Desenhando sem medo: abordagem de cuidado pessoal à criatividade diária

1. Introdução: Desenhar sem medo é uma abordagem diferente para ser criativo. É quando você usa o desenho como uma ferramenta em sua vida. A vida às vezes pode parecer assim e desenhar sem medo é quando você usa o desenho diário para ir para o papel. Bem-vindos à minha aula de Shack da escola. Meu nome é Catherine Jennifer. Sou artista, designer freelance e mãe de quatro rapazes. Fiz essa aula porque sei que o medo é uma enorme barreira que impede as pessoas de acessar e expressar sua criatividade inata. O medo pode disfarçar-se de ocupado ou procrastinação. Mas é a maior coisa que impede você de começar sua carreira para o trabalho, ou impede você de chegar ao lugar onde a criatividade é livre e divertida. Nesta aula, compartilho minha estrutura para lidar com o medo. Vamos primeiro olhar para as etapas do processo criativo. Então vou demonstrar seis técnicas que você pode tentar ajudá-lo a fazer a mudança cerebral para a zona onde a criatividade é livre e divertida. A estrutura baseia-se no desenvolvimento de uma mentalidade saudável em torno da sua criatividade. Quando a criatividade começa a partir de um lugar de autocuidado, não há espaço para culpa ou vergonha. Você não precisa de nenhum conhecimento prévio para fazer essa aula. Tudo o que você precisa são alguns suprimentos básicos de arte. Se você é alguém que anseia ser criativo, mas você não sabe como começar. Ou se você embarcou em desafios de 100 dias, mas divertido e difícil de sustentar. Ou se você simplesmente quer aprender a relaxar e se divertir mais com sua arte. Então esta aula é para você. Para o seu projeto de classe, você primeiro considerará maneiras de melhorar seu espaço de trabalho. Então você vai experimentar as técnicas que eu demonstrar. Finalmente, você aprenderá a avaliar sua sessão criativa em vez de julgar seu produto criativo. No final da aula, você saberá como começar rapidamente, terá técnicas específicas para experimentar quando achar que não está amando o que está fazendo ou não se divertindo. Como a estrutura posiciona a diversão e o autocuidado no centro, você estará em uma posição de gestão para sustentar sua criatividade a longo prazo. Se você tem estado ansioso para deixar um pouco de sua loucura para fora no papel, então eu realmente espero que você se junte a mim nesta jornada. Vamos começar. 2. Projeto: O projeto para esta classe é dividido em três partes. A primeira parte é configurar ou melhorar o seu espaço criativo, a segunda parte é experimentar as técnicas que eu demonstro nas aulas de vídeo que começam com como, isso deve levar cerca de 20 minutos, e a terceira parte é para baixar o modelo de avaliação e ir avaliar sua sessão, que deve levar cerca de 5 a 10 minutos. Eu escolhi este projeto porque ter um espaço acolhedor é cerca de 50% da batalha, o outro 50% depende em parte de entender o seu processo criativo, e ter as ferramentas para se esquivar ou saltar sobre o medo, e, em parte, sobre se divertir durante a sua sessão. Divertir-se depende muito de ter um kit de ferramentas de técnicas que você pode usar para entrar na zona de liberdade. O projeto, é ter um ir nas técnicas sem se preocupar com o resultado, e você pode até descobrir algumas novas técnicas que funcionam para você e que são divertidas. Para se preparar para um projeto de sucesso, eu recomendaria deixar de lado o perfeccionismo e o julgamento. A reunião de turmas não é uma revista doméstica e terrorista, e não estamos interessados em ver fotos imaculadas perfeitamente estilizadas do seu espaço criativo. Na verdade, um espaço que é muito perfeito, provavelmente não está vendo muito uso, se você trabalha na mesa da sua cozinha, mas você tem uma maneira inteligente de armazenar seus materiais de arte, então ela se referiu a isso. O objetivo é pensar sobre o seu espaço, e torná-lo um pouco mais acolhedor, e também, construir um senso de comunidade, que todos possamos imaginar todos os outros lá fora, trabalhando fora em seus espaços criativos, e todos nós podemos nos sentir menos sozinhos. Confira as dicas que eu dei na seção de recursos quatro, pequenas melhorias que você pode fazer em seu espaço. Para mim, a maior coisa que fez a diferença foi quando instalei iluminação de escritório adequada. Se a iluminação é algo com que você luta, considere investir em como lâmpada que tenha uma lâmpada branca, ela pode fazer uma enorme diferença se você trabalhar com cores. A segunda parte do seu projeto é jogar por 20 minutos, e experimentar as técnicas que eu demonstro nas aulas de vídeo que começam com como. Para esta parte, tudo o que você precisa fazer é escolher uma imagem para trabalhar, definir seu alarme por 20 minutos e se divertir. O objetivo deste exercício não é fazer uma obra-prima, o objetivo é testar por si mesmo, as técnicas que podem ajudá-lo a fazer a mudança de grau de controle, para a sua nota intuitiva mais expressiva. Você está procurando o turno que pode levá-lo para o lugar onde fazer arte é alegre, expressivo e divertido. Você poderia gastar 20 minutos em uma técnica, ou você pode passar através de todas elas, o que quer que seja bom para você, e por favor não se preocupe, há nenhum imperativo para compartilhar o que você ganha nesses 20 minutos. Para a maioria das pessoas, compartilhar o que você faz quando você trabalha apenas com 20 minutos é aterrorizante, e o propósito da classe é dissipar o medo, não criar mais medo. Se você quiser compartilhar, nós adoraríamos vê-lo, mas por favor, não é um requisito para a classe. A terceira parte do projeto é baixar o modelo de avaliação, e passar alguns minutos refletindo sobre sua sessão e avaliando o que correu bem, onde você se sentiu preso, onde você se sentiu livre, o que você gostou, você também pode querer fazer anotações em um diário. Como eu disse antes, por favor note que, avaliar sua sessão é completamente diferente de julgar seu desenho. Então você pode fazer um desenho que você não está feliz com, mas você ainda pode ser muito feliz com como a sessão foi e como você se sente depois, e isso é realmente importante para estar ciente de quando você quer manter sua prática sobre a longo prazo. A avaliação é possivelmente a parte mais importante do projeto, então seu projeto concluído deve ser assim, foto do seu espaço você pode mostrar alguns exemplos de seu trabalho, se você quiser, e, em seguida, sua avaliação. Ao concluir o projeto, você terá um espaço ainda melhor e mais acolhedor do que antes, algumas novas técnicas para usar quando você precisa se soltar e se divertir mais, e você terá as ferramentas para ajudá-lo a refletir forma rápida e fácil em sua sessão criativa, que você pode construir no dia seguinte. Como artistas, a maioria de nós trabalha sozinha, mas não precisamos nos sentir sozinhos. Durante muito tempo na minha vida, senti-me um estranho porque não conhecia outras pessoas criativas. Mas ao longo dos últimos anos eu conheci, através da Internet, pessoas criativas incríveis, e agora sinto que faço parte de uma comunidade criativa, e faço parte de uma tribo, e isso faz uma enorme diferença em todos os aspectos do meu Vida criativa. No final deste vídeo, faça uma pausa na aula, faça uma pequena melhoria no seu espaço criativo, tire uma foto rápida e publique-a na galeria do projeto. Então você estará pronto e pronto para começar as outras seções do projeto mais tarde na aula. Na próxima seção, vamos olhar para todos os lindos materiais que você poderia usar para esta aula, nos vemos lá. 3. Materiais: Materiais que você precisará para esta classe são alguns papel aquarela. Esta é uma almofada de 200 gramas que posso arrancar as páginas. Duzentos gramas são grossos o suficiente para suportar muitos abusos, mas não tão grossos que eu tenha medo de usá-lo e medo de desperdiçá-lo. Você vai precisar de algumas tintas em aquarela. Este é um conjunto de Daniel Smith, que são muito bons para trabalhar, mas você não precisa de nada caro. Este é um conjunto básico de Winsor Newton. Você também pode usar duas aquarelas, se quiser. O que você preferir está bem. Alguns lápis de cor de aquarela. Novamente, não tem que ser nada chique. Estes são apenas WH Smith, e estes são algumas crianças Steadler, um afiador. É bom ter uma banheira grande de tinta branca bastante barata. Este é um Reeves Gouache, e a coisa sobre isso é bastante transparente, então na verdade não é ótimo. Eu não recomendaria, mas eu uso. Mas se eu quiser algo mais opaco, então eu uso isso que é Winsor