Filme-se 101: como criar um vídeo de falante

1. Introdução do curso: Uma das habilidades mais valiosas que você pode aprender como criador de vídeos é como falar na frente da câmera. Se você está apenas começando ou tem experiência, esta aula trará ideias sobre como se filmar de forma eficiente e eficaz para um vídeo de cabeça falante como este. Oi. Meu nome é Scott Lu e sou criador de vídeos no YouTube. Eu criei mais de 100 vídeos neste momento e estou aqui para compartilhar meu conhecimento sobre como eu gravo pessoalmente vídeos do Talking Head. Nesta aula, você passará por três componentes essenciais para se filmar. Número 1, câmera e composição. Começaremos explicando como definir as melhores configurações para sua câmera e como obter uma boa composição. Também falaremos sobre as melhores lentes para vídeos e teleprompters do Talking Head. Observe também que, ao longo de cada aula, abordarei todo o equipamento que uso e recomendo. Número 2, áudio. Vou abordar como configurar corretamente um microfone boom, otimizar os níveis e usar a técnica adequada de microfone. Também discutirei a importância de usar backups e outras opções de microfone para vídeos do Talking Head. Número 3, iluminação. Vamos dar uma olhada no sistema de iluminação de três pontos e como garantir que sua imagem tenha uma aparência limpa e agradável. Também incluirei uma lista de tudo o que você precisa fazer logo antes da gravação. Além desses três componentes principais, também abordaremos alguns desafios mentais que surgem quando você está tentando gravar a si mesmo. Além de tudo isso, darei dicas sobre os dois estilos diferentes de vídeos do Talking Head, roteirizados e freestyle. Por fim, vou falar sobre como edito um vídeo do Talking Head do início ao fim. Será um dos meus tutoriais de edição mais aprofundados que fiz até agora. O projeto da aula será criar seu próprio vídeo de cabeça falante. Haverá uma tarefa de aula para cada uma das aulas, então não deixe de acompanhar se quiser tirar o melhor proveito dessa aula. Também há uma planilha disponível para download que descreve a turma e o projeto da turma. Portanto, não deixe de fazer o download. Os vídeos do Talking Head são a base do YouTube e um dos tipos de vídeo mais comuns que existem. Ao final desta aula, você terá todo o conhecimento necessário para criar a sua própria com confiança. Vamos começar. 2. Obtendo a timidez da câmera: Um dos maiores obstáculos ao gravar você mesmo é a timidez da câmera. Seja na forma de não querer falar na frente da câmera ou simplesmente não querer assistir à filmagem de si mesmo durante a edição. É algo que todos os criadores de vídeos que mostram seu rosto precisam superar. Nesta lição, darei minhas melhores dicas pessoais sobre como superar a timidez da câmera. É um processo diferente para cada pessoa, mas espero que algumas dessas dicas possam ressoar com você. Primeiramente, entenda que a timidez da câmera é natural. Nós, como seres humanos, somos muito atentos e cuidadosos com nossa própria autoimagem. Não queremos que os outros nos vejam sob uma luz ruim , porque isso faz parecer que não nos encaixamos e que não seremos aceitos pelos outros. Nosso instinto natural é querer que a tribo goste de nós, para que possamos prosperar na vida. Gravar a si mesmo na câmera quando você sente que não sabe o que está fazendo é como se expor propositalmente sob uma luz ruim, porque você não tem a confiança de que você está criando ficará polido e apresentável. Essa é uma das razões pelas quais surgem os maus sentimentos. Você está essencialmente lutando contra sua natureza. Mas, felizmente, como seres humanos, somos muito adaptáveis. Quanto mais você fizer isso, mais parecerá normal para você. Além disso , você praticará muita prática fazendo isso com frequência, e com a prática vem a confiança. Esta aula tem como objetivo acelerar os aspectos práticos e de confiança de gravar a si mesmo. Ao passar por esta aula, você entenderá todos os detalhes técnicos da gravação de si mesmo e o que é necessário para que ela tenha uma boa aparência. No entanto, mesmo que você tenha todas as habilidades do mundo, o obstáculo final é aprender a se sentir confortável consigo mesmo. Acho que, para mim, pessoalmente, tive que superar muita resistência antes de me sentir confortável na frente de uma câmera. Pessoalmente, sou propensa à acne, meu cabelo está sempre bagunçado e às vezes me sinto insegura com minha aparência. Mas, de alguma forma, com o tempo me colocar continuamente na câmera ao me colocar continuamente na câmera e divulgá-la ao público, comecei a me livrar dessas inseguranças e fiquei confortável comigo mesma. Continue dando o seu melhor em uma situação desconfortável e, eventualmente, você fortalecerá sua vontade e força mental. Basicamente, a moral da história é continuar praticando os músculos e você superará completamente a timidez da câmera. Vamos finalmente abordar os detalhes técnicos de se gravar agora para que você possa pelo menos ter confiança no processo, o que deve ajudar muito. Além disso, acompanhando o projeto da aula e produzindo um vídeo em que você está gravando a si mesmo, você estará praticando esse músculo mental. Então, eu encorajo você a agir sobre o projeto da classe. É um passo na direção certa para conquistar a timidez de sua câmera. 3. Vídeo e composição: Nesta lição, abordaremos o primeiro componente essencial, que é a câmera e a composição. Ao longo desses processos, em todos os componentes, falarei principalmente sobre minha configuração pessoal. Mas, é claro, muitos desses conceitos podem ser aplicados a qualquer câmera ou microfone, por exemplo, então lembre-se disso à medida que avançamos. Minha câmera, aquela pela qual você está me vendo atualmente , é a Sony A7 IV. Pessoalmente, esta é minha câmera favorita. Tem 4K em cores de 10 bits e agora estou gravando em 24 FPS, bem como em S-Log 3. Se você não entende o que muitas dessas coisas significam, não se preocupe com isso. Por enquanto, saiba que essa é a câmera que eu uso. Pessoalmente, eu possuí outras câmeras. Minha câmera ali que está gravando, a câmera B é a Sony A7C. Essa câmera é colorida de apenas 8 bits, mas ainda é muito boa, e estou apenas gravando em seu modo natural. Eu também possuí o Sony A7 III, bem como o Sony A 6600 ou o Sony Alpha 6600. Essas câmeras, na minha opinião, são algumas das melhores câmeras sem espelho que você pode adquirir e são as que eu recomendo. É claro que eles têm um preço mais alto, então eu recomendo outras câmeras sem espelho, como a Canon M50. Podemos falar sobre câmeras o dia todo , mas o que realmente importa para um vídeo de cabeça falante quando se trata de câmeras é o número 1, tente comprar uma câmera com uma tela flip-off. Dessa forma, você pode realmente se ver enquanto está gravando poder ajustar a composição sem precisar ir e voltar. Honestamente, essa é provavelmente uma das coisas mais importantes para vídeos de Talking Head que são específicos para a câmera. Das câmeras recomendadas, a Sony A7 III não tem isso, então talvez você queira usar a A6600 ou outras. As outras três câmeras também não têm limite de quanto tempo você pode gravar. Por exemplo, a Sony A7 III tem um limite de gravação de 30 minutos, e acredito que a câmera sem espelho da Canon também tem esse limite. Essas são apenas duas especificações a serem observadas ao comprar sua câmera. Em seguida, vamos falar sobre lentes. Na verdade, as lentes desempenham um papel mais importante na gravação de você mesmo do que você imagina. Por exemplo, agora estou usando uma lente de 35 milímetros para me gravar dessa forma e uma lente de 85 milímetros para me gravar usando a Câmera B. A razão pela qual a distância focal é importante, Número 1, se você quiser usar algo, por exemplo, como um teleprompter, você quer estar perto do teleprompter para poder realmente lê-lo. É por isso que 35 milímetros funcionam muito bem. Se você realmente tem menos de 35 milímetros e ele é muito largo, dependendo do teleprompter que você está usando, você pode realmente ver o interior do teleprompter, então isso também não é o que você quer. Nesse ponto, as pessoas podem argumentar contra isso, mas a faixa de 35 milímetros a 50 milímetros é mais representativa de como vemos naturalmente com nossos olhos. Por exemplo, se você olhasse através de uma lente de 16 milímetros, ela pareceria muito larga e não é assim que nossa visão funciona. Então, algo como 85 milímetros , fica mais bonito no rosto. Isso dilui um pouco. É quase como um bom filtro versus um filtro mais realista. Então, qualquer coisa acima da marca de 80 milímetros, estamos começando a usar lentes teleobjetivas, que também parecem muito bonitas no rosto mas, pessoalmente, 85 milímetros para mim são minhas favoritas, e isso é por que eu o uso mais do que outras distâncias focais. Tente manter isso em mente ao comprar suas lentes. Outra especificação à qual você deve prestar atenção ao comprar sua lente é a abertura ou o número F-stop. No momento, a lente que está na minha frente tem um número F-stop de 1,8. Quanto menor o número f-stop, mais separação você tem com o assunto e o foco em comparação com o fundo, que ficará mais desfocado. É por isso que, pessoalmente, para