Como usar a análise crítica para melhorar suas habilidades de desenho

1. Introdução: Olá, meu nome é Michelle Tabares. Sou um cartunista, Illustrator, e viajante baseado na ensolarada Tampa, Flórida. Bem-vindo a este vídeo de introdução. Neste vídeo, vamos falar sobre a importância de analisar criticamente seu trabalho artístico para que você possa usá-lo para melhorar suas habilidades de desenho. Quando você é um iniciante, às vezes você pode ser confrontado com essa idéia de que fazer arte é uma espécie de magia, e enquanto às vezes pode se sentir assim, a verdade é que a arte é como qualquer outra habilidade. Pode ser aperfeiçoado e melhorado. Quando você está começando, pode parecer um pouco esmagador porque pode haver um monte de áreas que você quer melhorar e pode ser difícil descobrir por onde começar. O objetivo desta aula é dar a você um pouco mais de orientação sobre seu crescimento como artista, e afinar as áreas em que você realmente quer melhorar, para que você possa crescer e desenvolver as habilidades necessárias para criar o tipo de arte que você realmente quer fazer. Também é importante ter em mente que este é um processo contínuo. Mesmo que eu tenha usado muitas das habilidades e técnicas que vou discutir nesta aula, eu mesmo não parei minha jornada criativa, e com toda a probabilidade, a arte que estou fazendo agora será muito diferente da arte que eu estou fazendo isso alguns anos. Está tudo bem, até normal. O objetivo desta aula é ajudá-lo a descobrir quais são algumas das coisas que você poderia estar fazendo melhor e com mais sucesso para ajudá-lo a crescer e se desenvolver de uma forma que o satisfaça criativamente. Nesta aula, eu vou estar mostrando algumas técnicas e métodos de melhoria que eu tenho usado pessoalmente e eu descobri que eles têm me ajudado muito em minha própria prática criativa. Se esta aula agradar a você e você estiver pronto para começar a aprender sobre algumas novas maneiras de melhorar sua arte, vamos passar para o próximo vídeo. Obrigado, e te vejo lá. 2. Os benefícios da análise crítica: Vamos rever alguns dos benefícios do uso de análise crítica para melhorar suas habilidades de desenho. A primeira coisa a ter em mente é que, usando análise crítica para melhorar suas habilidades de desenho, isso irá ajudá-lo a melhorar mais rapidamente. É verdade que a prática faz perfeito e fazer um monte de desenhos é a melhor maneira de melhorar. Se você quer melhorar em um curto espaço de tempo, ser realmente seletivo e exigente sobre o que é que você desenhar também pode ser realmente benéfico. Outro benefício do uso de análise crítica para melhorar suas habilidades de desenho é que ele lhe dará orientação em seu progresso. Este é o caso porque você pode aprimorar áreas específicas para focar sua melhoria. Por exemplo, digamos que você identificou que você realmente quer melhorar no desenho de skates. Agora que você determinou isso, isso significa que, em vez de fazer um monte de desenhos de figura em um skate, e fundos, e outros detalhes que talvez você esteja menos interessado em melhorar, você pode se concentrar especificamente no desenho de skates uma e outra vez. benefício final sobre o qual eu quero falar é que ao utilizar esses processos de pensamento de análise críticaenquanto você está desenhando esses processos de pensamento de análise crítica e enquanto você está analisando seu trabalho, você vai descobrir que isso irá ajudá-lo a melhorar em geral. Vamos fingir mais uma vez que você está disposto a melhorar suas habilidades de desenho de skate. Ao longo do tempo, você pode descobrir que à medida que você fica melhor e melhor em desenhar skates, que você também se torna melhor em desenhar outras coisas também. Por exemplo, talvez você tenha passado muito tempo desenhando rodas de skate, como resultado, você se torna melhor em desenhar todos os tipos de desenhos sujeitos que têm formas circulares ou redondas também. É desta forma que, às vezes, dar a si mesmo um tópico específico para melhorar pode realmente ajudá-lo a melhorar de uma forma mais geral e ampla. Espero que isso faça sentido. Se você tiver alguma dúvida, por favor me avise, e quando estiver pronto, vamos passar para o próximo vídeo. 3. A importância da observação: Vamos passar algum tempo para discutir a importância de melhorar suas habilidades observacionais. Tornar-se mais observador do mundo ao seu redor é algo que lhe permitirá interpretar melhor as coisas com mais precisão em sua arte. Nossos cérebros são ótimos, mas às vezes eles não entendem totalmente como algo deve parecer. Quando estamos desenhando, às vezes nosso cérebro preenche as lacunas adivinhando. É nessa suposição que imprecisões e erros acontecerão. A menos que você queira um estilo de desenho intencionalmente abstrato, é melhor basear seu desenho na realidade versus um palpite que seu cérebro está fazendo. Às vezes ajuda perguntar a si mesmo, como eu tenho desenhado isso versus como eu deveria estar desenhando isso? Ou como esse objeto de desenho deve parecer supondo que existia na vida real? Quais são os