Newton designers gouache. Eu também uso isso quando eu fui trabalhar diretamente do tubo, que é uma das técnicas. Então você vai precisar de uma variedade de refrescos variando de pequeno, este é provavelmente um tamanho 0 ou 1. Você pode querer algo de boa qualidade com um ponto de alfinete. Eu gosto muito de usar um pincel plano. Você pode querer um pincel mais largo e algo em algum lugar no meio. Você não precisa investir em pincéis caros. Só algumas coisas que você pode enxaguar tinta em torno de tudo bem. Você pode querer um rolo. Basicamente, qualquer coisa com que você possa deixar uma marca, tente. Então, finalmente, alguns lápis variando de agradável e duro, 3H até médio em torno de 2B. Meu lápis favorito é este, que é um HB. É super macio, e funciona bem quando você quer desenhar em tinta molhada. Na próxima seção, vamos dar uma olhada mais profunda no que desenhar sem medo realmente significa. Vejo você lá. 4. Desenhando sem medo: O que está desenhando sem medo? Desenhar sem medo é uma abordagem diferente para ser criativo. É quando você usa a criatividade como uma ferramenta em sua vida. Você pode usá-lo para expressar emoção, às vezes simplesmente através das marcas que você faz ou do movimento de seu corpo, e às vezes através dos desenhos que você cria, que podem expressar melhor do que palavras, como você se sente. Dependendo do que está acontecendo em sua vida, desenhar sem medo pode trazer alegria a dias aborrecidos ou calma a dias estressantes. Quando você tem as ferramentas para saltar rápida e facilmente para onde ser criativo é gratuito e divertido. Em seguida, mesmo uma pequena dose diária pode fazer uma enorme diferença para o seu dia e pode levá-lo para o local onde você experimenta fluxo. Nas palavras de Anni Albers, “Eu tive essa ideia quadrada de hoje que a arte é algo que faz você respirar com um tipo diferente de felicidade.” Ela está certa. Quando você se permite ser criativo em uma base regular, você começa a respirar com um tipo diferente de felicidade. Sua vida diária se torna cheia de possibilidade e inspiração. Minha esperança é que, fazendo essa aula, eu possa ajudá-lo a superar seu medo e fazer mais arte de forma mais consistente. Mas, para desenhar sem medo, você tem que estar disposto a fazer uma bagunça, fazer desenhos que falham, e valorizar o processo sobre o resultado. Desenhar sem medo é sobre espaço livre. É sobre liberar estresse e emoção. É sobre expressar sua energia boa ou ruim, então como fazemos isso? Em primeiro lugar, você precisa entender as etapas do processo criativo e onde seu medo se encaixa nisso. Então, você precisa aprender como substituir seu cérebro controlador e acessar seu cérebro mais criativo e intuitivo. Todo o tempo, você precisa observar a regra de ouro, que é, tem que ser divertido. Se não for divertido, mude o que está fazendo. Nesta aula, eu vou primeiro olhar para as etapas do processo criativo como eu vejo. Então, eu vou demonstrar várias técnicas que você pode usar para substituir seu cérebro controlador e acessar seu cérebro mais expressivo e intuitivo. Junte-se a mim no próximo vídeo, onde olhamos para a zona do medo. 5. Zona de medo: Então, temos essa tensão, essa contradição entre saber que o medo é bom, que nos diz o que fazer. No entanto, de alguma forma, temos que superar o medo para fazer o nosso trabalho. Elizabeth Gilbert em seu livro, Big Magic, fala sobre deixar o medo ficar no canto, mas não deixá-lo tomar as decisões. Acho que é uma boa maneira de ver as coisas. Aqui, eu quero explicar que desenhar sem medo não significa erradicar completamente o medo porque eu não acho que isso seja possível. O que significa é que você identifica onde reside o medo. Você reconhece que ele está lá e então você é capaz de se esquivar ou saltar sobre ele e não deixar que isso o impeça de fazer o que você precisa fazer. Para desenhar sem medo, é útil entender seu próprio processo criativo e identificar onde seu medo entra em jogo. Processo criativo é provável que seja diferente para pessoas diferentes. Neste vídeo, vou compartilhar o processo à medida que o vivenciar. Eu estaria realmente interessado em saber se isso soa com você ou como você experimenta isso de forma diferente. Por favor, deixe-me saber através dos comentários ou via Instagram. Se está disposto a compartilhar, tenho certeza que outras pessoas também se interessariam. Eu vejo o processo criativo como composto por três zonas com duas portas ou barreiras que você tem que passar. O primeiro é chamado de zona do medo. Isso é antes mesmo de começar qualquer trabalho criativo. É a luta interna que você tem que se sentar e pegar um lápis. É a batalha contra a resistência e tem que ser travada de novo todos os dias. Vou compartilhar com vocês um conceito importante e três dicas que achei muito úteis para me ajudar a saltar sobre esta zona e passar pela porta de partida o mais rápido possível. A segunda zona, eu chamei de zona de tensão. Foi aqui que começou a trabalhar, mas ainda não está relaxado. Você não está se divertindo tanto quanto você poderia estar se divertindo e você não está necessariamente em um estado de fluxo. Idealmente, você quer continuar trabalhando até passar pela porta ao lado, que é onde você solta e entra na zona de liberdade. É aqui que fazer arte se torna divertido e você se torna um canal para a arte e você entra em um fluxo de estado. O objetivo é passar por essas duas portas o mais rápido possível para chegar onde é divertido. Sim, você pode fazê-lo em apenas 20 minutos com um pouco de prática. Se você tentar as técnicas que eu vou demonstrar, elas devem ajudá-lo a acelerar através da zona de tensão e entrar na zona de liberdade muito mais rapidamente. Em primeiro lugar, vejamos a zona do medo. Nesta zona, todos os argumentos que você pode estar tendo consciente ou subconscientemente. Podem ser coisas como, estou cansado, tenho muito o que fazer, não sei o que desenhar, não sei desenhar, ou o argumento assassino. Qual é o ponto? Estas são todas formas de resistência. A primeira coisa a fazer é definir o quadro, que é colocar sua criatividade firmemente no reino do autocuidado. Eu vejo isso como uma relação de empurrão. Quando você luta contra a resistência da posição de autocuidado, você está em uma posição muito mais forte. Para colocar sua criatividade nos domínios do autocuidado, você precisa tirá-la da caixa chamada TRABALHO e colocá-lo firmemente na caixa chamada FUN ou me-time ou se isso parecer auto-indulgente, não é. Mas se isso acontecer, em seguida, rotular sua caixa ESSENCIAL TERAPIA, o que você decidir chamá-lo, estar consciente de que o rótulo que você dá vem de um lugar de auto-cuidado. Também pode ser útil ver o autocuidado e você vai criar um tempo luz de fazer o que você precisa fazer para que você seja mais capaz de cuidar das pessoas ao seu redor. Meu marido sabe disso uma vez que eu fiz meus 20 minutos de desenho em uma esposa e mãe muito mais legais. Tomar tempo para sua criatividade não é um ato egoísta, na verdade, é bem o oposto. Quando você toma tempo para fazer seu trabalho criativo, você se alimenta com o espaço de cabeça que você precisa. Você expressa a emoção que você precisa para se livrar e você abre a porta para diversão e alegria. Então, porque você cuidou de si mesmo, você sai muito mais forte e mais capaz de cuidar de todos ao seu redor, então esse é o primeiro conceito. À medida que você se encontra em uma zona de medo, aborde sua criatividade de um lugar de autocuidado. Mas mesmo com essa mentalidade, ainda pode ser difícil sentar-se à sua mesa e começar a trabalhar. Tenho três dicas que vou compartilhar que me permitiram começar muito mais facilmente a cada dia. A primeira dica é: faça de si mesmo um espaço acolhedor. Você precisa de um espaço pronto e esperando, não precisa ser muito espaço, mas ter tudo preparado e pronto para ir, dá uma vantagem na batalha contra a resistência. Faça um espaço o mais agradável possível, torná-lo limpo e brilhante, não muito desordenado, torná-lo um lugar tranquilo onde você quer estar. Eu sempre lavo meus pincéis e encho meus frascos de água no final de cada sessão para que no dia seguinte, quando eu me sento e começo, eu não tenha aquele trabalho de edição de encher frascos de água. É uma coisa pequena, mas faz a diferença. A segunda dica vai soar óbvia e um pouco boba, mas eu vou te dizer de qualquer maneira porque ajuda. A dica é incentivos. Por incentivos, quero dizer bebidas e lanches. À medida que você se coloca na mentalidade certa