Fotografia de beleza: faça retratos em casa com baixo orçamento

1. Apresentação: Olá, meus amigos. Sou Devon Lennox. Sou fotógrafa de moda e beleza com sede em Las Vegas, Nevada, e sou fotógrafa profissional desde 2018, em tempo integral, no outono de 2020. Na tela, agora, mostrarei uma amostra e uma coleção das minhas imagens mais recentes que dizem: “Quero mergulhar profundamente na arte de partir para mais fotografia editorial de moda e fotografia beleza”. Com este curso da Skillshare, vou mostrar os bastidores completos de como capturar essas imagens em casa, com um orçamento limitado, de forma muito confortável. Com este curso de Skillshare, vamos conhecer os bastidores. Vou mostrar o fluxo de trabalho completo de que você precisará. Isso inclui as ferramentas, as técnicas, seu espaço e também o equipamento de que você precisará. Em seguida, vamos capturar nossas imagens. A partir daí, vamos levar essa imagem pós-produção para retocá-la, finalizá-la e aperfeiçoá-la em um nível comercial. O objetivo deste curso é fotógrafos intermediários que já tenham uma compreensão básica da operação da câmera e da distância focal. Dito isso, se você for iniciante, explicarei tudo em grande profundidade com termos fáceis de entender , para que você não se perca e ainda possa adquirir conhecimentos e insights valiosos durante todo o curso. O objetivo final deste curso Skillshare é fornecer as ferramentas e técnicas necessárias para que você possa obter esses resultados em casa e replicar suas próprias imagens fotográficas e de beleza de editoriais populares como Vogue, estilo L e N, para citar alguns. Também incluí um projeto de aula para acompanhar este curso, que permitirá que você envie entre uma e três imagens de suas próprias fotografias de beleza em casa. A partir daí, quero que você inclua uma breve descrição explicando seu pensamento e o que aprendeu na filmagem e, em seguida, envie essas imagens e a descrição para a galeria clássica. A partir daí, podemos fornecer feedback construtivo e todos podemos crescer juntos. Dito isso, estou entusiasmado por ser seu instrutor durante este curso e nos vemos lá dentro. 2. Espaço de estúdio: Olá, meus amigos, aqui está Davon Lenix, e bem-vindos. Estou ansioso por ter você aqui. Vamos começar. Nesta lição, eu adoraria discutir, sem dúvida o aspecto mais importante de replicar essas imagens em casa, que será seu ambiente de filmagem e as considerações que você deseja fazer sobre seu espaço improvisado de estúdio. Fotografar um editorial de beleza em casa não exige muito espaço, pois essas imagens geralmente são tiradas na altura do peito ou acima. Mas apesar de ter um corte tão restrito nos assuntos, esse tipo de fotografia ainda exige algum espaço e distância de trabalho entre você e o modelo. É importante garantir que seu espaço de filmagem ou estúdio seja grande o suficiente para acomodar. Felizmente, para a maioria de nós, mesmo aqueles em apartamentos de um quarto ou mesmo estúdios, ainda temos amplo espaço para replicar essas imagens em casa, especialmente se você tiver uma configuração combinada de estar em uma sala de jantar, mas até mesmo a maioria das salas de estar dedicadas e salas de jantar separadas por si só funcionarão. Na verdade, nos últimos quatro anos, filmei várias dezenas de editoriais de fotografia de beleza na minha sala de estar dessa mesma forma. Não posso confirmar se a configuração de iluminação abordada posteriormente neste curso funciona e é sólida como uma rocha. Mas é principalmente porque todos os apartamentos, mesmo os verdadeiros estúdios em que morei, ofereciam dimensões muito semelhantes, e as dimensões que estou prestes a listar aqui são as mínimas para realizar esse tipo de fotografia em casa. Eu encorajo você a dedicar algum tempo agora mesmo para medir seu espaço com uma fita métrica para confirmar que será suficiente. Caso contrário, procure outro lugar em sua casa para encontrar o espaço necessário para configurar tudo. Essas dimensões são as seguintes, uma largura de 6 pés, um comprimento ou profundidade de 10 pés e uma altura de teto de cerca de 8 pés. Agora, se seu espaço atender a essas dimensões mínimas, você poderá capturar imagens de fotografia de beleza em casa e poderá fazer isso confortavelmente sem problemas. No entanto, se você estiver fotografando uma sala menor do que a descrita, achará difícil capturar essas imagens confortavelmente. Não será impossível de forma alguma, mas manobrar o equipamento da câmera e a configuração da iluminação será complicado, e você poderá descobrir que isso se torna insuficiente a longo prazo. Ao mesmo tempo, porém, se você tiver um espaço maior do que o descrito, terá mais flexibilidade para escolher uma lente focal mais longa ou variar sua seleção de lentes e, nesse caso, terá uma grande vantagem. Dito isso, há outras coisas a considerar fora do espaço ou apenas de suas dimensões. Você também precisará considerar a cor das paredes da sua casa, pois isso afetará sua imagem final. ideal é que você queira que as paredes sejam pintadas com um cinza neutro e liso, para que fiquem totalmente livres de matizes de cores e não afetem o equilíbrio de branco da câmera. Mas para a maioria de nós, especialmente aqueles que moram em apartamentos, não é possível ter essa cor. Em vez disso, a maioria das casas e apartamentos terá paredes brancas. Felizmente, isso também funciona muito bem. A única desvantagem é que as paredes brancas funcionarão como um refletor nesse caso, preenchendo os dois lados do objeto se você estiver em um espaço realmente pequeno. Nesse caso, você achará difícil controlar a iluminação para criar uma imagem fotográfica de beleza mais sombria, pois a luz se espalhará pelos dois lados do objeto e preencherá as sombras, reduzindo o contraste. Para isso, você vai querer adicionar uma bandeira ou uma grade à sua luz principal. Mas isso torna as coisas mais complicadas do que o escopo desse curso específico da Skillshare. Dito isso, porém, para maioria dos casos de fotografia de beleza, ter paredes brancas nos dois lados pode ser uma vantagem e criar uma foto mais clara e arejada, que parece refrescante e limpa e geralmente contribui para essas imagens. No entanto, quero ressaltar uma coisa importante aqui sua casa não tem paredes brancas; em vez disso, elas são coloridas, é aí que teremos um problema. Se você tiver paredes coloridas ou uma parede envolta em vinil ou papel de parede, a cor da parede mudará a cor da sua foto. Nesse caso, isso afetará diretamente o balanço de branco da câmera, o modelo, a tez, a cor do plano de fundo e a aparência das roupas que sua modelo está usando de forma negativa. Você deve remover aquele revestimento de vinil ou papel de parede ou pintar a parede com uma cor mais neutra a longo prazo, se possível. No entanto, se isso não for possível ou simplesmente muito impraticável, você pode encaixotar seu modelo usando uma cartolina de dupla face. Nesse caso, ele pode efetivamente servir como sua própria parede e sinalizar qualquer parede colorida que você tenha em sua casa, removendo assim todos os problemas de moldagem de cores. Mas perfeito, agora você está ciente das principais considerações sobre seu espaço de filmagem. Agora vamos discutir a câmera e o equipamento de iluminação de que precisaremos para começar. 3. Equipamento de iluminação e câmera: Então, olá, meus amigos, Devaun Lennox está aqui e bem-vindos de volta. Neste vídeo, falaremos sobre os equipamentos de iluminação e câmera necessários para realizar esses tipos de imagens em casa. Mas primeiro, vamos começar falando sobre o equipamento de iluminação. No mínimo, você desejará um golpe, também conhecido como Monolight, com uma potência de saída de flash de 150 watts ou mais. Com 150 watts, você poderá fotografar com aberturas mais altas, como F8 ou 11, permitindo capturar detalhes excelentes em seu modelo com foco nítido. Alguns desses detalhes podem incluir as nuances e o batom ou brilho, as gradações finas de cor na maquiagem ou na sombra dos olhos, ou até mesmo a umidade da pele. A unidade específica que eu uso para a imagem principal deste curso foi a pausa de Buff Einstein stroke, um estroboscópio 8641 balanceado à luz do dia. Você também vai querer um gatilho para essa luz ou para a lâmpada que planeja usar para fotografar. Para acionar esses tipos de luzes, você pode usar um sistema com fio, que usa um cabo de flash com fio que se conecta diretamente ao terminal PC Sync da sua câmera. Ou você pode usar um sistema sem fio que transmite conectando-se diretamente ao hot shoe da sua câmera. Qualquer um deles funcionará perfeitamente bem, mas para minha filmagem, eu uso os gatilhos de flash de estúdio sem fio cyber sink, que é o sistema de transmissão sem fio recomendado pelo Policy Buffer para este produto. Em seguida, você vai querer um suporte leve resistente, mas, o mais importante, você vai querer um que ofereça um braço de lança. Com um braço de lança, você pode desviar a luz das pernas do suporte de luz, que permite que você fique diretamente abaixo da luz sem