erros que estou cometendo no meu desenho que impedem que meu objeto do desenho pareça mais realista ou crível? Eu acho que é realmente importante começar a ter o hábito de estudar as coisas ao seu redor, mesmo quando você não está desenhando. Eu acho que é especialmente útil treinar-se para fazer isso se você está envolvido em uma tarefa mundana. Como digamos que você está tomando banho, preste atenção à aparência da água, as diferentes sombras e destaques. Como ele se parece contra o azulejo versus como ele se parece contra o metal. Sempre que você se encontrar esperando na fila no supermercado, limpando seu banheiro, ou esperando o atendimento ao cliente para ajudá-lo, aproveite como uma oportunidade para estudar seu ambiente cuidadosamente para que você possa tomar o que você aprender sobre o mundo real e aplicá-lo à sua arte. Outras coisas que você pode ficar atento, talvez percebendo quais cores ficam bem juntas, como sombras e realces mudam de intensidade dependendo da fonte de luz. Você também pode prestar atenção a coisas como variação na textura dependendo de uma superfície, ou talvez prestar atenção a pessoas e animais na vida real para determinar quais poses e posições parecem mais naturais. Eu acho que a importância das habilidades de observação é muito parecida com a importância das habilidades auditivas. Em uma conversa quando queremos entender melhor o que uma pessoa está nos dizendo, às vezes é melhor se concentrar no que está sendo dito, para internalizar e digerir, vez de se concentrar em chegar com o melhor, mais inteligente ou resposta engraçada. Eu acho que isso também se aplica a fazer arte baseada na observação e não com base no que pensamos que um espectador pode querer ou no que pensamos ser real. Espero que isso faça sentido. Eu sei que é um pouco abstrato, mas definitivamente deixe um comentário se você tiver alguma dúvida, e eu retornarei para você o mais rápido possível. Obrigado por assistir e quando você estiver pronto, vamos passar para o próximo vídeo. 4. Mantenha em mente antes que você vai começar...: Antes de começarmos a usar a análise crítica para melhorar suas habilidades de desenho, quero trazer algumas coisas que você deve ter em mente antes de começar. Este processo envolve um monte de prestar atenção às falhas em seu trabalho e tomar nota das coisas que você está fazendo errado, a fim de corrigir esses erros e fazer melhor. Dito isto, às vezes pode ser desencorajador olhar tão criticamente para a sua arte e ser confrontado com as coisas que você está fazendo errado. Quero aproveitar esta oportunidade para encorajá-los a tentar colocar seus sentimentos pessoais e inseguranças de lado durante este tempo. O objetivo deste exercício não é se tornar um mestre durante a noite ou se sentir mal consigo mesmo. Analisar criticamente os erros que comete é para ajudá-lo. Se você se sentir sobrecarregado, ou chateado por qualquer motivo, tente fazer uma pausa, respire e lembre-se, isso é para seu benefício. Cometer erros na arte não significa que sejas um mau artista. Significa apenas que você está passando pelo mesmo processo de aprendizagem que todo artista passa para melhorar. Nessa nota, também é importante prestar atenção às coisas que você está fazendo bem. Não só prestar atenção às coisas que você está fazendo bem ajudará você a se sentir mais incentivado e melhor sobre sua arte, como também irá ajudá-lo a examinar o que você está fazendo certo, para que você possa continuar a fazer o mesmo escolhas criativas em futuras obras de arte. Agora que revisamos algumas coisas para ter em mente enquanto você está analisando seu trabalho, vamos passar para o próximo vídeo onde vamos realmente começar a analisar. Te vejo lá. 5. Exercícios de traçamento: Neste vídeo, quero compartilhar com vocês um exercício de rastreamento útil que permitirá que você teste suas habilidades de observação e também irá ajudá-lo a cometer algumas das observações que você está fazendo na memória muscular. Agora em si, há muito benefício em pegar um pedaço de papel de rastreamento e traçar sobre fotografias e obras de arte. Mas eu acho que um exercício ainda mais útil é primeiro desenhar um objeto ou objeto pela memória, depois pegar um pedaço de papel de rastreamento e traçar sobre o mesmo objeto ou assunto, e depois de fazer o traçado, redesenhar o imagem da memória novamente. A grande coisa sobre este exercício é que você pode ver através seus desenhos como sua memória de um objeto melhora após rastreá-lo. Tudo o que você precisa é um papel de rastreamento simples ou papel de velino. Ou se você tiver uma caixa de luz, você pode usar isso em vez de papel normal. Você também pode fazer esse exercício digitalmente, se preferir, usando o Photoshop e simplesmente criando uma camada que irá para cima da imagem que você deseja rastrear. Eu quero dar crédito a @byelacey do Twitter que primeiro compartilhou este exercício juntamente com exemplos de seus desenhos por memória e rastreamento de um carro. Para demonstrar esta ideia e cada passo, o assunto que escolhi para este exercício é uma