para o desenho, prepare a bebida favorita. Faça um lanche. Talvez seja um lanche que você só pode comer quando está na sua mesa de desenho. Você precisa fazer o que for preciso para se sentar na cadeira e começar a trabalhar. Muitas vezes, eu vou fazer uma pequena tigela de nozes e passas eo chocolate quente como eu costumo trabalhar à noite. Não precisa ser nada grande, mas acho que ter algo pequeno para mordiscar faz com que toda a experiência pareça mais nutritiva. Basta lembrar que o lanche precisa se encaixar com o aspecto de nutrir, então talvez não chocolate todos os dias. A terceira dica é definir um limite de tempo. Para isso, você precisa decidir qual é o seu tempo mínimo viável. Para mim, são 20 minutos, 20 minutos parece tempo suficiente para que eu possa colocar meus dentes em algo, mas não tanto tempo que se eu não sentir vontade, isso me deixa fora de fazer isso. Se não estou a fim, são apenas 20 minutos. Independentemente do que eu acabar com na página, uma vez que eu fiz meus 20 minutos eu sempre me sinto melhor. Muitas vezes, 20 minutos se transformam em uma hora. Mas encontrar qual é o seu tempo mínimo viável e definir um alarme pode ser uma maneira muito poderosa de ajudá-lo a começar, mas também ajudá-lo a parar, que é importante porque você quer manter isso ao longo do tempo. Eu acredito que pequenos atos diários de criatividade são muito melhores do que o desenho compulsivo uma vez por semana. Porque quando você está praticando sua criatividade todos os dias, você está criando memória muscular. Mas acima de tudo, você está vencendo a resistência diariamente. À medida que você vence a resistência em uma base diária, gradualmente o poder da resistência enfraquece ao longo do tempo. Pense sobre qual é o seu tempo mínimo viável. Mesmo cinco minutos está bom. O ponto de desenhar todos os dias não é criar uma obra-prima todos os dias, mas vencer a resistência todos os dias. Porque quando você vence a resistência em uma base regular, torna-se muito mais fácil e você pode passar para a próxima zona muito mais rapidamente. No próximo vídeo, vou olhar para a zona de tensão, que é onde você está trabalhando, mas você ainda não está relaxado. Vou olhar para os elementos que podemos trazer para entender esta zona e então discutirei um desses elementos com mais detalhes. Junte-se a mim em um momento. 6. Zona de tensões: Nós olhamos para a zona do medo e o primeiro conceito chave, que é que sua criatividade precisa vir de um lugar de autocuidado e eu lhe dei minhas três principais dicas para começar rapidamente e dar boas-vindas a incentivos espaciais e definir um limite de tempo. Vejamos a segunda zona, que é a zona de tensão. Quero dizer imediatamente que a palavra tensão não tem necessariamente uma conotação negativa, então, por favor, não assuma assim. Se você passou pela zona do medo e começou a trabalhar então você deveria comemorar porque você apareceu e está fazendo o trabalho. Você pode querer dar à zona de tensão um rótulo diferente, como a zona de produtividade, isso é totalmente com você, eu chamei de atenção da zona porque é assim que me sinto. A zona de tensão é zona sem importância e pode realmente ser a zona em que você quer estar particularmente se você está fazendo o trabalho do cliente onde você está esperando um resultado específico e você precisa ficar controlado para alcançar o que você ou o cliente querem e está tudo bem. No entanto, você se lembra da regra de ouro? Tem que ser divertido. É aqui que a regra de ouro entra em jogo. Se você está fazendo trabalho pessoal sem a expectativa do cliente, pode ser tão valioso e tão divertido passar pela porta ao lado onde você deixa ir e você começa a criar na zona de liberdade. As técnicas que vou compartilhar são coisas que ajudam você a deixar de lado seu cérebro controlado apertado e acessar seu cérebro expressivo mais intuitivo. Eles são coisas para tentar quando você está fazendo trabalho pessoal e você não está se divertindo ou você não está trabalhando tão livremente e livremente como você quer e quando você não tem a expectativa específica de um resultado específico. Há também técnicas que você pode usar como um aquecimento e, em seguida, você pode alternar entre zonas dependendo do que você está esperando para alcançar. Existem três elementos que podemos trazer para a zona de tensão. O primeiro elemento é o conceito, eu não sou a arte, o artista, não eu. O segundo elemento é entender o seu “porquê” e o terceiro elemento centra-se na forma como definimos desenho e criatividade em nossas vidas e na relação entre nossa criatividade e inspiração. Estes são tópicos muito grandes e suculentos, então, para os propósitos desta aula, eu só vou falar sobre o primeiro, que é, eu não sou a arte, o artista, não eu, os outros dois que vou falar em uma aula separada. Se você gostou desta aula, você deve me acompanhar no Compartilhamento de Habilidades, para que você não perca esses tópicos. Eu não sou a arte, o artista, não eu. Estudei Belas Artes na Universidade da Cidade do Cabo e as críticas semanais foram tão devastadoras que acho que foi aqui que comecei a internalizar o conceito. O que significa é que você precisa separar sua arte do seu ego. Você precisa remover completamente a hierarquia, status e identidade pessoal da equação. O que isso faz é remover o imperativo, a necessidade de fazer boa arte. Isso significa que você pode barrar, você pode fazer arte ruim e isso não afeta como você se vê como um artista. É só quando você começa a correr riscos e se abre para a possibilidade de fazer arte ruim que você pode entrar por aquela porta onde você deixa ir e começar a trabalhar naquela zona de liberdade. É apenas na zona da liberdade onde a verdadeira magia começa a acontecer. É nesta zona que você começa a jogar, explorar, fazer uma bagunça, tentar coisas novas e para mim esta é a zona onde mais facilmente acessar o estado de fluxo. É aqui também onde você pode perder a si mesmo, sua dor, sua luxúria, suas preocupações. Nesta zona, você perde a noção do tempo como você se torna um canal para a criatividade. Em seu livro, Big Magic, Elizabeth Gilbert fala sobre idéias que flutuam em torno de procurar um anfitrião e eu acho que é na zona de liberdade que você se torna aberto para receber esse tipo de idéias. Muitas vezes, você pode se surpreender com o que você cria, estou constantemente surpreso com o que eu criei. Ele diz que se vem de outro lugar e quando você finalmente sair da zona você pode se sentir revigorado ou vírgula ou explodindo de alegria, é aqui que o aspecto terapêutico da arte é encontrado, mas você nem sempre vai fazer boa arte em a zona. É por isso que no final de sua sessão, é muito importante que você avalie a sessão em vez de julgar o desenho. Eu tenho uma proporção de nove desenhos ruins para um bom desenho, então quando um desenho não funciona, eu vejo na verdade como uma coisa boa porque ele traz um desenho mais perto de um bom. A principal coisa a lembrar quando você está trabalhando na zona da liberdade é que desenhar mal não importa, por quê? Porque eu não sou a arte, o artista, não eu. Agora vamos para os vídeos de demonstração. Primeiro vou mostrar-lhe uma maneira fácil e não assustadora de começar um desenho e depois vou mostrar-lhe algumas técnicas que podem ajudá-lo a fazer essa mudança de controlado e amarrado para solto expressivo e intuitivo para que você possa começar a se soltar e divirta-se mais. Vejo você no próximo vídeo. 