Desmistificando a fotografia de comida: técnicas para encontrar seu estilo em um cenário de mídias sociais.

1. Introdução: Oi, meu nome é Isabelle, e eu sou uma fotógrafa autodidata de comida. Como vimos o Instagram ganhar popularidade ao longo dos últimos anos, o mundo da fotografia de alimentos realmente explodiu. O que antes foi um mundo um tanto evasivo e secreto de trabalho editorial, agora está um pouco democratizado, abriu caminho para toda uma nova geração de contadores de histórias realmente diversificados e talentosos. Enquanto podemos todos e praticamente fazer, tirar uma foto rápida de nossa comida em nosso iPhone, preciso pedir a pergunta, o que faz para uma boa foto e esses fatores podem ser divididos em um conjunto claro e digerível de lições? Nesta aula de Skillshare, desmistificando fotografia de alimentos, dicas e técnicas para encontrar seu estilo em um cenário de mídia social em mudança, espero capacitar os indivíduos a se sentirem mais confiantes atrás da câmera. Vamos conseguir isso abordando tópicos relacionados ao básico da câmera, iluminação, estilo e composição. Embora algum conhecimento ou experiência com fotografia de alimentos seja recomendado, esta aula é para todos os níveis de habilidade, tudo que você precisa é um amor pela comida e um amor pela fotografia. Então vamos começar. 2. Projeto final: Para o seu projeto final, você fotografará um prato ou refeição de sua escolha utilizando dois a três conceitos de aula em sua fotografia. A primeira etapa do processo incluirá completar a aula e refletir sobre o conteúdo. O que mais se destacou para você do que foi descrito. Tente praticar alguns dos conceitos com objetos simples como frutas ou flores. Teste diferentes ângulos, iluminação, configurações da câmera e prompts. Em seguida, escolha uma assinatura do prato favorito, refeição ou comida para fotografar. Isso pode variar de bolo, sopa, macarrão, saladas, sanduíches, etc. Não tenha medo de usar sua imaginação. Em seguida, desenvolva um quadro de humor no Pinterest ou Instagram de sua inspiração. O seu estilo tende para luz e arejado ou temperamental e escuro? Você gravitar em direção a um monte de prompts ou um estilo mais minimalista. Contemplar se a escolha estilística funciona ou não com o seu prato. Uma vez que você tenha criado seu quadro de humor aproximadamente esboçar sua cena. De que ângulo você quer fotografar? Quais avisos você deseja usar? Por fim, fotografe sua cena e opcionalmente edite ao seu gosto no software de sua escolha. Dois exemplos incluem o Adobe Photoshop ou o Adobe Lightroom. Publique seu trabalho na galeria de aula em formato paisagem ou retrato. Depois de concluir seu projeto, não se esqueça de se envolver com outros criadores de conteúdo. Se você está pronto, vamos começar esta aula. 3. Noções básicas de câmera: Bem-vindo à sua próxima lição, onde discutiremos o básico da câmera. Vamos discutir tópicos como modo manual versus automático, foco manual versus automático, abertura, velocidade do obturador e ISO. Vamos primeiro falar sobre o modo automático versus manual. Em uma câmera DSLR há vários modos diferentes que você pode filmar, dois dos quais são automáticos e manuais. modo automático decide qual será a abertura, a velocidade do obturador , a ISO e o equilíbrio de brancos, que são tópicos que vamos discutir mais tarde. Pense nisso quase como as rodinhas de treinamento em uma bicicleta. Como em, ele faz a maior parte do trabalho para você. Embora isso possa ser conveniente, você tem menos controle sobre o resultado de suas imagens, o que pode resultar em falta de consistência. Embora o modo manual seja certamente mais trabalho, você terá mais controle criativo, ele só requer um pouco de atenção extra, para os diferentes componentes da sua câmera. Em seguida, vamos falar sobre foco manual versus automático em uma câmera. Em direção à frente da câmera perto da lente, deve haver um interruptor, que indica foco automático versus manual, geralmente notado por M versus AF. foco automático é apenas a lente focal da câmera para você, que é conveniente para fotos de ação ou natureza. A advertência deste fato é que ele não se focará necessariamente nas partes de uma imagem que você deseja. foco manual, em contraste, envolve girar a lente focal da câmera até que diferentes pontos da imagem entrem em foco. Novamente, isso requer um pouco mais de esforço, mas, em