Vom Anfänger zum fortgeschrittenen Filmemacher: 5 Dinge, die man wissen muss | Dandan Liu | Skillshare
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De realizador de filmes iniciante a intermediário: 5 coisas que precisa saber

teacher avatar Dandan Liu, Filmmaker | Contemplative Creative

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Aulas neste curso

    • 1.

      Introdução ao curso

      0:56

    • 2.

      Perfis de imagem

      2:17

    • 3.

      Distâncias focais

      3:14

    • 4.

      Filmar pensando na edição

      1:52

    • 5.

      Movimento da câmera fluido

      1:23

    • 6.

      Iluminação

      12:05

    • 7.

      Bônus: LUTs

      1:29

    • 8.

      Obrigada!

      0:36

    • 9.

      Sneak Peak

      0:41

  • --
  • Nível iniciante
  • Nível intermediário
  • Nível avançado
  • Todos os níveis

Gerado pela comunidade

O nível é determinado pela opinião da maioria dos estudantes que avaliaram este curso. Mostramos a recomendação do professor até que sejam coletadas as respostas de pelo menos 5 estudantes.

4.809

Estudantes

2

Projetos

Sobre este curso

Sente como se você tivesse dominado os conceitos básicos do cinema, mas quer se mudar para o próximo nível?

Este curso guia cineastas iniciantes que fizeram pelo menos 1 projeto de filme para o nível intermediário. Ele fornece os tópicos essenciais que você precisa para aprender e praticar para fazer essa transição, com mini-tarefas criativas para ajudar a chegar lá.

Todas essas técnicas vêm de trabalhar no campo na indústria cinematográfica.

O que você vai aprender:  

  • Como aproveitar o intervalo dinâmico da sua câmera para uma imagem mais cinematográfica
  • Como as distâncias focais afetam outros fatores-chave, como profundidade de campo, compressão de distância e estabilização de imagem.
  • Como fotografar para a edição
  • Como criar movimento de fluido para sua câmera
  • Como iluminar uma cena
  • Como usar LUTS para classificação de cores aprimorada

ENTREGA

No final deste curso, você terá um plano de ação concreto com 6 técnicas aplicáveis que você pode usar no seu próximo filme, para levar seu filme para o próximo nível.

Conheça seu professor

Teacher Profile Image

Dandan Liu

Filmmaker | Contemplative Creative

Top Teacher

Hi there! I’m Dandan, an Emmy award-winning filmmaker and contemplative creative living in Italy. 

As a self-taught filmmaker, I love foraging for unique stories around the world that illuminate the interconnections among us. I started making films while on a 4 year journey living in monasteries around the world. One film led to the next, and after persevering for many years, I found myself working full time on film crews and streaming my films on Roku, Apple TV, museums, trains, and airplanes. 

My highest work is helping others craft an authentic, creative, and mindful life- your unique work of art. I believe that knowing who you truly are is the foundation for flourishing in every area of life. So, I founded Unravel, a playful journ... Visualizar o perfil completo

