar presente e não ausente de sua imagem, ir um pouco mais longe e criar um conjunto de regras para sua imagem futura. Tenha em mente seus recursos, locais, modelos, adereços e o que você pode criar com eles. Aqui está um exemplo da minha prática, da minha série de alfabetos. É um projeto de racionamento de coluna com os estilos Jane Christopher filho que vive em São Petersburgo, Rússia. E a maioria dos brotos foram feitos lá. Quando começamos o projeto, decidimos que a regra seria que há sempre duas cores principais. O formato será sempre quadrado, e a carta levará a maior área da nossa foto. Quando eu comecei a série, Eu avaliei meus recursos para reduzir a base com fundo de papel de várias cores são relativamente baratas e Petersburg e encontrar modelos é geralmente relativamente fácil. São Petersburgo é muito perto de Helsínquia, Então, o projeto parece factível desde o início. Agora, quando você tem a síndrome da imagem ideal. Procure por substitutos de elementos que você está faltando. Sim, você vai ter que se comprometer, mas você também precisa sempre lembrar-se que ter feito é muito melhor do que inexistente. Se você não consegue encontrar o local perfeito, listas, todos os locais que são acessíveis para você na vida real e ver se você pode filmar lá em vez de seu lugar ideal. Ao fazer essa lista, não pense na imagem que deseja criar. Isso não permitirá que sua mente criativa ofereça soluções originais. Depois de listar todos os lugares, faça uma pequena pausa e, em seguida, olhe para a lista mais uma vez, visualizando sua imagem futura fotografada nesses lugares. Confie em mim, desta vez você será capaz de escolher um adequado da lista. E você pode fazer a mesma coisa com outros elementos de imagem também. Aqui está outro exemplo do meu trabalho. Eu mantive a idéia para esta imagem em minha mente por mais de um ano. Eu mantive o cirurgião para uma localização perfeita. Achei que deveria ser preenchido. No entanto, eu não consegui encontrar tal feltro, mas eu encontrei uma parede adequada e o tiro finalmente veio junto. A principal coisa sobre blocos criativos é que você precisa entender que eles geralmente acontecem por muito pensamento. Sim, você precisa inventar uma história significativa. No entanto, quando você pode ficar muito ocupado e cansado, ele não pode mais funcionar criativamente. Portanto, deixe-me compartilhar de alguma forma. Você pode redefinir sua mente para que ela possa voltar a ser ainda mais criativa do que era antes. E, em primeiro lugar, você continua seu ambiente, às vezes alterando a configuração, muda seu processo de pensamento. Vá a um café nas proximidades em vez de sentar em casa ou dar um passeio ao redor do parque local, viajar também ajuda muito. A próxima maneira é mudar de marcha, parar de pensar em novas ideias e fazer outra coisa não relacionada à sua fotografia. Seu processo de pensamento ainda estará em execução na parte de trás de sua mente e ele pode ficar despreso facilmente e fornecer-lhe uma idéia brilhante enquanto você está fazendo alguma coisa aleatória. Newton e Apple, nossos comitês e os exemplos de banheira estão por aí. A próxima maneira seria mudar o seu meio. Eu encontrei este conselho no livro Big Magic de Elizabeth Gilbert, simplesmente tentei encontrar uma saída criativa diferente. Você pode desenhar, pintar, tocar, instrumento musical, dançar ou começar seu projeto DIY. Muitas vezes ajuda a desmontar seu blog em todos os meios imediatamente. O próximo será isolar e estar na natureza, muitas vezes bloqueios criativos acontecem porque obtemos muita informação. Ou o Dr. Muita gente vê filmes demais, olha para as nossas telas por muito tempo. Quando bloqueares essa distracção, a tua mente, acalma-te, vai ficar entediada, como já falámos antes. E a última coisa é bloquear o tempo para sua criatividade. Sim, você precisa realmente definir as horas para isso em seu calendário. Estudos mostram que seu cérebro não pode ser lógico e criativo ao mesmo tempo, criatividade precisa de imersão, mas queremos que as ideias simplesmente apareçam no meio de um dia agitado. E você pode até justificá-lo dizendo, eu tenho idéias no chuveiro ou quando adormecer. No entanto, observe como essas ideias surgem quando você está relaxado. E se você demorasse várias horas para deixar sua mente vagar? E se você demorasse alguns dias por semana para criar apenas uma semana por mês ou vários meses por ano? Alguns artistas trabalham em ciclos. munição de pintor difere, por exemplo, leva vários meses em um ano para produzir suas pinturas, e o resto do tempo é gasto em ensinar e coisas relacionadas com negócios. Mas você não tem que fazer isso imediatamente. Você pode começar pequeno. Nós vamos apenas dias Lexend em uma semana e, em seguida, lentamente estender o período criativo e ver como vai ser. Então agora você sabe como redefinir sua mente ocupada para ser capaz de deixar as idéias brilhantes entrar. Na próxima lição, vamos discutir as técnicas reais para gerar NADH. Assistir. 30. Módulo 8: ferramentas para criar ideias: Nesta lição, falaremos de cinco técnicas poderosas que você pode usar para sempre criar novas ideias. Vamos direto para isso. Você pode gerar ideias por brainstorming, reformulando, fazendo perguntas por quê, e não tem que ser assim visualizando imaginado no resultado final e como ele se sente imaginando, como eu faria isso se eu fosse alguém outra coisa? E meditando meditação e clara em sua mente é uma grande técnica. Agora vamos falar sobre cada um deles com mais detalhes. Então brainstorming, o principal objetivo do brainstorming é a criação de tantas idéias quanto possível com ênfase em quantidade sobre qualidade. Um dos elementos-chave deste processo é que brainstorming inclui tudo o que os assassinatos, independentemente de quão estranho uma ideia possa parecer no início, mas é importante mantê-la intencional. É por isso que brainstorming funciona melhor quando você tem um ponto de partida para sua imagem. Como um adereço legal, por exemplo, ou tópico como solidão sobre direitos dos animais. A maneira mais fácil de cavar idéias para brainstorming que vem à mente é ir on-line e procurar por obras de fotógrafos que você mais admira ou gosta. Às vezes eu vou através dos meus quadros do Pinterest. É fácil e rápido. É muito raramente satisfatório, uma vez que as chances de criar uma obra de arte original baseada no trabalho de outra pessoa são extremamente baixas. Então, finalmente, adaptação e desligar a internet por um tempo. Aqui está o que você pode fazer em stat.E primeiro de tudo, anote tudo no papel e desenhe elementos individuais de sua imagem futura. Também ajuda a dar a cada ADL e imagem uma voz e um lugar na página. Só de pensar nas coisas na sua cabeça não é suficiente. Você tem que ver as idéias no papel. Então, se você está pensando para adereços, certo? Livro, farinha, papel higiênico, e assim por diante. Se você está brainstorming para elementos surpresa, tentou embrulhá-los em palavras. E sim, Eu literalmente quero dizer linha de crescimento sobre um granizo ou rosas então pode na gasolina. A próxima maneira seria jogar com associação de palavras. Venha mãe com uma sequência de palavras, cada uma das quais é uma associação da anterior. Por exemplo, você começa com o livro de palavras. A próxima palavra que vem à mente é dizer história. Então, quando você pensa em uma história, você primeiro pode pensar em uma princesa e assim por diante. Você pode elevar a fasquia e torná-la mais desafiadora, desconsiderando a primeira associação que vem à sua mente e tomando a segunda ou a terceira vez, você vai se surpreender até que ponto você pode ir da palavra enquanto ainda permanece dentro dos limites do seu tópico. Este exercício irá ajudá-lo a encontrar as idéias originais que nova combinação de tudo o que você já viu ou ouviu antes que estávamos falando no início do nosso curso. Em seguida, o que você pode fazer é dividir seu brainstorming por vários dias. Isso permite que você retorne às suas idéias com um novo olho. O próximo passo seria conversar sobre suas ideias com um amigo. Ter que verbalizar suas idéias em voz alta para outra pessoa irá motivá-lo a colocá-las em palavras simples para que outra pessoa possa entendê-las. Não é mesmo a resposta ou reação que mais importa aqui, é você tentando verbalizar quando você se ouve explicando uma idéia para alguém, você mesmo entende a idéia melhor se finanças Bears Ears é desafiador, fazer um nota de voz ou gravar um vídeo. Em alguns casos, você nunca tem que assistir. O ato de verbalizar suas idéias irá desencadear sua mente para criar mais delas. E o quinto passo seria, mais uma vez, desligar a Internet e desligar toda a destruição. Desligue o telefone. Música é bom, mas de outra forma, brainstorming deve ser você um pedaço de papel, um lápis, e seus pensamentos. A próxima técnica é reformular. E aqui, quero dizer, você deveria fazer perguntas. Por que tem que ser assim ou tentar olhar as coisas de um ângulo diferente? E eis o que quero dizer com isso. Podemos todos ficar presos em certos rastros de pensamento. Podem estar tão confortáveis que nem percebemos que estão nos atrasando. Então, para termos novas ideias, precisamos romper com padrões estabelecidos de pensamento e começar a ver novos caminhos. Em vez disso, é provável que você traga um conjunto de suposições para cada situação. Muitos deles podem vir a ser verdadeiros, mas desafiar suas percepções também pode abrir algumas possibilidades emocionantes. Quando você pensa em uma certa maneira de criar uma imagem, pergunte constantemente