Elevando sua arte: elementos e princípios do design

1. Elevando: apresentação: Ei, pessoal. Sou Dylan Mierzwinski, ilustrador e designer de padrões de superfície que vive em Phoenix, Arizona. Nesta aula de Skillshare, estamos colocando de lado nossos atalhos de teclado e tablets para falar sobre as ferramentas do comércio, não sobre seu equipamento, não sobre suas plataformas de mídia social, mas sobre os elementos e princípios que podem ajudá-lo finalmente explorar e desenvolver seu estilo pessoal, interpretar inspiração infinita sem roubar ou pisar nos dedos dos pés de outros artistas, e avaliar e criticar suas obras de arte e dos outros. Resumindo, estamos levando sua identidade de artista para o próximo nível. Pegue seu caderno e marca-texto favorito e vamos começar. 2. Projeto do curso: Para este projeto de classe, você vai fazer uma caça ao tesouro com os elementos e princípios do design em mente, seguido de uma exploração prática desses mesmos elementos e princípios em qualquer forma de marca fazendo você escolher. Talvez você queira explorar a linha com canetas de carvão, brincar com cores através da pintura e considerar o equilíbrio com um conjunto de blocos de madeira. É totalmente com você. A melhor parte é que isso não só fará seus sucos criativos fluam e estejam prontos para o seu próximo projeto, mas isso pode servir como o início de um manual criativo para você puxar ideias para misturar e combinar naqueles dias em que você está se sentindo Preso. Todos os detalhes podem ser encontrados na guia do projeto, incluindo downloads de recursos. 3. Para quem é esta aula: Vamos falar sobre quem imagino que esta aula seja útil. Você provavelmente já fez algumas aulas de Skillshare e começou a desenvolver essas habilidades técnicas. Você começou a compartilhar seu trabalho e querer aumentar seus seguidores, mas você ainda vê uma clara desconexão entre seu trabalho artístico e aqueles que têm entre aspas “fez”. Você fez muito trabalho, mas tudo parece diferente ou parece um roubo de alguém que você admira ou simplesmente não se sente como você. Você quer começar a construir um portfólio de que você se orgulhe e estender a mão para esses grandes sonhos, mas sinta que você vai estar girando suas rodas para sempre. Talvez você se sinta consciente por não ter treinamento formal ou como se fosse um impostor. Talvez seja tão simples como se sentir sobrecarregado quando alguém lhe pede sua opinião sobre o seu trabalho ou não saber como pedir feedback sobre o seu próprio trabalho. Se alguma combinação desses soa como você, então primeiro de tudo podemos chamar um ao outro de amigos. Porque eu estive em todos esses lugares várias vezes, e segundo, acho que você vai tirar muito deste curso. Não vou explodir sua mente com segredos de arte. Isto é arte 101. Mas para criativos autodidata, é exatamente essa base que pode ser uma peça perdida quando você está focado em aprender habilidades técnicas e mesmo que você tenha um professor de arte cobrir este material, faz um mundo mais de sentido quando você realmente tem algum contexto para aplicá-lo. Há uma razão para fazer parte da arte 101, é bastante essencial. 4. Elementos de design: Primeiro, vamos falar sobre os elementos do design, que podemos pensar como os blocos de construção que compõem toda a arte. teórico do pintor e do design Maitland E. Graves resumiu bem dizendo: “Estes elementos são os materiais a partir dos quais todos os desenhos são construídos.” Há alguma ambiguidade sobre quantos elementos existem variando de como 6 a 10 dependendo de quem você perguntar, mas eu vou ir com um sete sólido. Vamos começar com o grande que você provavelmente conhece bem, cor. A cor é um elemento de design que define o humor ou fornece uma sensação ou emoção para a peça. cor em si é um mundo a ser explorado com relações de cor, significados psicológicos e sociais ligados a cores e harmonias de cores e paletas que os seres humanos tendem a achar agradáveis. Mas, principalmente, é importante saber que a cor desempenha um papel importante na configuração do humor. Podemos pegar uma peça de arte e mudar apenas as cores e toda a sensação da peça pode mudar drasticamente. Piggybacking off of color é o valor, que se refere à leveza ou escuridão de uma cor dentro de uma composição. Semelhante à cor ou matiz, o uso intencional de valor pode melhorar ou continuar a transmitir um humor ou emoção. Por exemplo, a cor rosa pode definir um humor de feminilidade, simpatia e suavidade, mas se o rosa é um rosa bebê ou uma rosa empoeirada muda consideravelmente o tom. Vamos abordar mais sobre isso mais tarde, mas o valor desempenha um papel valioso na criação de profundidade, criação de contraste ou na ênfase. Como um exemplo rápido, todo o texto aqui é do mesmo tamanho, fonte e matiz, mas a mudança mais drástica no valor, ou seja o mais claro e mais escuro é o que comanda e chama a atenção primeiro. Em seguida, temos textura, que, claro, se refere à forma