problemas. Obviamente, você pode usar um suporte de luz tradicional e compensá-lo alterando um pouco o ângulo e ainda pode fotografar diretamente no seu modelo. Mas ter um braço de lança para esse tipo de fotografia será inestimável a longo prazo, pois oferecerá o máximo de espaço para fotografar em todo o ambiente e a flexibilidade ao mover seu modelo. De qualquer forma, recomendo optar por um suporte de luz de alumínio mais pesado aqui, como os fabricados com fotodesoxi ou impacto. Esses suportes de luz oferecem botões mais robustos que não quebram após apenas seis meses de uso e também suportam uma classificação de carga útil mais alta, o que seria útil, pois você também pode usá-los com um braço de lança para compensar a luz. Além disso, esses produtos são apenas um pouco mais caros do que suas alternativas mais baratas, então eles definitivamente valem o investimento. A partir daí, você também vai querer uma caixa flexível para modificar e suavizar a luz do seu estroboscópio. Nesse aspecto, você tem muitas opções que serão limitadas apenas com base no seu espaço de filmagem. Você pode usar caixas flexíveis compactas ou guarda-chuvas de até oito pés aqui. Mas para manter as coisas simples e econômicas, a melhor opção é optar por uma caixa Okta de 48 polegadas ou um prato de beleza como imagem principal. Usei o prato de beleza branco Policy Buff. Mas você pode replicar facilmente essa configuração de iluminação idêntica com uma caixa Okta de 48 polegadas muito mais barata e mais nova, caixa Okta de 48 polegadas muito mais barata e mais nova, que também é dobrável, oferece difusão interna e externa para suavizar a luz e difundi-la mais. O preço, a qualidade de construção e a funcionalidade geral desse produto para esse meio são absolutamente inestimáveis. No total, você pode replicar a configuração idêntica que eu uso, embora com uma qualidade de construção um pouco menor por apenas $200 USD. Mas posso garantir que os resultados entre essas duas configurações são idênticos. Portanto, não há absolutamente nenhuma necessidade do preço do equipamento, especialmente se você for iniciante. Agora, com a iluminação coberta, vamos falar sobre seu equipamento de câmera. Não posso me estressar o suficiente, use a configuração de câmera e lente que você já tem, mas se você realmente quer aprimorar suas habilidades e fazer esse meio exclusivamente, adquirir uma lente F1.8 de 85 milímetros acabará se tornando uma obrigação, enquanto a lente F1.8 de 50 milímetros geralmente é a para a maioria dos fotógrafos que desejam aprimorar suas habilidades. Para esse meio, a distância focal de 85 milímetros é o padrão da indústria. Além de notar uma melhor qualidade de imagem, principalmente na nitidez central e desempenho com pouca luz com uma lente F1.8 de 85 milímetros, você também obterá imagens mais atraentes pois as características dessa lente tendem a estreitar as características faciais dos modelos, e isso quase sempre faz com que os modelos pareçam mais atraentes. Para a maioria dos fabricantes, a lente de ponto F1 de 85 milímetros ou sua equivalente geralmente também é bastante econômica e custa menos de $300. Mas, compreensivelmente, se você quiser pular essa despesa específica e já tiver um kit de lentes, poderá usá-lo, especialmente se tiver uma lente de kit de 28 a 70 milímetros ou equivalente. A lente focal da lente do kit varia bastante. Mas existem alguns modelos com mais de 50 milímetros e próximos o suficiente para 85 ou 90 milímetros ; portanto, se sua lente já se encaixa, não é necessário comprar outra lente. Funcionará perfeitamente bem, como acontece com esse tipo de fotografia. Em seguida, você também pode considerar um sistema de suporte de fundo ou plano de fundo e também considerar um papel colorido sem costura para adicionar um pouco mais de interesse e tema às suas imagens. No entanto, se você fotografar em uma parede branca e ela estiver suficientemente longe, digamos, cinco ou seis pés, você também pode pular essa despesa específica se quiser apenas um fundo branco. Como alternativa, você pode montar um lençol bem passado ou tecido similar, preso ou colocado sobre o parapeito de uma janela. Isso também funcionaria, é verdade esses dois métodos exigirão algum pós-processamento para remover quaisquer distrações ou irregularidades em segundo plano. Mas ainda é um bom ponto de partida. Dito isso, se você quiser mais flexibilidade e controle sobre as cores e o tipo de fundo, um sistema de suporte de fundo dedicado só aumentará seu total em $100 USD. É justo dizer que um papel branco sem costura ou papel sem costura de qualidade moderna oferece um resultado verdadeiramente profissional que tornará suas imagens iguais às de qualquer outra pessoa do setor, então é uma despesa que definitivamente vale a pena. Em última análise, porém, o kit de iluminação é o aspecto mais importante do equipamento necessário para esse tipo de fotografia. E considerando que esse tipo de fotografia requer apenas um equipamento mínimo, ou seja, uma única luz, estamos procurando um ponto de entrada muito acessível para fotografia de beleza que até mesmo os fotógrafos mais novos podem realizar. Mas ótimo, agora que abordamos os equipamentos de iluminação e câmera necessários, vamos falar sobre a posição da sua iluminação. 4. Configuração de iluminação usando o sol: Olá, meus amigos, Devaun Lennox está aqui e bem vindo de volta. Nesta lição, falaremos sobre a configuração da iluminação e como você posicionará sua luz. Primeiro, deixe-me mostrar uma renderização na tela da configuração de iluminação agora para que você possa ter uma ideia de como as coisas ficarão. Mas vamos abordar a configuração com mais detalhes, começando com as distâncias no posicionamento geral de sua luz em seu espaço. Idealmente, você deseja que seu modelo esteja entre 3-5 pés de distância do plano de fundo. Isso significa que menos luz atinge o fundo, deixando o fundo cair para um cinza médio, em vez de permanecer como um branco irregular. Vou mostrar a diferença entre o posicionamento do modelo a 5 pés de distância do fundo e diretamente na frente do plano de fundo na tela agora. Como você pode ver, há uma diferença notável entre o brilho do fundo nessas duas renderizações. No entanto, não é uma diferença dramática, mas é definitivamente algo a ser observado. Mas geralmente ter o fundo diretamente atrás do modelo acentua suas texturas, já que geralmente estamos fotografando valores de abertura mais altos de f8 ou mais e isso geralmente se torna uma distração nesse tipo de foto. eu sugeriria experimentar No entanto, eu sugeriria experimentar esse aspecto para ver se é um problema, pois pode ou não ser dependendo do seu estilo de fotografia. Com a distância geral e posicionamento do espaço coberto, vamos agora falar sobre os detalhes mais específicos onde você colocará sua luz em relação ao seu modelo. Para fotografia de beleza, queremos uma iluminação que seja uniforme, lisonjeira e proporcional quanto possível. Isso significa inevitavelmente que desejaremos posicionar a luz diretamente na frente do nosso modelo, para que todos os aspectos do rosto, pescoço e ombros fiquem iluminados da mesma forma. Também queremos colocar nossa luz o mais próximo possível do rosto e dos ombros do nosso modelo , para que possamos criar a luz mais suave e atraente possível. Acho que colocar a luz a 2-3 pés distância é a distância perfeita para esse meio, pois está perto o suficiente para criar uma luz suave e uniforme em nosso modelo, mas não tão perto do modelo que a luz em si invada seu espaço pessoal e se torne um pouco desconfortável para nosso modelo. Agora, quanto à altura da nossa luz, você deve posicionar a luz de forma que a parte inferior da sua softbox ou do prato de beleza, se você estiver usando um, fique logo acima do olho do seu modelo. Na maioria dos casos, isso estará em torno de 5 a 6 pés, dependendo se eles estão em pé ou sentados. Colocá-lo nessa altura significará duas coisas. Primeiro, ela será alta o suficiente para você fotografar diretamente abaixo dela e diretamente no seu modelo que significa que você capturará o rosto da modelo sem adicionar nenhuma distorção decorrente da inclinação da câmera, que pode diminuir o encurtamento e geralmente não ajuda a fazer com que as pessoas pareçam atraentes; segundo, também significa que a luz estará focada. no rosto e nos ombros do sujeito, que é exatamente onde queremos que esteja, em vez de ficar muito alto e depois focado no cabelo, ou muito baixo e bater no peito, nenhum dos quais queremos nossos espectadores vejam primeiro. A partir daqui, você pode experimentar o ângulo ou a inclinação da softbox e da luz. Ao inclinar a luz para baixo, digamos 45 graus, você cria um pouco mais de sombras e contornos no rosto da modelo, principalmente embaixo do nariz ao redor das maçãs do rosto e abaixo do pescoço. Nesse posicionamento com a luz, você criará o que é conhecido como iluminação borboleta, que funciona bem para fotografia de beleza se você quiser algo um pouco mais angular e ousado. Mas se você