Transcrições
1. Introdução: Eu sou Alanna. Eu sou um artista e ilustrador morando em Toronto, Canadá. mais de dois anos, eu parti em um sonho de me tornar um ilustrador freelance. Meu primeiro e mais íngreme obstáculo foi aquele desafio esquivo em encontrar meu estilo. Foi esmagador. Repetidamente, eu aceito conselhos de ilustradores estabelecidos dizendo que a única maneira de encontrar seu estilo era fazer muita arte. Eles não estavam errados, mas eu estava pintando todos os dias e meu trabalho não parecia eu, senti que havia algo que eu estava faltando. A verdade é que não há solução para encontrar seu estilo. Você tem que fazer arte. Mas ao longo desta aula, vou mostrar-vos o meu processo de fazer arte com intenção. Vou mostrar a vocês como eu itero e experimento para construir um repertório de motivos que me parecem, e como eu reflexo sobre meu trabalho para aprimorar o que eu amo, descobrir meus preconceitos e me direcionar para onde focar max. Com este processo, você estará no caminho rápido para fazer ilustrações que parecem verdadeiras para você. Vamos começar explorando o que é estilo e revisando os elementos do design e como os aplico ao meu trabalho. Então vamos pular em seis experimentos que eu uso, que lhe darão ferramentas concretas para desenvolver seu estilo rapidamente. Cada experimento é baseado em um dos seis elementos do design. Linha, forma, espaço, valor, cor e textura. Esta é uma classe multimídia que irá atender a todos os níveis de habilidade, e pode ser completada com qualquer material que você tem em mãos. Não é uma aula sobre fazer boa arte, má arte, é apenas sobre fazer muita arte e refletir sobre o seu trabalho. Faça um trabalho que se sinta como você, vamos começar.
2. Projeto: [ MÚSICA] Em cada experimento, pintaremos um bug específico seis vezes, brincando com os elementos do design, bem como ferramentas e técnicas
médias à medida que aprimoramos meu estilo pessoal. Se você completar um, dois, três ou todos os seis experimentos, cabe inteiramente a você, mas mostrar todo o trabalho duro na seção privada. A melhor coisa sobre compartilhar seu trabalho é que às vezes ele pode lhe dar uma nova perspectiva. Alguém pode identificar uma parte essencial do seu estilo que você nunca notou porque você está olhando para ele por muito tempo. Skillshare é uma comunidade incrível de pessoas
criativas e eu ganhei muito ao compartilhar meu trabalho para feedback. Incluí algumas imagens de referência para cada experimento no guia de recursos, que você encontrará no painel do projeto. Mal posso esperar para ver seus projetos. A seguir, discutiremos os materiais que você precisa para esta aula.
3. Materiais: Esta é uma aula sobre explorar o que você tem e o que você ama. Não há absolutamente uma coisa que você tem que comprar para começar. Incluí uma lista de alguns dos meus suprimentos favoritos e guia de recursos de classe encontrados na guia do projeto. Sinta-se livre para verificar se você está procurando algumas novidades para tentar,
mas caso contrário, pegue os suprimentos de arte que você tem e vamos nos preparar para fazer uma bagunça. A única coisa que eu recomendo que você tenha antes de começar é um caderno, papel parcial ou alguns cartões de índice. O aplicativo de notas no seu telefone também funcionará em um toque. Eu só quero que você tenha um lugar para anotar em todas as suas observações, reflexões e perguntas que você descobrir enquanto você progride através das experiências. Manter um diário de arte com observações sobre o meu trabalho foi absolutamente a melhor coisa que já fiz para a minha arte e encontrar o meu estilo. Ao tomar um tempo para parar e considerar e escrever o que você está amando em seu trabalho, o que está funcionando e o que não está. Você vai dar um grande salto em frente. Para mim, tomar notas sobre o meu trabalho faz-me sentir mais livre para criar porque torna o processo de fazer arte, tão importante quanto aquela peça final final. Só o ato de escrever as coisas me torna mais intencional e reflexivo, que é a chave para encontrar seu estilo. A seguir, vamos esclarecer o que é estilo?
4. Estilo: Quando estamos falando de estilo, para os propósitos deste curso, estamos falando sobre a combinação particular de elementos que se juntam para criar uma personalidade única e reconhecível nos estratos do corpo de trabalho de um artista. Estes elementos podem incluir a interpretação do artista dos elementos do design, bem
como materiais de motivos, assunto, ferramentas e técnicas que os artistas utilizam em seu trabalho. Mas aqui está o truque. Seu estilo não precisa ser totalmente único. Não importa se outro artista usa cores ou motivos semelhantes aos seus, porque a maneira particular que você combina todos esses elementos, é o que fará seu trabalho se destacar. maneira mais eficaz de encontrar o seu estilo é criar uma tonelada de arte e, em seguida, juntá-la para encontrar os padrões, as coisas estranhas que você faz que podem parecer obscuras, as coisas que surgem de novo e de novo, o coisas que você acha bonitas e as coisas que você gosta de fazer. Reconhecendo esses padrões, podemos nos inclinar neles e começar a trazê-los para o nosso trabalho de uma maneira mais intencional. A seguir, uma breve visão geral dos Elementos do Design.
5. Elementos: Vamos rever rapidamente os elementos de design que vamos explorar
nesta classe e as formas como eles podem ser usados dentro do seu estilo. Só vou dar uma breve visão geral. Para uma explicação mais detalhada dos elementos e princípios do design, confira a classe de Dylan M: Niveling Up Your Art Game, The Elements and Principles of Design. Vale ressaltar que não há consenso sobre o número de elementos de design. Acabei de escolher seis como um ponto de salto a partir do qual explorar. Cada um dos seguintes experimentos se concentrará em um dos seguintes elementos. Uma linha é apenas dois pontos conectados. As linhas podem ser retas, rebobinadas e orgânicas. Linhas podem ser usadas para criar o contorno de sua peça ou para criar sombra, sombreamento e detalhes dentro dela. O material a ser usado afetará a personalidade de suas linhas de muitas maneiras. Materiais como tinta, canetas ou tinta serão fortes, claros, enquanto algo como lápis ou pastéis fará uma linha mais suave com mais textura. Algumas ferramentas criarão linhas previsíveis, como caneta esferográfica, que é ótimo se você criar muito trabalho com detalhes ou se se sentir mais confortável sabendo exatamente onde suas linhas acabarão. Outras ferramentas, como uma caneta de ponta ou uma caneta de pincel, são mais imprevisíveis, podem tornar seu trabalho mais solto ou mais espontâneo. Algumas coisas em si também são mais espontâneas. Enquanto algo como vidro criará linhas planas do mapa, aquarela ou tinta podem ter variações tom dependendo de como eles secam e quanta água você usou. Forma, por outro lado, refere-se a qualquer área de cor, textura ou padrão. As formas podem ser geométricas ou orgânicas. Linhas e formas podem funcionar em concerto, serão totalmente desconectadas umas das outras. Algumas pessoas dizem que quando se trata de arte, há pessoas de linha e pessoas de forma. Você já pode saber se você tem abelha ensinou em uma dessas categorias. Você pode não, ou você pode amar os dois. Quem se importa com o que algumas pessoas dizem? Alguns meios e ferramentas podem aprender inteligentes trabalhando com forma e linhas. Os pilões de caneta, por exemplo, fazem linhas realmente terríveis, mas são uma ótima maneira de adicionar uma camada macia de cor para uma bela forma de textura. Mas você também pode empurrar esses limites. Adoro preencher batatas fritas com uma caneta muito fina para fazer uma textura de rabisco. Mesmo que uma caneta fina não
pareça, a princípio , uma ótima ferramenta para fazer chips preenchidos maiores. Espaço e espaço negativo trabalham juntos para dar à sua imagem uma sensação de profundidade e separar objetos do que está ao seu redor. Se você não tivesse nenhum espaço negativo em seu trabalho, tudo seria empilhado em cima de si mesmo todo willy nilly. O espaço permite que você crie agrupamentos de elementos dentro do seu design. Para fazer os elementos se destacarem apenas para tornar as coisas mais fáceis de ler e, em seguida, controlar o seu espaço em branco, você também pode criar um estilo visual, mas é todo seu. Alguns artistas usam muito espaço em branco, o que dá a sensação de trabalho de ordem ou expansividade. Usar menos espaço em branco pode criar uma sensação de caos ou vento. valor apenas descreve a escuridão ou a leveza da cor. Trabalhar em preto e branco é uma ótima maneira de começar a entender o valor e garantir que você configura contraste suficiente em seu trabalho. Embora, contraste, tudo começará a parecer bastante iguais mesmo quando as cores podem ser diferentes. Seus olhos não saberão no que focar quando olharem para uma pintura ou uma obra de arte. Uma peça com contraste suficiente, seu olho será naturalmente atraído para as áreas onde há mais contraste. Além de ter certeza que você tem esse contraste
também pode jogar com valor como um elemento do seu estilo. Ter muito contraste pode criar um estilo gráfico arrojado que é de alta energia. Menos contrastes competirão composição que é mais serena. A cor é um pouco mais complicada. Há toneladas de aulas maravilhosas sobre Habilidades compartilhadas sobre teoria de cores. Então eu vou apenas dar-lhe uma breve visão geral. cor é a maneira mais fácil de transmitir emoção em seu trabalho. Encontrar uma cor que você ama não é a maneira mais rápida de fazer suas ilustrações se sentirem mais pessoais. Existem três cores primárias. Ao misturá-los juntos, obtemos nossas cores secundárias e, em seguida, misturando essas cores e tipo, podemos criar todas as cores encantadoras do arco-íris. As cores com branco adicionado são chamadas de tons. As cores com preto adicionado são chamadas de tons. É assim que a cor e o valor interagem. As cores com tons principalmente vermelhos são consideradas quentes. As cores eram tons azuis são considerados legais. Você pode criar certas emoções em seu trabalho
nas maneiras em que você joga cores frias e quentes. Cores legais podem transmitir uma série de coisas, incluindo uma sensação de calma ou tristeza, paz, tranquilidade. Cores quentes, por outro lado, transmitem energia, alegria, raiva, entre outras emoções. Você também pode usar o contraste entre cores frias e cores
quentes para enfatizar certas partes da sua pintura. Textura refere-se à forma como as coisas se sentem. Bem, olhe como se sentissem se tocados. Pode parecer bananas pensar sobre o toque sobre uma superfície plana. Mas as texturas podem criar a aparência mais tridimensional e tornar suas pinturas mais imersivas. Eles também são a chave para fazer qualquer trabalho digital que você pode ver mais polido e interessante. As texturas podem ser calcárias, buggy ,
brilhante, metálicas, tecidas, feltro ou salpicadas. Existem centenas de maneiras diferentes de criar textura ao usar cores: espaço em branco, colagem, diferentes meios ou técnicas. A maneira como você usa a textura ajudará a definir seu estilo. A seguir, experimente um, Line.