mim, gosto de ter um número F-stop mais baixo para minha câmera principal. Outra coisa a se prestar atenção ao comprar sua câmera e sua lente é se você está comprando uma câmera full frame ou não. Se você comprar uma câmera full frame , a lente que você comprar também deverá ser para uma câmera full frame. Apenas certifique-se de prestar atenção a esses detalhes ao comprar essas coisas. Caso contrário, você pode acabar comprando uma lente APS-C para uma câmera full frame. Também é importante notar que a Sony A6600 é uma câmera APS-C, o que significa que ela terá um fator de corte com qualquer lente que estiver usando. Isso significa que se eu colocasse minha lente de 35 milímetros na câmera APS-C, ela acabaria ficando em torno de 52 milímetros. Certifique-se de prestar atenção a essas especificações ao comprar sua câmera e lente. Vamos passar para a composição. Na verdade, a composição é bastante simples para um vídeo de cabeça falante. Para a câmera principal, você só quer estar o mais centrado possível. Não se preocupe se não estiver completamente centralizado pois podemos corrigir isso na edição, mas você deve tentar ser o mais centrado possível no início. Também existe algo chamado regra dos terços. A maioria das câmeras tem uma configuração em que você pode fazer com que as linhas da grade da regra do terceiro apareçam. Eu recomendo ativar isso. Eu sempre o uso para minhas câmeras. Basicamente, uma das regras é tentar observar o nível do terço superior. Em seguida, você quer que a altura da câmera fique em torno do alcance do queixo até a testa. Essa alta faixa garante que você esteja nivelado com a câmera e que a câmera não venha de um ângulo abaixo ou acima de você, que pareça desagradável, e é basicamente isso para a câmera frontal. Em termos de câmera B, a composição que eu mais uso é me colocar novamente no meio e seguir regras semelhantes ou me colocar em uma das 3ª nas colunas, e isso é basicamente tudo para composição. Se você estiver gravando com uma segunda câmera, também recomendo que tente fazer com que o ângulo entre as duas câmeras seja de pelo menos 30 graus. Essa é uma regra com a qual a maioria dos cineastas concorda. No entanto, se você não conseguir isso, acho que ângulos em torno 20 graus ainda funcionam muito bem. Basicamente, é uma diretriz, não uma regra estabelecida. A partir daí, vamos entrar nas configurações da câmera. Em primeiro lugar, como mencionei, configurei minha câmera para 24 FPS. A maioria das câmeras tem a opção de 24 FPS, 30 FPS ou 60 FPS. Sessenta FPS são principalmente para capturar ações ou se você está tentando tirar algumas fotos em câmera lenta, então, se estamos falando de vídeos principais, vamos evitar esse, é entre 24 e 30 FPS. Há um grande debate entre esses dois, mas, no geral, a regra geral para mim, pessoalmente, é escolher o que for mais fácil de usar. Por exemplo, o Sony A7C ali tem um fator de corte sempre que é configurado para 4k e 30 FPS. É por isso que eu pessoalmente defini minha taxa de quadros para 24 FPS. Isso torna mais fácil não haver um fator de corte, então eu não preciso me preocupar com minha lente de 85 milímetros se transformando em uma lente de 120 milímetros. Mas se você não precisa se preocupar com nada como se não estivesse preocupado com o tamanho do arquivo, não se preocupe com o fator de corte ou qualquer coisa desse tipo, e está apenas tentando descobrir qual taxa de quadros é melhor para você ou melhor para um vídeo de cabeça falante em geral, eu usaria 30 FPS na maioria das vezes. Parece mais natural do que 24 FPS, que é mais cinematográfico e parecido com um filme. A partir daí, coloco minha câmera na configuração mais alta, que é 4k, e depois gravo. Basicamente, com esta câmera, eu uso o S-Log 3 principalmente porque ela tem cores de 10 bits e posso classificá-la da maneira que eu quiser. No entanto, isso está além do escopo desta aula, então não se preocupe com perfis de imagem e apenas grave com o que você se sentir confortável. A tarefa desta lição é definir as melhores configurações para sua câmera. Para mim, isso é 4K 24 FPS S-Log 3. Para minha câmera, há uma configuração em que posso salvar essa predefinição um dos números no mostrador. Vou definir isso para o número 1. Sempre que eu o mudar para o número 1, será 4K 24 FPS S-Log 3 com o ISO de 800 e a abertura aberta, significa o menor número possível, que é 1,8. Para a velocidade do obturador, a regra é fazer com que ele dobre, seja qual for a taxa de quadros. Para mim, isso é 1 sobre 50 porque 24 FPS vezes 2 é 48. Para esta câmera, 1 acima de 50 é o mais próximo. Depois disso, configure sua câmera para que você tenha uma boa composição geral e, em seguida, passaremos a falar sobre áudio. 4. Áudio: Nesta lição, abordaremos equipamentos de áudio. Esse é o segundo componente essencial, e o áudio é como metade do vídeo, e é por isso que o coloco antes da iluminação. Pessoalmente, para mim, um vídeo sem áudio bom e uma imagem ruim é muito mais suportável do que um vídeo que parece muito, muito bom e tem áudio ruim. Vamos falar sobre como obter um bom áudio. Em primeiro lugar, a coisa mais fácil que você pode fazer com um vídeo de cabeça falante é usar apenas um microfone montado na câmera. Para mim, pessoalmente, agora estou usando o Rode VideoMic Pro e ele fica em cima da câmera no suporte hot shoe. Tudo o que você precisa fazer é montá-lo, conectá-lo, ligá-lo e pronto. Se você quiser otimizar os níveis , o que você pode fazer é definir o nível de gravação da câmera para o mais baixo possível, porque o preâmbulo da câmera é muito mais fraco e mais ruidoso. em comparação com o preâmbulo do microfone montado na câmera. Na câmera Sony, você pode reduzi-la até uma em termos de nível de gravação de áudio e, no Rode VideoMic Pro você pode discar até mais 20. No entanto, para mim, pessoalmente, descobri que a diferença é insignificante, então eu apenas o configurei para o nível de gravação de áudio torno de 10 ou 12 dependendo se estou fora ou dentro de casa. Então eu tenho o Rode VideoMic Pro ajustado para seu nível normal, depois eu o ajusto e posto. Eu tenho aulas sobre como otimizar o áudio e também qual microfone é melhor para você se você quiser conferir essas duas classes diferentes. Mas para esta aula, vamos falar principalmente sobre o microfone boom. No momento, tenho um microfone boom bem acima de mim, apontado diretamente para a área do meu peito. A técnica dos microfones de boom é apontar para área do peito em relação à boca. Isso ocorre porque, se você retroceder, ele ainda está capturando o áudio, ok, e se você seguir em frente, ainda está capturando o áudio, ok, em comparação com se você tivesse essa coisa apontada para o seu boca. Se você avançasse, mesmo que um pouco, isso o capturaria com muito menos clareza do que apontá-lo para o peito. Você também quer que ele aponte para baixo. Tê-lo apontado para baixo significa que o piso absorverá o ruído e, se você tiver piso com carpete, é ainda melhor porque estamos tentando evitar a reverberação, que é basicamente o som saltitante. nas paredes, refletindo em superfícies sólidas e fazendo com que sua voz soe muito ecoante e desbotada. Essas são duas dicas muito importantes ao usar um microfone boom. No entanto, qual equipamento você deve usar? Para mim, pessoalmente, gosto de usar o Zoom F6, que é um dispositivo de gravação de áudio considerado um gravador de campo, mas também pode ser usado como uma interface de áudio. Esse é o meu favorito por um motivo. É um flutuador de 32 bits e o segundo motivo é que ele tem seis canais de entrada, o que significa que ele pode gravar seis microfones diferentes ao mesmo tempo. Vamos começar com o float de 32 bits. O que isso significa é que quando você está gravando em flutuação de 32 bits, não existe recorte. Ou seja, se eu falasse muito, muito alto nesse microfone e criasse ruídos altos, ele não pararia. Para uma gravação de 24 bits, que é a gravação normal da maioria dos dispositivos de gravação de áudio, ela será cortada se o ruído for muito alto. Isso também significa que, se eu gravei com um nível de áudio muito baixo, ainda posso aumentá-lo mas os níveis de ruído também não serão muito altos. Se você fizer a mesma coisa com o gravador de 24 bits, surgirá muito ruído se você aumentar o ganho de todo o clipe e da postagem. Basicamente, o que isso significa é que o Zoom F6 oferece mais espaço para erros. Se você cometer erros com os níveis de áudio ou ficar muito alto e animado, não precisa se preocupar com isso, e é por isso que adoro esse dispositivo flutuante de 32 bits. Para mim, pessoalmente, uso um suporte de microfone para aumentar meu microfone. Eu tenho um braço de lança real e um suporte que pode segurá-lo. No entanto, acho que isso é o mais conveniente. O que eu pessoalmente faço é montar o Zoom F6 uma placa de liberação rápida e depois montá-lo em uma braçadeira que se prende ao próprio suporte do microfone. partir daí, conecto o fio XLR, enrolo-o ao longo do suporte do microfone e o conecto ao microfone. O microfone atual que estou usando é o Sennheiser MKH 50. Este é um microfone muito caro que é ótimo para uso em ambientes fechados, mas existem muitas outras opções disponíveis. Por exemplo, o Rode MDG5 é