7. : Eu vou demonstrar cinco técnicas que você pode tentar quando você quer fazer a mudança de trabalho controlado na zona de tensão para liberar trabalho mais expressivo na zona de liberdade. Estas técnicas são desenho contínuo de linha, mudando de mãos, trabalhando diretamente de um tubo de tinta, respingos e branco sobre. Então eu vou compartilhar o que você pode fazer para salvar o dia em que nada funciona e você pode transformar o que você criou em uma textura para usar em colagem ou para enriquecer suas ilustrações digitais. Essas técnicas não são nada de especial em si mesmas, são todas muito simples. Eu vou usar clipes de alguns desenhos diferentes que eu criei para mostrar como você pode se mover entre as diferentes técnicas dependendo do que está funcionando bem para você no dia. Alguns dos desenhos têm uma narração que eu fiz ao desenhá-los e alguns deles eu vou fazer uma voz sobre para explicar o que está acontecendo, mas primeiro, vamos olhar para uma maneira fácil de começar um desenho. Para este desenho estou trabalhando a partir desta fotografia de uma protea que é de BecbarTell de Pixabay. Realmente boa maneira de começar se você está se sentindo um pouco nervoso, é apenas começar com água, sem pigmento e apenas mapear mais ou menos onde seus desenhos vão na página. Você está levantando o braço, você está ouvindo seu corpo depois e você começa a relaxar nele e se divertir. O que eu normalmente faço antes mesmo de fazer isso é ajustar meu relógio para 20 minutos, apertar o botão Iniciar e agora eu sei que meus 20 minutos estão acontecendo. Então não tenho tempo para ficar estressada. Eu só tenho que continuar com isso porque eu só tenho 20 minutos. Se eu estou fazendo folhas eu muitas vezes, bem, o que eu estou fazendo, eu muitas vezes começar com um agradável amarelo limão brilhante e eu acho que esta é uma cor muito indulgente. Ele adiciona um brilho encantador e brilho quente para a pintura, mesmo que você coberto com uma cor escura mais tarde. Então eu vou ter as flores em algum lugar aqui, então eu vou começar com alguns rosa e eu estou muito vagamente apenas colocando-os dentro e fora, eu realmente propositalmente quero, se eu puder chegar ao ponto em que talvez isso não esteja funcionando para que eu possa mostrar algumas das técnicas do que fazer quando você não está gostando, não amando o que está fazendo. Eu vou direto para alguns rosa escuro agradável, mantendo-o agradável e este é um bom e fácil de fazer. Eu costumo manter três frascos de água à mão, então eu acabo com um para cores quentes, um para cores escuras e às vezes um que é apenas para brancos. Então eu começo a aparecer em alguns desses verdes. Assim que eu ficar escuro quente, há o perigo de ficar marrom lá. Então eu lavei minha escova para mantê-lo agradável e limpo. Eu gosto deste verde, mas eu estou achando um pouco pesado, então eu vou ir para um pouco mais brilhante faíscas verdes. Como você pode ver, estou sendo muito solto com minhas marcas, estou apenas gostando de ir. Solte um pouco da tensão. Então agora a primeira técnica que eu uso é o desenho contínuo de linha. Desenhos de linha contínuos é onde você apenas começa a desenhar e você mal olha para o que você está desenhando. Seus olhos ficam praticamente no seu assunto. De vez em quando eu poderia olhar para baixo e ver se eu estou vagamente no lugar certo Eu tenho algum bom [inaudível] aqui brilhando aqui na imagem fonte, então eu quero que venha aqui começando a adicionar alguns tons. Com desenho de linha contínua, é muito divertido desenhar em tinta molhada porque você começa a tinta molhada arrastada ao longo e você pode começar a nos dar profundidade para a imagem e não importa se suas linhas não fazem sentido. Eu sempre sinto que algumas das melhores linhas em um desenho são linhas de erro porque eles adicionam interesse. Você pode ver se pelo menos eu estava indo, parte desta tinta já está ficando bastante seca, então eu vou pegar um pouco mais verde, um pouco mais lá. Eu não quero exagerar, mas eu quero ser capaz de mover um pouco dessa tinta por aí com meu lápis. Então essa é a primeira técnica, desenho contínuo de linha. Agora vou demonstrar uma técnica de partida semelhante e outro exemplo de desenho de linha contínua usando esta imagem de um cão, que por Artpyle de Pixabay. Neste caso, é um cão branco em uma página branca, que vai apresentar alguma dificuldade então eu vou começar com uma lavagem muito leve de um marrom e preto. Vou apenas esboçar para onde eu acho que as coisas estão indo. Se eu estou me sentindo nervoso nesta fase, eu apenas me lembro que é apenas um desenho, não importa se ele falha, então a questão é a liberdade de fazer marcas e ter um movimento. Desenho de linha contínua é onde você começa a desenhar e você mantém seus olhos sobre o assunto, você dificilmente olha para a sua página. De vez em quando eu esmalteio fechar e apenas dar uma olhada onde meu lápis está e se alguma coisa está fazendo algum sentido na página, mas o que isso faz é liberar sua mente e seu olho para apenas pensar sobre as proporções relativas do assunto que você está desenhando. Quando você faz isso, você quer manter suas linhas realmente soltas que você possa corrigi-los como quanto mais você vê, eu vejo que há uma coisa acontecendo aqui e, em seguida, há um muito duro fora, mas lá que eu gravei no lugar certo, eu Não sei. Então você está construindo um pouco de textura e um pouco de interesse na página e você está apenas relaxando nela nesta fase, assim, eu vi aqui que precisa ser muito longo e eu poderia querer enfatizar esse comprimento em Meu desenho e a parte de trás vem aqui e lá em cima e no próximo tem uma coisa estranha de colarinho aqui, lá vamos nós. Tão fácil quanto isso. Como começar, poderia ter água, pequeno pedaço de tinta, desenho contínuo de linha, apenas marcando onde as coisas estão aproximadamente. Há uma coisa intrometida acontecendo aqui e muitas vezes se você não levantar seu lápis de sua página, você pode encontrar onde você está mais facilmente porque seu olho está lá e então seu lápis apenas aparece para a direita. Então eu estou muito feliz com isso, eu não acho que é perfeito, eu acho que a inclinação da cabeça não está bem. Isso é realmente muito mais alto na imagem do que aquele olho, então vamos falar um pouco mais. Quando você faz o seu desenho de linha contínua, você pode corrigir as coisas como você precisa. Este olho pode estar assim, assim e você não precisa se comprometer muito com o que está fazendo, então lá vamos nós. Então da próxima vez que você está desenhando e apenas encontrando-se um pouco de coisas ou um pouco preso apenas ter um ir em um desenho de linha contínua solta e ver como você se sente. Lembre-se que o principal é que tem que ser divertido. Essa é a regra principal de qualquer criação. Se não está se divertindo, mude o que está fazendo. Então minhas dicas principais para desenho contínuo de linha são, começar com um lápis de cor clara, segurar o lápis e vagamente em sua mão, não se comprometer. Em outras palavras, desenhe vagamente em torno do assunto até que você se sinta confiante sobre seu tamanho e posição e, finalmente, tente arrastar para tinta molhada com um lápis, é realmente divertido. No próximo vídeo, vou demonstrar a segunda técnica que está mudando de mãos. Vejo você lá. 8. Como: mudando as mãos: As próximas técnicas que eu uso quando eu quero fazer a mudança de controlado e apertado, para solto e expressivo, é mudar de mãos. Então, se você é destro, desenhe com a mão esquerda, se você é canhoto, desenhe com a mão direita. O que isso faz, então eu vou usar minha mão esquerda, é forçá-lo a fazer marcas que você realmente não é muito bom em controlar e, neste caso, eu estou fazendo isso com um pouco de branco. Acho que vou colocar um pouco mais rosa escuro na minha flor, e depois ver o que ganho em termos de marcas. Se eu, então, trabalhar sobre ele com os lápis brancos. Não quero isso em todo lugar, só quero trabalhar com mais, quando estou trabalhando com a mão esquerda. Agora, vamos ver. Sim, então mude de mãos, e é muito difícil de controlar. Você quase, por definição, acaba fazendo marcas que você não faria normalmente, e na verdade, isso pode ser muito gostoso. Especialmente se você trabalha com uma cor clara como esta, você pode apenas obter alguma textura agradável acontecendo aqui. Aqui tudo está seco, então eu vou adicionar um pouco mais verde amarelado. Veja o que acontece. Ir para fora das linhas às vezes cria alguns efeitos agradáveis também. Quero pegar minha mão esquerda, e colocar algumas marcas escuras aqui. Eu não uso muito a mão esquerda, mas é algo que eu posso fazer se eu estiver realmente lutando para substituir meu próprio cérebro. Você pode ser razoavelmente controlado com ele assim, e você pode apenas obter algumas outras marcas bastante agradáveis. Essa é a segunda técnica, mudar de mãos. Então, quando você quiser mais controle, você volta para a sua mão direita e você pode fazer algumas marcas muito soltas, mas controladas, exatamente onde você quer. Agora vou demonstrar a técnica de mudança de mãos. Mais uma vez, voltando ao desenho do cão branco em uma página branca. O que vou fazer por este cãozinho é começar a aparecer mais alguns dos primeiros do cão. Sei que está muito escuro aqui embaixo. Está escuro aqui. A cavidade do olho é bem escura, e ela está algures por lá. Esse cara, a cavidade ocular é por aqui. É rosa lá dentro, então eu não quero fazer muito, então a orelha, tem uma sombra aqui. Eu gosto disso e no fundo da orelha dele, e este pescoço aqui em