a si mesmo, tem que ser assim? Exemplo simples, você quer criar uma imagem conceitual sobre o tema da solidão. Você se importa de dizer para criar, bem, deixe-me dar um palpite selvagem e dizer que você quer fotografar uma garota com um longo vestido vintage na floresta, cabelos soltos, rosto triste. Talvez ela segure algo em suas mãos como uma lanterna ou uma vela. Agora, eu quero o desafio que e pergunte a si mesmo, não tem que ser assim. Tem que ser uma garota? Quem ou o que mais pode ser? Seus súditos têm que estar na floresta? Onde mais isso pode acontecer? Tem que haver uma vela? O que mais o seu sujeito pode aguentar? Você começa a idéia, se isso parece um pouco complicado, tentou chegar a respostas para o que você nunca iria querer ter em sua imagem quando você está escrevendo uma lista dessas coisas, geralmente as coisas que você realmente quer ter em seu Fotos, Bob para cima. Outra coisa a fazer seria encontrar vários emissores que você não gosta e tentar explicar por que, o que você faria diferente nesta imagem? E você pode ter muitas idéias dessa maneira. A próxima técnica é a visualização. Imagine o resultado final e como ele se sente. Quando começo a me preparar para uma filmagem, sempre tenho minha imagem final em mente. Eu visualizo a cena e entendo quais elementos eu preciso entrar no lugar para que ele se pareça da maneira que eu gostaria que eu aconselho você a fazer não é simplesmente encontrar na cena, mas fazer essa imagem mental o mais detalhado possível. Quero que ouça, cheire, toque e sinta na sua cabeça. E, em seguida, gravar tudo o que você sentiu esta visualização e experiência vai aumentar drasticamente a credibilidade de sua história visual. A próxima técnica é imaginar, ou como eu faria isso se eu fosse outra pessoa? Então, imaginando aqui, quero dizer, colocando-se no lugar de outra pessoa para resolver seu problema criativo, você tem uma lista de seus fotógrafos favoritos. Escolha um ou dois deles e pergunte a si mesmo, se eu trabalhasse em Walker, como eu deveria isso como eu abordaria este tópico? Como eu trabalharia com essa pessoa? Como eu deveria neste tipo de luz, quando você se imagina ser outra pessoa, o mais importante é atribuir suas qualidades pessoais a si mesmo. Em muitas situações surgem blocos criativos quando temos crenças limitadas sobre nossas próprias habilidades, que não somos inteligentes o suficiente ou não talentosos o suficiente para sair com alguma idéia original. No entanto, se você se imaginar como um andador de equipe, você se sentirá como um super-herói da fotografia e agirá de acordo, assim como sua mente. E a nossa próxima técnica é meditar. Eu coloco esta palavra entre aspas porque eu não sou cargas de trabalho para um metadados profissional e eu nunca tive nenhuma classe nele. Faço o que chamo de caminhadas mentais criativas. E isso faz maravilhas à minha arte. Tenho ideias novas todos os dias. O que eu faço é de manhã, depois da minha rotina de treino e banho, eu ligo alguma música comum e sento-me com os olhos fechados por cerca de 20 minutos. Você precisa de algum tempo para se concentrar e começar a pensar em suas tarefas diárias. Mas quando você se concentra no som e simplesmente deixa sua mente vagar, as imagens começarão a entrar em sua cabeça. É bom ter um caderno ou um agendado com créditos para que você possa gravar essas imagens imediatamente. Outra maneira de meditar assim é colocar um audiolivro e um conjunto de música. Quando foi a última vez que alguém falou no rádio? No entanto, você não vê imagens reais acontecendo com a narrativa. Sua mente é forçada a criá-los. Eu acho esta escuta meditativa mais eficaz do que ler porque seus olhos não estão ocupados e sua mente pode completamente focada em imaginar nas cenas. Então estas eram as minhas técnicas de ideação. Experimente aqueles um por um e qualquer um deles ou uma combinação inteira trará o resultado desejado. Você tem o seu próprio? Eu adoraria que você compartilhasse isso em nosso grupo no Facebook. Na próxima lição, falaremos sobre os próximos passos importantes quando você acabou de gerar suas ideias brilhantes. A que horas 31. Módulo 8: coletar, esboço e armazenando ideias: Então, quando você tem uma idéia, o que você faz com ela? Especialmente se você não tiver a chance de ser executivo imediatamente. Muitas vezes simplesmente colocar um um para baixo não é suficiente. Deixe-me mostrar-lhe algumas maneiras avançadas de coletar e armazenar suas idéias para que, mesmo quando você se sentir menos criativo, você sempre pode voltar para o seu estoque e tirar algo incrível. Primeiro, quero que capturem ideias, escrevam e façam esboços. Sempre que você tiver uma nova idéia, anote-a e tentou ser o mais detalhado possível. O que vai acontecer à sua imagem? Quem é o assunto principal onde tudo está acontecendo, então nos faça pegar. Ouviu isso, certo? Seu esboço não precisa ser uma obra-prima. É propósitos não manequins as pessoas com sua beleza, mas simplesmente gravar a idéia em uma forma visual para que você saiba como sua imagem futura será organizada e como todos os elementos do imitável se parecem. Ele também irá ilustrar o que você acabou de colocar na forma de Zack. Você também pode começar com um esboço e, em seguida, explicá-lo em texto adicional. Se você colaborar com outros criativos, este esboço vai mais tarde ajudá-lo a explicar suas idéias para os outros melhor, porque mesmo uma imagem mal desenhada vale 1000 palavras, então eu quero que você seja capaz de fazer isso a qualquer hora e em qualquer lugar. Prática de configuração de gravação de ideias e ter algo para gravá-lo com. Sempre com você. Se a defesa da urina Cadernos grande. Pegue uma sempre que for e guarde-a na sua cama. Mas isso é coisa que você poderia fazer é ter um nó ou gato uniformidade em seu telefone. Esta coisa está sempre connosco. A próxima coisa que eu aconselho você a fazer é ter um sistema de armazenamento no lugar. Quando suas idéias começam a se acumular, você precisa armazená-las efetivamente para que elas não sejam desperdiçadas e simplesmente desapareçam. Colete todos os seus exames físicos, capturas na pasta, organize seus nós de telefone e lápis em um só lugar. Então, o que eu faço é manter todas as minhas ideias em uma planilha do Google que eu posso acessar de qualquer lugar. A planilha tem colunas para cada imagem, elementos ou respondeu a descrição original da idéia lá e uma foto. Oh, meu esboço também. Você pode ter um sistema diferente, mas é muito importante ter esse sistema no lugar. Será o seu salvador. Quando você tem esse bloco criativo, você tem tanto medo, ou se você é muito simplesmente obter um pedido de cliente para uma sessão de fotos criativa, é como colocar suas idéias em um banco, como dinheiro porque você não quer ser quebrou um dia. Agora, vamos praticar idealizar e colocar suas ideias em dispersão. Então, para este exercício, eu quero que você pegue as listas de contatos que você preparou para o módulo anterior. Escolha um conceito de cada lista e gerencie o conteúdo que você encontrou com os elementos surpresa que falamos no módulo número 3 para lembrá-lo, aqui estão meus favoritos, mas você pode adicionar o seu, é claro. Portanto, há vários objetos, invulgarmente grandes ou pequenos objetos. Liquidação mundo miniatura no palco afeta animais, maquiagem incomum e composição do cabelo, coisas incolecionáveis ou metáforas e itens. Você deve ter dois esboços como resultado, tomar picos de ambos os esboços e compartilhá-los em nossa comunidade. Se você tiver tempo, crie imagens de acordo com seus esboços e gostaríamos de ver o trabalho final ainda mais. Um dos nossos objetivos e promessas deste curso é ajudá-lo a iniciar um projeto ou uma série de trabalhos em que você explora um tópico que seja significativo para você e que também terá impacto se o seu. Na próxima semana, vamos explorar como fazer isso passo a passo. Mal posso esperar para mostrar esses passos com você agora que você tem as ferramentas para gerar ideias, eu quero que você as aplique para a prática. Mas a coisa mais importante que eu quero que você entenda a partir deste módulo em particular é que sua criatividade deve ser sua prioridade. E isso é simplesmente uma obrigação se você confiar nele para viver ou se você espera fazê-lo no futuro. Enquanto isso, compartilhando as maiores conquistas em nossa comunidade on-line, é sempre muito útil entender o que você obteve de cada módulo específico. 