um microfone popular e muito mais barato que você pode usar como microfone boom. Não há muito mais do que isso para configurar seu microfone boom. Desde que você o tenha em um suporte de microfone apontando para baixo e tenha superfícies ao seu redor que não sejam muito duras e refletivas, você deve capturar um bom som. O que eu recomendo é usar o microfone boom junto com o microfone montado na câmera. O microfone montado na câmera servirá como backup caso seu microfone boom falhe por qualquer motivo. Confie em mim, se você gravar por tempo suficiente e tiver gravado mais de 100 vídeos, encontrará um momento, apenas um momento, em que esquecerá alguma configuração no microfone boom e o microfone montado na câmera vem na embreagem e salva você. Isso está prestes a acontecer pelo menos uma vez se você vai fazer isso por um longo tempo. Outra boa opção para gravar vídeos de cabeças falantes são microfones de látex ou microfones de lapela. Pessoalmente, porém, eu usaria apenas um microfone de lapela como microfone de backup porque os microfones boom soam, em geral, mais ricos e cheios. A técnica padrão para gravar um microfone de lapela é simplesmente colocá-lo em algum lugar próximo à boca e depois conectá-lo a um dispositivo de gravação. Meu favorito pessoal é o Tentacle Sync E, que também é um gravador flutuante de 32 bits. Novamente, se você quiser se aprofundar no mundo dos microfones, tenho uma aula dedicada a isso, que é uma escolha da equipe, bem como uma aula sobre como aprimorar o áudio do diálogo na Adobe Audição. Mas, por enquanto, isso aborda como configurar seu equipamento de áudio para um vídeo de Talking Head. A tarefa desta lição é prosseguir e configurar essas coisas e, em seguida, passaremos a configurar as luzes. 5. Iluminação: Nesta lição, abordaremos o sistema de iluminação de três pontos e como eu pessoalmente configuro minhas luzes. O que é o sistema de iluminação de três pontos? É basicamente composto por três coisas, que são a luz principal, a luz de preenchimento e a luz de fundo. Eles têm nomes diferentes para sistemas diferentes, mas basicamente a luz principal é qualquer luz que esteja à sua frente, então, para mim, essa será minha luz de abertura aqui, que é a abertura 120D Mark 2 e eu tenho um Softbox, que é o light dome mini, que funciona como um difusor tornando a luz que brilha na minha pele e só em mim em geral, mais macia e menos áspera. Em seguida, temos a luz de preenchimento. Essa é uma luz que basicamente neutraliza qualquer direção em que sua luz principal esteja. Para mim, está no meu lado direito, a câmera está no lado esquerdo e está trazendo luz para este lado do meu rosto enquanto esse lado do meu rosto está um pouco escuro. O que eu gostaria é uma luz desse lado. No meu caso, estou usando apenas uma luz de teto para cobrir o lado mais escuro do meu rosto. Depende de você o quanto você quer que a luz de preenchimento cubra seu rosto. Se você quer um visual mais cheio, brilhante e vibrante, é mais acolhedor, mais agradável e mais comercial. Então você quer encher e deixar a iluminação bem uniforme para que você pareça mais amigável. Se você está procurando uma aparência mais dramática, talvez nem precise de uma luz de preenchimento. Para mim, pessoalmente, gostaria de uma aparência dramática, então é por isso que minha luz de preenchimento, como você pode ver na Câmera B, não está muito presente. Então vamos entrar na luz de fundo. Para mim, pessoalmente, uso um monte de luzes de fundo que consistem principalmente em cores. Primeiro, falaremos sobre as luzes do teto, que são a abertura B7Cs. Essas luzes são o que eu uso principalmente para adicionar cor às minhas imagens e elas se conectam a um aplicativo chamado Sidus Link, que eu posso usar para controlar qual cor eu quero e mudar a qualquer momento. A luz logo atrás de mim é a luz PavoTube, é a versão mais pequena e também tem a opção de mudar para qualquer cor. Uma coisa que eu realmente amei é que a parte traseira é magnética, então eu posso colocá-la em qualquer objeto de metal e ela grudará. A luz que eu realmente tenho logo atrás de mim que funciona mais como uma luz de fundo são as luzes Aputure MC. São basicamente semelhantes às luzes do PavoTube, exceto que são retangulares e vêm com um Softbox. Normalmente, no sistema de iluminação de três pontos, você só precisa de uma luz de fundo e é basicamente para obter isso, o brilho na nuca ou no cabelo ou logo atrás de você em geral. Pessoalmente, eu não comprei todas essas luzes uma vez. Eu principalmente tinha apenas as luzes principais e depois um feixe de luz do painel de LED, minha luz de fundo. No entanto, com o tempo, acumulei todas essas pequenas luzes de fundo e, para mim, isso faz com que a imagem geral pareça mais interessante e é por isso que as tenho. Isso é basicamente o sistema de iluminação de três pontos. Se você está preocupado em comprar todas essas luzes porque elas são caras, existe a opção de usar apenas iluminação natural. Basicamente, encontre um lugar em sua casa onde haja uma boa janela com a fonte natural de luz, que é o sol, e depois coloque-a de frente para algum lugar à sua frente. Provavelmente não diretamente à sua frente, mas 45 graus é um bom local para uma luz principal. Mas eu recomendo fortemente que você acabe investindo em uma verdadeira luz de fundo e luz de fundo. Essas são realmente as únicas duas luzes que você precisa, porque para a luz de preenchimento, você pode usar algo como um painel branco ou uma tela branca. Em seguida, vamos falar sobre a exposição às unhas. A questão é: quão brilhante colocamos cada uma dessas luzes? A ideia geral é fazer com que a luz principal seja a mais brilhante para que o objeto fique mais iluminado. Mas você não quer expor demais ou subexpor sua pele , então quão brilhante devemos realmente defini-la? A maneira mais fácil de configurar a exposição corretamente, na minha opinião, é usar uma configuração em sua câmera chamada zebras. Para mim, depois de acessar as zebras, giro o botão para ir para as configurações personalizadas e depois vou para o padrão, desço para 60 e depois para mais ou menos 5. Nesse cenário, o que eu quero ver no meu rosto ou nas listras de zebra. algumas pessoas dizem que 65 mais ou menos 5, ou 70 mais ou menos 5 são números melhores. Mas é realmente muito dependente de qualquer configuração que você esteja usando. Para mim, estou usando o S-Log 3 mais algo chamado lotes fantasmas para editar, vou mencioná-los mais tarde. Mas, basicamente, o sistema de leads que eu uso indica que eu deveria usar esses números. Seja qual for o sistema que você está usando, tente prestar atenção essencialmente a quais são suas diretrizes sobre como configurar a exposição para sua pele. , geralmente, esses números devem entanto, geralmente, esses números devem ser bons números a serem seguidos. Para o sistema que estou usando, a abertura 120D será ajustada para cerca de 50 por cento e, para as luzes de fundo, eu basicamente olho para ela. O que mais importa é que o assunto seja mais claro em comparação com o plano de fundo e, basicamente, isso ainda para ver um vídeo de cabeça falante. A tarefa desta lição é configurar sua luz principal, configurar sua luz de preenchimento e, em seguida, configurar sua luz de fundo. A partir daí, passaremos a falar sobre os dois tipos diferentes de vídeos de cabeças falantes. 6. Roteiro vs Freestyle: Nesta lição, abordaremos dois tipos diferentes de vídeos de cabeças falantes. O primeiro é um vídeo roteirizado de Talking Head e o segundo é freestyle. Basicamente, nesta aula até agora, tive uma mistura de vídeos roteirizados e de estilo livre, e ambos vêm com seus próprios prós e contras. Por exemplo, se você criou um script para seu vídeo, passará mais tempo no processo de criação de scripts e, provavelmente, desejará usar um teleprompter para poder lê-lo sem erros. Se você estiver seguindo o roteiro, provavelmente será um vídeo mais bem elaborado já que você passou mais tempo no roteiro. No entanto, por outro lado, se você estiver seguindo a rota do estilo livre, provavelmente parecerá mais solto e um pouco mais espontâneo. Isso lhe dá a oportunidade de mostrar um pouco mais sua personalidade. Mas a desvantagem é que, se você errar muito e não for bom na habilidade, provavelmente terá que passar mais tempo no processo de edição. Na minha opinião, essas são duas habilidades muito diferentes. Para mim, pessoalmente, a maioria dos meus vídeos são vídeos roteirizados. É por isso que, para conteúdo de estilo livre como o que estou fazendo agora, ele não é tão bem polido em geral. No entanto, estou trabalhando na habilidade de freestyling na frente da câmera. Eu recomendo que você experimente os dois métodos também. Se você optar pelo método freestyle, eu recomendo fortemente que você realmente crie um esboço para o vídeo de qualquer maneira. Um esboço é basicamente apenas os tópicos principais com subtópicos que você tem como marcadores. Dessa forma, há um fluxo real no vídeo em vez de você simplesmente falar sobre qualquer coisa em um momento aleatório. Por outro lado , se você optar por um vídeo com script, eu recomendo usar um teleprompter. O que estou usando é o Parrot Padcaster e, na minha opinião, é