última análise, lhe dá mais controle criativo. O próximo componente da câmera que vamos falar é a abertura. Abertura é a quantidade de luz que uma câmera deixa entrar fisicamente. Você pode pensar nisso como a pupila do olho da câmera. Dilata quando é exposto a configurações mais claras e aumenta quando exposto a configurações mais escuras. A abertura é medida em configurações f-stop, variando de f-1.4 a f-22. Quanto maior for o número de f-stops, menor a quantidade de luz que a câmera deixará entrar. Em contraste, quanto mais baixo for o f-stop, maior a quantidade de luz que uma câmera deixará entrar. Além da luz, a abertura também afeta a profundidade do campo. As configurações de f-stop inferiores correspondem a um campo raso de foco, significa que menos de uma imagem será clara. Por exemplo, se olharmos para esta imagem aqui, há apenas um pequeno ponto que é claro. Em contraste, uma configuração de f-stop mais alta, resultará em um campo de foco mais profundo, significa que mais de uma imagem será clara. Para fins de fotografia completa, o ponto ideal para abertura, está em algum lugar entre f-4 e f-8, com intervalos mais altos recomendados para fotos aéreas. Haverá alguma variação em termos de como você ajusta a abertura, dependendo do modelo da câmera, então certifique-se de olhar para o manual de sua câmera individual. O próximo tópico que vamos abordar é a velocidade do obturador. velocidade do obturador, como a abertura, também corresponde à quantidade de luz que uma câmera deixa entrar, mas em vez disso é a quantidade de tempo que o obturador está aberto antes de a câmera tirar uma foto. Dependendo do modelo da câmera, a velocidade do obturador pode variar de um oitavo de segundo a um cinquenta centésimos de segundo. Mas um bom alcance para fotografia de alimentos, está em algum lugar entre um de um segundo a um duzentos de segundo, dependendo de quão brilhante é a sua fonte de luz. Para fotos de ação, recomenda-se maior velocidade do obturador, pois você obterá uma imagem clara e mais nítida. Se você quiser usar uma velocidade de obturador mais baixa, eu recomendaria o uso de um tripé, pois ele vai ajudar a mitigar alguns dos que o movimento borrão que você pode obter se você fosse atirar mão livre. O último tópico que vamos discutir que se relaciona com o básico da câmera é ISO. ISO é uma configuração de câmera que se ajusta para a sensibilidade de uma câmera à luz. Em outras palavras, pode clarear ou escurecer uma imagem. Quanto maior a ISO estiver em número, mais brilhante será uma imagem. Altas faixas de ISO podem ser usadas para imagens noturnas, por exemplo, se você filmar uma paisagem urbana ou algo parecido. Mas quanto maior for a ISO, mais grão uma imagem terá. Com fotografia ISO deve variar em algum lugar entre 160 a 400. Mais uma vez, verifique o manual da câmera individual para determinar como ajustar o ISO. Para revisar, vamos discutir rapidamente alguns dos tópicos relacionados ao básico da câmera. Nós falamos primeiro sobre o modo manual versus automático, e como o modo manual permite mais flexibilidade criativa. Em seguida, discutimos o foco manual versus automático e direcionamos as partes da imagem nas quais você deseja focar. Em seguida, discutimos a abertura, e como ela afeta o campo indutivo de luz. Também discutimos a velocidade do obturador e como ela também afeta a luz que uma câmera absorve. Por último, discutimos ISO e como isso afeta as configurações de luz de uma câmera. 4. Iluminação: Bem-vindos às suas próximas lições. Vamos discutir a iluminação. Para o propósito desta aula, vamos apenas discutir fontes de luz natural. Se você atualmente fotografar usando fontes de luz artificiais ou está procurando uma classe relacionada a isso, basta ter isso em mente avançando. Nas próximas lições, abordaremos por que usar a luz solar como fonte de luz primária em fotografia de alimentos, fontes de luz diretas versus indiretas , configurações de iluminação lateral e configurações de retroiluminação. Você pode estar se perguntando por que usar a luz solar como sua fonte de luz primária na fotografia de alimentos versus iluminação normal em sua casa. Parte disso tem a ver com a intensidade relativa no poder da luz solar em comparação com uma lâmpada doméstica padrão. Enquanto a lâmpada fornece cerca de 800 lumens de luz, em média, o sol fornece 9.800 lumens de luz por metro quadrado em uma