32. Módulo 9: por que isso?: Neste módulo, vamos falar sobre séries criativas. Agora, eu sei que pode ser um pouco avançado para alguns de vocês. Alguns de vocês já tentaram séries de gradiente antes. Outros não sabem por onde começar. O que em. E eu vou dar-lhe os passos práticos como criar uma série a partir do zero. E eu também vou falar sobre como e por que trabalhar em série pode ser benéfico para você, especialmente se você quer ser comercial de sucesso como artista. Bem, vamos começar. Então sim, na minha opinião, quase todas as imagens podem ser transformadas em uma série, mas nem sempre foi assim para mim. Levei muita experiência e conversando com nossa multidão para entender a importância de criar um corpo conectado de trabalho e não limitadores individuais. Então, se você é uma série totalmente nova sendo criada, não se preocupe, Deus aqui, e eu vou orientá-lo através do processo. Aqui estão as quatro principais razões pelas quais você deve considerar trabalhar em uma série de trabalhos. Primeiro de tudo, Série permite que você explore um conceito em profundidade e mostrar diferentes lados da matéria é série dá-lhe uma oportunidade de explorar e examinar determinadas idéias, temas, questões, composições, conceitos, ou tópicos de maneiras mais profundas e significativas. Você os investiga de uma grande variedade de perspectivas. Muitas vezes, não é possível fazer dentro de apenas uma ou duas fotos. É como se você estivesse olhando para algo sob um microscópio em vez de simplesmente jogar uma praga ocasional. E Luke, quanto mais você olhar, mais você vê, e quanto mais você vê, mais fascinantes suas explorações ficam, pergunte a qualquer artista experiente e eles dirão que quanto mais fundo eles vão, mais envolvidos e comprometidos eles se tornam você recebendo uma jornada e nunca querem parar. O que também é importante é que uma série pode permitir que você conte uma história mais completa mostrando a sequência de eventos ou ilustrar a transformação. E isso às vezes é quase impossível de fazer quando você tem apenas uma única imagem. Esta é uma série minha chamada mosca BARDA. Nesta série eu mostrei transformação do meu personagem principal. Há uma sequência de eventos aqui, apenas Story Behind série. Situações de vida vivem em profundo impacto emocional sobre nós, que permanece conosco por anos e muitas vezes entra no subconsciente, levaria uma emoção, geralmente em um negativo como medo, agressão ou raiva, e levado conosco Além disso, nem mesmo percebendo que o temos ainda, isso afeta nosso comportamento, percepções, pensamentos, visões do mundo, e até mesmo como. Nunca é apenas uma experiência que nos influencia. É sempre a combinação, as camadas que com o tempo se transformam em “bagagem emocional”. E este fardo de bagagem em nós. Em algum momento, esta bagagem pode nos fazer sentir completamente presos quando nos sentimos deprimidos enormemente estresse são profundamente infelizes e não ser habilitado. Entenda por que pensamos da maneira que pensamos e por que fazemos da maneira que fazemos. Psicólogos dizem que, hey, se você tem uma memória que tem mais de 18 meses de idade e ainda causa uma reação emocional extrema em sua mente, isso significa que este evento passado está impedindo você de viver sua própria vida completamente, muitas vezes voltar a esses dolorosos eventos passados, cavar neles de sua memória e experimentar neles mais uma vez, em sua mente, aceitá-los e transformar sua reação emocional inicial a eles é a única maneira de continuar vivendo. Projeto reflete o processo de acumular bagagem emocional e se livrar dela no final, tornando-se melhor e mais amplo. Então, quando você quer ilustrar alguns fenômenos como uma sequência de eventos, uma série é simplesmente insubstituível para isso, a próxima razão para trabalhar em teorias é que ajuda séria você se conectar com o espectador em um nível mais profundo e, de fato, criar uma experiência completa para o seu público. Quando você tem uma série unificada, você se torna, em certo sentido, o especialista ou autoridade em quaisquer pensamentos e idéias que você está compartilhando com sua arte, conhecimento e experiência que você ganha ao trabalhar com este tópico permite que você para comunicar os resultados de sua exploração de maneiras mais impactantes. Em outras palavras, você está se tornando mais convincente para o seu público. A verdade é que as pessoas têm um tempo mais fácil de entender, apreciar e ser movido pelo que você está fazendo quando você faz um esforço para apresentá-lo a eles em detalhes. Quando você oferece uma entrada breve ou incompleta através de apenas uma ou duas obras, pode dar a impressão de que você realmente não tem muito a dizer. Seu objetivo ao criar uma série deve ser fazer com que seu espectador diga: “ Ok, eu entendo. Entendo o seu ponto de vista. Eu sei exatamente o que você está pensando, onde você está vindo e por que isso é importante para você, e por que vale a pena eu tomar meu tempo para refletir e apreciar De certa forma, você pode comparar fazer arte em série para escrever em um romance, muito poucas idéias podem ser adequadamente expressas em cinco capítulo em comparação com o quão minuciosamente eles podem ser tratados em um livro inteiro. O mesmo se aplica às artes visuais. Um único forno fotográfico não tem início, meio ou fim. Só podemos adivinhar seu propósito maior, enredo, ou a mensagem que ele pretende transmitir. E na esmagadora maioria dos casos, falta desses é insatisfatória para os espectadores, especialmente os mais experientes. Você precisa ter isso em mente se você pretende vender suas obras para colecionadores, os visitantes precisam de mais, um contexto e compreensão mais completos. A arte vem do que a inspirou e por que ela existe ou onde vai. Lembre-se que eu disse que explorar um tópico pode se tornar uma jornada muito emocionante para você. Agora veja o que acontece quando você leva seus espectadores nesta jornada com você. O que você acha que seus espectadores se lembrarão melhor e a experiência de olhar para uma série de trabalhos ou um momento em que eles gastam olhando ou apenas uma foto. Dê uma olhada na série de flora borsa, por exemplo. Ela tentou imaginar como seria um modelo real desses pintores. E ela leva-nos numa viagem. Nós realmente queremos ver qual é o próximo nesta série. O próximo e o próximo. E também se torna divertido. Outro ponto muito prático é que trabalhar em série irá ajudá-lo a comercializar seu trabalho mais facilmente se você quiser trabalhar com galerias, publicar suas revistas de obras até um, você tem que vir acima com uma série. Praticamente qualquer galeria estabelecida mostra sobre o trabalho atual de um artista estabelecido, apresentar uma seleção unificada ou corpo de trabalho. É quase como eles estão dizendo para este show, estamos apresentando um produto ou idéia ou conceito em uma variedade de formas, tamanhos, e cores reunir está fazendo isso porque eles sabem que as pessoas precisam entender a arte para comprá-la. Basta pensar sobre isso. As pessoas precisam entender a arte para comprá-la. Na maioria dos casos, galerias procuram corpos de trabalho coesos, coerentes e unificados e não um monte de imagens não relacionadas. Ele funciona da mesma forma quando você publica seu trabalho on-line, seu Rodin decidiu segui-lo porque eles gostam de seu corpo de trabalho, não apenas um ou dois picos. E o que é mais importante é que eles querem ver cada vez mais do mesmo trabalho com algumas variações, mas ainda com os mesmos elementos básicos. E esse é o problema com os homens na conta de fotografia no Instagram, por exemplo, fotógrafos e não apenas iniciantes, mas também estabelecidos, começaram a carregar qualquer trabalho que fizeram ao longo de sua história. Mas se todas essas obras parecem muito diferentes umas das outras, as pessoas não têm razão para segui-lo. Eles não querem ver coisas aleatórias. Eles têm muito e muito disso em sua vida cotidiana. Neste caso, trabalhar em uma série e publicar seus trabalhos um por um pode ser comparado com um programa de TV que as pessoas querem ver todas as unidades. A última, mas não menos importante, de nossas quatro razões para trabalhar quando a série é que uma série bem pensada prova seu compromisso. Isso demonstra que você escolheu um banho. Você sabe o que você está fazendo, onde você está indo, o que você tem que fazer para chegar lá e que você está preparado para terminá-lo. Mais importante ainda, isso também mostra que você tem a capacidade de pensar as coisas até o fim. É assim que os profissionais, entendem que um fotógrafo de belas artes pode distingui-lo do imaginário medíocre lá fora. Esse é o tipo de arte que eles estão constantemente à procura. Pense assim. Se um artista faz apenas um ou dois ou algo assim, não importa o quão boas essas imagens são, o especialista pode se perguntar, ela tem sorte? Pode terminar o que ela começou, pode fazer de novo, de novo e de novo. Devo me preocupar em investir meu precioso tempo em olhar para a arte dela? As pessoas que conhecem a arte a avaliam por números e obra de arte isolada não é nada mais do que um começo para elas. Você vai começar algo, melhor você estar preparado para terminá-lo. Então, novamente, estas são as quatro principais razões que você deve pensar ao trabalhar em série. Em primeiro lugar, não te ajudou a explorar o conceito. Em segundo lugar, ele irá conectá-lo com o espectador melhor. Ele irá ajudá-lo a comercializar o seu trabalho e irá provar o seu compromisso. Agora, você pode perguntar, deve estar sempre trabalhando em série e sua resposta é não. Suas imagens individuais ainda podem ser sua maneira de tocar em um determinado assunto ou tópico e experimentar com ele. Você tem que testar a água às vezes e ver se você quer entrar mais fundo no mar. Quando você encontrar um tópico que realmente lhe interessa, então você pode elaborar sobre isso e criar uma série de mulheres é do seu primeiro trabalho único. Eu sei que trabalhar em série se você nunca tentou antes e pode parecer um pouco intimidante se sua mente não é usada para criá-lo em série, está tudo bem. E não deve ser uma razão para você parar de tirar imagens pouco a pouco, você aprenderá a entender melhor sua arte e o trabalho em série se tornará uma brisa para você. 33. Módulo 9: três maneiras de criar uma série: Nesta curta lição, discutiremos três maneiras de criar uma série que você possa experimentar uma ou todas elas por si mesmo. Então, como pode uma série de fotos baseado tablet? Pela minha experiência, existem três maneiras de criar uma série de trabalhos. Primeiro a partir de um único elemento individual, em seguida, partir de um grupo de imagens e