baixo. A coisa com o desenho é que linhas de erro são as linhas mais interessantes em qualquer desenho, e eu realmente acho isso, porque você pode realmente ver a mão do artista lendo junto. Quando você vê os erros você quase pode seguir o processo de pensamento, que eu acho bastante fascinante. Então eu estou apenas bloqueando vagamente em algumas das áreas mais escuras como esta. A boca é bastante escura e aqui dentro e fora. Há algumas rosas aqui, que são realmente muito agradáveis. Eu quero um pouco menos de tinta no meu pincel, e eu só vou colocar isso dentro Agora, vou demonstrar como mudar de mãos. Então, em vez de trabalhar com a mão direita, vou pegar a mão esquerda. É uma boa idéia usar uma cor clara, porque você quer curtir e não quer se preocupar com isso. Esta é a minha mão esquerda, só vou colocar aqui alguns destes deliciosos rosa-de-rosa. Eu vou estourar alguns pedaços, e há todos esses lindos tons de mindinho na orelha aqui em baixo. Esta orelha é muito mais longa do que eu tenho, então vamos marcar isso um pouco mais. Vem mesmo ali em baixo. Quando você muda de mãos, você pode desenhar lindamente em tinta molhada, e você pode controlá-lo um pouco, mas você também está recebendo uma folga que você não obteria com a mão direita. Então, quando você tiver um pouco onde você pensa, “Oh, eu preciso de um pouco mais de controle”, volte e use sua mão direita. Mas o controle nem sempre é a melhor coisa em um desenho, você quer ter um pouco de liberdade. Mude de mãos, comece com uma cor mais clara e divirta-se fazendo marcas que você não faria com a mão direita. Deixe tudo para fora. Se você está frustrado, deixe essa frustração sair. Se você se sentir intenso, deixe a tensão sair. O desenho está lá como uma ferramenta para você usar, e depois você se sente muito melhor. Então, minhas dicas principais para mudar de mãos são começar com uma cor clara enquanto você se acostumar com a sensação de usar sua outra mão. Use essa técnica para adicionar textura e energia ao desenho e alternar entre as mãos, dependendo se você deseja controlar ou menos controle enquanto trabalha. No próximo vídeo, vou demonstrar o quanto você pode se divertir desenhando com sua tinta diretamente do tubo. Vejo você lá. 9. Como: reto do tubo: A próxima técnica que vou demonstrar é trabalhar diretamente do tubo de tinta. Por isso, vou voltar ao desenho do cão branco. Este é um tubo de Designers Gouache. É branco. Pode ser muito divertido apenas ir direto lá com alguma tinta grossa realmente gostosa e apenas escolher as áreas que são especialmente leves e brilhantes e fazendo algumas áreas onde você trabalha com forma, mas é agradável e solto. Se você pressionar suavemente, basta obter a tinta, mas se você pressionar mais forte, você obtém a linha que a borda do tubo cria, bem como a tinta. Isso às vezes pode ser inesperado, mas muito divertido como um elemento extra em seu desenho. Você não quer exagerar, mas apenas bloquear em algumas das áreas de luz pode ser muito divertido. Você também pode obter textura pontuando as coisas em. O que você quer fazer é inesperado. então eu realmente não sei como isso vai acabar mas é divertido e eu estou me divertindo. Você não quer exagerar. Mas isso é uma coisa divertida de se fazer para injetar alguma qualidade 3D em seu desenho e um tipo diferente de qualidade de linha. O que você pode fazer é deixar secar ou você pode tirar outra cor. Vou pegar um azul pálido e macio e então você pode começar a desenhar direto na tinta molhada. Quando eu desenho eu sempre olhar para as cores que estão apenas sobre lá, mas você não necessariamente notaria. Vou voltar para a mão esquerda porque as marcas que fiz com a mão direita eram horríveis. Vamos voltar para a esquerda e começar a tentar descrever algumas das formas. Às vezes você quer descrever, mas não descrever, se você sabe o que quero dizer. Você quer ir contra a forma que existe para adicionar uma riqueza ao que você está fazendo. Se fizer isso, limpe seu lápis no final. Caso contrário, você tem que afiá-lo antes de poder usá-lo. Essa é a técnica de direto do tubo e, em seguida, desenhar na tinta molhada com seu lápis de cor de aquarela. Então minhas dicas principais para trabalhar diretamente do tubo são: primeiro experimente com uma cor clara, varie a quantidade de pressão que você coloca no papel, varie o quanto você espreme os tubos para que você obtenha mais ou menos tinta saindo do tubo, e com esta técnica, menos é definitivamente mais. No próximo vídeo, vou fazer uma demonstração super rápida de respingos. Vejo você lá. 10. Como: Splatter: A próxima técnica que vou demonstrar é respingos. É tão fácil que não requer ensino, mas eu estou incluindo-o porque pode ser uma técnica útil em seu kit de ferramentas quando você descobre que você está desenhando um corpo duro e você está lutando para relaxar em suas linhas de fabricação de mercado. Eu acho que apenas por abandonar o controle total e jogar tinta na minha foto de uma forma relativamente aleatória, às vezes pode ser a coisa que me ajuda a deixar ir e soltar. O ponto-chave com respingos, como com todas essas técnicas, é identificar quando usar cada uma delas. Para isso, você precisa desenvolver uma visão geral do seu processo criativo e estar ciente disso enquanto você está trabalhando. É como ter o cérebro a funcionar em dois níveis diferentes ao mesmo tempo. Em um nível, você se concentrou completamente no que você desenha, mas em outro nível você precisa estar criticando seu método e seus sentimentos para que você possa fazer ajustes conforme necessário. Para esta técnica, vou voltar ao desenho da protea. Eu costumo usar um branco quando eu faço salpicos porque isso adiciona um salto adorável para a imagem. Isto é realmente lavagem branca e eu vou colocar um pouco de água, mas não muito, por isso é razoavelmente grosso. Estou pegando um pincel. É pequeno, um pouco pontudo. Recebo o meu branco e, em seguida, apenas salpicando. Não precisa ser grande quantidade, mas é uma maneira divertida de injetar um pouco de aleatoriedade em seu desenho. Porque você não pode controlá-lo, você é forçado a deixar as crianças serem mais soltas. Eu realmente gosto da vibração que ele pode adicionar. Às vezes eu espalho com branco, muitas vezes eu espalho com uma cor escura. Minhas dicas principais para usar respingos ou que a consistência é fundamental, depende muito de ter a proporção correta de tinta para água, e o tamanho da escova afetará o tamanho do splat. Junte-se a mim na próxima lição onde eu vou compartilhar o que eu faço quando eu estou tendo um dia realmente ruim, eu chamo isso, branco over. 11. : Todos nós temos dias em que você se senta para desenhar e você não está sentindo isso. As linhas não estão fluindo, você não pode se soltar e você não gosta do que você fez. É quando eu faço o que chamo de um branco. Para isso, você pega uma grande garrafa de tinta branca barata, você espalha tudo sobre o seu desenho e então você se diverte arrastando por aí com um pincel grande. Há duas razões pelas quais eu faço isso. Em primeiro lugar, apenas o ato de obliterar meu desenho ruim e esfregar a tinta molhada sobre ele com um pincel grande às vezes é o ponto de inflexão que me permite mudar engrenagens mentalmente e desenhar com mais liberdade e abandonar. Eu já estraguei o desenho, então não tenho mais nada a perder. Mas então, o segundo aspecto entra em jogo que é que eu agora tenho uma nova superfície para trabalhar. Uma superfície de tinta espessa e úmida com muitas vezes uma riqueza de outras cores abaixo dela. Além de qualquer outra coisa, desenhar em tinta molhada é divertido e me faz sentir melhor independentemente do resultado. Vou mostrar-lhe alguns exemplos de overs brancos que eu fiz. Neste primeiro exemplo, eu estava desenhando alguns Robbins como parte de uma coleção de férias. Comecei no meu método habitual com água e aquarela de tinta e depois adicionando coroas de lápis de aquarela, mas rapidamente percebi que o desenho não estava indo de acordo com o plano. Eu peguei meu tubo de goulash e obliterei a coisa toda. Então eu peguei minha abóbora de recife, que é muito mais líquida e depois um pincel grande e sumiu. Ao obliterar o meu desenho, afrouxei o meu corpo, libertei os movimentos dos meus braços, libertei muita tensão e estou pronto para começar de novo. Tenho uma nova superfície molhada branca para trabalhar. Este é um jogo de bola diferente. Quando você começa a adicionar tinta em sua tinta molhada abaixo, ele se comporta completamente diferente. Lá