Esboço digital: do papel ao Procreate

1. Introdução: Oi, todo mundo. Meu nome é [inaudível]. Eu sou um ilustrador e Travel Sketcher de [inaudível], Rússia. Eu amo esboços e para os anos de esboços em diferentes lugares bonitos, eu acho que preenchi, centenas de páginas e dezenas de cadernos eu acho que preenchi, de esboços. Claro, minha técnica tem sido variada com o tempo. Mas depois de todos esses anos e mudanças, a única coisa permaneceu constante, um livro de esboços. Mas às vezes eu vou, eu tentei esboços digitais no iPad e simplesmente não conseguia parar. Foi como quando você quer desenhar apenas um esboço de parede do túnel para tentar algum recurso procreate e, em seguida, você se encontra mais tarde agradável para explorar em configurações de pincéis e assistir seus próprios lapsos de tempo. Na verdade, após os anos de esboços tradicionais, foi um pouco complicado mudar para digital diretamente. Algumas coisas no esboço digital são as mesmas e outras são completamente diferentes. Mas qual foi o mais desafiador para mim? Foi encontrar uma técnica que seria visualmente semelhante aos desenhos do meu caderno de esboços, para me fazer sentir satisfeito com ele e não perder um estilo que eu já tinha. Acho que encontrei e, claro, gostaria de compartilhar com você agora. Esta aula é para aqueles que querem desenhar no iPad, mas não sabem como começar. Vou mostrar-lhe passo a passo como desenhei o mesmo esboço duas vezes, primeiro no papel aquarela e depois no iPad. Você verá as semelhanças e diferenças de que processo em cada etapa. Vamos definir os pincéis juntos para obter um efeito adequado e eu vou mostrar-lhe como eu crio minhas paletes de cores. No final, vou pedir-lhe para fazer o mesmo, para desenhar um esboço duas vezes, tradicionalmente e digitalmente e enviá-lo aqui como seu projeto de classe. Para essa aula, eu uso meu iPad 2010, não o modelo profissional, Apple Pencil e o aplicativo Procreate. Se você ainda não tem seu próprio iPad, esta aula pode responder à sua pergunta; você precisa comprar um ou não? O que você aprenderá como resultado desta aula? Você aprenderá a desenhar um esboço digital com contornos e cores passo a passo com um algoritmo previsível. Você aprenderá a não se perder na coleção de pincéis procriar, mas usar particulares, como adicionar formas, destaques e texturas facilmente, como criar e usar referências fotográficas e você aprenderá como para usar sua experiência de desenho tradicional para mergulhar na arte digital. Se você é um sketcher, um Illustrator, qualquer tipo de artista visual, designer ou apenas uma pessoa que gosta de desenhar, esta aula pode ser interessante para você. Sua experiência de desenho não é muito importante para esta aula. Eu acho que é adequado tanto para iniciantes quanto para profissionais. Obrigado por assistir e desejo-lhe desenho feliz. 2. Papel digital vs: Vamos falar sobre como as gavetas digitais diferem das tradicionais. Primeiro, eu ia chamar este episódio de vantagens e desvantagens. Mas então eu percebi que eles estão dependendo da situação e suas preferências pessoais qualquer menor pode se tornar uma vantagem e vice-versa. Vamos comparar ambas as abordagens usando os oito critérios. Equipamento. Aqui, você pode ver o que eu levo comigo quando eu vou desenhar. Embora eu use cadernos muito pequenos, geralmente tenho minha mochila cheia. Um conjunto de aquarela, um pellet, uma caixa de lápis com lápis, forros , escovas, escovas de água, marcadores, etc Algo achatar firme para desenhar sem mesa, uma câmera para poder tirar uma bela foto de um esboço no local mas só para mencionar aqui porque estou usando agora. Aqui está o que eu preciso para o esboço digital no meu iPad, uma caneta e um carregador portátil. É isso. Tempo e espaço. Às vezes eu carrego no meu bolso um pequeno livro de esboços e uma faixa de escova para os esboços soltos rápidos. Mas no caso de fazer um esboço mais detalhado e colorido, eu também preciso estar preparado primeiro. Eu levo todo o meu equipamento e, claro, preciso de algum espaço para ele ao meu lado. A tabela real não é necessária. Você sempre pode usar um piso, mas de qualquer maneira, você precisa de um pedaço de superfície plana para colocar seu aberto [inaudível], lápis e assim por diante. Depois, você precisa coletar tudo de volta e ter em mente que você não pode fechar o caderno de esboços com desenhos em aquarela até que ele seque. Para começar seu esboço digital, basta tirar seu iPad, caneta e abrir o aplicativo procreate. O espaço de trabalho está pronto. Pode parecer que se é tão ghrelin, one-off, se alguém manter livros desenhados à mão e aqui vamos para o próximo critério, atmosfera. Você já notou como às vezes nós só dar uma olhada em alguns arcos trabalho foto no Instagram e, em seguida, obter imediatamente esta ferramenta E vontade para desenhar. Todas essas caixas de aquarela, tubos e lápis, escovas e forros, e até mesmo latas de tinta, por toda parte inspira muito. O caos criativo de repente tem sua estética. Para mim, o processo de desenho digital parece sem rosto e até estéril. Você pode criar uma ilustração incrível, mas então você desliga este verde e imaginado desaparece. No entanto, o formato digital garante que você nunca vai derramar manchas ou bagunçar nada. Condições de trabalho. Além da mesa em algum espaço drone escalável requer um bom clareamento. É muito difícil desenhar quando não se vê o desenho. Às vezes tenho que acender minha página com a lanterna de um telefone. Mas a coisa boa aqui é que você nunca terá uma descarga no caderno de esboços. Para o desenho digital, a iluminação não é tão importante. Claro, não é muito saudável para seus olhos desenhar em completa escuridão. Mas eu já tive alguma experiência quando a luz eo café estava muito fraca para os meus amigos com livros de esboço e para mim com o iPad, foi totalmente bom. Mas como você sabe, você deve pagar por tudo neste mundo, as baterias adoravam ser descarregadas de repente. É por isso que sempre carrego um carregador portátil na minha mala. Limitações. Agora, vamos falar sobre limitações. Em primeiro lugar, gostaria de dizer que a limitação em si não é uma coisa ruim. Ele pode acordar sua criatividade, fazer você crescer como um profissional e às vezes isso realmente economiza seu tempo. Mas também no pode frustrá-lo muito, especialmente se você não esperava qualquer limitação em tudo. Limitações de cor. Embora em aquarela real ou qualquer outro material de folha, estamos sempre limitados em cores. De acordo com a teoria das chamadas, podemos obter qualquer cor no mundo, faz uma honra três cores básicas, vermelho, amarelo e azul. Na realidade, não está funcionando tão fácil. Cada ato de misturador de cores reduz a saturação. É por isso que muitas vezes obtemos cores silenciadas usando uma pelota limitada. No desenho digital, vamos ter qualquer cor que quisermos a qualquer momento. É muito conveniente, mas nem sempre é bom para o seu desenho. Uma imagem feita de muitas cores brilhantes dificilmente parecerá harmônica. É por isso que eu recomendo limitar sua pelota digital intencionalmente e usar meio-tons ligeiramente saturados com axônios brilhantes. Limitação de tamanhos. É bastante óbvio que nos desenhos programados, estamos limitados pelo tamanho e proporções de uma página e também pelas espessuras e formas de nossas ferramentas. Se eu tiver apenas dois forros, 05 e 08, não posso fazer uma linha 005, não importa como eu tente. No