Transcrições
1. Introdução: Desenho com luz e sombra é uma classe sobre ilustração em monocromático, focando em ferramentas, como canetas de pincel e tintas. Vou ensinar um estilo de ilustração que combina desenho a tinta e pintura a tinta. Se você gostaria de aprender a técnica de criar ilustrações envolventes em tons de cinza, você gostaria de aperfeiçoar suas habilidades tradicionais, ou apenas se preparar um pouco para o próximo desafio do Inktober, esta é uma aula para você. Claro, você sempre tem a oportunidade de aplicar esse conhecimento em seu meio favorito que seja tradicional ou digital. Os princípios que vou partilhar são os mesmos. Oi. Meu nome é Barbara Bernat, sou ilustradora e designer gráfico de Budapeste, Hungria. Eu e meus amigos da universidade fundamos um estúdio de design gráfico chamado Halisten, onde trabalhamos como um grupo de freelancers. Quanto a projetos individuais, trabalhei com vários editores em livros
infantis e projetos de capa para recém-chegados. Gosto de experimentar técnicas diferentes cada vez que começo um novo livro ou uma série de livros, para que possa manter o meu trabalho fresco e explorativo. Foi assim que encontrei e aperfeiçoei o estilo que vou explicar durante essas lições. Juntos, vamos olhar através das etapas de criação de uma nova peça a partir do zero, começando com as ferramentas mais usadas, como esboçar a composição e como projetar a iluminação de uma ilustração. O progresso da arte final do esboço para detalhes de
polimento será abordado em aulas separadas. No final, você terá uma maravilhosa obra de arte própria. Você encontrará a lista dos itens que usei na descrição. Bem-vindos a esta aula. Espero que você goste.
2. Inspiração: Mas de onde vem essa ilustração em tons de cinza? Vou falar um pouco sobre minhas influências na arte preto e branco. Estou indo para a aula de arte desde a escola primária. Então, a arte gráfica tradicional, como desenho a lápis, desenho a
tinta, carvão, nocaute de linha e gravura estavam sempre perto de mim. Essas técnicas dependem mais na linha ou no tom do que na cor. Você tem que examinar o que você vê de uma perspectiva diferente. Você tem que transcrever os elementos em formas incolores. Estudos de seu entorno podem ter muito em entender como a luz e a sombra moldam nosso mundo, e esse conhecimento acadêmico pode ser construído em sua linguagem visual pessoal. Ter arte clássica deste ponto de vista é muito útil também. O segundo grande impacto pode ser o momento em que eu comecei a ler mangá e quadrinhos. Eu entrei neste mundo em uma idade muito receptiva quando eu tinha 13 a 14 anos. Era uma coisa nova, muito diferente das outras formas de entretenimento que eu conhecia na época. Claro, o gênero em si foi realmente emocionante
e, além disso, continha soluções visuais fascinantes para desenhos em tons de cinza. Os mangá são tradicionalmente preto e branco porque é mais barato produzi-los, e as publicações semanais são tão práticas programadas que o artista não poderia acompanhar se tivesse que trabalhar com cores. Essa limitação técnica resultou, eu acho, em novas formas criativas para os criadores se expressarem usando apenas luz e sombra. Em conclusão, estudar trabalhos tradicionais e consumir muitos quadrinhos foram as duas coisas que mais moldaram meu estilo em trabalhos monocromáticos. Pode-se dizer que a tinta preta é uma limitação, mas do jeito que vejo, é mais como um desafio emocionante.
