Como ser contratado como ilustrador: fundamentos para tornar você mais adaptável

1. Introdução: Olá a todos, e bem-vindos à minha aula de compartilhamento de habilidades. Tornar-se um artista bom ou profissional exige dedicação e tempo. Sabe, acho que é muito fácil e comum encontrar pequenos vídeos de dicas e truques on-line. Mas qual é o caminho que você precisa seguir se realmente quiser se tornar um artista versátil e contratável na indústria do entretenimento ? Sou Marco Bucci Sou artista profissional há mais de 20 anos. Eu trabalhei para coisas como filmes, jogos, filmes, TV, livros, etc. Também desempenhei muitas funções em minha carreira, desde design de personagens até arte conceitual, ilustração finalizada e quase tudo mais. Também ensino há mais de uma década. Eu ajudei pessoas de todas as idades e todos os níveis de habilidade a atingirem seu potencial. Muitos se tornaram artistas profissionais, enquanto outros se contentaram em continuar sendo amadores sérios No meu tempo de ensino, consegui catalogar muitos desses momentos incríveis Esses momentos que são tão preciosos para nós como alunos que nos ajudam a garantir que estamos no caminho certo e fazendo um bom progresso Ao ensinar esses conceitos, também sou capaz de refinar a forma como os uso em meu próprio trabalho, o que depois realimenta meu Essa classe de compartilhamento de habilidades é hiperconcentrada. Ele se concentra na preparação para esses momentos de sucesso. Quero que você tenha esses momentos para incentivar o crescimento mais rápido e eficaz em seu aprendizado. Tudo nesta aula gira em torno de sua habilidade, encontrar um emprego como artista em diferentes caminhos e diferentes conjuntos de habilidades, desde design de personagens até arte conceitual, origens e A parte boa desses conjuntos de habilidades é que eles se aplicam a diferentes mídias Você pode usá-los totalmente para trabalhar em filmes, TV, livros, jogos, o que quiser. Ser contratável significa ter fundamentos sólidos aos quais você pode recorrer, não importa qual seja a tarefa Nesse sentido, aprenderemos por meio trabalhos na vida real que eu realmente tive como artista, trabalhos que exigiram que eu usasse muitos chapéus diferentes Talvez eu esteja desenvolvendo o personagem um dia e depois conectando esse personagem a um ambiente no dia seguinte O material desta aula é muito prático. Aprenderemos os fundamentos individualmente, mas também aprenderemos como lidar com eles, porque é exatamente isso que se espera que você faça como profissional Durante a aula, você receberá palestras, exercícios e demonstrações de desenvolvimento de habilidades, além de ser incentivado a concluir um ou dois projetos de classe Um desses projetos será baseado em personagens e o outro será baseado no ambiente. A parte boa de dividi-lo em dois projetos é que você pode decidir em qual assunto você se sente mais confortável ou interessado Ou se você estiver super entusiasmado, você pode fazer os dois projetos. Depende totalmente de você. Por fim, essa classe é apropriada para uma ampla variedade de níveis de habilidade Se você é novo nisso, essa classe funcionará como uma base sólida. Ou, se você estiver chegando com um pouco mais de experiência, esta aula o ajudará a aprimorar suas habilidades e a mostrar o caminho da melhoria contínua Meu objetivo, em ambos os casos, é encontrá-lo onde você está e fazer com que você perceba esse progresso em seu trabalho Quero que você comece a ver o progresso em um cronograma tão curto quanto semanas ou até dias Esta aula contém muitas informações, então reserve algum tempo na sua agenda, dê toda a atenção a ela e vamos começar a aprender. 2. Espaço de trabalho encontra mentalidade: Ok, antes de entrarmos nos detalhes do desenho e da pintura, eu gostaria de falar sobre um tema mais amplo do que estamos fazendo aqui O que estamos fazendo é ser criativos. Provavelmente, essa é toda a força motriz que o leva a essa aula à sua estação de trabalho ou ao seu caderno de esboços, se você quiser criar coisas Eu não sei sobre você, mas eu não nasci com nenhuma habilidade ou talento, mas nasci querendo criar coisas. Eu venho criando coisas desde que me lembro. Sejam desenhos terríveis no meu caderno de esboços quando eu era criança. Isso mesmo. Eu não sabia desenhar quando criança, mas isso é outra história. Livros de esboços terríveis. Eu tocaria muita música. Eu leria muito e ainda faço todas essas coisas. Mas é um impulso inato em mim, não sei de onde veio, mas eu nasci para criar coisas para melhor ou para pior Quando digo para pior, quero dizer, se não sou criativo, se não consigo ser criativo por uma ou duas semanas, fico um pouco louco. Acho que muitos de vocês provavelmente podem se identificar. Agora, quando se trata de ser criativo, isso pode parecer um pouco estranho, mas eu meio que trato isso como trabalho, mas não trabalho no sentido negativo, mas trabalho como se você tivesse que aparecer para realizar uma tarefa. Lembro-me de quando era mais jovem, eu meio que era criativa quando tinha vontade. Sabe, eu tocava música um dia, desenhava algo outro dia. Eu tratei isso de forma totalmente casual, e tudo bem. Mas quando decidi levar isso a sério e talvez um dia me tornar profissional, repente precisei despertar aquele impulso criativo sob demanda Eu mal podia esperar que a inspiração chegasse. Quero dizer, se você fizer isso, provavelmente criará algo uma vez a cada dois ou três meses. A inspiração não é tão comum. Você precisa criar um ambiente para si mesmo em que, se a inspiração surgir ou não, você ainda possa ser criativo e fazer o trabalho. E uma das melhores maneiras que encontrei de fazer isso. É uma espécie de truque mental, digamos assim, é, da melhor maneira possível, controlar e projetar o espaço em que você trabalha, ou talvez eu deva dizer, fazer com que você venha a um espaço para ser criativo No meu caso, é o estúdio em que estou agora. É aqui que venho quando faço qualquer coisa criativa, seja desenhar e pintar, como faço profissionalmente, ou tenho outros hobbies Eu gosto de esculpir. Eu gosto de fazer algumas impressões em três D. Eu tenho algumas coisas eletrônicas atrás da câmera lá. Mas tudo isso está contido nesta sala. Esse é o meu quarto. Meus filhos não vêm aqui ou, se vêm, são fortemente supervisionados, nem mesmo minha esposa realmente vem aqui Esse é o meu espaço. Lembro que estava lendo livro de Steven Pressfield chamado The War of Art É um livro fantástico, altamente recomendado de leitura rápida. Acho que são 100 páginas. É sobre a psicologia ou a mentalidade de ser uma pessoa criativa Uma das frases desse livro que sempre me marcou foi que ele disse Steven Pressfield Faça do seu espaço um santuário, não para você, mas um santuário para Faça com que, ao entrar em seu espaço criativo , você queira criar algo. Quer dizer, isso parece trivial agora que acabei ouvir isso sair da minha boca desse jeito, mas é verdade Quando eu entro neste espaço, eu me sinto bem. Eu me sinto inspirada. Eu gosto desse quarto. Eu quero sentar nesta cadeira e olhar para aquelas telas e trazer um caderno de esboços ou o que quer que eu esteja fazendo naquele dia, e eu quero criar Eu vou te dar um pequeno vídeo de apresentação deste espaço em apenas um momento. Alguns conceitos me vêm à mente que me ajudaram a projetar esse espaço. Acredite em mim, não sou designer de interiores. Quer dizer, eu provavelmente deveria fazer algumas aulas de compartilhamento de habilidades em design de interiores. O que eu fiz, porém, foi pensar nas coisas que eu gosto de ver, nas coisas que me fazem sentir confortável. Por exemplo, esse painel de madeira aqui. É um velho palete de madeira que encontrei na beira da rua, que cortei com uma serra, cortei no tamanho certo e grampeei na parede Por que paletes de madeira velha? Eu não sei Há algo na madeira velha rústica que eu gosto. Acho isso reconfortante. Trabalhar com madeira é outro hobby meu, e há algo sobre madeira velha recuperada Então eu coloquei esse painel de madeira na minha parede. Agora, esse painel de madeira é específico para este canto do meu quarto Você sabe, onde eu desenho e pinto. Você não pode ver por trás da câmera, mas o resto desta sala é simples e velho drywall que eu pintei, assim como uma sala normal, mas aqui está especial Este painel envolve todo meu espaço criativo aqui E eu não sei. É apenas um ambiente que eu gosto. Já vi outros espaços de artistas que são preenchidos com muitas plantas Agora, eu não sou realmente uma pessoa que gosta de plantas. Quer dizer, eu gosto de plantas, mas sou péssimo em mantê-las vivas, então nada de plantas para mim. Tentei manter uma planta uma vez, mas ela morreu em uma semana, então não há mais plantas para mim. Gosto que as coisas estejam arrumadas, mas não necessariamente tudo guardado. Gosto de ter as coisas no lugar delas, mas disponíveis para mim. Se eu precisar de um lápis , está aí. Não preciso cavar em uma gaveta, embora fosse mais organizado se os lápis estivessem em uma gaveta, gosto de ter minhas coisas ao alcance Nunca vou afastar minha mentalidade do processo criativo Eu posso simplesmente pegar as ferramentas de que preciso. Você verá como isso acontece quando eu fizer o pequeno vídeo passo a passo. Mas o tema de tudo isso é entender o que faz você se sentir confortável, feliz ou criativo, porque especialmente se seu objetivo é levar isso a um nível profissional, ou mesmo se seu objetivo é fazer disso um hobby muito sério, algo que você pode fazer diariamente ou semi diariamente Você não pode se dar ao luxo de esperar pela inspiração. Você tem que ser capaz de aparecer e fazer alguma coisa. Sim, quando surge a inspiração, você pode criar algo um pouco melhor, porque a inspiração é como um estimulante mental que faz você se sentir bem Mas falando por experiência própria, quero dizer, venho fazendo isso há mais de 20 anos ou 20 anos como profissional, de qualquer maneira. Posso dizer honestamente que a inspiração só está lá cerca de 10% das vezes para mim. Na maioria das vezes, quando acordo de manhã, quase sinto que não quero fazer isso, mas esse é o espaço que me ajuda a sentir que posso me acomodar, talvez colocar uma música ambiente ou tomar um café, o que eu quiser naquele dia, e posso fechar o mundo e fazer minhas coisas E então, quando estou com meia hora ou talvez uma hora, acho que tenho dificuldade em me conter. O tempo simplesmente passa. E tudo isso é uma prova de mentalidade, e a mentalidade, eu acho, começa com seu espaço pessoal Então, aqui está um pequeno vídeo explicando o que estou acontecendo aqui. Então, aqui está o espaço que você acabou de ver, mas de um ângulo diferente, isso me simula entrando na sala Agora, isso é um quarto acima da minha garagem, então é bem Na verdade, essa é uma mesa de sete pés que eu construí. É construído apenas com uma folha de madeira compensada que eu cortei do tamanho Copiei minha antiga mesa do ICA dos meus tempos de estudante e cortei esse pequeno recanto Isso me ajuda a me encaixar e ajuda minha postura. Eu não preciso me inclinar muito. Então, sim, é aqui que eu trabalho todos os dias, bem, durante a semana de qualquer maneira E às vezes eu também entro sorrateiramente aqui nos fins de semana. Lembre-se, este é meu santuário para a criatividade. As peças de arte que tenho na minha parede, e todas são originais de outros artistas, me lembram desse impulso criativo bruto Observe que todos esses são esboços, nenhum trabalho finalizado. Esse esboço do Batman é meu, mas há algumas razões especiais por trás disso De qualquer forma, escolhi peças não por sua beleza final, mas por seu impulso emocional cru. Eu posso ver as impressões digitais literais nessas esculturas de argila aqui Gosto muito das poses e gestos das esculturas da Disney de lá, e posso ver o grafite em todos aqueles esboços a Então, em termos de equipamento, estou executando uma configuração bastante padrão de dois monitores, apenas um LCD barato à esquerda para e-mails e navegação na web e coisas assim Então, à direita, tenho um grande e velho cínico que caminha para casa. É o maior e mais profissional modelo que eles fabricam. Ironicamente, eu realmente não o uso, exceto como monitor Eu prefiro muito mais meu tablet Walkm normal, que está aqui Esse é o Intuos P, que é o maior tablet que eles fabricam, mas eu comecei a pintar digitalmente em 2002 Naquela época, não havia tablets sintéticos ou de tela, e eu simplesmente me acostumei com esse tablet normal e os velhos hábitos são difíceis de morrer, eu acho Agora, há momentos em que eu uso um sintético, como quando estou trabalhando em animação, por exemplo Eu o tenho em um braço de montagem que posso retirar facilmente. E quando não estou desenhando com ele, posso empurrá-lo de volta para a parede só para afastá-lo dos meus olhos. Aqui está uma simulação do que eu vejo quando me sento na minha cadeira. Eu mantenho esse espaço à esquerda do meu tablet aberto para qualquer mídia tradicional, escultura ou esboço que eu queira fazer Às vezes eu faço pequenos esboços desajeitados lá ou apenas esboços a lápis ou apenas faço anotações ou algo assim Claro, eu tenho essa arte ao meu redor e você pode realmente ter uma ideia disso a partir dessa visão. Eu tenho meu teclado e mouse em um lugar abaixo da mesa. Novamente, eu tinha uma mesa antiga da ICA que fazia isso e eu realmente gosto dela ergonomicamente Isso ajuda minha postura. Logo aqui, tenho meu microfone que usei para gravar vídeos educacionais como este e minhas coisas do YouTube. Novamente, está ao alcance do braço. Eu apenas viro minha cabeça e posso dizer as falas, que é exatamente o que estou fazendo agora. O microfone está escondido. Nunca precisa se mover. Está sempre lá quando eu preciso. Eu tenho minha pequena interface de áudio aqui. Eu posso ajustar o ganho do microfone ou o que eu precisar fazer. Isso também nunca se move. Este microfone é só um brinquedo. É uma escultura que eu gosto. Parece que está ficando empoeirado. Espero que isso prove para você que eu não encenei isso De qualquer forma, acontece que três impressoras em D interagem com todos os meus hobbies Então eu tenho a impressora 3D aqui e ela está imprimindo. De qualquer forma, é por isso que minha mesa tem sete pés de comprimento. Então eu posso colocar todas essas coisas e, novamente, ter tudo ao alcance do braço. Agora, antes de fazer tudo isso, isso costumava ser um pequeno recanto de leitura Havia um sofá aqui, uma pequena mesa de café, mas eu sabia que esse era o espaço que mais falava comigo, então me livrei de todas essas coisas e o substituí pelo meu estúdio Aqui à direita, tenho uma bela janela. Eu li em algum lugar que é útil reorientar seus olhos em diferentes distâncias Quando faço pausas que não envolvem realmente sair da sala, que eu realmente tento fazer, tento sair da sala o máximo possível quando trabalho apenas para pausas. Mas sempre que eu não tenho tempo para isso, eu gostaria de simplesmente olhar pela janela. Há alguns belos verdes lá fora, e eu assegurei que nenhum pássaro morrerá nas mãos desta janela De volta ao meu hardware por um segundo. Isso não está rodando em um laptop ou algo parecido. Está sendo executado em um desktop de PC. Mas não é um supercomputador. Minhas especificações estão na tela. O lugar para gastar seu dinheiro porém, é na RAM, na minha opinião. Muita RAM ajuda a garantir que seu software não fique atolado. De qualquer forma, como eu produzo muitos arquivos, tenho alguns discos rígidos portáteis aqui embaixo. Aqui, apenas algumas gavetas, meus suprimentos de escultura estão Agora eu não esculpo muito, então esses suprimentos estão guardados e, quando eu esculpo, simplesmente uso a área à esquerda do meu Do outro lado da sala está minha mesa de arte tradicional. Agora, isso é estritamente para trabalho pessoal. Eu não uso a mídia tradicional profissionalmente. Aqui está uma peça pessoal que acabei de terminar em acrílico. Como você pode ver aqui, essa é uma bagunça muito mais caótica. Mas garanto que é uma bagunça controlada. Eu tenho meus pincéis aqui. Tenho algumas tintas guardadas nessas mini gavetas e elas são organizadas por temperatura de cor Eu tenho um tipo diferente de tinta aqui e um tipo diferente de tinta ali. Eu tenho um monte de lápis de cor aqui e logo acima está meu confiável aerógrafo Mais uma vez, é a mesma filosofia. Tudo está ao alcance do braço. Pessoalmente, não preciso que tudo seja impecável. Eu tenho uma tolerância limitada para um pouco de bagunça, mas o que você está vendo aqui é a extensão dessa tolerância Quando as coisas inevitavelmente cruzam essa linha de tolerância, eu gasto o tempo que preciso, geralmente meia hora, apenas para que as coisas voltem ao normal Novamente, a recompensa mental de apenas fazer isso é enorme. Agora, antes de prosseguir, lembro-me de como era ser um jovem estudante. Eu estava alugando um quarto individual em uma casa e, se essa é a sua situação , você literalmente não pode ter uma sala dedicada para tarefas criativas Embora eu recomende que, no segundo que você tenha quartos diferentes para acessar, você deve separar seus quartos de dormir dos quartos criativos Mas se você ainda não pode fazer isso, eu ainda acho que você pode colocar os princípios disso em prática. Experimente esculpir um cantinho do seu quarto para as coisas criativas. Se você está alugando apenas um quarto, talvez suas camas ali, coisas criativas lá o mais longe possível. Faça com que você não possa literalmente rolar na cadeira e cair na cama, o que é exatamente o que eu estava fazendo há 20 anos. Há pesquisas reais que sustentam que esse tipo de situação simplesmente não é útil a longo prazo para sua mentalidade Se você tem apenas uma sala, tente criar o máximo de espaço possível entre local onde você é criativo e o resto da sua vida nessa sala. Ok, estamos prontos para mergulhar aqui. Antes de fazermos isso, porém, uma última coisa, você verá muitas informações nesta aula, informações altamente condensadas e concentradas Por favor, não espere obter tudo e colocar tudo em uso imediatamente. Eu quase garanto que isso não acontecerá, simplesmente porque tudo está concentrado, você precisará analisá-lo e tempo não apenas para entender os conceitos, mas também para ver como colocá-los em uso. Agora, algumas dessas coisas, sim, acontecerão imediatamente. Só não espere que tudo no curso aconteça imediatamente. Mas essa é a vantagem do compartilhamento de habilidades e de aulas sob demanda como essa. Você tem tantas opções. Você nem precisa assistir a aula inteira de frente para trás imediatamente. Você pode começar com apenas o primeiro trimestre ou talvez as primeiras aulas. As primeiras aulas desta aula certamente podem apoiar sua prática de desenho por semanas ou até meses. Vamos começar essa aula com desenho gestual. Quando aprendi a desenhar com gestos pela primeira vez, não segui em frente por cerca de três meses Você pode fazer o mesmo com essa classe. Ou talvez outra forma de assistir seja, sim, assistir da frente para trás. Nem desenhe nem nada, apenas observe tudo, que você provavelmente poderia fazer em algumas sessões, e depois volte, e depois volte, assista novamente às seções e coloque-as em prática, tendo tempo suficiente para digeri-las antes de passar novamente para o resto da classe Pense nisso como ter um saco de biscoitos na sua frente. Você pode comer apenas um ou dois biscoitos e saborear a experiência Mas se você comer a sacola inteira, ironicamente terá se privado de todo esse prazer Parece que aprender é assim. Geralmente, funciona melhor quando você absorve pequenos pedaços de cada vez, partes digeríveis, as digere e depois passa para a próxima etapa Lembre-se de que, mesmo de terminar os três quartos da aula, é totalmente viável voltar ao início e reforçar alguns fundamentos. Afinal, todas essas classes se baseiam umas nas outras. Se você estiver voltando e consertando algo da primeira parte da aula, isso está, na verdade, ajudando no que virá mais tarde É como consertar fundações precárias de uma casa. Isso ajudará a manter o telhado se você tiver boas fundações. Realmente acho que essa é uma das falhas mais comuns vejo entre os estudantes hoje Só por causa de coisas como Tick Talk, curtas do