como uma superfície se sente ou é percebida para sentir, então pense suave, velho, granulado, natural, sintético, áspero etc Texturas reais são texturas físicas que podemos tocar, Então a malha do suéter que você está usando agora, ou a casca de uma árvore fora da sua janela. Simulações de texturas, de modo que uma imagem de casca de árvore ou um desenho na textura verde de madeira é conhecida como textura implícita. Então, a maior parte da textura que falamos na ilustração é textura implícita. A textura pode adicionar contraste e ajudar a enfatizar um ponto focal, equilibrar uma composição ou simplesmente criar interesse visual. Elemento número quatro é linha. A descrição complexa é um ponto que se move no espaço, mas nós os conhecemos como linhas retas, linhas curvas, linhas diagonais, linhas quebradas, linhas fortes, linhas borradas, linhas implícitas. Eles podem variar em largura e textura, eles podem ser criados por duas formas tocando, eles podem ser fechados ou abertos. Há toneladas de maneiras que as linhas fazem seu caminho para a arte e com linhas vem formas, modo que são áreas planas vinculadas por valor de linha ou cor. Eles podem ser geométricos como tijolos e hexágonos, ou orgânicos como folhas e curvas. Eles podem ocupar espaço positivo e negativo, eles podem ser simples ou complexos e assim por diante e assim por diante. Eu diria que os primeiros cinco elementos são fáceis de entender e se relacionar. Mas com seis e sete começamos a obter um pouco menos concreto. Número seis é o espaço em todos os negócios de design com espaço, seja intencional ou não como se refere à área uma forma ocupa e os espaços entre essas formas são os itens uniformemente espaçados, estão eles sobrepostos. Observe como uma gradação de valor, então uma gradação do escuro para a luz pode ser usada para criar uma sombra, que pode criar a sensação de espaço 3D no espaço 2D. O espaço é um elemento muito flexível e tem muitas avenidas que podem ser exploradas. Por fim, temos forma, que tradicionalmente se refere à arte 3D que ocupa espaço e tem massa. É a versão 3D da forma. formulário pode ser jogado dentro do trabalho 2D embora. Então, só porque uma escultura tem forma não significa que não haja forma em um desenho. Uma pessoa que faz um desenho de figura pode prestar muita atenção ao formulário e certificar-se de que a forma desse corpo é retratada. Então, nada cérebro quebrando até agora em nossos elementos base de cor, valor, textura, linhas, formas, espaço e forma. Mas vamos começar a olhar para as implicações e relações desses elementos como relacionados aos princípios do design. 5. Princípios de design: Se os elementos são os blocos de construção ou componentes de base, então os princípios são os veículos para, e as relações entre eles. Algumas pessoas chamam de regras, mas acho que é uma má rotulagem. Para relacioná-lo com os alimentos, os elementos são os ingredientes, e os princípios são as técnicas. primeiro passo é o equilíbrio, que é a distribuição do peso visual de; objetos, cores, texturas e espaço. Então, você pode pensar nisso como se cada elemento em sua peça estivesse adicionando peso à peça, e esse peso deveria ser intencionalmente equilibrado ou intencionalmente desequilibrado, dependendo do efeito que você está indo para. Por exemplo, um grande círculo amarelo muito claro pode ser igual ao mesmo peso visual de um círculo preto muito menor. equilíbrio pode ser simétrico, assimétrico ou radial. Se você pegar uma tela em branco e adicionar um quadrado em um lado, qual lado se sente mais pesado? Isso é equilíbrio, e pode ser alcançado através de combinações intermináveis dos elementos do design. próximo passo é um clássico, e isso é o contraste, que se refere à criação de interesse visual justapondo elementos opostos. Então, pense em valores claros e escuros, formas grandes e pequenas, texturas suaves e ásperas, cores brilhantes e sem brilho, frente e verso, ou perto e longe no espaço, etc. Áreas de contraste estão entre os primeiros lugares em que o olho de um espectador é desenhado, então você pode usá-lo muito intencionalmente para direcionar a linha de visão. Ou, por outro lado, você pode usar baixo contraste para evitar que elementos menos importantes consigam competir com os mais importantes. Isso nos leva à ênfase ou dominância, que é quando a atenção é focada em uma única área dentro de um projeto, criando um ponto focal, muitas vezes através de algum tipo de contraste. Tradicionalmente, isso está se referindo ao único elemento importante literal em uma peça, mas eu gosto de pensar nisso mais como uma idéia geral de criar uma hierarquia em seu design. Qual é a parte mais importante? Qual é a segunda parte mais importante? Então por diante e assim por diante, e o que você pode fazer para garantir que a atenção está sendo dada a esses elementos como pretendido? Os próximos três têm nomes que vão misturá-lo por um tempo porque todos parecem familiares, mas eles têm