desenho digital, somos livres para alterar, cortar e girar a tela a qualquer momento. Também podemos escolher uma ferramenta de qualquer espessura e forma. Pode parecer loucura para um artista tradicional, mas podemos aplicar todas essas configurações não só a um pincel, mas também a uma borracha. Soa como um conto de fadas primeiro, mas brincar com coisas básicas como pincéis, formatos e cores pode levar muito do seu tempo. Limitação em detalhes. No desenho agendado, ainda estamos limitados pelo tamanho de uma página, espessura de suas ferramentas e mais nítidas [inaudíveis]. Se a cauda é muito pequena para a sua caneta, basta deixá-la em paz. No iPad, podemos ampliar infinitamente as peças mais ínfimas da sua arte e adicionar mais e mais detalhes. Às vezes, isso leva a sobrecarga de digitalização, desnecessariamente realismo e perda de tempo. Erros e aleatoriedade. No desenho tradicional, é muito raro quando você pode corrigir todos os seus erros completamente, mas às vezes você pode transformá-lo em uma vantagem. Por exemplo, para adicionar cor a um lugar que você não planeja colorir, mas onde eu desenhei alguma tinta acidentalmente. Aleatoriedade é uma grande coisa. Ele pode levá-lo às novas decisões e dar-lhe uma dica de algumas maneiras que você não aconselharia intencionalmente. No desenho digital, você pode consertar literalmente tudo. Na pior das hipóteses, você pode fazer pequena camada e começar de novo. Mas aqui, estamos quase privando da aleatoriedade. Se acidentalmente desenhamos uma linha em um lugar errado, basta tocar com dois dedos para desfazer. Pode parecer que é um caminho para o desenho perfeito, mas na verdade, perdemos a magia da aleatoriedade. Texturas. No desenho clássico você obtém texturas agradáveis e vívidas facilmente. Eles aparecem apenas por causa da textura do papel, forma do traçado, especificidades dos materiais e mistura de colunas. App apropriado tem abundância de grandes pincéis de textura e há centenas de artista criar seus próprios conjuntos e vender na Internet ou dar de graça. Eu amo pincéis imitando materiais secos como lápis e giz, mas eu não estou feliz com pincel como para mim eles parecem ser muito artificial e você precisa se esforçar para replicar um efeito que você pode criar um papel com um único movimento . Mas talvez eu não seja habilidoso o suficiente. Materialidade. O último critério e eu gostaria de falar sobre a materialidade. Você está feliz quando você desenha no papel ou não? É poder tocá-lo e senti-lo. Vê-lo em diferentes clareamento para perceber a textura é uma sensação incrível quando seu próximo caderno de esboços está acabando. Virando as páginas, você pode sentir quanto trabalho foi feito, quantos lugares você esteve como literalmente um peso de seus experimentos. O resultado do desenho digital é virtual. Às vezes eu sinto falta deste enchimento tátil ao desenhar, diversidade de materiais, oportunidade de experimentar novas combinações. Mas é claro que você pode imprimir seus desenhos digitais se você gostaria de imprimir alguns adesivos ou cartões e cartazes, é muito mais fácil fazê-lo com imagem digital. Em conclusão, eu diria que cada abordagem tem seus poderes difíceis [inaudíveis] e, em geral, nenhum deles é perfeito. Quando desenho no iPad Pro a tempo, começo a perder meus cadernos de esboços. Depois de um longo período de desenho clássico, quero voltar ao digital. Eu acho que é ótimo que tenhamos a oportunidade de combinar essas abordagens e escolher uma adequada dependendo do nosso humor e propósito. 3. Boas-vindas ao Procreate: Então agora vamos nos familiarizar com Procreate Interface. Na verdade, este aplicativo é muito fácil e intuitivo, especialmente se você tem alguma experiência no Photoshop. Mas tudo bem se não o fizeres. Não tenha medo, eu não vou falar por muito tempo sobre a função de erro. Vou falar sobre os recursos que eu mesmo uso. Então, quando você abre o Procreate, você vê a galeria. A Galeria contém todas as imagens que você criou com o Procreate ou importou aqui. Então vamos criar uma nova imagem. Para isso, precisamos tocar no plus aqui. Aqui você pode ver tamanhos, alguns tamanhos padrão ou tamanhos que eu já usei aqui. Mas vamos criar um personalizado. Aqui você pode digitar qualquer largura e altura da imagem. Também aqui está DPI, a resolução da imagem. Eu recomendo que você não obtenha menos 300 DPI porque esta é uma resolução que é boa para impressão. Não toque na cor, pois o RGB é completamente bom. Aqui, você pode digitar qualquer título que quiser, mas também pode mantê-lo sem título. Por favor, dê uma olhada aqui. Aqui está o número de camadas máximas possíveis. Uma das poucas desvantagens deste aplicativo do aplicativo Procreate é que há um número limitado de camadas. Esse número depende do tamanho da sua imagem. Então vamos, por exemplo, criar uma imagem muito pequena. Por exemplo, 500 por 500 pixels. Você pode ver que as camadas máximas são 128, o que é bastante. Mas vamos tentar criar uma imagem maior. Por exemplo, 5.000 por 5.000. Podemos ver que as camadas máximas são apenas quatro. Para esboços digitais, acho que quatro camadas não são nada. Então estaremos em algum lugar no meio, tipo 2.000 por 2.000. Você pode ver que você pode criar 46 camadas aqui, que é suficiente para qualquer esboço. Então vamos criar. Agora, estamos lá dentro. Na verdade, daqui, já podemos começar a desenhar. Mas eu acho que é melhor aprender algo sobre algumas características principais. Então aqui está a galeria e pressionando aqui podemos voltar para a galeria. Vamos falar sobre esses botões. O primeiro botão com este pequeno arranjo esconde muitas configurações úteis. Então aqui é adicionar, e aqui você pode adicionar arquivos e fotos e cortar e copiar toda a tela. Por exemplo, se você precisar cortar a imagem inteira com todas as camadas daqui, e colá-las em outra imagem. Em Canvas, podemos encontrar recortar e redimensionar. Assim, com recorte e redimensionamento, podemos alterar o tamanho da nossa tela real. Também aqui você pode encontrar guia de desenho. Você pode usá-lo se você quiser alguns guias. Além disso, existem alguns guias de perspectiva e guias de simetria, mas não vamos usá-los agora. Também aqui é um ponto muito útil. Esta é a informação do Canvas. Aqui você pode ver o número máximo de camadas, e você pode ver quantos deles você já usou. Estes, vamos saber quantos deles sobraram. Portanto, esta pode ser uma informação bastante útil. Além disso, existem algumas dimensões físicas da sua imagem. Por exemplo, se você criar suas dimensões de imagem e pixel, e agora quiser saber o quão grande é em milímetros, você pode encontrá-lo aqui. Aqui está o botão de compartilhamento, e compartilhar aqui significa exportação. Então você pode exportar seu arquivo em qualquer tipo de arquivo. O mais popular é JPEG é apenas o formato usual para qualquer foto ou imagem. Também aqui está BSD. BSD é um arquivo do Photoshop. Então isso significa que se exportarmos nosso arquivo do Procreate para o BSD, poderemos abri-lo no Photoshop e editá-lo com toda essa camada salva. Aqui está um vídeo. Procreate é tão bom, que grava vídeo para você. Então, depois de terminar seu desenho, você pode ver o lapso de tempo do seu processo e talvez compartilhá-lo no Instagram ou em outro lugar. Nas preferências, temos algumas preferências como, podemos mudar a cor da interface, alterá-lo para o modo da mão direita, e temos alguns controles de gesto aqui. O que eu