quiser algo mais suave, uniforme e lisonjeiro , deixar a luz em um ângulo de 90 graus ou apontada diretamente para frente nivelará a imagem e criará a luz mais agradável no objeto. Na tela, mostrarei uma representação da diferença entre esses dois tipos de posições angulares agora. Como você pode ver, há uma diferença entre os dois, mas os resultados são sutis e não dramáticos. No entanto, você notará que isso está se tornando uma grande diferença ao finalizar e retocar a imagem posteriormente no pós-processamento. Ainda assim, em última análise, cada uma dessas opções se resume à preferência pessoal e ao estilo de fotografia de beleza que você procura. Dito isso, é um elemento que vale a pena experimentar e ver qual se adequa melhor ao seu estilo fotográfico específico. A última e última variável será se adicionar um refletor embaixo do pescoço e do queixo do seu modelo. Essa é uma etapa opcional, mas também é algo para experimentar. Se você deseja nivelar sua imagem reduzir o contraste e torná-la mais agradável em geral, essa adição criará uma luz ainda mais atraente, pois reduzirá o contraste, que é particularmente útil se você estiver fazendo um estilo de fotografia mais suave e sem tanto contraste e dureza. Na tela, mostrarei a diferença entre adicionar um refletor e deixá-lo de fora. Para a imagem principal deste curso, usei um refletor embaixo do modelo para devolver mais luz ao assunto. Isso reduz o contraste e preenche as sombras. Mas, em retrospectiva, pode ter sido uma opção melhor ficar sem o refletor para essa foto em particular, já que a imagem já tinha um clima sombrio e é gráfica como está, então esse tipo de iluminação teria unido mais o tema. Mas do jeito que está, funciona como está. No entanto, parabéns, partir daqui você tem a configuração completa de iluminação, então posicione-se a alguns metros de distância e comece a experimentar sua composição. Agora que abordamos a configuração completa da iluminação, vamos discutir as configurações da câmera e como você configura sua câmera. 5. Configuração da câmera: Olá, meus amigos, aqui está Devaun Lennox , e bem-vindos de volta. Nesta lição, falaremos sobre as configurações da câmera e como obter os melhores resultados. Primeiro, vamos começar com as configurações da câmera. Como estamos fotografando em ambientes fechados sob condições de iluminação controladas, nossa exposição será ditada por nossas configurações de abertura e ISO. velocidade do obturador só funciona como uma configuração básica para sincronizar com nosso termo chamado sincronização flash e para evitar que fiquemos desfocados ao fotografar com a mão. Mas, por outro lado, ela não desempenha o mesmo papel que outras formas de fotografia, então não se preocupe muito com esse cenário específico. Agora, como temos controle total sobre a quantidade de luz em nosso ambiente, ajustando a potência de saída do flash para alterar a quantidade de luz que está atingindo nosso objeto, é melhor configurar nossa câmera em sua base, ISO. Com o ISO básico, nossas câmeras capturarão a maior faixa dinâmica, menor quantidade de ruído e a melhor qualidade de imagem possível. Para a maioria das câmeras do mercado, o ISO básico é 100, 160 ou 200, então, quando você estiver pronto para começar a fotografar, primeiro ajuste sua câmera para o ISO básico. Em seguida, nossa configuração de abertura. Isso determinará nossa profundidade de campo e quanto do nosso assunto está em foco nítido. Para esse tipo de fotografia, você tem muitas opções, e essa configuração provavelmente se resumirá ao estilo de imagem de sua preferência. Mas geralmente é melhor começar com uma configuração de abertura de F/8 ou F/11, pois esses valores fornecerão profundidade de campo suficiente para capturar todos os detalhes na face do seu modelo. Mas você pode testar uma configuração de abertura mais baixa, como F/4 ou F/2.8, e essas configurações de abertura resultarão em uma profundidade de campo mais rasa. Essa pode ser uma ótima opção se você quiser desfocar qualquer mancha na pele do seu modelo, facilitando o pós-processamento. Ou você só pode se concentrar em alguns aspectos do modelo, como seus olhos, e fazer com que todo o resto caia e se concentre, o que cria uma foto mais impactante em muitos casos. De qualquer forma, quando estiver pronto para começar a fotografar, mude sua configuração de abertura para F/8 e use-a como ponto de partida a partir daí. Por fim, nossa velocidade do obturador, que nesse tipo de fotografia é o aspecto menos importante da exposição, mas quando se trata da velocidade do obturador, ainda há algumas notas que queremos ter em mente. Geralmente, uma velocidade do obturador de 1/125. Em segundo lugar, é um ótimo ponto de partida para esse tipo de fotografia, pois oferece velocidade suficiente para evitar qualquer desfoque ao fotografar com a mão, mas também é um valor seguro que sincroniza com maioria das unidades de flash comerciais e os transmissores disponíveis. Com esse valor, você não terá problemas em afundar sua unidade de flash e atingir a velocidade máxima de sincronização do flash. Como o Aperture, você também pode explorar velocidades de obturador mais lentas do que 1/1/250 por segundo, e esses valores mais lentos podem ser um excelente meio de adicionar mais efeitos criativos às suas fotos, introduzindo propositadamente desfoque de movimento para criar um efeito fantasma. Perfeito. Agora que abordamos as configurações básicas da câmera, vamos abordar algumas dicas para obter os melhores resultados. Se suas câmeras suportam detecção facial e ocular, ative esse recurso e defina a área de foco para o terço superior do LCD. Agora, a razão para definir o foco automático para o terço superior do LCD é que geralmente fotografamos na orientação retrato em vez de paisagem para essa forma de fotografia, e definir o ponto de foco automático no terço superior, em vez do centro, reduzirá a frequência com que você precisa focar e recompor uma imagem, economizando tempo ao fotografar. Mas o mais importante é que também acelera o foco da câmera em geral, reduzindo o tempo de aquisição do foco, e isso diminuirá a frequência com que ela busca o foco ; portanto, no final das contas, isso significará que você cria imagens focadas de forma mais consistente. Em seguida, se sua câmera tiver um auditoria contínuo preciso e confiável foco de auditoria contínuo preciso e confiável chamado CAF ou foco automático contínuo, você pode usar esse recurso. No entanto, se você descobrir que seu sistema de foco costuma ser um acerto ou um erro, usar o AFS ou o foco automático de disparo único com detecção de rosto e olhos definitivamente fornecerá os melhores resultados. A seguir, vamos falar sobre o balanço de branco. Nosso balanço de branco em câmeras de geração posterior diz que as fabricadas após 2018 fornecerão fabricadas após 2018 fornecerão um balanço de branco automático próximo o suficiente da precisão para esse tipo de situação, e você não deve achar que as cores distraem tanto e distraem a exigir enormes ajustes de cores no pós-processamento, mas se você tiver uma câmera mais antiga que foi fabricada antes de 2018, usar a configuração de balanço de branco do flash fornecerá uma cor mais consistente à sua imagem e será mais precisa do que usar o equilíbrio automático de branco. Como alternativa, você pode uma configuração personalizada de balanço de branco usando o modo Kelvin em sua câmera e provavelmente terá um valor dominante em algum lugar entre 5000 e 5600 Kelvin, dependendo da saída do flash colorido, mas você precisa saber a temperatura da cor do fabricante. Ainda assim, fazer isso manualmente fornecerá cores ainda mais precisas e balanço de branco mais preciso do que usar a configuração do flash, por isso é uma opção melhor. A partir daqui, você deseja tirar uma foto de teste do seu objeto, agora avalie a imagem no LCD traseiro para verificar a exposição. Em seguida, verifique novamente a exposição usando o histograma para garantir que você não esteja superexpondo ou recortando os destaques, especificamente. Nesse formato de fotografia, é melhor subexpor sua imagem em um terço de uma parada e, em seguida, aumentar a exposição no pós-processamento. Como fotografaremos principalmente os rostos de uma modelo e, se sua pele estiver úmida, dewey ou oleosa, ela refletirá ainda mais luz do que o normal. Se você superexpor esses destaques específicos, não conseguirá recuperar esses detalhes e o pós-processamento e, em geral, isso pode arruinar as imagens. Ótimo, agora que abordamos configuração da câmera e algumas dicas para capturar as melhores imagens possíveis, vamos finalizar com algumas considerações finais que você vai querer fazer sobre a filmagem em si. 6. Outras considerações: Olá, meus amigos. Devaun Lennox está aqui e bem-vindo de volta. Nesta lição, abordaremos as duas considerações finais que você deseja fazer na filmagem. questão será se você deve usar um refletor para reduzir os contrastes e preencher as sombras ou se deve considerar fio ao fotografar para revisar suas imagens. Para