YouTube e Instagram Reels, todo mundo está acostumado a rolar, rolar e obter gratificação instantânea Desenhar não é assim, infelizmente. Você precisa se dar um tempo. Então eu vou fazer um acordo com você. Farei o meu melhor para apresentar o material da divertida e eficiente possível, mas você precisa desacelerar e ter tempo para absorver tudo Tudo bem Então, vamos lá. 3. Adaptável = contratável: Neste capítulo, veremos o que se pode esperar de você como ilustrador Um tema que notei em meu trabalho é que os clientes variam muito. E porque eu quero fazer isso profissionalmente e ganhar a vida com isso, cabe a mim ser capaz de me adaptar a todos os tipos de Agora, eu tenho um estilo de desenho natural. se eu estivesse desenhando e pintando para mim mesma, costumo trabalhar em um estilo específico. Aquele em que me sinto mais confortável, mas que pode sair pela janela quando trabalho para clientes. Ser adaptável dessa forma com sua arte é algo que os alunos enfrentam com muita frequência Isso não vem naturalmente. Normalmente, talvez apenas um estilo seja natural para alguém e outra coisa possa parecer completamente estranha à primeira vista. Mas com nossas raízes nos fundamentos da arte, devemos ser capazes de nos adaptar a qualquer estilo Como essa é a principal habilidade que torna você contratável, precisamos colocar a adaptabilidade como uma prioridade em Nesta lição, mostrarei primeiro como tive que me adaptar a vários estilos ao longo dos anos e também tentarei explicar como todos eles estão enraizados no mesmo conjunto de fundamentos Vou continuar com uma pequena demonstração em que pinto a mesma imagem básica duas vezes, usando os mesmos fundamentos e o mesmo assunto, mas abordarei essas pinturas de forma completamente diferente Isso lhe dará uma boa compreensão de como os mesmos fundamentos básicos da arte podem impulsionar estilos completamente diferentes Vamos ao que interessa. Tudo bem A primeira coisa que eu gostaria de te mostrar. O que eu tenho na tela aqui são quatro pinturas diferentes, todas as quais eu fiz, e todas elas são feitas em estilos diferentes. Você provavelmente pode ver isso imediatamente. Esta peça com o monstro aqui é feita em estilo cartoon, enquanto esta é mais realista Mas também, se você observar a aplicação da tinta, esta aqui é muito nítida, com muitas bordas recortadas e linhas retas. Há muito poucas curvas nela. As formas parecem muito nítidas e com bordas duras, ao contrário desta , onde as formas são muito macias e retocadas Parece menos uma lâmina de barbear e mais um travesseiro macio, digamos Esta pintura aqui também pode parecer um travesseiro macio, mas nesta, a pincelada é um pouco mais pronunciada Você pode ver quase todos os traços individuais. Comparado a este, em que as coisas são retocadas e Se você observar a forma giratória no focinho de Pete, ela tem uma borda muito macia Por outro lado, se você observar a mudança de forma do monstro, quase poderá contar as pinceladas responsáveis por fazer isso O mesmo acontece em toda a pintura. Na ponte, novamente, você pode contar pinceladas aqui. Nesta área aqui, posso ver os traços rabiscados que fiz Não há nenhum esforço para se disfarçar. Uma filosofia semelhante é verdadeira nesta parte inferior, exceto que, em vez de pinceladas, você recortou formas Parece que as coisas foram esculpidas com um modelo e depois aplicadas à pintura Realmente não há pinceladas aqui. É esse conceito de recortar formas com bordas duras. Esta pintura aqui à direita está em algum lugar entre essas coisas. Definitivamente, é mais parecido dizer isso aqui. As pinceladas são visíveis. Mas, no geral, o efeito que pretendo aqui é mais realismo Agora, não é realismo fotográfico. Não quero induzir ninguém a pensar que isso é uma fotografia. Ainda deveria ser uma pintura. Mas se você ampliar aqui, verá que ainda há pinceladas muito visíveis Na maioria das vezes, não estou tentando disfarçar os pincéis que estou usando Se formos para a personagem principal, Clara, aqui, ela é a mais renderizada, o que significa que ela tem a maior variedade de bordas, das duras às Há também uma grande variedade de tipos de pincéis usados. Você pode ver pequenos brilhos e pontos lá. Misturado aqui com algumas pinceladas mais amplas, onde as pinceladas são mais disfarçadas, misturadas, digamos Se subirmos até a cabeça dela aqui, é a mesma coisa. O formulário tem uma aparência muito suave. Não estou tentando mostrar os traços tanto quanto estava nesta peça Mas, ao mesmo tempo, não quero disfarçar o fato de que se trata de uma pintura feita à mão Na verdade, quanto mais longe você se distancia nesta peça, diminua o zoom, para que você possa ver algum contexto, ver todas aquelas pessoas ao fundo. Se os ampliarmos, quero dizer, veja isso. É meio que uma revelação completa de que se trata uma pintura ou pintura digital, em que estou usando todos os tipos de pincéis digitais para obter um determinado efeito Então, é claro, quando você diminui o zoom, todas essas pinceladas meio que se fundem, e você tem a ilusão de ser uma multidão de O mesmo acontece nessa multidão de pessoas, claro, eu escolhi alguns detalhes aqui e ali, você pode meio que ver a estrutura da cabeça desse cara. Certamente não há olhos ou realmente nenhuma boca lá dentro. Você pode ver essa pessoa aqui, quase parece um crânio, apenas a estrutura básica de um crânio Mas quando você diminui o zoom, todos eles novamente se fundem e esses traços Às vezes, opto por fazer pinturas um pouco mais renderizadas A catedral desta peça só tem um pouco mais de firmeza, digamos que seja estanqueidade na pincelada Agora, não totalmente, você pode ver traços simples como esses, que eu gosto de deixar coisas assim Muitos dos mesmos pincéis pontilhados aqui que eu usei nesse personagem São exatamente os mesmos pincéis porque geralmente uso os mesmos conjuntos de pincéis Mas em outras áreas, como as estruturas aqui em cima, há um pouco mais de atenção na renderização Novamente, não no nível do realismo fotográfico, porque esse geralmente não é meu interesse pela arte Mas você pode ver que há uma atenção específica a ser dada, certificando-se de que essa forma cilíndrica seja muito, muito provavelmente redonda, com transições muito suaves, e provavelmente usei um aerógrafo pelo menos para bloqueá-la garantir uma transição suave antes de adicionar detalhes certificando-se de que essa forma cilíndrica seja muito, muito provavelmente redonda, com transições muito suaves, e provavelmente usei um aerógrafo pelo menos para bloqueá-la e garantir uma transição suave antes de adicionar detalhes. Em outras áreas, como as nuvens aqui em cima, é totalmente abstrato com as pinceladas completamente visíveis, e é somente quando você diminui o zoom que todas elas fazem sentido juntas E sim, esses são zumbis, a propósito. Aqui está outra peça com uma estética muito rígida. É do mesmo projeto que este. Como você pode ver, os dois parecem viver juntos. Se fosse um livro, você poderia absolutamente imaginá-los lado a lado na mesma página. Tudo isso tem a ver com estilo. A abordagem estilística que estou adotando entre essas duas imagens é totalmente consistente Eu estabeleci as regras dessas fotos. Ou seja, é feito de, como eu disse antes, formas de bordas duras e formas que não estão ocultas. Você poderia pegar seu lápis aqui no photoshop e traçar essa forma de luz que está caindo no chão aqui, algo assim Há uma forma muito clara e simples lá. Até mesmo pequenas formas. Eu poderia fazer a mesma coisa com isso. Veja isso, o que é isso, um trapézio Veja essa forma aqui. É como uma caixa entortada Uma das regras que eu tinha para mim nessas fotos é tornar as formas muito simples e geométricas Podemos ampliar esta peça aqui e ver o mesmo tipo de aplicativo. Se você observar a luz e a sombra caindo na grama, estou tentando imitar a luz manchada caindo de uma árvore, mas são triângulos e trapézios, quadrados e retângulos , estou tentando imitar a luz manchada caindo de uma árvore, mas são triângulos e trapézios, quadrados e retângulos, não há realmente nada sutil nas formas. Eles são gráficos e estão na sua cara, e essa é a regra número um desse estilo que estabeleci para mim mesma quando fiz esse projeto. Aqui está outro exemplo de um projeto que analisaremos ainda mais ao longo desta aula. Mas é uma série de conceitos de personagens para o mesmo projeto. O projeto só quer um personagem. É esse personagem chamado Jake, mas eles não tinham ideia de como Jake deveria ser Aqui estão pelo menos 13 designs, e acho que enviei uma página totalmente diferente. Mas você pode ver que, assim como neste projeto aqui, eu me certifiquei de que todos os meus desenhos de Jake fossem feitos com a mesma estética Se eu tivesse que colocar em palavras , são formas meio redondas. Não há nada realmente nítido nisso, embora às vezes exista, sua camisa é uma espécie de abóbora em forma de retângulo Há linhas retas aqui. Você pode traçar uma linha reta descendo todo o corpo dele lá. Mas, na maioria das vezes, é redondo. Sua cabeça é redonda. Essa cabeça, a mesma coisa, é redonda. Mas mesmo quando eu uso retas, se você olhar para o braço dele aqui, quero dizer, sim, essa linha inferior é meio reta, mas você percebe que ela alimenta uma curva graciosa Isso vale até mesmo para as linhas de seu corpo. Essa é uma linha bem reta, mas você percebe que ela alimenta um sapato arredondado Sempre que uso retas, tento elogiá-las com as redondas, só para ter certeza de que são agradáveis, amigáveis e suaves As formas redondas tendem a parecer um pouco mais amigáveis com muitos desses esboços Você pode até ver meus problemas. Veja esta área aqui, você pode ver minhas marcas de esboço desbastadas Se você notar que essas marcas de esboço mostram que estou pensando em arredondamento fazendo assim Só depois de fazer alguns esboços é que encontro a forma final que quero usar Claro, todos esses são exemplos de como eu tenho que ser adaptável como artista Se esse cliente vier até mim a partir desse projeto e quiser uma certa aparência recortada, bem, se eu enviasse esses desenhos para esse cliente, ele diria: “Isso não vai funcionar”. Ou se eu tivesse esse cliente aqui que obviamente é da Disney, esses são personagens da Disney, eles queriam aquele visual bonito, quase aerografado em que você chama menos atenção para a abordagem da pintura, e se torna muito mais sobre apenas ler os personagens e fazer com que eles se sintam bem, macios e agradáveis aos Já com esta pintura aqui, esta é uma das minhas peças pessoais. Vou escolher uma combinação em que quero que seja agradável, macia e agradável aos olhos, mas também quero atrair você para o tipo específico de pincelada que estou usando Eu quase quero que você sinta a energia do meu braço enquanto eu pintei isso. Você pode ver e sentir como seria pintar esses traços É isso que eu vou fazer aqui. Isso geralmente é o que eu busco no meu estilo pessoal. Este projeto aqui exigiu uma pequena adaptação. Eu ainda quero que você sinta a energia dos traços, mas eu tinha que estar atento aos pontos focais, essas áreas aqui onde isso parecer um pouco mais próximo disso, onde você apenas percebe a onde você apenas percebe renderização do personagem e menos a Mas, novamente, como mostrei antes, quando você vai para o fundo, é mais assim, onde sim, você pode dizer qual é o assunto, esta é uma estátua de alce gigante, mas há muito mais atenção na pincelada física que ela é inserida nela Aqui está uma feita para o mesmo projeto que este. Eles fazem parte do mesmo livro. Esse é outro projeto da Disney. Eu pude ilustrar a versão em livro do filme deles sobre biscoitos de nozes de 2017, 2016 e 2017, e essas são minhas ilustrações desse Novamente, este aqui é mais renderizado. Podemos ampliar e ver como estou usando bordas mais suaves para realmente mostrar apenas o arredondamento da forma Mas como eu quase sempre tento fazer. Ainda estou encontrando áreas para deixar evidências das pinceladas Mas em áreas onde o ponto focal é como o rosto dela, estou tentando ser muito suave e muito renderizada nessa área E o mesmo com a mão, isso também é uma grande parte do foco. Estou tentando ser um pouco mais renderizado com a mão. Se aumentarmos o zoom, você pode ver que estou mesclando e meio que desfocando minhas bordas Eu usei muita ferramenta de borrar para isso e aerógrafo Ainda consigo ver evidências do meu bloqueio aqui, para o qual uso meu pincel pontilhado, que adoro usá-lo Isso me faz sentir livre para pintar o que quiser antes de fazer os traços finais Mas, de qualquer forma, espero que isso lhe dê uma visão geral de como é, pelo menos no contexto da minha própria carreira, de como tive que me adaptar a diferentes projetos e falar sobre estilos diferentes Você pode ter a pergunta, bem, como você faz isso? Como você pula e um camaleão entre diferentes estilos A resposta para isso, como mencionei na introdução desta aula, é conhecer Se você sabe o que está fazendo fundamentalmente com uma foto Por exemplo, adicionar luz versus sombra, isso pode ser feito em 1 milhão de estilos diferentes. Mas para fazer isso, primeiro você precisa saber o que é luz? O que isso faz? O que é sombra? O que isso faz? Como eles se relacionam em uma foto? Essas não são questões estilísticas. Essas vão além do estilo, como as fundações de uma casa, e são questões fundamentais Para solidificar ainda mais esse conceito para você. Quero fazer uma pequena demonstração que pinto a mesma coisa duas vezes, mas em dois estilos diferentes com abordagens diferentes. Aqui vamos nós. Eu tenho duas telas aqui e vou pintá-las simultaneamente. Vou seguir a mesma abordagem em cada uma e elas estão relativamente sincronizadas, para que você possa comparar cada etapa do processo. Você terá uma visão clara de como os fundamentos são os mesmos em ambos, mas a abordagem e, portanto, a estética visual ou o estilo resultantes são diferentes entre os dois Você já pode ver à esquerda que estou usando muito mais pinceladas e, à direita, estou usando apenas aquelas formas recortadas, semelhantes aos projetos que mostrei Em ambos os casos, porém, prefiro um fundo superior escuro e um fundo inferior claro. Eu vou imaginar que a parte inferior da imagem é como o chão, e haverá uma bola no chão, que eu estou bloqueando aqui. É claro que, à esquerda, estou usando um pincel para bloquear a bola e, à direita, estou usando aquela seleção irregular E isso já ilustra o princípio básico em jogo aqui. O fundamental é que estamos retratando uma bola nesta foto Mas a maneira como abordamos essa bola difere completamente de uma imagem para outra. Por exemplo, à esquerda, estou adicionando sombras apenas com um pincel redondo, pintando, e agora, à direita, adicionarei essas mesmas sombras mas com uma ferramenta de seleção e, em vez de pintá-las com um pincel, usarei preenchimentos de cores básicos Cada um desses preenchimentos de cores à direita pode ser ajustado, o que estou fazendo agora Veja a sombra na bola à esquerda. Observe como é muito escovado. Agora veja o que está acontecendo na imagem certa. Estou bloqueando na mesma sombra, mas novamente, com um preenchimento de bordas rígidas com precisão de pixels Vou usar essa mesma técnica agora para acender as luzes da bola. Observe que estou fazendo a mesma coisa na pintura à esquerda, mas eu construí essas luzes novamente com um pincel. À esquerda, estou pressionando levemente meu tablet para misturar esses tons e cores. Já na pintura certa, isso não é possível. Estou me restringindo a preenchimentos de cores rígidos. Não há mistura suave. A mistura é outro desses fundamentos. Eu posso imitar a mistura à direita. Eu só tenho que fazer isso com formas tom muito próximas, sem grandes mudanças de uma forma para outra. Basta observar as regiões sombreadas das duas esferas, a esquerda e a direita, e observar como ambas têm o fundamento da mistura suave, mas são obtidas de duas maneiras completamente diferentes Quase parece que dois artistas diferentes os pintaram. Claro, esse é o poder de ser adaptável. Você pode imitar a aparência de artistas muito diferentes. É isso que o torna intrinsecamente contratável ou desejável para Há muito mais versatilidade do que se você se especializasse apenas em uma coisa E sim, existem muitos artistas por aí que se especializam apenas em uma coisa Mas também acho que o mercado mudou muito na última, digamos, década ou mais, artistas têm mais sucesso quando conseguem se adaptar Afinal, essa é a natureza do negócio. Clientes diferentes têm necessidades diferentes, necessidades diferentes exigem estéticas e estilos É sempre atraente para uma empresa se você puder lidar com isso. Na prática, uma empresa ou cliente prefere trabalhar apenas com um artista, alguém que eles conhecem e confiam, que precisa encontrar um artista diferente a cada vez. Por exemplo, trabalhei bastante para a Walt Disney Publishing Você acabou de ver alguns exemplos disso na seção anterior. O diretor de arte sempre me envia e-mails e diz: Ei, Marco, aqui está o estilo do próximo livro Você se sente confortável trabalhando dessa maneira? Como sempre pude dizer que sim, me sinto confortável trabalhando dessa maneira, posso literalmente contar o número de empregos que consegui que não teria conseguido se trabalhasse apenas em um estilo. Provavelmente trabalhei por anos dessa forma. Novamente, tudo isso se deve aos fundamentos. 