poltrona baseada na memória e sem material de referência. Agora, a coisa boa sobre este desenho é que ele é lido com sucesso como uma cadeira, que é a coisa mais importante para mim, que meu desenho comunica com precisão o objeto. Dito isto, porém, se olharmos mais de perto para analisar esta cadeira de braço, ela se sente um pouco desligada, talvez um pouco demasiado estática ou rígida. Antes de analisarmos isso ainda mais, eu vou em frente e pegar uma folha de papel de desenho e traçar sobre a fotografia de uma cadeira de braço que eu tenho do livro de móveis. Se colocarmos meu primeiro desenho e o traçado juntos, podemos ver imediatamente que há algumas diferenças bastante significativas entre as duas imagens. Por um lado, posso ver que a perspectiva do meu primeiro desenho está desligada. A perna traseira não se alinha corretamente com o canto traseiro do assento da cadeira. Eu também estou vendo muito mais curvas orgânicas dentro da poltrona que eu rastreei. Parte disso tem a ver com o estilo da cadeira de braço porque esta é mais de uma poltrona de moda antiga ou poltrona moderna teria linhas mais retas. Mas a outra coisa a ter em mente é que uma vez que esta é uma fotografia de uma cadeira real, ela foi projetada para uso humano de uma forma que meu rápido desenho de memória não está com o meu primeiro desenho de memória. Eu estava mais preocupado com a cadeira, apenas lendo como uma cadeira e realmente não dando muito pensamento para a função da cadeira em si e como essa função seria retransmitida no design. Agora que tomei tempo para analisar meu primeiro desenho e o traçado, vou voltar e desenhar minha imagem final da memória. Este segundo desenho será muito mais bem sucedido do que o primeiro. Porque agora que eu tomei o tempo para analisar alguns dos pontos fracos do meu primeiro desenho e implementar algumas das melhorias do meu rastreamento, eu fui capaz de desenhar uma cadeira da memória que não é exatamente como o traçado, mas tem curvas mais orgânicas e melhor perspectiva e no geral apenas parece uma cadeira mais confortável e utilizável em comparação com o primeiro desenho da memória. Eu realmente recomendo este exercício, uma vez que irá ajudá-lo a prestar atenção aos diferentes detalhes que você pode encontrar a partir de imagens de referência da vida real e descobrir como você pode trabalhar em sua própria arte de uma forma que é habitável e significativo. Tenha em mente também que a idéia não é criar uma reprodução perfeita da imagem de referência que você está usando. O objetivo é estar consciente dos aspectos da imagem traçada que são bem sucedidos e encontrar maneiras de implementá-los uma maneira nova e original em seu desenho final a partir da memória. Se você é muito deliberado sobre este processo e faz o seu melhor para comprometer isso à memória, espero isso signifique que todos os desenhos futuros deste assunto rastreado em particular serão melhores. Espero que este vídeo tenha sido útil, por favor me avise se você tiver alguma dúvida e quando estiver pronto, vamos passar para a próxima lição. 6. Como usar referência: Neste vídeo, vou demonstrar a importância de usar material de referência e desenhar da vida para melhorar sua arte. Para fazer isso, vou desenhar o mesmo assunto duas vezes. Para começar, vou desenhar um patinador de gelo duas vezes. A primeira vez será sem referência, e a segunda vez será com referência. Este é o meu desenho sem referência. Vamos tirar algum tempo para analisar este desenho e ver o que funciona e o que não funciona. Mesmo que este não seja um desenho perfeito de um patinador de gelo, você pode dizer que é um patinador de gelo. Então, no final do dia, a capacidade de comunicar a mensagem de ser um patinador de gelo é bem sucedida. Ainda há algumas coisas erradas com esta foto. Em primeiro lugar, há algo no final do patinador de gelo que me parece errado. Não sei exatamente o que é isso porque não tenho uma compreensão completa de como um patinador de gelo se parece de memória. Mas eu fiz o meu melhor para, adivinhe. Tenho certeza que quando refazermos esta imagem com referência, a lâmina ficará muito melhor. Há também aspectos da construção da bota em si que parecem errados para mim. Eu acho que isso pode ser devido ao fato de que eu fiz o skate de gelo parecer mais como uma bota ou um sapato em vez de um skate real. Então, é claro, há também aspectos de construção deste desenho que não parecem muito certos. Particularmente há algo sobre a cor da bota parece errado de alguma forma, e também pequenas coisas como aqui, o espaçamento entre os ilhós é inconsistente. Esta parte eu posso facilmente corrigir por conta própria, mas na medida em que a cor azul Wonky, isso é algo que eu vou ter que dar uma olhada em uma foto para realmente pregar para baixo e obter direito. Agora vamos dar uma olhada no meu desenho que eu fiz usando referência. Como você pode ver, este patinagem no gelo é muito mais convincente Agora que eu tive a chance de olhar para alguma referência, você vê aqui que a construção da lâmina parece mais sólida em comparação