eu jogo um pouco de sal para adicionar um pouco de textura. Estou apenas brincando agora, aproveitando o que estou fazendo porque provavelmente não vai funcionar. Agora só estou liberando tensão e me divertindo. No final, o pássaro da esquerda não funcionou. No entanto, o pássaro à direita funcionou muito bem, tinha uma qualidade diferente porque era livre e solto e eu estava realmente satisfeito com a forma como ele saiu. Nesse caso, o processo de branco sobre funcionou muito bem para mim. No próximo exemplo, vou mostrar uma maneira diferente de trabalhar em tinta branca, isso é muito divertido. Estive a trabalhar nestas flores e senti que não estava a correr de acordo com os planos, por isso sai a tinta branca. Você vai se surpreender com o quão absolutamente libertador isso é quando você fizer isso. É apenas divertido. Vou levar o meu belo pincel plano. Eu só vou molhar um pouco e eu vou esmagar tudo ao redor. Como você pode ver, este branco é muito transparente para que você ainda possa ver pedaços da imagem por baixo. Na verdade, neste caso, eu gosto muito disso. Às vezes eu poderia pintar mais flores sobre flores, se é isso que eu quero fazer. Hoje eu decidi pintar alguns frascos antigos e jarros sobre isso. O pote em particular que vou começar é que tem uma pátina dourada. Eu estou realmente indo para tomar esta aquarela ocre amarelo e eu só vou alarde um pouco em linha reta para aqui. Nesta fase do processo, não faço ideia se isto vai funcionar ou não. Mas eu gosto disso, olha como essa laranja está saindo por ali. Isso é uma coisa muito boa para fazer como um exercício de aquecimento porque libera seu cérebro. Ou se você está se sentindo frustrado com o que você tem desenhado, isso pode ser realmente satisfatório. Há um azul interessante acontecendo muitas vezes desenhando sem medo se resume a estar disposto a jogar oh, isso é muito bom e fazer uma bagunça e disposto a descobrir que o que você está fazendo não funcionou. Na verdade, isso é bastante interessante. Eu realmente gosto disso. Eu quero um pouco mais desse Goldie vindo aqui, então eu não sei o que vai acontecer se eu pegar um pincel macio e solto e apenas variar as terras e greves que são feitas é um grande brilho no meu jarro lá. Alguns deles são realmente úteis apenas para deixar como branco. Isso é apenas sobre não ser precioso sobre o que você fez. Estou gostando do azul que está vindo para cá. Talvez eu volte para o meu tubo. Porque este é realmente barato aquarela, Eu não me importo de usá-lo desta forma e tentar e colocar em mais alguns escuros aqui. A borda do jarro eu realmente tenho a forma muito errada lá, eu quero trazê-lo mais e, em seguida, para baixo e para cima aqui e depois para baixo lá. Agora eu vou pegar um lápis de cor azul púrpura e vou usá-lo apenas para adicionar algumas sombras, algumas marcas definidoras, e mais algumas áreas de interesse para o desenho. Se você quer que a cor do lápis para mostrar através da tinta molhada, você tem que continuar limpando em um pedaço de papel de seda. Observe que estou segurando o lápis muito vagamente para que eu quase poderia fazer a mão esquerda aqui se eu quiser. Acho que o truque com isso é não exagerar. Basta mantê-lo solto, mantê-lo divertido, e então parar e ir para outra coisa. Da próxima vez que estiver trabalhando e não estiver indo de acordo com o plano, vá para White Over. É uma maneira muito divertida de fazer snap e brincar com os materiais. Eu só vou te levar de volta para o desenho proto porque eu quero mostrar que você não tem que fazer um branco completo todas as vezes. Às vezes é divertido usar tinta branca em seu fundo e um pouco sobrepondo seu desenho. Apenas seja brincalhão com isso. Além de alguns acidentes felizes como você vê aqui, pode ser uma maneira útil de definir as bordas do seu desenho, cortando sobre seções indesejadas de tinta. Também pode ser apenas uma maneira divertida e relaxante pronta para terminar sua sessão. Minhas melhores dicas para branco sobre são usá-lo como um mecanismo para mudar de marcha. É sobre o exercício e não o resultado. Experimente com diferentes implementos, você pode tentar lápis de cor de água, um tubo de tinta, você pode até tentar um garfo, o que vier à mão. Limpe seu implemento com um pano ou tecido entre cada traço, especialmente se você quiser manter a cor do implemento. Finalmente, divirta-se. É um processo divertido. Junte-se a mim no próximo vídeo onde veremos como a textura e a colagem podem salvar o dia. 12. : Manter uma prática criativa diária é mostrar e usar seus materiais de arte todos os dias, independentemente de como você pode estar se sentindo. Nesta última seção de demonstração, quero compartilhar sobre como criar texturas e trabalhar com colagem. Texturas são divertidas de criar porque é basicamente jogar com tinta e o que mais vem à mão. Mas também há itens valiosos para ter em sua biblioteca de desenhos, que você pode usar para aprimorar suas ilustrações ou para criar ilustrações através de colagem. Há coisas úteis para fazer quando você simplesmente não está na zona para pintar algo figurativo, ou quando o que você está trabalhando não está funcionando. Uma das maneiras mais fáceis de criar texturas é fazer fricção de folhas ou qualquer tipo de fricção textural. Estes são esfregões que são feitos na floresta atrás de sua casa, e eles realmente formam a base de uma coleção de patentes inteira. Estes são esfregões de casca de árvores nas mesmas palavras, o que cria um encantador texturas estriadas. Tudo isso, quando digitalizado e manipulado no Photoshop, pode ser realmente útil para adicionar textura às ilustrações. Quando você cria texturas, pode ser útil ter em mente o espaço positivo e negativo. Você pode colocar seu objeto neste caso, era uma folha em seu papel e depois pintar sobre ele com, por exemplo, um rolo de pintura, o que lhe dá esta linda qualidade para a borda de sua forma e então você pode jogar tinta nele como eu fiz Aqui. Há outro exemplo de belo uso de espaço negativo na textura. Outra técnica divertida para criar texturas é soprar tinta através uma palha e que lhe dá esta bela qualidade de linha sinuosa. Você pode soprar verticalmente, bem como para obter o efeito gotejamento, você pode usar escova seca e apenas jogar e se divertir. Você nunca sabe quando essas coisas estão indo para vir em útil, você pode obter um pouco mais criativo nestes exemplos estão brincando com arroz. Eu cobri minha página com tinta e então eu preso, que é um arroz em e deixá-lo secar. Isso eu tenho pressionando a página na minha superfície molhada quando o arroz ainda estava preso e tem estes adorável respingo aleatório. Aqui está outro exemplo que é realmente interessante como uma textura e algo que você não encontraria em nenhum outro lugar. O que vou fazer é digitalizar a cena e depois manipulá-la no Photoshop como parte das minhas ilustrações. A coisa a ter em mente ao fazer texturas é apenas usá-lo como uma forma de expressão. Então, não há prêmios para adivinhar como eu estava me sentindo naquele dia, mas na verdade esta é uma das minhas texturas mais úteis na minha biblioteca. Tem muitas camadas de tinta, culminando em uma camada escura. Você pode ver que eu arranhei na superfície com uma caneta ou um instrumento afiado, e então enquanto ele ainda estava molhado, eu fiz uma transferência onde você pressionar para baixo na tinta molhada e então você descascá-lo e você pode ver que eu tenho o correspondente valores negativos lá. Eles são realmente úteis quando você os manipula no Photoshop. Aqui está outra coisa que você pode fazer. Você pode misturar tinta com cola. Você pode jogar um glitter nele e, em seguida, quando você vem digitalizá-lo no Photoshop, você obtém resultados muito inesperados, e isso apenas torna sua ilustração muito mais única. Se tudo isso falhar, você pode pintar algumas listras, que são sempre úteis, e você também pode colar pedaços de papel de tecido em cola ou em tinta molhada e ele cria este tipo incomum de superfície que vir a calhar em algum momento. Se você tem um final específico em mente, então você pode pintar texturas de acordo com sua idéia. Então, neste caso, eu estava trabalhando em uma coleção africana para crianças, então eu pintei texturas todas essas cores de estilo de paisagem africana, e então eu peguei minha tesoura e cortei formas de elefante. Em seguida, você pode pegar papel de rastreamento e brincar com onde você pode querer adicionar linhas. Esta é uma ótima técnica porque você pode ver quando eu digitalizar