6. Experimento 1: linha: Então começa. Eu desenhei todos os meus insetos e estou pronto para experimentar. Para começar, pode valer a pena notar que tenho certeza de que sou uma pessoa de forma. Começar este experimento foi muito induzindo ansiedade para mim. Você pode ser capaz de dizer enquanto você assiste a esta primeira experiência com linha, quão desconfortável e hesitante eu sou quando eu estava planejando exclusivamente. Se você se identifica como uma pessoa de forma, experimentos com linha podem fazer você se sentir assim também. Ou talvez goste de falas e estejas um
pouco enferrujado e estás a ter muita resistência a começar. Coloque seu pincel, seu lápis ou sua caneta, e respire fundo. Não há estacas aqui. Se você faz algo que é terrível, que é tão valioso, talvez até mais valioso do que fazer algo bom. Estamos tentando descobrir o que funciona e o que não funciona para expressarmos nossa própria voz única. Nunca conseguirás fazer isso se tiveres medo de fazer algo mau. Para mim, a ideia de esboçar linhas com uma caneta era muito assustadora para suportar. Pintura de limo neste exercício porque é onde me sinto mais em casa. Onde você se sente mais em casa? Comece por aí. A outra coisa que vou começar dizendo é que seu crítico interno não tem lugar nessas experiências. Fazer trabalho com intenção e refletir sobre esse trabalho é incrivelmente valioso. Mas essa reflexão precisa acontecer depois que o processo de criação de arte terminar. Depois de colocar seu pincel, caneta, lápis, um lanche e relaxado. Se você está tentando refletir sobre o seu trabalho enquanto o faz,
isso afetará sua capacidade de experimentar e assumir riscos. Você tem que abordar o processo de criação de arte com abandono, e só depois você se senta e fala calmamente sobre as coisas que estavam funcionando e as coisas que não estão. De volta à criação. Terminei de delinear meu inseto, fazendo algumas escolhas estranhas com certeza. Não sei por que alinho a antena. Podem ter sido apenas falas. Mas, infelizmente, estou tentando um pouco de escotilha na antena, nas pernas. Quem sabe o que mais? Estou gostando muito disso nas pequenas áreas confinadas do espaço. Este pode ser um dos meus preconceitos do que estou descobrindo enquanto estou trabalhando. Mas eu obviamente tenho uma maneira muito orientada para a forma de trabalhar com linha. Eu delineei a peça inteira. Muitas pessoas que estão mais confortáveis com a linha provavelmente não fariam isso. Eles simplesmente delineavam as peças onde há sombras e sombreamento insinuando a forma do inseto. Algumas pessoas podem dizer que é errado delinear toda
a forma e é um pouco amador ou ingênuo. Mas francamente, eu meio que gosto. Só queria que as linhas fossem um pouco mais fortes, talvez. Isso é algo que vou ter em mente para a próxima iteração. Eu também decidi adicionar pequenas manchas aos olhos. Eu tinha considerado fazer linhas cruzadas indo em ambas as direções para torná-lo como um padrão de porta de tela. Mas eu pensei, talvez os pontos poderiam adicionar mais contraste a todos os padrões listrados e eclosão que eu fiz [inaudível] nesta pintura. Os pontos tomam linhas coladas, quem pode dizer? Eu também estou adicionando linhas ao longo do shell para
sugerir que a forma dele como um objeto tridimensional, é por isso
que eles são curvos. Uma coisa importante a notar enquanto trabalhamos nosso caminho através desses seis experimentos é que os elementos são um ponto de partida. Então, se você está trabalhando online e você tem este cofre de inspiração que você quer ter uma forma desconectada e bater nele, faça isso. Veja como funciona. Pode ser fantástico ou pode não funcionar, e então você aprenderá uma tonelada. Mas você nunca deve se sentir limitado por esses experimentos. Apenas animado e empurrado um pouco para fora da sua zona de conforto. Pense nisso como se fosse alongamento. Certo, vamos tentar de novo. A melhor maneira de fazer sua melhor arte possível que se sinta mais como você é iterar, que significa fazer a mesma coisa uma e outra vez e esperar resultados diferentes. Não te deixa louco, faz de ti um artista. Agora que estou aquecido,
deixei o meu pincel de lado e peguei uma caneta. Ainda estou usando tinta. Eu pensei que isso poderia mudar na qualidade das linhas um pouco,
dando um pouco mais de personalidade e sabe-se lá o que mais. Até agora, profundamente desconfortável. Vamos mostrar que vai. Você vai notar que a maioria das coisas que eu tentei
neste experimento são muito parecidas com o que eu fiz no último. Eu estava focando principalmente nesta nova ferramenta, a caneta de imersão. Que, felizmente, eu consegui não mergulhar no tinteiro e espalhar por todas as minhas mãos no jornal e sabe-se lá o que mais. Então isso é uma vitória. Caso contrário, não estou sentindo isso. Não é ruim. Não há nada de errado com ele. Mas realmente não me sinto como eu. Eu não sei se é a qualidade da linha ou a cor, mas eu definitivamente vou tentar outra coisa na próxima iteração. Dizem que a terceira vez é o encanto, e desta vez tomei parte do que observei
nas duas primeiras experiências para melhorar o meu processo. Mudei da tinta preta porque não estava funcionando para mim, e comecei a usar lápis de cor. É um médium com o qual me sinto muito confortável. É um dos meus favoritos. Eu uso isso o tempo todo. Então desta vez eu estou planejando mudar as coisas um pouco negociando as marcas de escotilha que eu tinha usado anteriormente para um padrão mais geométrico baseado em linha. Eu também estou realmente cavando este interruptor que eu tinha feito de preto para cinza. Porque o preto não é uma cor que eu uso muito todos os dias na minha arte, realmente não me sinto como eu. Então, quando eu estava usando tinta, porque eu pensei que era o que eu deveria usar para linhas, acabou
se sentindo como o trabalho de outra pessoa, que definitivamente não é o que eu quero. Esta é uma das coisas que você pode tomar nota enquanto está refletindo. As coisas que você traz para o seu trabalho, que nossas suposições sobre o que fazer arte deve ser em vez de como é sua arte. Cara, eu estou amando essa mudança de eclosão para essas linhas, eles parecem uma meia-calça de bruxa e eu adoro isso. Eu não sou um grande usuário de padrão em geral. Minhas roupas não têm padrões. Minha arte não tem tantos padrões,
é algo em que estou trabalhando, e esse padrão listrado pode ser o carrapato. Basta uma rápida olhada na minha página já me diz que estou no caminho certo. Estou amando esse terceiro desenho muito mais do que os dois
primeiros que não pareciam comigo. Isso não quer dizer que eu amo este. Definitivamente há algumas coisas que eu mudaria. Como se fossem as lâmpadas que fiz. Por que eu fiz isso? Quem pode dizer? Mas estou definitivamente no caminho certo. Agora estamos no último desenho que faremos juntos. Os outros dois eu vou fazer sozinho, e então vamos para o nosso reflexo. No espírito desta experiência, troquei os médiuns novamente. Estou de volta com o pincel, trabalhando com guache desta vez, o que você já deve saber é onde estou mais confortável. Pensei que tentar um pouco de cor seria divertido. Então eu pego a cor que eu gostei e eu já estou realmente amando o quanto isso parece pessoal para mim. Meu plano também é ficar com os elementos mais gráficos, como as listras e pontos em vez
da eclosão que usei nos primeiros experimentos. Acho que com o guache achatado que estou trabalhando. Vai tornar o efeito ainda mais divertido e gráfico. Eu realmente gosto disso, mas é o seguinte, isso não veio do nada. Isto foi construído sobre as três iterações anteriores que eu já fiz. Agora que estamos quase terminando este experimento, eu vou sair sozinho e fazer mais experimentos para jogar com este estilo ainda mais, para torná-lo mais meu próprio. Depois, nos encontraremos aqui para nossa reflexão.