do zero, Claro, vamos primeiro falar sobre criar uma série a partir de uma única imagem individual. Você pode começar com uma única imagem individual, entender a história por trás dela e descobrir os tópicos que você obteve nessa imagem. Então você pode desenvolver um deles no projeto do inferno chegando com variações. Mas eles te dão um exemplo do meu trabalho. Eu já mencionei minha série de corte de papel. Não foi planejado ser sério desde o início. Primeiro, eu só queria experimentar o novo material e um interesse na cor do cabelo. Então eu pensei que há realmente algo interessante aqui que pode ser desenvolvido em um projeto inteiro com variações. Então eu decidi variar cores, locais, modelos, e as formas de k1, o papel. No entanto, decidi manter várias coisas no tato, estabelecendo as regras para a minha série. Minhas regras aqui estamos mantendo a imagem monocromática, mantendo papel e tesoura como meus adereços principais, a cor do cabelo do meu modelo deve sempre coincidir com a cor geral da imagem. E para a maioria dos nossos modelos, decidi adicionar os lábios vermelhos ao visual de maquiagem. Outro exemplo é o projeto que eu filmei em colaboração com um estilista. Ele ganhou uma nova demanda. Também começou a partir de um experimento. Decidimos tentar trabalhar juntos em uma única sessão de fotos. Funcionou muito bem e tentamos pensar em como podemos desenvolver essa imagem individual em algo maior e mais coeso. E foi assim que o circo de objetos apareceu. Conectamos as obras por um único tópico, circo, e, em seguida, detalhes de cores semelhantes lêem elementos em cada imagem. E também adicionamos pares de imagens. Esses pares foram a adição final ao projeto e ele realmente conectou tudo juntos. A próxima maneira de iniciar uma série seria formar um grupo de imagens. Se você já tem algumas imagens em seu portfólio, mas elas estão desconectadas, tentou dar uma olhada nelas e ver essas conexões. Mesmo que você não estivesse colocando-os conscientemente lá, sua mente subconsciente poderia ter feito isso por você. Agora você precisa reorganizar essas imagens e reconhecer essas conexões e talvez atribuir novos conceitos a elas, atraí-las e transformá-las em uma história coesa. Aqui está o que você pode fazer seu portfólio e tentou sistematizá-lo. Ajuda se você pode realmente imprimir o seu trabalho fora e, em seguida, olhar para ele, encontrando semelhanças, detalhes comuns, temas e tópicos entre imagens individuais. Cuidado com detalhes como cores, adereços, locais e guarda-roupa. Se eles parecem muito diferentes, as imagens podem não funcionar bem juntas, mesmo que os tópicos sejam relativamente semelhantes, esta tarefa pode ser difícil no início, mas definitivamente irá ajudá-lo a entender seu próprio trabalho se você encontrar essas semelhanças em apenas duas ou três imagens, o que geralmente não é suficiente para uma série. Você pode usá-los como um começo se você gosta particularmente dessas fotos, tentar pensar sobre as histórias nelas e desenvolvê-los em um sério achado variações no tópico inicial e chegar a soluções sobre como ele pode ser explorado ainda mais. Aqui está como eu criei minha série de escape, que na verdade foi a primeira série que eu criei. Imprimi minhas imagens em algum momento tentando descobrir como algumas delas poderiam formar um grupo coerente. Então eu os conectei com base no personagem principal sendo imerso em algum tipo de atividade, o projeto significa que eu também comecei a partir de várias imagens individuais que não estavam originalmente conectadas. Depois de algum tempo ao olhar para o meu portfólio, percebi que, por algum motivo, gosto de filmar com duplas. E isso me levou ao tópico da dualidade e auto-conversa. No entanto, é muito mais produtivo desenvolver uma série a partir do zero. Desta forma, você tem mais controle desde o início. Esta é a melhor maneira porque permite que você planeje mais e, portanto, seu trabalho será pensado muito melhor. Cada detalhe estará no seu lugar certo. Nós estaremos descobrindo como começar uma série do zero na próxima lição. Entretanto, deixem-me dar-vos um exemplo. Já mostrei meu projeto de letras sinestéticas. Começamos juntos com uma estilista, Jane Christofferson, querendo compartilhar nossa peculiaridade de ver letras, números e cores em nossas mentes. Esse fenômeno é chamado de sinestesia tímica. E quando depois de nos conhecermos há cinco anos, descobrimos que ambos o tínhamos. Decidimos criar algo em torno deste tópico. Desde o início, criamos um conjunto de regras para nós mesmos e estamos tentando seguir com elas, mesmo que às vezes não fosse muito fácil. E a melhor coisa sobre essa maneira de trabalhar em um produto é que você sempre pode voltar para alguma coisa em particular e refazer, re-adicionar ou refilmar para que ele corresponda a todo o projeto. Antes de explorarmos as etapas de criação de uma série a partir do zero, vamos esclarecer duas coisas importantes. Em primeiro lugar, quantas imagens devem estar em série? Esta é uma escolha muito pessoal da minha experiência, e será muito pessoal para todos os artistas. No entanto, a regra básica não seria inferior a cinco e não mais de 20. Outra questão é, pode algo chamado série nua? E às vezes organizamos uma filmagem e temos cerca de 10 ou 15, ou às vezes até 30 imagens dessa filmagem. E muitas dessas são apenas variações, mas não são significativamente diferentes umas das outras. Eles não mostram um tópico de ângulos diferentes. Eles não adicionam nada a uma história. Se você está mostrando uma sequência de eventos e eles simplesmente quase se repetem um ao outro, isso não é uma série. Numa realidade séria, cada imagem individual é valiosa por conta própria, mas quando combinada com as outras, conta uma história maior de uma forma mais profunda. Na próxima lição, estarei explicando como criar uma série de fotos do zero. 34. Módulo 9: criando uma série do Scratch Passo a passo: Nesta lição vamos falar sobre a mais difícil, mas a melhor maneira de séries de grandeza a partir do zero. Então, por onde você começa? Sugiro que tomem cinco passos. Primeiro, encontrar o tópico, em seguida, definir as funções, disse que o período de tempo, em seguida, avaliar seus recursos e avaliar os resultados. Então vamos aprofundar isso. Passo número 1, encontrar um tópico do tema. Nós já discutimos como você pode criar tópicos e temas que são significativos para você ao falar sobre conceitos Craven, seu tópico deve ser algo que você é apaixonado por que está aberto à variação e ainda muito específico. Ao mesmo tempo, séries bem sucedidas devem permitir que cada trabalho individual seja capaz de se destacar por conta própria, mas simultaneamente se relacionar com o resto das outras obras. De alguma forma, ele ajuda você a desenvolver uma ideia de conceito em material serial logo no início. Isso permite que você entenda como seu trabalho dentro da série será parecido do primeiro ao último. É aqui que esboçar todos os trabalhos dentro da série é importante. Veja se o esboço é manter seus interesses individualmente e como um grupo. Se eles não são tão fascinantes como você pensou que seriam, você precisa repensar sua abordagem. Ele também permitirá que você faça alterações no próprio conceito no início, passo número 2, regras estabelecidas para sua série. Isso ajudará você a criar coesão conceitual e visual para a série geral, suas regras podem incluir formato, modelos, adereços, cores, paisagens, detalhes, locais e assim por diante. Faça uma lista de regras e fique com elas desde o início até o fim do trabalho ou uma série. As regras não só mantêm você no caminho certo, mas também podem criar coesão conceitual e visual para a série em geral, uma vez que você finaliza as ideias por trás do ticket da série com elas, isso nem sempre é fácil, mas forçar-se a manter um alto nível de foco e disciplina sem se distrair resultará no maior valor do seu trabalho final. Agora passo número 3, avalie o tempo que você precisa para o seu projeto. E lembre-se, você quer completar a série ou, pelo menos, criar um certo número de trabalhos que compõem um sério juntos. Eu acho que você sabe. Eu diria que é ótimo ter pelo menos quatro ou seis imagens para chamar seu projeto a série depois de ter aqueles, você pode decidir se você quer explorar o tema mais profundamente ou não. E nesta idade, você precisa entender quanto tempo a produção de qual parte da sua série futura levará. Se o trabalho em uma série leva muito tempo, muitas vezes é adiado e é provável que esteja inacabado ou esquecido. Agora passo número 4, avalie seus recursos. Eis o que quero dizer com isso. E em primeiro lugar, sua equipe, incluindo estilistas, maquiadores, decoradores e outros colaboradores. Se você quiser manter imagens dentro de certos limites, você quer não apenas seu próprio estilo, mas também o estilo de seus colaboradores para ser coerente e consistente em toda a série. Em seguida, você precisa entender o orçamento que você está disposto a alocar para este projeto. Tente entender se você pode facilmente obter os prompts, locais e modelos para ser capaz de ficar com o atópico, mas fazendo variações dentro dele. Por exemplo, se você decidiu criar uma série de retratos de meninas com malas para ilustrar um tópico, Jornada ao vivo. A série do ponto de vista central provavelmente será a mala e a menina, que é facilmente obtida. Se, no entanto, você decidiu criar uma série de retratos daquela menina com uma mala nas capitais mais reconhecíveis do mundo, cidades como Paris, Roma, Tóquio, É atrair. Você precisa ter certeza