tudo o que você realmente precisa. É muito barato, menos de $100 no momento atual. Basicamente, tudo o que você precisa fazer é baixar um aplicativo em seu telefone chamado parrot e copiar e colar seu script. Para mim, meu script é sempre escrito em um documento do Google. Então eu copio de lá. Em seguida, cole-o no documento do papagaio. Depois de abri-lo, você pode configurá-lo da maneira que quiser. Você precisará espelhar sua tela. Diminua um pouco as margens para que não pareça que seus olhos estão se movendo para a esquerda e para a direita e que você está lendo. Em seguida, ajuste a velocidade de acordo com a velocidade desejada e ajuste o tamanho da fonte para qualquer coisa que a torne legível. Você pode ver minhas configurações aqui e copiá-las, se quiser. Mas a partir daí, tudo o que você precisa fazer é inserir o teleprompter, deslizar o telefone por baixo e, em seguida, você terá um teleprompter do qual você possa ler. Para mim, só recentemente usei esse teleprompter durante este ano. Antes disso, eu ainda escrevia meus vídeos e tentava apenas memorizá-los. Acho que isso leva muito tempo e exige muitas tomadas, o que anula o propósito de ter um roteiro. Depende de você qual método escolher, mas eu recomendo experimentar o teleprompter. Esse é apenas um rápido resumo dos dois estilos diferentes e das dicas que tenho para os dois estilos diferentes vídeos de Talking Head. A tarefa desta lição é escolher o estilo que você deseja usar para o projeto da turma. Em seguida, falaremos sobre a lista de verificação. 7. Lista de verificação de gravação: Nesta lição, abordaremos a sequência na qual você deve configurar seu equipamento e fornecerei uma lista de verificação para que você nunca esqueça uma etapa crucial. Primeiramente, a câmera. Ligar a câmera e marcar as configurações corretas é o primeiro passo. Para mim, isso é transformar o dial em um, onde é 24 FPS e S-Log 3, balanço de branco automático e ISO de 100. Em seguida, ligo o RODE VideoMic e faço um teste de toque para verificar se os níveis estão corretos. Depois disso, ligo o Zoom F6, coloquei o microfone boom no lugar e fiz uma verificação rápida dos níveis do microfone. Para mim, tenho um dispositivo flutuante de 32 bits, então não preciso me preocupar muito com isso, mas ainda é uma boa prática testar os níveis. A partir daí, acendo a luz da chave e depois todas as outras luzes e ajusto o brilho. É quando eu ajusto a composição da imagem e coloco minha tábua de madeira embaixo de mim para marcar minha localização. Depois disso, eu configurei o teleprompter, se eu criasse um roteiro para o vídeo, e se eu fizesse isso, eu apenas tirava meu telefone com a lista de marcadores do meu vídeo de conversação de estilo livre. A partir daí, recomendo que você faça um pequeno aquecimento antes de começar a falar com a câmera. Fale com a câmera sobre absolutamente qualquer coisa. O objetivo é apenas aquecer sua voz e aumentar sua energia geral. Seja excessivamente entusiasmado no início e depois recue um pouco. Com isso, está tudo pronto para você gravar. Eu recomendo que você sempre use uma lista de verificação ao começar. Há muitas partes móveis e é muito fácil ignorar algo quando você faz isso com frequência. Para mim, pessoalmente, gosto de manter todo o equipamento necessário para um vídeo de cabeça falante colocado um ao lado do outro. Ao deixá-lo no modo de espera, o tempo de configuração diminui significativamente porque não preciso posicionar o tripé ou configurar o microfone da lança ou as luzes do zero. Configurar as coisas do zero leva muito mais tempo. A facilidade de acesso é muito útil nesse caso. Se você tiver espaço, tente dedicar um espaço para gravar seus vídeos de cabeça falante, se quiser ser o mais eficiente possível. No entanto, direi que às vezes é bom praticar a configuração do zero, só para não esquecer como fazer isso e praticar a habilidade de configurar as coisas rapidamente. Mas depois de desativá-la, uma configuração padrão pode ser muito útil. De qualquer forma, a tarefa desta lição é finalmente começar a gravar seu vídeo de cabeça falante. Você tem tudo pronto, então agora você só precisa apertar o botão “Gravar” e começar a falar. Em termos de assunto, você pode escolher o que quiser falar sobre. Se você estiver preso, fale sobre um objeto você se sente apaixonado ou algo que você realmente goste. Como exemplo, eu escolheria meu piano, câmera, o Zoom F6, minha configuração de mesa, meu laptop e assim por diante. Não pense demais, apenas grave ou escreva o roteiro e depois grave se estiver usando um teleprompter. 8. Passo a passo: áudio e corte: Nesta lição, vamos fazer o passo a passo da edição. Isso vai ser um pouco diferente do que você está acostumado. Na maioria das vezes, escrevo um roteiro e tento tornar a aula o mais concisa possível, mas desta vez vou me aprofundar como edito do início ao fim. Se você estiver procurando por uma aula mais concisa, acabarei criando um curso ou aula para isso. Será editado no Premiere Pro e será uma das melhores técnicas para otimizar e tornar o corte o mais rápido possível . Se você estiver interessado em aulas mais concisas, não deixe de clicar no botão “Seguir” e conferir minha aula mais tarde, mas, por enquanto, vamos nos aprofundar. No momento, eu já tenho o Premiere Pro aberto e o que vou fazer é passar pelo processo de importação. Eu já importei as imagens do cartão SD para o meu computador. Tanto a Câmera A quanto a Câmera B estão aqui na pasta de vídeos. Vou importar isso primeiro. Eu vou arrastá-lo para dentro, Film Yourself. Em seguida, vou importar o áudio. No momento, não importa muito que não esteja organizado, porque o que vou fazer é destacar tudo, clicar com o botão direito do mouse e depois criar uma sequência de origem com várias câmeras. Eu tenho as configurações de áudio. Deixo o nome como sincronizado só porque é mais fácil assim. Enumere câmeras, estéreo, câmera 1 e automática. Em seguida, clico em “Ok” e espero que isso termine. O que a sequência de origem de várias câmeras faz é sincronizar o áudio com o vídeo e, se não conseguir encontrar nenhum clipe sincronizado , essa mensagem aparecerá. Vou clicar em “Ok” e ele criou quatro sequências diferentes. No momento, isso é basicamente tudo o que eu gravei para essas aulas. O que vou fazer é seguir em frente e mostrar como edito uma das aulas, já que basicamente é como um vídeo de cabeça falante. Clique com o botão direito do mouse e clique em “Editar” ou “Abrir linha do tempo”. Normalmente tenho atalhos para isso, então é muito mais fácil para mim fazer isso rapidamente. Para este, vou seguir em frente e usar o conteúdo roteirizado, que é esse, eu acredito. Eu vou seguir em frente e sair de todo o resto. É basicamente assim que eu sincronizo áudio com vídeo muito rapidamente. Eu tenho as câmeras A e B aqui. Deste ponto em diante, eu realmente não preciso usar o método multicâmera que eu posso, se eu quiser. Por exemplo, vamos criar uma sequência. Eu uso o atalho. Basicamente, você pode clicar com o botão direito uma nova sequência do clipe, foi o que eu fiz. Então você pode simplesmente arrastar. Eu acredito que foi esse, então vamos renomeá-lo como Conteúdo com script e então você pode arrastá-lo. O interessante sobre o método de sequência de origem com várias câmeras é que, como você pode ver, esta é a Câmera e, se eu clicar em “2", ela mudará para a Câmera B. É muito legal poder para alternar para frente e para trás e você também pode transformar essa prévia aqui no modo multicâmera. A partir daí, você verá todas as câmeras que foram sincronizadas. Eu só tinha duas Câmeras A e Câmera B. Se você jogar e depois trocar enquanto ela está sendo reproduzida, você verá que depois de pará-la, ela faz os cortes para você. Eu tenho uma aula inteira dedicada a realmente como usar o método multicâmera. Não vou me preocupar muito com isso aqui. Confira essa aula se você estiver interessado, mas, por enquanto, eu pessoalmente, se eu tiver apenas duas câmeras, eu realmente não me se eu tiver apenas duas câmeras, importo muito em usar o método de fonte multicâmera. Vou copiar tudo e colocá-lo nesta linha do tempo aqui. Vou renomear a linha do tempo. Ainda será conteúdo roteirizado e vou me livrar dessa coisa pois não preciso mais dela. A partir daqui, eu recomendo fortemente que esses sejam meus métodos de edição concisos, mas eu gosto de usar E para adicionar edição a todas as faixas de nossos atalhos de teclado. Você pode abrir os atalhos do teclado acessando a guia Premiere Pro e depois os Atalhos do teclado e, em seguida, pode procurá-los, adicioná-los e editá-los. Clique nessa área e depois digite o que quiser. Para mim, isso é E. Eu também tenho o salvamento automático ativado, então é por isso que às vezes acontece. Eu só gosto de cortar a frente e a extremidade só para ter certeza de que tudo está alinhado. Eu me livro do áudio que era da câmera. Basicamente, estava lá apenas para fins de afundamento. Então, esse áudio aqui, você pode ver que está muito baixo agora, mas vamos prosseguir e editá-lo no Adobe Audition. Eu tenho os três áudios daqui e estão basicamente vinculados ao Premiere, então não preciso me preocupar com isso. Temos vários. Acredito que seja o