a imagem do curso, usei um refletor embaixo do queixo da modelo para preencher as sombras. Nesse caso, eu uso um refletor prateado de quatro pés posicionado logo abaixo do nível do peito. Na tela agora, mostrarei o efeito de adicionar um refletor embaixo do queixo da modelo para esse tipo de fotografia em vez de removê-lo. É importante, observo que você não precisa usar um refletor, especialmente se estiver optando por uma imagem com mais contraste ou se quiser algo mais ousado nessas situações, adicionar um refletor só servirá para contrariar sua ideia. Ignorar isso é melhor. Dito isso, se você quiser uma imagem com apenas pequenos contrastes e contornos, usar um refletor é a maneira perfeita de obter esse efeito específico. Em seguida, convém considerar conectar sua câmera ao computador para poder transferir as fotos e revisá-las em tempo real enquanto estiver fotografando. Esse processo é conhecido como tethering e é um ótimo fluxo de trabalho para poder avaliar pequenos detalhes difíceis de ver no LCD da câmera, como a maquiagem, o penteado do modelo ou até mesmo os efeitos da iluminação. Também é uma excelente maneira de ver os ajustes que você está fazendo em tempo real, como alterar o ângulo da luz ou é simplesmente uma ótima opção para mostrar ao modelo com o qual você está trabalhando, as imagens incríveis que você está capturando. Se você quiser encontrar informações detalhadas sobre como configurar isso antes da configuração da câmera e do software você pode fazer uma rápida pesquisa on-line e encontrar muitas informações, mas configurá-las especificamente está fora do escopo deste curso. Ótimo, agora que abordamos as duas considerações finais, agora você sabe como capturar imagens de fotografia de beleza em casa. Vamos até o fluxo de trabalho de pós-produção para refinar e finalizar nossas imagens para que possamos levar o que capturamos até agora a um nível profissional. 7. Exposição de fixação: Então, olá, meus amigos, Devon Lennox está aqui e bem-vindo de volta. Nesta lição, iniciaremos o fluxo de trabalho de pós-produção para levar as imagens que você capturou a um nível verdadeiramente profissional. Quero fazer uma observação importante aqui no que diz respeito ao software não estou usando o Adobe Photoshop ou o Light Room para o fluxo de trabalho de pós-produção. Já tenho um curso sobre Skill share detalhando como fazer exatamente o mesmo fluxo de trabalho que estou prestes a abordar aqui no Affinity Photo no iOS ou iPad. Você pode conferir o curso de compartilhamento de habilidades, se quiser , e detalhes específicos sobre como fazer isso no Adobe Photoshop. Mas, dito isso, vamos passar ao fluxo de trabalho de pós-produção. Então, aqui estamos no iOS, esta é a foto DNG que fornecerei como parte dos recursos para este curso específico de compartilhamento de habilidades, então você pode baixar esta imagem para acompanhar de uma forma mais detalhada, menos que queira apenas assistir, apenas para ver as técnicas do fluxo de trabalho. Agora, vamos abrir o Affinity Photo e abrir nossa imagem. Agora que estamos aqui no Affinity Photo por padrão, Affinity Photo abrirá sua personalidade desenvolvida e , na persona desenvolvida, poderemos fazer alguns dos ajustes básicos, que é a primeira etapa do nosso fluxo de trabalho. Aqui abriremos o painel básico e seremos apresentados vários aspectos importantes do que procuraremos, a saber, no canto superior direito, aqui estará o histograma, seguido por nossas aranhas de exposição, seguido por alguns aprimoramentos, como contraste, saturação, vibração ou seleção de balanço de branco e, em seguida, nossas sombras e destaques para essa imagem em particular e para todas as imagens, independentemente do Adobe Photoshop, Lightroom ou até mesmo aqui no Affinity Photo. A primeira coisa é avaliar o histograma, para que possamos ver se podemos maximizar alcance dinâmico de nossa câmera empurrando as camadas mais externas do nosso histograma, tanto os realces quanto as sombras, até seus valores máximos antes que comecem a recortar e perder detalhes. A maneira mais fácil de fazer isso é primeiro ajustando o controle deslizante de exposição, que ajustará a exposição de toda a imagem como um todo Acho que um valor em torno 0,15 é suficiente para apenas aumentar a exposição geral da imagem e começar a colocar aumentar a exposição geral da imagem e começar a os realces no lado direito desse canal vermelho. Está começando a aparecer aqui, mas na verdade não é um recorte. A partir daí, você tem algumas opções para ajustar seu ponto preto, o que basicamente reduzirá as sombras e os tons médios. Mas o mais importante é que uma maneira mais fácil de fazer isso é simplesmente diminuir o controle deslizante de sombra, que focará especificamente nas sombras, em vez de nas sombras, nos pretos e em alguns tons médios. Aqui, o que estou fazendo é ajustar o controle deslizante de sombras para empurrar o histograma aqui o mais para a esquerda possível antes de perder detalhes e acho que um valor de menos 100 é completamente suficiente. Se você também quiser adicionar mais contraste, você também pode aumentar o ponto preto para um valor de 5% e isso também aumentará as sombras e os escurecimentos. Mas isso está indo um pouco longe demais, então o valor de 3% está me dando a faixa dinâmica que estou empurrando os pretos e as sombras totalmente para a esquerda e empurrando os destaques totalmente para cima. Você também pode aumentar o controle deslizante de destaques se quiser ainda mais contraste Eu provavelmente diria que um máximo de 10% para esta imagem seria o máximo que eu poderia, porque depois desse ponto começaremos a clicar em muitos brancos. E agora podemos usar o antes e depois para ver o contraste adicional. Nós esmagamos um pouco os negros. Adicionamos mais contraste à imagem geral. A exposição em seu rosto é quase a mesma de antes, mas acabamos de aumentar fundamentalmente o contraste. Os únicos outros ajustes que eu faria seriam potencialmente descer até o controle deslizante de correção da lente aqui e ativar a distorção e, em seguida, ativar a distorção da lente. Como você pode ver, isso corrigiu alguma distorção de cano, já que eu estava usando uma lente F2 de 35 milímetros , uma lente equivalente 50 milímetros e F50 milímetros fotografando tão perto, vou ter alguma distorção. Então, se você estiver nessa situação, estiver fotografando tão perto do objeto e usando uma lente de 50 milímetros ou menos, terá alguma distorção de barril e possivelmente até mesmo sim, que pode ser corrigida acessando a configuração de detalhes e o Adobe Lightroom ou a configuração de detalhes e o Adobe Photoshop, ou aqui no painel de correção de lente do Affinity Photo. Você também pode remover qualquer vinheta, se aplicável. Para esta imagem, ela não é aplicável , então não vou habilitar isso. Mas, dito isso, podemos marcar a marca de seleção para desenvolver nossa imagem e começar a passar para a próxima parte do fluxo de trabalho de pós-produção. Na próxima lição, abordaremos o próximo conjunto de etapas, então nos vemos lá. 8. Cortando e limpeza de fundo: Olá, meus amigos Devaun Lennox estão aqui e bem-vindos de volta. Nesta lição, recortaremos a foto limparemos todas as manchas em nosso plano de fundo e removeremos as principais distrações antes de entrarmos no processo de retoque orientado mais detalhado. Para isso, a primeira etapa que eu naturalmente faria é usar o Affinity Photo usando a ferramenta de recorte, fazer algumas opções quando se trata do modo, você pode fazer a proporção original ou a proporção personalizada. Na maioria das vezes, a proporção original será ótima. No entanto, você pode usar uma proporção personalizada e defini-la como 8 por 10 de altura. Se você estiver enviando especificamente para o Instagram ou outras mídias sociais, pois esse é um dos requisitos máximos de tamanho de retrato. Como alternativa, você pode tocar em 10 por 10, que será o quadrado covalente um por um. Se você também quiser fazer um quadrado um por um para essa imagem em particular, vou fazer um 8 por 10 em vez de deixar a proporção original e então podemos simplesmente entrar e fazer nosso recorte. Vou entrar aqui e redimensionar isso para o nível apropriado, vou entrar e colocar o terceiro e movê-lo para cima e podemos chamar a colheita de terminada. Agora, para a maioria das suas imagens, depois de recortar na proporção necessária, você pode dizer que é boa aqui e seguir para as próximas etapas do fluxo de trabalho. No entanto, especificamente para esta imagem, gostaria de mostrar uma técnica adicional como remover rapidamente elementos que distraem, como grandes refletores, de suas imagens, para que você possa manter sua proporção original sem cortar. Especificamente, o que eu estou falando é aqui embaixo eu tenho um refletor prateado. Vou mostrar aqui uma técnica e um fluxo de trabalho muito curtos como você pode removê-los sem precisar examinar meticulosamente e fazer separação de frequência na pintura ou estampagem de clones, ferramenta de patch. Essas coisas são