com o desenho anterior, e inclui certos detalhes como estes cumes aqui que se agarram ao gelo. Mesmo aqui temos um parafuso que liga a lâmina ao sapato. Outra coisa que eu notei em muitas das fotos de referência que eu dei uma olhada é que parece haver uma costura no meio do dedo do pé da bota. Então eu tinha certeza de acrescentar isso. Os ilhós ou um pouco mais uniformemente espaçados aqui, e eu também notei que havia ilhotas ou laços de cinto no topo de cada bota que eu vi. Então eu fui em frente e adicionei aqueles e também fiz o laço diferente. Uma vez que este estilo de laço parece estar mais em linha com o que eu vi nas fotos. Você também pode notar a mudança na cor da bota, pois há mais de uma forma distintiva que contorna a construção do sapato, e também a língua da bota é mais distinta. Vamos dar uma olhada nos dois patins de gelo lado a lado. Podemos ver que o patinagem de gelo à esquerda, o feito sem referência, quase tem um olhar bidimensional mais plano para ele. Enquanto o patinagem de gelo à direita parece que caberia um pé humano muito melhor, pois tem mais contornos nos lugares certos. Além disso, há também detalhes que implicam dimensão e profundidade neste patinador de gelo que estão ausentes no primeiro. Por exemplo, na primeira imagem, vemos que o calcanhar é articulado com esse tipo de forma retangular plana. Mas o patinagem de gelo à direita implica mais um sentido de dimensão e profundidade e parece que realmente suportaria o peso de um corpo humano. Eu acho que esta comparação ilustra claramente os benefícios de tirar da vida ou usar a referência para aumentar a credibilidade e o realismo em seu trabalho. Também vale a pena mencionar que ao olhar para o material de referência, pude aprender que nem todos os patins de gelo parecem iguais. Você pode ver nesta imagem aqui que existem algumas diferenças bastante pronunciadas entre uma fuga de patinação artística e um patinagem de gelo de hóquei. Uma vez que eu não skate no gelo, isso é algo que eu só teria aprendido estudando material de referência. Espero que isso tenha sido útil. Quando estiver pronto, vamos passar para o próximo vídeo. 7. Como analisar arte velha: Neste vídeo, quero ir em frente e demonstrar algumas das coisas que já falamos analisando uma obra de arte mais antiga para que possamos fazer uma nova obra de arte que melhore esta. Antes de começar a analisar esta peça, vou tirar um tempo para me lembrar que isso é para meu benefício, que não há problema em cometer erros, e cometer erros não significa que eu seja um mau artista. Sempre que estiver prestes a analisar criticamente seu trabalho, lembre-se rapidamente disso. Lembre-se também de que, se em algum momento você começar a se sentir sobrecarregado, é perfeitamente bom parar e fazer uma pausa e desconectar de sua análise antes de voltar a ela com a cabeça limpa. Agora que fizemos isso, quero começar falando sobre algumas das coisas que eu gosto nesta peça que eu quero continuar a incorporar na nova peça. Primeiro, eu realmente gosto da forma como o cabelo é renderizado em ambos os números. Uma coisa que eu gosto aqui é que você pode ver que há uma alta densidade de linhas em qualquer lugar onde eu quero insinuar que há sombra escurecendo o cabelo. Desde que eu acho que isso funciona muito bem aqui, eu vou continuar no próximo desenho. Outra coisa que eu gosto nesta peça também é que há uma certa amotinação nela. Enquanto a próxima peça que eu faço depois disso, eu tenho um tom ligeiramente diferente, eu quero manter um pouco desse introspectivo, silencioso amotinado que eu estou sentindo a partir dessas duas figuras, e especialmente esta figura aqui. Também gosto da forma como estas duas figuras interagem. Eu pessoalmente acho que é um desafio, mas de uma maneira realmente gratificante desenhar figuras interagindo uns com os outros. Enquanto a pose provavelmente será pelo menos um pouco diferente quando eu redesenhar isso, eu sei que eu quero que essas duas figuras sejam abraçadas e interajam dessa maneira. Agora que falamos sobre algumas das coisas positivas sobre este desenho, vamos passar para algumas das coisas que eu acho que precisam ser melhoradas. Primeiro, vale a pena mencionar que este é um desenho que eu fiz sem material de referência. Francamente, acho que mostra que algumas das proporções aqui são simplesmente incorretas. Se olharmos para a largura da perna das figuras masculinas bem aqui e compararmos com a largura da cintura, podemos ver que são quase iguais, o que é totalmente incorreto. Normalmente, a coxa de uma pessoa vai ser mais fina do que seu desperdício. Esse é apenas um exemplo de como as proporções dos corpos precisam ser adaptadas nesta imagem. Algumas das posas aqui também são um pouco antinaturais. Se dermos uma olhada nesta mão aqui, você pode ver que ela está descansando estranhamente no ombro do homem e suas pontas dos dedos mal estão pasteando as costas do homem. Isso não é necessariamente uma coisa ruim, mas acho que poderia ter feito um trabalho melhor fazendo parecer intencional. Por exemplo, se fôssemos