7. Reflexão 1: linha: Agora que terminamos o primeiro experimento, é hora de refletir sobre nosso trabalho. Você pode fazer isso depois de cada experimento e novamente no final, uma vez que você teria um corpo maior de trabalho que você encontra padrões e reflete sobre. Você também pode usar isso de forma contínua para refletir todo o trabalho que você criou para se tornar um ilustrador mais forte. Aqui estão algumas perguntas que você pode considerar ao refletir sobre o seu trabalho. Que escolhas você fez sobre sua arte antes mesmo de começar? Tipo de papel que você usou, ferramentas, o meio, além da escala, você gosta dessas escolhas agora, refletindo sobre elas depois, o que você mudaria se pudesse? Como você se sente sobre as cores que você escolheu? Eles se sentem como você? Você gosta deles? Descobriu algum preconceito que possa ter sobre o processo de criação de arte? Descobriu que esses preconceitos te atrasaram? Você gostou de trabalhar com o meio e ferramentas que você escolheu para este experimento. Gostou dos efeitos que eles criaram? Você sentiu que tinha conhecimento suficiente para obter o efeito que você queria do meio ou ferramentas que você está usando? O que você mais gostou de fazer? O que você não gostou? O que você ama o olhar, e o que realmente não está funcionando para você? Bem, há algumas coisas que eu gostei muito claramente, o rubor, esse padrão geométrico que eu tenho usado, as cores brilhantes, especialmente aquele rosa quente, que normalmente não é uma cor que eu usaria muito. O que eu não gostei, a tinta e aquelas raízes, pequenos olhos no meu inseto chão lápis, a caneta profunda. Algumas dessas coisas são apenas coisas com as quais não me sinto confortável, mas também não gosto de como elas ficam e não acho que elas combinam comigo. Não vou focar minha energia em aprender a melhorar minhas habilidades nessas áreas. Se há uma habilidade que você amou a aparência, mas você simplesmente não tem a habilidade técnica para que seria o lugar para concentrar sua energia. Alguns preconceitos que eu descobri, nós somos em primeiro lugar,
aquele preconceito ridículo, que para ser a verdadeira arte da linha, eu tinha que estar trabalhando com tinta. Eu estava me fazendo odiar linha por ouvir isso deveria, como besouros de lavagem são apenas arte linha muito e eu
amei pintá-los e enquanto eles não são os mesmos que o meu outro trabalho, eu acho que eles ainda se sentem como eu, que Os insetos de tinta nunca vamos fazer. Outra coisa a notar é que eu amo esse motivo besouro. Acho que vou usá-lo novamente no meu trabalho no futuro. A seguir, vamos experimentar a forma.
8. Experimento 2: forma: Bem-vindos ao experimento número 2. Você já está um sexto do caminho até lá. Você fez tanto trabalho e aprendeu muito sobre seu estilo. Agora, vamos nos concentrar em formas, pintando insetos. Sei que insetos também são besouros, mas há diferentes tipos de besouros, então vamos continuar com isso. Estou pintando meu corpo inteiro de vermelho. Trabalhando em torno de todos os lugares que eu desenhei com antecedência. Isso pode parecer muito estranho, eu poderia apenas pintar uma camada de base inteira dele, mas minha idéia é que eu vou fazer todos os detalhes pretos em azul e eu sei que a tinta azul que eu tenho é um pouco translúcida. Eu acho que ao delinear as áreas e pintar ao redor delas, eu posso obter um pouco dessa translucidez para passar por onde os pontos estão. Também estou usando um pincel minúsculo. Isso é algo que eu faço muito. Você pode ter notado isso antes em minhas outras aulas, mas eu realmente gosto de muitas pinceladas no meu trabalho. Acho que essa é uma das escolhas que estou fazendo. Estou usando um pincel pequeno para obter mais truques de pincel. Se você quiser menos pinceladas, eu sugiro usar um pincel maior, pois isso
minimizaria o número de pinceladas que você pode ver na peça acabada. Também trabalhar com o meio mais opaco provavelmente seria uma boa escolha também. Eu tendem a deixar meu guache um pouco no lado aquoso porque eu gosto de ver pinceladas e a textura do papel através da minha tinta. Você vai notar que eu também mover minha folha de papel em torno muito enquanto eu trabalho. Esta é apenas uma técnica para garantir que eu tenha o melhor ângulo para que eu possa fazer as linhas mais nítidas e
precisas e dessa forma eu não vou manchar todas as bordas das coisas que eu estou tentando pintar ao redor. Também é uma ótima maneira de garantir que você está sempre pintando na parte da página que está seca sem as mãos sobre as partes que estão molhadas, arriscando suavizar. Gouache seca muito rapidamente, mas se você está trabalhando com um meio de água, como a cor da água, você pode querer deixar um pouco mais de tempo para
que você não manchar sua mão através de sua tinta, como eu costumo fazer. Se você precisa acelerar as coisas, eu costumo usar um secador de cabelo barato que guardo minha mesa de arte para secar as coisas para que eu não as destrua. Agora vou começar a trabalhar nas áreas tradicionalmente negras do meu inseto. Uma vez que na primeira experiência, aprendi que não gostava de trabalhar com um pigmento preto puro no meu trabalho, estou experimentando um azul profundo neste. O azul que estou usando tem um pouco de translucidez, então espero que tenha um pouco de profundidade. Enquanto estou pintando, você vai notar que eu deixei algum espaço branco entre as duas metades dessa concha de inseto como eu estava pintando. Eu pensei que poderia ser uma boa maneira de adicionar alguma dimensão e algum contraste para torná-lo um pouco mais interessante. Eu também estou planejando deixar um pouco
de espaço em branco, ao redor dos pontos na joaninha para ver se isso também irá adicionar contraste e interesse. Uma coisa que eu já estou percebendo é que essas cores realmente estão funcionando para mim. Acho que é o vermelho. Acho que o vermelho é muito vermelho. Um pouco berrante, como diria o meu marido. Eu normalmente trabalho com uma mistura de tons de ferramenta profundos como aquele azul e pastel. Este vermelho brilhante não parece estar em casa para mim. Até agora, deixar espaço em branco ao redor dos pontos não é algo que eu tenho certeza sobre, mas eu vou continuar nisso porque às vezes quando você está no meio de fazer um padrão ou terminar uma peça, você realmente não pode dizer se o que você está fazendo é bom ou se é errado. Eu vou apenas ver isso através e ver como funciona. Outra iteração, estou fazendo algo que está um pouco fora da minha zona de conforto desta vez. Trabalhava muito em aquarela, mas ultimamente tenho trabalhado em guache. aquarela não se sentia como eu, mas vou tentar outra vez porque às vezes fazemos suposições sobre o nosso trabalho, e seguimos em frente como se fossem verdadeiras,
e nós realmente não confirmamos se elas são verdadeiras. Eu já estou amando essa cor, vamos ver como tudo o resto vai. Bem, eu gosto desta quantidade chocante. Adoro as cores que usei. Eu amo toda a profundidade e textura que você obtém com aquarela. Mesmo depois de um falso começo com esses pontos em pontos, eu gosto das manchas de joaninha, agora que eu os consertei. Eu só vou adicionar um pouco de forro fino agora porque eu acho que as bordas vão precisar de um pouco mais de definição. Mas no geral, eu não odeio isso. Eu acho que a pergunta a me fazer é, agora há uma maneira de incorporar este ou elementos do que eu gosto neste mais em meu estilo que é mais plana cor e pastéis? Ou importa se eu gosto disso? Nem tudo que você ama tem que fazer parte do seu estilo. Agora para a terceira iteração. Voltei a trabalhar com guache. Eu pensei que ao colocá-lo lado a lado com a aquarela, eu posso encontrar novas maneiras de incorporar esse estilo aquarela que eu realmente gosto muito no meu estilo que eu uso atualmente, que é mais baseado em gouache. Estou usando uma cor pastel desta vez porque parece um pouco mais comigo. Estou pintando por toda a área, não deixando as manchas vazias como fiz da primeira vez com guache. Meu plano é usar textura desta vez para fazer as formas, em vez de apenas cor como eu fiz nos dois experimentos anteriores. Você vai se lembrar de nossa discussão sobre os elementos do design, que a forma pode ser qualquer área de cor, textura ou padrão. Mas o que eu estou achando até agora é que minha preferência quando eu vou, quando eu não estou pensando sobre isso, fazer é fazer a forma uma área de cor. Acho que essa é provavelmente a configuração padrão de muitas pessoas. Mesmo na última iteração em que eu tentei usar uma série de pontos para fazer as joaninhas manchas, eu acabei duvidando de mim mesmo e pintando sobre ele. Então, desta vez eu vou me manter firme. Essa pode ser a única coisa que ninguém fala quando você está tentando se afastar da sua zona de conforto. É preciso uma mão firme. Às vezes você vai chegar a meio caminho e seu desconforto vai empurrá-lo de volta para o que você sabe. Você vai pintar sobre a coisa que você está tentando e você só vai jogar pelo seguro em vez disso. É preciso muita coragem para continuar
avançando mesmo quando você sente que está fazendo algo que provavelmente não é bom, porque você nunca vai saber se é bom até que você se deixe terminar. Neste inseto, eu decidi adicionar pequenos pinchers porque as mulheres insetos têm esses. Você pode vê-los nas fotos de referência. Então vamos ver se eu gosto deles no final. cor do guache faz muita diferença, não é? Eu não estou fazendo muito diferente da minha primeira joaninha, mas já isso está me sentindo mais certo. Você vai notar que eu troquei os pequenos pontos em cada joaninha. Eu estava usando as imagens de referência que incluí para todos no guia de recursos. Notei que nem todas as pequenas manchas brancas são iguais. Para ser honesto, eu nem sabia que as joaninhas tinham aquelas pequenas manchas brancas nos ombros antes olhar atentamente para a imagem de referência. Então, às vezes, a melhor maneira de começar a perturbar seus preconceitos e dar
a você mesmo uma chance de fazer algo fora da caixa é simplesmente se concentrar no seu assunto, descobrir quais coisas você esqueceu. Porque seu cérebro tem essa idéia do que é
uma joaninha e nem sempre combina com a vida real. Seu cérebro corta as coisas, então é fácil categorizar cada coisa que você vê neste mundo em sua cabeça. Mas isso significa que muitas vezes quando estamos pintando de nossa imaginação, ou pintando algo que assumimos que sabemos pintar, estamos adivinhando o que deveríamos estar pintando. Acho que é um projeto antigo da escola de arte. Essa idéia de desenhar uma bicicleta da memória. Fazer isso ou desenhar qualquer coisa da memória às vezes pode demonstrar para você o
quanto você não sabe e o quanto esquecemos de usar nossos olhos quando estamos desenhando. Então, concentrando-se nas imagens de referência ou em qualquer assunto que
você está pintando, você pode realmente aprimorar o que está realmente lá na sua frente. Comecei a pintar as manchas. Decidi fazê-los listrados. Eu também decidi adicionar um esboço, algo sobre aquele rosa pálido sobre o papel branco só não estava bem comigo. Acho que precisava de mais contraste. Quase terminei, eu acho. Mas às vezes o que acontece é que você termina sua pintura, você está em um lugar onde você acha que está feito, e você dá um passo para trás, olha para ela e percebe que há apenas uma coisinha que você precisa ajustar. Neste caso, eu percebi que eu não amava apenas o padrão listrado, eu queria torná-lo mais como um padrão de eclosão. Então eu revi tudo de novo só para adicionar aquele pequeno toque final. Acho que funciona. Acho que precisava de um pouco mais de contraste e estou feliz com o resultado final. Das três joaninhas que pintei até agora, esta parece mais comigo. Joaninha número 4, temo até te mostrar isto porque não correu bem, mas estou muito orgulhoso de mim mesmo porque fiz muitas coisas boas aqui. Primeiro, comecei a pensar fora da caixa. Olhei para as três primeiras joaninhas e pensei : “As joaninhas são redondas, elas têm que ser redondas?” Então decidi fazer uma joaninha quadrada. Não estou dizendo que correu bem, mas eu tentei. Estou deixando espaço em branco para os pontos quadrados desta joaninha. Espero pintá-los com o mesmo azul de novo e fazer com que a luz brilhe. Eu fiz uma escolha quando eu comecei esta pintura que eu queria o quadrado fosse um quadrado orgânico funky em vez de um quadrado perfeito. Então eu não desenhei com uma régua e isso
já está começando a me incomodar. Eu realmente gostaria de ter feito isso. Eu também decidi deixar seus pequenos ombros quadrados, sua cabeça quadrada. Eu vou dar a ele pequenos pés quadrados também. Eu realmente participei desse plano. Mas veja como é o Gauss. Bem, estou tentando salvá-lo mas acho que nunca vou chegar a um ponto em que eu amo isso. Adoro algumas coisas sobre isso. Adoro a translucidez do azul. Adoro o rosa e o azul juntos, mas no geral, este não é para mim. Eu vou trabalhar em minhas próprias duas iterações finais e então vamos refletir juntos.