uma maneira mais fácil de fazer isso. Uma foto de afinidade e você também pode fazer isso no Photoshop. Basicamente, você fará uma seleção da área circundante usando a ferramenta de marquise retangular. Você selecionará o assunto e o plano de fundo, com cuidado para não selecionar realmente o objeto que está tentando remover , então o que você fará aqui no Affinity Photo é voltar ao nosso modo de foto normal. Você vai usar a ferramenta de movimentação, selecionar aqui o objeto que acabamos fazer e arrastá-lo para baixo. Agora, isso vai causar um pouco de distorção, especialmente talvez um pouco perceptível na mão de sua modelo aqui, se você tiver isso. Mas essa é uma solução fácil, à qual podemos voltar mais tarde, se necessário, se você achar que é uma distração. Mas além disso, e essa é a maneira mais fácil de corrigir isso, você voltará aqui para seleções persona, virá aqui e desmarcará. Eles estão em questão de basicamente 10 segundos e você pode remover toda a área e ela rapidamente. A única outra coisa a observar é que, se você ampliar de perto, poderá começar a ver essa linha cinza tênue aqui de onde fizemos nossa seleção usando a ferramenta de letreiro retangular. Essa é uma solução muito fácil e talvez você nem precise corrigir, dependendo do tipo de imagem que está procurando. Especialmente a distância de visualização, porque se você estiver olhando para a foto aqui, ninguém nunca vai notar, então você não precisa consertá-la. Mas se alguém for ampliar a foto com muitos detalhes, você começará a notá-la em algum momento. Solução muito fácil, à qual podemos voltar mais tarde se você achar que é uma distração, mas, por enquanto, eu só quero ressaltar isso, mas você provavelmente não precisará se preocupar com isso. A última etapa desse fluxo de trabalho será limpar todas as distrações nas áreas restantes do de fundo, ou seja, haverá irregularidades em termos de textura e plano de fundo ou, neste caso, tenho um pouco de poeira do sensor aqui que gostaria de remover. Vou voltar para a persona das fotos. Essa é uma solução muito fácil, então vou vir aqui para pegar o carimbo do clone e sair e usar o pincel de pintura. Escolha uma largura razoável aqui e eu vou simplesmente entrar e pintar isso. A ferramenta de pintura embutida funciona basicamente da mesma forma que o pincel de cicatrização ou cicatrização, um clone carimba como híbrido. Você pode simplesmente pintar e coletar amostras da cor circundante, da textura e do tom para basicamente se livrar das manchas. Mas, dito isso, essas são as únicas distrações estou vendo aqui e podemos começar a passar para a próxima parte do fluxo de trabalho de pós-produção. Na próxima lição, abordaremos o próximo conjunto de etapas , então nos vemos lá. 9. Limpeza de pele: Olá, meus amigos Devaun Linux estão aqui e bem-vindos de volta. Nesta lição em particular, vamos fazer a limpeza da pele, que especificamente removerá quaisquer manchas e texturas irregulares em nossa pele modelo. Há muitas maneiras de fazer essa técnica específica. No entanto, para este curso específico do Skillshare, vou manter as coisas muito simples e mostrar a ferramenta mais fácil, rápida e eficaz, que neste caso usará a ferramenta de pintura embutida aqui no Affinity Photo, que é um equivalente aproximado ao pincel de cicatrização de manchas no Adobe Photoshop, e é uma mistura entre um pincel de cura e um carimbo de clone. Essencialmente, o que essa ferramenta fará é amostrar a textura e o tom da área em que pintamos. Ele analisará essa seleção e tentará replicar a mistura na área pintada com os pixels ao redor para fazer com que a área pareça um pouco mais Suponho que a melhor palavra que eu diria, fazer com que pareça um pouco mais coesa e até mesmo para realmente encontrar o pincel de impressão, vamos até aqui em nosso painel de ferramentas. Sob o pincel de clone, temos o pincel final aqui. A maneira mais fácil de realmente aplicar esse efeito é simplesmente pintar sobre as manchas que você deseja remover. No entanto, sugiro que você faça uma duplicata da sua camada de fundo para poder ajustar a opacidade desse efeito, para não aplicá-lo diretamente à sua camada de fundo. Para fazer isso, basta clicar nossos três ícones aqui e clicar em Duplicar. Agora que temos uma duplicata, nossa camada de fundo, podemos aplicar esse efeito e podemos simplesmente pintar sobre as manchas. Agora, para esta sessão de fotos em particular, nossa modelo tem uma pele ótima e ela também fez um trabalho incrível em sua maquiagem, adicionando muito corretivo e blush e, na verdade , misturando muito bem a maquiagem geral. Na verdade, não haverá muita coisa para fazermos aqui, mas vou mostrar o efeito básico. Essencialmente, o que você quer fazer com esse pincel é definir a fonte para a camada atual em vez da camada atual e abaixo. Porque você deseja que o efeito seja aplicado apenas à camada atual e que sua amostragem esteja apenas na camada atual. Quanto às configurações, você ajustará a largura do pincel para ser um pouco maior do que a mancha que você está tentando remover por exemplo, para essa mancha aqui, que será como uma linha de idade, ou apenas torná-la de 20 a 40 pixels. Opacidade e fluxo, você pode deixar os dois em 100 por cento, e a dureza será de 0 por cento. Porque queremos uma borda muito suave e uma transição suave. Então você vai ampliar e tentar ficar menos de um zoom de um para um poder realmente aplicar o efeito em um nível pequeno muito específico e não diminuir o zoom até aqui e aplicá-lo com pinceladas maiores, porque, infelizmente, ao fazer essa técnica, ela tende a remover a textura, e você pode realmente obtê-la devolva a textura usando técnicas como separação de frequência. Você também pode adicionar ruído posteriormente no fluxo de trabalho de pós-produção para realmente recuperar essa textura antes desse curso específico do Skillshare Não vou entrar em alguns desses retoques de beleza mais avançados. Vou deixar isso para um curso mais avançado. Mas saiba que ao usar essa técnica específica, assim como usar o Spot Healing Brush no Adobe Photoshop, você com certeza perderá um pouco de textura. Há coisas que podemos fazer para recuperar essa textura, então não é um problema, mas estou apenas apontando isso para que você perca um pouco de textura e suavize algumas dessas áreas. A menos que você esteja ampliando no mesmo nível de zoom que estou usando agora, você não notará a mancha ou a falta de textura que estamos fazendo ao aplicar essa técnica específica. Mas, dito isso, se você quiser ver sua imagem de perto, você notará que é como manchas. Mas com isso dito, tudo o que vamos fazer é basicamente pintar sobre qualquer coisa que consideremos um pouco de distração. No que diz respeito às texturas. Existem outras ferramentas que você pode usar para fazer isso, mas acho que o pincel de pintura aqui no Affinity Photo é de longe a melhor ferramenta que você pode usar a ferramenta de patch, você pode usar o pincel de clonagem. Eu posso usar o pincel curativo. Todas essas outras ferramentas definitivamente funcionam. Mas na pintura é, de longe a técnica de escovação mais superior e fluxo de trabalho, sem dúvida , é absolutamente o melhor, a menos que você use especificamente a separação de frequência e depois passe por isso. Mas, basicamente, vou ficar no nível de zoom para poder contornar a tela e corrigir qualquer uma dessas áreas que eu acho que potencialmente não têm textura permanente na pele da nossa modelo. Ou pode ser algo que você queira simplesmente remover dos propósitos estéticos e, em seguida, simplesmente se livrar de algumas dessas linhas aqui, esclarecer algumas delas. Mas é tão simples quanto pintar. E como estamos ampliando muito e mantendo nosso pincel bem pequeno e localizado, as mudanças não serão muito , muito visíveis quando você diminuir o zoom. Mas se você diminuir o zoom e usar um pincel maior, como eu mencionei antes, um pincel na pintura vai demorar um pouco, mas também geralmente mexe com a textura, e então você pode começar a notar que há padrões repetidos na textura, ou a textura parece um pouco macia e não parece certa e você realmente será capaz de observe essa diferença. Ao manter o zoom bem apertado e, em seguida, manter o pincel na faixa de 20 a 40 pixels, você pode contornar facilmente o rosto inteiro. Não deve ser perceptível que você está perdendo textura. Mas, como eu disse, se você sabe disso, isso é um problema, existem maneiras de obter esses pacotes de textura, na verdade não o fim do mundo. Agora, eu completei a grande maioria do rosto aqui. Você também pode usar a mesma técnica em outros aspectos da sua foto, na pele do seu modelo, incluindo suas mãos. Você também pode fazer isso na roupa e na roupa. Mas essa é basicamente a premissa dessa seção do fluxo de trabalho, e essa é a ideia geral do que você vai fazer nessa etapa específica do fluxo de trabalho. Apenas usando a ferramenta inpainting, você pode ir muito longe. Você removerá muitas manchas e poderá realmente limpar a textura. Na verdade, deixe-me mostrar o antes e o depois. Não