dizer redesenhar sua mão para que ela esteja pendurada mais longe do ombro do homem, eu acho que isso pareceria mais intencional e também transmitiria um pouco mais de emoção. Mas como esse não é o caso, a mão parece que está neste lugar estranho entre descansar firmemente nas costas do homem e apenas pendurado mole. Além disso, a colocação de algumas das partes do corpo também precisa ser corrigida. Acho que a colocação da orelha na mulher precisa ser movida para aqui. Pequena diferença, não uma quantidade enorme, mas eu acho que ainda seria muito mais realista e anatomicamente correto se tivéssemos certeza de que a orelha está na posição correta. A próxima coisa que está me incomodando é a paleta de cores. Eu sinto que é um pouco branda, e enquanto eu gosto desta cor roxa macia, eu não acho que é realmente apropriado para o humor que está tentando ser transmitido aqui. Mudar a paleta de cores para que seja mais reflexivo do tom da peça é realmente importante. Finalmente, a última coisa que quero mencionar sobre esta peça é a falta de detalhes. Isso pode significar para alguém ter um fundo mais interessante para colocar os personagens em para que ele se sinta mais crível. Mesmo colocando esses personagens ao lado de uma parede com talvez uma imagem pendurada no fundo nos daria mais uma sensação de lugar e tempo, e tornaria a peça um pouco mais visualmente interessante. Também não há muitos detalhes em ambas as roupas, e mais especificamente na roupa da mulher. Acho que é uma oportunidade perdida. Desenhar coisas como acessórios de cabelo e jóias também pode ajudar a contar uma história. Você nem tem que parar por aí, você também pode desenhar coisas axiomas ou pregas, e essa é outra maneira de tornar uma imagem como esta mais interessante visualmente, talvez ele precise de algumas abotoaduras também. Esses personagens deveriam estar em um ambiente formal, e acho que adicionar esses detalhes ajudará a transmitir essa mensagem mais claramente aos espectadores. Agora que analisamos esta peça e abordamos algumas das questões, podemos ir em frente e avançar para o nosso redesenho, onde podemos incorporar as melhorias que falamos e também praticar algumas das outras coisas que aprendemos com vídeos anteriores, como usar exercícios de rastreamento e imagens de referência para ajudar a melhorar o realismo e a credibilidade em nosso redesenho. Muito obrigado por assistir e quando você estiver pronto, vamos passar para o próximo vídeo. 8. Arte velha: Neste vídeo, eu vou quebrar o processo de redesenhar minhas fotos antigas passo a passo incorporando todas as coisas que já falamos como exercícios de rastreamento, usando imagens de referência e assim por diante. Normalmente, quando crio um desenho, não sigo todos estes passos. Só posso seguir um ou dois. Mas para os fins desta lição, quero demonstrar como você pode usar todas essas técnicas juntas e fazê-las trabalhar para você e fazer um desenho mais forte como resultado. A primeira coisa que vou fazer é procurar imagens de referência ou várias poses onde duas pessoas estão se abraçando. A primeira coisa que noto sobre todas as imagens que estão chegando é que esses abraços e interações físicas parecem diferentes e únicas, que mostra que você não precisa desenhar um abraço da mesma forma ou apenas o que você pensa deve parecer. Usar imagens de referência como esta pode abrir diferentes possibilidades que você nem sequer tinha considerado. Eu também estou brincando com palavras-chave diferentes e mesmo que as duas figuras para o meu primeiro desenho não são necessariamente um casal em minha mente, usar o par de palavras-chave e pesquisa me permite ver ainda mais interações entre dois pessoas. Eu fui em frente e salvei algumas das imagens que eu acho que são as mais fortes ou as mais interessantes para mim de alguma forma e há algo sobre cada dessas imagens que ressoam comigo de uma maneira diferente. Por exemplo, nesta imagem particular aqui, eu realmente gosto que este pareça ser um cenário formal e podemos ver que o homem está claramente vestindo uma jaqueta e uma camisa, muito parecido com a figura masculina do meu primeiro desenho. Nesta imagem em particular, mesmo que eu não queira necessariamente que os corpos sejam posicionados desta forma. As duas figuras têm uma expressão muito silenciosa e misteriosa para eles que eu acho realmente convincente e interessante. Agora que eu coletei minhas imagens em um documento do Photoshop, eu vou criar uma nova camada e traçar sobre cada uma dessas imagens como um aquecimento e ver se eu posso aprender algo novo rastreando sobre elas. Você pode fazer isso tradicionalmente com papel de rastreamento se você quiser mas como eu já demonstrei isso em um vídeo anterior, eu pensei que eu iria tentar fazê-lo digitalmente desta vez para você. Quando eu fiz este exercício, eu decidi apenas criar uma nova camada diretamente sobre minhas imagens com a ferramenta caneta em verde, mas eu acho que uma maneira ainda melhor de fazer este exercício seria criar uma nova camada, construir um documento -se completamente com