recomendo muito para você fazer é desativar ações de toque. Isso significa que você não poderá desenhar acidentalmente algo com o dedo. Assim, você será capaz de desenhar apenas com seu lápis Apple ou qualquer outro estilo. Você vai usar seus dedos apenas para alguns gestos como para o zoom principal, girar, desfazer, e outras coisas, mas não desenhar. Então é por isso que eu ligo aqui. Na ajuda, existem algumas coisas usuais que estão na “seção Ajuda”. Vamos nos mudar para cá. Aqui está o botão com esta varinha mágica. Há alguns ajustes. Para mim, parece uma lista muito limitada de funções fotográficas, mas, na verdade, para desenhar, é bastante. Eu uso apenas alguns deles aqui, como obesidade, muda obesidade ou quão transparente sua camada é. Também uso este, matiz, saturação, brilho. Funciona exatamente como funciona no Photoshop. Você pode alterar a leveza do seu objeto. É saturação e também a tonalidade. Então você pode mudar a cor muito suavemente. Além disso, existem curvas que podem ser bastante úteis. Você pode alterar o contraste e a leveza de seu objeto, completamente o mesmo como Photoshop e Lightroom e todos os outros programas que tenham curvas nele. Então aqui está a ferramenta de seleção. A ferramenta de seleção pode ser à mão livre. Então você desenha sua seleção pela mão. Pode ser retângulo e pode ser elipse. Depois de selecioná-lo, você pode fazer este gesto deslizar com os três dedos em uma tela. Em seguida, este menu aparece e você pode escolher o que deseja fazer com esta parte selecionada da sua imagem, como cortar, copiar, colar e assim por diante. By the way, gesto muito útil é apenas pisar com dois dedos. Se fizer isso, isso significa desfazer. Para mostrar isso, vou desenhar outra coisa. Agora, estou batendo com dois dedos e vou para trás. Posso fazer o mesmo com as flechas dele. Então aqui está refazer, aqui é desfazer. Mas às vezes é mais conveniente fazê-lo apenas com os dedos. Esta pequena seta aqui é uma ferramenta Mover. Então você pressiona e você tem essa seleção em torno de sua camada. Ele pode movê-lo, girá-lo, mudar o tamanho dele, e assim por diante. Vamos passar para a parte mais interessante do menu. Aqui está o pincel e pressionando aqui, você pode ver toda a biblioteca de seus pincéis. Você tem a mesma biblioteca para a ferramenta Pincel, para a ferramenta Borrar e para a ferramenta Borracha. Então, se você criar um novo pincel ou baixá-lo, você pode usá-lo para todas essas três ferramentas. Em alguns dos próximos vídeos, vou falar sobre os pincéis que uso e um pouco sobre as configurações do Pincel. Então agora eu quero dizer no rótulo para esses dois controles deslizantes. Então este muda o tamanho do seu pincel. Por exemplo, quando está aqui, o pincel é pequeno e quando está aqui, as escovas são muito grandes. Aqui está o controle deslizante de transparência. Então, quando você vai aqui, o pincel é bastante transparente. Quando você vai aqui, os pincéis realmente sólidos. Então aqui está sua ferramenta Smudge. Ao abrir a ferramenta Borrar, você pode ver que aqui está a mesma biblioteca que nos pincéis. A ferramenta Borrar é uma ferramenta que borra como um dedo. Então, ele pode ser usado para misturar algumas cores, por exemplo, assim. Então ele se mistura em cores que estão próximas umas das outras. Às vezes, eu uso essa ferramenta para alguns efeitos. Aqui está a ferramenta Borracha e funciona como uma borracha habitual. Ele exclui algumas partes da sua imagem. Aqui estão as camadas. Com este botão de adição, você pode criar as novas camadas, tanto quanto você quiser até obter esses limites. Essa caixa de seleção significa que essa camada está visível. Então vamos, por exemplo, desenhar algo nesta camada e depois desmarcá-la, e você verá que desapareceu, mas ainda está aqui. Você abre de novo e ele aparece. Então, para obter as configurações da camada, você pode pressionar aqui e aqui também é [inaudível] que já vimos aqui. Além disso, você pode apenas tocar a camada e você verá algum menu aqui. Então, aqui você pode limpar a máscara, fazer uma máscara de recorte e assim por diante. Além disso, você pode deslizá-lo para a esquerda. Aqui você pode ver algumas opções simples como bloquear, duplicar ou excluir. Aqui está a cor. Existem diferentes modos de cores no Procreate. Você pode ver uma cor como esta. Além disso, você pode usar paletes. Você pode usar esses paletes padrão ou o lótus de algum lugar ou simplesmente criá-los sozinho. Vamos falar sobre isso um pouco mais tarde, quando vamos colorir nosso esboço. Então agora nossa pequena loja de interface acabou, e vamos finalmente passar para o desenho. Bem, aqui vai ser L mais cripton. 4. Como esboçar no papel: Agora, vou mostrar-vos o meu processo de desenho no papel. Na maioria das vezes eu desenho pelo mesmo algoritmo consistindo em quatro etapas. Passo 1 é o Sketch. Eu uso um lápis e uma borracha para isso. Passo 2, são os contornos. Eu uso para isso, revestimentos de tinta resistentes à água. Passo 3, é cor, onde eu uso aquarela, e Passo 4, é os Detalhes, e eu desenho-os com os mesmos revestimentos de tinta. Estou dizendo tudo isso agora, porque no esboço digital e siga exatamente os mesmos quatro passos. Vou mostrar-vos dois processos de desenho primeiro no papel e depois no iPad. Isso nos permitirá comparar ambas as abordagens e ver especificidades e diferenças de cada uma delas. Para desenhar, inventei um pouco de vida morta a partir de alguns objetos que encontrei em casa. Eu não daria mão com uma decoração perfumada. Um pequeno copo, uma flor seca, uma câmera vintage, e um livro inspirador por natureza, eu [inaudível] o nome incorretamente. O livro chamado Brazen Rebel Ladies que balançam o mundo. Eu gosto de desenhar da vida muito mais do que usar referências de papel alumínio. desenho da vida permite que você veja seus objetos de qualquer ângulo que você gosta, escolha o melhor ponto de vista, mova-os para as posições mais harmônicas e examine todos os detalhes. No entanto, às vezes eu não tenho tempo suficiente para terminar meu desenho no local, e então eu tiro fotos. Um pouco mais tarde, vou dizer-lhe como escolher o momento adequado para isso e como tornar as referências convenientes para uso subsequente. Primeiro de tudo, eu faço um pequeno esboço áspero para encontrar a composição certa. Quando eu desenho em um caderno de esboços, eu costumo fazer essas pequenas visualizações na última página. Eu desenho um quadro proporções de que são semelhantes ao meu esboço futuro. Encontre um lugar para cada objeto determinar seus tamanhos. Este é um passo muito rápido, mas é importante na medida em que ajuda você a estudar seus objetos e ir mais longe com confiança. Agora, eu transfiro meu esboço para a folha de papel em aquarela. Tentei desenhar com mais precisão do que antes, mas ainda me impedi de mostrar todos os detalhes. Farei isso mais tarde na etapa do esboço. Agora eu olho não só para os objetos, mas também para o meu primeiro esboço. É muito útil. Depois que meu desenho a lápis é longo, eu iluminá-lo com o necessário para apagar. Além disso, chama-se borracha de goma. É muito suave e não apaga completamente o arquivo desenhado, mas tira uma camada superior dele. Você ainda pode ver o desenho, mas agora é muito leve. Seu desenho ilumina mais uniformemente se você rolar a borracha em vez de esfregar. Passando para o próximo passo. No início, eu desenho com 08 forro, desenhe todas as linhas principais, tornando-o muito mais