vai ser uma diferença gigantesca porque essa foto, como eu mencionei antes, ela já tem uma pele ótima e fez um trabalho incrível com a maquiagem, então não havia muito o que retocar a tinta aqui. Mas se você estiver fotografando uma modelo e fazendo fotos de beleza, e a modelo realmente não fez um bom trabalho com a maquiagem ou você não tinha um maquiador em sua sessão, é aí que você realmente poderá notar uma diferença maior em termos de remoção de manchas, acne e outras coisas. Mas essa é a etapa fundamental para essa parte do fluxo de trabalho, e podemos começar a passar para a próxima parte do fluxo de trabalho de pós-produção. Na próxima lição, abordaremos o próximo conjunto de etapas, então nos vemos lá. 10. Dodge & Burn: Olá meus amigos, Davon Linux está aqui e bem-vindo de volta. Nesta lição, quero abordar e mostrar uma técnica na indústria conhecida como Dodge and Burn. Se você não está familiarizado com a técnica Dodge and Burn, essencialmente, é uma técnica usada para adicionar contraste localmente à sua imagem que significa efetivamente que você está adicionando o que significa efetivamente que você está adicionando mais brilho às áreas claras e escurecendo as áreas escuras da foto, mas você pode pintar com o efeito em vez de usar um controle deslizante de contraste, uma exposição ou um ponto preto e O controle deslizante de destaque que você pode encontrar no Photoshop Lightroom ou aqui no Affinity Photo nas guias básicas de ajuste de exposição, que afetam a imagem globalmente. Com Dodge and Burn, você está aplicando um efeito semelhante, mas em uma área muito localizada e muito específica, o que permite adicionar mais contornos em contraste com áreas mais específicas que você deseja exagerar em sua foto. Efetivamente, também permite que você adicione destaques que não existem, adicione sombras que não existem. Você também pode contornar diferentes características da musculatura e da mandíbula facial. Nariz, a ponte do nariz. Você pode tornar as linhas da mandíbula das pessoas mais angulares ou um pouco mais redondas. Você também pode relacionar assuntos e adicionar uma configuração de iluminação de dois ou três pontos com esquiva e gravação. No geral, é muito eficaz e também é uma ótima maneira de corrigir quaisquer erros de iluminação que você tenha cometido no início, que neste caso, apontei minha luz um pouco para a direita aqui. As mãos da modelo são tão brilhantes quanto seu rosto, e acho isso uma distração. Essa é a premissa básica do que é Dodge and Burn, se você não estiver familiarizado com ela. Dito isso, há muitas técnicas diferentes sobre como você pode realmente aplicar o Dodge and Burn localmente. Mas a maneira específica que vou mostrar agora é a maneira mais fácil de fazer isso no photoshop, no Lightroom, no Capture One aqui e no Affinity Photo. Há formas mais avançadas de fazer isso. Também existem outros pincéis dedicados para fazer isso, mas acho que essa técnica é a mais fácil e funciona em todos esses aplicativos. Efetivamente, o que vamos fazer é usar uma camada de ajuste de curvas. Vamos definir um para iluminar a exposição da imagem. Vamos definir outra para escurecer a exposição da imagem e, em seguida, vamos colocar essas duas camadas no modo de luminosidade. Vou explicar por que fazemos isso mais tarde. Em seguida, vamos pintar em uma máscara e aplicar o efeito em determinadas áreas. Para obter essa configuração no Affinity Photo aqui vamos acessar nosso controle deslizante de ajustes. Vamos descer até atingirmos as curvas e depois desceremos aqui até a ranhura. Vamos tocar no meio e vamos adiar isso aqui, em direção ao meio. Essas são as configurações 0,38, 0,62. Se você quiser copiá-las, vou voltar às camadas. Vou adicionar uma nova camada, camada de pixels. Venha aqui para as curvas novamente e vamos voltar para a spline e vamos descer para o meio, 0,64, 0,34, o oposto do que tínhamos antes. Eu vou voltar aqui para o painel Layers. Eu só vou deletar essa camada vazia. Agora, o que vamos fazer com essas duas camadas que temos aqui, vamos examinar nossas opções de essas duas camadas que temos aqui, ajuste de curvas de mesclagem e mudar nosso modo de mesclagem de normal para luminosidade. A razão pela qual vamos mudar nosso modo de mesclagem de normal para Luminosidade é para garantir que esse efeito afete apenas o tom e não afete simultaneamente a saturação ou a cor da sua imagem. Às vezes, quando você adiciona uma camada de ajuste de curvas, ela também pode aumentar a saturação ou diminuir a saturação, então não queremos que esse efeito seja aplicado agora, porque voltaremos em uma seção posterior desse fluxo de trabalho para realmente fazer a correção de cores. Se não definirmos esse modo de mesclagem como luminosidade aqui, basicamente adicionaremos mais trabalho a um estágio posterior do seu fluxo de trabalho e isso diminuirá sua velocidade. Em um esforço para não precisar adicionar mais trabalho posteriormente, basta definir o modo de mesclagem como luminosidade para que possamos evitar alterações. Agora você pode notar que a imagem parece louca. O que vamos fazer é adicionar uma máscara vazia a essa camada e também adicionar uma máscara vazia à camada inferior. Você também pode agrupar essas duas camadas se quiser ajustar os efeitos delas simultaneamente e eu estou prestes a fazer isso. Posso mostrar a vocês o antes e o depois e também podemos tornar o efeito geral muito mais sutil. Em primeiro lugar, vamos para nossa camada inferior, que será nossa esquiva. Basicamente, a ideia de esquivar é adicionar mais exposição aos destaques para acentuar os destaques em uma imagem. Nesse caso, em que eu quero adicionar mais destaques ou, especificamente acentuar os olhos da modelo, estamos movendo algumas das bolsas e sombras que estão embaixo dos olhos dela. Adicionando um pouco mais de brilho ao nariz, à testa, adicionando um pouco de contorno à mandíbula e bochechas e, em seguida, adicionando um pouco de brilho aos lábios aqui. Vamos selecionar a máscara e depois vamos até nossa ferramenta de pincel ou pincel comum. Nossas configurações serão as seguintes. 100 por cento de opacidade, 100 por cento de fluxo, 2 por cento de dureza e vamos basicamente definir o tamanho do pincel para algo grande e então podemos simplesmente pintar com o efeito. Em primeiro lugar, vamos adicionar um pouco de destaque. Isso pode ser muito pesado agora, mas vou ajustar a opacidade. Mais tarde, vou abrir essa sombra embaixo dos olhos dela, acima dos olhos dela para remover essas bolsas. Vou adicionar um pouco mais aqui. Eu vou entrar, colocar isso no chão adicionar um pouco de destaque aos olhos. Olhos. Abra-os, coloque um pouco de destaque embaixo das sobrancelhas e depois um toque de destaque aqui, tire a testa, dê um toque de destaque na testa aqui, tire a testa, desça, diminua o pincel, acrescente um pouco aqui, um pouco aos próprios lábios. Vou adicionar um pouco abaixo aqui, acentuar isso e depois apenas as bochechas aqui. Vou adicionar um pouco nas bochechas, pegar um pouco disso. Então eu vou subir até o cabelo e adicionar um pouco ao cabelo. Faça isso muito menor. então vamos entrar e adicionar algumas pinceladas no cabelo. Dê mais detalhes a isso. então vamos eliminar a opacidade disso para fazer com que pareça um pouco mais realista. Vamos descer para diminuir o zoom. Você já pode ver quanta diferença isso está fazendo com que ela abra os olhos da modelo. Está dando a você um pouco mais de angularidade em relação ao rosto dela. Onde, digamos, 20%. E agora vamos para a queimadura, que será a camada superior oposta. Certifique-se de selecionar a máscara e, usando nosso pincel em branco, adicionaremos mais contornos e sombras. Deixe-me fazer meu pincel um pouco maior. Adicione um pouco lá. Adicione alguns aqui. Vou adicionar um pouco às sobrancelhas, escurecer um pouco as sobrancelhas. Venha aqui e adicione um pouco às nossas pálpebras aqui embaixo também. Talvez deixe a pupila aqui um pouco mais escura e talvez essa linha logo acima dessa dobra no olho. Faça isso. Entre, adicione um pouco ao cabelo, escureça o cabelo e depois escureça essa área também. Agora vamos fazer o nariz, contornando um pouco o nariz aqui. Abaixo, um pouco até o lábio, aqui. Também embaixo do lábio e depois bata nas bochechas novamente. É claro que isso ainda parece incrivelmente pesado. Só preciso ser capaz de ver o efeito. Então, vamos simplesmente diminuir a opacidade. Provavelmente vai acabar se saindo com 20% também aqui. Ok? Agora podemos ativar e desativar o efeito. Agora, outra observação aqui: na verdade, vou usar o gravador para realmente reduzir a exposição nas mãos da modelo. Pincel. Selecione isso apenas para reduzir essa área também. Só porque eu estava achando esse destaque um pouco brilhante e perturbador, então faremos isso. Ok, e isso também reduziu um pouco esse destaque , então não está focando a maior parte da iluminação que temos aqui no espaço do modelo. Você também pode usar a mesma técnica a roupa se achar que algumas áreas da roupa são brilhantes e distraem e se