superfície perpendicular. Portanto, a luz solar fornece luz muito maior, o que acabará por resultar em uma imagem melhor iluminada. Além deste fato, a maioria das lâmpadas tendem a liberar uma tonalidade amarela ou azul especialmente quando fotografada. A luz solar tende a parecer mais neutra e tem um equilíbrio de brancos mais natural. Nosso próximo tópico abordará fontes de luz diretas versus indiretas e seu propósito na fotografia de alimentos. Fontes de luz diretas são aquelas que brilham seus raios diretamente na cena ou objeto ou estão no caminho direto do objeto ou cena que você está fotografando ou observando. Para a fotografia, isso resulta em sombras e realces severos e cores vibrantes, e uma boa sensação de contraste. Esta pode certamente ser uma escolha bonita e eficaz para coisas como bebidas, mas às vezes pode sobrecarregar uma imagem apenas em termos de quão severos os os destaques e sombras podem ser. Em contraste, a iluminação difusa envolve a dispersão da luz para que uma cena esteja sendo iluminada indiretamente. Isso pode acontecer na natureza, como em um dia nublado ou através do uso de um difusor de fotografia em dias brilhantes e ensolarados. Para fotografia de alimentos, algum nível de difusão é geralmente usado, pois tende a iluminar objetos de forma clara e limpa. Mas tenha em mente que ambos os métodos de iluminação certamente pode ser usado, depende apenas do efeito estilístico que você está indo para. Nosso próximo tópico abordará iluminação lateral e retroiluminação. Lado lateral envolve a criação de uma cena de fotografia paralela a uma janela para que a luz flua para o lado da comida, o que cria uma sensação dinâmica de realces e sombras. Outra configuração de iluminação é a retroiluminação. retroiluminação é mais uma técnica de iluminação avançada que envolve colocar sua cena fotográfica na frente da janela ou fonte de luz, o que cria um efeito dramático e temperamental. A iluminação de fundo é frequentemente usada para tomadas dramáticas, mas, novamente, tenha cuidado ao usar esta técnica, pois às vezes pode dominar a cena apenas em termos de quão escuras as as sombras podem aparecer. Termos de determinar quais horas do dia são melhores para fotografar, eu recomendaria fotografar um item simples, como uma maçã em diferentes momentos do dia e observar as diferenças. Vamos rever. Primeiro falamos sobre por que usar a luz solar na fotografia de alimentos, falamos sobre as diferenças entre fontes de luz diretas versus indiretas e, por último, falamos sobre duas configurações de iluminação diferentes, incluindo iluminação lateral e de fundo. 5. Composição: Bem-vindo às suas próximas lições, que se relacionarão com a composição, ou com o layout geral ou arranjo de sua cena. Alguns dos tópicos que discutiremos incluirão os vários ângulos de câmera, tais como a captura aérea , o ângulo de 45 graus e o tiro direto, bem como algumas regras de composição, como o regra dos terços, e a regra do triângulo dourado. Vamos primeiro discutir a foto aérea. Tiros aéreos envolvem filmar diretamente sobre sua cena. Isso pode ser feito atirando mão livre ou através do uso de um tripé ou suporte de chave. Como mencionado, antes de minimizar parte do desfoque de movimento e para capturar adequadamente os detalhes de sua cena, geralmente recomenda-se maior velocidade do obturador e abertura. Tiros aéreos tendem a funcionar para objetos um pouco planos. Algo como uma salada, contra objetos com altura como um sanduíche. Uma vez que as imagens aéreas às vezes podem ser lidas de forma plana, textura e o movimento podem ser introduzidos por camadas de prompts e introduzindo curvas, que são alguns dos tópicos que discutiremos um pouco mais tarde. O próximo ângulo de câmera que falaremos é o ângulo de 45 graus. Então, tiros angulares de 45 graus são tirados em um ângulo entre cima, e retos em tiros. Como resultado, eles permitem mais dimensão em uma imagem. Assim, fotos angulares de 45 graus são comumente usadas para fotografar bebidas, como você pode ver, tanto o perfil quanto a superfície do objeto, que permite algum contraste visual agradável. O próximo ângulo de câmera que falaremos é o tiro direto. O tiro direto envolve atirar em um ângulo de 90 graus, ou paralelo ao perfil do objeto. Isso funciona melhor para objetos mais altos, como sanduíches ou hambúrgueres, pois pode realmente mostrar a altura vertical