aplicações particulares no que diz respeito à arte, e essas são ritmo, repetição e movimento. Ritmo é como uma batida real, criada por um espaçamento igual de elementos visuais, muitas vezes empregando repetição. Então, nesta pintura de Andy Warhol, a imagem de Marilyn Monroe é repetida várias vezes, criando uma constante, uma, uma batida visual. Mesmo com a variação na cor da iteração para iteração, ainda há uma batida lá. Mas o ritmo também pode ter variação dentro das repetições, então pense um dois três um dois três ou um dois um dois dois, esses também são ritmos, mesmo que variem. Esta repetição não tem que ser apenas com forma, mas pode ser qualquer elemento ou combinação de elementos, é por isso que o ritmo é tão emocionante. Repetição então é fácil, e é literalmente apenas o veículo de repetição de elementos para criar unidade. Nesta peça de Luli, ela usou a repetição da forma para criar unidade enquanto deixava a cor e o valor variarem. Então temos movimento, e movimento refere-se à linha que seu olho segue através de um pedaço de trabalho. Então, esta pintura de Kandinsky exibe movimento e chama seus olhos ao redor e através da pintura, mas não há realmente um ritmo discernível nele, embora haja alguma repetição de cor e forma. Por último, temos a unidade. A unidade é uma espécie de grande importância, é a principal coisa que estamos filmando aqui, que é uma sensação de integridade que resulta da combinação de harmonia e variedade. Agora, se você está criando uma peça para descrever o sofrimento ou lançar luz sobre uma questão difícil, unidade perfeita pode não ser o que você está procurando, mas, em geral, com design e ilustração, você quer uma sensação de unidade. Você quer que seu trabalho se sinta unificado para que todos os elementos se encaixem confortavelmente. Esteja ciente, porém, que muita unidade cria monotonia, e muita variedade cria caos. Você precisa de um equilíbrio de ambos. Então, em revisão, nossos sete princípios que trazem nossos elementos à vida são equilíbrio, contrastes, ênfase, ritmo, repetição, movimento e unidade. 6. Outros exemplos: Antes de nos envolvermos nas aplicações do que acabamos de passar, vamos dar uma olhada rápida em algumas peças de arte para que possamos começar a colocar essas palavras e idéias para usar. primeira é esta ilustração à esquerda por Natalia Z. Há tantas coisas grandes acontecendo ao mesmo tempo que eu quase não sei por onde começar. Em primeiro lugar, ela utiliza o espaço criando uma cena que dá a dimensão de ilustração. Parece que o barco a remo está se movendo em direção à casa, em vez de estagnado, ou para trás, ou alguma outra direção. Mesmo assim, a água azul ocupa a maior parte da cena, não distrai sua atenção da casa e da figura, porque ela usou magistralmente a repetição para enfatizar os outros elementos importantes. Você percebe como as formas na água são repetidas por todo o lado? Isso ajuda nossos olhos a não se concentrar tanto nele e ir para os outros elementos. Além de um forte contraste em valor, veja como a casa é leve em comparação com tudo o resto na cena. Ela criou uma textura de água interessante, usando linhas curvas orgânicas. Novamente, as linhas não contrastam tão fortemente contra a água que distraem o olho. A forma como ela criou o espaço também ajuda a orientar o olho do espectador, que ajuda no movimento. Em seguida, temos esta ilustração definida por Blanca Gomez, e eu amo isso como um exemplo de contraste e ênfase. Meu olho atira direto para o ônibus escolar em ambas as imagens. Porque o ônibus escolar é tão diferente das formas repetidas em torno dele. Observe no topo, porém, como o ônibus escolar não se destaca tão fortemente quanto no fundo, e isso é devido aos elementos circundantes estão mais próximos em cor e valor para o ônibus do que no caso do ônibus escolar no árvores. Além disso, as formas das árvores são mais diferentes do ônibus do que os edifícios são para o ônibus acima. Observe como os elementos repetidos não são cópias perfeitas no entanto. Blanca manteve a peça visualmente interessante, variando ligeiramente os tons de verde e as árvores, e fornecendo textura sutil. Então, temos unidade sem monotonia, e interesse sem distração. Esta próxima peça é outro grande exemplo de espaço como a perspectiva usada, nos dá uma sensação de estar em uma sala. Configura o espaço ao nosso redor. Esta perspectiva também ajuda com o movimento da peça, uma vez que orienta o nosso olho para cima da sala e para fora da porta. A repetição foi usada nas camas para manter o olho se movendo pelo corredor, em vez de ter que parar e se distrair com edredons diferentes, ou diferentes formas de cama foram capazes de se mover para lá. Com tanto padrão e textura nesta peça, você acha que seria fácil para ela se tornar muito caótica. Mas a paleta de cores coesa e limitada impede que tudo se torne esmagador. O trabalho de linha é menos preciso. Então, o olho não fica pendurado em detalhes