um 50 por cento de opacidade branco, que ainda permitirá que você veja as imagens, mas torná-los um pouco menos contrastante e seguida, tomar uma caneta preta ou ferramenta lápis e traçar no topo em uma nova camada. Eu acho que fazer isso, em vez disso, cria mais de uma sensação de uso de papel de rastreamento, uma vez que o papel de rastreamento essencialmente faz a imagem sob semi-opaca e aqui está o que meus traços parecem sem as imagens por baixo. Embora algumas dessas imagens não sejam traduzidas diretamente no meu desenho final, ainda era muito importante para mim tentar experimentar coisas diferentes e entrar no estado de espírito que abraços e interações físicas podem olhar de forma diferente e significar coisas diferentes dependendo de uma situação ou de um determinado tipo de relacionamento. Este exercício de rastreamento me ajudou a não só experimentar diferentes poses, mas também me permitiu obter uma melhor sensação de proporções reais e movimentos naturais do corpo. Agora, eu vou pegar o que eu aprendi com os exercícios de rastreamento e material de referência e usá-lo para criar uma variedade de esboços ásperos dos dois personagens interagindo de maneiras diferentes para tentar ter uma noção de como eu quero que o final posar para parecer. Eu fiz isso com papel e lápis e digitalizei no Photoshop, mas se você preferir esboçar digitalmente, isso é perfeitamente bom também. Lembre-se de que você não deseja copiar dos traçados ou das imagens de referência. Em vez disso, concentre-se em fazer suas próprias poses inspiradas ou vagamente baseadas no material de referência ou traçados que você faz. Decidi aquele em que quero basear o meu desenho final, e é este aqui. Eu não estava 100% feliz com ele como era, então eu decidi modificar a pose um pouco. Escolhi esta pose porque gostei da perspectiva do olho do pássaro e da forma como os braços estão posicionados. Dito isso, eu não estava 100% feliz com isso, e decidi modificar os rostos e eu também adicionei o braço pendurado, que você pode ver aqui neste esboço. Aqui, eu comecei a basear meus lápis digitais fora desta pose. Eu queria manter o plano de fundo simples porque o foco deveria ser sobre os dois números. Eu rapidamente lápis em um chão e algumas paredes para implicar que eles estão no canto de uma sala, mas eu me encontrei sentindo incerto sobre a perspectiva. Porque eu queria ter certeza de que a perspectiva nesta imagem estava correta, o que eu fiz foi encontrar um canto no meu apartamento real e porque eu sou uma pessoa baixa, eu decidi usar uma cadeira e ficar em cima dela e enquanto estava em cima da cadeira, enfrentou minha câmera para baixo e tirar fotos desse canto em particular no meu quarto. Só um lembrete, se você vai ficar em cima da mobília, como se eu tivesse que tirar essa foto em particular. Por favor, tenha cuidado. Se você estiver tendo problemas para encontrar imagens de referência existentes. É uma ótima idéia tomar o seu próprio. Depois de tirar algumas fotos de referência de vários ângulos, eu fui capaz de incorporar a imagem de referência que eu senti ser mais apropriada e, em seguida, ajustar meus lápis de acordo, então agora a perspectiva nesta imagem parece melhor. Como meus lápis são digitais, eu os coloquei em uma camada separada em cima da foto de referência, mas se você estiver trabalhando tradicionalmente, você pode colocar uma folha de papel de rastreamento em cima de sua imagem de referência e fazer usando sua imagem de referência dessa forma. Agora que estou mais ou menos satisfeito com a perspectiva e a composição. Vou voltar à minha imagem e me concentrar em alguns dos detalhes, material de referência para roupas formais e jóias, e incorporar alguns desses detalhes nos personagens e eu também vou tirar inspiração de vários extravagantes interiores, salões de baile, esse tipo de coisa para ter uma melhor noção do espaço que os personagens podem estar ocupando. Eu fui em frente e limpei meus lápis digitais um pouco e adicionei os detalhes que mencionei antes e agora é hora de começar a pintar meu desenho final. Quando eu estava completando minhas tintas, eu senti como se as duas figuras pareciam um pouco curtas onde elas foram colocadas. Então eu ajustei isso movendo as figuras para cima para dar mais de uma sensação de altura. Eu também cortei a imagem para que as duas figuras seriam mais do ponto focal da peça e por isso aqui estão as tintas completas. Uma vez que as tintas estavam no lugar, eu fui em frente e coloquei algumas cores planas. Inicialmente, eu não tinha certeza de que tipo de paleta de cores eu queria, mas eu queria que houvesse um pouco mais de calor em comparação com o último desenho. Mesmo que haja um monte de blues aqui, eu também tentei introduzir alguns vermelhos e marrons quentes também. Outra coisa que você pode fazer para adicionar interesse visual à sua peça é introduzindo texturas e isso também vai poupar algum tempo porque em vez de eu ter que desenhar um piso de madeira ou um papel de parede padrão damasco nas paredes, Eu posso simplesmente encontrar imagens livres