4. Como ser contratado: conselhos da indústria: Um dos maiores debates que você terá que resolver por si mesmo gira em torno da questão: devo ser generalista ou especialista Um generalista é alguém que tem habilidades em todos os lugares: design de personagens, que envolvem poses e reviravoltas, folhas de expressão até arte conceitual, ser capaz de visualizar algo em uma pintura muito rapidamente, ambientes, colocar personagens em segundo plano ou apenas planos de fundo sem personagens , e talvez até tem habilidades em todos os lugares: design de personagens, que envolvem poses e reviravoltas, folhas de expressão, até arte conceitual, ser capaz de visualizar algo em uma pintura muito rapidamente, ambientes, colocar personagens em segundo plano ou apenas planos de fundo sem personagens, e talvez até o fim. até a ilustração finalizada. Que pode combinar personagens e planos de fundo, bem como ferramentas pesadas de direção de arte como iluminação e composição, coisas assim Um generalista é alguém cuja aptidão abrange todo Um especialista, por outro lado, é alguém hiper-hiperfocado em apenas uma coisa Você vê isso em todo lugar na indústria. Uma muito comum, por exemplo, seria alguém ser designer de personagens, e isso é tudo que eles fazem. Eles nem mesmo tentam criar ambientes. Você geralmente verá essas coisas refletidas nos portfólios de artistas Se alguém é generalista, então você pode ver o personagem aqui no ambiente aqui, ou se alguém for um especialista, ao ver seu portfólio, você deve esperar ver apenas personagens Agora, quando se trata de estilo, acho que há uma resposta muito clara: você deve ser generalista Em termos de estilo. Você deve ser capaz de desenhar e pintar em vários estilos diferentes. Claro, acabamos de falar sobre isso na discussão anterior. Na minha opinião, você só está dando um tiro no próprio pé se só puder fazer um estilo. Se a arte é seu hobby , tudo bem. Um estilo é tudo o que você precisa. Mas essa aula tem como tema ser contratável, e uma das melhores e mais óbvias coisas que você pode fazer por si mesmo nessa área é ser capaz de se adaptar a diferentes estilos Mas voltando ao assunto por um segundo. Não há uma resposta fácil. Também não há uma resposta certa ou errada. Todo mundo é diferente. Todo mundo tem diferentes aptidões, interesses e conjuntos de habilidades Embora você possa expandir seu conjunto de habilidades, que é o que espero fazer nesta aula aqui com você, provavelmente é razoável supor que você se sinta mais confortável com uma coisa. É aqui que posso começar a falar pessoalmente. Percebi que meu próprio foco meio que mudou ao longo dos meus anos na arte. Comecei a me interessar principalmente por personagens. Na verdade, eu queria ser animador de personagens, então tudo que fiz foi desenhar e tentar animar Foi apenas alguns anos depois, cerca de quatro anos depois, na verdade, que descobri que adorava pintar e não apenas pintar personagens, mas pintar planos de fundo e ambientes Isso me pegou totalmente desprevenido, mas eu apenas segui meu coração nessa. Substituí personagens por ambientes e realmente fiz disso meu foco novamente nos próximos anos. Agora, eu finalmente fechei o círculo e me casei com os dois. É claro que nunca me esqueci totalmente dos personagens. Consegui juntar os dois. Lembre-se de que isso ocorre ao longo de vários anos. Mas descobri que, para mim, era natural ser generalista, que significa que eu tinha habilidades em diferentes áreas e as combinaria Não só isso, mas eu também queria criar ilustrações finalizadas, coisas que tivessem personagens e planos de fundo que você não tivesse a sensação de que uma é feita melhor do que a Eles sentem que moram juntos. Há muito tempo, essa tem sido minha motivação como artista, ser generalista Isso tem feito maravilhas para mim como freelancer, porque, é claro, os clientes podem vir até mim para todos os tipos de O problema que descobri em ser generalista é que os grandes estúdios, seus Pixars, Dreamworks ou Sonys, têm muito mais dificuldade em olhar para você e decidir onde você se encaixaria Porque você pode fazer um pouco de tudo, a psicologia, eu acho que com um grande estúdio é que eles provavelmente prefeririam procurar um especialista porque eles se encaixam perfeitamente nessa Agora, embora eu tenha trabalhado em grandes estúdios antes como freelancer, maior parte do meu trabalho na verdade não foi para a maior parte do meu trabalho na verdade não foi para as AA Pixars do mundo, ou se foi, por exemplo, trabalho para a Disney há quase dez anos Muito do meu trabalho na Disney está no departamento editorial, onde eles podem usar um conjunto de habilidades generalistas para fazer ilustrações completas Mas alguém como a Pixar ou a Sony não está realmente procurando por isso, exceto pela fase de arte conceitual, mas essa tende a ser uma etapa breve no pipeline de produção A maioria dos artistas empregados nesses estúdios são especialistas. Lembre-se de que estúdios maiores podem se dar ao luxo de empregar pessoas com base em suas especialidades, e a descrição do trabalho nesses estúdios será muito clara Queremos cumprir um papel de design de personagens. Por serem grandes estúdios, se você for um generalista, poderá estar competindo com os melhores designers de personagens do mundo que passaram toda a vida artística se concentrando nessa habilidade e, como você ampliou seu conjunto de habilidades, talvez tenha mais dificuldade em competir nessa Portanto, se seu objetivo é trabalhar especificamente nos maiores estúdios do mundo, novamente, na Pixars e na Sonys, você provavelmente deveria ser um especialista No entanto, descobri que, em minha carreira, pude trabalhar para todos os tipos de estúdios, novamente, às vezes grandes estúdios, mas muitas vezes como estúdios como a Haspro, que é uma grande empresa de brinquedos, mas eles têm uma Eles tinham o orçamento para passar cerca de um ano montando um longa-metragem. Ainda não foi feito . Acho que está em produção no momento, embora eu não tenha certeza. Eles estavam contratando principalmente generalistas para fazer todos os tipos de trabalho O trabalho que fiz foi pegar algumas ideias de personagens que outra pessoa havia feito e as coloquei em duas ilustrações E nessas ilustrações, um dos meus trabalhos como artista conceitual não era apenas colocar os personagens em ilustrações, mas inventar e projetar os ambientes em que esses E com isso veio muito parecido com o design de iluminação. Eu teria que integrar os personagens em um ambiente iluminado da maneira que eu o veria iluminado. E foi um bom tipo de teste para ver se os designs de seus personagens poderiam viver nesse tipo de ambiente. Eu fiz muitos trabalhos como esse. Trabalhos que exigiam que eu percorresse gama de personagens a ambientes, combinando-os na maioria das vezes Outro exemplo seriam os livros infantis. Você absolutamente precisa ser um generalista se quiser trabalhar em qualquer tipo de publicação Normalmente, com a publicação, você não tem realmente uma seção de design de personagens e uma seção de design de ambiente. É apenas um artista no caso da maioria dos livros infantis, ou se for uma equipe pequena, o que às vezes pode Eu escrevi livros em que somos dois, mas os dois artistas tendem a ser generalistas, meio trabalhando juntos e reunindo sua Pela minha experiência, os editores preferem trabalhar com apenas um artista, e esse artista pode idealmente fazer tudo Agora, lembre-se de que um generalista, que é o que eu sou, não significa que você está bem em tudo Você deve ser bom em tudo. Agora, isso leva tempo. Eu venho fazendo isso há cerca de 20 anos , mas em algum momento, acho que você pode desenvolver a habilidade para chegar ao ponto competir com um designer de personagens especializado, embora provavelmente não possa competir com reputação e a experiência dele, porque um especialista poderá acumular muitos trabalhos de design de personagens nos quais você talvez não consiga fazer isso. como generalista Mas isso não quer dizer que suas habilidades sejam inferiores às de outra pessoa, que é especialista. Quanto mais você trabalha nas coisas, mais suas habilidades se desenvolverão. Para vincular esse conceito aos próximos capítulos desta aula, os capítulos que você está prestes a ver logo depois disso, estamos prestes a trabalhar em todos os nossos O bom dos fundamentos da arte é que os fundamentos da arte são, por natureza Você pode aplicá-las a qualquer coisa. Vamos fingir que você quer ser um especialista. Não diga para si mesmo: Oh, eu quero fazer personagens. Isso significa que eu não preciso aprender sobre cores. Não, não faça isso porque você se limitará. A natureza dos fundamentos da arte é que todos eles se entrelaçam Todos eles andam de mãos dadas. Não há nada errado em sua própria ilha. Mesmo algo como cor, você pode pensar que a cor não está relacionada ao desenho. É verdade, há um pequeno abismo, mas ao longo de muitas, muitas pinturas, você ficaria surpreso com a forma como a cor pode influenciar suas formas e seu desenho Isso me leva ao próximo ponto sobre trabalhar para estúdios. Lembre-se de que a maioria dos estúdios que existem no mundo não são seus Pixars, Soonys e Dreamworks Há estúdios menores. Na minha experiência, é benéfico ser generalista em um estúdio menor, porque estúdios menores geralmente não têm orçamentos muito altos para contratar especialistas em Além disso, se for um estúdio pequeno, eles não atrairão a atenção desses especialistas como a Pixar Então, ser generalista me levou a fazer muito do meu trabalho em estúdios menores Às vezes, até estúdios muito pequenos, que ainda podem pagar, é claro. Mas até estúdios maiores que talvez estejam um passo abaixo dos Pixars Apenas uma nota rápida sobre isso. Quando eu era mais jovem, quando tinha uns 20 anos, achava que uma carreira artística valia nada se você não estivesse trabalhando para cachorros grandes, não me sinto Esse é o meu trabalho. É assim que eu ganho dinheiro. Eu tenho uma família agora. Se alguém quiser me pagar pelo meu trabalho, seja para uma editora de mãe e pop para a qual eu trabalhei antes, até uma Dreamworks Realmente não importa para mim. Não sinto mais a necessidade de ver meu nome em uma sequência de crédito da Dreamworks Isso vem de alguém que teve seu nome em várias sequências de crédito Para mim, eles são todos iguais depois de 20 anos fazendo isso. Eu realmente não me importo mais se é um grande estúdio do qual todos já ouviram falar ou um pequeno estúdio do qual ninguém ouviu falar. Se eles te pagarem, isso é o importante. Lembre-se de que seu objetivo aqui é ser contratado para seu trabalho. Se seu objetivo é eventualmente trabalhar na Pixar, reserve um tempo para escalar aquela montanha e alcançar esse pináculo Provavelmente não vai acontecer logo após a faculdade. Falando em estúdios e sendo contratado por estúdios. Realmente cabe a você examinar os estúdios nos quais você pode se inscrever ver quais são seus projetos e adaptar seu Falarei um pouco mais sobre portfólio e mostrarei alguns dos meus portfólios no final desta aula Considere esta primeira parte da discussão, que abordaremos mais tarde. Mas é muito inteligente observar o que um estúdio produz e tentar trabalhar nesse sentido. Se você é especialista ou generalista, não importa Dedique algumas semanas, dias ou meses, seja o que for, para montar uma coleção de trabalhos que pareçam ter saído daquele estúdio. A outra dica rápida que tenho sobre como criar seu portfólio e montar um conjunto de trabalhos que pareça coeso é tentar reduzir a quantidade de ofertas únicas que você mostra Uma delas significa: Oh, hoje, eu fiz uma foto de um personagem de cachorro Ah, e agora eu estou fazendo uma cena de deus grego. Ah, e amanhã, eu vou fazer uma cena de desenho animado de Bob Esponja com uma calça quadrada Não me interpretem mal. É ótimo fazer todas essas coisas. Mas se seu portfólio está constantemente saindo do campo esquerdo, mesmo como generalista, é difícil para as pessoas realmente saberem no que você é bom Tente montar uma coleção de trabalhos que seja geral, mas pareça uma visão coesa, ou monte um projeto em que você esteja criando ambiente de um filme ou jogo singular, por Você sabe, aqui está uma página de desenhos de templos maias. Agora, aqui está uma página de personagens que caberiam naquele templo maia E veja na próxima página, aqui está um exemplo desses personagens na verdade, no ambiente do templo maia Portanto, você tem três ou quatro páginas de um projeto ou IP coeso que pode desenvolver mostrar ao seu potencial empregador 5. Como ser contratado: conselhos da indústria continuada: Lembre-se de que, quando as pessoas olham para seu trabalho, provavelmente o veem pela primeira vez, a menos que já conheçam você, algo sobre o qual falarei também na próxima seção, essa forma de networking. Mas você deve considerar a ideia que um cliente verá seu trabalho pela primeira vez e ninguém paciência para realmente sentar e estudar seu trabalho. Eles vão folhear isso. Ou provavelmente hoje em dia, eles vão percorrê-lo. Rolar é ainda pior porque rolar em um telefone ou computador é muito mais rápido do que virar as páginas de um mais rápido do que virar as páginas de Se você conseguir atingir alguém com várias imagens coesas, isso quase se torna uma afirmação no cérebro de seu potencial empregador, e isso coloca você mais na vanguarda da Quando se trata de curadoria e criação de portfólio, provavelmente é um pouco mais fácil ser um especialista Por exemplo, se você estiver fazendo personagens, você simplesmente preencherá esse portfólio com personagens. Claro, estilos diferentes, como mencionamos, mas uma página pode ter vários caracteres colados juntos Então, a próxima página pode conter explorações detalhadas de um personagem Outra página seria uma reviravolta tridimensional desse personagem Ele flui de forma bastante lógica. Se você estiver fazendo ambientes, talvez tenha miniaturas, uma página E talvez composições maiores, na próxima página, então talvez estudos isolados de cada elemento no ambiente em outra página E talvez na próxima página, depois disso, uma bela e bela renderização completa desse ambiente E depois disso, você vai para o próximo ambiente. Então, você sabe, sendo um especialista, é muito simples, que você vai querer focar em seu portfólio e como organizá-lo. Mas o mesmo princípio é válido. Não deixe tudo sair do campo esquerdo. Por exemplo, acho que cada página não deveria ter caracteres diferentes em todos os lugares. Escolha um e explore-o. Roupas diferentes, poses diferentes, reviravoltas diferentes, ângulos diferentes Passe algumas páginas sobre esse personagem antes de passar para o próximo. Em geral, não caia na armadilha do campo esquerdo. Lembre-se de que quando um estúdio ou uma equipe de produção contrata um artista, é muito diferente uma pessoa contratando você por uma comissão Para uma comissão, é única, e eu não estou realmente falando sobre comissões nesta classe As comissões são ótimas, mas não são uma forma confiável de ganhar a vida Eu recomendaria que você construísse sua carreira trabalhando em projetos. Seja com equipes de artistas, como em um filme ou jogo, ou como em um projeto de livro, onde você pode ser o único artista, mas é um livro com 32 páginas, por exemplo. Esses projetos exigem mais de você como artista, porque, digamos se você é um designer de personagens, precisará colocar um personagem em poses diferentes, ângulos diferentes, fotos diferentes, composições diferentes, expressões faciais diferentes Se você é um artista ambiental, precisará fazer a mesma coisa, mas com iluminação diferente nesse ambiente, ângulos diferentes, composições diferentes, espírito e sensações diferentes Se você é generalista, quem sabe o que eles vão jogar em você, mas eles esperam que você jogue bola a cada passo do caminho Você precisa ter as habilidades para acomodar isso. Obviamente, apareça para trabalhar todos os dias ou em seu estúdio em casa todos os dias como freelancer, pronto para qualquer tipo de desafio que eles possam lhe oferecer Acho que esse tipo de trabalho em projeto experiência muito mais valiosa porque completa seu conjunto de habilidades Você tem uma coisinha legal para escrever em seu currículo ou currículo. Se for um projeto, especialmente um projeto maior, provável que as pessoas tenham ouvido falar desse projeto quando estiverem contratando você daqui a um ano. Por outro lado, se tudo em que você está se concentrando são comissões individuais, digamos, para a campanha de Dungeons and Dragons de alguém, ela não terá o mesmo impacto quando se trata de seu currículo ou algo parecido se trata de seu currículo Não parece exatamente o mesmo no papel quando você diz que eu criei o personagem orc da campanha Breeze DND do meu amigo . Mas vou deixar as piadas à parte Esse tipo de trabalho é ótimo. Simplesmente não são os alicerces de uma carreira. E nesta aula, estamos vendo a arte como uma carreira contínua, algo que você pode desenvolver nos anos e anos em que estará fazendo isso. Suponho que, nesse contexto, as comissões sejam ótimas. Basta fazê-los ao lado. Enquanto você concentra a maior parte do seu tempo no trabalho de um projeto. De qualquer forma, é o que eu recomendo. Novamente, sou apenas uma pessoa, falando por experiência própria. Mas depois de fazer isso por 20 anos, espero que essa experiência tenha algum peso para você. Ok, o assunto sujo. Você deve usar a IA? Eu não recomendo isso. Não quero transformar essa aula em um debate sobre a ética da IA. Eu sei o suficiente para saber que todo mundo meio que tem sua opinião sobre isso Eu pessoalmente não o uso. E parte disso é que eu tenho problemas éticos com isso. Mas também acho que, com bons fundamentos e boas habilidades, você é melhor do que a IA. Você não precisa disso. Sabe, se eu precisar de referência para alguma coisa, vou fazer uma boa e velha pesquisa no Google. Não preciso usar a IA para me dar as respostas para um problema. Quero resolver as respostas para o meu problema com meu próprio cérebro artístico. Parece que ferramentas como a IA contornam isso e fornecem respostas prontas. Bem, elas nunca serão pessoais porque não é você quem as resolve Nesse sentido, acho que as plataformas de IA tentam oferecer demais. Eu só sinto que, mais devagar. Eu quero resolver os problemas em cada etapa do processo, não um algoritmo. Como a IA realmente se reduziu à barreira de entrada, que já era baixa, mas a IA caiu no chão, agora você estará competindo com usuários de inteligência artificial Mas eu digo que, como uma boa notícia, é que a IA geralmente é muito fácil de identificar, e eu sei que muitas pessoas na indústria e artistas geralmente a rejeitam. Conheço ativamente pessoas que, se veem IA no portfólio de alguém, não estão sendo contratadas porque o uso da IA, especialmente o uso excessivo ou óbvio dela, projeta a mensagem de que você é um artista preguiçoso Quero dizer, se você vai deixar um computador fazer o trabalho por você, por que eu vou te contratar? Agora, obviamente, eu não posso controlar, nem quero controlar sua bússola Se você concorda eticamente com o uso da IA, eu recomendaria fazer um favor a si mesmo e não usá-la para nenhum trabalho finalizado, talvez gere referência com ela Novamente, eu não vou fazer isso, mas se você for, certifique-se de que a maior parte dos problemas que você está resolvendo venha de você. Afinal, é isso que vai tornar um artista diferente do outro. Suas soluções exclusivas para um problema, que estão todas agrupadas e vinculadas à sua própria personalidade e ao seu próprio caráter. Para encerrar esta seção antes de começá-la no final da aula, estamos prestes a começar a falar sobre os fundamentos aqui Mas para encerrar esta seção, há mais uma coisa sobre a qual quero falar. Ou seja, você deve fazer um teste não remunerado para que um estúdio seja contratado Essa era uma prática extremamente comum nos anos 90 e início dos anos 2000 Comecei como profissional no início dos anos 2000 e fazer testes não remunerados era quase uma e fazer testes não remunerados era quase É como se, claro, você fizesse um teste não remunerado. Isso mudou agora porque as pessoas o veem como explorador, o que é Mas eu não gosto do teste não remunerado. Em primeiro lugar, se você tem um portfólio forte e obtém uma boa reação de um potencial empregador, eles perguntam se você faria esse teste para provarmos que você é bom para o projeto. Obviamente, depende de você dizer sim ou não, mas eu recomendo fazer algumas perguntas. A primeira pergunta é: você tem algum tipo de orçamento para isso? Mesmo que não seja o que você acabará me pagando pelo trabalho, você tem algum tipo de orçamento alocado para seus testes Além disso, certifique-se de que eles não estejam pedindo que você faça o trabalho de produção como teste, especialmente se não for remunerado Se for um teste pago, isso é meio diferente. Então não é realmente um teste, é um trabalho, apenas um trabalho menor que pode levar a mais. É assim que eu vejo isso. Se for um teste pago, você deve ser capaz de realizar o trabalho de produção sem problemas. Porém, se não for remunerado, certifique-se de não estar trabalhando para o projeto deles ou, se estiver, certifique-se de ter algo por escrito, muito importante que seja por escrito, informando que eles não podem usar isso Talvez, a menos que você seja contratado para ser esse artista, talvez você possa elaborar um modelo de compensação, algo que eu já fiz antes. Eu fiz um teste não remunerado em que, quando eles me contrataram, permiti que eles o usassem, mas eles pagaram por isso Geralmente acho que quanto mais experiência você tem, menos disposição você deve estar para fazer um teste, porque sua experiência e seu portfólio devem ser todas as evidências de que alguém precisa para contratá-lo. Na verdade, fui convidado para fazer um teste no ano passado, fiquei irritado e meio que ri como um teste, tenho todo esse trabalho que fiz Por que fazer quais informações possíveis você ainda não tem? Mas eles queriam um teste e eu consegui negociar um pequeno orçamento para ele Acho que negociei 250 dólares. Eu fiz o teste em cerca de dois dias, então funcionou. No entanto, se você é novo na área e não tem experiência, acho que, e esta é apenas minha opinião, você pode jogá-la pela janela Acho que deveria ser mais receptivo a fazer um teste, mesmo que não seja remunerado, mas certifique-se de que eles não estejam lhe dando uma tarefa enorme Você sabe, sem reviravoltas completas de personagens, talvez apenas um esboço de personagem ou uma obra de arte conceitual que pode levar algumas horas Nada que o faça passar pelas etapas de produção, todas sem remuneração e sem garantia de que você conseguirá o emprego no final de qualquer maneira Mas estou falando com você por experiência própria aqui Fiz testes para os quais consegui Agora, mais uma vez, não fiz nenhum teste, menos aquele pelo qual fui pago há um ano Eu realmente não faço um teste há uma década porque, com a experiência, as pessoas sabem o que você é. Mas se