3. Avaliando trabalhos: Vou mostrar algumas ilustrações em preto e branco que me
inspiram e explicar o que eu acho atraente neles. Eu acho que é muito importante ter sua própria fonte de inspiração, então eu encorajo você a
procurar algumas obras de arte monocromáticas que você gosta e
tentar examiná-los de uma maneira diferente do que antes. O que chama sua atenção? Qual é a profundidade do pensamento? É rico? Confiável? Existe mais ou menos contraste? A primeira inspiração que gostaria de vos mostrar é esta aquatint do pintor espanhol Francisco Goya, cujo trabalho em gravura também é notável. Você pode ver que sua abordagem é mais como um pintor. Ele depende fortemente da luz e da sombra para se expressar. Linework é a base, em camadas com alguns tons coerentes. Este escuro para o fundo, e outro mais leve para os elementos de primeiro plano. A única coisa que é destacada é essa figura e a coruja na frente, que imediatamente chama nossa atenção para o personagem principal. Apesar do número reduzido de tons que ele usa, ele pode criar uma dimensão cativante em sua arte. Aqui está um trabalho meu que eu gostaria de mostrar como um paralelo a esta imagem. Você pode ver que não há muito em comum entre esses dois, exceto a iluminação da imagem. Tudo é silenciado com um tom cinza escuro ou claro, exceto a figura central. O único elemento que é destacado com branco. É um truque simples para fazer sua figura sair do fundo. O próximo trabalho favorito do meu é This One Summer, um romance gráfico realmente cativante. Sua narrativa depende fortemente da ilustração. Portanto, tem a tarefa de incorporar a atmosfera das noites de verão que todos lembramos. Cada painel poderia funcionar como uma pintura independente. Colocar a luz é essencial nesta banda desenhada. Todos os fundos são expressivos. Meus favoritos são as pequenas manchas de luz através das árvores. Este é um bom exemplo de iluminação de uma sala com um personagem nele. A fonte de luz, neste caso, é uma janela que ilumina a parede oposta e o lado da figura. Você não precisa ter medo de usar grandes sombras coerentes. Como você pode ver aqui, este pequeno destaque é completamente suficiente para separar o personagem de seu ambiente escuro. Sombra escura em seu lado esquerdo cria uma linda iluminação interruptor com a parede branca atrás dela. O terceiro exemplo é um mangá favorito meu, Fullmetal Alchemist. Esta página em particular realmente ficou na minha mente porque mostra muito bem como jogar mínimo com luzes pode melhorar a monumentalidade de um ambiente. Os feixes de luz implicam uma força maior, enfatizando o topo deste antigo monumento. A imagem é pequena em contraste e a configuração é em um deserto, então tudo é cinza claro ou branco, tornando toda a atmosfera etérea. O personagem em si também é branco, exceto para a parte inferior, que é preto puro. Isso ancora nossa visão apontando-o, mas também não arruinando todo o olhar branco desta imagem. O outro painel que eu queria mostrar deste mangá é uma cena noturna, onde o protagonista espionava uma conversa. Esta é a minha ilustração onde estes dois personagens estão escondidos. Ele usa uma iluminação semelhante. As figuras são escuras, escondidas por sombras. A fonte de luz é o lugar onde a ação real acontece. Os personagens são iluminados ligeiramente a partir desta fonte, mostrando sua conexão com os eventos, implicando que eles estão participando passivamente neles. Este é um exemplo de como a iluminação pode ser parte da narrativa. Agora sinta-se livre para procurar alguns trabalhos você mesmo e analisar a iluminação um pouco. Essas observações irão ajudá-lo a determinar o que você acha agradável em uma imagem e aprender maneiras de alcançar um efeito semelhante em seu trabalho. entanto, é sempre fundamental inspirar-se em mais de uma fonte, para você
possa evitar copiar o estilo distinto de alguém. Se você estiver pronto, podemos passar da inspiração para configurar nossas ferramentas de ação.