de royalties e usá-las para criar textura no fundo e então aqui está o que a peça se parece com a textura do papel de parede e a textura do piso de madeira introduzida na peça e eu ajustei um pouco as cores em ambos. Agora as duas figuras parecem estar ficando um pouco perdido na peça porque todas as cores ao seu redor são da mesma saturação, então eu quero chamar a atenção de volta para as duas figuras. Para fazer isso, introduzi pela primeira vez alguns destaques que atraem a atenção do olho. Então eu também adicionei sombras, que tendem a fazer objetos parecerem rebaixados. Enquanto eu adicionei sombras em seu corpo e roupas, eu também me certifiquei de adicionar uma sombra ao redor dos cantos do desenho para desenhar o olho para o centro onde as duas figuras estão, eu adicionei sombreamento adicional para os corpos para torná-los olhar um pouco mais dimensional e também uma luz flush em cada um de seus rostos. Para realmente ter certeza de que as figuras se destacavam, decidi fazer o fundo recuar um pouco mais e, fazendo isso, peguei as linhas de fundo que estavam nas paredes que eram originalmente pretas e coloridas para serem mais leves e eu acho que isso realmente faz com que os números apareçam na frente deles. A última coisa que fiz foi criar uma pintura para a moldura no canto superior direito. Eu queria introduzir novas texturas nesta pintura e então eu usei um pincel digital que era feito para parecer um pincel de pintor e eu me certifiquei de não usar linhas duras ou muitos negros para dar mais daquela sensação pintórica e assim Aqui está a peça acabada. No próximo vídeo, vamos comparar e contrastar o desenho original com o novo desenho acabado para ver o que ficou o mesmo, o que mudou e para lhe dar meus pensamentos pessoais sobre este novo desenho em comparação com o antigo. Eu sei que este vídeo é um pouco mais longo do que o habitual, então eu agradeço você ficar até o final e por favor sinta-se livre para me avisar se você tiver alguma dúvida. Obrigado, e te vejo no próximo vídeo. 9. Como comparar seus desenhos antigos e novos: Neste vídeo, vamos comparar meu desenho original com o redesenho que fiz para esta aula. Antes de começarmos a comparação, vamos voltar à nossa primeira análise do desenho original e rever algumas das coisas que queríamos manter e melhorar. As coisas que queríamos manter no redesenho foram; o estilo de renderização do cabelo, certificando-se de que existem mais grossas e uma maior densidade de linhas nas partes do cabelo que deve ser mais escuro para implicar mais de uma sombra. Queríamos aqui um tom mal-humorado e ambíguo e eu também queria ter a certeza de que os números continuavam a interagir de alguma forma interessante. Agora, vamos falar sobre as coisas que queríamos melhorar ou o redesenho. Para este desenho em particular, eu não usei nenhuma imagem de referência, e eu acho que ele mostra. Eu quero ter certeza de que quando eu refiz este desenho, eu usaria imagens de referência. Eu também senti como se a pose entre as duas figuras fosse um pouco estática e embaraçosa, então eu queria consertar a pose para ser mais natural. Há também alguns problemas com a anatomia e a colocação de algumas partes do corpo. Eu também queria melhorar o esquema de cores porque este roxo macio realmente não transmitiu o humor que eu estou indo para. Por último, eu queria também adicionar mais detalhes na roupa e no fundo para espero, tornar este desenho um pouco mais interessante. Aqui estão os dois desenhos lado a lado, o primeiro desenho foi originalmente feito em novembro de 2017, enquanto o novo desenho foi concluído em julho de 2018. Nos oito ou nove meses entre esses dois desenhos, eu me tornei cada vez mais confortável com a pintura digital, que é apenas parte da razão pela qual eu acho que o segundo desenho parece melhor. Eu acho que isso é outra coisa que é importante ter em mente, apenas praticar e permanecer ativo em sua prática criativa vai ajudá-lo a melhorar. O segundo desenho levou mais tempo para ser concluído do que o primeiro, porque mais detalhes estão lá. Agora vamos falar sobre as coisas que eu mudei do primeiro desenho para o segundo desenho. Por um lado, eu acho que a pose é muito melhor no segundo sorteio e eu creditaria isso ao fato de que eu fiz vários esboços preliminares antemão para tentar descobrir qual seria a melhor pose. Eu também olhei para o material de referência para garantir que a pose se sentisse natural. A pose no primeiro desenho é muito estática e muito plana, e como estamos vendo as duas figuras no nível dos olhos e no perfil, não estamos recebendo um bom senso de dimensão. Em contraste, na segunda imagem, a câmera está acima do nível dos olhos, então estamos vendo duas figuras em um ângulo. A forma como os corpos são posicionados também são mais de um perfil de três quartos do que um perfil completo, que eu acho que é visualmente mais interessante e menos estático. Vamos também falar sobre a pose por um momento. Na primeira imagem, a pose aqui é um pouco estranha. Quase parece que há partes onde os dois corpos são