de que você tem o orçamento para realmente fazer essas viagens. O seu modelo será o próximo? Tudo o resto que você pode precisar enquanto trabalha nesse projeto. E aqui quero dizer prompts, ocasiões, modelos e outros elementos da imagem. Eles precisam ser facilmente acessíveis a você durante todo o período de seu trabalho. Conheça uma semana, um mês ou um ano inteiro, caso contrário o projeto pode acabar inacabado ou abandonado. E finalmente, passo número cinco, avalie seus resultados enquanto você ainda está em andamento. Quando você tiver seu primeiro trabalho feito, junte-os e revise-os. Veja você, eles ainda parecem bons e coerentes se eles não tentarem ajustá-los uns aos outros sem sacrificar o tópico geral ou o tema da sua série. E sim, às vezes isso significa reeditar ou refilmar e parte do seu projeto. E a coisa chave aqui é tomar essas coisas ultimamente como medidas necessárias para criar um corpo de trabalho maior e mais de alta qualidade. Trabalho em uma série raramente pode ser feito em um curto espaço de tempo e selvagem concentrado em uma série, sua mente às vezes pode ficar cansado e quer uma pausa, e isso é totalmente ok. Você ainda pode experimentar e ganância onde quiser fora da série e depois voltar para o grande projeto. Também pode ser interessante trabalhar em várias séries simultaneamente. Na próxima semana, no nosso último módulo de aprendizagem, estaremos explorando a mentalidade de um artista de sucesso. É um tópico extremamente importante porque todas as ferramentas e todos os talentos não te levam a lugar nenhum se você não acredita que você pode alcançar seus objetivos e manter o seu curso. Agora, eu espero que você entenda por que a série de trabalho é tão importante, especialmente se você quer ser bem sucedido na Rússia como um artista. E agora você também está equipado com as ferramentas de como criar toda uma série de trabalhos a partir de uma única imagem ou do zero completamente. E há sempre um realmente quero saber o que era uma coisa que ele mais lembrava, Por favor, vá em frente e compartilhá-lo em nossa comunidade on-line. 35. Módulo 10: é seu bebê e sua responsabilidade: Então, pessoal, nós estivemos em uma jornada incrível juntos. E se você não foi capaz de completar todas as tarefas, não se preocupe, eles estão lá para você. Você sempre pode voltar, você pode assistir novamente. Você pode reduzir as tarefas. Neste módulo lunar. Quero compartilhar algumas coisas muito especiais com você. Obrigado que me ajudou na minha jornada artística. Essas são as coisas que me ajudaram a manter minha prática criativa. Essas são as coisas sobre mentalidade, a mentalidade certa para um visual saudável e sustentável, tipo de artista orientado para contador de histórias. Vamos mergulhar direto. Eu dei o título desta lição, é seu bebê e sua responsabilidade por alguns de vocês. Pode parecer um título estranho, mas deixe-me explicar o que quero dizer com isso. Quando você termina o seu trabalho, quando você coloca a edição final em contato, às vezes não parece que sua criação é seu bebê, como se você quisesse protegê-lo do mal e que você se importa com ele tanto quanto humanamente possível. Nesta pequena lição, vou ser apontado por que não deve ser assim e quais responsabilidades ela traz com ela. Vamos mergulhar direto. Então, há várias estratégias fundamentais que eu queria discutir com vocês hoje. E eu gostaria de começar com criar para si mesmo primeiro. A coisa principal que eu quero que você entenda é que, apesar todas as palavras ditas neste curso sobre se conectar com seu público, é incrivelmente importante perceber que, em primeiro lugar, você cria para si mesmo e não para os outros. E um nó parece muito controverso. Depois de todas as lições que você passou. No entanto, é verdade que ninguém no mundo vai cuidar do seu trabalho tanto quanto você. Pelo menos não esperes que o façam. As pessoas têm suas próprias vidas e suas próprias prioridades. Eles podem, e eu tenho certeza que eles vão apreciar sua arte, mas você é o único que vai se importar com ela mais. E é assim que é, é assim que deve ser. Viemos aqui por causa do nosso desejo pessoal de criar. Então, em primeiro lugar, fazemos isso muito egoisticamente para nós mesmos porque queremos fazê-lo, não porque alguém precisa disso. Sim, você precisa encontrar um equilíbrio entre os dois eventualmente. Mas no núcleo, faça por si mesmo primeiro. Sua arte não satisfará suas necessidades pessoais de se expressar e suas idéias, então não será satisfatória e você não será capaz de continuar com ela por um longo tempo. É por isso que você sempre precisa verificar se você gosta de suas práticas criativas, mesmo quando elas ficam difíceis. Se criar uma peça não se sentir bem, talvez você precise reconsiderar a mente aqui que ela pode ser difícil, mas ainda pode se sentir bem e você ainda pode apreciá-la. A próxima estratégia para o sucesso é realizada e por que você precisa fazer o trabalho de entender seu próprio trabalho. Mulheres neste muito brevemente antes. Mas eu também quero sublinhá-lo aqui na seção mentalidade. É crucial entender o seu trabalho, o que você cria agora e o seu melhor trabalho também, porque é seu bebê e sua responsabilidade saber onde ele veio e como ele vai dar seus primeiros passos neste mundo, e como ele vai fazer, e como ele será aceito se não fizermos o trabalho de tentar entender, analisar o papai, nossa própria criação. Stan, como podemos esperar que outros invistam seu tempo e energia para fazer isso? Por que os outros devem prestar atenção se não o fazemos? Portanto, os passos práticos aqui são os primeiros a voltar constantemente às grandes questões. E essas perguntas são, por que eu deveria, o que devo fazer? Eu gosto de fazer isso? O que isso me traz? E anote suas respostas por si mesmo. Em primeiro lugar, o próximo passo é escrever uma declaração de artista. Esta é uma passagem curta que fala brevemente sobre você como artista, por que você escolheu este tipo de arte? O que inspira você e o que você está tentando transmitir através de seus trabalhos? Sim, para aqueles de vocês que ouviram falar, eu sei que pode ser uma dor escrever uma, mas é necessário se você quiser levar a sério a sua arte, mesmo que você não esteja planejando se tornar um fotógrafo de belas artes, é importante para ter uma breve mensagem para seus clientes como você se sente sobre seu trabalho e por que você faz isso. E, novamente, ajuda você a construir essa conexão. Você poderia pensar que as pessoas gostariam de ir ao Mark que não diz nada sobre ele ou dele em seu site e nem sequer tem uma imagem de si mesmo ou Karen que compartilha isso. Ela gosta de estar perto das pessoas e capta os momentos de pressão de suas vidas, adora trabalhar com crianças em particular, já que ela é mãe de dois filhos. O próximo passo seria ter uma descrição escrita de suas séries e coleções. Mesmo para trabalhos individuais que seria importante. Eles não têm que pertencer, mas eles são necessários para as pessoas que estarão interessadas em seu trabalho o suficiente para não simplesmente olhar sobre ele. Aproveite o tempo para entendê-lo e tentar contar aos outros sobre isso, escrever sobre isso em revista ou colocar isso em paredes de galeria ou comprá-lo. As pessoas só vão investir tempo e dinheiro em uma peça se eles se conectarem com a história dela. E é seu trabalho contar essa história para eles em tantos detalhes quanto possível. Agora, isso significa que você pode controlar completamente como seu trabalho será interpretado? Absolutamente não Estamos falando de fotografia conceitual. E a abertura à interpretação é uma das suas principais características. As pessoas verão seus próprios significados, histórias e símbolos com base em seus antecedentes e experiências. E nunca devemos querer tirar isso deles. No entanto, quando um interesse em suas perguntas, O que você quer dizer com esta imagem, devemos ter uma resposta. Senão, quão sério é o seu trabalho? Na próxima lição, continuaremos a descompactar estratégias para criar uma mentalidade para o sucesso. Em particular, falaremos sobre a importância de ver o valor em suas próprias criações e entender como elas afetam as outras pessoas. 