4. Ferramentas: Nesta lição, vamos percorrer todas as ferramentas que você precisará para desenho e pintura a tinta. Eu vou falar sobre diferentes ferramentas de tinta, tais como canetas de desenho, canetas de
mergulho e canetas de escova. Eu também vou mostrar-lhe minhas tintas preferidas e papel para ilustrar. Esta técnica não requer ferramentas muito especiais ou caras. Claro que todos têm suas preferências. Eu encorajo você a experimentar diferentes marcas e usar o que é o mais adequado para o seu próprio estilo único. Todas as tintas e canetas que estou usando aqui são à base de água e resistentes à água após a secagem. Prefiro usá-los porque assim a arte da linha não vai manchar. É mais fácil camada de tinta se necessário e, no final, o resultado é mais permanente. Se você preferir tintas à base de água e não à prova d'água, você pode trabalhar com elas, é claro, pois elas podem produzir resultados semelhantes. Vamos começar com o jornal. O papel para pintura a tinta deve ser mais espesso. Ele precisa ser capaz de absorver a umidade sem ficar muito ondulado. Para isso, a espessura que você precisará deve ser de pelo menos 200 gramas. Uso papel da Fabriano Accademia. É um papel fino projetado para desenho, mas é adequado para desenho de tinta e pintura de tinta também. Tem uma textura natural leve, mas no geral, é um papel liso. Se você gosta de adicionar alguma textura à sua ilustração, há muitas opções de papel com uma superfície mais grossa para experimentar. A maioria dos papéis de aquarela são perfeitamente adequados para esse propósito. Para o trabalho de linha, você tem muitas opções diferentes. Primeiro, vou falar sobre desenhar canetas. Estas são realmente precisas, canetas resistentes à
água que vêm em muitas espessuras diferentes. Eu realmente gosto de canetas Sakura Micron porque eles são ricos em pigmento mesmo depois de apagar sobre eles um pouco. Você pode criar um trabalho de linha realmente preciso e detalhado com estes, mas você provavelmente precisará de mais de um tamanho. Tinta com canetas de mergulho usando nomes diferentes é a mais antiga das técnicas. Também pode ser o mais complexo. Você não precisa apenas usar a quantidade certa de tinta ou a quantidade certa de pressão e o ângulo certo. Não é tão difícil como parece, mas certeza requer mais prática do que as outras técnicas. O que eu gosto em pintar com uma ponta é a natureza mais rústica do trabalho de linha. Tem pequenas imperfeições, mas as linhas podem ser muito dinâmicas ao mesmo tempo. A minha preferência por pontas é a chamada ponta de pena de corvo. É realmente flexível, perfeito para desenhar em estilo cômico. Pode produzir linhas grossas e finas. A ferramenta que eu fiz para mim com esta ponta é na verdade um pincel. Eu apliquei na extremidade da alça, então eu só tenho que girá-lo se eu quiser mudar rapidamente da tinta para a pintura. Hoje em dia, as ferramentas mais confortáveis para mim são canetas de escova. Eles são fáceis de manusear, a linha torna-se variável com apenas ajuste de pressão. Eles não mancham e você não tem que esperar que o trabalho de linha seque. Minha marca favorita é a caneta de escova Tombow Fudenosuke. Ele vem em um conjunto de dois com pontas duras e macias. Eu uso a ponta suave para a maior parte do trabalho e a dura para os detalhes mais finos. Quanto à tinta, vou mostrar a técnica para a tinta da Índia. Forma uma camada impermeável em seu papel após secagem e não pode ser misturada depois. Eu tentei muitas tintas diferentes ao longo dos anos, meu favorito atual é deleter tinta preta Número 4. É à prova d'água como eu mencionei e preto extra escuro. É fácil criar dimensão com seus espinhos de mergulho. O que também vamos precisar para a parte da pintura são alguns pincéis de diferentes formas e espessuras. Eu prefiro escovas naturais mais suaves para esta técnica, mas se você tem gosto diferente, você pode usar qualquer escova que você está confortável com. Lembre-se, tintas à prova d'água podem secar em seu pincel, então use uma que você não use para qualquer outra coisa ou lave rapidamente após cada fase. Para esboçar, vou usar um lápis mecânico simples com 2B feito. Isso é totalmente com você também. A única dica para esta parte que eu posso dar é que é melhor usar um lápis mais suave para que o esboço possa ser facilmente removido e não deixe uma marca permanente no papel. Ou se você usar uma pressão mais leve com seu lápis, isso também é bom. Apagar pode ser complicado. Você precisa de uma borracha que não mancha ou mancha as partes limpas do papel quando usado. Para mim, o que funciona melhor é a borracha de borracha espontânea de plasticidade. Ele não deixa migalhas de borracha quando você usa,
ele pega o grafite, você tem que limpá-lo um pouco depois de usar para que ele se torne homogêneo e não mancha seu papel. As únicas outras coisas necessárias são as seguintes: um grande copo de água para lavar e tornar o seu tom mais leve, um lenço ou um tapete para limpar as escovas e as pontas da caneta, uma bandeja de plástico ou metal para diferentes misturas de tons de sua tinta, e uma folha de papel para testar antes de entrar. Fita de mascaramento e uma placa de madeira também podem ser úteis, mas não são etnicamente necessárias. Agora temos tudo o que precisamos para esta jornada. Vamos experimentar as ferramentas.