9. Reflexão 2: forma: Bem-vindos ao reflexo do experimento número 2. Se você precisar de uma atualização sobre como refletir sobre o seu trabalho, você pode conferir o vídeo para reflexão 1 linha, ou você pode conferir o guia de recursos da classe, onde há toneladas de perguntas
detalhadas que você pode usar para guiar-se através de seu reflexões. Vamos começar com o que eu gostei. Gostei do lápis de cera, especialmente da forma como o usei na última iteração. Não costumo usar lápis por conta própria. Eu uso isso em cima da abóbora. Acho que esqueci o quanto gosto da textura por si só. Eu também amo os insetos que não eram muito vermelhos. Eu gostava de usar azul em vez de preto. Gosto muito da aquarela, mas não sei se parece comigo. Formas orgânicas, pincéis pequenos e pinceladas. Coisas que eu não gostava. Esses insetos quadrados estúpidos, pontos nos pontos. Mesmo que eu amasse a idéia de que rosa, que eu usei para o inseto quadrado, que é loucura porque eu não odiava no meu besouro. Talvez não seja certo para mim. Que preconceitos eu descobri? Bem, o primeiro e mais importante é que, insetos têm que ser redondos. O que aprendi acima de tudo é que, às vezes, preconceitos, não precisam ficar chateados. Tentei fazer algo novo e fora da caixa e não adorei e está tudo bem. Alguns preconceitos não estão te impedindo. Eles estão lá no fundo da sua arte. Eles são totalmente neutros. Eu amei esse motivo e provavelmente vou usá-lo novamente no meu trabalho em algum momento. A seguir, vamos experimentar o espaço e o espaço negativo.
10. Experimento 3: espaço: Bem-vindo ao experimento número 3, estamos quase na metade do caminho e neste experimento estamos focando no espaço ou, mais importante, no espaço negativo. Estou misturando um pouco aqui. Não que você possa realmente dizer. Isto é na verdade aquarela, não Gouache, aparentemente eu tenho algumas cores que eu realmente gosto. Estou planejando usar apenas uma cor e, em seguida, jogar com espaço negativo em lugares como os olhos, suas mãos de insetos,
as asas, e quem sabe onde mais? Estou usando um pincel minúsculo de novo. Eu pensei que funcionou bem para dar um monte de pinceladas porque as moscas são difusas e eu quero que ele pareça confuso. De qualquer forma, espaço negativo é uma coisa complicada para trabalhar se você nunca fez isso antes. Uma coisa que eu recomendo se você não está confortável trabalhando com espaço negativo, é usar apenas papel cortado. É uma ótima maneira de entender qual espaço e o que é espaço negativo, porque tudo que você corta, esse é o espaço negativo. Eu também acho muito menos intimidante porque parece que estou no jardim de infância novamente, cortando corações para a minha cesta de Dia dos Namorados. É completamente libertador. Esse é o lugar que eu sempre tento chegar com minha arte que joga. Parece que sou uma criança e estou apenas fazendo o que faz cócegas na minha fantasia sem qualquer expectativa de louvor ou qualquer expectativa de sucesso. Quando você chega àquele lugar de maravilhas infantis em sua arte, você nem se importa mais com o sucesso. Nem sequer é uma consideração porque você é bem sucedido quando faz arte. Neste ponto, comecei a delinear as asas. Eu não estou planejando preenchê-los com mais nada além das pequenas veias de inseto. É isso que as asas são? São ossos minúsculos? Quem pode dizer, eu não tenho idéia. Eu também estou tentando manter minha tinta realmente molhada para que você veja um monte de textura aquarela. Se há algum lugar que eu ache que seja translúcido ou mais leve do que eu quero que seja. Eu passo por cima com um pouco mais de tinta e torná-lo mais escuro. Olhando para este bug e refletindo sobre o trabalho que eu fiz antes disso durante toda a aula, eu estou percebendo que eu tinha uma suposição fundamental de que eu
já totalmente desprovado porque eu achava que eu não era uma pessoa azul. Pensei que não usava azul. Eu pensei que eu usei um cores quentes apenas caras. Mas eu estava tão errado. Eu uso tanto azul, às vezes quando estamos fazendo arte, temos uma história em nossa cabeça que dizemos nós mesmos que não reflete a realidade. Dizemos a nós mesmos que gostaríamos de um trabalho detalhado quando isso faz nossas costas doerem e não gostamos de fazer isso ou dizemos a
nós mesmos que não gostamos da cor azul porque não se sente como nós, mas então toda vez que pegamos um tubo de tinta, pegamos a tinta azul. Quando você entra em um ciclo interminável de fazer arte, às vezes não temos tempo para olhar nosso trabalho e reconhecer esses padrões. Falando em padrões, eu comecei a adicionar as veias ou seja lá o que eles são chamados, às asas do inseto neste momento e eu estou realmente amando a translucidez da aquarela aqui. Isso é uma coisa que você não ganha tanto com Gouache. Ainda falta alguma coisa. Acho que vou começar a mexer com um lápis de cera, que é o meu melhor, eu sei. Mas eu estou adicionando este azul escuro para adicionar mais profundidade e textura e eu posso rabiscar com ele. Acho que vai fazer a pintura parecer muito mais solta e divertida. Vou tirar um momento para apagar o esboço que tenho aqui. Porque eu estou percebendo agora que estou usando um lápis de cera, pode ser mais difícil apagar isso mais tarde sem acidentalmente manchar meu trabalho real. Se você está planejando fazer mais pintura, certifique-se de se livrar de todos os bits de borracha. Caso contrário, secarão na sua tinta e tornarão sua vida miserável. Você pode removê-los mais tarde se estiver digitalizando usando a ferramenta de cura no Photoshop. Mas é realmente mais fácil não deixá-los presos na sua pintura em primeiro lugar. Vou adicionar mais espaço em branco agora para criar textura no corpo da mosca com uma caneta de massa. Estas são uma caneta mágica. São tintas acrílicas, eu acho que neste pequeno tubo chique e eles funcionam muito bem. Sempre achei canetas de gel bastante inconsistentes. Eles começavam e paravam e seria difícil fazê-los ir quando eu tentava trabalhar. Mas a caneta de massa não tem nenhum desses problemas. Eu adicionei um padrão cruzado para os olhos dos insetos e eu estou amando isso. Só estou adicionando mais detalhes às asas dele agora com um lápis de cor azul mais claro. Acho que estamos quase terminando. Para esta segunda iteração, eu dei um salto para fora da minha zona de conforto. Usei um pouco de fluido de mascaramento para arte de palavras. Eu uso no início de cada mês no Instagram. Mas isso é algo que eu nunca tentei antes. Vamos ver o que acontece. [ MÚSICA]. Isso não parece melhor agora do que recuperar esse fluido de mascaramento, e francamente, eu não sou super experiente com fluido de mascaramento, mas eu posso dizer que esse fluido de mascaramento que eu tenho não é ótimo. Está deixando meu papel manchado de amarelo. É incrivelmente difícil de remover. Eu tenho que usar essa borracha, caso contrário, ela realmente rasga a página. Se você vai usar fluido de mascaramento, eu sugiro que não use essa marca Daniel Smith, pegue outra coisa que é um pouco menos horrível. Vou ver se consigo salvar isto com lápis de cera. Verei o que posso fazer. Bem, pelo menos aquela joaninha quadrada não é a pior coisa que já pintei agora porque foi ruim. Vamos ver o que posso fazer agora, brincando com brilho novamente, meu plano é fazer uma pintura com o mínimo de espaço em branco possível. Estou planejando cobrir toda a área com tinta. A última vez que deixei as asas totalmente abertas e livres, o que lhes deu uma sensação real de austeridade. Desta vez vou usar um azul pálido. Também estou usando um cinza mais escuro para o corpo da mosca. Meu plano é usar uma cor vermelha assustadora para os olhos porque eu vi que era o caso em muitas referências. Este pode ser um bom momento para discutir fotos de