você é novo, talvez queira considerar isso como parte do custo de fazer negócios e entrar. Novamente, apenas minha opinião, sinta-se à vontade para jogá-lo pela janela se você não gostar disso. A triste realidade é que, para cada teste que você se recusa a fazer, haverá outros artistas que o farão É uma daquelas 22 coisas que pegam. Suponho que esse pequeno segmento aqui seja apenas um aviso sobre isso. Você tem que pesar aspectos práticos contra a ética pessoal, contra Acho que se isso resultar em um emprego bem remunerado, vale a pena fazer um teste não remunerado, mas nunca faça um teste não remunerado a menos que você pergunte primeiro se há um orçamento, porque muitas vezes Ou se alguém está pedindo que você faça um teste e está procurando uma linha de trabalho específica, talvez você já a tenha, mas ela não estava em seu portfólio Você poderia dizer: Oh, aqui, eu tenho algo parecido. Dê uma olhada nisso. Isso satisfaz suas necessidades? Considere isso como um sinal de que eles não têm certeza, talvez como falar com um artista ou como avaliar o trabalho de um artista. Porque lembre-se de que muitos de seus clientes provavelmente não serão artistas, e alguém que não é artista tem dificuldade em avaliar o trabalho de um artista Eles sabem que gostam, mas não sabem exatamente se você pode fazer o que eles querem que você faça. No final, é claro, tome sua própria decisão. Nada disso é relevante se você não tem bons fundamentos de arte Quando se trata de ser contratado como artista ilustrador, designer de personagens ou quem quer que você queira ser, você precisa de bons Vamos mudar de marcha nesta classe agora. Examine vários fundamentos. Tudo, desde personagens, gestos, formas, cores e luz, estudos, ambientes, ilustração Vamos analisar tudo isso e, logo depois disso, voltaremos às coisas sobre habilidades do usuário, portfólios e como abordar pessoas, coisas assim, e terminaremos a aula com isso. Aqui vamos nós. Vamos mudar de assunto e entrar em alguns fundamentos da arte. 6. Personagens: desenho por gestos: Como estamos intimamente familiarizados com aparência, o comportamento e o comportamento das pessoas, desenhar pessoas é um ótimo lugar para começar a formar seus Seja você vendo sua própria arte ou outras pessoas vendo sua arte, desenhando pessoas, ficará muito óbvio se algo simplesmente não parecer certo. Porque, novamente, todo mundo tem essa experiência interpessoal Portanto, desenhar pessoas é um ótimo barômetro com o qual você pode avaliar Claro, também é muito útil porque você provavelmente estará desenhando muito pessoas ou personagens Quando se trata de desenhar pessoas, o primeiro aspecto a entender é o conceito de pose. Posar está relacionado à forma como as pessoas se movem ou se comportam, sua linguagem corporal A linguagem corporal é uma daquelas coisas universais que todo mundo entende. Ela cruza países e culturas. Se alguém está correndo para pegar um trem ou apenas esperando o café, a maneira como posam pode nos dizer muito sobre essa pessoa. Até mesmo eu sentado aqui agora, eu poderia estar sentado assim, projetando uma certa imagem, ou eu poderia estar sentado assim, que projeta uma imagem totalmente diferente Qual foi a mudança lá? Bem, um, os ombros estão para trás, o peito está para fora e o outro, os ombros estão para cima, os braços estão para dentro, tudo está mais apertado há um mundo inteiro de diferenças de linguagem corporal sem muitos movimentos físicos entanto, há um mundo inteiro de diferenças de linguagem corporal sem muitos movimentos físicos, e você tiraria conclusões meu personagem com base na minha postura É nisso que estamos interessados nesta lição, como observar e, finalmente, capturar essas coisas. A melhor parte de tudo isso é que capturar poses pode ser feito rapidamente com o conceito de desenho gestual O desenho com gestos foi onde eu comecei quando era uma jovem estudante. Na verdade, eu não era tão jovem, tinha 19 anos, mas o gesto é o primeiro conceito que conheci como habilidade profissional Não desenharemos linhas finalizadas em um gesto. Um desenho gestual visa capturar o movimento ou a sensação de uma pose, usando linhas muito amplas, que eu as chamo de rítmicas, e abordaremos o que isso significa imediatamente Nesta lição, trata-se de analisar o que é importante, separar isso do que não é importante em uma pose e colocá-la na página rapidamente, e colocá-la na página com energia e atitude Esse passe de gestos é o que captura a vida na página, e esperamos preservar essa vida até o produto final Esta lição também dá início nosso primeiro projeto oficial de aula, então vamos começar A primeira coisa que eu gostaria de estabelecer aqui é o que eu quero dizer com linhas rítmicas. Bem, vamos primeiro dar uma olhada no que não é uma linha rítmica. Coisas assim. Você pode estar acostumado a desenhar onde suas linhas são todas muito curtas e delineadas dessa forma e está tentando chegar a um contorno finalizado Por exemplo, se você estivesse desenhando a cabeça de alguém, você poderia desenhá-la assim. Aqui está o formato da cabeça assim, e aqui está o nariz e aqui estão os olhos. Você pode pensar em desenhar dessa maneira , tentando chegar imediatamente a esses contornos finalizados Isso não é desenho rítmico e não é desenho gestual Você pode desenhar dessa maneira, mas eu recomendo mudar seu foco para outra coisa As linhas rítmicas se parecem mais com isso. Eles capturam movimentos amplos pela página ou não apenas pela página, mas por meio da pose ou do formulário, do assunto, da composição, seja lá o que você estiver aplicando. Acho que se você olhar os traços que acabei de fazer na página, poderá sentir a energia deles O que quero dizer com energia é que espero que você possa sentir a maneira como minha mão está se movendo quando eu faço esses movimentos, só de olhar para Pense nisso quase como uma montanha-russa, onde você está traçando o caminho ou a trajetória Qualquer ponto na fila não é importante. O importante é que isso suba, como uma montanha-russa, pare no topo e desça. E como se você estivesse andando nessa montanha-russa, você pode sentir os empurrões e puxões que você é impulsionado junto Com o desenho com gestos ou qualquer tipo de desenho, existem três linhas básicas que você precisa conhecer Elas são comumente chamadas de curvas C, que se parecem com a letra C, curvas S, que se parecem com a letra S, ou retas, que são apenas Agora, é importante que você não interprete essas letras literalmente. Por exemplo, uma curva C não precisa se parecer exatamente a letra C. Isso aqui também é uma curva C, ou que tal invertê-la assim Essa também é uma curva C. Uma curva C poderia ter seu gancho mais no topo e depois descer mais graciosamente dessa Eu também chamaria isso de curva C. Eles são coisas muito livres. Uma curva S poderia ter essa aparência. Pode parecer que eu digo isso. Essa é uma combinação de duas curvas S, mas você entendeu Pode ser largo e apertado assim, ou pode ser amplo e gracioso assim Ou qualquer coisa intermediária. Uma reta não precisa ser perfeitamente reta assim. Pode ser reto assim. Eu diria que tem uma curva s sutil, mas eu classificaria isso como uma reta Obviamente, as retas podem ir em qualquer direção. Eles também podem ter qualquer comprimento. Você percebe que quando eu desenho essas linhas rítmicas, eu faço vários traços para estabelecer que isso tem tudo a ver com esse conceito Estou tentando sentir esses ritmos no meu corpo. Por exemplo, eu comparo as retas a carregar muito peso ou a conter energia muito pontiaguda Falaremos sobre isso na próxima seção. Mas quando eu desenho uma linha reta, eu realmente tenho a intenção de anotá-la fortemente, ficando confiante com minha mão Por outro lado, digamos que quando eu desenho uma curva S, é uma experiência mais fluida, um pouco mais lenta Estou desenhando isso um pouco mais devagar, como se estivesse em um rio lento, um pouco mais gracioso, tentando senti-lo Se eu não gostar de onde esse foi parar, não preciso apagá-lo, posso simplesmente desenhar sobre e talvez ficar um pouco mais escuro ou talvez um pouco mais grosso à medida chego a algo mais parecido com o que eu tinha em mente, ou apenas algo que pareça certo quando eu o coloco E uma curva C para mim também é como uma curva S. Tem aquela sensação mais graciosa. Mas eu penso em uma curva C entre uma curva S e uma reta e que ela pode ter um pouco mais dessa energia pontiaguda. Às vezes, faço curvas em C com duas retas, mesmo assim Você pode ver, enquanto eu as desenho, como uma sensação de energia pode ser capturada com base em sua própria fisicalidade, da maneira como você desenha fisicamente essas linhas Aqui está um desenho com o qual trabalhei em um dos meus projetos da Disney. Isso é bastante apropriado porque os animadores ajudaram a popularizar a ideia dessas linhas rítmicas e do dessas linhas rítmicas Como os animadores precisam desenhar muitas imagens, eles desenvolveram ferramentas para fazer esses desenhos da forma mais rápida e eficaz possível Uma dessas ferramentas é comumente chamada de linha de ação. Dê uma olhada nessa pose. Se eu pedisse que você imaginasse essa pose resumida em uma única linha, bem, qual linha rítmica você escolheria Uma curva S, curva C ou reta? Para mim, a resposta é uma curva C. É uma curva C que se parece com isso, algo que percorre toda a pose. Geralmente penso nas linhas de ação como estando no meio do corpo. Não está definindo nenhum contorno ou lado do corpo, está no meio Observe que essa linha de ação conecta tudo na pose, da parte superior do chapéu à parte inferior dos pés. Tudo na pose tem como tema essa curva. Você também pode começar a observar os membros reais da pose Por exemplo, esse braço aqui. Vamos imaginar uma linha de ação para esse braço. Bem, também é uma curva C, mas é assim. É uma curva muito íngreme com um ângulo muito áspero ali mesmo Na verdade, esse braço tem um pouco de tensão. Parece que está um pouco inclinado para trás. Você quase poderia desenhar isso com duas retas. Lembre-se de como eu disse anteriormente que as retas tendem a ter um pouco mais de energia pontiaguda. Esse é um exemplo do que estou falando. Eu acho que você poderia considerar o gesto desse braço foi construído com duas retas ou uma curva C com um ângulo agudo muito íngreme Vamos dar uma olhada na perna esquerda dele aqui. Há uma pose muito graciosa nisso. Não carrega muito peso, se houver, eu diria que esse membro está em conformidade com uma curva S como É um tipo de ritmo muito gracioso. E a perna direita dele? Bem, essa perna está suportando algum peso e, na verdade, o ritmo dessa perna é muito semelhante ao do braço. Eu diria que é uma curva C que também tem um ângulo muito íngreme ali, também muito semelhante a duas retas Novamente, quanto mais perto você estiver da linha reta, na minha opinião, mais peso ou energia ativa a peça tem. Obviamente, desenvolveremos isso com vários desenhos nesta seção. Vamos prosseguir agora e fazer essa pose juntos. Vou começar com a linha de ação. Isso também é útil para mim em um sentido prático. Eu sei onde estão a parte superior e inferior do corpo. Mas o que eu posso fazer a partir daqui é colocar a cabeça com apenas uma postura básica e. Não estou tentando desenhar o personagem. Só estou tentando ter a sensação de que, ele tem uma cabeça redonda, ela vai lá. Essa é a parte superior da cabeça e talvez essa seja a parte inferior da cabeça aqui. A partir daí, posso dizer, onde está o ombro? O ombro está embaixo da cabeça. Eu vou dizer que é por aqui. Nós gesticulamos para baixo a partir daí. Talvez eu possa começar a fazer o gesto do braço lá. Novamente, aquela curva C íngreme de que falei, e posso continuar esse ritmo para descobrir para onde a mão pode ir Eu certamente não estou tentando desenhar uma mão, lembra. Eu só estou tentando entender isso de novo, ritmo curvilíneo C similar da mão, como este Como agora tenho o ombro e o braço, posso ter uma ideia de onde pode estar a parte inferior da jaqueta dele. Em algum lugar aqui. Vou colocar isso com uma linha indicadora. Isso não é uma linha de contorno. Não estou tentando desenhar o contorno final de sua jaqueta Só estou tentando dizer, ei, a parte inferior da jaqueta está ali. Agora, por que estou usando uma curva C? Bem, isso realmente assume um pouco de forma, que abordaremos na próxima lição. Você poderia facilmente colocar uma linha reta lá para indicar onde ela está. Mas eu gosto de estacionar ou marcar pontos turísticos onde está apenas com uma pequena linha ali Observe que adquiro o hábito de usar vários traços para desenhar meus gestos Novamente, isso ajuda você a entrar na sensação ou no ritmo que você está desenhando. É útil reduzir toda a pose o mais rápido possível. Vou até a perna direita dele agora, que é a perna de sustentação de peso. Percebendo duas coisas aqui. Eu já falei sobre o gesto da curva C que ele tem, mas também estou analisando a relação entre onde o pé está e vou usar a frente do pé e a frente da mão Tem esse ângulo. Quero replicar esse ângulo no meu desenho. Às vezes, é até útil marcar um ponto de referência, colocar um pequeno círculo ou um x local onde você acha que o pé pousaria e, em seguida, gesticular em direção a ele desta forma Como esse pé tem muito peso, vou mantê-lo reto. É uma curva C em uma reta. Aí está aquela perna e você percebe que estou preservando esse ângulo Agora, sempre que possível, quando eu desenho sua perna de trás, por exemplo, eu gosto sentir aquele ritmo que eu já tenho no corpo e estendê-lo para baixo até a perna. Lembra que eu disse que a perna é como uma curva em S que é assim. Bem, isso é o que estou tentando estabelecer aqui nessa curva S. Também é útil marcar ou traçar onde o pé está no desenho É como se a planta do pé impactasse o solo e talvez aqui estivesse a parte superior do pé, que também é uma graciosa curva C aqui Vou ver talvez onde está a parte superior da perna dele e onde está sua bunda, essa área aqui Vou resolver isso em talvez dois. Há uma curva C óbvia aí. Isso me permite talvez dar uma volta e descobrir talvez onde está o lado dela, como onde está o contorno lateral Eu não quero literalmente desenhar essa linha, mas estou percebendo que é uma curva C, essa é uma curva C, essa é uma curva C, e estou captando esses ritmos Esta é minha ponte para entrar na minha primeira sugestão de onde as linhas de contorno acabarão por ficar Essa linha aqui está quebrada pela manga, mas também é uma curva C. Essa é a beleza de estudar desenhos animados. Eles são mantidos apenas no essencial da pose. Seu braço traseiro sai assim em outra curva C. Vou aplicar a mesma ideia agora em seu bico. Estou me sentindo como se essa ação curvilínea C estivesse aqui. Aqui está a parte superior de sua jaqueta, curva C. Até a parte superior do chapéu é como uma curva C, e todo o chapéu em si tem uma ação. Ela desce pelo corpo. A aba do chapéu dele pode ser uma coisa cheia de curvas. Estou sentindo as coisas que darão a esse desenho uma sensação de energia na vida. Você percebe que não tem nada a ver com os contornos finais, mas tem muito a ver com o personagem A sensação de que esse personagem está se movendo, pensando ou sendo. Agora, quando entrei, digamos, a linha de ação do braço dele, desci pelo meio do braço assim. Isso é o que eu desenhei aqui, a linha média de ação. Novamente, quando eu desenho linhas de ação, eu vou para o meio do que quer que seja, eu sou a linha de ação. Mas, assim como mostrei aqui com os contornos corporais, também é muito útil ter uma ideia do que os contornos opostos estão Por exemplo, esses contornos são curvas C opostas. Vou colocar isso no meu gesto. É como se uma curva C descesse dessa maneira e a outra continuasse de onde parou indo dessa maneira Estou me expandindo até mesmo para os contornos da coisa. O manguito de sua manga é como outra curva C. A parte boa é ter esse gesto inicial, como, por exemplo, eu sei onde a ponta da mão dele pode estar versus a ponta do pé Portanto, sei onde o manguito pode cair. Um gesto também é uma forma de mapear proporções. Por exemplo, eu poderia olhar para isso e dizer, ah, esses dois cotovelos estão um pouco próximos um É aqui que talvez você apague um pouco. Talvez levante o cotovelo, apenas redesenhe esse ritmo para que o cotovelo fique um pouco mais alto, e isso altere a ação, altere a linguagem Mas se eu agora esconder o desenho original, ainda temos uma pose muito definitiva aqui É algo que eu posso sentir como artista por trás disso. Eu sei para onde isso está indo, e eu sou capaz de avaliar, tipo, Ei, esse é o tipo de pose que eu quero É esse o tipo de sensação que eu quero? Nesse caso, parece que ele está avançando, mas de uma forma sorrateira ou cautelosa, ele não tem certeza do que vai encontrar, mas está avançando de Isso certamente não é um suporte confiante. Eu posso avaliar tudo isso apenas com esse gesto, um gesto que pode levar um a 2 minutos para desenhar, se não for ainda Vamos agora dar uma olhada nesta página de designs de personagens de Jake que você já viu antes Agora que você tem uma introdução e uma compreensão básica do que é um gesto, quero que dê uma olhada nesses desenhos agora Observe que todos eles têm um gesto dinâmico. A palavra dinâmica significa que você geralmente evita posturas retas para cima e para baixo, onde nada está se movendo no corpo. E para mostrar exatamente o que quero dizer, vamos escolher a pose mais para cima e para baixo que você possa encontrar nesta, como por exemplo, esta aqui. O corpo não é muito acrobático aqui. À primeira vista, parece estar reto para cima e para baixo. Mas apenas em termos de linha de ação, veja o que estou fazendo para compensar isso Eu inclinei a cabeça, dando à pose ainda uma bela curva em forma de S descendo por ela A ideia por trás disso é que um ser humano normal raramente posa para cima e para baixo. Quero dizer, sim, isso acontece, eu acho. Normalmente estamos em movimento. De qualquer forma, você quer retratar o movimento porque isso diz muito mais sobre o personagem O movimento implica que as coisas raramente estão no mesmo lugar. Suas pernas não estarão no mesmo lugar, seus ombros, um pode estar para cima, outro para baixo, sua cabeça pode se inclinar. Ao desenhar o número três, parece que ele está no meio de dizer oi para você, então eu levantei uma mão. Seus quadris podem estar fora do eixo, como esse cara aqui. Este lado de seus quadris é o lado que carrega peso quando seu pé está plantado no chão, carregando esse peso, e o lado alto de seus quadris permite que esse pé seja levantado e não carregue muito Essa pose aqui, desenho número sete. Isso também está muito perto de ser uma pose reta para cima e para baixo. Mas mesmo aqui, há algumas coisas que são compensadas. Por exemplo, se eu desenhasse uma linha conectando seus ombros, ela se elevaria até a cabeça, como se ele estivesse levantando os ombros, dando um pouco de ação à pose. Além disso, se eu fizesse uma linha de prumo semelhante conectando os pés, você notará que ela também está fora do eixo Essas duas linhas são partes fundamentais do desenho e não são paralelas. E esse pequeno deslocamento ajuda a torná-lo interessante. Às vezes, tento poses baseadas em uma linha reta. Nem sempre precisa ser uma curva S ou curva C. Mas observe o que estou fazendo. Estou simplesmente inclinando essa linha, então ela está em um ângulo. Mesmo nesta versão do personagem aqui, essa linha está inclinada, afastada da Isso é algo que eu faço com frequência, como esse cara aqui, essa linha está distorcida Eu diria que está reto aqui, mas depois faz uma pequena ação da curva C logo na parte inferior. Eu diria que está em algum lugar entre uma curva C e uma reta. Quer dizer, é uma curva C, mas vai para a linha reta Lembre-se de que as curvas C podem aproveitar o poder das curvas S e das Vamos dar uma olhada neste aqui. Na verdade, eu chamaria isso de curva S. Se pensarmos em descer pelo meio da forma, bem, o meio da cabeça começa a descer dessa maneira, em uma ação de curva C, mas depois muda. Essa é uma curva S. Essa aqui também é uma curva S. Lembre-se de atravessar o meio dos formulários. Essa aqui também é uma curva S. Você pode ver como isso não é como uma fórmula. Dentro do conceito de