5. Testando as ferramentas: Agora, eu vou demonstrar como as ferramentas realmente funcionam em uso testando-as separadamente, e eu estou desenhando um pequeno desenho de teste também. Esta é uma caneta de desenho de 0,2 pontas ou caneta de ponta de pino. Você pode ver que deixa uma marca muito fina. 0.3 e 4 dicas são um pouco mais pesadas, mas não muito. Estes são os mais confortáveis para mim. Como você pode ver, o trabalho de linha é realmente bom, mesmo, e não muda muito na pressão. A ponta da pena de corvo é a minha preferida. Pode conter muita tinta e é muito flexível,
portanto, brincalhão com a espessura. Dependendo do ângulo que você
usá-lo, ele pode produzir diferentes texturas. As linhas mais leves são quase tão finas quanto a caneta de desenho à esquerda. A outra ponta que usei aqui é chamada de ponta abreviada. Muito semelhante em resultado, mas então é muito mais rígido. É melhor para linhas finas. O desenho de linha com a caneta de pincel Tombow parece bastante semelhante às canetas profundas. Quase pode replicar o efeito. A tinta nunca pode ser tão grossa como a marca da caneta profunda, mas a textura e a natureza das linhas são bastante semelhantes. Talvez um pouco mais suave, mas também muito mais fácil de manusear se você começar a pintar. A ponta dura também tem uma boa flexibilidade para ele. Gosto tanto que também o uso para escrever na minha vida cotidiana. Pintura com tinta nos dará a aparência final da obra de arte. O tom pode derivar do preto mais rico para o mais leve dos tons, dependendo de quanto você o dilua. Com este toque rápido, vou mostrar-lhe as ferramentas que escolhi para a minha arte final. Você pode escolher qualquer outra coisa que seja confortável para você. Vou usar uma caneta para a arte da linha. Eu gosto de usá-lo de forma solta sem fechar todas as lacunas nas linhas. Os tons serão pintados com tinta. Gosto de misturar os meus tons num pedaço de papel. É fácil adicionar água a uma sombra previamente misturada ou simplesmente mergulhar em um pouco mais de tinta se precisar de algo mais escuro. Você pode testá-lo diretamente antes de entrar em seu desenho. Para o cabelo, escolhi uma sombra cinzenta. As sombras faciais serão um pouco mais leves para um efeito mais suave. No final, adicionei algumas listras mais escuras para criar um pouco de contraste. Vá em frente e experimente suas ferramentas. Veja como eles trabalham juntos. Você pode fazer qualquer tipo de esboço pequeno. O ponto é ver como os materiais se comportarão em seu papel.