Level: Beginner

Nota do curso

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Transcrições

1. Introdução ao curso: A grande coisa sobre aprender filmagens on-line é que você tem a liberdade de projetar seu próprio caminho de aprendizagem. No entanto, como eu pessoalmente experimentei por tomar este caminho eu mesmo, às vezes é mais desafiador se você não está matriculado em uma escola de cinema, deve saber quais os passos a tomar em seguida para avançar para outro nível. Então, se você se considera um cineasta iniciante e sentir que você dominou os conceitos básicos da produção de filmes, eu projetei este curso para ajudá-lo a chegar ao nível intermediário. Vou compartilhar cinco coisas que considero central para fazer a transição do iniciante para o cinema intermediário. As mini atribuições para cada tópico estão incluídas para ajudar você a fazer a transição. Vamos começar. 2. Perfis de imagem: Número 1, perfis de fotos. Você provavelmente já conhece o alcance dinâmico de sua câmera, que é a quantidade máxima de tons entre o branco mais largo e o escuro mais escuro que sua câmera pode capturar. É por isso que câmeras como o Arri Alexa são tão caras e procuradas. Essas câmeras têm um alto alcance dinâmico, que significa que seus sensores são capazes de capturar diferenças mais sutis na luz, levando a uma imagem mais cinematográfica. Mesmo que você não tenha uma câmera de cinema digital vermelha, ou uma Arri Alexa, você ainda pode aproveitar o alcance dinâmico máximo de sua câmera, filmando com o que é chamado de um perfil de imagem plana. Tenha em mente que você faz isso, você terá que fazer alguma classificação de cores depois. Para fazer isso, encontre seus perfis de imagem, ou também conhecida como guia Estilos de Imagem no menu da câmera e passe por cada um deles. Serão nomeadas coisas diferentes dependendo de qual câmera você está usando. Os perfis de imagem comuns incluem log S, CineStyle e log V. Confira o PDF do gráfico de perfis de imagem na guia projetos, que combina os perfis de imagem com a marca da câmera. Ao escolher um perfil de imagem simples, você verá que a imagem parece sem brilho. Isso é para que a câmera possa reter a maior quantidade de informações em sua imagem para que você possa realmente encontrar coisas de cor quando você classificar as cores. Se você não tem tempo para fazer a classificação de cores, eu gosto de tomar a regra do meio, que é encontrar o perfil de imagem natural e diminuir a nitidez, saturação, contraste e redução de ruído um pouco. Acho que isso também pode tirar o vídeo que olhamos e fazer suas filmagens parecerem mais orgânicas, como o filme. Sua tarefa é passar por sua câmera e encontrar o perfil de imagem plana. Se houver mais de um, faça alguns experimentos, fotografe algumas imagens, revise-as e encontre o que funciona melhor para você. 3. Distâncias focais: Segundo, compreender as diferenças entre distâncias focais. Você provavelmente já sabe que diferentes distâncias focais de suas lentes lhe dão diferentes campos de visão. No entanto, as distâncias focais também podem afetar outros fatores críticos, como profundidade de campo, compressão e estabilização de imagem. Vamos falar sobre esses três. Primeiro, com profundidade de campo. Quanto mais longa a lente, mais superficial será a sua profundidade de campo. Em outras palavras, mantendo sua parada F e distância para o assunto constante, com uma lente mais longa, você terá um fundo mais desfocado. Isso também significa que, com uma lente mais longa, é mais fácil para algo ficar fora de foco. Da próxima vez que você estiver escolhendo lentes, use esse poder criativo de compartilhamento de conhecimento. Se você estiver querendo uma profundidade de campo mais rasa, tente usar a lente mais longa se os quadros forem bem cena. Em seguida, vamos ver como a distância focal afeta a compactação de uma imagem. Com uma lente mais larga, você verá que as distâncias entre o objeto em primeiro plano e o fundo são ampliadas em comparação com a distância percebida ao fotografar com uma lente mais longa. Se você atirar com uma lente larga, você pode distorcer o rosto onde o nariz e o primeiro plano saem e as orelhas são puxadas para trás. Isso foi usado para criar um efeito cômico em um famoso filme Amelie, onde seu rosto foi filmado com uma lente de 35 milímetros. Uma lente de 85 milímetros em contraste, é conhecida como uma lente de beleza porque é vista na indústria como uma das lentes mais lisonjeiras para rostos. Da próxima vez, tenha em mente esta compressão de distância ao escolher lentes. Por exemplo, nesta sessão, eu queria que o ator se sentisse mais perto do espelho, então escolhi uma lente mais longa. Use a escolha da lente como