curva S, você ainda tem possibilidades infinitas. Não é como se você estivesse preso a uma pose só porque ela é baseada em uma curva S. Essa pose aqui é uma curva C. Mas é uma curva C que tem o ápice da curva bem ali, no terço inferior do C. Não é como uma letra C perfeita que você obteria em uma fonte, por exemplo Também está distorcido. Novamente, a parte mais externa dessa curva C está ali, o que, obviamente, é onde estão seus quadris Os quadris são um ponto central no corpo. Vamos fazer essa pose e fazer um gesto juntos Só para mostrar o tipo de mentalidade que eu tinha quando comecei a trabalhar neste trabalho Mas bem rápido, eu só quero falar sobre minha interface digital. Estou usando o Photoshop aqui, mas você definitivamente não precisa usar o photoshop Existem muitos aplicativos por aí, muitos dos quais são gratuitos, como o Creta, por exemplo, é gratuito e é muito parecido com o Photoshop Se você estiver usando um iPad, provavelmente desejará usar algo como Procreate ou Ambos são muito baratos e ainda assim profissionais. Também existem outros ótimos aplicativos como o Clip Studio Paint, por exemplo. Acho que a única razão pela qual uso photoshop é porque o uso desde o final dos anos 90 e o conheço muito bem De qualquer forma, não importa qual aplicativo eu esteja usando, tenho minha janela de camadas aberta aqui, meu seletor de cores aqui e tenho minhas ferramentas básicas configuradas aqui. É isso mesmo. Agora, como você sabe da minha turnê pelo estúdio, eu também tenho dois monitores. No meu outro monitor, tenho minha lista de pincéis aqui. Às vezes eu coloco meus pincéis aqui, embora agora estejam colidindo com minhas telas Eu coloquei minha janela de pincel fora da tela, que você não pode ver, mas está apenas no monitor à minha esquerda. De qualquer forma, só vou usar um pincel para isso. Então, às vezes, tenho essa janela do navegador aberta, que apenas oferece uma visão em miniatura da imagem que você tem e você pode navegar Mas é isso. Essas são as janelas que eu abri. Agora, quando eu desenho gestos, eu normalmente começo com esse pincel de caligrafia Tem um belo aspecto espesso a fino. Para mim, isso alimenta o conceito de ritmo porque tem um controle de espessura tão bom que quanto mais eu pressiono, mais espesso ele Mas eu acho que a natureza do cone de grosso a fino neste pincel de caligrafia é muito, muito boa Está de acordo com minha própria filosofia e sentimento de desenho gestual Ok, vamos seguir em frente e gesticular o desenho número nove lá Normalmente, eu começo com a cabeça. Agora, eu não desenho a cabeça. Eu apenas indico, novamente, se a cabeça fosse reduzida a uma curva, seria, neste caso, uma curva C, e vou apenas indicar onde essa cabeça está e a forma gestual geral dela Costumo começar com a cabeça, porque então posso ir direto para a relação dos ombros. a relação entre a cabeça e os ombros Acho que a relação entre a cabeça e os ombros é seu primeiro ponto crítico Ao desenharmos aqui e ao praticar isso, você verá como é incrível, quanta atitude você pode começar a sentir imediatamente quando coloca a relação entre cabeça e ombro. Então, a partir daqui, vou gesticular para fora da curva C. Certifique-se de que o ápice esteja na área do quadril aqui. Suponho que a perna desça e faça uma curva em S, se eu a estiver seguindo até o membro externo, e então essa outra perna está aqui, certificando-se de que tenho um pouco de perspectiva lá dentro Falaremos sobre perspectiva na próxima seção. Mas, por enquanto, lembre-se de que é muito raro os pés estarem no mesmo plano. perspectiva linear fará com que 1 pé fique atrás e o outro pé fique na frente. Mas, novamente, abordaremos isso na próxima seção. Seus braços continuam no ritmo da curva C ou pelo menos na parte superior da curva C do corpo. É um pouco mais reto Gostaria de ramificar meu gesto para indicar os dedos. Novamente, não estou tentando desenhar uma mão, estou apenas indicando onde os dedos podem estar, apenas pensando neles como extensões rítmicas do Claro, vou fazer a mesma coisa com o braço traseiro aqui. Dedos afunilando a curva C para dar a ela um pequeno gancho especial na extremidade Às vezes, exploro ainda mais esses ritmos e obtenho indicações de onde podem estar os contornos externos Novamente, essas não são tentativas finais nos contornos externos É só aquela ideia de que o joelho vai estar aqui. Quero ter uma ideia de como o contorno externo dessa perna interage com o resto do gesto Eu também posso fazer isso na perna de trás. Se olharmos para esta área aqui, você notará o que eu não desenhei. Eu não desenhei duas linhas paralelas assim. Linhas paralelas tendem a ser uma escolha um pouco chata Eu recomendo evitar linhas paralelas. Observe o que eu fiz em meu gesto : primeiro fiz minha curva inicial para a perna assim, e depois a externa se afunilou e entrou Tornou-se um tipo de ritmo muito mais interessante. Eu realmente recomendo seguir esse caminho. Pense nisso como os altos e baixos de um rio. A natureza raramente tornará as duas margens de um rio completamente paralelas. É orgânico. Ele terá um bom fluxo de compensação. De volta ao nosso desenho gestual aqui, há um capuz que ele está usando, e esse capuz também é uma ramificação da curva s temática. Eu era assim. Seu cabelo pode sair, também fazendo uma curva em s. Estou decidindo que muitas das minhas escolhas de design são baseadas em relações gestuais Especificamente, relações de ritmos. Essa é a orelha dele. Parece o desenho de uma orelha, pelo menos de desenho animado Mas o que me preocupa é o ritmo que o impulsiona. Até o nariz, como a parte inferior do nariz, também é uma curva C. Essa pequena curva C do nariz como uma extensão das curvas C do corpo, uma continuação do tema Estou apenas escolhendo realmente levar isso para o grau M, aumentando, fazendo com que esteja enraizado em quase todas as partes. Agora, isso não é uma regra. Você não precisa que sua curva C temática e sua linha de ação sejam repetidas em todas as partes . Você não precisa fazer isso. Se você puder fazer isso, é quase certo que o desenho terá um bom apelo. É como se uma história estivesse perfeitamente ligada a um tema, e você tem a sensação de que é uma história muito entrelaçada nesse Um desenho é do mesmo jeito. Mais uma vez, para os sapatos, ele tem essa bela curva do mar. Quando há peso colocado em alguma coisa, seus dois pés estão plantados no chão, segurando o peso, gosto de indicar isso com uma linha reta. Coloque uma reta ali onde seu sapato possa impactar o chão e uma reta aqui onde esse sapato possa impactar o chão. Você pode ver como se ele estivesse realmente plantado no chão? Aqui, deixe-me me livrar dessas coisas porque acho que elas estão um pouco confusas agora Sim, você pode ver como os sapatos, por causa dessas retas, realmente parecem que estão plantados É muito bom ter um pouco de interrupção do ritmo Eu falei sobre ritmos temáticos, tudo baseado em curvas C. Mas quando você pode ter uma curva C como essa, parando abruptamente em uma reta Há algo bom nisso. Começa a parecer que essas partes do corpo estão dando e recebendo em termos de como estão distribuindo peso Quebrar um ritmo como esse é quase como adicionar pimenta a alguma coisa. Só um pouquinho aqui e ali. Vamos dar um pouco de entusiasmo. O que você precisa entender sobre o desenho com gestos é que não há regras As ideias apresentadas aqui compõem uma série de ferramentas que você pode usar à sua disposição. Então, ele tem seus pequenos cordões pendurados no capuz e até mesmo naquelas cordas Existem curvas C. A propósito, é um exagero colocá-los em um desenho gestual Esse é um detalhe que eu diria para o final. Mas só porque estamos analisando um trabalho finalizado, eu só quero que você veja como eu estou pensando sobre isso. Eu vejo o que eu fiz aqui. Eu fiz a mesma curva C duas vezes. Tente não fazer isso. Isso é semelhante às linhas paralelas. É muito melhor e mais próximo da natureza se você puder compensá-lo Vou apenas fazer uma curva C bem diferente da outra. Esse é mais largo, esse é mais estreito. Este termina quase em linha reta e este tem mais conicidade. Você pode ver como isso é muito mais interessante? Vou simplesmente apagar o que eu não gosto lá. Você pode ver aqui, temos uma abordagem muito sólida. Agora, demorei vários minutos para desenhar isso porque estou explicando cada etapa do processo. Mas se eu estivesse apenas desenhando isso, provavelmente poderia chegar ao desenho em 2 minutos ou 1 minuto. Também é muito editável. Qualquer coisa aqui que eu sinta pode mudar porque eu realmente não me comprometi com nada. Essas linhas rítmicas são abstratas o suficiente para que tudo seja flexível nesse estágio Mas a mágica é que você ainda tem a sensação total do que pode produzir daqui. É como uma bola de cristal valiosa nesse sentido. Para este, eu gravei sem falar, então você pode ver como eu realmente faço isso. O processo é o mesmo. Só vai ser mais rápido. Comecei com a cabeça e gosto a linha de ação ao longo do corpo. Então eu gosto de fazer uma verificação rápida das proporções. Eu coloco os quadris e os ombros exatamente como linhas por enquanto. Então eu tento identificar exatamente onde os ombros se ramificam da cabeça Nesse caso, os ombros são levantados cruzam a cabeça. Agora, ritmicamente, veja a reta responsável pelo braço estendido, com o braço direito Essa linha reta realmente ajuda a comunicar o impulso. Novamente, as retas são muito boas em um tipo agudo de energia pontiaguda, como um empuxo ou peso sendo segurado Observe que seu braço esquerdo, que é o braço direito, é uma curva C, o que dá a esse braço uma sensação um pouco mais relaxada. Ter uma diferença entre os dois ajuda no dinamismo da pose Para as pernas, aqui, estou apenas tentando reproduzir o tema que envolve a pequena curvatura do corpo ou a curvatura da linha de ação Para dar uma ideia de perspectiva, sempre gosto de garantir que os pés não toquem o chão no mesmo ponto vertical da página A partir daqui, a pose é estabelecida. Estou desenhando há cerca de um minuto. Agora, eu nem sempre conseguia fazer uma pose inteira em 1 minuto. Isso é algo que acontece com a prática e a experiência. Mas o que eu faço neste estágio é tentar aprimorar alguns dos ritmos e relacionamentos que existem Por exemplo, não quero que os ombros e os quadris fiquem paralelos Como você pode ver, eles basicamente estão agora. Usando apenas algumas cores diferentes, vou deslocar um pouco esse ângulo É totalmente válido fazer linhas como essa no desenho com gestos Lembre-se de que o gesto é um modo abstrato de desenhar. São as bases. Essas linhas ajudam a me lembrar de que, à medida que adiciono formulários e detalhes respeito esses relacionamentos subjacentes e não os esqueço à medida que prossigo. Certo, vamos dar uma olhada no desenho número oito aqui. Neste caso, vou voltar a narrá-la ao vivo para que eu possa transmitir meus pensamentos à medida que prossigo Novamente, comece com a cabeça. Às vezes, é útil fazer uma pequena mira para marcar onde os olhos estão e para onde estão apontando Examinaremos esse processo um pouco mais no próximo capítulo. Mas se você tem uma cruz aqui que representa o meio dos olhos, às vezes você pode simplesmente traçar um nariz com uma curva simples, mantendo suas linhas bonitas e claras para começar, e você imediatamente desenvolve uma noção de para onde o personagem está olhando, a rotação e o ângulo de sua cabeça. Então, talvez a partir daqui, eu pudesse até criar um gesto para o cabelo, por exemplo Vindo por aqui, e talvez alguns ouvidos. Novamente, com essas linhas fluidas rítmicas gestuais, você também pode ter uma ideia de uma perspectiva uniforme e também do início das dicas de Eu queria inclinar essa linha vertical para que ela ficasse em um ângulo Você já consegue ver a quantidade de atitude que acontece exatamente com isso? Agora, veja isso. Aí vem um pouco mais de atitude. Vou colocar a linha dos ombros. Também está um pouco fora do eixo. Isso faz com que a letra T com meu corpo seja uma linha de ação. Mas, novamente, não é um T perfeito que cruza ângulos perfeitos de 90 graus Está distorcido. É assim. Esses ângulos são um pouco instáveis. Eles não estão a 90 graus. Gosto muito de usar a palavra compensação. A partir daqui, posso colocar um ombro na altura e um ombro baixo. Não extremamente alto ou extremamente baixo, mas mais alto e mais baixo. Essas são palavras críticas nas quais você pode pensar mais alto, mais baixo e mais compensado Talvez para os quadris, eu me distancie um pouco da linha dos ombros Essa linha é assim, essa linha é assim. Eles são quase paralelos, mas não totalmente paralelos. Então, às vezes, você pode até descobrir onde estão os pés nesse processo. Eu nem sempre faço isso. Mas, neste caso, como estou vendo um desenho final, vou estimar onde os pés estão mais ou menos ali Muitas vezes não sei o suficiente sobre meu design para colocar onde estão os pés, mas você pode experimentá-lo. Você sempre pode mover essas coisas. Agora veja isso. Às vezes, é bom gesticular para baixo do braço, uma linha de ação para o braço Mas em vez de se comprometer com isso, basta colocar um círculo onde você acha que a mão pode estar e depois colocar outro círculo onde a outra mão está É quase como se ele estivesse usando luvas de boxe ou algo assim. Mas imediatamente, eu posso ter uma ideia dessa ação. Então, a partir daqui, talvez eu queira apontar para aquela mão. Gesticule em direção a essa mão. Talvez eu diga: Não, os braços não deveriam ficar assim, talvez devessem sair dessa maneira. Se você colocar as mãos primeiro e depois gesticular em direção a elas, talvez ache um pouco mais fácil criar poses mais naturais ou verossímeis Aqui está gesticulando curvas em C para os dedos. Agora, às vezes ajuda saber exatamente o que o personagem está fazendo. Por exemplo, no desenho número três aqui, esse personagem está dizendo olá. Essa é a ação que imaginei no meu cérebro quando o estava desenhando. Esse cara estava te contando sobre uma visão maluca que ele acabou de ver. Esse cara está olhando um pouco de sujeira no pé ou algo parecido. Esse cara está explicando alguma coisa, mas com um pouco de receio, ele está intrigado ou talvez fascinado por alguma coisa, e ele está movendo seu corpo talvez em direção à pessoa com quem ele está falando, talvez, afastando seu corpo da coisa que ele está explicando Não tenho certeza. Mas quanto mais você puder internalizar sobre o que o personagem está realmente pensando e sentindo, mais isso influenciará seu gesto sobre como o corpo dele está fisicamente Quero dizer, você será capaz de internalizar esses pensamentos e seu corpo se moverá de acordo Aqui, vou sugerir alguns dos contornos externos, mas pensando ritmicamente, essa é uma curva C, uma curva C mais larga e seu pé será Novamente, você já sabe disso. Gosto de usar retas, sempre que algo está suportando peso Sempre que eu faço 1 pé, eu giro e faço o outro Você percebe que eles estão em dois planos diferentes. Aviões, ou seja, se eu desenhar uma linha horizontal a partir desse ponto, cruzando aquele ponto, esse ponto é um pouco mais alto. É muito sutil, mas eu recomendo jogar com esse relacionamento. Eu posso até aumentar um pouco e isso pode ser um pouco menor. Eu recomendo brincar com essa relação em seu trabalho. É apenas mais um desses elementos que ajudam a dar vida ao que você está desenhando. Aqui está outra curva C para seus sapatos. Talvez esse aspecto do gesto externo tenha mais uma curva em S. Essa é mais uma curva C, e então seu short talvez tenha uma curva C como essa. Lá vamos nós. Depois de alguns minutos, apenas alguns minutos, temos uma pose de trabalho, temos uma pose de trabalho, certamente algo que pode ajudar a ser transformada em um design de personagem totalmente desenhado Você pode até aplicar curvas em C para indicar uma forma geral dos olhos, por exemplo, a forma geral da boca Espero que você já possa ver que tudo se baseia nessas linhas temáticas rítmicas de ação e explorações rítmicas ação O que isso faz é curar a pose. Isso une tudo. Eu tenho usado a palavra tema, mas é isso que um tema faz. Um tema une tudo isso. Se você estiver em uma festa com tema havaiano. As camisas havaianas e a comida havaiana unem tudo isso, e ninguém fica sem do que se trata Esse é o poder do tema. É isso mesmo. Você não precisa ir mais longe do que isso. Poderíamos alterar isso se quiséssemos. Por exemplo, talvez eu não goste da forma esse braço está posicionado. Vou simplesmente excluí-lo. Algo que você pode tentar fazer é seguir o ritmo de um braço pelos ombros até o outro braço, e talvez eu queira colocar essa mão aqui. 7. Personagens: forma 3D: Se o desenho com gestos representou a parte emocional do desenho em que você captura sentimento, atitude e humor, forma do desenho é o extremo oposto desse espectro em que estamos pensando literalmente Ainda não estamos pensando nas linhas finais finais, mas estamos pensando na tridimensionalidade sólida do que estamos vendo Vamos usar muitas formas básicas, coisas como cilindros, caixas, esferas, e construir personagens a partir desses elementos Mas, o mais importante, não se trata realmente de construir personagens neste momento. Um personagem é apenas um dos muitos aplicativos para os quais você pode usá-lo. Isso é mais um desenvolvimento de um modo de pensar e ver em que somos capazes de visualizar coisas não em dois espaços D na página, mas em três espaços D entrando e saindo do espaço Essa é a ferramenta que permite que você descreva coisas de diferentes ângulos da sua imaginação formulário de desenho é a próxima etapa ideal de um desenho com gestos Então, vamos pegar o mesmo personagem com o qual acabamos de trabalhar e aplicar um formulário a ele. O que eu gostaria de fazer aqui é mergulhar e aplicar algumas ferramentas de construção, e depois voltaremos e preencheremos algumas lacunas teóricas. Quero manter essa classe o mais aplicada possível. Vamos começar aqui e vamos construir logo a partir do gesto que acabei de fazer na lição anterior O que eu tenho aqui é o desenho na camada de fundo, e então o que eu fiz foi colocar uma camada sobre a qual eu vou desenhar. Tudo o que estou fazendo aqui está em uma camada separada. Ok, vamos começar de novo com a cabeça. Eu ainda uso a mesma ordem de progressão, e a cabeça colocada a partir do nosso gesto tem essa forma e é uma forma circular Vou colocar isso e isso imediatamente, aqui mesmo, essa pequena cruz se estende. Pense em uma faixa elástica que viaja sobre uma esfera. No momento, estou desenhando por trás disso. Vou usar uma linha pontilhada para isso. Estou desenhando atrás da esfera, então isso está por cima dela. mesmo vale para a linha média, mas observe isso, vou estendê-la para examinar essa forma esférica teórica que estou usando quando me deito para a cabeça e ela gira Então, se eu fosse responsável e visse o formulário, faça assim e desenhe uma linha pontilhada atrás dele Eu digo, seja responsável porque acho que se você é um recrutador, você sabe, alguém que quer desenhar bem, um desenhista, você quer sempre saber os meandros de todos os seus formulários, não apenas o que está vendo, mas também o verso deles Se você puder ver através de seus formulários, como se tivesse visão de raio-X ou algo assim, você terá uma forma mais sólida em geral. O que parece ser evidente. Se você souber mais, terá mais verdade em seu desenho. Também vou aumentar minha camada branca para esconder um pouco mais o gesto em nosso desenho de formulário Isso vai se livrar daquele nariz que estava lá desde o gesto e reafirmá-lo. Estava um pouco longe demais para a esquerda. Quero colocá-lo bem no meio, assim, e vou usar meu vermelho para indicar as linhas médias Deixe-me redesenhar a linha média descendo pela cabeça. Essa linha está no meio do formulário, passando por cima do formulário. Mas quando atinge o nariz, tem que viajar ao redor do nariz. Você vê isso? Imagine que isso é uma faixa elástica envolvendo essas formas, e essa faixa elástica viaja, é claro, ao redor da forma enquanto a envolve, certo E o mesmo com essa cruz aqui. OK. Volte para o nosso preto. Você vê como é útil ter essas cores lá em cima. Não preciso arrastar o seletor