6. Ideias de miniatura: Agora estamos tecnicamente preparados para começar nossa ilustração. Mas como começar? Se você tem uma idéia específica em mente sobre o que você quer desenhar durante esta aula, isso é realmente ótimo. Você pode ir com ele. Se não tem certeza, vou dar algumas idéias. Eu sugiro que você escolha um tema com pelo menos um personagem e o ambiente mínimo. Colocar seu personagem no contexto ajuda muito a projetar a iluminação. Se for demais pela primeira vez, você pode desenhar uma única figura ou um objeto para experimentar essa técnica e passar para uma peça maior mais tarde. Aqui estão algumas ideias. Andando na floresta com um cão, ouvindo música em uma estação de ônibus à noite, plantando tulipas no jardim, desenhando em sua mesa, um gato andando de bicicleta. Vou escolher desenho na sua mesa. É um tópico fácil e aqui está o porquê. Você não tem que se estressar muito sobre o ambiente ou o personagem, você pode trabalhar com material que você está familiarizado com. Seu espaço de trabalho está cheio de objetos aleatórios e elementos de fundo, então você não precisa fazer pesquisas extras. Se você basear um personagem em si mesmo ou em um personagem que você desenha regularmente, isso também pode ser uma facilitação. Desta forma, você pode concentrar a maior parte de sua energia nos aspectos técnicos. Esta é a minha primeira composição numa miniatura. Miniaturas são boas porque você pode desenhar formas ásperas. Você não precisa se perder nos detalhes. Muda o foco para as ideias em si, em vez de fazê-las parecer bonitas. Na minha experiência, eu instintivamente desenhar melhores proporções neste tamanho pequeno, talvez porque eu vejo a arte completamente. Eu também gosto de estabelecer para o preto aparecerá no meu desenho neste ponto. Vamos começar um novo de um ponto de vista diferente desta vez. Neste espaço, basta largar tudo o que está em sua mente. Não tenha medo de desenhar um novo esboço e outra vez até sentir que está certo. Não apague nada. Se você não gosta de algo, basta repassar com seu lápis ou começar um novo. Acho que vou incluir a lâmpada e o feixe de luz. Então marquei no meu esboço. Gosto muito mais deste ponto de vista. Há alguns objetos que eu estou pensando em incluir, então eu rapidamente desenhei-os ao lado da minha miniatura. Decidi continuar com esta composição, mas quero mudar as proporções dela. Eu quero fazer a personagem menor, então há um espaço maior acima da cabeça dela para o meio ambiente. A ideia é ficar clara na segunda vez. Agora já descobri a minha última peça. Como nota ou lembrete para mim, esboceei mais alguns elementos de fundo que quero usar com um pouco mais de detalhes desta vez. Incluirei minha lâmpada com certeza, algumas plantas e imagens na minha parede. Isso é o suficiente para eu começar. Se você estiver pronto, você pode passar a esboçar sua idéia um-para-um em seu artigo escolhido na próxima lição.
7. Esboço: Aqui está o meu trabalho preparado para a ilustração. Eu marquei as bordas do desenho em um quadro, mas você não tem que fazer o mesmo se você preferir desenhar livremente. Vou copiar minha miniatura para a tela, olhando para ela de tempos em tempos. Se você ainda não está confiante, ou apenas gosta de recriar sua miniatura com a maior precisão possível, você pode digitalizar, ampliar e imprimir para traçar com uma lightbox ou no vidro da janela. É importante mencionar neste ponto que eu vou
rever este esboço em particular com a minha tinta final mais tarde. Estou começando com as partes mais distintas da minha composição, que neste caso é a linha horizontal da mesa. Colocar a figura é o próximo. Em seguida, o feixe de luz da lâmpada, criando um triângulo que define a tensão da imagem. Depois que seus principais elementos estiverem no lugar, você pode passar a esboçar mais detalhes. Prefiro começar com meu personagem e seu entorno mais próximo. Você pode ver que estou usando mais linhas para procurar minha forma final. Gostaria de ver minhas melhores opções antes de finalizar o trabalho de linha. É melhor usar linhas suaves para que eles não sejam afiados em seu papel mais tarde. Eu não estava feliz com a forma como esta cadeira acabou, então eu a apaguei completamente e desenhei uma nova. Só apago pontos que quero redesenhar. Eu sempre trabalho em meus assuntos principais no início, para ver se eu estou confiante com meu esboço ou se eu deveria começar de novo. Estou feliz com como isso acabou, então estou indo para o fundo. O café é muito importante, claro. Alguns elementos de fundo maiores devem ser colocados agora. A prateleira, o monitor e a moldura na parede. Você pode entrar em mais detalhes o quanto quiser. Eu gosto de ficar com o esboço áspero mais, porque tecnicamente eu vou reconstruir minha arte linha a partir dele. A arte da linha pode ser mais solta e livre se as linhas vêm da memória muscular, não diretamente de traçar uma marca pré-desenhada. Você tem que confiar em suas mãos nessa. Se você encontrou a curva perfeita em seu esboço, você vai encontrá-lo com sua caneta também. Eu edito alguns detalhes finais do meu esboço. É hora de passar para a arte da linha.