36. Módulo 10: o valor e o impacto: Nesta lição, continuamos com as principais estratégias de mentalidade para o sucesso. E este é o terceiro. E é assim, valorizar sua arte. A coisa que eu quero que você sempre tenha em mente que sua arte se torna valiosa apenas quando você se avalia. Mais uma vez, sua arte só se torna valiosa quando você se avalia. Se você não vê nenhum valor nisso, então como você espera que os outros até mesmo tensão na cama? Muitos de nós estão distraídos com o conto de fadas artistas Cinderela, quando um artista foi aleatoriamente criar e tal, mas nem mesmo percebendo o quão brilhante era até que um mágico galerias, milhões de seguidores ou jornalistas e clientes apareceram nada e finalmente abriu os olhos para a sua própria genialidade. Isso não acontece na vida real. As pessoas começam a ver valor em sua arte quando você faz o trabalho de entender a si mesmo e mostrar seu compromisso para sustentar sua criatividade. Mas o mais importante, quando você começa a ver suas criações como valiosas, dê uma olhada em suas fotos e pergunte a si mesmo, que tipo de valor elas trazem para mim e para o mundo ao meu redor? E certifiquem-se de que sim. Se você está lutando para ver o valor em suas criações, deixe-me dar-lhe algumas dicas. Seu trabalho é valioso porque, em primeiro lugar, você investiu seu tempo e o apaixonou. Você fez o trabalho de explorar um tópico e falar sobre ele para outros. Você cuidadosamente planejou e organizou a filmagem para que a imagem saiu lindamente da maneira que fez ao olhar para o seu trabalho, as pessoas recebem um certo tipo de emoção. Pode ser alegria, paz, simpatia. Você pode levar as pessoas em uma jornada, ter uma experiência ao interagir com seu trabalho. E essa experiência pode levá-los a algumas conclusões ou pode plantar novas idéias em sua mente. Seu trabalho inspira outras pessoas e muda seu humor, seu trabalho e ajuda as pessoas a contar sua história quando a colocam em suas paredes. Eu poderia continuar com esta lista, é claro, outro ponto importante é entender o valor do seu dom. Se a fotografia é bastante fácil para você, isso não significa que é o mesmo para os outros e que não é valioso. E eu fiquei preso nessa armadilha por um longo tempo, desconsiderando completamente meu esforço e minhas habilidades naturais, eu continuava dizendo a mim mesmo, mas eu não fiz muito. Só cliquei no botão, só na engrenagem. É a bela modelo. É só um bom adereço e eu só tive sorte. Não estou te dizendo para colocar o nariz alto e se tornar arrogante. Eu simplesmente insisto que você deve tentar realmente valorizar suas habilidades naturais enquanto ainda diz humilde e estar disposto a melhorá-las sempre. A próxima coisa que eu quero que você entenda é como seu trabalho pode estar causando um impacto nos outros sobre os quais falamos muito e naquela época as pessoas, mas você ainda pode ter dúvidas. Como minhas fotos podem realmente afetar alguém? Já lhe dei algumas dicas ao explicar o valor do seu trabalho. Agora vamos dar uma olhada mais de perto nas maneiras pelas quais você pode impactar as pessoas com suas fotos. E em primeiro lugar, você pode mudar seu estado emocional. Você pode fazer as pessoas sorrirem, vagarem ou experimentarem o senso de surpresa e quão legal é isso? Em seguida, você pode oferecer uma solução para um problema ou, se não for uma solução, você pode aumentar a conscientização e educar as pessoas. Terceiro, você pode oferecer conexão e compreensão de que eles não estão sozinhos. Nunca se esqueça que as pessoas muitas vezes se sentem solitárias e se reconhecerem alguma parte de suas próprias histórias na sua, elas se sentirão melhor e menos isoladas. Tantas pessoas se escondem atrás da vergonha e não se sentem no normal. E isso pode acontecer com qualquer um de nós em qualquer tipo de escala e em torno de qualquer tipo de coisa. Algumas pessoas se chamam internamente de aberrações estranhas por causa de algum trauma passado. Outros farão o mesmo porque seu hobby é uma fazenda final que eles escondem debaixo de sua cama. No entanto, quando eles vêem algo em seu trabalho, quando eles podem se relacionar, eles sofrerão menos. Você pode inspirar as pessoas a criar algo próprio, não importa em qual trilho, sim, as pessoas podem olhar para seus remédios e dizer, Oh meu Deus, isso é tão bonito e isso me empurra para tentar fazer uma foto incrível para, ou Pode não ser uma foto, mas abordar um corte de cabelo, um bolo, jardim, qualquer coisa, você vai passar a energia positiva maior para aqueles que interagem com o seu trabalho. E isso pode então ser tomado levemente. E a próxima, sua paixão e compromisso com servidores e exemplo, e permissão para outras pessoas. E essa maneira de incorporar e outras é muitas vezes negligenciada, mas não deveria ser. Dê uma olhada na minha história sobre o pensamento de que eu poderia criar algumas fotos reais. Quando eu vi que um fotógrafo do meu CD estava fazendo o mesmo e estava absolutamente arrasando. Agora eu fui capaz de me tornar um verdadeiro fotógrafo de belas artes, apesar da falta de apoio da minha família, apesar do fato de que meus pais me aconselharam a ver um psicólogo que quando viram minhas imagens, apesar do fato que eu tinha o trabalho corporativo seguro e promissor, que eu não odiava apesar do fato de que eu tinha dois bebês e mudou de país enquanto aprendia Minecraft, apesar de toda a dúvida e falta de auto-estima, apesar de todas as mentiras, Eu era tálamo como, que este não é um trabalho real e não vai permitir que eu me sustente e minha família. E, no entanto, aqui estou eu e não sou especial. E agora o fato de eu ir no Twitter e minhas fotos surreais e me sentir bem comigo mesmo, mas eu lhe dou permissão para fazer o mesmo. Verá que isso é possível. Sim. Se isso é possível para mim, é possível para você também. Hoje. 37. Módulo 10: proteja os grandes monstros: falha e comparação: Nesta curta lição, falaremos sobre nossos medos, medo de não estar à altura dos padrões, sentimento de não ser bom o suficiente e medo do fracasso. Vamos mergulhar direto. A primeira coisa de que podemos temer ou preocupar-nos é não nos adaptarmos e não cumprirmos todas as chamadas regras. Então, a idéia que quero trazer para casa para o seu hoje é que não há regras na arte. Eu sei que falamos sobre tantas regras e fazer e não fazer neste curso. Mas no final do dia, não há regras que você tem que seguir. Há uma linha tênue entre dynein todas as regras e ser preso por eles. Eu acho que a chave aqui é entender a essência de qual papel e saber exatamente por que você quer segui-lo ou quebrá-lo. E isso inclui todas as regras, regras de narração, composição, regras de teoria de cores e outras coisas. Vou te dar um exemplo pessoal. Quando eu estava começando, em algum momento eu percebi que minha redução facial não era tão grande. E eu tive algumas lições do Skype de um fotógrafo de moda bem-sucedido cujas obras são realmente apreciadas. Essas lições eram preciosas. Aprendi muito e eles começaram a praticar o conhecimento que eu tinha e fiquei melhor e melhor em rostos de redução. E também aprendi alguns outros truques. No entanto, segui todas as instruções e foi ótimo. No entanto, eu não entendia por que essas instruções estavam no lugar, por que eu tinha que fazer minha opacidade 45 por cento neste caso e seu fluxo para 20 por cento nesse caso, eu simplesmente seguir cegamente as regras e levei anos para começar quebrar essas regras e jogar com as ferramentas no Photoshop e entender por que essas regras foram definidas e qual o efeito que eu tenho quando estou quebrá-las. Agora, eu vejo a mesma coisa em um dos meus amigos fotógrafos. Ele pratica muito, aprendeu muito sobre edição, filmagem e assim por diante. Mas ele não pode se afastar dessas regras. Ele não sabe por que eles estão no lugar. Isso o leva à falta de compreensão que tipo de impressão ele quer que sua foto produza e seu público. E não estou dizendo que isso é errado. Acho que para algumas pessoas, incluindo eu, é um passo necessário. No entanto, se você pode ficar consciente sobre por que cada regra no lugar, você progride muito mais rápido, o próximo grande medo é não ser bom o suficiente quando comparado aos outros. A comparação é um grande problema em geral, mas para nós, criativos, pode ser essencialmente dolorosa e destrutiva. E é por isso que eu acho extremamente importante discutir isso aqui e oferecer a você uma maneira inteligente de comparação. Comparação na arte em geral, e na fotografia em particular, é uma coisa complicada. Você precisava crescer. Caso contrário, como você sabe se suas habilidades estão em um bom nível? Mas, ao mesmo tempo, pode matar toda a sua motivação para fazer o trabalho completamente. E é por isso que eu quero compartilhar alguns pensamentos sobre converter seu trabalho para o trabalho de outras pessoas. E esta é a chave. Estás a comparar o teu trabalho e não a ti mesmo com os outros. Você é único e valioso como ser humano. E o seu valor pessoal não está de forma alguma ligado à qualidade do seu trabalho. O fato de outra pessoa criar imagens melhores não mostra que elas são melhores ou mais talentosas do que você. Isso prova que eles são mais experientes. Eles trabalharam mais em sua arte. Ele não quer dizer que eles nasceram desta forma ou que vem naturalmente para eles, mesmo que eles tenham algumas habilidades inatas, esses geralmente não valem nada sem trabalho duro de desenvolvê-los e ganhar mestria Minecraft. Então isso só significa que eles trabalharam mais e eles ainda trabalham. E você pode fazer isso também. Você tem as mesmas habilidades. As coisas são possíveis para você saber que é muito fácil descartar o esforço de alguém, apenas chamando-os talentosos ou talentosos também coloca você em uma posição muito confortável de fazer que alguém especial e dizer se por que mesmo tentar, eu não vou ser bom nisso. De qualquer forma, é muito mais fácil fazer isso. Então, na verdade, se atreve a tentar e colocar no trabalho. E sim, eu sei que você pode ter três filhos, um emprego em tempo integral, um pai doente, mas no final do dia, se você está disposto a colocar o endurecido para trabalhar, se você está pronto para colocar as horas em tempo, você vai criar imagens incríveis. E a questão aqui é, você está disposto a trabalhar para isso? Você está pronto para passar essas horas? Não é o caminho mais fácil e ninguém diz que você tem que fazê-lo. Se quiser tirar fotos como passatempo, tudo bem, certo? E não há necessidade de se estressar sobre isso. A chave aqui é mudar o foco de, eu não sou tão talentoso como eles são. Então, por que mesmo tentar, eu não estou pronto para realmente colocar nas horas eo comunista bom como eles são e ainda melhor. A chave aqui é assumida a responsabilidade por esta decisão e não fazer alguém extraordinário e super heróico. Deixe-me dar-lhe um exemplo da minha vida pessoal. Eu mencionei no início do curso que quando eu estava começando