de cores. Então, começaremos a construir o corpo porque temos isso. Agora, nosso gesto, lembre-se de que eu estava dizendo que em uma ilustração de desenho animado, muitas vezes suas linhas rítmicas de gestos podem realmente se tornar contornos finais podem Bem, aqui é onde podemos começar a ver isso acontecer. Mas vamos pensar na forma. Onde seria a parte superior de seu torso como a parte superior da caixa torácica Bem, no desenho real aqui, a parte superior de sua caixa torácica está escondida pelos braços, mas está em algum lugar lá em cima Vamos pensar em nosso desenho agora e colocar uma pequena elipse parte superior da forma do torso Então, aquela linha gestual que colocamos aqui, na verdade, vou simplesmente reutilizá-la Esta é a parte inferior do nosso torso. Vou usar a parte inferior da camisa, a parte superior dos quadris como ponto final desse torso Em seguida, nós o conectamos com essa linha rítmica que também é do nosso gesto. E isso também. O que temos aqui é um formulário. Deixe-me virar meu meio. Lá vamos nós. O que queremos fazer é pegar nosso vermelho aqui e entender melhor esse formulário. É plana na parte superior, então essa linha média desce até mais ou menos aqui Posso marcar onde o ponto médio está logo abaixo do umbigo. E desenhe. Novamente, uma faixa elástica enrolando firmemente essa forma ficaria mais ou menos assim Agora, observe como isso se desvia da linha de gestos abaixo dela, que você ainda pode ver Isso porque isso não é uma linha de gestos. A linha gestual capturou quase o ritmo médio do corpo, enquanto essa linha ultrapassa a forma física literal de três D. Então, vamos continuar e desenhar outra linha vermelha, sendo esta uma elipse que passa pela frente da parte superior do tronco, e é sempre útil desenhar atrás, e também nossa primeira linha, vamos desenhar atrás Podemos desenhar outro descendo aqui e fazer uma elipse. Observe que estou sendo muito cuidadoso. Não estou mais desenhando ritmicamente. Estou desenhando tecnicamente. Se a parte rítmica era a parte emocional, então a parte técnica é a parte física. Então, é assim que eu construo o torso. Isso é tudo que eu preciso. Vamos voltar para a cor preta e continuar. O que eu gostaria de fazer olhando meu desenho de referência à esquerda, vou usar os shorts. Vamos construir os shorts. Em vez de construir a perna, vamos construir o short e depois a parte inferior da perna saindo dela Sabemos que estamos começando daqui e daqui, vamos construir os shorts aqui primeiro Novamente, nosso gesto, que me permite trazer isso de volta um pouco para que você possa ver O gesto nos disse onde os shorts terminam ali mesmo. Mas agora é hora de resolver a forma cilíndrica. Essa seria a parte inferior do short. O que eu vou fazer é desenhar isso em toda a volta. Vou usar uma linha muito fantasma na parte de trás. Essa é a parte dos shorts que você não pode ver, e essa é a parte dos shorts aqui que você pode Em seguida, desenharei a forma conectando um lado dela, o contorno Na verdade, isso é um contorno agora, ao contrário do gesto. Você percebe o gesto, neste caso, alguns desses contornos estavam próximos, como aquele ali Mas é aqui que eu finalmente resolvo os contornos do formulário Agora, mesmo assim, estou separando esta lição do design de formas O design de formas é a próxima lição. O design da forma é onde você pode alterar isso ainda mais. Mas, neste caso, o que estou tentando fazer é ter certeza de que tenho uma compreensão tridimensional sólida desse personagem. Não o personagem, mas a compreensão tridimensional das formas que constroem o personagem. A forma final, que é a próxima lição, é onde obteremos uma compreensão final da aparência completa do personagem. Mas essa é a forma tridimensional. Vou pegar minha cor vermelha aqui e desenhar outra elipse para a frente dos shorts Aqui. Eu desfaço isso Essa elipse era muito plana. Falarei sobre por que, quando recuarmos na próxima seção desta lição, voltaremos e falaremos sobre algumas teorias. Mas agora quero colocar essa elipse mais próximo possível da direita, contornando o formulário Bom. Temos essa parte da virilha aqui. O cilindro não vai até lá, mas podemos imaginá-lo viajando até lá e se conectando. Eu uso minha linha vermelha de conexão com o corpo aqui em cima. Novamente, tentando ver através do formulário como se tivéssemos uma visão de raio-x. Não estamos apenas desenhando a frente dessas formas, a parte visível para nós a partir dessa visão, estamos desenhando o que alguém de trás pode ver. Essa é uma habilidade muito, muito útil e profissional . Se você quer ser um designer de personagens de qualquer tipo, você absolutamente precisa dessa habilidade. Porque você provavelmente projetará para três D. Quero dizer, normalmente, produções, hoje em dia são três D. Mas mesmo se você estiver projetando para dois D, você sabe, os animadores ou o fluxo de produção que passa pelo pipeline precisam saber como esses personagens se parecem em três D. Então, mesmo que você esteja desenhando para um meio em dois D, como uma animação em dois D ou alguma coisa, você ainda precisa conhecer a tridimensionalidade do seu personagem Claro, isso é o que vai te ajudar a desenhar o personagem em qualquer pose ou ângulo diferente. Então, desenhei algumas elipses para o outro lado do short E então eu vou conectar isso. Agora, você sabe, não é um cilindro perfeito como este. Não é um cilindro plano. A perna dele está dobrada, certo? Então, vou dobrar meu cilindro também. É assim, e vamos até a parte de trás dos shorts. Agora, algumas delas, como esta parte aqui, para não pular muito para frente, mas essa parte aqui, que estou colorindo de preto agora, será realmente visível, porque a perna dele vai sair dela. Mas vou desfazer isso, estou me precipitando. Só estou pensando um pouco no futuro. Há aquele cilindro e provavelmente podemos ter certeza de que podemos conectar esse ritmo aqui, voltando a gesticular um pouco, certificando-nos voltando a gesticular um pouco, de que essas duas formas alinhem para que, quando eu desenho a área da virilha, nossas formas não fiquem desalinhadas para esse desalinhadas Ok, vamos realmente ver essa etapa aqui. A perna sai diretamente de dentro do cilindro do short, podemos chamá-la assim Este atinge o topo do cilindro por causa da gravidade. Os shorts vão ficar na perna. Mas essa perna, como mostrei há um minuto, sai do meio do short porque são shorts bem largos Ou seja, esta parte, podemos ver interior desse cilindro oco Essa é a parte interna da roupa curta, e essa perna sai assim Temos um cilindro aqui e um cilindro aqui. Se você for responsável, você também deve continuar com essa etapa. Vou apenas desenhar com contornos de notas muito fantasmas ou linhas pontilhadas, o que você quiser Continue com a perna dentro do short e rastreie-a de volta ao ponto de origem, próximo aos quadris Mas enquanto estamos aqui, vamos pegar o sapato. Agora, o sapato é menos parecido com um cilindro e mais com uma caixa. Vou desenhar em forma de caixa arredondada. Aqui está o que eu quero dizer. Aqui está a parte inferior de um formulário em caixa Isso é a sola do pé, a parte inferior, e aquela caixa vai aparecer como aquela interagindo com o ângulo Estamos vendo aquela caixa de um ângulo bem extremo. Você pode ver isso? É assim que vou bloquear o sapato. Ok, agora é hora de aplicar isso na outra perna. A primeira pergunta que sempre me faço quando estou desenhando calças e shorts é de onde sai a perna? Era bastante óbvio neste porque a gravidade forçará essa interseção aqui onde os shorts estão tocando Mas neste, esses shorts estão mais no meio da perna. Não vou colocar isso do meio porque isso nunca é uma boa escolha. Quase nunca. Normalmente, o formulário passará mais tempo em um lado ou no outro. Eu vou escolher esse lado. Estou preferindo o lado direito aqui, o outro lado da perna sai desse jeito Esse cilindro termina assim, essa elipse afunilada para baixo, vou desenhar ao redor A linha muito fantasma ou a linha pontilhada, o que você Essa perna vai subir. Agora, onde está o joelho? Neste, o joelho estava lá. Eu não mencionei isso. Desculpe. Nesta perna. Novamente, o joelho está enterrado um pouco dentro do short. mesma coisa aqui, o joelho está mais ou menos ali, e vamos ser consistentes quanto à posição dos joelhos em relação às pontas dos shorts Então essa perna sobe e encontra os quadris, virilha bem ali, e essa perna por aqui, e desenharemos novamente, usando vermelho, desenharei elipses correspondentes que representam as formas cilíndricas que representam as Certifique-se de que nosso personagem tenha uma aparência de credibilidade por baixo da Você verá isso o tempo todo em produções animadas em que os personagens serão desenhados nus Quero dizer, eles não desenham como genitália nem nada. Não há sentido nisso. Mas, como um manequim está nu, eles desenharão o personagem dessa forma apenas para garantir que a forma seja consistente, coesa e mesma coisa com o sapato aqui, vou colocar este sapato como uma caixa. Estou ignorando a elasticidade disso por enquanto. Vou abordar isso na seção de formas, que é a próxima lição depois dessa. Mas eu quero entender que está dobrado no calcanhar É assim. Eu fui um pouco longe demais lá atrás. Deixe-me apagar isso. É como se o sapato terminasse assim e estivesse torto porque ele está prestes a se levantar. Isso não é perfeito. Certamente não é o desenho de um sapato. Esse é um bom lugar para lembrá-lo de que essas não são necessariamente as formas finais. Na verdade, não são as formas finais , são apenas as formas. Algumas dessas formas, na verdade, podem estar quase definitivas, mas no caso desse sapato e até mesmo daquele sapato ali, não é. Essas são apenas as formas básicas que visualizamos em nossa cabeça antes de nos comprometermos com as formas Agora, quando se trata de desenhar assim, quanto mais experiência você tem com o desenho, menos você tem que fazer fisicamente essa etapa Na verdade, quando eu desenho agora, quase nunca faço isso, mas eu sempre, e essa palavra é usada intencionalmente Sempre, pense nisso. Nunca há um ponto em que eu não pense em três D. É só que você tem que seguir as etapas para desenhar isso? Isso depende da sua experiência. Vamos pegar os ombros. Há uma elipse aqui onde está o ombro. Então, novamente, usando nosso gesto, sabemos que nosso cotovelo está Mas vou me livrar desse X porque posso ver o gesto lá, desenharemos a tampa do cilindro e depois a conectaremos Nesse caso, o braço é um cilindro bem reto. É um pouco cônico, como se fosse mais largo aqui, estreito aqui, então se afunila um pouco, mas é praticamente um Vamos colocar o outro braço enquanto estamos aqui, sabemos onde o cotovelo está ali Novamente, desenharemos o formulário se eu continuar subindo e soubermos onde está a parte superior do torso, que coloca o outro ombro ali Então, podemos desenhar esse cilindro, eu posso desenhar através do cilindro da forma. É aqui que percebo que meu cotovelo está um pouco afastado. Esse braço teria que ser muito longo para atingir esse ponto. Agora, existem truques gráficos, especialmente em dois D. Em três D, você não consegue fazer isso tanto Em dois D, eu poderia estender um pouco o comprimento desse braço se quisesse. Nesse caso, vou falar um pouco só para ser honesto. Mas quando chegarmos às formas finais, posso mudar de ideia e realçar um pouco mais. , as produções em D têm esse problema o tempo todo Aliás, as produções em D têm esse problema o tempo todo, onde querem uma certa pose, uma certa silhueta, não conseguem entender porque o personagem não consegue fazer isso fisicamente Estúdios como a Pixar criam habilidades de trapaça em seus modelos o tempo todo É muito comum na arte enganar a aparência de uma silhueta com base nos gráficos ou na silhueta que você aparência de uma silhueta com base nos gráficos ou na silhueta deseja Mas essa é uma questão de forma, não uma pergunta de forma, então abordaremos isso na próxima lição. Vamos agora pegar o cilindro para a parte inferior, o antebraço, que é a parte superior deste desenho. É aí que o pulso terminaria para o braço dianteiro e sabemos onde está o cotovelo Eu nem vou desenhar nada, mas estaria ali mesmo. Vou continuar com isso. Observe que o que eu geralmente faço é encontrar os dois pontos finais do formulário e conectá-lo. Então, o que eu gosto de fazer, andar um pouco confuso com linhas aqui, só pintar de branco sobre isso, fantasiar o que está por o que está Você ainda quer ver essas linhas, mas eu só estou disfarçando. Você pode pegar um aerógrafo. Há um aerógrafo aqui. Você pode fazer isso. Vou apenas ilustrar um pouco essas linhas. Mesmo aqui. Deixe esse braço parecer que está na frente, vamos lá. De volta ao nosso pincel de desenho. vou compartilhar esse pincel de desenho com a turma. Eu realmente gosto desse pincel. É um que eu fiz e personalizei. Acho que o obtive de um pincel padrão do Photoshop que acabei de personalizar para meu próprio uso no desenho Novamente, é sempre útil ter essas elipses intermediárias atravessando Você é responsável pelo formulário em cada turno, literalmente. Você deve saber o que esse formulário está fazendo em todos os lugares. Se você não sabe o que o formulário está fazendo em um determinado momento, mais do que provável que cometa um erro. O desenho quase nunca acontece de graça. É muito raro você ter sorte e considerar a coisa certa como extremamente rara. Quando você assiste a um sorteio profissional, parece que é isso que está acontecendo com eles, mas é que seus instintos estão tão afiados que nem sempre precisam seguir essas etapas Aqui está uma caixa para a mão. Aqui está uma caixa aqui e os dedos estão enrolados. Veja isso. Aqui está a parte de trás dos dedos. Lá vamos nós. Neste braço, podemos usar nosso vermelho e continuar atrás da cabeça. A mão estaria por aqui. Há o pulso, e a mão, é claro, se ramificaria a partir dele Mas eu sei que a mão está no lugar certo, então eu simplesmente não vou desenhá-la para isso. Mas a chave é que eu sei que está no lugar certo. É por isso que não preciso desenhá-lo aqui. Quanto ao brinquedo que ele está levantando no ar, vou apenas dizer uma coisa, mas vou desenhá-lo mais rápido e com as formas mais básicas, aqui está uma forma esférica para a cabeça, a linha dos olhos lá em cima, um pouco de cabelo saindo Ele tem um braço cônico muito cilíndrico onde é mais estreito no ombro e muito mais largo onde estão E esse braço aqui também é como um cilindro cônico, e essa perna é um cilindro enorme que funciona assim Estou apenas percorrendo mais rapidamente esta parte do desenho aqui e algumas caixas aqui para os dedos dos pés. Lá vamos nós. Tudo isso está fazendo sentido agora em termos de forma tridimensional. Eu vejo o que estou fazendo aqui. Examinando as linhas, certificando-se de que as coisas estejam alinhadas, certificando-se de que um formulário apareça na frente do outro. Alguém acha que os ombros estão se conectando onde deveriam estar aproximadamente no torso Não estou pensando em anatomia, não estou pensando em como os ombros realmente se conectam na vida real à clavícula ou algo parecido Isso não é importante aqui. É apenas uma colocação geral. Obviamente, a anatomia entra em jogo quando você está aprendendo desenho de vida, que é um assunto diferente desta aula, mas quanto mais anatomia você conhece, suponho que mais possa ajudá-lo aqui também Mas você certamente não precisa ser um especialista em anatomia para desenhar dessa forma. Tudo bem. Ser capaz de visualizar as coisas dessa maneira garantirá que seu desenho final tenha sensação desejável de profundidade e forma No entanto, para entender melhor o que estamos fazendo aqui, mudei para o Blender, que é Agora você não precisa conhecer o liquidificador para isso. Vou apenas mostrar algumas coisas sobre a natureza do desenho em três espaços D e três D que você precisa saber novamente para fazer isso bem. Eu tenho um cilindro carregado aqui e posso girar minha visão para ver o cilindro de diferentes ângulos Mas veja isso. Se eu entrar nesse modo aqui, posso ver todos os pontos que o compõem, o que é útil. Porque o que estou prestes a fazer é colocar um anel ao redor do cilindro. Aqui está aqui. São como os anéis que desenhamos em nosso personagem. Mas agora veja isso. Conforme eu movo este anel para cima e para baixo, você pode ver que sua perspectiva está mudando? Posso mostrar isso ainda mais tornando o cilindro transparente. Agora vemos a parte de trás do formulário, exatamente como estamos desenhando. Veja isso. Conforme eu movo o anel para cima, você pode ver que a elipse fica mais estreita E conforme eu a movo para baixo, a elipse fica mais larga Você vê isso. Além disso, isso depende da visão da câmera. Se eu fosse assim, movesse a câmera diretamente em linha com o cilindro, ou eu diria que com a elipse ali, eu estou alinhado com O que parece ser uma linha reta agora. Agora veja isso. Se eu fizer a mesma coisa, se eu a mover para cima, ela fica mais larga à medida que subimos. Então eu posso descer e passar pelo ponto em que é uma linha reta ali mesmo, e eu posso descer e ela fica mais larga na direção oposta. É fundamental entender como isso funciona. Tudo tem a ver com o conceito da linha do horizonte. Outra palavra para a linha do horizonte é a linha do olho. A linha do olho ou linha do horizonte é uma linha teórica no espaço que está nivelada com seus olhos, ou neste caso, a visão da minha câmera aqui em três D. A linha do horizonte nesta imagem está aqui Eu sei que está lá porque foi aí que minha elipse se transformou em uma linha perfeitamente reta ali mesmo O que você precisa saber sobre a linha do horizonte é que qualquer coisa acima da linha do horizonte está acima dos seus olhos ou acima da lente da câmera. Estamos vendo a parte inferior disso. O oposto é verdadeiro. Qualquer coisa abaixo da linha do horizonte está abaixo dos olhos ou da lente da câmera e, portanto, vemos a parte superior dela. Por exemplo, com esse cilindro aqui, novamente, a linha do horizonte está exatamente aqui, onde estou cruzando o cursor do mouse aqui. Isso significa que a parte superior do cilindro, essa parte aqui, está acima da linha dos olhos, então não podemos ver a parte superior, e a parte inferior do cilindro, essa parte aqui está abaixo da linha dos olhos, então não podemos ver a parte inferior. Se eu mover o cilindro abaixo da linha do horizonte, bem, veja isso. Agora podemos ver o plano superior do cilindro. Além disso, isso significa que se eu adicionar outro anel, tornarei o cilindro transparente novamente. Se eu adicionar esse anel, agora observe isso, mesmo que eu esteja colocando esse anel bem no topo do cilindro, essa elipse tem uma perspectiva diferente Só para lembrar que, se eu mover esse cilindro para onde estava antes, essa elipse sai assim Mas se estiver aqui embaixo da linha dos olhos, agora essa elipse mudou para sair dessa forma para Então eu posso colocar esse cilindro em algum lugar, colocá-lo aqui e talvez mover minha linha de olhos desse jeito você pode dizer onde minha linha de visão está em três D aqui, propósito, você pode dizer onde minha linha de visão está em três D aqui, porque você pode ver que é aí que a grade termina É muito tênue, mas você pode ver essa linha em horizonte muito distante? Aliás, é por isso que ela é chamada de linha do horizonte, está no seu horizonte e é determinada pelos seus olhos Não confunda a linha do horizonte o ponto em que a água encontra o céu. Sim, isso também é chamado de horizonte, mas não é isso que a linha do horizonte está desenhando. A linha do horizonte é aquela linha horizontal que está nivelada com seus olhos. Nesse caso, apesar de olhar para isso, mesmo estando olhando para baixo, girei minha câmera para olhar para baixo Minha linha do horizonte ainda está aqui. Isso porque, embora eu esteja olhando para baixo, a altura física dos meus olhos, o nível em que meus olhos estão no espaço, está acima do cilindro. Mesmo olhando para baixo, minha linha de olhos ainda está acima do cilindro, o que significa que se eu deixasse o cilindro transparente e movesse essa elipse, você pode ver que não importa onde a elipse esteja no cilindro, eu ainda posso ver o lado superior