8. Traços: Tenho o meu esboço aqui pronto para ser pintado. O que vou fazer a seguir pode parecer extremo,
mas funciona muito bem para mim. Vou pegar minha borracha de plasticidade e apagar a maior parte do meu esboço para que apenas uma marcação leve seja visível no papel. Tenho trabalhado assim há muito tempo. Este método ajuda-me a manter a minha linha de arte fresca. Se isso parecer demais e você quiser manter seu esboço, você pode pegar outro papel para tinta usando uma caixa de luz para rastreamento. Comecei a apagar de forma muito leve e cuidadosa. As marcas de lápis não devem desaparecer completamente porque serão sua ajuda para a arte da linha. Este tipo de borracha é o melhor para tal apagamento suave. É facilmente limpa e absorvente, e não deixa resíduos para trás. Agora, este esboço desbotado realmente leve está preparado para ser pintado. Estou começando com minha caneta escova mais macia porque tem um golpe mais ousado. Eu uso mais pressão sobre as linhas, que eu sei que será em uma área sombreada como o fundo da mesa ou a cadeira. Com um toque mais leve, também
posso produzir linhas mais finas. Para o rosto, mudei para a outra dica para um resultado mais preciso. Eu mencionei antes que eu gosto de trabalhar em meus personagens primeiro. É verdade aqui na fase de tinta também. Eu gosto de fazer as partes mais importantes
no início para tirar a pressão do caminho rapidamente. Se meu personagem parece bem, eu posso passar para o ambiente, e ainda usar a caneta mais espessa para as linhas principais. Às vezes adiciono algumas sombras ao fundo dos objetos para tornar a minha arte de linha mais interessante. Quando todos os elementos essenciais são feitos, eu estou mudando novamente para uma caneta mais fina para que eu possa adicionar detalhes ao meu trabalho de linha. Eu usá-lo para coisas que eu quero menos ênfase em como a imagem moldura na parede ou alguns fios mais no cabelo. Quando você está trabalhando na tinta e usa um curso de luz variável, assim como eu, é importante pensar em fontes de luz desde o início do processo. As partes onde os objetos lançam sombra podem ser mais espessas e as partes iluminadas podem ser mais leves, ou em alguns casos, quando você quiser expressar o quão forte é a sua luz, a arte da linha pode desaparecer completamente. Isso é o que eu estou fazendo aqui com as listras do suéter dela já que eu sei que eu quero que minha lâmpada seja a principal fonte de luz desta imagem. Eu não vou conectar as linhas com a borda da figura, apenas deixá-las abertas para as partes leves. Alguns toques finais de polimento e está pronto. Mas antes de
pintarmos com tinta, vamos testá-lo primeiro.