primeiro. Eu bati palmas toda vez que gravei uma aula diferente. Vamos prosseguir e normalizar isso muito rápido. Você pode acessar isso entrando nos favoritos e depois normalizar para menos 3 decibéis é o que acabei de fazer. Novamente, tenho uma aula dedicada a aprimorar a narração. Isso é basicamente o que estou fazendo aqui. Eu vou fazer isso rapidamente. Vou limitar até menos 18 apenas para tornar essas palmas mais suaves. Isso é o que eles são, aplausos. O que vou fazer a seguir é usar o método super rápido que eu criei, que é arrastar isso para o volume da partida. Honestamente, eu poderia muito bem fazer isso pelos outros enquanto estou fazendo isso. O que vou fazer é apenas a sonoridade alvo definida para menos 28. Isso está na janela Match Loudness onde você pode simplesmente trazê-lo aqui. Então, esses são os parâmetros que eu defini e vamos executar essa coisa. O que isso acabou de fazer com que o volume fosse negativo 28 para todos eles. 28 LUFS, é como uma medida de volume e o padrão para arquivos mono, que é isso, é menos 19 LUFS. O que vamos fazer a partir daqui é criar uma predefinição de, basicamente eu fiz uma favorita. Eu gravei um favorito que contém um monte de ações diferentes que essencialmente o elevarão para menos 19 LUFS ou em algum lugar por aí. Na maioria das vezes, acaba sendo menos 20. Vamos tentar. Eu chamo isso de Favorite Otimize Audio Quickly. Novamente, se você estiver interessado em como eu configurei isso e o que tudo isso está fazendo, será na minha aula de narração, mas sou só eu mostrando um método rápido de fazer isso. O resumo é que eu fiz um equalizador que fiz um passe alto, um passe baixo e depois fiz a dinâmica, que está em algum lugar ao redor deles, como entre menos 2 e 3. Você realmente não precisa muito do portão automático ou do expansor, na minha opinião, a menos que tenha uma configuração de gravação muito barulhenta, mas eu a incluo de qualquer maneira. limite que eu defini para ser em torno de menos 20ish, quando está em menos 20 LUFS. Depois da dinâmica, é basicamente isso. Como depois da dinâmica , você a normaliza. Tente chegar o mais próximo possível de menos 19 LUFS . No momento, são 23 LUFS negativos. Eu suspeito que seja porque há muitos aplausos que tornaram a normalização mais difícil de fazer. Vamos ver, são palmas. Vamos aumentar em três decibéis e, em seguida, vou fazer um limitador rígido menos 3 decibéis também. Uma das habilidades mais valiosas que você pode aprender, ideias sobre como fazer isso de forma eficiente e, finalmente, vou falar sobre como edito. Certifique-se de acompanhar se quiser fazer. No geral, o áudio parece muito bom para mim, exceto que dificultei encontrar onde estão os pontos de aplausos. Eu vou falar sobre a história. Você também pode ver o que meu favorito fez aqui. Começou com o equalizador paramétrico e depois com a dinâmica. Esse equalizador paramétrico aqui é apenas um padrão muito simples. Aumente um pouco na extremidade superior e diminua um pouco na extremidade inferior. É isso mesmo. Normalize a amplificação. Vamos fazer isso aqui mesmo. Acho que há um aplauso ali. Bata palmas aqui e talvez aqui também. Esses marcadores basicamente vão me ajudar a descobrir onde devo cortar aqui. Como você pode ver, as mudanças foram refletidas do Adobe Audition para o Premiere, o que é muito legal. Eu só vou fazer esses cortes bem rápido. Todos esses serão vídeos separados. Provavelmente sou só eu começando, então não preciso disso. Um vídeo aqui, um vídeo aqui, um vídeo aqui e um vídeo aqui. Então agora eu posso fazer o limitador rígido. Então eu vou salvar, você precisa economizar para que isso reflita no Premiere Pro. Por fim, descrevi uma lista de verificação para sempre que você grava um vídeo de Talking Head e passamos pelo processo de edição juntos. Essa é a conclusão aqui. Isso é o que eu vou fazer. Vou editar a conclusão, pois provavelmente é um dos vídeos mais simples de editar. Esse passo a passo não durará muito. A razão pela qual estou fazendo isso é apenas para criar uma nova sequência muito rapidamente com base nas mesmas configurações da minha câmera. Eu realmente não me importo com qual eu fiz isso, vou apenas excluí-lo. Boom, temos algo com que trabalhar imediatamente. A primeira coisa que vou fazer é, na verdade, eu deveria ter feito isso antes, mas vou destacar todas elas com uma cor diferente. Eu o configurei como um Command Control A para fazer um azul-petróleo. Você também pode fazer isso clicando com o botão direito do mouse, acessando Etiquetas e escolhendo a cor desejada. Mas fica mais fácil distinguir esta é a Câmera A e essa é a Câmera B. Na maioria das vezes, a maneira como eu trabalho é, vou deixar assim por enquanto para ter a câmera principal. A câmera principal é filmada em S-Log 3 para que possamos colori-la mais tarde , só porque a reprodução é mais suave quando há menos efeitos nos clipes. Vamos seguir em frente e entrar na fase de corte. A forma como eu corto é muito simples. Eu uso a forma de onda de áudio apenas para indicar onde devo cortar. Aqui parece uma frase, aqui parece uma frase e, basicamente, começo do final, se for conteúdo roteirizado, porque, na minha opinião, é mais fácil aqui parece uma frase e, basicamente, começo do final, se for conteúdo roteirizado, porque, na minha opinião, é mais fácil Eu sei que é a última tomada. Para mim, pessoalmente, a última tomada geralmente é a melhor, então eu uso a última tomada na maioria das vezes. Se soa bem e eu ouço a mesma coisa, vou cortá-la instantaneamente, ao contrário , se eu começasse do começo, ouviria uma versão ruim, ouviria outra versão ruim, ouça finalmente a boa versão e depois apague duas tomadas ruins. Mas eu escuto duas delas , então isso leva mais tempo apenas ouvir as boas e depois cortar as ruins. Uma maneira fácil de fazer isso ainda mais rápido que ainda não usei com muita frequência, é você transcrever a sequência. Isso está na janela de texto aqui e você só encontra o texto e o abre, transcreve a sequência e, em seguida, aperta o botão “Transcrever”. O Adobe Audition criará basicamente legendas para você. Se você ver textos repetidos , fica claro que é basicamente a mesma coisa. Dessa forma, você nem precisa ouvir nada, você pode simplesmente usar seus olhos. Eu também vou mudar isso de volta para a visão normal. Depois de criar isso, você pode clicar em “Criar legendas”. Deixo tudo como padrão especialmente porque na verdade não vou usá-lo. Como você pode ver aqui, não estou muito preocupado com a imagem no momento, é principalmente com a edição. O texto também está apresentado aqui, então temos liberdade para editar rapidamente. Os atalhos que estou usando são os nativos Q e W. Basicamente, o que eles fazem, se você tem um ponto de corte aqui e usa W, ele apaga tudo, de onde quer esteja o cursor da linha do tempo até aquele ponto de corte. Vou deixar isso óbvio fazendo isso vermelho. Na verdade, espere, isso vai dificultar as coisas, mas tudo bem, aqui vou ampliar bastante. Essa área aqui será excluída entre o cursor azul e esse ponto de corte se eu pressionar “W”. Então eu desfiz, e então se eu apertar “Q”, ele vai para o ponto de corte do lado esquerdo para o cursor azul desse jeito. Essa é essencialmente uma maneira muito rápida de editar e minha maneira preferida. Apenas certifique-se de ativá-los, caso contrário, não funcionará. Canal de vídeo 1, 2 e 3, basta deixar tudo azul, é a maneira mais rápida e fácil de fazer isso. Se você quiser conferir o que estou fazendo, você pode me encontrar no YouTube. Tudo parece bom. Basicamente, esses pontos aqui em que simplesmente não há áudio ou nenhuma conversa, eu simplesmente os recorto. Você pode reproduzi-la para ver a transição. Mas está claro que esses dois são iguais aos dois. Eu só vou cortar isso. Isso é o mesmo aqui , então eu também posso cortar isso. Vamos ouvir essa transição. Podemos torná-lo um pouco mais curto. Isso parece bom para mim. Tudo parece bom. Também estou ampliando e diminuindo a linha do clicando no sinal de igual e menos. Vamos ouvir essa transição. Definitivamente, há muito espaço lá, então vou cortar o espaço. É uma sensação boa. Isso é a mesma coisa que eu posso ver com base no texto. Parece que todo o texto é diferente aqui , então parece que eu não cometi nenhum erro, felizmente. Então boom. Isso é basicamente todo o corte. Com base nos cortes, posso dizer onde eu gostaria que a Câmera B ou a Câmera A aparecessem. Definitivamente, haverá um B-roll neste , então eu não preciso me preocupar muito com isso. Mas, por enquanto, o que posso fazer é alterná-lo. Vou segurar Shift e clicar nesses. Então, o que eu fiz anteriormente e não expliquei muito foi que habilitei e desativei. Vou clicar em “Ativar” agora mesmo e fazer uma pausa no backup, então agora ele está visível. Ele alternará entre a câmera principal e a câmera secundária sempre que houver um corte. Isso é o que eu costumo fazer nos meus vídeos de Talking Head. É por isso que eu realmente não preciso do método multicâmera porque este é apenas mais rápido, na verdade. É como uma versão resumida do que eu normalmente faria porque isso é apenas um minuto. Normalmente, alguns dos meus vídeos de Talking Head até cinco minutos, mas