dessa elipse, porque está sempre abaixo da porque está A mudança agora é que quanto mais abaixo da linha do horizonte ela está, mais larga ela fica. Tudo bem. Aqui está uma captura de tela do último quadro aqui no photoshop Vamos praticar um pouco de desenho no espaço aqui. Eu sei onde está a linha do horizonte porque, novamente, eu posso vê-la ali onde a grade termina em três D. Se eu dissesse apenas essa distância abaixo do horizonte, bem, aquela elipse seria quase reta. Mas como ainda estamos abaixo da linha do horizonte aqui, ainda seríamos capazes de ver o lado superior dela, mas seríamos muito estreitos, algo assim. Se eu continuasse minha distância descendo da linha do horizonte, em algum lugar aqui embaixo, que é quase nivelada com este cilindro, então eu sei quando posso vê-la na referência, que a elipse fica mais larga do que a minha primeira, algo assim Agora, minhas elipses são desenhadas à mão por um humano. Eles não serão tão mecanicamente perfeitos quanto o modelo de computador, mas tudo bem Vou tentar fazer com que seja o melhor puder, algo assim. Agora, se eu continuar as linhas aqui embaixo, é como desenhar um cilindro. Agora que estou aqui nesse nível, estou muito mais abaixo da linha do horizonte, que a elipse precisa realmente se tornar Estou quase tentando gesticular. Estou tentando sentir isso com meu braço antes de me comprometer com essas linhas É algo assim. Agora essa elipse tem que sair dos cilindros, as pernas lá, é claro, e é algo parecido Eu poderia fantasiar a parte de trás pintando. Mas lembre-se, é importante desenhar a parte de trás dessas formas, assim como fizemos com nosso personagem há pouco, desenhamos a forma como se tivéssemos uma visão de raio-x. Isso ajuda nosso desenho a melhorar. Porque, novamente, se você puder ver através de seus objetos, terá uma forma mais coesa em toda a extensão Lá vamos nós. Aí está nosso cilindro. Para enfatizar que esse é o lado superior do cilindro, talvez eu apenas pinte isso de branco, para que pareça uma forma sólida . E aí está o nosso cilindro. Agora, digamos que estivéssemos acima da linha do horizonte em algum lugar aqui em cima. Bem, agora a elipse sai dessa maneira. Mas como ainda estamos perto da linha do horizonte, ela não aparece muito. Talvez seja algo assim. Mas agora estamos vendo a parte inferior dessa elipse. Se apenas conectássemos esses dois pontos, bem, agora temos mais um cilindro espacialmente preciso Mas, nesse caso, eu mascararia ou ocultaria aquela área traseira para ter certeza de que ainda a víamos, ainda somos responsáveis por ela Mas a linha visível aos nossos olhos é essa linha de fundo. O oposto é verdadeiro na parte superior Vou mascarar ou ocultar essa parte da elipse para enfatizar que a linha superior dessa elipse é a visível aos nossos olhos É um conceito simples, mas, estranhamente, isso não é ensinado e despercebido por muitos artistas Como resultado, isso torna os desenhos de muitas pessoas simplesmente incoerentes em três D, a tentativa existe, mas a precisão está Se a precisão básica estiver errada em seu formulário, isso anula o propósito Você pode começar com um gesto e ainda assim capturar uma sensação perfeitamente válida, mas na verdade não pode se irritar muito com o formulário e capturar o formulário válido Voltando à nossa ficha de personagem de Jake aqui, aquela que você já viu antes, eu só quero te mostrar como estou aplicando isso Vamos dar uma olhada nesse cara aqui. A primeira pergunta a fazer é: onde está a linha do horizonte? Ou seja, se você olhasse para Jake aqui, ou seja, se você projetasse sua linha de visão para frente, onde essa linha colidiria com Com que parte do corpo dele seus olhos se igualam? Eu diria que provavelmente está por aqui. Ter a linha dos olhos no queixo significa que a câmera está bem baixa em relação ao chão, o que é verdade Se você olhar para isso, parece que você está no chão, olhando um pouco para ele. Deixe-me colocar aquela linha do horizonte de volta lá. Isso significa que essa área está acima da linha do horizonte. Como vimos com nossa elipse há pouco com os cilindros, significa que esse contorno cruzado ou essa faixa elástica, às vezes chamados de contornos cruzados, a propósito, gira assim Você pode ver o quão bem isso envolve a cabeça dele e parece que está seguindo a perspectiva Se eu fiz isso, algo assim, não parece certo. Há algo errado nisso ou impreciso. Isso é o que parece estar em volta da cabeça dele. Por outro lado, veja esta parte aqui onde a camisa termina, linha do cinto, que está abaixo da linha do horizonte Você pode ver como eu tenho a elipse descendo ? É desse jeito. Se desenhássemos um cilindro teórico lá e depois um fantasma nas linhas por trás dele, você pode ver que somos responsáveis por nossa perspectiva lá Tudo bem, vamos descer a página até esta versão do Jake Esse é um ângulo muito diferente. Neste, estamos olhando um pouco para ele. A mesma pergunta se aplica. Onde nossos olhos estariam nivelados nessa visão? Eu diria que está em algum lugar aqui em cima, projetando minha linha de olhos infinitamente no espaço, se alinharia por lá, que significa que colide basicamente com a ponta do cabelo dele ponta do cabelo Isso significa que, nesse caso, diferente daquele em que a linha girava dessa maneira. Nesse cara, toda a cabeça dele está abaixo da linha do horizonte. Essa elipse gira em torno de sua cabeça dessa maneira. Se fôssemos fantasmas na parte de trás, seria assim. Se olharmos novamente para a linha do cinto dele, observe que a elipse é mais larga porque está mais abaixo da linha do horizonte Novamente, podemos ser responsáveis e fazer as costas, e então podemos conectar nosso cilindro teórico lá, e você pode ver como estou sendo responsável pelo espaço tridimensional em que essas formas vivem Mesmo em imagens muito realistas como essa, elas são pintadas em um estilo mais realista. Mas é claro que o mesmo princípio é válido. Primeira pergunta, onde está a linha do horizonte? Onde nossos olhos estão nivelados com o corpo dele? Eu diria que está em algum lugar por aí. Existem algumas elipses muito óbvias como esta. Veja se curva para fora porque está caindo. Este se inclina ainda mais para fora. Essa elipse aqui também se curva para fora. Agora a cabeça dele está acima da linha do horizonte, então essa sai dessa maneira. Espero que isso mostre a importância de saber onde está essa linha do horizonte Agora, há uma coisinha extra que causa uma chave inglesa em tudo isso, que é a que causa uma chave inglesa em tudo isso, que é a rotação. De volta ao liquidificador aqui, eu tenho uma caixa em forma de caixa selecionada como uma caixa retangular Vou torná-lo transparente, como sempre fiz, e vou colocar nossa pequena seção transversal lá. Vamos colocar isso aí mesmo. Agora, estamos abaixo da linha do horizonte, então estamos olhando para baixo, embora seja em forma de caixa, é o mesmo princípio de uma elipse, de um cilindro acaso eu usava cilindros antes e agora são caixas, mas estamos olhando para antes e agora são caixas, a face superior desse contorno cruzado ou seção transversal porque estamos acima da linha do horizonte, está abaixo da linha do horizonte Vou fazer isso mesmo com a linha do horizonte ou ali mesmo. Agora está perfeitamente plano. podemos ver nem o plano superior nem o plano inferior, então está perfeitamente reto Mas veja o que aconteceria agora. Se eu girar o objeto. Estou fazendo isso. Estou girando assim Deixe-me voltar minha visão para onde estava. Se eu girar o objeto, bem, repente agora estamos vendo o plano superior dessa seção transversal porque o objeto está inclinado em nossa direção Temos que estar atentos a isso. Se o objeto não estivesse girado, perfeitamente plano para cima e para baixo, nós o vemos plano, mas no segundo em que ele começa a girar, essa é uma variável que devemos considerar De volta à minha pintura aqui, há alguns objetos que são girados Por exemplo, essa perna aqui. Essa perna é como um cilindro, mas como está estendida em nossa direção, como se ele estivesse andando, essa forma cilíndrica da perna foi girada em nossa direção Nossa linha do horizonte era o que estava lá? Mesmo que essa perna esteja bem abaixo da linha do horizonte, porque ela girou em nossa direção, essas elipses a quebram e seguem esse O cilindro funciona assim e este enrola na parte de trás desse jeito Estou contabilizando essa rotação. É a mesma coisa com os braços aqui. Deixe-me pintar esse braço bem rápido aqui. Se eu quisesse desenhar esse braço apenas para cima e para baixo, bem, ele está um pouco abaixo da linha do horizonte. Portanto, essa elipse mal desceria. Nós teríamos as pernas do nosso cilindro aqui, e essa extremidade do braço seria assim. Isso representaria o braço pendurado para baixo no espaço de uma maneira perfeitamente vertical. Mas não é isso que está acontecendo aqui. Esse braço girou em nossa direção. Essa rotação é suficiente para mudar a natureza do cilindro, então ele sai assim. Aqui, deixe-me colocar a linha do horizonte volta em algum lugar próximo. O conceito da linha do horizonte ainda é importante porque o que você pode fazer é sempre começar mentalmente de uma forma perfeitamente plana para cima e para baixo, como a forma de caixa aqui que mostrei há pouco, e que estava perfeitamente plana para cima e para baixo. Assim, você pode imaginar onde essas seções transversais estão em relação à linha do horizonte. Então, a partir daí, você pode girá-los adequadamente. Isso é algo que, novamente, acho que é pouco ensinado na arte, e você realmente precisa estar ciente disso para que sua forma faça sentido coeso em um espaço de três D. Vamos passar agora para a próxima etapa da construção de um personagem, uma forma. 8. Personagens: formas finais: Tudo bem, design da forma. Finalmente, é aqui que obtemos as linhas finais em nosso trabalho. As formas são como a cola que une gesto e As formas, porém, também são seus próprios problemas a serem resolvidos. Uma forma é simples. É como se fosse um círculo. É só uma forma. Todo mundo desenha formas desde muito jovens. Mas, como artistas profissionais, temos que entender o conceito de que vamos desenhar muitas formas para criar uma imagem. E essas formas precisam ser lidas ou compreendidas visualmente pelo espectador. É lógico que quanto mais simples você criar essas formas, quanto mais lógica você puder colocar na forma como elas são desenhadas, melhor será para o espectador Como resultado, um bom design de forma confere ao seu trabalho uma aparência atraente Nesta lição, vamos mergulhar diretamente nas formas. Trabalharemos com o mesmo personagem com quem trabalhamos, mas também veremos exemplos de como eu uso formas de forma mais ampla Obteremos uma filosofia geral para o design de formas e depois a aplicaremos. Tudo bem. Então, eu tenho meus desenhos de design de Jake na tela aqui e desenterrei mais alguns aqui à direita Entendi que esta é a página inteira que enviei ao cliente para aquele trabalho específico. Alguns dos números não farão mais sentido. Eu tenho dois números cinco, dois números seis, qualquer coisa. Inicialmente, apresentei esses desenhos ao cliente em duas folhas diferentes e em duas passagens diferentes. De qualquer forma, gostaria de examinar esses desenhos e desenvolver uma pequena lista de verificação dos princípios de design de formas para manter em mente Princípios que eu uso o tempo todo, princípios que acho muito eficazes, e lançaremos um pequeno livro de receitas formas que depois usaremos em um desenho Ok, o item um da nossa lista de verificação é algo que eu gostaria de considerar imediatamente, logo de cara Eu gosto de chamá-la de meta-forma. A meta-forma é como uma forma geral em que seu personagem ou qualquer objeto que você esteja desenhando, verdade, a forma geral à qual ele se adapta Eu posso identificar o que me ensinou isso. É isso aqui. Esta folha de modelo do Disney's Aladdin. Vou ampliá-lo rapidamente aqui. É uma resolução muito baixa, mas isso não importa. Você tem todos os personagens do filme aqui em cima. Aqui embaixo, você pode ver com qual metaforma simples ou forma geral todas elas se adaptam Você percebe que cada forma é única. A ideia aqui é que o DNA da forma, sendo diferente permite que seu olho diferencie rápida e facilmente qualquer personagem É uma ferramenta tão útil que os ilustradores a aplicam em seus trabalhos, mesmo que você possa olhar uma ilustração para sempre, se quiser Ainda é muito útil para obter aquela leitura rápida do binário ou do DNA em suas coisas. Vamos dar uma olhada em alguns dos mais óbvios. Por exemplo, esse cara aqui, a forma é um grande triângulo afilado, que é só para o corpo Se eu incluísse a cabeça nisso, a cabeça é como um grande balão que adiciona ainda mais uma mudança de forma a ela Eu gosto até mesmo de colorir ou simplesmente pegar a ferramenta de preenchimento do balde de tinta e fazer isso para ter uma ideia do que essa forma está fazendo. Veremos como avaliar se essa é ou não forma interessante em um momento Esses serão outros itens em nossa lista de verificação Mas, por enquanto, vamos pensar na ideia de ter uma meta-forma geral. Agora, novamente, esses são apenas princípios. Você nem sempre precisa fazer isso. Às vezes eu pronuncio mais, às vezes menos. Por exemplo, esse personagem usa a mesma meta-forma. É a mesma coisa triangular cônica para o corpo. A propósito, saiba que não estou incluindo os braços, porque os braços podem se mover muito, é útil realmente considerar apenas o tronco do corpo neste estágio, e eu conecto os pés como estou fazendo aqui. Então, sim, para esse cara, a cabeça também se afunila, mas é mais um estilo angular O outro era mais redondo, se você quiser, basta pegar uma ferramenta para encher balde de tinta e fazer isso. Quase parece um peão no peito ou algo com essa pequena ponta interessante Quando você preenche suas formas assim, eu estava prestes a dizer silhueta Não é uma silhueta. A silhueta é a forma final real que o personagem cria Essa é mais a força motriz por trás da silhueta. O que você está fazendo aqui é apenas observar sua forma e tentar atribuir a ela um personagem. Nesse caso, parece divertido? Gosto de como tem uma inclinação. Quase tem um gesto embutido . Eu gosto disso. Essa versão do Jake ainda é muito parecida, mas é um pouco mais arredondada, um pouco menos exagerada, um pouco mais baseada na realidade e onde as curvas e os ângulos são um pouco mais equilibrados entre si Vamos preenchê-la e ver Você pode ver que o que estou pensando aqui é uma filosofia geral de design. Mesmo no início dessa fase, quando você interpreta seu personagem pela primeira vez, você pode começar a lidar com essa ideia da meta-forma isso realmente ajudará a dar ao seu personagem esse senso de caráter. Esta versão de Jake é mais e sedosa e com S Até a cabeça tem aquela suavidade. Vou preencher isso. Você pode ver a diferença. Essa forma sugere para mim, uma fisionomia, linguagem corporal ou atitude geral muito diferente , então diga isso. Esta versão de Jake Esse cara é um pouco mais voltado para dentro, digamos. Vamos dar uma olhada nessa versão divertida dele. Neste, é como se o corpo saísse, entrasse e depois saísse novamente. Então, em tudo isso, a cabeça é enorme porque ele é um personagem jovem. Personagens jovens se prestam a cabeças grandes. Mas há muitas ondulações aqui para dentro, para fora, e é isso que eu estava pensando quando criei essa versão dele Tem uma aparência bastante animada. Eu gosto disso. Esse aqui, veja isso. É uma versão muito angular, quase inspirada no cubismo, de Jake, onde tudo é Há algumas curvas lá dentro como nos sapatos, por exemplo Mas quase todas as partes do corpo essa geometria angular, e incluirei as mãos aqui também, porque elas refletem aqui também, porque elas totalmente a mesma filosofia metaformada Tudo é superangular, sem muitas curvas, embora existam algumas, talvez mais notavelmente, a cabeça seja Isso é uma boa ideia? Bem, eu não sei. Isso depende do cliente. Estou apenas apresentando opções diferentes aqui. Estou apenas tentando incorporar às minhas meta-formas um pouco de contraste, ângulos versus arredondamentos, neste caso. Podemos ver como este tem uma aparência quase abstrata, novamente cubista Nesta versão de Jake, eu inverti o que fiz aqui e fiz com que fosse mais estreito, começando nos ombros e descendo começando nos ombros e Aqui vou preencher este sem a cabeça. Não é realmente meu trabalho aqui decidir o que é melhor do que o outro. Meu trabalho é oferecer opções. Tudo bem. O que temos abordado até agora é a capacidade de manter nossas formas simples e de fácil leitura A lógica é bem simples. Se uma forma é simples, seus olhos podem lê-la rapidamente, e se seus olhos conseguem ler algo rapidamente, sua arte tem uma chance muito maior de atrair o espectador. Agora, um princípio fundamental que estamos usando para conseguir isso é a diferença na forma. E até agora temos conseguido isso de uma forma bem básica, que é ter uma diferença de largura de cima para baixo. Você pode ver que essa forma é muito mais fina na parte superior e mais larga na parte inferior Esse tem sido um fator fundamental em todas essas silhuetas Este é mais largo na parte superior e mais estreito na parte inferior, conforme discutimos Esse aqui, mais estreito na parte superior, mais largo na parte inferior. Lembre-se de que este aqui é muito mais estreito na parte superior e muito mais largo na parte inferior Novamente, estou falando sobre o tronco do corpo aqui, pois geralmente é isso que procuro quando desenho personagens, porque essa é a parte da silhueta que é mais consistente Portanto, ter essa sensação de diferença em sua forma lhe dará um nível inerente de interesse , pois o olho pode identificar um lado da forma é a parte superior e o outro é a parte inferior. Eles não são intercambiáveis. Esse talvez seja o aspecto central de manter suas formas interessantes. Vamos pegar isso agora e adicionar à nossa lista de dicas de formas que estamos criando até agora. Nós os temos em forma de metal. Agora estamos passando para a assimetria. O princípio fundamental por trás disso é que, se você tem uma forma simétrica, como um quadrado, ela é simétrica nos quatro lados, cima para baixo e de um lado para o outro Você sabe, esse quadrado pode ser girado em qualquer ângulo diferente e tem a mesma forma todas as vezes Isso é indesejável em um design de boa forma. Não quer dizer que nunca haja lugar para simetria. Na arte, a palavra nunca deve quase nunca ser usada porque sempre há exceções. Mas a realidade geral é que a simetria tende a ser entediante e não atrai muito bem os olhos do espectador Então, o que precisamos construir são ferramentas e formas de compensar a simetria E isso é o que eu chamo de simetria de deslocamento. Nesse caso, queremos a ideia de um quadrado, mas e se fizéssemos o quadrado mais parecido com um trapézio como o quadrado mais parecido com um trapézio Então, o que fizemos aqui para compensar a simetria é bem simples Pegamos o que eram linhas paralelas à esquerda e à direita, por exemplo, e fizemos com que elas não fossem mais paralelas , dando-lhes apenas ângulos ligeiramente afilados Se continuássemos com essas linhas, ficaria óbvio que os ângulos não são mais simétricos O mesmo acontece com as linhas superior e inferior, embora sejam um pouco mais sutis, se eu apenas as traçasse, você pode ver que elas convergiriam para a direita se eu mantivesse essas linhas Portanto, sempre que você estiver lidando com uma forma que tenha linhas paralelas, uma ótima maneira de compensá-la é girar esses ângulos um pouco em qualquer Quase a mesma coisa se aplica. Se tivéssemos uma forma muito circular, digamos assim, este é um círculo digital perfeitamente desenhado aqui. Bem, para isso é realmente fácil. Se eu tentar desenhar um círculo à mão, automaticamente, só porque sou humano e imperfeito, esse círculo é automaticamente deslocado , e é algo assim Vou continuar examinando essa forma aqui e, se eu quiser , posso apagar as áreas com as quais não quero me comprometer, algo assim, e a versão M do círculo agora representa a mesma coisa que acabamos de fazer com o quadrado, compensamos a simetria do Nesse caso, não tenho retas paralelas