dos alimentos. Isso também pode funcionar para coisas como brownies ou poffies. Agora que falamos sobre ângulos de câmera, vamos discutir rapidamente duas regras importantes de composição, a regra de terços e a regra do triângulo dourado. A regra dos terços é uma diretriz composicional clássica, que envolve a visualização de duas linhas horizontais e duas verticais, que formam uma grade, que dividem uma imagem em terços, com a ideia de que os pontos de interesses para uma imagem, devem ocorrer nos pontos de intersecção da linha. A próxima regra de composição que vamos falar é a regra do triângulo dourado. A regra do triângulo dourado opera a partir da mesma idéia que a regra dos terços. Basicamente, que os pontos de interesse de uma imagem, devem ocorrer nos pontos de interseção das linhas. No entanto, em vez de uma grade, a regra envolve quatro triângulos definidos em uma diagonal. Embora ambas as regras sejam úteis em termos de criação de uma imagem equilibrada de composição, você não precisa imprimir uma grade sempre que quiser tirar uma foto. No entanto, eles são úteis em termos de visualização de um tema, especialmente quando você está desenhando suas ideias pela primeira vez. Vamos rever rapidamente alguns dos tópicos sobre os quais falamos em relação à composição. Primeiro falamos sobre alguns dos diferentes ângulos de câmera, e algumas regras gerais para quando usar quais, então discutimos a regra dos terços e como ela funciona para criar uma imagem bem composta, e por último, discutimos a regra do triângulo dourado, e algumas das semelhanças com a regra dos terços. Vejo-te no próximo... 6. Estilo: Bem-vindo à sua próxima lição, onde discutiremos o estilo. Alguns dos tópicos que abordaremos incluirão, curvas S, curvas C, camadas de adereços e, por último, dicas e técnicas de chapeamento. Vamos primeiro discutir a curva S. Criar curvas na fotografia, é uma forma de criar uma imagem de aparência perfeita. Um exemplo disso inclui a curva S. Esta técnica de estilo envolve organizar adereços ou objetos na forma áspera de uma curva S. S realmente atraem o olho para uma imagem, criando uma sensação de movimento e definição. Isso pode funcionar muito bem em fotos gerais, criando novamente essa sensação de movimento, mas também pode funcionar muito bem em tiros diretos ou de 45 graus, em termos de brincar com seus elementos de primeiro plano e de fundo. A próxima curva que vamos discutir é a curva C. Novamente, as curvas C são outra técnica de styling e são semelhantes às curvas S em termos de criação de movimento. No entanto, as curvas C mais enquadram uma imagem ou assunto, e podem criar uma sensação de fechamento. Exemplo, os objetos dispostos em um C, enquadram os cantos de uma imagem e também fornecem um bom contraste com o espaço negativo à direita. Vamos passar para o nosso próximo tópico, adereços e camadas. Adereços, também conhecidos como pratos, tigelas, guardanapos, etc., podem ser pensados nas peças do conjunto que realmente ajudam a dar vida a uma imagem. Tenha em mente, no entanto, você realmente não precisa de um milhão de peças caras, para fazer uma bela imagem. Em vez disso, apenas uma tigela ou prato cuidadosamente colocado pode criar um tremendo impacto. Em termos de quais adereços usar, eu acho que um bom ponto de partida seria um prato, uma tigela, um conjunto de talheres, um guardanapo e, opcionalmente, um copo. Para criar uma sensação de continuidade, movimento e textura, camadas podem ser introduzidas em seus adereços. Isso pode ser feito empilhando uma tigela em um prato, envolvendo um guardanapo em torno de sua tigela ou sobrepondo vários ingredientes ou elementos. Quanto aos cenários, o céu é realmente o limite. Alguns dos cenários no meu arsenal incluem um pano de fundo impresso final, alguns cenários de gesso DIY, um pano de fundo de madeira DIY, e até mesmo uma toalha de mesa de linho. Existem outros cenários no mercado, que vão desde mais opção de vinil impresso, até madeira em cenários, e também vêm em uma variedade de pontos de preço também. Nosso último tópico de estilo se relacionará com dicas e técnicas de chapeamento. Tenha em mente que o uso de curvas também pode ser aplicado a técnicas de chapeamento, como visto nesta imagem aqui. Mas uma outra técnica de chapeamento é o abanamento de vegetais ou ingredientes em seu prato ou tigela, como com itens como maçãs, peras, abacates, rabanetes, etc. Isso