preciso e em detalhes do que no estágio anterior. No entanto, eu não incluo texturas e tive que agora deixá-la para o fim. Como eu terminei com uma mão e uma flor, eu pego um lápis novamente e faço um esboço mais preciso para uma câmera, uma vez que tem uma forma bastante complicada. Para câmera, eu uso um forro mais fino, 04 porque a câmera está localizada atrás da flor e eu quero mostrar algum espaço. [ inaudível] linhas não-médias para preenchê-los bem e harmonicamente com uma forma de flor. Depois que eu terminar todas as linhas, eu desenho o quadro. Eu gosto de como os esboços de moldura parecem no papel como uma composição completa. Os contornos estão prontos. Agora, eu limpo meu papel com uma borracha macia novamente, e depois removo os últimos traços de lápis com uma borracha regular e agora e não antes, agora é o momento certo para tirar fotos. Como eu já desenhei todos os detalhes principais, eu sei o que exatamente e de que ângulo eu preciso atirar. Eu tiro os buracos para viver, mas o que é muito mais importante os itens individuais. Eu pego os close-ups de uma mão e uma flor, quer dizer, nas fotos se eu gostaria de restaurar as texturas no futuro. Agora, se eu tivesse que deixar meus objetos imediatamente, eu tenho tudo o necessário para terminar meu filme mais tarde e desta vez, felizmente, eu tenho a oportunidade de continuar tirando da vida. Movendo-se para a etapa de cor. Aqui está o que eu preciso para este palco. Um conjunto de minhas diferentes aquarelas, alguns tubos com tintas extras, os pincéis, minha paleta de cerâmica favorita, um copo de água, e uma toalha de papel para limpar meus pincéis e corrigir alguns erros. Começo com colorir cada objeto, uma camada de cada vez para evitar a mistura acidental de cores. Se eu precisar de alguns gradientes suaves, como da barra de luz para a mão para a escura, eu não espero que uma tinta seque e desenhe sobre molhado. Para fazer minhas cores se encaixarem melhor, tento tirar mais das cores já usadas da paleta e menos tintas limpas da caixa. Mesmo que não corresponda com precisão às cores reais do público da vida, faz um desenho, parecer melhor e mais harmonioso. Eu uso tinta preta muito raramente, é para objetos escuros e cores [inaudíveis] e ligeiramente saturadas. Gosto de usar violeta e índigo para isso. Voltar para o lápis por um momento, para esboçar uma imagem na capa do livro. Não estou tentando fazer uma cópia exata, mas ainda quero torná-la natural em termos de perspectiva. Eu adiciono cores consistentemente, deixo cada uma delas secar, para evitar que as tintas fluam e misturem. Para tornar as manchas rosa mais saturadas, eu decido adicionar essas aquarela líquida a elas. Esta tinta é incrivelmente concentrada e brilhante, muito saturada para ser usada como é, mas pode ser muito bom editar aqui e ali para criar os acentos. Honestamente, essa combinação de chocolates e rosa acabou por ser muito mais brilhante do que eu esperava. Se fosse uma imagem digital, eu iria recolorir esta peça, mas no desenho no papel não há botão de desfazer, então eu mantenho o desenho. Eu pinto o vidro com cores que eu já usei para mostrar que é transparente, mas eu adiciono muita água aqui para deixar as cores fluírem e misturar para criar um pouco de efeito embaçado. Manter um pouco de espaço branco para mostrar destaques e luz refletida e pequenas manchas rosa são reflexos do livro. Depois de cobrir todo o meu desenho com tinta uniformemente, faço alguns detalhes. Cores refletidas na câmera, textura de madeira da mão, tons na flor e no vidro. Posso adicionar detalhes quase infinitamente, mas tento ter em mente que também adicionarei alguns detalhes, mas com forros no final. Depois que o papel seca, adiciono mais sombreamento e sombras. É isso com cor. Vamos mover o passo de detalhe, o último. Para mais detalhes, além dos meus forros habituais, uso estas bandas de lápis. Esta é uma super ferramenta, algo entre um forro e uma faixa de escova. A ponta é preaking elástico e faz linha bastante dinâmica. No entanto, não é suficientemente resistente à água e pode manchar acidentalmente, por isso é melhor usá-lo após a cor da água. Para eventuais destaques, vou usar este lápis branco forber costal e este marcador acrílico branco para Molotov. O lápis é bom para um relâmpago suave e a precedência do marcador e capaz de cobrir sua imagem completamente com branco. [ inaudível] em minhas linhas aqui e ali para separar partes do meu desenho então eu adiciono um pouco de eclosão com forro para mostrar as texturas e para tornar as superfícies mais físicas e volumosas. Eu desenho pequenos pontos e traços para tornar uma imagem inteira mais gráfica e visualmente interessante. Eu adicionei algumas bandas brancas na capa do livro para modular um pouco e desenhou alguns destaques com marcador para superfícies brilhantes do meu vidro e câmera. No final, penso em enquadrar com a caneta para torná-la mais legível. Meu desenho no papel está pronto. Esta imagem que eu tenho feito com três ferramentas principais, um lápis, forros, e aquarela. No próximo vídeo, mostrarei quais pincéis apropriados usei para imitar essas ferramentas e como configurá-las. 5. Meus pincéis do Procreate: Como eu já disse antes, o meu desenho tradicional e tem quatro passos. Esboço, com o lápis de grafite, contornos com forros, cor com aquarela e detalhes com forros novamente. Agora vou mostrar a vocês quais pincéis procreate são usados para cada uma das etapas no desenho digital. Todos eles um nativo procriar pincéis, mas alguns deles são modificados um pouco. Para um passo de esboço, gosto de usar algo como lápis macio. Neste momento, minha escolha é o pincel de giz. Você pode encontrá-lo na seção de caligrafia da biblioteca de pincéis. Eu o uso como ele é com suas configurações nativas. etapas de Linhas e Detalhes são um pouco mais complicadas. Ambas as linhas e detalhes, eu uso a caneta técnica. Você pode encontrá-lo aqui na seção Tinta, e aqui está como ele funciona. Gosto de como é sensível e crocante. Mas para mim, essas dicas dos traços são muito afiadas e finas. Eles contrastam muito com o corpo da linha. Também o tamanho desta linha parece muito pequeno para mim, não como uma linha real no papel, e faz com que pareça artificial e evidente com digital. Para os meus esboços, eu modifiquei um pouco. Para modificar um pincel, em primeiro lugar, você deve duplicá-lo com deslizamento para a esquerda e pressionar em duplicado. Agora temos uma cópia de um pincel, e mesmo que o renomeemos, sempre podemos distinguir um pincel nativo e um duplicado de um, por um pequeno ícone aqui no canto direito. Agora vamos para dentro das configurações do pincel. Há muitas opções para jogar, mas precisamos apenas de algumas delas agora. Aqui em baixo você pode encontrar sete botões e vamos para o quinto. O lápis. Aqui está o que estamos procurando para o Apple Pencil Pressure. Como você pode ver, o controle deslizante lateral é alternado para o máximo. Na verdade, isso significa que a diferença entre a ponta e o corpo de uma escova é 100%. Nós o movemos e você pode ver como a forma do curso muda. Se o movermos abaixo de zero, a ponta fica mais espessa do que o corpo. Você pode tentar como funciona aqui. Eu prefiro muito curso adicional onde a ponta é mais fina do que o corpo, mas não tão drasticamente como é com configurações nativas. Eu movo o controle deslizante para como 25 por cento e eu estou muito feliz com esta linha. Agora vamos para o