permitindo que ele continue a se mover livremente. Aqui temos esta banana comercial, habilmente intitulada bandana, e eu amo isso como um exemplo de textura brincalhão e eficaz. Então, mesmo assim, a forma não é o que estamos acostumados a ver em uma banana, a cor e a textura pontilhada conduzem o ponto para casa sem problemas. Sinto que consigo cheirar a banana através da cena. Graças a essa textura. A textura também cria profundidade ao jogar com as mudanças de valor à medida que o stippling se torna mais ou menos denso. Dá à banana um falso, mas bem sucedido sentido de forma 3D. Eu tenho mais dois exemplos que eu queria apontar no meu próprio trabalho. Então vamos falar sobre inspiração de estilo e críticas. Primeiro, quero mostrar um dos meus buquês florais ao lado de um clássico buquê botânico. Embora, ambos estão lidando com uma ênfase buquê floral que vive no centro da página, botânicos tradicionais usam valor, textura e cor para mostrar a forma das flores. Então, a forma real da flor na natureza, eles tentam transmitir isso. Considerando que no meu trabalho, eu gosto de tirar a forma da flor em favor de uma forma plana, e então eu uso linha somente quando é necessário mostrar textura ou forma. Então, esse é um ótimo exemplo também de como a forma difere da forma como um elemento. Aqui temos um padrão de rega que eu fiz. Que sai como um padrão de verão divertido e doce. Parte disso vem da paleta de cores e do baixo contraste entre a figura e o chão, e as próprias figuras. Mas o que impulsiona essa casa divertida é o ritmo. Mesmo assim, eu levei tempo para equilibrar o espaço entre as formas como um todo, para que ele se sinta respirável e confortável. As latas de rega não estão todas perfeitamente espaçadas umas das outras, ou mesmo voltadas para a mesma direção. Esta ligeira variação forma a batida irregular que adiciona alguma energia ao padrão. Pense nisso como uma batida de jazz em vez da batida linear de 11 11 que vimos na pintura de Andy Warhol de antes. 7. Como considerar o estilo: Agora que você tem uma linguagem e base para interpretar nosso trabalho no mundo ao seu redor, você pode olhar para as coisas que você ama com olhos recém-educados. Agora, em vez de haver mistério, você pode pregar com as peças que você ama tem em comum e o que todas as coisas que você não ama têm em comum, e então você pode carregar isso em sua própria obra de arte. Vou me usar como exemplo. Eu tenho um quadro de humor aqui que é uma coleção destilada do que eu cubro no meu projeto de classe exemplo. Então, se você quiser ver mais do que eu estou falando aqui e imagens maiores, você pode ir conferir isso. Eu encontrei estes voltando no meu quadro de ilustração no Pinterest, volta para antes eu senti que eu tinha desenvolvido um estilo e ainda estava meio que girando minhas rodas e tentando fazer algo que eu gostei, e é muito divertido para mim olhar para trás agora para ver que alguns dos pilares do meu estilo hoje foram prefigurados neste material que eu estava coletando anos atrás. Então é aqui que a magia de você ser você entra em jogo porque ninguém mais vai combinar essas imagens assim como eu não vou fazer um quadro de humor que se pareça exatamente com o seu. Nós vamos encontrar combinações estranhas que jogam fora de nossas próprias preferências. Eles são todos de diferentes artistas e diferentes tipos de trabalho e no entanto, o próprio fio que os conecta somos nós e nosso amor por eles. Essa combinação de preferências específicas e coisas pelas quais você é atraído é exatamente o que você quer usar e brincar. Esse é o seu mojo de artista. É por isso que ter alguns elementos e princípios a considerar pode ajudar a orientar a sua interpretação em diferentes meios e informá-lo. Mas vamos dar uma olhada nisso especificamente para que você possa ver o que quero dizer. Aqui estão alguns dos principais padrões que eu encontrei ao dar uma olhada nesses pinos antigos que eu coletei. A primeira é a cor. Todos os pinos para os quais guardo, sua cor tinha negrito, contraste e matiz. Às vezes, até mesmo um choque na tonalidade. As paletas tendiam a ser mínimas. Eu também notei que, exceto para o meu amor pelo amarelo, maioria das cores que eu desenhei para são realmente mais escuras ou maçantes em valor do que a maioria dos trabalhos contemporâneos que eu vejo. Então, por exemplo, onde eu vejo muitos corais realmente, muito brilhantes usar que estão realmente saturados, os corais que eu tendem a usar no meu trabalho e que eu sou atraído são um pouco mais aterrado, seus mais escuros eles são um pouco menos saturados. Então eu posso notar isso como uma preferência pessoal minha e algo que me diferencia. Como eu disse, são essas preferências que são as pedras preciosas que estavam procurando. Em seguida, são os pinos que chamaram minha atenção por causa da linha. Notei que eu quase nunca gostei de linha e usado para delinear uma forma preenchida. Eu prefiro colocação de linha reservada e