9. Teste de tons: O que fazer se você não tiver certeza sobre a iluminação do seu desenho. Aqui está um truque útil. Você pode digitalizar sua arte da linha de chegada e imprimir mais versões pequenas ao lado da outra. Agora, você tem algumas páginas do livro para colorir que você pode preencher, sem ter muito medo das conseqüências. Eu tenho uma idéia bem clara sobre como eu quero iluminar esta cena, mas eu vou mostrar mais alguns para demonstrar como o resultado pode ser
diferente dependendo do humor que você aponta para. O primeiro vai ter uma iluminação mais suave, talvez algo como uma tarde chuvosa. A luz é suave e difusa. Não há sombras enormes. Estou destacando minha figura escurecendo seu ambiente, assim como o exemplo que mostrei na Lição 3. O segundo vai refletir minha ideia original. Eu queria iluminação noturna para isso. Tudo é escuro, e a fonte de luz é o feixe que vem da lâmpada. A frente do personagem é, portanto, iluminada, mas suas costas também são escuras porque a luz não pode chegar atrás dela. As partes mais escuras serão as sombras debaixo da mesa e da prateleira. Vou escurecer estas plantas à esquerda também para equilibrar as sombras pesadas no fundo. Embora na realidade o nosso monitor seja preto, vou adicionar apenas uma sombra clara
à parte iluminada para enfatizar o brilho proveniente da lâmpada. Para a terceira, estou tentando iluminar a luz da manhã dela. A fonte de luz, neste caso, é uma janela à esquerda. Tudo tem uma sombra de elenco mais escura e característica à direita. Mas, no total, a sala é brilhante. Nada é muito escuro, apenas as partes onde a luz não pode alcançar. Agora, estou pronto com os três. Compare os testes um pouco. Olhe para as diferenças e as coisas que eles têm em comum. Você pode ver como diferentes efeitos uma imagem pode ter com algumas pequenas alterações. São todos caminhos possíveis a tomar, mas vou ficar com este no meio. Gosto do contraste e das possibilidades que ele tem. Também é melhor para demonstrar várias técnicas de sombreamento, então vamos continuar com essa. Você pode usar esta folha como referência enquanto estiver trabalhando na peça final. Confie em mim, isso vai ajudar muito em nossos próximos passos.
10. Preto: Para este passo, você precisará do seu frasco de tinta e alguns pincéis. Vamos pintar as partes pretas puras do tom primeiro, para ver o equilíbrio da imagem. Pense nessas manchas pretas como a extensão da sua arte de linha. Agora, de acordo com
o meu teste de tom, as partes pretas para mim serão o fundo da mesa, a sombra debaixo da prateleira, e as folhas da planta à esquerda. Vamos ver. Eu comecei no canto inferior direito, que não foi a melhor escolha. Você pode manchar a tinta molhada com a mão se você pintar nos cantos superiores depois disso. Eu sugiro que você comece a trabalhar no canto superior esquerdo se você é destro, e o oposto se você é canhoto. Para evitar manchas, agora não posso tocar no papel com minha mão de pintura, o que é muito difícil. Eu também adicionei algumas sombras pretas ao cabelo e aos lados das molduras, sempre mantendo minha fonte de luz em mente. Você pode pintar sombras menores onde quer que pareça certo. Pintura com tinta nos dará a aparência final da obra de arte.
11. Pintando com tinta: Chegamos à fase final e mais emocionante da nossa ilustração. Vamos pintar tons escuros agora. Vou pegar minhas miniaturas de teste de tom e colocá-lo em algum lugar dentro para que eu possa verificar meu plano quando necessário. Preparei algumas diluições diferentes de tinta na minha paleta. Eles são muitas vezes referidos como lavagens. Todos eles contêm cada vez menos quantidades de menos preto. É melhor testá-los em um pedaço de papel antes de começar porque a tinta ficará mais leve após a secagem, para que você só possa ver o resultado depois de estar completamente seco. Eu gosto de usar uma folha de papel como paleta, então eu vou usar esses pequenos testículos para misturar. Antes de começar, você pode proteger seu papel em uma placa com fita adesiva se quiser que o resultado seja mais direto. Estou bem com um pouco de ondulação, então vou pintar assim. O princípio mais importante a ter em mente enquanto você pinta, luz e sombra é primeiro, a cor é secundária. Para o fundo, vou escolher um pincel