botão de traço, e aqui eu gostaria de mudar um Jitter. Quando eu movê-lo, você pode ver que as bordas de mais align tornam-se mais frequentemente texturizadas até que eles se desmoronam completamente. O que eu preciso é de cerca de 20% e isso faz minha linha parecer mais natural. Como uma linha de uma caneta de tinta no papel. Às vezes, também uso configurações simplificadas. Quando o controle deslizante é diferente de zero, você linha é tão galheteiro e cor como você desenhá-lo. Com simplificações desligadas o seu está no comando e a linha obesa. Mas algumas vezes quando você precisa de linha realmente suave e firme, sua mão pode se sentir não confiante o suficiente e é o momento certo para mudar a racionalização. Isso justifica sua linha, alinha. Para mostrar como funciona. Vou desenhar algumas linhas com o mesmo movimento da minha mão como se tivesse agitado acidentalmente, como por exemplo, ao desenhar em um avião. A primeira linha é com zero racionalização. A segunda linha é com cerca de 50 por cento de racionalização e a última é com o máximo de racionalização. Acho que pode sentir a diferença. Mas agora vamos mudar essa linha de fluxo e passar para o próximo passo. Para a cor, eu costumo usar a caneta estúdio da seção Tinta, mas também um pouco modificado. Eu acho, é projetado para caligrafia, não para colorir. É por isso que tem este maravilhoso golpe dinâmico. Mas como eu o uso para preenchimentos de cores, eu não preciso dessa ponta afiada. O que eu realmente preciso é de um tamanho maior do meu pincel. Mas você pode ver que aqui o controle deslizante está em 100 por cento e o pincel ainda não é tão grande. Duplico meu pincel ir para suas configurações, ajustar novamente o tamanho da ponta e a seção do lápis para cerca de 50%. Agora parece-me bem. Então, para aumentar o tamanho de um pincel em si, eu vou para geral e os limites de tamanho são exatamente o que eu preciso aqui. Vamos colocar este controle deslizante máximo ao seu máximo e você pode ver o quanto mais grosso meu traçado é agora. Mas como a fonte do pincel é uma imagem Raster, muito aumento pode levar à perda de qualidade. É por isso que temos estas bordas embaçadas. Eu reduzo este controle deslizante um pouco para talvez 50 por cento, originalmente era 20 aqui e agora parece afiado o suficiente. Finalmente, eu desligo as simplificações, tanto quanto para colorir e eu não preciso dele em tudo. Falando em coloração, eu também trabalho com esse controle deslizante de opacidade para alguma mistura de cores. Para a etapa de linhas, o controle deslizante sempre vai parar, mas agora pode variar. Para mostrar como funciona, vou colocar duas cores aqui. By the way, no procreate, você pode usar o seletor de cores de duas maneiras. O primeiro é um pequeno botão aqui. Você pressiona aqui e, em seguida, o seletor de cores aparece, você pode movê-lo para a cor que você gostaria de pegar e pronto. Mesmo a maneira mais rápida é usar o dedo. Você pode tocar na tela e segurá-la por um segundo. Em seguida, a roda de seleção aparece novamente e permite que você escolha a cor desejada. Eu uso o seletor de cores o tempo todo enquanto desenho. De volta à opacidade e mistura de cores. Digamos que precisamos de um gradiente entre essas duas cores. Não é um gradiente suave perfeito, mas ainda assim um bom. O que você precisa é escolher uma das cores reduzir a opacidade para como 30 por cento e pintar no meio sobreposição e a segunda cor. Então você escolhe essa cor mista do meio para cima e agora pinta com ela, sobrepondo ambas as cores originais. Então é tudo sobre escolher e pintar com nível de opacidade. Para aplicar a esta mistura de cores e área olhar mais artístico, Eu uso uma ferramenta de manchas. Para uma ferramenta de manchas, eu costumo usar uma escova de estuque. Gosto de como a textura funciona. Eu não manchar todo o gradiente só fazer alguns golpes aqui e ali. Com a ferramenta de manchas, é muito fácil exagerar, então eu tento usá-lo com cuidado. Outro pincel que eu uso além da minha caneta modifica estúdio, é escova de água. Você pode encontrá-lo em configurações de caligrafia. Para mostrar a vocês, vou pintar essas duas cores novamente com caneta de estúdio e depois mudar para a caneta de água. Prefiro usá-lo em um tamanho grande e com baixa opacidade. Eu faço isso pegando e pintando novamente, mas você pode ver como a área de mistura parece diferente agora e às vezes, ele faz um efeito adequado. Este pincel não só pinta, mas também borra um pouco e é muito sensível à pressão. Terminando o tópico do pincel, algumas palavras sobre a borracha. Para a etapa de esboço, uso as configurações de aerógrafo de disco médio da seção Aerografia. É muito sensível à pressão e me dá a sensação de uma borracha muito macia. Para todas as outras etapas, eu uso configurações Monoline da seção de caligrafia. Gosto da largura constante. É muito previsível e me ajuda a apagar exatamente o que eu quero. A biblioteca de pincel é bastante grande e algumas das ferramentas que uso são alocadas em diferentes seções. Para fazer meu cabeçalho kit pincéis eu posso criar minha própria seção para eles. Eu pressiono o mais no topo da lista de seção, dou um nome como esboços digitais. Em seguida, eu vou para meus pincéis, duplicá-los para não perdê-los de seu local original e, em seguida, mover uma cópia para minha seção de esboços digitais. Aqui, eu posso reorganizar meus pincéis como eu quiser. Agora temos todos os cinco pincéis juntos e isso é muito mais fácil de alcançá-los aqui, em seguida, quando percorrer toda a biblioteca cada vez. Ok, basta com pincéis. Agora vou definir as cores para o meu desenho. 6. Paleta de cores: Em Procreate cor é representado em quatro tipos, uma roda de cores, ou como eles chamam aqui, um disco, visão clássica, completamente como no Photoshop. Valores, onde você pode inserir um número exato de vermelho, verde e azul ou qualquer código de cor específico aqui. A quarta aba aqui é paletes, onde você pode escolher um dos paletes padrão ou criar o seu próprio e é isso que vamos fazer agora. Ao contrário do desenho tradicional, no Procreate, temos um número ilimitado de cores possíveis. Pode parecer ótimo, mas escolher cores de todo o espectro leva muito tempo para mim se eu fizer isso enquanto desenho. É por isso que prefiro limitar-me intencionalmente e criar uma paleta para o próximo desenho. A paleta para mim não é coisa muito rígida. Claro, eu mudo as cores se eu precisar, mas é uma espécie de base que me permite não me perder no espectro e salvar o desenho de ser muito bonito. Desde que eu já desenhei esta composição no papel e minha decisão de cor tipo, é um pouco mais fácil para mim escolher as cores agora. De qualquer forma, mesmo que eu não tivesse, este processo seria o mesmo. Se você é novo no desenho digital e é difícil para você escolher as cores, tente fazer um estudo rápido de cores com a cor da água ou qualquer outro material que você tenha usado e, em seguida, mude para o digital. Pode ajudar. Mas, por favor, não escolha suas cores diretamente da foto. As cores na vida, e especialmente em fotos e onde podem ser distorcidas, não são necessariamente bonitas e harmoniosas. Tente criar uma imagem bonita, não para fazer uma cópia exata. É assim que começo. Eu escolho cores das partes principais do meu futuro desenho e verifico como eles se parecem um ao lado do outro. Estas cores bege e marrom são para a mão, destaques e sombras. Este violeta ligeiramente saturado é