esmagados juntos de uma forma que é desconfortável. Como podem ver aqui no primeiro desenho, temos a cabeça do homem batendo na cabeça da mulher, que está batendo no ombro, e então temos esses dois braços sobrepostos um ao outro. Se olharmos para o segundo esboço, podemos ver que as cabeças têm uma distância mais confortável entre si, de modo que ambas estejam claramente articuladas. Os ombros estão mais distantes, então nós dizemos que a diferença entre os dois e os braços estão quase colhidos um no outro, então podemos ver o braço da mulher claramente bem aqui e então o braço do homem passando por cima dela. A pose é muito mais clara de ler no segundo em comparação com o primeiro desenho. Há também muito mais detalhes na segunda imagem, como podemos ver pelas texturas que eu introduzi. No segundo desenho, as cores são mais numerosas, mas menos saturadas e muito mais quentes em tom. O primeiro desenho não apresenta muito de um fundo. É realmente apenas este gradiente roxo suave, enquanto que no segundo desenho, eu tive o cuidado de realmente desenhar paredes, e um chão, e uma pintura. Eu também tomei o cuidado de adicionar mais detalhes na roupa, especificamente a mulher; ela agora tem mais jóias, ela tem maquiagem dos olhos e unha polonês, e ela tem costuras mais visíveis dentro do vestido que ela está vestindo. Da mesma forma, o homem na imagem também está ostentando mais alguns acessórios também. Para fechar, estou muito satisfeito com a forma como o redesenho saiu. Eu acho que é muito mais bem sucedido do que o primeiro desenho eo segundo desenho se sente muito mais polido e concluído de uma forma que o primeiro desenho simplesmente não faz. Dediquei um tempo para analisar cuidadosamente o primeiro desenho, anotar as coisas que eu gostei, as coisas que eu não gostei, e depois usar os recursos disponíveis para mim para melhorar a idéia. Para ser justo, sinto que isso é verdade para a maioria das pessoas. O primeiro desenho que você faz de algo geralmente não vai ser tão bom quanto o segundo, terceiro, quarto, quinto ou décimo. Tenho certeza de que se eu tentasse novamente este desenho uma vez a cada poucos meses, continuaríamos a ver melhorias com cada iteração. O que você acha? Avisa-me ou deixa-me perguntas se as tiveres. Agora, quando você estiver pronto, vamos passar para o próximo vídeo. 10. Projeto: Olá novamente e bem-vindo ao seu vídeo de atribuição. Para sua tarefa, quero que você implemente algumas das coisas que falamos ao longo desta lição, pegando uma velha obra de arte, analisando-a, desconstruindo-a, descobrindo o que está funcionando, o que não está funcionando, e como você pode melhorar. partir daí, você recriará a mesma obra de arte e implementará algumas das dicas e técnicas que falamos ao longo desta aula para ajudar a melhorá-la e melhorá-la. Algumas das coisas que você pode querer fazer para ajudar a melhorar esta nova versão de sua antiga obra de arte, seria usar materiais de referência ou pesquisa disponíveis para você, tirar da vida ou tentar algumas técnicas de rastreamento de antemão para aquecer. É muito importante lembrar que mesmo que você queira ser crítico de sua arte, tente não escolher uma parte dela demais e dar um pouco de folga. Lembre-se que não há problema em cometer erros e tenha em mente que confrontar e reconhecer esses erros é a melhor maneira de seguir em frente como artista. Pode ser assustador e um pouco intimidante às vezes, mas tente não levá-lo muito para o lado pessoal e lembre-se que isso é, em última análise, para seu benefício. Se em algum momento você começar a se sentir um pouco sobrecarregado ou vulnerável, sinta-se livre para se afastar de sua tarefa um pouco. Dê uma volta, respire fundo, e tenha em mente que estou aqui para você. Se você tiver alguma preocupação ou necessidade, qualquer incentivo ou conselho, sinta-se livre para deixar um comentário e eu entrarei em contato com você o mais rápido possível. Obrigado por chegar até aqui na aula. Estou ansioso para ver todas as suas tarefas e boa sorte. 11. Considerações finais: Parabéns por chegar ao fim desta aula. Espero que esta aula tenha sido benéfica para você de alguma forma e eu adoraria ouvir de você e aprender sobre quais técnicas você achou mais úteis, e se você aprendeu quaisquer técnicas adicionais que talvez não sejam mencionadas neste classe. Então, se você tiver quaisquer opiniões adicionais ou insights que talvez toda a classe poderia se beneficiar, sinta-se livre para deixar um comentário, já que eu adoraria saber o que você pensa.Como mencionado antes, se você tiver alguma dúvida ou qualquer preocupação, por favor sinta-se à vontade para chegar, já que estou aqui para ajudá-lo. Espero que você possa continuar a usar as dicas que falamos na aula de hoje para ajudar sua arte e ajudá-lo a crescer como um criativo. Muito obrigado por se juntar a mim nesta jornada para auto-aperfeiçoamento e descoberta criativa, mal posso esperar para ver o tipo de trabalho que vocês inventam, e eu realmente espero que vocês se divirtam e continuem a crescer. Obrigado, tchau tchau.