pensativa para detalhes essenciais e na verdade, tendem a preferir linha a ser usada para criar textura em vez de para ajudar a formar uma forma. Então isso é bem interessante. Em seguida, são as minhas preferências de forma. Como eu acabei de dizer, eu geralmente não gosto de criar minhas formas quando em combinação com preenchimentos de cores. Eu gosto da borda dos preenchimentos de cor para criar as formas ou linhas implícitas e formas de preenchimentos de textura. É menos importante para mim olhar para isso e saber meu próprio trabalho para as formas para cada um tem limites claros, e em vez disso eu quero que a idéia da forma ou do grupo de formas para se deparar com apenas uma ênfase rápida no necessário apenas detalhes. Então, eu sei que é pequeno, mas se você olhar para este formulário bem aqui, esta forma não é realmente delineada. A única coisa que está ditando esta forma é onde esta textura onde esta faixa aparece, todo o resto é espaço negativo, mas temos uma linha implícita lá por causa de onde a textura é colocada. É a mesma jogada que está acontecendo neste casaco aqui. A trincheira está sendo ditada por um padrão que é da mesma cor que o fundo em preto e assim qualquer um dos lugares onde podemos ver o corte preto é onde podemos assumir que a linha é desse objeto. Então aqui em cima com este gato não há uma linha delineando este gato, há um recheio de creme que dita onde a forma do gato está com algumas linhas de acento em cima dele. Então esse é o tipo de coisa que eu pareço realmente atraído quando estou olhando para todas essas coisas. Por último, tenho o meu equilíbrio e a minha ênfase. Eu tendem a gostar de layouts claros lineares. que eu não goste de trabalho abstrato, mas eu tendem a não gostar de arte ou ser atraído por arte onde eu realmente não consigo entender por que ela está lá ou o que ela está trazendo para a mesa. Eu gosto de saber, “Ok, eu estou olhando para esta peça e eu posso dizer que isso é um botânico ou eu posso dizer qual é a figura e o que é o chão”, esse tipo de coisa. Eu também tendem a gostar que meu equilíbrio se sinta simétrico. Então, se eu cortasse este botânico aqui ao meio, e de novo, eu sei que é pequeno. Se eu cortasse metade, em meio caminho longo, veríamos que há igual peso em ambos os lados. Tem equilíbrio simétrico. No entanto, os elementos em si não são exatamente os mesmos. Então esta samambaia não é a mesma samambaia que está aqui. Então eu gosto de haver um equilíbrio simétrico onde como os elementos e formas reais são variados. Assim, você pode ver que simplesmente coletando e prestando atenção ao que você ama, você pode reunir uma tonelada de Intel sobre suas próprias preferências e uma combinação que é totalmente sua. Isso não se aplica apenas a obras de arte. Há certos carros na estrada cujas formas você gravitará? Você prefere filmes que são simples na natureza ou mais vanguardistas? Você ama quando sua casa é escura e temperamental à noite? Quando você leva em consideração todos os elementos e princípios em jogo e como eles podem ser usados para criar uma certa experiência, você pode fazer engenharia reversa para criar um estilo que é dinâmico e sempre crescente em vez de apertado e rígida. 8. Como usar a inspiração: Então, você está sentado para trabalhar em uma ilustração. Como é que toda esta informação entra em jogo aqui? Ótima pergunta. Acho que se presta de duas maneiras. Primeiro, faça um favor a si mesmo e pergunte a si mesmo o que está tentando realizar. Isso pode ser algo simples como uma ilustração floral bonita que mostra flores de abril, ou algo profundo e reflexivo como usar profundidade e valor para criar uma cena que representa um episódio depressivo. De qualquer forma, definindo até mesmo uma direção ampla, você pode colocar seu cérebro em quais ferramentas você deseja usar para realizar isso. Para uma cena caótica e escura, você provavelmente não usaria linhas limpas e cores brilhantes, ou talvez por causa disso, você quer justapor cores brilhantes com imagens escuras ou formas pesadas. Então, é um exercício rápido para eliminar o que não vai funcionar, o que vai, e quais regras você pode querer quebrar. Mas a segunda maneira que se presta é quando considera como usar a inspiração sem roubar. Não há muitos artistas que são fortes em criar 100 por cento de suas imaginações. Então, como você usa referências sem roubar o fotógrafo? Como você admira outros artistas sem tentar inconscientemente imitá-los? Quando você não possui os direitos sobre as imagens que está vendo, você deve interpretar os elementos e princípios em jogo em vez das idéias e execução que o artista criou e renderizou. Então vamos avançar com o meu exemplo de querer criar uma ilustração floral bonita de Flores de Abril. Primeiro, eu faria algo como o Google que flores florescem em abril, e depois da minha fase de pesquisa básica eu provavelmente aumentaria as peônias e diria: “Tudo bem, eu quero fazer algo sobre peônias e então