para partes de plástico da minha câmera e outros elementos escuros e estes azul acinzentado é para suas partes metálicas. Laranja e bege esverdeado são para a flor. O leve turquesa, rosa e verde será para o livro. O mesmo verde, mas mais leve, eu posso usar para o fundo e agora, Eu cobri mais ou menos todas as cores e vamos criar uma paleta. Aqui em Palettes Tab, Eu pressionei este pouco mais e então você entra pelota aparece e eu posso nomeá-lo de alguma forma. Agora, eu só pegar minhas cores e colocá-las na paleta. Ele realmente se sente um pouco como se eu colocasse minhas tintas tradicionais reais como a cor da água ou um blush na minha paleta real. Como você pode ver, esta nova paleta foi definida como padrão porque você pode ver este botão azul aqui e isso significa que ele já está aqui e está pronto para trabalhar. Como eu disse antes, eu não tenho que usar apenas essas várias cores, esta é apenas uma base projetada para facilitar um processo de coloração. Se eu precisar de outras cores, por exemplo, violeta como este, mas um pouco mais claro e um pouco mais avermelhado eu escolhê-lo e mover controle deslizante de leveza para a direita e encontrar o tom apropriado na escala de matiz. Se eu precisar, também posso adicioná-lo facilmente à minha paleta. Este é um processo muito mais controlado do que selecionar cores de todo o espectro. Isso ajuda você a criar sua arte de forma mais consciente. Meus pincéis estão prontos e minhas cores estão prontas também e no próximo vídeo, vou finalmente mostrar-lhe o processo de desenho digital. 7. Esboço no iPad: Meu desenho aquarela quando foi feito no papel de 15 por 20 centímetros. Então, para repetir o processo, eu crio um arquivo do mesmo tamanho. O primeiro passo é o esboço e eu faço com minha escova de dentes. Eu começo com um quadro e dou um nome a uma camada. Em seguida, crie uma nova camada para o resto do meu esboço e também nomeie. Normalmente, eu nem sempre nomear camada de erro, mas agora eu quero tornar este processo mais claro para você e realmente não ter renomeado camadas é muito útil. Com os nomes, é bastante improvável que desenhar algo acidentalmente na camada errada. No procreate, você não pode apenas desenhar e apagar, mas também transformar peças do seu desenho. Para isso, basta selecionar e transformar com uma ferramenta de movimento, esta pequena seta no canto superior esquerdo. Como já desenhei essa imagem no papel, é muito mais fácil criar uma composição agora, mas ainda preciso de algumas correções. Eu crio uma nova camada, quatro câmeras pegar, e até onde é no fundo, eu movi esta camada sob uma camada com uma flor e uma mão. É melhor desenhar os objetos sobrepostos ou vincular em diferentes camadas para poder editá-los individualmente. Depois que meus esboços estão prontos, eu mesclo todos os programadores de desenvolvimento para baixo e clarear com o painel de brilho de saturação de matiz no menu de ajustes. No sul, semelhante a clarear meu esboço lápis com uma borracha de goma. Você pode obter o mesmo efeito, reduzindo as camadas de obesidade. Agora, eu especifico meu esboço, torná-lo mais preciso e preciso em termos de formas e proporções. Eu preparo para o próximo passo porque eu gosto de desenhar os contornos com confiança sem procurar a linha certa. Agora, quando eu terminar meu esboço, eu reduzo a opacidade desta camada para cerca de 30% e crio sua camada para o meu próximo passo, os contornos. Em um papel, eu tenho desenhado as linhas principais com 08 forro de tinta. Aqui para o mesmo processo, usei o tamanho de largura de banda técnica em torno de 30%. Mas é claro, o tamanho do seu pincel depende do tamanho da sua imagem. A enorme diferença aqui é que você é [inaudível] contrária o forro de tinta cada linha que você desenha permanece em um papel para sempre. No apropriado, você pode apagar tantas vezes quanto quiser, e funciona com qualquer pincel. No entanto, o resto do processo é bastante o mesmo. Exatamente como fiz em uma etapa de esboço, crio uma nova camada para minha câmera e desenho-a com um pincel mais fino, cerca de 20%. No final do estágio, eu desenho o quadro e agora eu posso unir todas as camadas de contornos a uma. Passamos com sucesso os passos anteriores anteriores, mas o terceiro vai ser complicado. Bem, agora estamos voltando para a etapa de cor e esse processo não se parece com desenho no papel tanto quanto possível. Se você ainda não tem experiência em desenho digital, este estágio pode parecer um pouco difícil para você, mas farei o meu melhor para explicar isso para você o mais claramente possível. Eu me certifico de que minha camada de contornos está bloqueada para salvá-lo de desenhá-lo acidentalmente lá. Criando uma nova camada, chame-a de cor e mova-a para os contornos. A camada de gastos sempre tem que estar no topo. Às vezes as camadas podem ocasionalmente grupo vai mover-se, vai falar sobre grupos um pouco mais tarde, e agora eu só preciso arrastar isso em camadas para baixo. Para a coloração, pego minha caneta de estúdio, escolho a cor do meu pellet criado anteriormente e começo a pintar com a mão. Eu cobro todos os objetos uniformemente com obesidade máxima, apenas com uma cor. Na verdade, nesta fase, você pode usar qualquer cor, não necessariamente uma final. Você pode pintar com traços, bem como com falha. Para um campo, você precisa desenhar um contorno fechado sem lacunas, assim como em um livro de colorir infantil, e depois literalmente pegar o colar e arrastá-lo para um espaço vazio. Se você criar um contorno limpo sem lacunas, a cor não flui para fora. Eu realmente não gosto deste estágio é muito chato trabalho mecânico para pintar com uma cor fugiu, mas isso tem que ser feito para facilitar o processo subsequente. Para colorir esta declaração, eu crio uma nova camada para ela. Assim, posso editar minha mão e declarações separadamente umas das outras. Eu pego a cor do meu palato tonalmente, apenas sintonizando-os com camadas. Como a flor e a mão não se sobrepõem, eu pinto o na mesma camada. Em caso de necessidade, poderei cortar um dos objetos, colá-lo em uma nova camada e trabalhar com ele sozinho. Na verdade, a correr na cabeça. Posso dizer que vou fazer isso no final. Criando uma nova camada para a minha câmera, dado um nome para a camada de declaração e renomeando o colar em camadas para mão e flores. Até onde parece ser verdade. Para a câmera, eu usei duas cores agora, violeta escuro para suas barras de plástico e cinza azulado para as de metal. Sob todas essas camadas, eu crio uma camada para um livro e pintado inteiramente com chocolates. Aqui está um bom exemplo do que acontece se você não fechar o contorno e criar um preenchimento de cor. Aparentemente, eu tenho uma lacuna em algum lugar atrás da minha câmera ou da mão, e é por isso que toda a imagem está inundada de cor. Fechei o esboço e depois funcionou provavelmente. Eu pego doces de tinta, verde amarelado para editar para a capa, criar uma camada para o meu fundo com um ponto de interrogação e pintá-lo. Em seguida, crie uma camada para o meu brilho e pinte-a com cores já usadas aqui, mas mais leve. Neste momento, não se sente um brilho, mas é apenas uma preparação para o próximo passo. Agora, o ponto de coloração extremamente importante é comum, o que difere muito do desenho tradicional. Eu te mostro propositadamente a gravação de uma câmera, não de uma tela para que você veja minha caneta se movendo. Vou utilizar cada objeto adicionando texturas, destaques