fizeram com uma Amelie para servir sua história. Finalmente, vamos falar sobre como a distância focal afeta a estabilização da imagem. Porque você sabe agora que quanto mais longas as lentes, mais rasas a profundidade do campo, mais fácil será para algo sair do foco. Se você está fazendo o tiro em movimento portátil, eu recomendo fazê-lo com uma lente larga. Eu acho que a melhor maneira de entender a distância focal holística e realmente obtê-lo sob sua pele é fotografar com uma lente principal até que você realmente entenda. Sua tarefa é pegar os primos que você tem, talvez até emprestá-los de alguns amigos e atirar em um rosto da mesma distância com todos eles. Em seguida, compare e contraste a forma como o rosto parece nítido a partir desses diferentes distâncias focais. Publique suas fotos na página de projetos para que seus colegas também possam ver a diferença. 4. Filmar pensando na edição: Terceiro, filmar para a edição. Embora essa mentalidade possa levar tempo para se desenvolver, você pode começar a adquiri-la agora. Fotografar para a edição significa ter uma ideia de como a história será exibida na edição quando você estava filmando. Mesmo que você não saiba o que vai acontecer, talvez você esteja filmando um documentário, pelo menos tenha em mente e fique atento a potenciais tomadas de estabelecimento, fechamento, transições e outros tiros que ajudarão a tornar sua edição mais Suave. Não adivinhe e atire em tudo. Pense criticamente e o que eu gosto de chamar criticamente sentir e decidir os tiros que você está recebendo. A melhor maneira que conheço para [inaudível] essa mentalidade é estabelecer limites. Você tem duas opções para esta tarefa, a primeira é filmar um curta-metragem com apenas um cartão de memória de 16 gigabytes. A segunda opção é se você tem uma câmera Polaroid e filmar um storyboard completo com apenas um pacote de Polaroid. Em seguida, publique seu filme ou seu storyboard na página de projetos para que seus colegas possam aprender com seu projeto e se inspirar. Outra ótima maneira de desenvolver essa mentalidade é assistir seu filme favorito com o som desligado. Veja criticamente a sequência de tiros e a função de cada tiro, veja como eles servem a história. Fazer isso ajudará você a entender intuitivamente quais tipos de tiros são necessários para contar uma história convincente. 5. Movimento da câmera fluido: Quarto movimento de câmera. Nesta fase, você provavelmente, pode configurar um tripé com os olhos fechados. O próximo passo é aprender a criar movimentos fluidos de seus tiros com um cardan. Se você não tem um cardan, não é hora de ser engenhoso e chamar amigos de amigos ou chamar uma casa alugada e pedir-lhes para ensiná-lo. O cardan clássico é um ronin, mas acho que eles são muito pesados para uso DSLR e muitas vezes exigem outra pessoa para ajudar a se concentrar. Em vez disso, se você está filmando com um alarme de Geoff regular, eu recomendo, o Pilotfly H2, que é mais leve e me permite correr e puxar o foco ao mesmo tempo. Seja qual for o cardan que usares, os princípios são os mesmos. Você vai ter que aprender a equilibrar sua câmera nela e aprender a controlá-la. Acredite em mim, conhecer a habilidade realmente vai diferenciá-lo do cineasta iniciante e aumentar o valor de produção do seu filme. Apenas certifique-se de que você está usando o cardan com propósito e não apenas porque os tiros olhar legal. 6. Iluminação: Quinto, iluminação. Este foi o aspecto mais intimidante do cinema para mim. Mas é realmente essencial aprender a controlar como cineasta intermediário. Há milhares de tutoriais sobre iluminação lá em cima. Mas se eu tivesse que projetar o currículo de iluminação primeiro, eu aprendi sobre tipos de luzes LED, então eu aprendi sobre moldar a luz e, finalmente, eu aprendi sobre jogar com a temperatura de cor. A única maneira de realmente aprender, no entanto, é brincar com essas luzes você mesmo. No entanto, para começar, os vídeos a seguir lhe darão uma boa visão geral de todas essas três áreas. Primeiro, vamos conferir um vídeo de meus amigos na abertura, que deu uma ótima visão geral sobre as categorias de luzes LED. Da mesma forma que você usaria lentes largas e lentes telefoto para diferentes tipos de brotos, você também deseja usar diferentes tipos de luminárias para diferentes usos. Com isso dito, vamos passar pelos seis tipos mais comuns de luminárias e quando você usaria cada um deles. Número 1, luzes de fonte única. As luzes de fonte única são chamadas de fonte única porque, bem, elas vêm de uma fonte, há apenas uma luz na luminária. Exemplos de luzes de fonte única incluem o aputure 300d, ou o [inaudível]. Quando não difundidas, as luzes de fonte única são rígidas e