eu iria e começaria a coletar imagens de referência do Google e do Pinterest e sites de ações, etc. Então às vezes eu vou encontrar ou eu vou apenas ter em mente algumas peças de arte acabadas que eu muito amo e quero manter em mente do meu trabalho. Então, aqui é onde precisamos ser muito cuidadosos. Quero ter certeza de que não estou copiando o conteúdo deles. Então, quando eu olho para essas peças que eu amo, eu não vou provar as cores e desenhar a mesma composição de buquê, ou mesmo olhar para elas quando eu começar a trabalhar. Em vez disso, vou perguntar o que gosto neles. Neste caso, eu amo que há um jogo com formas preenchidas e formas não preenchidas. Eu amo que ele faz a composição se sentir em camadas em vez de plana como eu costumo trabalhar. Eu amo o alto contraste na cor. Então, novamente, você pode ver que eu não estou pegando o conteúdo deste artista. Eu estou pegando o que eu respondo no trabalho deles e então eu posso trazer isso para o meu próprio trabalho. Se eu encontrar um pedaço de letras que eu amei, eu não iria então pegar a citação e escrevê-lo no mesmo estilo ou carta uma citação diferente no mesmo estilo. Eu identificaria o que eu gostei sobre a peça deles em termos mais amplos, e então trabalharia dentro desse contexto na minha peça. Além disso, quando se trata de referências, não é apenas o pior quando você coleta fotos de digamos três flores e em seguida, só pode desenhar essas exatas três flores e nada mais? Odeio me sentir limitado assim. Ao aplicar os elementos e princípios para referenciar fotos, podemos começar a obter mais algumas flores deles, e mais importante nos casos em que não possuímos os direitos das referências como nesta situação, Tirei estas fotos do Pinterest. Posso evitar pisar nos dedos do fotógrafo. Por exemplo, nessas fotos de peônias e sei que elas são pequenas e difíceis de ver na tela, estou realmente avaliando sua forma. No geral, eles são redondos. Eu posso ver uma forma de pétala comum, embora eles variam em tamanho. Às vezes, as pontas das pétalas se afastam da massa da flor. As folhas às vezes se agrupam em um ponto. Então, aqui você pode ver que todos eles estão crescendo em um ponto, e às vezes eles são mais escassamente distribuídos. Na visualização de perfil, a forma geral é mais áspera do que quando você está olhando para uma frente. Posso prestar atenção em como as pétalas ou formas interagem umas com as outras quando entram em contato. Posso ver que os valores são mais escuros perto do centro da flor. Novamente, olhando mais amplamente para o que estamos vendo, agora eu posso usar essas referências para criar uma peça que não é linha por linha de minhas referências, mas ainda não confiando 100% na minha imaginação para o trabalho pesado também. Olhando para o resultado final, você pode definitivamente ver semelhanças entre o meu trabalho e a inspiração e referências, mas nenhuma das flores foi desenhada pétala para pétala. Minhas cores não foram amostradas a partir da obra de arte que eu amava, e eu me esforcei muito para permanecer fiel a mim mesmo dentro dos limites que eu defini com base na minha inspiração. Aqui está uma regra de ouro que eu gosto de seguir se eu não posso dizer se eu estou tomando muito de minhas referências. Isso é para me perguntar, se este pintor fotógrafo artista que fez minha inspiração ou minhas referências visse minha obra, como nós dois nos sentiríamos sobre isso? Às vezes há essa atitude de, eles nunca vão saber, ou quem poderia dizer, ou como eles poderiam provar isso, e fazer essas perguntas contorna isso porque realmente não importa qual é o risco, se o artista passou e viu a sua peça, você poderia apoiá-la com integridade? Ou você se encolheria um pouco em um momento constrangedor e espera que eles não olhem muito de perto? Uma última nota que quero acrescentar aqui antes de passar à crítica, e que é não exagerar com a sensação de que cada elemento e princípio precisa ser considerado, intencional e perfeitamente calculado. Muitas obras de arte são acidentes felizes, intuição e decisões rápidas. Sinta-se livre para usá-los quando precisar de ajuda com a direção. Às vezes, eu nem os considero até que eu esteja quase terminando o projeto e não consigo entender por que algo não está clicando. Estas são ótimas diretrizes, mas não deixem que elas mantenham a parte mais importante, a criação. 