e sombreamentos e outros tons. Vamos começar com uma mão. Posso adicionar uma sombra na mesma camada onde tenho minha mão. Neste caso, eu tenho que ser incrivelmente preciso, caso contrário, a cor leva através do contorno. Na verdade, eu posso consertá-lo com uma borracha e limpá-lo, mas isso realmente retarda todo o processo. Vamos voltar. Procreate tem um recurso maravilhoso chamado Alpha log. Pressionando aqui vemos que o ícone desta camada ficou coberto com quadrados, que significa que esta camada tem Alpha logon. Agora, se eu pintar muito desleixado, meu traço ainda permanece dentro das bordas desta camada. Esta é uma opção perfeitamente conveniente, pois ajuda a desenhar mais rápido e com mais precisão. Para desativar a sessão Alpha, pressione aqui novamente. Também podemos ligá-lo apenas movendo a camada com dois dedos para a direita. Você vê eu fiz isso e um quadrado apareceu. Faço de novo, e os quadrados desaparecem. Isso significa que o log Alpha está desligado. Você pode fazer quase o mesmo em uma camada separada. Digamos que eu desenhe um sombreamento desordenado aqui, então vamos ao menu de camadas e escolhemos o cuidado da máscara de recorte. Como podem ver, tudo o que desenhei aqui foi cortado ao longo das bordas da camada inferior. Você pode reconhecer uma camada com esta máscara de recorte por estas minúsculas flechas aqui. No momento, posso desligar a máscara de recorte e obter a minha camada como está. Quando o clipe e a máscara estão ligados, posso desenhar aqui sem medo de ir além da camada. A máscara de recorte é mais funcional do que o log Alpha porque sempre podemos desativá-lo, excluir ou colorir e editar. Mas, na verdade, não é uma necessidade muito frequente. Como você se lembra, no procreate, temos um número limitado de camadas. Então, eu principalmente uso Alpha log em vez de cortar máscara é bastante suficiente para estas fotos. Se você quiser adicionar algo à sua camada, como este pequeno suporte sob a mão, você precisa desligar o Alpha, pintar sua peça na camada desbloqueada e, em seguida, ligar novamente. Bem, vamos voltar para a pintura. Tenho desenhado tudo aqui com máxima opacidade até este momento. Mas agora eu defino meu pincel mais transparente para criar transições de cores sutis. Eu pinto o lado escuro de uma mão com violeta acastanhada. Em seguida, escolha este bege original e devido à baixa obesidade, levanto e entre ele e a cor mais escura. Pouco a pouco tornam esta transição mais suave. Agora, eu tenho um monte de tons bege e marrom. Então, principalmente selecionador de cores do usuário, não minha paleta. Eu uso o menu de cores apenas para obter uma cor completamente diferente como este azul escuro. Por sombreamento propensivo, eu faço uma mão cada vez mais volume em detalhes. Eu escolho um amarelo saturado para enfatizar peças iluminadas pelo sol. Sombras azuis e roxas e destaques amarelos e laranja são comuns para um dia de sol e tornam um objeto mais volumoso. Eu tinha este amarelo na ponta dos dedos, desde o rosto deles em prazer. Gradualmente edite tons claros e escuros transparentes aqui e ali, trago mais ao vivo para esta mão. Há uma bela textura de madeira nesta mão. Então, para expressar melhor, eu crio uma nova camada para ele e ligo a máscara de recorte. Eu desenho um botão de madeira com cores que eu já usei aqui. Em seguida, pegue esta ferramenta muito e esfregue algumas partes de uma textura para integrado com o resto de um objeto naturalmente. Ao mesmo tempo, alivio um pouco as sombras para desenhar uma textura sob o polegar. Em seguida, desenhe uma textura na parte baixa de uma mão, fazendo um escuro e sombras, continue trabalhando com escova e ferramenta de quebra. Mover para os dedos, desenhar textura lá, destaques e sombras, e retornar a esta coisa padrões cor escura. Eu adiciono reflexo azul claro transparente para o lado sombreado e mesclo uma camada textural e a camada de mão juntos. Agora, prefiro deixar minha mão em paz. Movendo-se para a decoração, o assunto é muito mais simples, então eu mudo o logon Alpha e pinto com diferentes tons de verde e vermelho. Adicione alguns detalhes à corda para torná-la mais real. Se eu não tivesse um log Alpha aqui, seria muito difícil pintar com precisão este pequeno detalhe. Eu pinto sombreamento e superfície mais inteligente desta coisa um pouco para mostrar que algumas dessas batalhas estão dentro, pela própria superfície é suave. Agora, é hora da flor. Eu adiciono algumas tonalidades e volume à cabeça e tons diferentes às folhas. Começo laranja a partir de uma flor e transparentemente adicionado às folhas, pinto algumas manchas aqui, e mostro que as folhas são secas e texturizadas. Adicione traços brilhantes, escuros e claros à flor para enfatizar sua fluffiness. Desenhe um pouco mais de textura e mova para a câmera. No início, eu desenho algumas linhas na camada de contornos, uma vez que eles são importantes para a forma e eu perdi antes, e então o sombreamento começa. Eu pinto isso [inaudível] com uma cor mais clara até o [inaudível] mais luz. Pintando as sombras, tentei mostrar que a luz vai da esquerda. Adicione alguns traços amarelos às partes que são as mais próximas da luz. Traga um pouco de contraste para luzes e tons e adicione um pouco de volume à lente. Com vários traços de cinza um show que estes metal, apesar de sua superfície fosca total refletem cores, e estes traços rosa e azul são reflexo da capa do livro. Troque para o vidro agora. vidro pode ser bastante frustrante, e há quatro coisas principais que você precisa lembrar sobre isso. É transparente, distorcendo, refletindo e suave. Para torná-lo transparente, usei as cores do seu entorno, mas mais leve. Para torná-lo distorcendo eu mudar a forma de manchas de vidro em vez de um brilho para mais fluxo em uns. Para torná-lo refletindo, adiciono algumas cores brilhantes como esta, rosa da capa do livro e laranja da flor, e também adicionar alguns destaques brancos. Para torná-lo suave, uso uma escova de água, que pode polir tinta e manchar. É isso com o vidro, vamos finalizar a capa do livro. Não precisa de nenhum volume real e sombreamento uma vez que é plana, mas eu quero que essas cores pareçam mais artísticas, não como se houvesse apenas cortado e colado aqui, então eu as borrar um pouco, e também adicionar mais leve e mais escuro tons para evitar que uma imagem seja um preenchimento de cor homogêneo sem brilho. Eu faço algo bastante semelhante ao meu processo passado com uma aquarela líquida brilhante. Eu adiciono algumas cores saturadas e depois as borrei. Parece que é, é algo errado com esta imagem, os objetos parecem mais ou menos realistas, mas eles não deixam cair nenhuma sombra, então é hora de corrigi-lo. Como todos os objetos são ascendidos em um livro, as sombras também devem estar localizadas nele. Eu crio uma nova camada acima de uma camada de livro, nomeio-a sombras e mudo o modo de mesclagem de normal para multiplicar. Em seguida, veja a letra N é substituída por M agora. modo Multiplicar significa que as cores desta camada serão misturadas com as cores da camada sublinhada. Eu baixei a opacidade aqui para fazer minhas sombras futuras não olhar muito escuro, porque levemente saturado violeta e desenhar as sombras. A luz vai da esquerda, então as sombras mudam para a direita. Pintei-os com uma caneta de estúdio e depois borrei um pouco. Mais perto do objeto, a sombra é sempre mais clara e então se dissolve radiantemente. Pode ser difícil