quiser realçar outra área, ou também pode usar esse efeito no fundo, por exemplo, se quiser adicionar um pouco de iluminação ao fundo, você também pode fazer isso lá e ajudará a uniformizar algumas das sombras no fundo. Você pode fazer quantas camadas quiser e usar uma borracha ou um pincel macio para misturar essas duas áreas para melhorar a transição. Quero dizer, isso meio que uniformiza um pouco o plano de fundo. Você pode brincar com isso se você, se não quiser que o fundo tenha uma certa exposição, obviamente isso deixará o fundo um pouco mais claro lá embaixo e atrairá a atenção do espectador para lá embaixo. Você pode ou não querer esse efeito, mas não pode usar o Dodge and Burn para também acentuar os detalhes em segundo plano. Não precisa ser apenas para o rosto e as roupas que estarão na sua loja. Mas, fundamentalmente, essa é a técnica de esquivar e queimar. É uma ótima maneira de adicionar contraste local e também corrigir a exposição de determinadas áreas em sua foto. É uma ótima técnica para você também poder relacionar sua imagem se você cometeu algum erro com sua iluminação ou quiser adicionar efeitos de iluminação adicionais, ou quiser adicionar como uma luz de aro ou um tipo diferente de iluminação de dois ou três pontos. Você também pode colorir esquivar e queimar se quiser. Essas são técnicas mais avançadas que provavelmente mostrarei em outro curso do Skillshare, mas me avise. Isso também é possível. Com essa técnica, podemos começar a passar para a próxima parte do fluxo de trabalho de pós-produção. Na próxima lição, abordaremos a próxima série de etapas. Nos vemos lá. 11. CORREÇÃO DE CORES: Olá, meus amigos. Devaun Lennox está aqui e bem-vindo de volta. Nesta lição, abordaremos a correção de cores e a parte final da gradação de cores do nosso fluxo de trabalho. Agora, normalmente é aqui que você faria o equivalente a fazer um ponto branco e preto definindo aqueles usando um limite no Photoshop, mas para esse fluxo de trabalho específico no Affinity Photo, isso realmente não funciona tão bem, então você precisa adotar uma abordagem mais DIY de apenas fazer a correção de cores usando seus olhos em vez o painel de informações e, em seguida, definindo suas cores por número. Há muitas maneiras diferentes de corrigir as cores de suas imagens e finalizar seu balanço de branco, e você deve ter notado que eu não fiz o balanço de branco quando fizemos as primeiras exposições básicas quando abri a imagem pela primeira vez no Affinity Photo. É no ponto do fluxo de trabalho em que eu faço as correções finais de cor para obter a imagem, o grau de cor e a cor que estou procurando, em vez do começo. Do jeito que eu filmei isso, eu filmei isso com um balanço de branco muito plano para começar, então eu realmente não precisei fazer esse ajuste para aquecê-lo ou algo parecido. Eu ia voltar a isso mais tarde no fluxo de trabalho, mas você pode definir seu equilíbrio de branco no início do fluxo de trabalho, mas acho que agora, quando você está finalizando sua imagem e fazendo a correção final das cores, sua gradação final de cores é o momento perfeito para você realmente fazer o aspecto da cor. Agora, como eu disse antes, há várias maneiras de corrigir a cor, especialmente no Affinity Photo, mas acho que a maneira mais fácil é usar o equilíbrio de cores e adicionar várias cores ciano, magenta ou amarelo aos tons médios dos realces ou sombras. Para mim, acho que os tons médios que vão compor a maior parte da pele um pouco frios, então vou adicionar um pouco mais de vermelho. Eu não vou muito longe no vermelho, mas acho que estava um pouco frio, então vou adicionar talvez 15 e depois ficou um pouco verde também, então vou adicionar talvez menos 5 e vou mostrar o antes e o depois. Apenas aqueça um pouco, que é um pouco verde. Eu só queria dar um pouco mais de vida à pele, que é um pouco verde e um pouco descolorida. Então, para as sombras, você pode adicionar uma coloração às sombras. Se você quiser adicionar mais azul e dar à sua imagem mais um efeito de coloração. Vou fazer um pouco disso, mas vou adicionar mais uma vibração magenta e avermelhada e depois apenas o efeito global. Eu vou dar algo assim. Agora, isso é apenas gradação geral de cores e vou reduzir a opacidade dessa camada. Não quero ser tão óbvio, mas quero que tenha uma coloração um pouco sutil lá dentro. Nós adicionamos um pouco mais de acabamento magenta-avermelhado aqui. Agora, também nesta seção, eu examinaria e também farei minhas correções finais da cor da pele. Eu vou te mostrar as técnicas de como colorir a pele correta se você precisar colorir a pele correta. A maneira como fotografei essa imagem e o fato de eu usar um prato de beleza, iluminação era muito uniforme e não havia a iluminação era muito uniforme e não havia muitos tons nas diferentes cores que estavam na sala, então eu realmente não preciso corrigir muitas cores especificamente, mas a premissa básica é que você abrirá uma nova camada em seu programa de edição. Você mudará o modo de mesclagem para cor Você também pode usar a média. Média, mostrarei isso aqui em breve, mas a média também considerará a exposição da área circundante e também a usará como parte de seu ajuste de cor. Em seguida, você amostrará uma determinada área usando o pincel, garantirá que seu pincel esteja selecionado, amostre um bom valor de tom médio e, em seguida, pintará amostre um bom valor de tom médio e, em seguida, pintará as outras áreas que você acha que distraem do ponto de vista da cor. Então, o que você vai fazer é ajustar a opacidade até encontrar uma boa mistura entre cor original da pele que você acha que é a melhor cor para a pele do modelo e depois a área problemática. Isso é basicamente o que você vai fazer. A única área nesta foto que eu veria que seria potencialmente um problema é apenas a área da boca da modelo aqui, um pouco verde. Vou continuar com isso e vou te mostrar do que estou falando aqui. Nesse caso, eu quero algo mais saturado e depois pintaria sobre essa área para aquecer toda essa área e me livrar desse tom esverdeado dessa área e estou efetivamente apenas adicionando mais saturação e agora, se eu for muito mais alto, você pode ver do que estou falando aqui. Eu vou para cerca de 30% e vou te mostrar o antes e o depois. Apenas adicionou um pouco de calor e eliminou aquele tom verde que estava lá, mas há outra técnica que eu quero mostrar a vocês. Isso é algo que eu faria nesta parte do fluxo de trabalho, é usar uma camada média do modo de mesclagem para uniformizar mais tons. Para isso, você criará uma nova camada. Você vai subir aqui, mudar seu modo de mistura de normal para médio, que está aqui. média também é como a camada de cor, mas também pega a exposição da área que você selecionou e a usa como linha de base. É uma ótima maneira de finalizar a exposição de uma determinada área e é um pouco mais localizada do que usar esquivar e queimar. Essa é parte da razão pela qual eu faço isso aqui. Você verá do que estou falando aqui. Basicamente, adicionará exposição e cor a essas áreas das mãos. Não só uniformiza essa área em termos de tom, mas também adiciona a mesma cor. É um atalho muito interessante para fazer duas coisas em uma. Você pode fixar uma área e torná-la muito mais uniforme em termos de cor e tom. Você notará que estava mais escuro lá e depois também preencheu a cor. A cor daqui de baixo é muito parecida com a cor daqui de cima. Está corrigindo esses dois problemas para você de uma só vez. É um ótimo pequeno truque. Na verdade, isso é algo que eu faria para corrigir o plano de fundo, que é o que vou fazer agora. Vou voltar aqui, definir isso de normal para médio e, na verdade, vou corrigir o plano de fundo para calcular a média do plano de fundo. Na verdade, isso também é algo que eu faria nesse estágio do fluxo de e apenas pintaria o plano de fundo para uniformizar todo o plano de fundo. Agora vou fazer isso muito rápido, mas seria uma boa ideia que você dedicasse algum tempo a isso. Eu vou voltar. Eu só quero mudar a exposição na parte inferior. Você pode fazer todo o plano de fundo dessa maneira se quiser que o plano de fundo como um todo seja muito, muito uniforme, e isso lhe dará uma experiência com aparência muito profissional se você fizer isso dessa maneira. Você não precisa fazer todo o plano de fundo. Só vou fazer a parte inferior só para me livrar dessa vinheta aqui embaixo e você notará o antes e o depois, ela simplesmente se livrou de tudo isso e também uniformiza a cor do fundo e o torna mais parecido com o plano de fundo que eu amostrei aqui. Esse é um bom truque fácil para você entrar e fazer várias coisas ao mesmo tempo. Deixe-me agrupar as mudanças que acabamos fazer para que você possa ver o antes e o depois. Isso é antes e isso é depois, e então vamos encarar. Nós apenas nivelamos o tom das mãos lá e depois nivelamos o rosto. Mas isso é o que eu faria nesta seção do fluxo de trabalho quando se trata de seu gerenciamento final de cores, adicionar um pouco de grau de cor. Eu também me certificaria de que o rosto da modelo não