isso e eu posso trabalhar com isso em diferentes camadas no Photoshop ou Illustrator. Aqui está outro em que você pode apenas experimentar com essa técnica sem realmente se comprometer, e isso lhe dá muito espaço para brincar e experimentação. Aqui estava eu brincando pouco com como um elefante pode estar carregando uma flor. Tudo isso é muito divertido de fazer. Para a mesma coleção, eu cortei algumas formas de árvore de papel pintado que eu criei e tentei um camaleão uma tentativa de um hipopótamo, e alguns leões. Novamente, a partir do mesmo papel pintado aqui, isso é resistência à cera, então é apenas cera de cera e depois pintar em cima e você obtém essa qualidade adorável e isso faz você se sentir como se estivesse de volta no jardim de infância, o que é sempre bom. Mesmo exemplo, cortar os mesmos papéis pintados, e depois brincar com papel de rastreamento para descobrir como eu quero que minhas girafas fiquem. Tudo isso é tão divertido e pode ser feito tão facilmente em seus 20 minutos de desenho. Só vou demonstrar como fazer algumas texturas. Esta é uma garrafa de Winsor & Newton Ink. Uma coisa divertida a fazer é derramar um pouco no seu paladar. Preciso de um novo livro de tinta, pegue seu rolo de pintura, e divirta-se vendo quais marcas você ganha. Nunca se sabe quando uma textura como esta pode ser útil e eu gosto muito do padrão aleatório que estou recebendo aqui. Outra coisa divertida a fazer é resistir cera onde você pode apenas criar marcas aleatórias e realmente se expressar no papel, e depois tomar um pouco de tinta de cor de água. Muitas vezes é desagradável usar uma cor contrastante, e esta é uma violeta multi-cor muito barata, colocar um pouco lá, pegar uma bela escova grossa, isso é delicioso, isso é bonito, e pintar sobre, e como você pode ver, a laranja brilha através tão lindamente e isso é realmente divertido e você nunca sabe quando isso pode vir a calhar. Esse é um exemplo de resistência de cera com tinta de cor de água. Outra coisa divertida que você pode fazer é ver que tipos diferentes de formas você pode obter. Este é o meu tubo de cor de água barato de tinta umber. Quando você faz texturas, basta abordá-la do ponto de vista do que eu poderia fazer com este material que eu nunca fiz antes? Ou o que eu poderia fazer com ele que é algo novo? Você obtém alguma qualidade de linha bastante interessante dependendo de quão duro ou macio você espremer o tubo. Novamente, tudo isso é muito útil para ter em sua biblioteca de imagens. Eu realmente encorajo você a ter uma chance, desafiar-se a pensar sobre o quão criativo você pode obter com seus materiais e apenas se divertir jogando. Desestresse e lembre-se de que, se você usar seus materiais para o dia, você foi bem sucedido. Outra maneira que você pode ser criativo com textura, que é uma casa de caminho entre o trabalho figurativo e o trabalho completamente abstrato, é colocar um pouco de tinta molhada para baixo e, em seguida, pegar seu lápis, e antes que a tinta tenha uma chance para secar, trabalhar nele com seu lápis. Depois, ao levá-lo para o Photoshop e o Illustrator, você pode cortar suas formas e você acaba com essas texturas inesperadas e bastante originais em seus animais ou o que quer que tenha desenhado. Eu gosto desta técnica porque ela força você a trabalhar rápido e não ser precioso com o seu desenho, mas para trabalhar rápido antes que a tinta seque. Portanto, é uma ótima abordagem para trabalhar com textura, quando você só precisa se soltar e parar de ser precioso com o que está fazendo. Então, minhas dicas principais para criar texturas são: considere técnicas aditivas e subtrativas. Em outras palavras, não é apenas camadas, mas também raspando, esfregando, você pode tentar mascarar fluido, e assim por diante. Desafie-se a encontrar novas maneiras de usar seus materiais que você nunca experimentou antes e use a criação de texturas como uma forma de expressão artística. Espero que essas seções demonstrações tenham lhe dado algumas idéias de maneiras que você pode mudar de seu cérebro de controle para seu cérebro mais expressivo e quando se trata de fazer texturas, brincar e se divertir. Junte-se a mim no próximo vídeo onde eu vou compartilhar por que é importante não ficar muito preso no sucesso de cada coisa que você desenha, e eu vou te mostrar alguns dos meus erros reais. É entretenimento. Vejo-te lá. 13. Não desanimação: Quando você desenha na zona da liberdade, você nem sempre tem um belo desenho. Isso é bom. Quero mostrar-vos alguns exemplos disso. Antes de fazer isso, estes são alguns exemplos; de desenhar na zona de tensão. Eu sabia que queria ilustrar alguns gatos e é bastante apertado, mas consegui o resultado que queria. Há outro e que eu vou montar como uma imagem composta para uma ilustração. Em primeiro lugar, você nem sempre tem que apontar para um desenho reconhecível. É absolutamente bom apenas experimentar marcas, experimentar texturas. Estes são alguns exemplos. Estes eu fiz como fundos para um padrão em que estou trabalhando. Vou isolar pequenos pedaços dele e juntá-los no Photoshop para criar uma repetição perfeita. Mas eu me diverti fazendo isso, diverti trabalhando com o jornal, fazendo as marcas, jogando um pouco de sal nele. Você pode fazer isso e pode ser igualmente satisfatório. Estas são algumas flores que eu estava experimentando com a técnica. Depois fiz uma textura e juntei no Photoshop para criar outra ilustração. Exemplos de coisas que não funcionam. A razão pela qual estou mostrando isso é porque eu não quero que você experimente esse método e então fique desencorajado. Haverá muitos dias em que você experimenta as coisas e não funciona. Eu estava tentando fazer flores. Não, não estou trabalhando. Pássaro numa poção. Não funcionou. Aqui está um exemplo de um gato que eu estava tentando desenhar com torques e com tinta molhada. Eu estava brincando com como os torques funcionam com tinta. Eu estava tentando fazer um proteo. Fiquei um pouco farto, e ficou um pouco excitado demais. Tudo isso não funcionou. Isto foi ontem à noite. Quero dizer, claramente não funcionou. Quando desenho, estou focado na qualidade da linha e aquela coisa. Eu desenho e redesenho porque nem sempre é apenas sobre a perfeição da imagem. Mas quando fiz minha avaliação da sessão, percebi que usei uma pequena divisão deste rolo. Quando eu rolei com tinta, eu tenho algumas marcas bonitas. Quando eu avaliei essa sessão, eu estava feliz com a sessão em si e feliz que eu mostrei em. O último exemplo é que eu estava tentando desenhar um gato. Claramente não funcionou. O que eu deveria ter feito naquele dia não era tentar representacionalmente, mas apenas ir para fazer amor e expressão de emoção. Precisava de pintar por aí. Isto aqui é um desenho onde eu estava desenhando algo, eu fiquei farto. Eu fiz o meu branco sobre técnica que foi bastante satisfatório, então eu peguei meu lápis HB macio grosso e desenhou para a tinta molhada. Quando olhei para ele no dia seguinte, percebi que realmente isso tinha capturado como eu me sentia na época. Eu me senti esgotado, e fazendo o desenho, ficou um pouco desse sentimento fora. Na verdade, fiquei bastante satisfeito com isso no final. Então você obtém algumas vezes em que você obtém desenhos que são parcialmente bem-sucedidos. Este pássaro foi bastante interessante, pode ser usado em uma ilustração. Um buquê que tem alguns elementos interessantes. Aborde aqui onde com um pouco de trabalho Photoshop, coisas interessantes acontecendo. Outra, isso ficou um pouco fora de controle, mas eu expressei a energia, expressei o que eu precisava para expressar naquele dia. Então de vez em quando você começa o seu um em 10 que apenas boom, funciona. Este estranho cão alienígena, fiquei satisfeito com a forma como aquele saiu. Com um pouco de processamento Photoshop poderia fazer uma peça bastante interessante. Este é o cão que eu usei muito da linha contínua, um monte da técnica da mão esquerda. Quando fiz este cão, usei a técnica do tubo. Isso foi muito divertido. Este onde eu era capaz de expressar através do desenho como eu me sentia. Minha editar as palavras pensando em você no Photoshop depois. Senti que me expressaria melhor através do desenho do que poderia ter passado por palavras ou uma mensagem escrita. É quando estar na zona da liberdade é incrível. Quando você desenha na zona da liberdade, apenas sinta-se livre para jogar, colocar as coisas em. Eu experimentei alguns botões, eu experimentei alguns, isso é tinta de tecido direto do tubo espremido. Você