referência quando você está trabalhando para encontrar seu estilo, a melhor maneira absoluta de fazer isso é trabalhar a partir da vida. Mas a realidade é que há apenas algumas coisas que você não pode pintar da vida, como uma mosca, por exemplo, aqueles pequenos desgraçados vão voar sempre, provavelmente mesmo antes de você colocar caneta no papel. Nesses casos, a melhor coisa a usar são fotos de referência, são representações bastante precisas das coisas da vida. Pretende certificar-se de que está a trabalhar a partir de fotografias de referência de
tal forma que não esteja a copiar. Você não está roubando o trabalho do outro artista ou sua composição ou os detalhes de como eles criaram sua obra de arte. O que você está tentando fazer é descobrir todos os detalhes de como criar essa coisa específica. Neste caso, uma mosca. Eu nunca aconselharia você a usar outra ilustração como base para sua arte. O problema com isso
é que você está vendo essa coisa em particular através dos olhos de outra pessoa, que torna muito difícil fazer algo que é único para você. Isso não quer dizer que você não deve olhar para o trabalho de outros artistas e ilustradores em uma base contínua. Olhando para o trabalho de outros artistas e ilustradores é uma ótima maneira de
treinar nossos olhos e ter idéias de coisas para tentar, mas você não quer ver o mundo através de seus olhos. Você quer ver o mundo através de seus olhos, é assim
que você faz um trabalho que se sente como você. De volta ao meu quadro. Estou quase no ponto em que tenho todos os pequenos detalhes dessa leve cor azul preenchido. Agora eu vou adicionar um pouco de textura. Claro, estou pegando lápis de cor, o que mais você esperaria? Há algo acontecendo aqui que é muito fácil de ver no vídeo, mas foi muito mais difícil para mim reconhecer enquanto eu estava criando. Há algo louco acontecendo com as asas deste inseto. Por alguma razão, decidi pôr as pernas dele atrás. Mas suas asas estão entre suas pernas e seu corpo. Acho que não é assim que funciona. Felizmente, eu estou trabalhando com brilho, então isso é algo que eu posso facilmente consertar depois
pintando sobre ele de tal forma que você não pode dizer. Mas você pode descobrir, enquanto você está criando, que às vezes isso acontece com você também. Você está tão no momento que você apenas perde alguns detalhes. É por isso que é realmente valioso fazer um trabalho como este, para iterar, experimentar e tentar as mesmas coisas uma e outra vez. Assim, quando você está em uma situação em que você está ilustrando ou fazendo arte sob pressão que você tem que entregar a um cliente, então você não terá que se preocupar em cometer pequenos erros como este, porque os motivos que você ama já estarão firmemente arraigados em seu catálogo de todos os motivos que você conhece e ama para que você possa produzi-los sob demanda de uma forma consistente que se sinta como você e não tenha nenhum desses detalhes estranhos fora do lugar. Eu também comecei a usar um pouco de caneta de gel branco a
fim de criar um pouco mais de textura no corpo, um pouco de destaque para sua moldura de mosca difusa, é um pouco mais riscado do que usar canetas pascal. Pensei que daria uma textura ainda mais fuzzier. Agora estamos na última mosca que faremos juntos. Os próximos dois, eu vou sair e fazer sozinho antes de fazermos o nosso reflexo. Estou usando um marcador de porcelana, que é um tipo de meio de resistência. É ceroso. Qualquer meio à base de água que você colocar em cima dele
vai apenas deslizar para fora, deixando áreas brancas. Ao contrário do fluido de mascaramento, você não pode pintar sobre as áreas que você usou china marcador em, eles estão sempre indo para apenas ficar branco, que não é necessariamente ruim, apenas é algo que você precisa planejar para. Eu os usei para todas as veias internas da minha asa. Também estou usando aquarela aqui. Estou tentando incorporar um tom de aquarela mais pastelado. Vamos ver como vai. Bem, acho que este pode ser um dos meus favoritos. Não sei, estou gostando muito dessas moscas. Eles são todos muito diferentes, mas todas são coisas que eu gostei de fazer e coisas que eu gosto do olhar, exceto por aquela mosca que não deve ser nomeada obviamente. Uma coisa que eu estou realmente amando sobre esta mosca é a maneira em que a textura veio daquele uso de espaço negativo com a aquarela. Só estou adicionando alguns detalhes finais agora. Eu só vou sair e pintar minhas duas últimas moscas não e então nós vamos nos encontrar de volta para o nosso reflexo.
11. Reflexão 3: espaço: Bem-vindos à nossa terceira reflexão. Aqui, estamos refletindo sobre nossas moscas espaciais negativas. Vamos começar com o que eu gostei e chocante, há muito, eu realmente não esperava ter tanta diversão com moscas. Adoro o azul. Eu amei usar caneta para criar espaço negativo ou apenas deixar áreas para criar espaço negativo que parecia textura. Eu adorava trabalhar com o marcador da China. Adoro a minha última mosca. Esse é um design gráfico muito ousado em cinza. Eu também surpreendentemente amo aquela terceira mosca onde eu estraguei as asas e consertei. Essa textura do guache em cima do guache cinza escuro onde você pode ver o corpo está realmente funcionando para mim e eu poderia intencionalmente usá-lo mais tarde. As coisas que eu não gosto, obviamente, aquela mosca de fluido de mascaramento horrível que não correu bem, eu não era um fã disso. Eu também tentei um com sépia em vez de preto, e eu realmente não gostei desse efeito. A sépia senta-se tão estranhamente comigo quanto a escureceu. Não vou tentar isso de novo no futuro. Uma coisa que eu também notei é que meu viés neste caso é um viés contra a cor da água. Já fiz vários experimentos em aquarela. Dois durante este experimento e eu apenas apreciá-lo. Eu não sei se isso significa que eu preciso tentar e encontrar maneiras de incorporá-lo no meu estilo. Ou eu preciso tentar e encontrar maneiras de incorporá-lo como um hobby se eu não acho que ele combina com o meu estilo. Mas de qualquer forma, acho que preciso dar outra chance à aquarela. Um outro viés que notei enquanto estou a olhar para estes experimentos finais acabados, é que eu tinha um verdadeiro impulso para trabalhar forma realista quando se tratava dessas moscas pensar que era porque eu estava desconfortável pintá-los. Mas daqui para frente, se eu incluir panfletos como um motivo no meu trabalho, eu quase definitivamente vou desenhá-los como um ponto com pequenas asas e eu não pintei essas ondas uma vez aqui. Às vezes, nosso desejo de ver algo importante ou como sabemos o que estamos fazendo fica no caminho do nosso estilo. Não há nada de errado
em pintar coisas ou desenhar coisas de uma maneira simples que faz parte de um estilo também. A seguir, vamos experimentar o valor pintando borboletas.