9. Como criticar: Por último, como se desconstruísse seu estilo e abrindo caminho para a frente em sua obra de arte já não bastasse, os elementos e princípios do design nos dão linguagem para falar sobre obras de arte com outras pessoas. Sabe como é assustador pedir informações sobre suas obras de arte? Bem, é bastante desconfortável saber sobre essa vulnerabilidade e ainda não ter certeza do que dizer em resposta a alguém perguntar a você. Querendo dar um bom feedback, mas não ferir sentimentos ou falar fora de sua vez, pode ser realmente difícil de navegar Não seria apenas ótimo ser capaz de oferecer algo diferente da sua opinião subjetiva de gostar ou não? Os elementos e princípios protegem você aqui. Assim como todos os casos que falamos antes, pergunte a si mesmo o que você gosta sobre isso. O que está dando ênfase na peça quando você olha para ela? É equilibrado? As cores funcionam? Mesmo que suas preferências pessoais variem de outros artistas. Ao simplesmente esclarecer o que você está vendo em termos que eles podem entender, você dá ao artista e aos outros uma perspectiva valiosa para considerar que nem estão certos ou errados. Se você não está pronto para perguntar aos outros, você pode usar a mesma técnica para criticar e avaliar seu próprio trabalho. Pedi a alguns voluntários corajosos para me enviarem algumas obras de arte para fazer uma crítica ao vivo aqui, agora mesmo, que possam ouvir como é para mim, pessoalmente, passar por este processo. Então, vamos entrar. Primeiro eu tenho esta bela telha estampada por Anne Lafollette ea primeira coisa que eu estou percebendo é cor. Meus olhos pareciam estar satisfeitos por haver essa variação confortável da luz ao escuro. A partir desse amarelo claro para aquela laranja enferrujada escura e o cinza escuro e um equilíbrio uniforme e distribuição dos pesos de cor. Então, por exemplo, esta flor amarela detém o peso visual mais leve de todas elas e por causa disso há mais delas. Uma vez que as flores queimadas laranja e cinza escuro são mais pesadas, há menos delas para ajudar a equilibrar as coisas. Então, Anne acertou na distribuição e equilíbrio lá. Esta distribuição também mantém meus olhos confortavelmente fluindo ao redor da telha em vez de ser desenhado ou preso em um único ponto que é uma das principais coisas que você está tentando evitar quando você está fazendo o seu padrão. Se eu tivesse que oferecer algo construtivo a considerar, eu diria que o contraste muito baixo entre as flores amarelas claras não preenchidas, então não as preenchidas apenas as não preenchidas, e o fundo faz meus olhos zumbir um pouco em um maneira desconfortável, e isso faz com que eles tensos para ver se eu estou perdendo algo. Talvez as instâncias das flores amarelas não preenchidas possam ter um tom ligeiramente alterado de amarelo que proporciona contraste mais confortável contra o fundo enquanto ainda se encaixam com a paleta atual ou talvez todo o amarelo flores devem ser preenchidas. Observe como eu não disse, oh eu amo isso ou eu odeio isso porque embora Anne pode querer saber minha opinião ela pode querer que eu ame isso e eu amo, Anne Eu acho que este é um padrão adorável. Essa resposta não dá muito para Anne. Agora, isso não significa que, já que estou fazendo um trabalho melhor em criticar, ela tem que aceitar minhas sugestões. Mas agora ela pelo menos tem uma nova perspectiva sobre o que está sendo visto por outra pessoa. Muito obrigada Anne. Você pode conferir mais flores delicadas de Anne em annelafollette. A seguir temos um quadro de Alanna Cartier. Então, direto do morcego meu olho vai para o centro da placa e isso não é apenas porque é o centro da página, mas porque os itens com o mais forte contraste em valor estão lá. Então a noz-moscada real e os cravo-da-índia, eles fornecem maior contraste do que qualquer outra coisa na página. Então, eu diria que isso é bem sucedido e provavelmente onde Alanna quer que minha atenção seja focada. Então eu tenho esta placa de tom médio agradável que circunda a ênfase sem competir com ele, e então o eyeline fica mais interessante com cada linha de seta e pedaço de texto que rotula as especiarias que ajuda com o movimento da peça. Minha parte construtiva é esta: então meu olho começa no centro, se move ao redor e para fora, e então é uma espécie de atrofiado pela borda da página, e eu acho que isso faz com que a harmonia geral e o equilíbrio pareçam incompletos ou perturbados. Estou muito feliz que a Alanna me deu esta peça porque quando a abri pela primeira vez, senti aquele movimento instável ou espaço, mas não consegui encontrá-la imediatamente porque enquanto me movia através das formas, pensei que tudo estava muito bom, Nada realmente parecia fora do lugar. Então, às vezes, temos que recuar do conteúdo real da página e olhar para o formulário. Neste caso, veja a diferença que faz apenas reenquadrar o espaço em branco ao redor da pintura. De repente, o texto e as setas têm espaço para respirar, o que dá espaço à minha linha de olhos para voltar para dentro e para fora do centro confortavelmente. Na verdade, agora que eu não estou distraído com o enquadramento, eu posso apreciar a profundidade sutil criada pelos valores e sombras que eu realmente não estava vendo antes. Eu posso desfrutar da linha orgânica criada pelo pincel e tudo parece mais completo apenas reformulando. Muito obrigado, Alanna. Se vocês quiserem acompanhar suas jornadas de pintura, podem encontrá-la no Instagram em Alannacartier. Muito bem, aqui temos um desenho a lápis de Rebecca Espana e oh meu