esse é basicamente todo o processo que eu faço, é simplesmente revisar tudo de trás para frente. Para o atalho para ativar e desativar desde que eu o mencionei, o que eu gosto de usar é apenas Command Shift E. Se você destacar esse clipe, poderá desativá-lo e ativá-lo. É apenas uma maneira rápida de ver a camada inferior ou as camadas de empilhamento que você está tentando escolher entre duas coisas e você pode realmente destacar as duas, segurando a tecla Shift e clicando na outra. Se você fizer o atalho, poderá alternar entre os clipes e ver qual deles você prefere basicamente. É essencialmente assim que eu corto as coisas no Premiere Pro. Na próxima lição, abordaremos como adiciono efeitos, B-roll e um pouco de cor. 9. Edição de cores: Neste tutorial, vou abordar quatro coisas principais: o número 1 é a cor, o número 2 é como eu adiciono o rolo B, o número 3 é como eu adiciono texto e alguns gráficos em movimento e, número 3 é como eu adiciono texto e alguns gráficos em movimento e seguida, o número 4 é como eu adiciono na música. Então, este vai ser um pouco mais longo, mas vamos fazer isso. Vamos começar com a cor. Na verdade, a cor é bem simples, pelo menos o método que eu uso para colorir minhas imagens para vídeos de Talking Head. O que eu pessoalmente faço é fornecer vários métodos , fornecer vários métodos caso você não tenha realmente a mesma câmera que eu, mas vou excluir essa faixa de legenda apenas para tirá-la do caminho e tenha mais espaço para trabalhar. Na verdade, eu não preciso de legendas , então apenas reorganizando isso. Então, o que eu pessoalmente faço é acessar o Lumetri Color, é uma janela que você pode fazer aparecer acessando a guia Janela aqui e procurando por Lumetri Color. Então eu vou para a Fonte, porque a Fonte basicamente edita tudo o que é esse videoclipe aqui, ela aplicará os efeitos de cor a ele. Então essa é a totalidade de toda essa linha que eu fiz azul-petróleo, então, vídeo: Camada 1. Dessa forma, não preciso adicionar uma camada de ajuste. Portanto, esse é outro método que as pessoas usam com bastante frequência, que é adicionar uma camada de ajuste aqui, novo item, uma camada de ajuste. Eles o adicionam por cima e praticamente fazem a coloração na camada de ajuste. Isso é para que não haja edição destrutiva , para que você não a afete permanentemente mas, honestamente, para meus propósitos de falar com vídeos principais, eu não preciso fazer isso porque precisaria me inscrever para cada camada de ajuste. Em seguida , troque-a quando a câmera B aparecer e for muito trabalhoso e desnecessário. Então, se você está corrigindo cores e gradando cores em imagens em rolo B, é compreensível, mas para vídeos de Talking Head, isso não é realmente necessário, na minha opinião. Então, o que vou fazer é meu método, como eu disse, ir para a Fonte. A primeira coisa que faço é ir até a guia Criativo e adicionar muita tabela de pesquisa. O que eu tenho pessoalmente, eles são chamados de lotes fantasmas, é algo que eu tive que comprar, mas vou aplicá-lo primeiro para que você possa ver como fica. Então, como você pode ver , definitivamente mudou de antes e depois. Apenas aplicar o lote sozinho, honestamente, isso é muito bom. Você realmente não precisa fazer muito mais do que isso mas se quiser, pode fazer as correções básicas, o balanço de branco, encontrar algo que seja branco. Para mim, não há muitas coisas brancas porque eu tenho fundos muito coloridos, então não vou mudar o balanço de branco porque parece bom no geral mas se você quiser, você pode encontrar algo que fosse branco. Acho que em termos de tom de pele, é um pouco melhor. Você pode saber usando Lumetri Scopes. Basicamente, se você fosse criar uma máscara, eu a usaria. Eu faço isso entrando no controle de efeitos usando a ferramenta de caneta e, em seguida, passando por cima do meu rosto assim, estou apenas criando um triângulo. Você pode ver através dos Lumetri Scopes aqui que, se os tons de pele forem muito vermelhos, eles apontarão na direção vermelha e, se houver muito amarelo ou laranja, estarão apontando para na direção amarela ou verde, às vezes seu tom de pele é um pouco verde. Então, no momento, são tons de pele perfeitos, como mencionei anteriormente você sempre pode confiar na sua visão, mas para mim, posso dizer que meus tons de pele pareciam corretos. Já fiz edições suficientes para saber se parece muito verde ou vermelho. Eu vou te mostrar um exemplo de movimento, então se for muito verde, o que provavelmente nunca será como aquele verde mas se for um pouco verde, então você pode dizer que está no lado amarelo para este Lumetri Scope. Se você não estiver vendo este, clique com o botão direito na área Lumetri Scope. Você vai para o Window, Lumetri Scopes está aqui e, em seguida, clique com o botão direito do mouse e é o Vectorscope YUV. Acabei de mudar essa posição, então quando estiver mais verde ou mais amarelada, ela apontará para aqui e você deseja adicionar vermelho ou magenta para corrigi-la basicamente. Então é como adicionar magenta aqui, que fixa o tom da pele mas digamos que seja verde, vamos usar a máscara. Estou usando atalhos para alternar entre as guias. No momento, mudei para shift X como Effects Control e depois mudei C como Lumetri Control ou Lumetri Color e essas janelas, você pode abri-las simplesmente digitando e adicionando seu atalho aqui, então vamos alternar entre eles. Controle de efeitos, vou remover a máscara bem rápido para que você possa ver que ela está definitivamente mais verde agora e vamos voltar e consertá-la, muito simples. É basicamente assim que você faz tons de pele. Se você não quiser afetar tudo, apenas sua pele é o problema, então você pode usar o HSL Secondary. Basta selecionar onde está sua pele, essa é a tonalidade, saturação e luminância, então se você quiser selecionar mais, basta expandi-las mas agora, essa seleção está apenas na minha pele. Então, se eu mudasse a cor, ela permaneceria principalmente na minha pele e não no fundo. É assim que você basicamente muda os tons de pele sem alterar as cores do fundo mas, obviamente, para mim, eu realmente não precisava disso porque fotografei com o branco correto equilíbrio e boa exposição. Na maioria das vezes, desde que você esteja fazendo isso, você não precisa fazer muita correção. Voltando ao lote, se você não quiser comprar muito, para mim pessoalmente, já que estou fotografando com a Sony A74, o que você pode fazer é acessar site deles e baixar o lote grátis, isso é para S log3, que é aquele com o qual estou filmando. É totalmente gratuito e eu já o usei antes. Praticamente faz algo parecido quando eles apenas a corrigem a cor. Portanto, você não precisa realmente comprar nenhum lote, basta usar aqueles que, seja qual for o fabricante da câmera, empresa deles, o que eles têm de graça , devem funcionar. Esse lote fantasma deveria combinar com uma câmera chamada Arri Alexa, então está combinando com uma aparência um pouco diferente de apenas corrigir cores. É por isso que eu pessoalmente gosto deste e é por isso que o comprei , mas não é necessário comprá-lo. Isso é basicamente o suficiente para cores em termos de correção de cores. Se quiser melhorar um pouco mais, você pode dar um pouco mais de contraste se gostar desse visual. Se estiver muito escuro, você pode expô-lo mais alto, é para isso que serve esse Lumetri Scope. Você pode ver 0 -100, este é o Waveform Luma. Basicamente, você não quer que nada fique abaixo de zero ou acima de 100. Porém, essa pequena lasca aqui, que é a janela, eu realmente não me importo muito se ela estiver cortada, o que significa que é completamente branca, não há mais informações. Então, se eu aumentar os destaques apenas para torná-los gerais mais próximos de 100, porque geralmente a regra porque geralmente a regra geral é tentar tornar isso o mais espalhado possível para que você obtenha o maior contraste em termos de sombras e realces. Então, eu poderia fazer isso, mas, novamente, tudo isso é muito subjetivo então, desde que não esteja muito esmagado no meio, ou não esteja caindo na escuridão ou na brancura completa, você ficará bem. Você realmente não precisa sempre expandi-lo tanto quanto possível. É só que se você está fazendo um filme e você está tentando avaliar algo da melhor maneira possível, isso é o que você faria, mas para falar com o vídeo principal não é totalmente necessário, mas é algo para observar se é isso que você quer. Brancos e pretos são basicamente apenas as extremidades inferiores. Vem do preto na escuridão total, você está controlando se as coisas pretas na imagem ficam mais claras ou até mais escuras. Então, as sombras não são totalmente pretas, mas as coisas mais escuras, e o cabelo e qualquer coisa que seja basicamente uma sombra. Você está basicamente controlando as coisas mais pretas e depois as coisas menos pretas e depois as coisas menos brilhantes e depois as coisas mais brancas. É assim que esses controles deslizantes funcionam aqui mas, novamente, pessoalmente, para mim, fui muito decidido com a maneira como iluminava as coisas em termos de iluminação. Portanto, não preciso ajustá-lo muito na postagem , mas é isso que esses controles deslizantes principais fazem caso você queira ajustá-los. Mas isso é basicamente tudo que eu faço para colorir. Eu costumo fazer isso na fonte, parece que acidentalmente fiz isso no clipe si e não em todos de uma vez, mas isso é fácil de corrigir. Vou entrar aqui, clicar em “Copiar”, então comande C, vá para “Fonte” e depois vou colar em “Fonte”. Acabei de dobrar, então vou deletar este. Agora você pode ver que há uma linha vermelha abaixo deles. É aplicado a cada um deles, onde naquela época era aplicado apenas a esse único clipe e não aos outros. Então, esse é o benefício de aplicar seus efeitos na Fonte e não apenas um clipe por vez. Pelo menos é assim que eu pessoalmente faço. Isso é basicamente tudo para cores. 