12. Experimento 4: valor: Bem-vindos ao experimento número 4. Esta é a primeira borboleta que já pintei em toda a minha vida. Durante muito tempo, senti-me intimidado por eles. Eles parecem super assustadores para pintar e para ser honesto, eles são muito femininos e isso nunca foi realmente o meu estilo. Mas já neste momento do experimento, olhando para o que eu pintei e sentado próximo processo, posso dizer que estou prestes a pintar cerca de 1000 borboletas. Estou gostando muito disso. Eu tenho três cores diferentes de azul que eu comecei com: azul claro, um azul escuro, e um azul médio, mas eu já descobri que eu não tinha cores suficientes, então eu tive que adicionar preto ao meu azul escuro lá para obter contraste
suficiente que seria diferenciado do corpo da borboleta. Como as borboletas não são um motivo que eu uso muitas vezes, eu realmente não me sinto confortável com isso. Neste caso, estou levando muito de perto
as fotos de referência para que eu saiba como é uma borboleta. Ao pintar borboletas realistas um par de vezes me dará essa capacidade freestyle no futuro porque
saberei o que funciona e o que não funciona nas asas de uma borboleta. Saberei o que faz sentido logicamente e depois posso brincar com isso. Posso quebrar essas regras, mas saberei quais são as regras. Pablo Picasso tem uma citação e eu adoro isso. É uma das minhas citações favoritas. É, “Aprenda as regras como um profissional para que você possa quebrá-las como um artista.” Estou usando uma caneta branca para adicionar detalhes às asas, pequenos pontos e listras. Normalmente eu usaria minha caneta posca, mas eu quero o que a caneta gel tem para oferecer nesta situação porque é um pouco mais leve, é mais fino que minha caneta posca. Acho que está funcionando muito bem. Eu também vou usar esta caneta gel branca para adicionar coisas e destaques ao corpo do inseto e às suas asas. Uma coisa que eu achei muito útil enquanto eu estava trabalhando meu caminho para fazer esta aula, foi ser capaz de ver meu trabalho de uma perspectiva diferente. Para mim, isso foi porque meu Mac Care projeta todas as imagens no meu iPad para que eu possa ver o que eu estou pintando enquanto eu estou filmando, mas eu vi recomendações de colocar um espelho ao seu lado e você pintar ou apenas tomar seu tempo no meio da sua pintura, afastando-se e voltando. Porque muitas vezes quando estamos no meio da pintura, não
podemos ver o que estamos fazendo. Estamos tão focados em detalhes. Aproveitar o tempo para se afastar e ver o que está funcionando e o que não está é realmente útil. Lembro que estava fazendo aula de arte no verão passado e odiando minha pintura. Eu estava pronto para sair da aula. Odiava tanto a minha pintura. Parecia uma perda de tempo trabalhar nisso. As pessoas vinham e diziam que a minha pintura era boa e eu pensava que eram mentirosos. Foi só quando me afastei para mudar a minha modelo de pintura e
voltei que percebi que na verdade não era ruim, não era uma pintura ruim. Na verdade, estava totalmente no caminho certo e indo exatamente onde eu queria. Mas eu precisava daquele tempo, aquele fôlego, aquele espaço para ir embora e voltar com olhos
frescos para ver minha pintura como realmente era. Certifique-se de dar a si mesmo esse tempo para ver sua pintura ou desenho ou qualquer arte que você criar para o que realmente é. Se isso é deixar de lado durante a noite e voltar para ele na manhã seguinte ou apenas colocar o seu lado tempo suficiente para ir pegar um copo de água porque todos nós precisamos beber mais água. Vou ficar com Gouache desta vez, mas vou tentar um padrão mais geométrico na próxima borboleta. Estou trabalhando em tons quentes de marrom. Verei se gosto disso também. Bem, eu definitivamente não gosto disso tanto quanto da minha primeira borboleta. Eu não acho que o padrão traduziu muito bem. Parece um pouco duro e duro demais. Estou tentando adicionar alguns detalhes das minhas canetas Posca para talvez juntar tudo. Vamos descobrir. Quando as canetas Posca falham, acho que esse é o limite para conseguir um lápis de cera. Vamos ver se consigo fazer funcionar com isto. A única vantagem que acho que trabalhar em algo que você acha que não está certo, é que você chega a um ponto onde você não pode estragar tudo. Se você já odeia isso, então você pode muito bem tentar experimentar algumas coisas novas e ver o que você pode fazer funcionar, e talvez ainda vai acabar terrível. Mas você não perdeu o estudo, então. Você já não gostou do quadro de antemão. Talvez encontre algum ingrediente mágico que possa juntar tudo. Neste caso, acho que não vai acontecer. Quero dizer, há algumas coisas que eu realmente gosto. As pequenas manchas nas asas têm alguma textura fantástica neles. Você não pode vê-lo tão bem de longe, mas eu gosto muito. Dito isto, ainda sinto que esta borboleta não me parece muito voadora. Mas tudo bem, porque eu vou pegar todas as coisas que eu notei trabalhando nesta borboleta e trazê-lo para a minha próxima iteração. Eu sei que na minha última experiência, eu não gostei do tom amarelo marrom. Eu estou tentando alguns tons dedinhos marrons desta vez, ajustando-o apenas um pouco, ainda jogando com valor apenas usando esses tons de cor, nada muito extravagante. Eu também estou focando em usar cores mais claras, porque a última pareceu muito pesada para mim. Pensei que focando em valores mais leves, poderia fazer parecer mais leve e etéreo, que é realmente o que eu quero com essa borboleta. Também é apenas, em geral, uma boa idéia começar com suas cores mais claras e trabalhar até o escuro. Quando você começa com uma cor mais escura, é muito difícil construir camadas suficientes de tinta para trazê-la de volta para ser mais leve se você decidiu que quer que ela seja mais leve. Mas se você começar a luz, você pode gradualmente construir essas áreas mais escuras de ajuste de cor à medida que você avança. Este marrom que estou usando para o corpo da borboleta é exatamente
o mesmo marrom que usei na última experiência. Por alguma razão, na última experiência, eu não adorei,
mas agora, neste momento, estou muito afim. Agora, eu estou adicionando algumas linhas com essa cor de brownie com o mindinho pronto. Eu não sei o que me possuiu, mas eles estão saindo muito soltos e eu estou amando isso. Adoro como eles saem da borda da borboleta, adoro como eles são um pouco imprevisíveis. É engraçado porque eu não senti como
se as linhas de lápis fossem eu quando eu as usava no experimento de primeira linha. Mas agora que eu estou usando este lápis de lápis para criar linhas em cima do guache, eu estou realmente gostando dele e isso realmente me solta. Talvez isso seja algo que eu possa colocar na minha caixa de ferramentas para usar no futuro. Também estou muito orgulhosa de mim mesma. Quando uso lápis lápis de cor, eu os uso muito intuitivamente. Agarro a cor mais próxima da minha mão que possa funcionar. Eu realmente não os observo muito. Neste caso, eu acertei. Esta cor é a variação perfeita no tom entre o marrom escuro e o rosa. Ao colocar áreas de cor em camadas com o lápis de cor em cima do guache, estou criando variações de valor também. Considerando que estou usando apenas duas cores diferentes, lápis de cor, e duas cores diferentes de guache, eu estou recebendo um monte de cores diferentes com base em como eu estou colocando os pigmentos em camadas. Usando o lápis marrom mais escuro ao redor do corpo e usá-lo de uma forma mais clara para criar áreas planas de cor. Acho que a seguir, vou tentar uma borboleta ainda mais escura para recuperar depois do primeiro experimento fracassado com uma borboleta escura. Eu acho que talvez se eu me concentrar em usar apenas nossas cores com áreas de contraste, isso vai fazer com que se destaque. Bem, esta tentativa definitivamente foi melhor. Eu usei uma tinta escura, mas eu deixei-a aquosa para que você possa ver uma grande parte da textura das minhas pinceladas. Estou usando a caneta Posca para adicionar detalhes às bordas. Eu uso o lápis liso lápis que eu aprendi e em nosso experimento de forma para o corpo de nossa joaninha, e francamente, tudo sobre isso está funcionando para mim. Vou completar as duas últimas borboletas
sozinha e depois voltamos aqui juntos para refletir os olhos.
13. Reflexão 4: valor: Olá, e bem-vindos à reflexão número 4. Como sempre, se você precisar de uma atualização sobre como fazer todo o seu reflexo, o primeiro vídeo de reflexão para o experimento número 1 ou o guia de recursos da classe, onde há uma lista completa de perguntas. Vamos começar com o que eu gostei. Eu adorava borboletas. É um choque para mim, mas eles são super divertidos de pintar. Eu também adorava trabalhar em monótono, trabalhar lápis lápis solto com ou sem lavagem por baixo. O que eu não amava. Minha caneta Posca maior, me deixou uma grande mancha na minha borboleta escura, que eu realmente não amo. Normalmente, eu uso o tamanho menor, e acho que vou ficar com isso no futuro. Eu também não amei o padrão mais geométrico, mas realmente não há muito mais. Eu adorava trabalhar nessas borboletas. Quando se trata de preconceito, meu preconceito era as próprias borboletas. Eu tinha uma idéia na minha cabeça do que as borboletas eram para pintar. Eu pensei que eles seriam duros e eles eram muito femininos, ou pelo menos assim eu pensei. Em dois anos de pintura, eu não tinha pintado uma borboleta nem uma vez. Agora, eu estou me perguntando qual outra coisa minhas calças julgadoras me impedindo de tentar pintar. Eu vou procurar ainda mais dicas que eu tenho baixado por várias razões. A seguir, vamos experimentar a cor.