são bordas nítidas e claras. modo geral, você deseja usar luzes de fonte única quando quiser uma sombra fortemente definida, uma luz mais dura ou uma luz mais direcional. Agora, você pode difundir uma única fonte de luz para um efeito mais suave e transformá-la em uma área de vida que também irá suavizar as sombras e a qualidade da luz. Isso é muito comum em entrevistas corporativas e em fotografia de retrato. Número 2, luzes multi-fonte. As luzes multifonte têm várias fontes de luz, alguns painéis multifontes como o LS1 podem ter até 1.536 fontes neles. Esses tipos de luzes geralmente têm saídas mais fortes do que uma única categoria de fonte. Não é uma correlação direta, mas geralmente falando, quanto mais fontes de luz divididas por P. Agora, alguns cineastas realmente não preferem luzes multi-fonte porque o efeito de sombra múltipla que vem com ter muitas fontes de luz. Para neutralizar este efeito, a maioria dos cineastas e fotógrafos difundem luzes multifontes através de uma folha de seda ou fio dental para eliminar as sombras e fazê-las aparecer como uma única fonte. luz saltitante e multifonte é outra maneira eficaz de fazer isso. Ainda assim, a luz multifonte tem muitas aplicações úteis na produção de filmes e fotografia, pois são algumas das luzes mais poderosas da indústria. Número 3, luzes de volume. As luzes de volume podem gostar de canibais e de espaço no empréstimo luminoso suave à sua cena geral, volume pode ter um contorno muito suave em torno assunto e você pode editar muitas configurações gerais de filtros. Agora, porque a luz de volume tem tão unidirecional, eles têm uma enorme variedade de uso, muitos fotógrafos e cineastas, usarão luzes espaciais para iluminar suas telas verdes, pois pode fornecer extremamente limpo e até mesmo iluminação para um fundo. Você também pode tentar usar uma série de luzes de volume sobre psique branco ou para uma sessão de fotos para você quer iluminação auto-beleza. A matriz de ácaros de volume imita o efeito de uma fonte suave super grande de cima, garantindo que sua luz esteja limpa e sem sombras. Número 4, luzes de área. Uma luz de área é o oposto de uma única fonte. As luzes de área são alcançadas através de saltos ou difundindo uma única ou múltipla fonte de luz e adicionando ao seu local. Uma luz de área geralmente tem um ângulo de feixe mais amplo e ilumina uma sala ou ambiente inteiro. Caixas macias, sedas e placas de repulsão do núcleo são maneiras comuns de ajustar sua luz dura em uma luz de área. As luzes de área são suaves e têm sombras muito menos severas do que uma única fonte de luz. Bem, é fácil fazer um holofote duro em luz de área com algumas ferramentas, não é tão fácil fazer uma luz de área para uma luz dura, eu estou assumindo luz muito longe, transformar simulando uma única fonte, mas então isso faz você tamanho relativo muito menor e você quase nunca faria isso. Número 5, tubo de luz. Luzes de tubo são luz de área semelhante, eles são uma matriz de LEDs ou um único fluorescente, mas geralmente alojado em um tubo de plástico fosco que fornece vários tipos de luz. Muitos fotógrafos e DPS vão realmente pegar dois ou três desses tubos e moldá-los em quadrados ou triângulos para iluminação diva. Agora, como as luzes de tubo são menores, elas tendem a ter menos saída do que suas contrapartes de fonte única ou maior. Mas porque há mais móveis e facilmente escondidos, eles têm muitos usos práticos. Além disso, muitos tubos de luz hoje em dia são RGB tornando-os extremamente versáteis como luzes de efeito tanto na tela quanto fora, permitindo que você faça barras de luzes em clubes, cenas ou vídeos musicais, permitindo alguns realmente divertido e assim viver práticas. Falando de práticas, o número 6 é luzes práticas, luzes práticas são as luzes que são visíveis em sua cena e fazem parte da narrativa do projeto. Luz prática, pode ser tão simples como um tanque de rosto aberto e lâmpada, lâmpadas, a tela de uma TV, velas, uma árvore de Natal, um candelabro, a lista continua. Embora iluminar bem sua cena seja muito importante, os práticos podem adicionar interesse visual e adicionar a diversidade de seu filme. Muitos GPs escolhem práticas de início substituídas por luz de filme, como usar um simulador de luz de tubo fluorescente ou ter uma grande fonte única luzes equilibradas à luz do dia para estimular o filme. Seja qual for o caso, luzes práticas são as luzes que fazem parte da tela e a narrativa de seu filme e ajudam a adicionar profundidade de seus sons de iluminação. Em seguida, você precisará aprender a moldar essa luz. É aí que a difusão, salto e os preenchimentos negativos entram, o que os filmes [inaudíveis] mostram efetivamente. Vamos dar uma olhada no nosso