Deus, meus olhos sentiram instantaneamente a unidade desta peça. O contraste de cores frias em cores quentes é tão satisfatório e realmente o equilíbrio perfeito de harmonia e variância como estávamos falando anteriormente. Se fossem todas as cores quentes analagosas, a peça poderia ser maçante e monótona. Se as cores frescas e quentes foram divididos 50 50 e distribuídos com ritmo mais uniforme, pode ser super caótico, mas seu erro no lado de quente com um elogio de legal é apenas a direita. Todas as formas parecem ser orgânicas, o que os ajuda a pertencer à peça juntos. O que eu mais notei é que parece que você começou a ilustrar esta cena surpreendente e a colocação da cena na metade inferior em vez de estar perfeitamente centrado ajuda a jogar com o espaço para começar a me levar lá. Mas há algo nele que parece incompleto. Temos essa cena feliz e doce e depois nada, só uma página em branco. De modo algum todas as cenas precisam ocupar cada centímetro quadrado da página ou ter uma cena de fundo ou qualquer coisa assim, mas, neste caso, eu acho que mesmo ter um elemento de design sutil adicionado poderia amarrar esta peça ao fundo melhor. Lembre-se de como a paleta erra no lado quente. E se a cor de fundo fosse um neutro quente em vez do neutro mais frio que é atualmente? Ou se a menor sugestão de uma árvore ou colina ou textura estivesse no fundo? Qualquer coisa que nos dê um passo entre a página de fundo fria e a cena quente que você criou. Obrigado um milhão de vezes, Rebecca. Você pode acompanhar com seu trabalho no beejoyart. Por último, mas certamente não menos importante, temos este adorável retrato de gato de Corri Sheff. Assim como a pintura de Alanna, Corri pregou-a dando ao gato a maior quantidade de contraste para atrair nossos olhos para ele. As delicadas flores orgânicas em forma são coloridas e leves, mas não competem com a estrela do show, que é um equilíbrio difícil encontrar quando há tantos elementos em uma peça. Eu também amo que a forma do gato é tão sólida e pesada em peso, enquanto as formas de flor são delicadas e arejadas com muita brincadeira entre o primeiro plano e fundo que também provavelmente ajuda a borda floral ser complementar em vez de distrair ou pesado. Ela criou lindas texturas com cores e linhas suaves e realmente nenhum elemento parece que não pertence. Meu olho começa no gato se move ao longo da peça e volta para o centro. Meu comentário construtivo para esta peça é como o de Alanna, não há nenhum elemento ou princípio na pintura que está me deixando fora, exceto pelo equilíbrio geral. Eu acho que um ajuste de enquadramento poderia aperfeiçoá-lo e ajudá-lo a se sentir mais completo. Você pode ver mesmo sem centralizar o gato na composição, apenas dando a peça leve espaço de respiração ao redor da borda ajuda a relaxar a peça. Obviamente, com uma pintura acabada, você nem sempre tem o luxo de re-cortar ou se mover em torno de elementos, mas talvez Corri vai manter isso em mente para a próxima vez e tentar julgar o equilíbrio ao longo da vida da pintura. Uma outra coisa a considerar seria o espaço desta peça, na parte inferior da ilustração temos alguns caules de flores caindo da página, o que os faz sentir como se estivessem crescendo em cena. Mas todas as outras flores estão bem dentro da borda da composição. Agora, isso não precisa ser resolvido, mas é sempre melhor ser intencional sobre essas decisões em vez de deixá-las ser decididas por acaso. Talvez ajudasse se os que estão ao redor da borda viessem todos de fora do quadro, ou nenhum deles, ou alguma outra solução. Agora, que nós adicionamos algum espaço em branco ao redor da borda pode realmente funcionar para que essas flores que estão vindo do fundo vêm todo o caminho de fora da cena apenas para ajudar o movimento ascendente em direção ao gato. Corri, adoro isto. Muito obrigado por compartilhar. Você pode acompanhar junto com sua viagem de ilustração em corri_sheff. 10. Considerações finais: Então, é isso pessoal, a palestra Art 101 que vai lhe dar tração e todo o trabalho duro que você já tem feito para aprender suas habilidades técnicas, e fazer o trabalho real. Espero que você esteja encantado que essas definições simples e idéias possam ser usadas em tantas aplicações funcionais, não são apenas palavras. Nada pode substituir o poder de se comprometer a fazer e explorar regularmente suas obras de arte, mas combinar esse corpo de trabalho com a linguagem e as ferramentas para quebrá-lo, e entendê-lo melhor, é quando você realmente passar de ser tecnicamente competente para uma força criativa. Claro, muito obrigado por fazer essa aula. Não se esqueça de olhar para os recursos que eu compartilhei na guia do projeto e começar a sua caça ao tesouro. É um pequeno passo no caminho para esclarecer quem você é como artista. Por último, amo o Instagram. Siga-me na BYDYLANM para obter mais dicas e compartilhamentos sobre meu fluxo de trabalho e processo criativo. Oh, e muitos prêmios.