14. Experimento 5: cor: Olá e bem-vindos ao experimento número 5, onde estamos brincando com cores. Desta vez, decidi começar com uma palete muito quente. Eu sinto como se eu jogasse muito seguro cor sábia na minha última experiência, mesmo que eu amei a maioria das cores que eu usei. Então, desta vez vou tentar fazer coisas que estão um pouco mais fora da minha zona de conforto. Eu não uso um monte de cores brilhantes, eu acho que nós discutimos isso no segundo experimento sobre forma, então desta vez eu vou tentar e fazer algo esfolado me tonificado que combina comigo. Na maioria dos experimentos de valor eu usei guache com um pouco de pitada de caneta, lápis de lápis, e outros pedaços e bobs. Desta vez, vou começar com o lápis de lápis para tentar algo diferente. Embora eu ainda vou adicionar um pouco de guache, desta vez em vez de colocar o gouache em primeiro lugar e, em seguida, adicionando lápis lápis no topo, eu fiz o lápis lápis primeiro, e eu estou adicionando gouache no topo. Eu estou usando o guache para um monte de detalhes escuros, porque eu estou achando que o trabalho realmente não tem tanto contraste como eu gostaria, especialmente porque eu estou trabalhando neste papel realmente dentado que
permite que um monte do branco de o papel brilhar através quando você está trabalhando com lápis de cera. Se eu estivesse trabalhando em um papel mais suave, eu poderia achar que havia mais contraste, ou se eu estivesse apenas usando mais pressão sobre o lápis de cera, mas esse não é o efeito que eu gostaria agora. Quando eu trabalhei com as borboletas, eu tinha muita preocupação em fazê-las parecer que era suposto olhar. Eu poderia dizer assim que eu começar com essas libélulas que eu realmente não tenho muita preocupação com isso aparentemente. Eu estou trabalhando de uma forma realmente abstrata, apenas usando a forma do bug para brincar com cor, textura
e detalhes sem muita preocupação com o que ele realmente parece. Seu estilo pode incluir ambos os aspectos. Uma maneira ingênua, abstrata, ou instável de trabalhar e algo que seja mais realista, você não precisa escolher apenas um. Às vezes, misturar as duas coisas juntas pode fazer seu trabalho parecer mais dinâmico e interessante, e às vezes quando você trabalha em algo uma maneira realmente abstrata e coloca ao lado de algo que é realmente detalhado, é uma ótima maneira de chamar o foco para aquela descrição detalhada e
realista de uma coisa. Uma coisa a considerar sempre enquanto você está pintando é que a coisa que você coloca mais detalhes e tempo em, provavelmente vai ser a coisa que mais chama a atenção, porque você trabalhou mais. Vai ter essa clareza nítida que o resto do espaço ao redor pode não ter. Então, se há algo que você quer chamar a atenção, esse é o lugar para passar o seu tempo. Se há algo que você não quer
que as pessoas notem, talvez você tenha se alinhado, talvez você tenha se alinhado,é um lugar onde você não deve se preocupar tanto porque você vai chamar a atenção para isso. Eu quase terminei as asas e eu só estou percebendo que eu quero que o corpo desta libélula se destaque um pouco mais. Então eu estou adicionando uma camada extra de guache em cima porque tem uma cor muito mais escura. Eu usei uma mistura de uma cor vermelha de vinho e uma cor magenta mais escura e profunda, para dar à pintura muita luz e para desenhar o foco em direção às asas e ao topo do corpo. Agora eu estou apenas adicionando alguns detalhes finais em lápis de cera. Para esta próxima libélula, vou saltar para fora da minha zona de conforto. Eu tenho esses marcadores Copic, eu os uso muito para o meu diário de rabiscos que eu guardo, mas eu nunca os usei em arte real. Mas eu estou tentando fazer uma
libélula tonificada legal aqui e eu pensei que isso poderia ser apenas o bilhete. Eu acho que eu poderia adicionar um pouco de cor de água também. Vamos ver como isso acaba. Estou tentando muitas coisas diferentes aqui. Estou tentando uma espécie de [inaudível] esquema de cores brilhantes. Estou tentando um corpo muito geométrico para minha libélula. Estou tentando aquele fundo rosa pálido, que não sei se funcionará, já estou questionando,
mas acho que veremos. Vou adicionar uma tonelada de detalhes
às asas porque eu realmente quero que elas sejam um ponto focal. Eu vou adicionar um monte de camadas que eles se parecem todas as pequenas veias em um asas de libélulas reais. As asas também são onde eu estou indo para brincar mais diretamente com o esquema de cores que eu escolhi. Como estou usando esse esquema de cores complementar, quero usar um monte de azul-verde, amarelo, verde e vermelho. Vou colocar essas cores e alterná-las para fazer as asas parecerem iridescentes. Eu também vou jogar com valor usando tons
mais claros dos verdes para fazer um verdadeiro efeito cintilante. Vamos ver se funciona ou se não funciona. Eu sou lanche completamente vendido neste trabalho, mas eu estou mais do que disposto a tentar e falhar. Quando você está olhando para essas libélulas que eu pintei até agora, uma coisa que eu notei de qualquer maneira é o quanto naquela primeira libélula, o contraste no corpo realmente chama seus olhos lá. As asas são apenas algo que você aprecia depois do fato. Esta libélula em que estou trabalhando agora é o oposto. Mesmo que haja muita coisa acontecendo no corpo, muita cor,
muitas formas, aquele pop vermelho brilhante de cor na ponta das asas é o que está atraindo meus olhos imediatamente. O Red quase definitivamente fará isso a qualquer momento que você estiver usando. É uma cor de alta intensidade. Neons farão isso também, amarelos
brilhantes, rosa brilhante. Sempre que você está pensando em cor e essa é a coisa a ter em mente, a intensidade vai chamar o foco. Quando não houver uma cor intensa presente, ela será o contraste como a próxima coisa que
vai trazer os olhos dos espectadores onde você quer que ela esteja. Você quer ter certeza que você tem o maior contraste onde você quer que as pessoas olhem. Agora, de volta ao meu quadro. É difícil dizer porque todas as minhas cores estão fora da tela, mas eu estou variando várias cores diferentes como eu faço esses pequenos detalhes nas asas. Eu fiz a rosa de cima e de baixo e vermelho. Eu adicionei algumas linhas de verde escuro e eu estou adicionando linhas de verde claro e lento. Quando eu terminar isso, eu vou voltar e adicionar um azul-verde muito pálido também. Mesmo quando você não consegue ver todos esses pequenos detalhes de relance, todos
eles trabalham juntos para criar um visual coeso para sua imagem. Comecei a adicionar pequenos pontos ao corpo
desta libélula e imediatamente não sou fã. Pensei que os pontinhos elogiariam os detalhes das asas, mas eles estão brigando com esses detalhes. Provavelmente vou pintar por cima dele. Acho que vou pintar por cima. Às vezes você vai fazer uma escolha em sua pintura como esta e você vai imediatamente, oh não, o que eu fiz? Se você estiver trabalhando no meio certo, você pode apenas reiniciar. Você pode ver que eu realmente já pintei sobre eles. Primeira camada, eu vou pintar sobre ele muitas mais camadas para que todas as dicas de por engano serão apagadas deste mundo. Se você está trabalhando em um meio diferente como aquarela, você pode precisar fazer um pouco mais de trabalho para se livrar de alguns erros como esse. Dependendo do tipo de caneta que você usou, às vezes
você pode apenas molhá-la e ela virá para cima. Às vezes você pode precisar se adaptar e encontrar uma maneira de
fazer essa escolha pateta que você fez funcionar para você. Trabalhar com pequenos detalhes como este não é para todos e não é a única maneira de fazer as coisas ou a maneira certa de fazer as coisas. Para mim eu acho que quando eu trabalho em pequenos detalhes como este por um tempo, realmente começa a doer minhas costas. Eu sou um pincel e lápis clincher. Meu corpo inteiro fica tenso, então eu tenho que fazer pausas de vez em quando para que eu não me machuque permanentemente. Isso também é algo a ter em mente enquanto você tenta descobrir qual é o seu estilo. Se há algo que faz você profundamente desconfortável em seu corpo como você
faz, pode não ser para você ou pode não ser algo que você pode fazer o tempo todo. Adoro fazer pequenos detalhes, mas sei que me pagam. Então eu tento e passo muito mais tempo quando estou fazendo arte,
fazendo coisas grandes, ousadas, loucas e
soltas para que eu possa continuar fazendo arte. Às vezes, nossos cérebros ficam no caminho quando fazemos arte. Neste caso, meu cérebro tinha uma idéia muito específica de como essas libélulas seriam. Eu tinha um plano e não parei para olhar a peça à minha frente. Eu só segui o plano e acabei exagerando. Agora eu vou sair e terminar minhas duas últimas libélulas, e então nos encontraremos aqui para refletir.
15. Reflexão 5: cor: Olá e bem-vindos à reflexão número cinco na cor. Este é provavelmente o experimento mais variado que fiz até agora. Vamos começar com o que eu gostei. Eu realmente amei aquela última libélula geométrica que eu amei. As cores, o estilo. Realmente retribui àqueles besouros de primeira linha que eu amei e amei. Eu também amo aquela quinta libélula, verde
suave, os marrons. Parecia o quarto, mas com mais experiência. Eu também amo as pequenas formas detalhadas nas asas da minha terceira libélula. Eu também adoro as cores. Só não tenho certeza se eles são eu. Eles se sentem um pouco demais lá fora. Coisas que eu não amava, aquela quarta libélula. Além disso, a maioria das cores para ser honesto, eu acho que porque este exercício foi sobre cor, eu me empurrei para fora da minha zona de conforto e um monte de coisas que eu tentei não grudou e isso é bom. Agora eu sei que as cores ricas profundas que eu uso para a maioria dos experimentos simplesmente não sou eu. Quais são os meus preconceitos aqui? Bem, eu acho que primeiro e acima de tudo, meu maior preconceito foi expresso naquela quarta libélula, eu comecei com tanta arrogância, totalmente certo que seria impressionante com um plano muito claro na minha cabeça. Mas eu não ouvi o meu eu artístico enquanto eu estava pintando. Acabei de passar, e o resultado final não é ótimo. Na verdade, envolve muitas coisas que uso no meu estilo do dia-a-dia, como aquelas folhas e essas cores. Mas a maneira como eles são combinados não sou eu e francamente não é bom. Às vezes, as nossas ideias sobre o que devíamos estar a
fazer atrapalham o que poderíamos estar a fazer. Foi o que aconteceu aqui. A seguir, vamos experimentar com textura.