na fotografia, eu tentei muitos tipos e foi particularmente bem sucedido em conscientização e filmagens familiares. Mas quando ele comparou meu trabalho com os fotógrafos da família, eu estava olhando para o momento em que percebi que eu simplesmente não estava interessado o suficiente para crescer nesta área. Eu simplesmente não estava motivado para me tornar um fotógrafo familiar de classe mundial. Então eu desisti e me concentrei em minhas imagens de arte que ainda me mantêm aceso aqui. Farei qualquer coisa para tornar meu trabalho melhor e mais profundo do que quando você realmente comparar seu trabalho. Você aprende, você toma notas e o que pode ser feito melhor em sua arte. Então isso melhora em cada área, cor clara trabalhando com modelos de olhos vermelhos, você nunca pode chegar em seu ofício, mas isso torna a jornada mais interessante, não é? Então, quando você compara seu trabalho com o trabalho daqueles que fazem melhor do que você, você cresce. Este tipo de comparação vai realmente fazer de você um fotógrafo melhor e um artista melhor. O próximo grande medo que quero abordar hoje é o medo do fracasso. Muitas pessoas me enviam mensagens nas redes sociais todos os dias dizendo que às vezes não estão criando só porque têm medo de que não dê certo. Mas na verdade, você vê que não vai funcionar antes mesmo de tentar. Você falhará nesse efeito. Você precisa aceitá-lo e então você precisa aprender a amar seus fracassos. De que a mentalidade me mostra que sou um perdedor. Segundo, ele me mostra o que eu preciso melhorar no futuro. Esses medos o que nos impede de tentar coisas novas, embora seja exatamente onde podemos nos tornar melhores e aprender coisas novas. Houve tantas vezes em que eu escolhi um bom banho e então eu acabei com imagens reais da Adele aqui eu também quero mencionar o medo de compartilhar o trabalho experimental. Muitas vezes alguns de nós são pegos em querer ser admirados e provados o tempo todo. Então, quando não vemos pessoas como em nosso trabalho nas mídias sociais, ele se transforma em um completo desastre psicológico quando você tem medo de colocar seu trabalho lá fora, lembrar a si mesmo sobre o porquê, seu porquê, Por que você fez isso, em primeiro lugar, não foi para chamar a atenção do público ou para satisfazer suas necessidades criativas pessoais. Se as respostas, eu fiz isso por mim mesmo e você está feliz com o trabalho, por que você deve se preocupar com o que as outras pessoas pensam e decidem? Também é bom lembrar a si mesmo que eles realmente não pensam sobre o seu trabalho que tem muitas e muitas coisas estão lá roan para se preocupar com empregos de crianças, você tem o nome dele? Então, como você pode imaginar, eu sou um super especialista e tenho medo de cometer erros. E com o tempo, encontrei várias coisas práticas que me ajudaram a lidar com meus medos e quero compartilhá-las com vocês hoje. Então o primeiro é, você precisa imaginar o pior cenário e entender que não é tão assustador. Esta tática irá ajudá-lo em muitas situações na vida, não apenas arte. Quero dizer, realmente, se você atirar em algo para si mesmo e não der certo, qual é o problema? Ninguém morre. Então não há nada com que se preocupar. Sim, você pode ter gasto seu tempo, dinheiro e recursos, mas nunca é em vão, considerado um investimento em sua educação porque isso é exatamente o que é. Em seguida, se você estiver prestes a trabalhar em um projeto de colaboração, informe a todos da equipe que se trata de um experimento e faça isso com antecedência. Diga que você vai estar fazendo o seu melhor, mas há estações não deve ser muito alto. Minha próxima dica é nunca experimentar projetos de clientes a menos que eles lhe dêem total liberdade. Considere oferecer o seu trabalho experimental como algo extra como um complemento ao que seus clientes encomendaram e esperam obter de você? Sim. Falhas acontecem e isso é a vida. Você vai tê-los. Mas se você decidir acolher os resultados negativos e aprender com eles, você não vai ficar tão assustado. A coisa crucial aqui é sempre entender ou escrever, verbalizar, formular o que você aprendeu com seus erros. Caso contrário, a experiência será dolorosa e inútil. E quem quer isso? Quando você experimenta, não tente fazer muitas coisas de cada vez. Faça uma lista do que você tem medo, arte sábia e fase essas coisas uma por uma. Isso vai tirar muita pressão de seus ombros e permitirá que você concentre mais em aprender com o fracasso se houver um. Na próxima lição, falaremos sobre como você pode organizar seu tempo para que você se torne um artista mais produtivo. Assistir. 38. Módulo 10: sem o tempo para to gerenciamento criativo: Nesta lição final, quero dar-lhe algumas dicas sobre gestão do tempo. Espero que os ache úteis. E antes de tudo, quero que você faça da criatividade sua prioridade. Uma coisa que eu ouço muito de fotógrafos e criativos em geral é que eu tenho tantas idéias, mas eu não tenho tempo para filmar todas elas. Sim, é verdade que todos temos vidas ocupadas, França, famílias, contas para pagar várias obrigações e assim por diante. No entanto, todos nós temos o mesmo número de horas em um dia. Bem acabou por ser uma mudança de jogo para mim em lidar com a falta de tempo é a mudança da perspectiva de eu não tenho tempo para não é uma prioridade para mim no momento. Sempre que você sente que quer fazer algo, qualquer coisa, mas você simplesmente não consegue fazer isso. Admitir que não é sua maior prioridade agora. E isto está tudo bem. No entanto, agora você entende que se você realmente pretende criar uma fotografia mais significativa, deve ser uma de suas prioridades, certo? Então sua mente automaticamente começa a encontrar essas oportunidades para realmente dedicar tempo à sua arte. E você tem tempo, é hora de encontrá-lo. Aqui estão algumas dicas de gerenciamento de tempo para sustentar sua criatividade e, em primeiro lugar, analisar o seu dia. Sim. Quero dizer, tente rastrear o tempo real. Onde você está perdendo tempo e como você poderia usar esse tempo melhor? Talvez você ouça as notícias no rádio quando estiver viajando. Mas você poderia, em vez disso, ouvir um livro de áudio e obter algumas idéias para suas futuras histórias lá. Talvez você possa cortar, assistir a Netflix ou jogar jogos. Talvez possa acordar uma hora mais cedo. A chave é entender que quando você faz algo sua prioridade, esse tempo aparece magicamente, o próximo passo é bloquear o tempo para sua arte em seu calendário. Somente quando o tempo é realmente bloqueado perto do calendário, você pode alcançar quaisquer resultados nesta área, mesmo que seja apenas 30 minutos por semana, você precisa transformar sua criatividade em um hábito. E sim, é preciso autodisciplina como desenvolvimento e um bom hábito. Mas se você está falando sério sobre sua arte e continuar lembrando que Por que estou preso o tempo todo sobre você será capaz de se transformar com sucesso em uma prática diária e não se esqueça de ter conversas com seus entes queridos, explicando-lhes por que isso é importante para você e tentou fazê-lo funcionar para todos. Outro exemplo pessoal, sou mãe de duas garotas bonitas. E se você é um pai, você sabe que seus filhos, especialmente se eles são um pouco, querem estar com você o tempo todo. Então você é como eu, entender a luta entre o desejo ardente de ser um artista e criador infinitamente e o desejo de ser um grande pai e desenvolver todo o seu tempo para seus filhos. Minha que eu comecei minha jornada de fotógrafo pouco antes de minha filha mais velha nascer. Já estive lá tantas vezes. Não há sentido sequer contar. Senti uma culpa normal até entender estas três coisas. E em primeiro lugar, sim, eles precisam de sua quantidade para estar lá para eles e com eles. Mas eles também precisam de uma mãe e mãe felizes que se sentem satisfeitos e cumpriram a mãe amável e amorosa quando eu não tenho a oportunidade de criar, eu não estou feliz, eu não estou satisfeito e minhas energias completamente drenado. Estou constantemente cansado e estou muito longe de ser sempre gentil e amar alguém aqui comigo. E sim, eu sou o mundo para eles, mas não posso substituir este mundo. O fazer precisa de tempo para si e também com outros membros da família e amigos. E isso é crucial para o seu desenvolvimento. Então, ao invés de me sentir culpada por não estar com eles 24, 7, decidi me certificar de que eles gozam e aproveitem a maior parte do tempo quando não estão comigo e ao mesmo tempo, quando estou com eles, posso ter certeza que estou realmente lá, presente, escuta, carinho e compreensão. Tento não tocar no meu telefone ou no trabalho. E então não importa o quanto eu tente, nunca serei perfeito. Eu vou estragar tudo de vez em quando, e tudo bem. Isso se chama vida. Tentarei aprender com meus erros e farei melhor da próxima vez. No mês que vem, serei uma mãe melhor do que fui hoje porque me preocupo com manguezais e quero melhorar. E você também, enquanto isso, se espancando, não fará bem a ninguém. Espero que isso ajude vocês, meus companheiros, pais criativos. Aqui está outra razão pela qual você deve transformar a fotografia em uma prática diária. Você precisa atirar muito e se tornar extremamente produtivo. E o que é mais importante, você precisa cometer erros. Sim, você vai fazer fotos ruins, mas eles são os passos naturais para criar grandes. Quanto mais erros cometeres, mais aprenderás. Trate cada foto ruim como uma lição, não um fracasso e desencorajamento, para não continuar. E você vai ver maravilhas acontecerem em seu estilo de fotografia e gravar o próprio