de acreditar, mas agora o passo de cores finalmente acabou e nós temos apenas os detalhes restantes. Eu crio uma nova camada no topo para eles, nomeá-lo e pegar minha caneta técnica novamente. Outra coisa que eu fiz com camadas inclinadas no papel em procreate eu fiz com esta caneta técnica, e este estágio é completamente semelhante para desenhar nos detalhes no papel, Eu acho que em algumas das linhas para criar excesso e trazer o volume. Então eu desenho eclosão e texturas, mesmo que houvesse algumas proporções de cores, agora esses traços pretos chamam toda a atenção. Talvez esta seja a minha parte favorita de um desenho, talvez porque eu amo gráficos, e agora toda a imagem pouco a pouco dá a aparência completa. No entanto, é importante não fazer mais com detalhes, para não obter peças muito pretas.. Desenho em papel para criar esta pequena tendência wavelet na câmera, eu tive que dar o espaço branco e pintar em torno dele com muita precisão. Aqui eu posso apenas escrevê-lo com cor branca. Eu adiciono estes minúsculos dígitos sob a lente para um desenho tradicional, digital seria muito pequeno. Desenhe algumas sombras, texturas no livro e no fundo e, em geral, meu desenho está pronto. No meu processo habitual, eu mesclaria as camadas de cores para baixo, mas agora eu as mantenho, então você poderá baixar este arquivo e examinar todos os detalhes. Agora eu quero mostrar como mudar algumas cores, clarear ou contrastar, se você não se sentir feliz com elas no final, você pode editar as camadas individualmente, bem como toda a imagem. Por exemplo, eu não estou realmente feliz com minha câmera agora. Parece muito escuro e combina com a flor, então eu me certifico de que a camada da câmera está ativa, então vá para ajustes e escolha as curvas aqui. Ao mover a parte superior da linha para cima, eu ilumino as luzes da minha câmera. Sinto-me bastante satisfeito com este efeito. Vamos agora tentar aliviar a mão da camada de flores um pouco também. Agora eu percebo que é única mão foi para clarear um pouco e manter a flor como ela é, então eu selecionar a mão, pressionar uma ferramenta “Mover” e fazer este três dedos para chegar a este menu. Aqui, eu escolho cortar e colar, e agora visualmente a mão fica no mesmo lugar, mas em camadas, podemos ver que ele pulou em sua camada individual. Eu renomeei as camadas para não se perder, e repita essa manipulação com curvas. Eu torná-lo mais leve, e então ainda aqui em curvas, eu mudei para o canal vermelho, também arrasto a linha para cima, e agora minha mão ficou um pouco de tonalidade avermelhada. Eu gostei desse tom quente, e agora estou finalmente feliz com toda a imagem. No entanto, gostaria de mostrar-lhe como você pode editar toda a sua imagem de uma só vez se quiser experimentar cores e contrastes. Para isso, eu vou criar um grupo, o grupo é uma pasta onde podemos colocar nossas camadas. Agrupei todas as minhas camadas de cores juntas, pressionei combinadas aqui na camada superior, então o grupo aparece, e eu apenas movi para lá o resto das minhas camadas. Como eu quero uma com a cor para ser editada, eu deixo a camada externa fora do loop, então nós temos todas as camadas coloridas agrupadas, agora, eu duplico este grupo com todo o seu conteúdo, e nós temos que grupos exatamente idênticos com o mesmo conjunto de camadas. Eu desmarquei o primeiro grupo para escondê-lo, vamos apenas mantê-lo em reserva, e então eu achatar o segundo grupo para mesclar todas as suas camadas. Foi nomeado como plano de fundo automaticamente. Eu vou para os ajustes novamente, abrir curvas, e agora eu posso jogar com a imagem inteira como eu quiser. Com curvas, você pode trazer algum contraste arrastando a parte superior da linha para cima e a parte baixa para baixo, estes tornam os slides mais claros e o escuro mais escuro. Além disso, podemos alterar completamente as cores com saturação de matiz, brilho ou equilíbrio de cores e assim por diante. Era assim que parecia, e esta é uma nova versão. Desta forma, você pode editar infinitamente sua imagem e fazer quantas versões quiser. Mas como eu disse antes, estou muito feliz com meu resultado anterior, então eu mantenho assim. Acabou por ser bastante perto dos meus desenhos em aquarela, então seria fácil comparar com eles. A última coisa que eu gostaria de fazer, é adicionar alguns destaques, semelhante ao que eu fiz com lápis branco e marcador na minha imagem aquarela. Para estes, eu pego caneta de estúdio e adiciono algum excesso à mão para vidro, a flor, e a câmera, e no final desenha alguns traços brancos transparentes para uma capa de livro para mostrar que é um pouco brilhante. Agora é isso com certeza, vamos exportar a imagem para estes que eu vou compartilhar, escolher JPEG e salvá-lo no meu iPad. Esta imagem, é resolução total e também os arquivos procreate e Photoshop que você pode encontrar no aplicativo para a classe, abri-los em seu computador ou iPad e examinado em detalhes. 8. Vamos comparar!: Vamos dar uma olhada rápida em ambos os desenhos, tradicionais e digitais. Ambos os desenhos levaram mais ou menos tempo igual para mim. Claro, quando os colocamos um ao lado do outro, vemos algumas diferenças de cor e composição. Mas de qualquer forma, eu acho que eles são bastante comparáveis. Claro, você pode gostar de um deles mais do que outro, mas principalmente é uma questão de gosto e propósito pessoal. Na minha opinião, esses desenhos em aquarela acabaram por ser mais interessantes e variáveis em termos de cor. Honestamente, isso aconteceu principalmente por causa do fator aleatório, eu falei sobre isso no início. Algumas tintas foram ocasionalmente misturadas em uma pastilha e as novas cores apareceram sem o meu impacto. No desenho digital, você precisa fazer uma escolha consciente para cada cor e cada movimento. Ao mesmo tempo, no caso da versão digital, estou definitivamente mais feliz com os detalhes. Como você pode ampliar sua imagem o quanto precisar, você pode criar os menores detalhes. Você pode encontrar essas imagens em sua maior resolução nos aplicativos para esta classe e compará-los sozinho. Ficaria feliz em saber a sua opinião sobre isso. 9. Projeto e pensamentos finais: Aí vem um projeto de classe. Por favor, crie duas versões ou um esboço, assim como eu fiz. Primeiro, tradicional e digital. A complexidade do assunto, realmente não importa aqui, pode ser ainda melhor começar com algo simples para não ficar muito frustrado com este processo. No entanto, eu insisto que é sempre melhor usar um objeto real para desenhar não colocar referências em vez disso, então por favor carregue ambas as imagens aqui como um projeto de classe, e também adicione algumas frases sobre o seu processo. De que parte você gostou mais? Que dificuldades você enfrenta? Quais as vantagens e problemas que cada uma desta versão tem em seu caso particular? Mal posso esperar para ver seus desenhos e ler sobre sua experiência. Lembre-se que você não precisa ser um artista profissional ou desenhar perfeitamente para fazer este projeto. Estamos sozinhos aqui e na linha de desenhar o processo é muito mais importante do que um resultado presente. Por favor, sinta-se à vontade para entrar em contato comigo aqui ou nas redes sociais se você tiver alguma dúvida ou comentário, e eu farei o meu melhor para ajudá-lo. Muito obrigado por assistir minha aula. Espero que tenha aprendido algo novo ou talvez sistematizado algum conhecimento que já teve. Ansioso para esboços digitais. Tchau.