tivesse cores irregulares. Tudo está bem e, mesmo assim, eu me certificaria de que, se houvesse mãos ou roupas, alguma distração da cor das mãos, você pudesse corrigir isso com a técnica de cores que mostrei antes. Também neste momento, se você quiser corrigir o cenário ou usar a técnica média para corrigir sua exposição e suas cores simultaneamente, esse também é um excelente momento no fluxo de trabalho para fazer isso antes de finalizarmos , adicionarmos nossa nitidez e depois exportarmos nossa imagem para a web ou para impressão. Podemos começar a passar para a próxima parte do fluxo de trabalho de pós-produção. Na próxima lição, abordaremos o próximo conjunto de etapas, então nos vemos lá. 12. ajustar a nitidez: Olá meus amigos e bem-vindos de volta. Neste vídeo, vamos aprimorar nossa foto para prepará-la para exportação. Agora, há várias maneiras de aprimorar suas imagens quando se trata do Adobe Photoshop, Lightroom e aqui no Affinity Photo. Mas acho que a maneira mais fácil, de longe , será usar a máscara Unsharpen. Isso permitirá que você tenha muita flexibilidade em termos de onde você está aplicando a nitidez, mas também do limite e das configurações de nitidez que você está aplicando à sua imagem. Eu vou te mostrar como configurar essa função específica. Mas, como eu disse, há muitas outras maneiras aprimorar suas imagens. Primeiro, o que você precisa fazer é basicamente selecionar todas as suas imagens e criar uma nova camada. Porque esses filtros que vamos aplicar só podem funcionar em uma camada nivelada rasterizada. Eles não funcionam em várias camadas, precisam ser achatados e rasterizados. Além disso, você vai selecionar todas as camadas aqui no Affinity Photo, vir até aqui e então clicaremos em “Merge Visible”. Isso criará uma nova camada superior de todas as camadas que selecionamos abaixo dela. Em seguida, acessaremos nossa guia de filtros. Vamos rolar para baixo e clicar em “Unsharp Mask”. Agora, o que você vai fazer é definir seu fator, que é o equivalente ao controle deslizante de quantidade no Adobe Photoshop. Você vai definir isso para 50 por cento e , em seguida, usar um raio entre um e dois pixels. Vou apenas configurá-lo para dois pixels, mas você pode configurá-lo para um se quiser um efeito de nitidez mais sutil. Então, o que você vai fazer é ajustar a soleira, que ela acrescente a nitidez apenas aos olhos, sobrancelhas e um pouco do cabelo da modelo . Porque esses serão alguns dos elementos que estarão mais distantes, eu acho, do plano da câmera. Eles vão ser presos. Você vai apenas ajustar a nitidez até começarmos a colocar a tampa lá. Você pode usá-lo antes e depois para facilitar a visualização do que está acontecendo aqui. Você não quer afiar muito o cabelo, mas ao mesmo tempo quer ter certeza de que está afiando os olhos e os lábios. Provavelmente vou voltar para cerca de 15, onde está adicionando um efeito. Talvez eu possa ir um pouco mais longe e torná-lo um pouco mais poderoso. Talvez 12, definitivamente está adicionando efeito a isso. Você pode ver isso aqui nos cílios. Em seguida, clicaremos em “Aplicar” e isso é basicamente tudo o que você precisa fazer. Agora, a única outra coisa digna de nota você pode querer mudar isso de um modo de mesclagem normal para luminosidade. Às vezes, quando você aplica esses efeitos de nitidez, às vezes eles também podem adicionar coloração, geralmente uma franja roxa às auréolas, causando descoloração na nitidez. Se você quiser evitar isso ou perceber que ao usar a Máscara Unsharp em seu aplicativo, você deve alterar o modo de mesclagem para luminosidade. Só se aplica basicamente à mudança de exposição, exposição e mudança de cor. Mas isso é basicamente tudo o que faremos para aprimorar nossa imagem. Podemos começar a passar para a próxima parte do fluxo de trabalho de pós-produção. Na próxima lição, abordaremos o próximo conjunto de etapas. Te vejo lá. 13. Exportação: Olá, meus amigos. Devon Lennox está aqui e bem-vindo à nossa aula final sobre o fluxo de trabalho de pós-produção. Agora vamos exportar nossa imagem como JPEG de alta resolução para nossos arquivos e como uma imagem pronta para a web que poderíamos publicar nas mídias sociais. A maneira mais fácil de exportar uma foto de afinidade é ir até nosso menu principal e clicar em “Exportar”. Agora, você tem muitas configurações e formatos de arquivo para os quais você pode exportar. No entanto, o melhor formato de arquivo para exportar do Affinity Photo, que maximizará a qualidade da imagem e também reduzirá o tamanho final do arquivo, então você obterá um arquivo de imagem de 25, 30 ou 100 megabytes de tamanho ou maior, será um JPEG. Você poderia usar um PNG, mas eles ficam bem grandes. Você poderia usar um TIFF, mas eles também ficam bem grandes, e então não há um benefício realmente gigantesco nisso. Você vai usar o Photoshop ou o Illustrator para usar qualquer um desses outros formatos, eles servem principalmente para exportar para outros aplicativos. Mas como estamos apenas exportando apenas para salvar a imagem em nossos próprios arquivos, tudo o que você precisa fazer é clicar na opção JPEG aqui. Vou deixar as dimensões definidas pela sua câmera, que devem ser em torno de 4.000 por 6.000 pixels. Qualidade de imagem, vou deixá-la maximizada em 100%. Agora você pode brincar com o perfil ICC, que será o seu perfil de cores. Eu sugeriria deixá-lo como sRGB, que é uma das opções que você pode selecionar ao configurar sua tela no início. Você pode colocá-lo no Adobe RGB se tiver um monitor calibrado para o Adobe RGB ou se quiser usar apenas o DCI-P3 se tiver um dispositivo Apple compatível com esse formato. No entanto, para a maioria de nós, o sRGB será a melhor opção. Depois de selecionar , o Affinity fornecerá o tamanho final do arquivo e tudo o que você precisa fazer é clicar em “Ok” e salvá-lo em qualquer local no iPad. Vou colocá-lo aqui, e vou colocá-lo em procriar por enquanto. Você pode simplesmente salvá-lo lá e substituí-lo. Então, boom, agora temos nossa imagem JPEG exportada que está pronta para nosso backup. Agora, como você exporta para mídias sociais? Os mesmos processos de antes. Vá para o menu principal na exportação e, em seguida, verificaremos se o JPEG está selecionado. A única diferença aqui é que você ajustará esse controle deslizante de qualidade até obter o tamanho final do arquivo aqui, gerando a visualização abaixo de um megabyte. Isso será em torno de 50%. Vamos para 49. Vamos apenas garantir que o tamanho do arquivo seja inferior a um megabyte, então 950 kilobytes devem ser suficientes. Em seguida, clicaremos em “Ok” e poderemos salvá-lo na mesma pasta de antes. Vou vir aqui e digitar um e clicar em “Salvar”. Aí está você. Agora você exportou seu JPEG de alta resolução para backup para fins de arquivamento, mas também exportou um JPEG de alta qualidade menor em tamanho de arquivo, ótimo para compartilhamento na web. Isso agora conclui nosso fluxo de trabalho completo de pós-produção, e agora você tem todas as etapas para finalizar sua imagem e levá-la a um nível verdadeiramente profissional. 14. Considerações finais: Aí está, meus amigos. Há fotografias de beleza econômicas em casa, divididas do início ao fim. Quero agradecer por dedicar seu tempo para assistir a esta aula. Espero que as técnicas e habilidades que mostro ao longo desta aula tenham ajudado você de forma significativa e espero que tenham provado que qualquer um de nós pode capturar imagens dignas de revistas. Obviamente, ainda há muito valor em alugar ou comprar um espaço de estúdio comercial. Mas a realidade é que você pode replicar esses resultados em casa sem desembolsar outra hipoteca no processo. Também não há razão para que você precise usar equipamentos ou equipamentos da mais alta qualidade para essa forma de fotografia. Qualquer um pode fazer isso. É só uma questão de conhecer as técnicas básicas e ter um fluxo de trabalho confiante. A partir daí, encontre bons modelos e pratique. Mas de qualquer forma, agora você está totalmente equipado para lidar com esse meio. Abordamos as ferramentas necessárias, como luzes, a configuração da câmera, as melhores práticas com elas, o que considerar no set e antes e o fluxo de trabalho completo de pós-processamento. Cabe a você pegar o bastão daqui e seguir em frente e mostrar sua visão para o mundo. Falando em mostrar sua visão para o mundo, seu projeto de aula é enviar sua própria sessão editorial de beleza. Eu encorajo você a ser criativo e também a não ser perfeccionista, especialmente se esta for sua primeira tentativa nesse meio. Também convido você a publicar quaisquer trabalhos em andamento ou até mesmo projetos totalmente concluídos de anos anteriores. De qualquer forma, o objetivo é que aprendamos e cresçamos juntos. Se você tiver algum comentário ou pergunta complementar sobre esta aula, entre em contato aqui por meio do Skillshare. Estou ansioso para publicar mais cursos nesta plataforma e continuar ajudando você a criar sua visão. Com isso dito, porém, fui seu anfitrião Devaun Lennox e nos vemos na próxima vez.