mais espesso que ocupa mais tinta. Vou pegar meu tom cinza médio e entrar com este pincel. Este é molhado no método seco onde o papel está seco e minha tinta está molhada. Desta forma, as bordas dos pincéis permanecem nítidas. Eu pinto toda a superfície com o meu tom escolhido rapidamente antes que as bordas do meu patch sequem. Uma vez que sua tinta secou, você não pode criar uma superfície lisa ou misturá-la passando por cima dela. Mesmo se você usar o mesmo tom exato, a tinta previamente seca criará uma pequena borda dura. Depois que toda a superfície é pintada, estou escurecendo a parte inferior da minha imagem por uma técnica de lavagem graduada. É um método molhado sobre molhado desta vez. Estou pegando tinta mais escura com meu pincel e indo para a área pré-pintada ainda molhada. A tinta escura desaparecerá gradualmente para o tom mais claro. O valor do seu gradiente dependerá da profundidade de tom que você escolher usar. Eu adiciono um pouco mais escuro em alguns lugares. O próximo é o meu personagem. Vou escolher um tom semelhante ao de fundo e pintar toda a figura, exceto as bordas destacadas. Não tenha medo de sombrear o rosto, é parte do corpo também. Ficaremos muito mais naturais se você pensar
nisso como um objeto que recebe luz de uma direção específica. Vou adicionar um pouco de tinta escura na parte inferior, como antes. Se você olhar para o quadro agora, você pode ver que ele está mais ou menos feito, mas ele precisa de um pouco mais de polimento. Agora, vamos entrar em detalhes menores com um pincel mais fino. Até este ponto, a regra principal era pintar com sombra. Agora, podemos começar a prestar atenção às cores em sombras de elenco menores e destaques. A planta é verde escuro, então eu estou pintando as folhas sombreadas escuras, e as que estão no feixe um pouco mais claras. Estou fazendo o mesmo com o monitor. Tecnicamente deve ser preto, mas as partes iluminadas serão cinza. Esta imagem na parede, que também é muito escuro, mas uma vez que é um elemento de fundo, eu vou manter o contraste baixo. Uma parte interessante é pintar as listras do suéter. Eu quero adicionar listras mais escuras, mas eu só vou preenchê-lo até chegar à borda da nossa sombra principal. Ao fazer isso, percebi que quero adicionar mais sombras na perna e na mesa, então uso essa sombra do meu pincel nessas áreas. Agora, eu quero continuar minhas listras escuras no destaque, então eu escolhi um tom muito claro para ele. Se acontecer demais,
assim como para mim agora, assim como para mim agora, você pode pegar um pouco de tinta com um tecido brilhante ou uma escova de grade até que seu pincel esteja molhado. Isto é apenas o suficiente. Terminei as listras de luz em todos os lugares de acordo Toda a minha obra de arte está quase seca. Eu ainda posso ver algumas partes que não são escuras o suficiente, então eu vou apenas usar um pouco mais de tinta lá. Agora que as listras secaram, percebi que quero mais contraste lá, então vou pintar sobre elas novamente. Muito melhor. Você pode pintar sobre a sua grelha, se quiser. Você terá bordas duras se a base estiver completamente seca e mais macia se ainda estiver molhada. Isso depende do seu gosto e do efeito que você deseja alcançar. Alguns toques finais e está acabado. Não tenha medo se seu trabalho parecer diferente. A tinta é um meio tão versátil que todos têm sua própria maneira única de usá-lo. Só leva tempo e prática para vir acima com o seu e ser incrível nisso. Aguarde até que sua arte seque completamente e esteja pronta para ser digitalizada e compartilhada.
12. Considerações finais: Muito obrigado por ter assistido à minha aula. Espero que tenha gostado e achado útil. Se você tiver quaisquer pensamentos ou perguntas, eu adoraria discuti-los com você, então sinta-se livre para compartilhar. Estou muito orgulhosa de você por andar pelos degraus comigo. Lembre-se, você pode começar pequeno. Você não tem que fazer nada grande pela primeira vez. Se você continuar praticando, você vai ficar melhor cada vez e eu tenho certeza que você vai criar obras de arte surpreendentes. Mal posso esperar para ver o que você inventou. Certifique-se de compartilhar e enviá-lo para a galeria. Muito obrigado por se juntar. Espero vê-lo da próxima vez.
Barbara Bernat, Illustrator