embrião uma vez disse que suas primeiras 1000 fotografias, como seu pior, apenas encantado afundando suas primeiras dez mil fotografias são suas piores ainda muitos de nós esperamos ser profissionais em um par de anos ou às vezes até meses, entender que a quantidade leva à qualidade. Esta é uma história do livro arte e medo de David Baylis, o professor de cerâmica, anunciou no dia da abertura que ele estava dividindo a classe em dois grupos. Todos aqueles do lado esquerdo do estúdio que ele teve não seriam classificados apenas na quantidade do trabalho produzido, todos aqueles do lado direito, apenas na qualidade de seu procedimento era simples. No último dia da aula, ele trazia suas balanças de banheiro e peso, o trabalho do grupo de quantidades, 50 libras de panelas avaliadas e 40 libras de chefe B e assim por diante. Aqueles que estavam prontos para a qualidade, no entanto, precisavam produzir apenas um pote, embora um perfeito, para obter. Bem veio o tempo Gradient e um fator curioso se fundiu. As obras de maior qualidade foram todas produzidas pelo grupo sendo classificado para quantidade. Parece que enquanto o grupo de quantidade estava ocupado desenvolvendo pilhas de trabalho e aprendendo com seus erros, o reagrupamento legal foi definido teorizando sobre a perfeição e, em seguida, teve um pouco mais para mostrar por seus esforços do que grandioso teorias e a pilha de argila morta. Então sim, você precisa transformar sua fotografia em uma prática diária. Mas antes do seu objeto, deixe-me explicar. Quando digo transformar a fotografia num treino diário, não quero dizer filmar todos os dias. Se conseguires, isso é perfeito. No entanto, sejamos reais. A maioria de nós tem vidas ocupadas, como mencionei, famílias, amigos, estudos e, possivelmente, empregos diários. Então não, eu não estou insistindo que você deve filmar todos os dias, mas você precisa pelo menos ir e olhar suas matérias-primas e tentar editá-las. Eu não acho que faz sentido apenas ir lá e deve sem rever seus resultados desta forma, você não será capaz de aprender muito porque você está apenas fazendo metade do trabalho que não deve se separar. Essas imagens não estão terminadas. Eles vão, até que você os revise, escolher o melhor para entender seus erros e criar um plano sobre como corrigir esses erros durante sua próxima sessão com este dito, fazer intencionalmente bloquear pelo menos 10, 15 minutos para todos os dias. E se for possível, bloqueie mais tempo no seu calendário. E durante esses 10, 15 minutos, ou deve novas imagens ou revisão e adicionou os que você já filmou. Minha próxima recomendação seria encontrar um parceiro de responsabilidade, alguém que não será necessariamente seu amigo mais próximo ou em seu evento círculo mais próximo, mas alguém que irá entender e apoiá-lo em uma base regular porque ele ou ela compartilha os mesmos valores e esses objetivos. Sim, é incrivelmente útil para sair de sua concha artística de vez em quando, se não o tempo todo, Encontre colegas criativos com quem você estará trabalhando no mesmo projeto. Esses períodos podem ser fotógrafos ou artistas de outras indústrias, como designers compõem artistas, ilustradores, floristas ou mesmo padeiros. Quando você trabalha com alguém, ele automaticamente faz você responsável e empurra você para manter suas promessas, o que às vezes é muito difícil de fazer quando você está sozinho. Você concordaria em filmagens programadas e criar cronogramas? E como um pensamento final sobre o curso, espero que você se sinta inspirado, inspirado para aprender mais, mas principalmente para criar mais. No entanto, a inspiração é muitas vezes de curta duração. Está lá quando você está aprendendo algo ou vê alguma arte incrível. Mas depois desaparece. Eu fiz a minha parte. Dei-lhe inspiração e algumas ferramentas. Agora você precisa fazer o seu, ser intencional sobre suas histórias. Entenda seu porquê, transforme sua arte em um hábito e esteja atento ao que e com quem você se cerca. Comece todos os dias pensando sobre o que você pode criar hoje e terminou com a avaliação de seus resultados. E tenho certeza que suas histórias visuais causarão um impacto que você quer que elas tenham e, por sua vez, inspirarão outras pessoas a criarem. E esta será a tua maneira de tornar o nosso mundo um lugar melhor. Agora, deixe-me dar-lhe dois exercícios práticos. Na minha opinião, vai ajudá-lo a dar um salto produtivo em sua arte. E o primeiro exercício é chamado de criar um roteiro para o seu desenvolvimento artístico. Então eu queria voltar para a lista de décimos fotógrafos cujo trabalho você admira e sublinhou uma coisa que você mais gosta e eles vão trabalhar e vão adorar de alguma forma para apresentar a sua prática criativa. Faça uma lista separada dessas 10 coisas ou menos. Pode incluir coisas como aprender a fotografar debaixo d'água, estudos, luzes de estúdio, alertas para trabalhar com cores, e assim por diante. Estas são as coisas que precisam ser melhoradas em seu trabalho. Esta lista será a sua base para o futuro roteiro de desenvolvimento. Numere as coisas na lista de acordo com sua prioridade atual para você e para o seu trabalho, anote quais serão suas ações reais para melhorar nisso ou aquilo. Por exemplo, para melhorar o uso de luzes de estúdio, você precisa encontrar o estúdio com equipamentos onde você pode criar e praticar essas luzes. Agora precisamos criar um plano de execução para implementar essas coisas em seus períodos de tempo definidos de trabalho para suas duas prioridades principais. Por exemplo, eu vou fazer sete retratos de estúdio no próximo mês e definir o que você pode fazer para começar a melhorar nessas áreas nas próximas 48 horas para que suas plantas sejam acionáveis e não papel. Então, digamos que você deseja tentar adicionar l elemento de levitação à sua fotografia. E você precisa escolher uma data real quando estiver fazendo sua experiência. É muito útil ter um prazo que está bloqueado em seu calendário que você saiba quanto tempo você tem para os preparativos, então pense em todo o processo, o que você vai filmar e como ele não teve que descobrir tudo por conta própria. Há agora um vídeo do YouTube para cada coisa na web. Assim, você pode verificar como outras pessoas já estão fazendo, o que você quer fazer e, em seguida, preparar tudo para o seu experimento com base em seu prazo, fazer um plano de coisas que você pode fazer nas próximas 48 horas para realmente fazer seu experimento. E se você está tentando esse exercício, eu realmente quero que você compartilhe essa lista com nossa comunidade online. Então, por exemplo, seus 48. Nossas listas podem incluir coisas como assistir vídeos do YouTube começados sobre os adereços, escolher um local para sua futura filmagem, pensar se você precisa ou não de ajuda. Agora, depois de conduzir seu experimento, não se esqueça de analisar e avaliar os resultados. Não me lembro quantas vezes cometi o erro de tentar filmar algo, mas sem voltar aos meus arquivos experimentais para entender se valeu a pena, a zona de conforto tende a te sugar de volta mesmo depois de você tentou sair de lá. Lembra-se? Portanto, a avaliação dos resultados é crucial para aprender quando você tentou com um elemento, passar para o próximo. E novamente, na minha opinião, é importante dar um passo de cada vez para que você não fique sobrecarregado com as novas informações e mantenha sua intencionalidade em tudo. O segundo exercício que quero que experimente é lidar com o medo. Pense no seu trabalho criativo e o que o impede de ir mais longe? Qual é o seu maior medo ligado a ele? Você tem medo de compartilhar seus pensamentos e opiniões reais? Você tem medo de pessoas julgando seu trabalho futuro? Tenho medo de falhar no seu projeto experimental e perder tempo e recursos. Escreva seu maior medo e tente explicar por que você o tem, então imagine a pior coisa que poderia ter acontecido relacionada com esse medo, e então a melhor coisa possível, digamos que você tem medo de compartilhar seus novos 40, que é muito diferente do que você fez antes. Qual seria a pior coisa que poderia acontecer se você compartilhasse? E qual seria o melhor resultado possível? Crie uma escala para suas ações futuras que causem seu medo. E o número um será o melhor resultado possível. O número dez será a pior coisa possível. Depois disso, venha com os cenários de idade desaparecida. O número 2 é muito bom, mas não é ideal. número três ainda está bom, mas um pouco pior, e assim por diante. E o número nove será muito ruim, mas ainda assim não tão ruim quanto Dan. Agora dê uma olhada na sua lista e perceba que é mais provável que você acabe com algumas opções no meio e não com os extremos. Todo o processo de trabalhar em seu medo torna menos estressante e permite que você realmente comece a agir na direção certa. Pessoal, estou tão orgulhosa de vocês. Estou orgulhoso por ele ter chegado ao fim do curso. Não foi uma viagem incrível. E isso significa que você não está simplesmente interessado em encaixar muito longe. Você está empenhado em criar um trabalho significativo e autêntico que cause impacto. E esse impacto pode ser qualquer coisa. Você pode fazer as pessoas sorrirem ou você pode torná-las conscientes de coisas que elas não estavam cientes antes. Ou simplesmente seu fotógrafo pode servir um exemplo e permissão para outra pessoa fazer algo criativo também. E isso é lindo. Isso traz propósito e significado para a sua fotografia e enquanto para a sua vida em geral. Mais uma vez, estou tão orgulhoso de você e mal posso esperar para ver suas futuras criações.