16. Experimento 6: textura: Assim, estamos na nossa última experiência pessoal. Eu não posso acreditar. Aqui estamos brincando com textura e desenho de abelhas. Até agora, tudo o que fiz foi colocar uma camada de aquarela em cinza e amarelo. Eu também tentei adicionar um pouco de pigmento solto. Tenho pigmento dourado por aí. Eu polvilhei um pouco disso no meu pincel e mergulhei em partes da minha aquarela amarela. Não sei se foi bem. Só estou delineando os pés e as asas agora. Vou tentar isso, mantê-los bem livres de textura. Estou tentando obter o máximo de textura no corpo da abelha. Quero que pareça que você codificou com pólen e muito difusa. Isso vai incluir um monte de diferentes camadas de diferentes meios, a fim de construir a textura que eu quero. Talvez valha a pena notar que eu realmente amo texturas. Então este é um experimento em que estou tentando me
esforçar ainda mais longe do que eu normalmente iria. Estou usando materiais que normalmente não uso, e estou tentando técnicas que nunca experimentei antes. Como neste caso, aquele pigmento, está sentado na minha mesa há mais de um ano, e vocês finalmente me inspiraram a experimentar. Não acho que seja terrível. Está dando à abelha um brilho delicioso. Você deve ter notado mais cedo como minha aquarela se juntou quando meu amarelo ainda estava molhado. Acabei de incorporar isso em uma sombra sob a asa da abelha. Agora, eu vou começar a usar algumas canetas de gel para sair ainda mais textura. Eu tinha uma caneta de gel dourada. Vou adicionar algumas coroas de lápis nas asas para diferenciá-las do corpo da abelha, e então eu vou voltar com um efeito de rabisco na caneta de gel branco. Ao colocar essa textura em camadas, ela vai criar muito mais detalhes para a pintura finalizada, mesmo que você não possa vê-la na câmera. Eu coloquei aquela cor de água cinza sob lápis de cor, sob caneta de gel branco, e eu realmente coloquei mais lápis lápis em cima. Existem muitas camadas de textura. Então, nas áreas amarelas,
eu coloquei manchas de ouro em camadas, pigmento de
ouro, tinta amarela, caneta de gel de
ouro, então quando você olha de perto para a pintura, há muito para ver. Acho que estou quase terminando. Na nossa próxima iteração, vou tentar usar um azul em vez de preto neste caso, a abelha que estou olhando agora tem principalmente ombros amarelos e um corpo preto, e espero que o azul escuro se traduza. Vamos ver como vai. Bem, eu acho que este azul não é realmente muito traduzido como preto. Acho que vou tentar algo ainda mais aventureiro. Eu tenho estes lápis de cor chiques que eu nunca usei muito bem. Eu acho que eu vou tentar colocá-los em cima e ver se o azul vai brilhar através para adicionar um pouco de textura. Para ser honesto, esses lápis de cor me assustam um pouco. Eles são solúveis em água. Sempre tenho medo de manchá-los por todo o lado. Dito isto, eu realmente amo o olhar deste
amarelo mais claro em cima daquele ocre rico profundo que eu estava usando, e adicionando o preto em cima do azul está fazendo com que tenha realmente belos tons azuis. Estes lápis de cor funcionam como lápis de cor normal que você lembra da escola primária. Exceto que se você adicionar água a eles, eles vão funcionar muito mais como uma aquarela, eu acho. Esse é o meu entendimento. Eu só vou adicionar algumas linhas em lápis lápis para as asas porque eu quero que as linhas sejam mais finas do que eu poderia obter com giz de cera. Estou a tentar ter muito cuidado com as minhas mãos borradas para não manchar o lápis de cera. Estou planejando usar um fixador de spray depois que eu terminar para que eu possa empilhar isso com os outros projetos. Você vai querer ter certeza que você só usa uma camada leve, porque como você está prestes a ver, eu não fiz isso, e eu estraguei minha bunda ao lado dele um pouco. Prossiga com cautela. Aqui estamos na iteração número 3 de nossas abelhas. Repetidamente, ao longo destes experimentos, observei o quanto adoro a textura do lápis de cor, um só seu. Desta vez eu estou inclinado para ele. Meu plano é usar este cinza quente e um amarelo brilhante para a abelha buraco. Não vou usar tinta nenhuma. Uma coisa que eu aconselho, se você gosta de trabalhar com lápis de cor, mas você tem mãos borradas como eu faço, é que pode valer a pena pegar um pedaço de papel e apenas
mantê-lo sob a parte de sua mão que vai estar tocando o papel. Eu não fiz isso aqui. Eu só estava tentando ser cuidadoso, mas é um truque que eu uso às vezes porque eu tenho uma tendência a ser muito pesado mãos. - Homem. Estou amando esse amarelo. Pode ser o meu favorito dos três que pintei até agora. Agora, eu vou usar uma variedade de diferentes cinzentos e negros, a
fim de construir cores para as abelhas, listras mais escuras. Você pode notar ao me ver trabalhar com lápis de cera, que eu estou tentando manter meus traços todos na mesma direção, porque neste caso a abelha é difusa. Quero que o toque do lápis imite a forma de seu corpo de abelha difusa, e a textura livre de seus ombros. Se eu quisesse que algo tivesse uma textura defeituosa, usaria um traço redondo e circular. Se eu quisesse que algo tivesse uma textura casual realmente corajosa, eu usaria traços em todas as direções variadas. Também estou usando uma mão bem leve. Eu poderia obter uma camada muito mais profunda de pigmento se eu trabalhasse mais escura, mas eu gosto dessa maneira suave de usar lápis de cera. Estou quase terminando com essa abelha agora, estou terminando algumas partes finais e bobs, passando aqui e ali. Agora estamos na última abelha que vai pintar juntos. Estou usando lápis de cera de novo. Eu realmente gosto da textura dele, mas desta vez eu estou tentando algo que eu tentei apenas algumas vezes até agora, mas eu acho que vai funcionar bem para esta abelha. Eu quero fazer esta abelha, textura
lápis lápis com tinta, deixando um monte de espaço em branco como eu fiz no experimento da mosca. Então, no final, eu vou salpicar junto com uma camada de tinta, vamos ver como vai ser. Agora, o pouco confuso, vou manchar um pouco de tinta na pintura e ver como fica. Escova de dentes é a melhor ferramenta para um observador muito
pouco, exatamente o que eu queria, e então eu repassar algumas vezes. Eu também estou percebendo agora que pode ser para isso que mascarar rodapé serve. Você poderia talvez fazer uma barreira em torno de sua mosca para que os pontos só acabem sobre ele. Melhor bem. Eu vou sair agora e terminar minhas duas últimas abelhas e então nós vamos voltar e nos encontrar para nosso último reflexo.
17. Reflexão 6: textura: Meu Deus, já estamos no nosso último reflexo juntos. Parece surreal. Passei por tanta coisa com vocês. Vamos direto ao assunto. As coisas que eu amei neste experimento, adorei a textura gostosa daquele primeiro inseto, especialmente a caneta de gel branca que usei. Adorei o lápis de cera. Adorei trabalhar com lápis de cor novamente, é claro, e adorei substituir o preto com marrom naquela linda, abelha
gostosa que fiz depois que nos deixamos um ao outro. Coisas que eu não amo, todos os pedaços de tinta e a bagunça que eu fiz quando eu estava pulverizando aquele fixador para proteger meu lápis de cera, eu deveria ter deixado. Eu também não sou um grande fã da tinta. Acho que este é o momento em que eu tenho que decidir que não está funcionando conosco. Ink e eu estamos terminando para sempre. Os preconceitos que descobri enquanto estava a trabalhar nesta experiência foram que texturizado é demasiado confuso. Cada abelha fez era rabiscada ou riscada ou muito fortemente texturizada de alguma forma. Mas plana é uma textura também ou brilhante ou qualquer outra coisa que simplesmente não são rabiscos, linhas e arranhões. Essa é a coisa que eu vou prestar atenção ao meu trabalho daqui
para frente para ver se eu posso variar um pouco mais do que eu fiz aqui. Em termos de motivos, vou ser honesto aqui, eu realmente não adorava pintar abelhas. Se eu fosse usar abelhas como motivo no meu trabalho, eu acho que eu teria que iterar muito mais para obter algo que se sente ainda mais como eu porque estes ainda estão caindo um pouco plana. Mas tudo bem porque eu encontrei um monte de motivos ao longo desta aula que funcionariam para mim, que eu me sinto muito confortável recriando. A seguir, falaremos sobre continuar a experimentar.
18. Continuando: Quando terminamos nossa experiência final, os pais dizem adeus. Quero que tire um momento para gritar dos telhados que este não é o fim. Como ilustrador para artistas, você estava embarcando em uma jornada contínua para encontrar seu estilo, impulsionar seu estilo e se reinventar. Esses seis experimentos são apenas os primeiros passos em um caminho de aprendizagem ao longo da vida, experimentando, refletindo que fará de você um artista mais forte. Minha esperança é que você possa voltar a esses experimentos como um aconchegante, mais parecido com ele. Sempre que precisar de uma pergunta para ajudá-lo a sair da sua zona de conforto. Eu sei que ao longo das filmagens desta aula, eu descobri cerca de uma dúzia de coisas, eu quero tentar e por trazer para o meu estilo. Habilidades em que eu quero me concentrar, para me empurrar para a frente, novos motivos para incluir no meu trabalho e muito mais. Se esta classe, enquanto faísca dentro de você,
você também pode conferir o Guia de Recursos incluído na guia do projeto, sugestões de
espionagem para outras aulas de escultura para continuar aprendendo e experimentando. Cada recomendação é baseada em um dos elementos de design que
cobrimos nesta classe e spam de toneladas de diferentes meios.
19. Obrigado: Muito obrigado por passar algum tempo experimentando comigo. Ele certamente pode se sentir desconfortável quando você estava na caça para encontrar seu estilo. Às vezes, cada coisa que você pinta parece que está saindo da voz de outra pessoa. Mas eu posso
garantir que se você pudesse apenas continuar experimentando e continuar criando, um dia você vai olhar para o seu trabalho e se sentir como ninguém no mundo, mas você poderia ter feito o que está sentado lá em baixo em sua página. Para falar sobre minhas aulas assim que elas forem publicadas, siga-me aqui no Skillshare. Para seguir a minha viagem de ilustração, ou simplesmente sair e conversar sobre arte, você pode me encontrar no Instagram. Se você postar qualquer parte do seu projeto no Instagram, eu também adoraria se você me marcou @alannacartierillustration ou usar o #alannateaches. Ver o trabalho dos alunos é uma das melhores partes do ensino no Skillshare. Se você só quer ouvir o que há de novo comigo, em
seguida, inscreva-se para a minha newsletter em alannacartier.com Obrigado novamente muito. Você é incrível e mal posso esperar para ver as coisas bonitas que você cria.
Alanna Cartier, Artist, illustrator