primeiro show aqui, que é luz dura, que é basicamente a luz está brilhando diretamente na Ashley bem aqui. Logo no início, podemos ver que a luz está lançando uma sombra de seu nariz e é uma sombra dura. Temos basicamente estas bordas retas mesmo aqui, você pode vê-lo aqui e nós também, vamos dar uma olhada no destaque aqui. Podemos ver que eles estão em um círculo que é completamente afiado, e também outra coisa que eu queria olhar é mais do ponto quente em seu rosto, você vê alguns elementos espetaculares são apenas mais brilhantes do que as áreas ao seu redor e também outra coisa que eu queria olhar é mais do ponto quente em seu rosto, você vê alguns elementos espetaculares são apenas mais brilhantes do que as áreas ao seu redor e isso é tipicamente o que você pode obter com uma luz dura, é um pouco mais reflexivo e sofrendo muito mais severo. Antes de saltarmos para o próximo, tome nota da bocca aqui atrás, que realmente é um fator de luz dura, é só porque teríamos um dimmer nele e onde brilhando fonte muito brilhante em seu assunto. Outra luz é uma luz suave, e fizemos isso colocando um difusor bem na frente da luz. Logo no início, vou falar sobre a bocca, e podemos ver que a bocca é definitivamente maior do que nós, porque nós nos abrimos na extremidade da lente, isso é só porque quando você difusa a luz, você vai cortar a luz um pouco. Nós tínhamos aberto a lente e nossa bocca é maior aqui, mas isso não é realmente o que eu quero olhar para a luz suave. Por que não olhamos para algumas das diferenças aqui para que possamos ver que a sombra do nariz dela é muito mais macia e não há nenhuma borda realmente definida. Há isso como um pequeno gradiente agradável e obviamente a luz está se envolvendo muito bem ao longo de seu rosto cifrado aqui. Podemos dar uma olhada no destaque aqui, e vemos isso como um pouco maior e não tem as bordas ásperas como falamos no último. Os destaques espetaculares são definitivamente muito maiores e é muito mais mesmo em seu rosto aqui, modo que é muito bom usar uma luz suave. Usar uma luz suave sobre luz dura pode ser ótimo para entrevistas ou quando você realmente faz as pessoas ficarem bonitas. Claro, luz dura vai ser ótimo em um monte de outras situações, então nem sempre desconto, você vai luz dura para certos projetos. Dê uma olhada em preenchimento negativo e essencialmente foram preenchimento negativo faz, é sempre que você adicionar um objeto escuro como o quadro ou o que eu estou usando agora é um cortador fofo. Basicamente, absorverá a luz. Nos shows anteriores, a luz estava pulando nas paredes e enchendo seu lado direito de seu rosto aqui, o que eu chamarei de lado preenchido. Ao adicionar um cortador de disquete ou um cartão de arte preto DIY, que você pode obter um para fora como Walmart ou loja de arte local vôo $3. Essencialmente, quando você colocá-lo ao lado do seu assunto, lado de preenchimento vai ficar um pouco mais escuro, e como você vê nas fotos anteriores que, a luz é muito mais contrastada em seu lado direito de seu rosto e apenas adiciona um pouco mais de profundidade ao seu tiro. Na foto, o que estamos fazendo é pegar a luz e atirando no difusor. Basicamente, o difusor é a fonte de luz primária, e o que está acontecendo aqui é que, temos sombras ainda mais suaves em comparação com a luz suave, e está até embrulhando o rosto um pouco mais. Nós definitivamente temos muito menos elementos espetaculares em seu rosto aqui, e é realmente o que eu usaria este formulário. Se eu realmente quero uma luz extrema nova e suave em nosso espaço temático como, se houve muitos exemplos em que talvez alguém tenha sido um dia quente, o rosto de alguém está suado. Nós não temos uma pessoa de maquiagem e só quero ter certeza de que não temos nenhum desses em pontos quentes batendo na cara deles. Para o tiro ainda estamos saltando a luz, mas em vez de usar o difusor como fonte de luz, estamos usando uma placa branca que você pode escolher sobre Walmart como US $2-3, ou você pode usar como bom ver salto branco. Mas basicamente este é o meu olhar favorito no geral. Essencialmente, o que está acontecendo aqui é que você ainda está recebendo uma luz suave agradável aqui. Mas definitivamente transformando a luz em nossa fonte maior porque o cartão é definitivamente maior que a luz. Essencialmente o que está acontecendo aqui, ainda temos essas sombras suaves agradáveis ainda enrolando o rosto e damos uma olhada aqui. Podemos ver o destaque está agora em retângulo porque estamos usando um pequeno cartão de arte e nós definitivamente ver que a luz é agradável e uniformemente espalhada ao longo de seu rosto e está olhando muito bom. Apenas como exemplo, eu só quero mostrar a vocês apenas outro uso de luz