10. Adicionando b-roll e efeitos: Vamos continuar adicionando o B-roll. A maneira como eu lido com o B-roll é que geralmente tenho um roteiro e, com base no roteiro, vou filmar o que achar necessário, dependendo do roteiro , mas, felizmente, vamos ouvir para isso. Primeiro, você aprende como superar o medo das tensões. É algo que levará tempo e prática para ser descoberto. Em seguida, você aprenderá a configurar sua câmera com as melhores configurações e composição. Depois disso, você aborda como configurar corretamente seu áudio. [MÚSICA] Para concluir, estou basicamente apenas reiterando o que vocês aprenderam. O que eu preciso é um rolo B do material da câmera, e depois um rolo B do material de áudio e o rolo B do material leve. Felizmente, eu já filmei tudo isso. É muito simples de encontrar porque eu tenho uma pasta chamada B-roll. Como eu disse, eu apenas olho o roteiro desse vídeo em particular linha por linha e digo, eu quero filmar B-roll para isso? Se estou falando sobre o Rode VideoMic Pro, então eu simplesmente filmo B-roll para isso. Então, se eu falar sobre o gravador de áudio F6, eu gravo B-roll para isso. Então eu apenas o trago de volta aqui e adiciono um de cada vez. Eu tento seguir o script, então é fácil adicioná-lo porque está em ordem cronológica, mas a maneira mais fácil de ver o B-roll é clicar duas vezes e criar um compartimento. Então eu uso a visualização de ícones aqui. Dessa forma, você pode ver, após o carregamento, o que você está prestes a adicionar à linha do tempo. Como você pode ver, há coisas que eu filmei. Eu clico duas vezes nele apenas para ver exatamente onde estão as seções de mercadorias que eu quero adicionar. Parece que o que fiz aqui foi focar apenas no A7C. Depois que ele se concentra, eu clico para dentro e para fora, que é I e 0. Então eu simplesmente arrasto o vídeo apenas para aqui. Gosto de fazer este vermelho como rolo B, ou pelo menos com uma cor diferente desta. Eu defini o atalho para leitura como Command Control R e suas linhas. De forma alternativa, como mencionei anteriormente, você pode clicar com o botão direito do mouse no rótulo e fazer isso, mas os atalhos economizarão muito tempo. Basicamente, configurei e uso tanto os atalhos que esqueci como fazer da maneira original. Às vezes eu esqueço que isso está realmente aqui , mas esta também foi filmada no S-Log 3, então eu preciso realmente me inscrever. Eu também criei uma predefinição rápida para ele. [MÚSICA] Tudo o que ele faz é adicionar essa luz nele. É isso mesmo. Você pode fazer isso acessando o controle de efeitos, clicando com o botão direito do mouse e dizendo predefinição. Eu provavelmente poderia trabalhar um pouco mais sobre isso. Parece que ele pode usar um pouco mais de contraste. No escuro e ainda não está chegando a zero. Vamos adicionar alguns pretos e sombras. Isso é bom o suficiente para mim. Ainda parece muito bom. Acho que quero duas, não apenas uma chance. Às vezes, quando é como uma repetição do B-roll, eu simplesmente entro na outra linha do tempo. Por exemplo, eu também editei todas as outras lições. Tudo o que preciso fazer é pegar uma foto daqui e colocá-la aqui. Você não deseja selecionar esses dois para poder colar no Vídeo 3. Eu configurei um atalho que é o turno 1, 2, 3, onde ele simplesmente alterna os vídeos. Eu posso fazer isso facilmente rapidamente. Em seguida, ligue-os novamente porque esses botões azuis controlam muitas coisas. Por exemplo, se essa pausa for muito longa e eu quisesse usar o método de edição de q e w, se eu não tivesse essas duas coisas alternadas e não tivesse isso, não funcionaria bem porque se eu clicar em Q aqui, ele irá para o que estiver ativado, que por acaso também é o áudio, mas deixe-me desativá-lo. Aí está. Também funciona para o áudio, mas digamos que você tenha apenas o Vídeo 1. Ainda funciona dessa maneira porque você tem o Vídeo 1 , mas se você não os tiver ativado, ficará confuso com o motivo pelo qual q e w não estão funcionando. É por isso que eu sempre os mantenho ligados, a menos que eu precise pagar alguma coisa. Vamos pegar isso de volta. Vamos seguir em frente e mostrar a vocês como adicionar alguns quadros-chave bem rápido. Este é só para não ser tão estático. Vou apenas adicionar um quadro-chave em que não estou aumentando muito a escala, 110. Eu defino um quadro-chave no final e um quadro-chave no início. Você pode clicar nesse símbolo aqui para adicionar o quadro-chave. Eu apenas o ajusto deslizando para a esquerda e para a direita, mas vou mantê-lo em 100 para que ele aumente o zoom. Em seguida, você aprendeu a configurar sua câmera. Isso não é sutil o suficiente, então vou fazer apenas 105. Em seguida, você aprendeu a configurar sua câmera com as melhores configurações e composição. Depois disso, abordamos como configurar adequadamente seu equipamento de áudio e equipamento de iluminação. Eu digo áudio e depois iluminação. Eu só vou fazer isso para fins de marcação. Eu poderia simplesmente adicionar marcadores clicando em M, mas eu pessoalmente não gosto da aparência dos marcadores, então fazer isso é o suficiente para mim. Novamente, a introdução já tem a maior parte do B-roll organizado, mas esse é basicamente o processo de adicionar o B-roll. No geral, é um processo muito simples. A razão pela qual você vê que algumas dessas coisas já têm essa coisa é porque eu fiz isso mais cedo nas aulas anteriores, mas, novamente, basta eu e O e depois arraste o clipe. Além disso, um truque muito legal que eu gosto de fazer é mover esse cursor azul rapidamente. Eu configurei o atalho de comando e menos para ir até o ponto de controle anterior e, em seguida, mais para o próximo é apenas uma maneira rápida de me movimentar com a qual me acostumei. É como se fosse instintivo em um teleprompter, em comparação com falar em estilo livre. Por fim, descrevi uma lista de verificação para sempre que você grava um vídeo de cabeça falante. Passamos pelo processo de edição juntos. Processo de edição em conjunto. Para isso, posso simplesmente adicionar uma gravação de tela linha do tempo de edição. Parece que esse não é o único, esse. [MÚSICA] Basicamente, basta selecionar qualquer coisa que funcione. Isso funciona. Faz isso e cola. Novamente, isso foi um pouco demais e esse é basicamente o processo do B-roll. Passamos pelo processo de edição juntos. A lista de verificação, não me importo de me mostrar dizendo isso. Estou prestes a reagrupar o processo de edição. Espero que você tenha conseguido conectar seu projeto de classe e criar seu próprio [inaudível]. Sinta-se à vontade para enviar seu projeto de classe abaixo e farei o possível para analisá-lo e lhe dar feedback. Por fim, quero agradecer a você por chegar ao final desta aula. Foi divertido falar sobre alguns vídeos. O resto é basicamente só eu falando. Agora, vamos falar sobre alguns gráficos em movimento e alguns efeitos que eu costumo usar meu vídeo e esse é o principal compositor. É basicamente um plugin. Você pode encontrá-lo depois de baixá-lo. A maneira de baixá-lo é por meio de um site chamado MisterHorse.com e, em seguida, você acessa seus produtos, Premier Composer, Products, Premier Pro e Premier Composer aqui. Na verdade, é um plugin gratuito, mas há coisas que você pode comprar, mas elas vêm com predefinições gratuitas, então você não precisa comprar nada para usá-lo. Mas, pessoalmente, comprei alguns de seus pacotes , mas você poderia simplesmente usar o pacote inicial deles. Vou usar este pacote inicial para que vocês possam ter uma ideia de como usá-lo. Depois de baixá-lo, você verá algo assim e vamos usar a predefinição de redução de zoom aqui. Você precisa ter o cursor azul entre os pontos de corte. Isso é o que eu fiz antes. Eu estava no meio aqui e leva algum tempo para que ela seja visualizada, para que a visualização seja carregada , mas espero que você possa vê-la. Em seguida, você aprendeu a configurar. Você mal pode vê-lo mas basicamente, ele aplicou a predefinição em que amplia para a próxima cena. Isso é o que eu costumo usar para minhas transições. Vou aplicar um aqui também. Vamos fazer o sombreamento da história , mas como esse é o vídeo de conclusão, vocês podem ver os efeitos logo no final. Essa é uma das razões pelas quais decidi editar o vídeo de conclusão. Então você basicamente pode ver o resultado final da edição. Achei que isso fazia mais sentido e é por isso que escolhi isso, mas o compositor Premier também tem material de tecnologia que você pode adicionar, o que é muito legal. Na verdade, não uso mais muito o pacote inicial porque comprei