pode tentar um pouco de cores misturadas com tinta, você pode tentar misturar mídia. Não tenha medo de experimentar as coisas. Não tenha medo de fazer desenhos que não funcionem como desenhos. Eu estava experimentando com camadas e textura. Se eu fosse fazer minha avaliação disso, eu diria, bem, há alguma boa energia lá dentro. Há algumas camadas interessantes, há algumas linhas boas, essa coisa. Vá com calma com você mesmo. Aproveite o processo, aprecie-os fazendo, e comemore mesmo quando o resultado nas páginas não é fabuloso, porque você terá muitos falsos começos. Você terá muitos dias em que o resultado na página não é o que você esperava. Mas analise como você se sente e comemore que você fez isso e você apareceu e se divertir. Esse é o ponto inteiro. Divirta-se fazendo arte. Tivemos a teoria, tivemos as demonstrações. Agora é a sua vez de tentar. Depois de reunir seus materiais, tudo o que você precisa fazer é escolher sua imagem de origem. Eu coloquei alguns na seção de recursos, que você pode trabalhar ou você pode selecionar o seu próprio a partir de um sites livres de royalties, como Pixabay ou Unsplash. Você também pode trabalhar a partir de flores frescas ou frutas. Tudo o que você quer trabalhar como um material de origem. Então você define o alarme por 20 minutos e vai para as técnicas. É importante pausar a aula e ir agora, porque o próximo vídeo é sobre avaliação. Você precisa ter feito uma sessão de desenho para ter uma sessão para avaliar. Se você se sentir como um raivoso preso em faróis, basta baixar minha Receita de Desenho No Fear e seguir os passos. Eu recomendaria apenas fazer uma sessão de 20 minutos e sinta-se livre para tentar qualquer ou todas as técnicas. Lembre-se que é apenas uma curta sessão de desenho e realmente não importa o que você está desenhando no final. Se você se sentir confortável compartilhando o que você fez, então faça o upload de uma foto para a galeria da turma, vez que incentivaria outros a ter um ir si mesmos. No próximo vídeo, vamos ver como avaliar uma sessão de desenho. Esta é possivelmente a vantagem mais importante de toda a turma. Depois de terminar sua sessão de desenho, te vejo lá. 14. Avaliação: Quando você desenha todos os dias e usa o método de 20 minutos ou qualquer que seja o seu tempo mínimo viável, é realmente importante que você avalie sua sessão em vez de julgar seu desenho. Você não vai criar uma obra-prima todos os dias, e você não deve esperar isso de si mesmo. Você deve sentir o seu trabalho no contexto do trabalho de toda a sua vida. Você não começa sendo incrível. Você tem que fazer todos os desenhos ruins para encontrar seu estilo, e isso leva muito tempo. Para torná-lo sustentável, o que você faz tem que ser divertido enquanto você está fazendo isso. Então, independentemente do que você acaba com na página, se você usou seus materiais de arte, você tem sido bem sucedido. Porque você ganhou a batalha com a resistência para o dia. Como avaliar uma sessão de desenho. Aqui está um fluxograma que você pode usar. Coloquei uma cópia nos recursos da turma para o seu projeto. Começa com como me sinto? O que quero dizer com isso, é pensar em como você estava se sentindo antes de começar a desenhar e como você se sente depois. Você se sente melhor? Em seguida, pense sobre o porquê e considere como você pode construir sobre isso em sua próxima sessão. Se você é alguém que gosta de fazer um diário, então faça algumas anotações para que você se lembre do que fez, e que aspecto fez você se sentir melhor. Talvez tenha sido a maneira como você usou seus materiais livremente, ou talvez porque você foi capaz de expressar muita emoção. Mesmo com um desenho que para outra pessoa pode não parecer nada, se isso fez você se sentir melhor fazendo isso, então isso é algo para comemorar. Se você se sentir pior após sua sessão de desenho, então é realmente importante pensar sobre o porquê. Mas tente ignorar como é o desenho, e primeiro pense sobre qual parte do processo de desenho em si não foi divertido e como você pode mudar isso da próxima vez. Por exemplo, foram os materiais que você está usando, ou você estava trabalhando com cores quando você não estava no clima para cor? Nesse caso, da próxima vez tente materiais diferentes, ou pense em fazer um desenho de linha em vez de uma peça colorida. Para mim, mais comumente, os dias em que eu não gosto são os dias em que eu fico preso na zona de tensão, e geralmente é porque eu estou muito focado no que eu estou tentando desenhar, em vez de em como eu estou desenhando. Isso é uma coisa útil para mim saber para a próxima sessão, no dia seguinte. Se você achar que você está se sentindo pior porque você sente que você fez um desenho ruim, então a coisa a fazer é não olhar para esse desenho como um todo, mas sim olhar para o que é bom no desenho e quais bits você gostou de fazer. Talvez você tenha feito um bom trabalho de linha ou talvez você experimentou com novas marcas indiferentes, tudo isso você deveria comemorar. Porque são os pequenos passos que você faz cada vez que você trabalha que se somam a se tornar seu próprio estilo pessoal e você precisa fazer todos os pequenos desenhos ruins para permitir que todos os que você vai obter desenhos para sair. Então comemore os desenhos ruins tanto quanto você faz os bons. Comemore que você apareceu e fez o trabalho. Celebre que você está vivendo sua verdadeira vida criativa e se abrindo para se tornar um canal de inspiração. No próximo vídeo, vou falar brevemente sobre a noção de cair da carroça. Mas antes de ir para este vídeo, por favor, pause o gráfico, tire cinco minutos, avalie sua própria sessão de desenho, e publique uma foto de sua avaliação na galeria do projeto. Então, vejo-te no vídeo final desta aula. 15. Conclusão: Agora você está bem armado para lutar a batalha com resistência e para acessar sua criatividade de forma rápida e fácil e para desenhar sem medo. Você precisa abordar sua criatividade de um lugar de auto-cuidado. Você precisa separar sua arte do ego. Você tem algumas dicas para ajudá-lo a se esquivar do medo e se colocar na cadeira e começar a trabalhar. Você tem uma maneira fácil de começar um desenho e você tem técnicas específicas que você pode tentar quando você descobrir que você não está se divertindo ou você precisa acessar seu cérebro mais expressivo. Só quero falar por um segundo sobre a noção de cair da carroça. Você pode ter enfrentado um dos muitos desafios instantâneos em que você tenta desenhar por 100 dias, e mesmo que seu resultado tenha sido realmente alto, você pode ter descoberto que tornou-se difícil de sustentar e então você começou a Sinto-me mal com isso, e depois estás a tentar apanhar-te. Isso traz todo um nível de culpa e a noção de fracasso em sua prática criativa. Embora esses desafios possam ser realmente úteis como uma forma de se esforçar para desenvolver um hábito diário, acho que há muito valor em conhecer a si mesmo e confiar em si mesmo. Você se lembra dessa abordagem saudável à criatividade? Sem culpa, sem vergonha. Viver uma vida criativa significa cuidar de si mesmo e da sua criatividade; deixá-la trazer alegria e deixar que essa alegria se espalhe para aqueles ao seu redor. Vamos todos banir a culpa e a vergonha da nossa criatividade. Vamos abraçar o jogo, a experimentação e a exploração. Vamos desfrutar de desenhos expressivos e confusos que não funcionam. Vamos abraçar cuidar de nós mesmos e cuidar daqueles que nos rodeiam. Agora é hora de ficar preso no projeto da classe. Faça uma pequena melhoria seu espaço criativo e compartilhe uma foto dele na galeria de aula. Experimente as técnicas que demonstrei. Compartilhe uma foto disso se quiser. Mas, o mais importante, experimente o modelo de avaliação e carregue uma cópia disso para a galeria da turma. Se você gostou desta aula, eu ficaria muito grato se você pudesse deixar um comentário e me acompanhar no Skillshare. Isso vai garantir que você não perca a minha próxima aula e também incentivar outros a ter um ir em fazer sem medo. Se você conhece alguém que você acha que pode ser ajudado por esta classe, você pode compartilhá-lo no Instagram usando o #going sem medo. Se você quiser ver mais do meu trabalho em andamento, você também pode me acompanhar no Instagram. Eu sou @catherinejenniferdesigns. Obrigado por assistir. Agora você pode continuar experimentando essas técnicas. Mal posso esperar para ver com você na galeria do projeto. Se você ainda não postou na galeria do projeto, faça-o agora. Vemo-nos na próxima aula.