saltitante com materiais diferentes. Para a última foto, estamos saltando a luz do teto, e o teto é a fonte de luz, e isso é algo mais que eu quero adicionar no vídeo. Vindo até vocês pensando em como mais você pode usar além de ter, refletores ou difusores ou qualquer coisa assim, você pode usar o telhado como fonte de luz. Agora para mim, logo acima para uma entrevista, como estamos agora, eu nunca vou fazer isso. Mas talvez para uma narrativa ou o que seja, eu até sugiro colocar um pequeno refletor aqui embaixo e saltá-lo debaixo do queixo dela e tudo mais. Mas vamos dar uma olhada no topo da cabeça dela enchendo um pouco mais quente, e só porque o telhado está mais perto do topo da cabeça dela e, obviamente, aqui embaixo. Mas nós definitivamente estamos recebendo uma configuração de iluminação mais dramática, e ainda é uma luz suave porque nós não estamos recebendo essas bordas duras que você obteria de uma luz dura mesmo que não seja necessariamente uma luz suave primária, mas ainda aqui eles estão difundindo um pouco a luz. Finalmente, você precisará entender como a temperatura de cor funciona com a iluminação. Como você provavelmente sabe, toda a luz vem com a temperatura de cor associada a ela, que é medida por Kelvin. Os dois com que trabalhamos no filme são luz do dia e tungstênio, e você quer memorizar as respectivas temperaturas de cor. Eu sempre compro minhas luzes equilibradas à luz do dia. Depois de escolher sua luz principal, você pode convertê-la em diferentes temperaturas de cor usando géis coloridos. Estas são peças transparentes de filme colorido fino que você coloca na frente de suas luzes para alcançar uma temperatura de cor desejada. Os dois mais comuns são CTO, que converte luz do dia em luzes de tungstênio, e CTB, que faz o oposto, convertendo luzes de tungstênio em luzes balanceadas à luz do dia. Se você gostaria de uma visão geral de equipamentos de iluminação, especialmente para aqueles em um orçamento, check-out, meu equipamento de iluminação PDF. A melhor maneira que conheço de refinar e aprimorar a habilidade é iluminar uma cena baseada em uma pintura. Por exemplo, aqui eu escolhi uma das pinturas de Vermeer, mulheres mantendo um equilíbrio e tocaram e ajustando minha iluminação até ficar feliz com a semelhança. Eu escolhi quatro pinturas com diferentes humores e qualidades de luzes que eu sinto que é viável para uma configuração de uma pessoa só. Sua tarefa é recriar a cena usando qualquer iluminação que você tem, difusão. Podemos até usar uma cortina de chuveiro para este preenchimento negativo, você pode usar qualquer pano preto e tentar recriar o humor e a qualidade da luz encontrada na pintura. Sinta-se livre para substituir os adereços. Só estou interessado na qualidade e no humor da sua iluminação. Em seguida, publique uma foto de sua cena leve na página da turma para revisão. 7. Bônus: LUTs: Dica de bônus, LUTS. Aqui está um truque legal, se você estiver usando um perfil de imagem plana, LUTS, que significa Look Up Tables. Estes são usados em cenários de filmes para que os diretores possam ter uma referência para o aspecto da filmagem com cores mais saturadas. Em vez de ver apenas uma imagem dessaturada plana que vem do perfil de imagem, que assusta muitos diretores e produtores. Em essência, LUTS são basicamente fórmulas de gradação de cores. Você pode usar o LUTS para criar um ponto de partida para sua classificação de cores, economizando tempo ou usá-los para criar um visual estilizado. Há milhares de LUTS livres por aí. Faça uma pesquisa divertida e encontre alguns estilos que você gosta. Para aplicar um LUT, adicione o efeito de cor Lumetri ao clipe no Premier. Em seguida, role para baixo pelo menu LUT, que já vem com o Adobe Premiere Pro LUTS integrado e se aplica. Se você baixou seu próprio LUT, certifique-se de clicar em “Procurar” e clique no download do LUT para instalá-lo. 8. Obrigada!: Espero que até agora, você sinta que tem um plano de ação concreto, para fazer a próxima transição de um cineasta iniciante para intermediário. Se ainda tiver dúvidas, sinta-se à vontade para enviá-las para mim, já que estou aqui para apoiá-lo. Enquanto isso, envio-te tudo de melhor para a tua jornada cinematográfica, e vejo-te na próxima vez. Na verdade, vemo-nos do outro lado. Cuide-se. Tchau. 9. Sneak Peak: [MÚSICA] Se você gostou desta aula, convido você a deixar um comentário e se inscrever no meu boletim informativo. Este não é um boletim informativo comum, mas sim uma casa de chá virtual de maravilhas, onde compartilho inspiração selecionada, bastidores, atualizações e mais recursos de alto valor sobre a arte de uma vida criativa autêntica. 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