envolve cortar finamente suas frutas ou vegetais e pressionar suavemente a superfície para baixo para criar um padrão semelhante ao ventilador. O olho é naturalmente atraído para padrões e geometria, que é apenas uma das razões por que esta é uma técnica de chapeamento realmente eficaz. Outra coisa a ter em mente quando chapeamento é permitir algum espaço branco na placa ou tigela, vez de encher o vaso até a borda. Isso permite algum contraste visual, mas também dá uma sensação mais natural de equilíbrio e também de escala. Mantendo este tema de geometria e padrões, swoops e redemoinhos são outra técnica de chapeamento para coisas como molhos ou geadas. Isso envolve adicionar uma porção do item em seu prato, e arrastar gentilmente essa rotação através dele para criar uma forma de C sutil. Vamos rever alguns dos tópicos relacionados ao estilo. Nós primeiro falamos sobre algumas das diferentes curvas e como elas contribuem para uma sensação de movimento em uma cena, então discutimos como construir uma coleção de prop, e por que itens em camadas contribuem para uma imagem de estilo bonito, e por último discutimos algumas técnicas de chapeamento e como elas contribuem para uma foto de sucesso. Vejo você no próximo vídeo. 7. Conclusão: Chegamos ao fim das nossas lições. Parabéns, espero que tenha aprendido muito. Mas antes de nos separarmos, vamos discutir rapidamente alguns dos tópicos, passamos por cima nesta aula. Nós primeiro falamos sobre o básico da câmera e tocamos no modo manual versus automático em uma câmera DSLR. Também falamos sobre foco manual versus automático, e tocamos na abertura, velocidade do obturador e ISO. Familiarizar-se com os diferentes componentes da câmera realmente faz uma grande diferença na qualidade geral, das imagens que você vai escolher. Verifique o manual da câmera individual para entender como fazer esses ajustes. Em seguida, falamos sobre iluminação, especificamente, por que usar a luz solar como sua fonte de luz primária. Também falamos sobre fontes de luz diretas versus indiretas, qual é a diferença entre esses dois. Por último, discutimos duas configurações de iluminação diferentes, iluminação lateral e iluminação traseira. Mais uma vez, nós demos alguns exemplos do que isso parece, algumas das diferenças e alguns papéis deles. Em seguida, discutimos a composição, especificamente, os diferentes ângulos de câmera , incluindo a captura aérea , a tomada reta, e a imagem angular de 45 graus. Falamos também de duas regras de composição diferentes, incluindo a regra dos terços e a regra do triângulo dourado. Ao entender essas teorias básicas de composição, você realmente será capaz de reduzir alguns dos trabalhos convidados envolvidos na organização de suas cenas, que realmente ajudará a simplificar seu processo de fotografia. Por último, discutimos o estilo. Falamos sobre algumas dicas e técnicas diferentes, relacionadas com o uso de curvas, especificamente, a curva S e a curva C, e como elas realmente ajudam a criar movimento e geometria, em suas imagens, algo que realmente visualmente atraente para o olho humano. Também falamos sobre dicas e técnicas de chapeamento, seleção de prop e camadas de adereços. Styling realmente ajuda a contar a história do prato, ou o objeto, ou até mesmo o retrato que você está tentando fotografar, por isso é realmente útil ter algumas dessas técnicas em seu cinto de ferramentas avançando. Próximas etapas, não se esqueça de compartilhar seu projeto na galeria de aula e deixe qualquer feedback que você tem para mim. Estou ansioso para ouvir de você. Se você quiser conferir mais do meu trabalho, você pode me encontrar @the_balancedapron no Instagram, ou você pode me encontrar no avental equilibrado no Pinterest e, por último, você pode encontrar meu site em www.thebalancedapron.com. Lá, eu compartilho receitas, você pode ver algumas das minhas postagens de blog, bem como meu portfólio de trabalho. finalizar, eu realmente espero que esta classe capacitou você a se sentir mais confortável atrás da câmera, para entender o que vai para fazer uma bela imagem de comida, e também ser inspirado para encontrar seu estilo único. Toda vez que você fotografa, é uma oportunidade de aprender algo novo, ver o que correu bem, ver o que talvez não correu bem, e aplicar isso ao seu trabalho avançando. Muito bem feito, e estou ansioso para ver cada projeto.