os outros. Esse é um conjunto incrível de coisas. É como uma ferramenta que acelera sua edição como uma louca. O que eu fiz pessoalmente foi adicionar meus favoritos em uma linha do tempo que é 4K. Depois, eu os agrupo e posso simplesmente copiá-los e colá-los aqui. Boom, agora eu tenho um em que posso simplesmente editar o texto no premier composer. Você só precisa selecionar um deles segurando Alt ou Option e, agora, posso alterá-lo para o que eu quiser. Eu também agrupei a transição. Assim como aumentar e diminuir o zoom, essa é uma maneira super rápida de prepará-los, copiá-los e colá-los na linha do tempo. [RUÍDO] Isso é como um método que eu realmente não vi ninguém usar. Achei que fazia mais sentido fazer isso. Você não precisa refazer isso repetidamente. Sim, esse é o meu método. É como um modelo, mas o mais legal disso é que você pode realmente adicionar som e transições ao modelo se usar algo chamado Essential Graphics, onde você pode abrir uma janela e seus gráficos essenciais e você pode criar modelos e outras coisas no After Effects. Eu crio principalmente no After Effects, esses modelos aqui. Isso é o que eu tenho usado para alguns dos cabeçalhos de tópicos, este aqui. Na verdade, está em 1080, mas estou apenas aumentando a escala. Isso é basicamente algo que eu criei no After Effects e acabei de trazê-lo, mas você não precisa fazer isso, desde que esteja usando os plug-ins e o método de linha do tempo muito bem, não é necessário. Pessoalmente, acho que essa forma de Gráficos Essenciais é, na verdade, mais lenta, mas é assim que eu pessoalmente lido com gráficos em movimento e texto. Definitivamente, não é uma maneira comum de me sentir. Acho que a maioria das pessoas seguiria o caminho da Essential Graphics, mas sim, esses são apenas meus dois centavos sobre como eu faço as coisas. 11. Adicionando música e exportação: A partir daí, vamos adicionar a música. Para mim, pessoalmente, o que eu costumo usar em termos de músicas e outras coisas sem direitos autorais, eu vou para a Biblioteca de Música do YouTube. Para isso, você realmente precisa ter uma conta no YouTube. Você acessa o YouTube Studio, acessa sua biblioteca de áudio e pode basicamente encontrar algumas músicas sem direitos autorais aqui. Outras opções, você pode encontrar músicas sem direitos autorais se você assinar algo como Epidemic sound ou Soundstripe, esses são dois serviços que eu usei anteriormente não uso mais, apenas porque você tem que pagar por eles mensalmente. Atualmente, acabo de usar basicamente a Biblioteca de Áudio do YouTube. Depois de encontrar algumas músicas livres de direitos autorais que eu gosto na biblioteca do YouTube ou no Google, basta procurá-las e encontrar sites que as tenham gratuitamente , isso é livre de direitos autorais. Eu simplesmente vou até a linha do tempo e a adiciono aqui. O que eu faço é adicionar a música repetidamente para que a que eu uso muito seja uma música chamada Lottery. Depois de adicioná-lo, o que você pode fazer é cloná-lo, que é o que fiz aqui várias vezes. Eu apenas seguro Alt e então você pode cloná-lo. Eu o clonei várias vezes, você também pode acessar a janela, que é Audio Meters ou Audio Clip Mixer. Há vários deles que você poderia fazer, mas eu uso principalmente o mixer de faixas de áudio e depois faço menos 25 na faixa de áudio 1. Na verdade, nunca precisei fazer muito com a música porque os efeitos são aplicados aqui. Mas depois de colocar isso em uma linha do tempo e criar uma nova linha do tempo, com base neste clipe aqui ou você pode simplesmente executar o comando N para criar uma nova linha do tempo. Mas eu criei essa linha do tempo. Agora eu posso simplesmente adicioná-lo no final. Não haverá vídeo, é principalmente para a música, então vou excluí-lo segurando a opção, excluindo-a . Então eu corto tudo o que eu não preciso. Não gosto de começar porque o começo é um pouco suave e a música ainda não chegou totalmente então é isso que eu faço, esticá-la até o fim. Em uma potência constante cruzada, é um desvanecimento cruzado. Você pode fazer isso com o comando Shift D e isso apenas adicionará a transição, supondo que você tenha a transição como padrão, aqui. Defina Selecionado como Transição Padrão e isso é o que eu tenho como padrão, é energia constante. É basicamente isso. Concluímos a conclusão. A partir daí, você só precisa comandar M ou exportar, basicamente, para poder arquivar, exportar e escolher o local, nomes dos arquivos, coisas assim. No momento, eu o tenho como adaptável, como a taxa de bits média adaptável da fonte de correspondência. Obviamente, isso depende do que você está fazendo. Você pode aumentá-lo o mais alto possível, se quiser. Acho que vou realmente fazer isso, e depois gravar mais. Renderize na profundidade máxima, use a máxima qualidade de renderização e você pode realmente ver a taxa de bits aqui. taxa de bits alvo no momento é 60 e, na verdade, é bastante alta, mas eu escolhi a mais alta. Isso afetará muito o tamanho do arquivo . Portanto, se você o estiver arrastando para baixo, verá que o tamanho do arquivo aqui diminui consideravelmente. Mas vamos deixar em 60. Basicamente, tudo o que ele faz é fazer com que esse vídeo tenha a melhor aparência possível, se você o estiver configurando para ser mais alto. Mas é claro que, se você o definisse como super baixo e depois o exportasse, não ficaria e depois o exportasse, muito bom. Qualquer movimento vai parecer muito instável e estranho , então você quer que seja um número decentemente alto. Pelo menos 10, depende do que você está fazendo. Para mim, é 4K, então, em torno de 4K, idealmente, você tem isso em torno de 30-40 e esse é um número muito importante aqui quando você exporta coisas. É basicamente isso. Vamos exportar essa coisa. É basicamente assim que edito meus vídeos do Talking Head. Só para resumir, o que fiz foi, número 1, editar o áudio no Adobe Audition, vinculá-lo dinamicamente e depois fizemos como uma câmera múltipla para sincronizar as coisas. Em seguida, o colocamos em um cronograma normal. Eu o recortei do final ao início porque era um conteúdo roteirizado e eu podia usar legendas para ver onde eu repetia as linhas e simplesmente tomei a marca final. A partir daí, o que fizemos foi adicionar cor. Eu uso a configuração de origem basicamente para editar todos os vídeos ou todos os clipes do mesmo vídeo gravado. Foi assim que eu adicionei a cor a isso. Mostrei a vocês como procurar basicamente lotes e mostrei a vocês o básico para manipular contraste, realces, sombras, essas coisas. Em seguida, demos uma olhada no Premiere Composer, que é o plug-in que eu uso na maioria das vezes para gráficos, textos e transições centrais . Basicamente, todos os efeitos que você vê nos meus vídeos, na maioria das vezes eu uso o Premiere Composer. Então, esses foram os efeitos e depois vimos como eu adicionei música e, a partir daí, apenas exportamos o vídeo. Espero que todo esse passo a passo tenha sido uma experiência de aprendizado para vocês. Eu sei que foi muito em um período de tempo condensado e usei meus hábitos de apenas atalhos e coisas assim. Mas espero que, ao ver o trabalho, vocês possam entender como é o fluxo de trabalho quando vocês se acostumarem com ele. Novamente, terei aulas em que seja um pouco mais aprofundado em termos de edição no Premiere Pro, porque ainda não criei uma classe específica para o Premiere Pro, mas com certeza vou Estou ansioso por isso. Esse passo a passo, em particular, foi principalmente para dar a vocês uma ideia de cada etapa do processo de edição de uma forma rápida. Novamente, é basicamente como eu pessoalmente edito as coisas e não é necessariamente uma forma padrão. A exportação do vídeo foi concluída. Agora vocês podem conferir o vídeo de conclusão ao lado para ver o trabalho finalizado. 12. Conclusão do curso: Parabéns por chegar ao final desta aula. Aqui está um resumo do que você aprendeu. Primeiro, você aprendeu como superar o medo da timidez da câmera. É algo que levará tempo e prática para ser descoberto. Em seguida, você aprendeu a configurar sua câmera com as melhores configurações e composição. Depois disso, abordamos como configurar adequadamente seu equipamento de áudio e equipamento de iluminação. Também falamos sobre o uso um teleprompter em comparação com a fala em estilo livre. Por fim, descrevi uma lista de verificação para sempre que você grava um vídeo de cabeça falante, e passamos pelo processo de edição juntos. Espero que você tenha conseguido terminar o projeto da aula e criar seu próprio vídeo de cabeça falante. Sinta-se à vontade para enviar seu projeto de classe abaixo, e farei o possível para analisá-lo e lhe dar feedback. Por fim, quero agradecer a você por chegar ao final desta aula. Foi divertido conversar sobre algumas fitas de vídeo com você. Se você aprendeu alguma coisa ou gostou da aula, eu agradeceria se você desse a aula avaliasse e apertasse o botão Seguir. Estou ansioso para fazer mais aulas e adoraria que você fizesse parte disso. Enquanto isso, se você quiser conferir o que estou fazendo, você pode me encontrar no YouTube. Meus canais se chamam Dreamlit e Scottie loop. De qualquer forma, boa sorte com seus projetos, e espero ver você na próxima aula.