para comparar, é claro, o que vou fazer é pegar o ponto mais largo de cada lado Acho que o ponto mais largo do lado direito está lá e o ponto mais largo do lado esquerdo está E você percebe como isso não forma uma linha horizontal. É girado em dez graus ou mais. Podemos pegar a parte mais larga na parte superior, que provavelmente está lá, e a parte mais larga na parte inferior, que talvez esteja lá, e você tem Em vez de uma cruz perfeita, nós a compensamos Essa ideia de medir os pontos mais largos é algo que eu uso o tempo todo Digamos que temos uma forma mais orgânica, algo que não é um círculo ou um quadrado, algo que combina os dois tem algumas curvas, talvez algo assim O que estou respondendo negativamente sobre essa forma é muito parecido com a ideia de simetria Se eu fosse medir a largura dessa forma com essas linhas verdes, essa largura seria mais ou menos consistente em toda a forma. Novamente, embora isso não seja inerentemente violar nenhuma regra ou algo parecido, geralmente não gosto disso, porque, mais uma vez, acho que isso perde oportunidades de envolver o Como eu usaria uma forma como essa, mas a projetaria de uma forma um pouco mais interessante? Bem, eu usaria a ideia de simetria de deslocamento e diria: Ok, como posso encontrar uma maneira de fazer a aparência dessa forma, mas talvez tornar o ponto mais largo em cada extremidade um pouco diferente, Essa forma, eu diria, meio cumpre o mesmo propósito da nossa forma original Tem o mesmo tipo de identidade. Mas agora você pode ver o ponto mais largo da forma, talvez esteja aqui até aqui e essa é a largura dela Bem, isso é diferente agora do que a parte superior e inferior. Temos um meio mais largo e uma parte superior e inferior encolhidas, e até a parte inferior é ainda mais encolhida Portanto, essa forma meio que ganha um efeito de afunilamento de cima para baixo à medida que desce E quando uma forma tem essas conilações, esses deslocamentos, essas diferenças, você tem uma chance muito maior de essa forma atrair o olho Voltando aos nossos desenhos de Jake aqui, esses princípios de forma não se aplicam apenas ao corpo inteiro como um todo Mas qualquer pequena forma individual, como se eu ampliasse o braço de Jake ali mesmo Vamos primeiro traçar essa forma e eu a cortarei no pulso. Essa parte superior do braço é reta, talvez uma curva S muito sutil, e essa parte inferior do braço tem essa conicidade e, novamente , será cortada no ombro Deixe-me redesenhar essa forma aqui à mão livre. Essa era a parte superior, cortada ali, cortada ali, e é a parte inferior dessa forma que tem aquela sensação de deslocamento Portanto, há uma mudança de largura. É mais largo aqui em cima, mais estreito aqui embaixo. Uma coisa que eu sei é verdade sobre os estudantes M é estudante há muito tempo e ainda me considero um estudante e também ensinado alunos há mais de dez anos Acho que sou professora há 13 anos neste momento. A natureza humana geral não é fazer isso. A natureza humana vai querer criar formas como essa, apenas simétricas Embora, novamente, não haja nada inerentemente errado nisso, se você repetir a simetria repetidamente, estará no caminho mais rápido para criar imagens chatas Agora, esse princípio está em todo lugar em meu próprio trabalho porque eu treinei meus músculos para fazer isso. A maneira como eu movo minha mão, eu a treinei ao longo dos anos para fazer formas dessa maneira. Você pode ver como o nariz. Você percebe como esse nariz está levemente inclinado e em um ângulo como este Se fôssemos identificar novamente os pontos mais largos da forma, ela está lá e ali, está em um ângulo Até os lados, está lá e ali. Está em um ângulo. Se você olhar para esta orelha, não é uma orelha circular perfeita, ela está deslocada Está distorcido. Novamente, adoro usar os pontos mais largos lá versus ali Está nesse ângulo. Não é vertical, está 20 graus abaixo disso. Lembre-se de como seria fácil se você não conhecesse esses princípios, como seria fácil desenhar a orelha como um semicírculo perfeito aqui, onde as coisas são um pouco Novamente, embora isso não seja único que matará esse personagem. Quero dizer, você poderia fazer isso em uma área pequena e escapar impune. O que você quer aprender a fazer em sua arte é treinar sua mão para evitar isso em favor de algo menos simétrico Dessa forma, se você quiser simetria, ainda poderá fazer isso, mas isso não está acontecendo por padrão Se eu fosse selecionar essa forma aqui no photoshop, ativaria a ferramenta Warp aqui, e isso é literalmente o que meu cérebro está fazendo Meu cérebro está distorcendo a forma dessa forma, apenas inclinando-a um pouco, para que fique deslocada Agora, você pode dizer que está tudo bem para desenhos animados, mas e se eu quiser desenhar de forma realista Mas acontece que a natureza é o que nos ensina isso. Gosto de usar o músculo da panturrilha humana como exemplo. Esse é apenas um pequeno exemplo. Há milhões de exemplos em toda a natureza. Mas veja a simetria deslocada que acontece nessa parte da anatomia, a parte mais larga da Tem esses ângulos diferentes como mostrei na caixa, a parte mais larga aqui versus aqui está fora do eixo horizontal, só um pouco, dez graus, cinco graus, algo assim, um pouco funciona Mesmo que você veja onde os ossos estão em cada lado do pé, eles estão deslocados Também no meio da parte de trás do joelho aqui. É compensado O que a natureza fará repetidamente é mudar esses meta-ângulos gerais. Os ângulos entre uma coisa e outra se alternarão. Não há um padrão exato de como eles se alternam. Mas desde que eles se alternem, ou seja, não estejam constantemente paralelos, você está no caminho certo para imitar o que a natureza faz, o que, por sua vez, cria uma visão muito familiar para o espectador, porque ele está acostumado a ver isso na natureza o tempo todo Quero dizer, você não precisa ser um artista para saber que a natureza raramente cria simetria A simetria é mais uma coisa humana. Claro, se você está projetando um prédio como um prédio urbano, talvez você use simetria lá Mas provavelmente para a grande maioria do que você vai desenhar, especialmente se estiver desenhando especialmente se estiver desenhando personagens ou cenas orgânicas, essa ideia de compensar a simetria é extremamente Novamente, você pode encontrar isso em todos os lugares. Veja o ponto mais largo do bíceps aqui versus o tríceps ali, identificando o ponto mais largo dessa forma, está lá versus ali, deslocado Vejamos o deltóide, que é o músculo aqui perto do ombro, onde o braço interage com o Vamos apenas traçar essa forma deltóide. Veja esse deslocamento como uma forma de esferóide. Se eu fosse desenhá-lo, talvez tivesse um topo esférico aqui em cima, mas do jeito que ele se afunila, somos empurrados para a direita e apenas um pouco para a esquerda Esse eixo está deslocado. E o que estamos fazendo aqui não é estudar anatomia, embora você possa absolutamente aplicar isso à anatomia, pois é literalmente o que a anatomia faz Mas o que estamos fazendo é simplesmente perceber o que a natureza faz, que é constantemente compensado Eu só uso o termo meta ângulo. Isso se refere apenas a observar qual é esse ângulo versus aquele ângulo versus esse ângulo Se você puder introduzir variedade de uma coisa para outra, descendo uma forma, isso é apenas um braço, mas temos três ângulos muito diferentes aqui, e podemos levar isso ainda mais longe. Veja o ângulo criado na área da junta aqui. Eu sei que ele está usando uma luva, mas a mão foi girada para fazer um ângulo como esse Esses são os freios e contrapesos simples que você pode usar para ajudá-lo a criar simetria de deslocamento, por exemplo, ou apenas aquela sensação de diferença em sua forma que ajuda a impulsioná-los Vamos continuar explorando a ideia de adicionar diferença às suas formas, mas o conceito de retas versus curvas Lembre-se de que, em um gesto, falamos sobre coisas sendo projetadas com retas, curvas C ou curvas S. É o mesmo com as formas. Você está sempre usando uma seleção desses três tipos básicos de linhas ou curvas O que você quer fazer com suas formas, em geral, é garantir que sua forma seja composta por uma variedade dessas coisas. Agora, novamente, essas não são regras rígidas, elas podem mudar ou você pode aplicá-las em quantidades diferentes com base no estilo que está procurando. Mas, em geral, adicionar diferentes tipos de curvas à forma como você compõe sua forma ajudará a aumentar Aqui estão alguns designs de pés grandes que combinam com o personagem Jake Vamos dar uma olhada nesse cara aqui, por exemplo. Aqui está uma curva em S definindo um lado da forma do braço e ombro, você percebe que no outro lado dessa forma, é uma reta. Bem simples. Agora, deixe-me mostrar o que não é. Se eu editasse isso rapidamente. Note que não é isso. Não é isso porque veja como parece um balão agora neste momento ou apenas algo que é um pouco menos atraente Não há nada inerentemente errado com isso, como eu continuo dizendo Mas, em geral, acho que se eu simplesmente desfizesse isso, voltasse ao original, essa ideia de uma curva S encontrando uma reta é um pouco mais dinâmica e interessante porque é mais Novamente, o olho tem muito pouco a fazer quando você o apresenta com simetria ou quando você apresenta com a mesma escolha repetidamente Porque é como copiar e colar a mesma coisa nos dois lados, certo? Então, no caso desse braço, se eu tiver uma bela curva S em um lado e uma reta aqui, a forma resultante será um pouco mais inesperada para o espectador. Deixe-me preencher isso rapidamente. Como resultado, essa natureza inesperada da forma gera um nível de interesse que uma forma como essa não teria tanto. Porque, novamente, essa forma tem lados muito semelhantes em ambos os lados. Não é uma forma ruim, é perfeitamente legível e simples, mas se você tem algo que acha muito espelhado ou simétrico, simplesmente pegue um lado, livre-se dele e tente compô-lo com um tipo diferente de curva, uma reta ou talvez ainda seja uma curva S, mas esta mas E podemos usar a simetria de deslocamento para deslocar o eixo diagonal disso Deixe-me mostrar mais alguns exemplos aqui. Vou apenas trazer uma folha de papel vegetal aqui, como já fiz antes Se você observar a meta-forma geral desse personagem no tronco do corpo, aqui está uma curva C. Veja como essa curva C é bonita e simples aqui, o que é? É uma curva C reta, ou talvez seja uma curva C côncava, mas uma côncava muito estreita Essa curva C é inclinada e esta é quase angular Eu combinei esse princípio de retas versus curvas com o princípio da meta-forma, algo que eu recomendo fortemente que você faça, e você encontrará oportunidades para isso à medida que ganha experiência e pratica combinando todas essas dicas Eu aproveitei uma oportunidade semelhante de retas versus curvas em Jake Ele está deitado, então isso significa que eu provavelmente poderia usar uma linha reta, onde seu corpo está batendo no chão, e ele também está estendendo a mão, então eu poderia usar uma linha reta lá também Tudo isso é uma espécie de duas retas, e isso deixou muito espaço para essa meta-forma geral fosse realmente curva neste lado É essa ideia muito exagerada de retas Deixe-me pegar a ferramenta do balde de tinta e preenchê-la. Vou desenhar uma versão mais abstrata aqui na parte inferior, basicamente algumas retas Depois, no lado oposto, usando todas as oportunidades possíveis para todos os tipos de curvas diferentes A forma não é só de Jake, pode ser uma nuvem, por exemplo Pode ser um dragão deitado de costas com uma barriga grande. As formas são abstratas. Eles podem ser aplicados a muitas coisas diferentes. Vamos dar uma olhada no braço aqui. A parte do braço, aqui está uma curva C e aqui está outra curva C, mas há duas curvas C diferentes Eu ainda considero isso sob a bandeira de retas versus curvas, mas você não precisa pensar nisso literalmente Você não precisa literalmente usar uma reta contra uma curva. É mais alguma coisa versus alguma coisa. Nesse caso, uma curva C estreita versus uma curva C mais larga. Obviamente, isso é combinado com a ideia de simetria de deslocamento, pois temos a parte mais larga dos ângulos fora do eixo Você pode ver como isso é como um livro de receitas para formas, em vez algo estereotipado que sempre produz o mesmo resultado Você pode procurar isso em qualquer lugar. Se traçarmos uma forma atrás da cabeça da criatura desta forma, isso é o que é uma curva S, mas então olhe para o outro lado É uma curva C grande e larga, até mesmo nos desenhos dos dedos. Como se tivéssemos uma coisa curvilínea em S aqui, uma curva S larga e grande versus uma curva S mais estreita Novamente, procure simetria de deslocamento, simetria de deslocamento. Gosto de lembrar às pessoas como seria fácil desenhá-lo de outra maneira. Por exemplo, se tivéssemos o dedo desse jeito, imagine como seria fácil criar um dedo muito simétrico Saiba que isso é fácil porque eu vejo isso repetidamente no trabalho dos alunos, inclusive no meu próprio trabalho estudantil. De anos atrás, quando eu estava descobrindo esses princípios pela primeira vez descobrindo esses princípios Para mim, isso representou uma grande mudança de mentalidade. que faz parte da natureza humana Acho que faz parte da natureza humana criar uma forma simétrica como essa Mas se você começar a fazer simétrica após forma simétrica, suas coisas começarão a parecer inchadas ou eu chamo Parece um monte de bananas, e é difícil deixar de ver isso É difícil ter um senso de apelo lá. Você sabe, até mesmo olhe para as unhas dos pés. Em linha reta, curva. é o elemento mais básico dessa ponta: reta versus curva. Vamos dar uma olhada no pé de Jake aqui. Temos uma curva S como essa, tipo interessante de forma curva em S versus uma reta e uma curva Então, é meio que uma forma quadrada. Deixe-me desenhá-lo aqui embaixo. Então, é como uma forma quadrada. Mas é feito de uma curva S ali, depois uma curva C estreita e uma reta. Em vez de algo genérico como esse, você trabalha dentro dessas diretrizes e as torna um pouco mais interessante variando o tipo de linha que está usando para criar essa forma Outra forma de aplicar essa técnica é observar como uma forma viaja do começo ao fim. E o que quero dizer com isso é, vamos dar uma olhada, por exemplo, nas calças dele aqui. Teria sido muito fácil para mim simplesmente desenhar uma linha reta até o fim. Isso seria bom. Essa forma parece boa e eu fiz isso em outros Jakes Isso não é algo que seja contra a lei ou algo assim. Mas uma coisa que você pode fazer para usar retas versus curvas é se você estiver pensando: Ok, estou fazendo muitas coisas , estou viajando muito em linha reta aqui Vamos agora em algum lugar abaixo da forma. Tem o mesmo formato. Vamos agora adicionar uma pequena curva na parte inferior, como um pouco de tempero, um pequeno redemoinho, um Novamente, isso é como uma grande curva C longa, e vamos usar a curva S na parte inferior. Nesse caso, é como curva C versus curva S, e o mesmo aqui, curva C versus curva S. Eu poderia fazer a mesma coisa com um hétero. Se eu tivesse uma forma reta que eu estivesse desenhando aqui, esse é um lado de uma forma, e eu quero dizer aqui embaixo. Bem, em vez de fazer com que a reta vá até o fim, por que não dizer, vá longe e faça uma pequena curva C? Agora, não fique tentado a fazer simetria do outro lado dessa forma Talvez do outro lado, eu seguisse em linha reta e fizesse uma curva C mais larga como essa. Eu compensaria essa simetria e ainda usaria a ideia de retas versus curvas, que é exatamente o que fiz neste Você pode ver, no geral, as calças dele são mais estreitas do que largas. Dentro disso, é mais largo de um lado e mais estreito do outro Novamente, combinando essas técnicas de design de formas. Agora, lembre-se, não é uma regra. Para as calças dele aqui, eu não fiz isso. Acabei de torná-los heterossexuais. Agora, acho que, como resultado, esse não é um desenho tão bom, embora eu não me sinta pessoalmente atraído por esse desenho tanto quanto sou, alguns dos outros. Acho que é especificamente porque acho que minhas formas são menos interessantes aqui. Agora, essa é uma área de arte muito subjetiva. Essa lista de dicas, esse pequeno livro de receitas, é uma série de coisas que você pode experimentar Lembre-se de que não existem leis de arte. A polícia da arte não virá à sua porta se você ignorar isso. Mas se você olhar e examinar trabalho de qualquer artista profissional, verá esses princípios em jogo. Vou mostrar mais alguns exemplos. Se você pegar a cabeça dele aqui, é como uma curva C neste lado e uma curva C mais larga neste lado. O mesmo por aqui. Curva C deste lado, retas daquele lado. Este é um pouco mais simétrico, mas os ângulos são diferentes Isso é mais uma questão de simetria offset. Aqui está uma boa, o desenho da curva A S, como se você pensasse linha geral da cabeça dele, é como uma coisa curvilínea em S com uma curva C na parte de trás Então a parte inferior é como uma reta. Então, se eu fosse conectar isso, seria uma coisa curvilínea em C. Essa forma aqui, quase parece uma daquelas balas de Super Mario Brothers Forma muito simples que é feita de todos os três tipos de curvas neste caso Você também pode ser muito sutil com esse cara. Eu penso nisso como uma curva C contínua, mas por outro lado, é mais uma curva S. É sutil, é sutil e é algo que eu conheço plenamente quando o desenho. Agora, lembre-se, eu treinei minha mão, a forma como minhas mãos se movem, eu treinei ao longo dos anos. Eu relegei isso a uma decisão quase inconsciente. Isso é algo que se torna fácil quando você chega a esse estágio. Antes de chegar a esse estágio, você precisa praticá-lo conscientemente Mesmo que seja apenas pegar um caderno de esboços e criar uma forma como essa e dizer: Ok, há uma reta versus uma curva Gosto de sombrear apenas para enfatizar ainda mais a forma dos meus olhos. Não sei por que isso ajuda, mas parece que ajuda. Diga, ok, qual é a outra maneira de fazer essa forma? Que tal se forem duas retas e a curva s subir assim Essa é uma variação dessa forma. Todas essas são decisões de design muito conscientes que você pode tomar para ajudar a tornar suas formas o mais interessantes possível. Como sempre gosto de fazer, gosto contrastar estilos diferentes apenas para mostrar que esses princípios se aplicam de qualquer maneira. Esse estilo não poderia ser mais diferente desse estilo. Mas lembre-se de que isso não é apenas para artistas, desenhistas, desenhistas e pintores O design de moda também faz isso. Eu tinha uma referência fotográfica para esse vestido. Eu não sou designer de moda. Eu tinha uma referência fotográfica para esse vestido. Mas da forma como este vestido é desenhado, é como se fosse reto, reto, na parte de trás, é mais uma curva em S e como uma grande curva em forma de Foi assim que o estilista fez esse vestido. Esses princípios são universais dessa forma. Eu me certifiquei de que, quando estava pintando Clara aqui, eu escolhesse o ângulo para pintá-la que maximizasse essa relação de formas Porque lembre-se de que, quando você o zoom para ver tudo, seus olhos não têm muito tempo para ler Você precisa fornecer ao espectador essas formas muito simples para que elas possam explodir, obtenha-as imediatamente. Se sua forma empregar essas dicas que estou lhe dizendo, juro que elas serão mais memoráveis para o Tudo bem, vamos fazer um desenho juntos. Vou redesenhar essa versão de Jake e narrar meus pensamentos Isso é em tempo real com pensamentos narrados e vamos pegar todas essas ferramentas de design de formas e colocá-las em uso Agora, a primeira coisa que eu sempre faço é fazer um gesto e entraremos em um pouco da forma sobre a qual falamos Você percebe que vou combinar muitos desses conceitos. Eu só fiz um pouco de forma, um pouco de gesto. Quero descobrir onde esse ombro está pressionando sua bochecha contra o outro ombro Então, obteremos uma bela curva C aqui para o corpo e esse ponto onde eu acho que a camisa terminará, talvez onde os quadris estejam E há um cilindro lá. É como um cilindro cônico. Há algum formulário aqui. Agora, essa não é a forma final. Vou obter a forma final mais tarde. A forma final quase certamente se desviará um pouco disso É impossível acertar na primeira vez, pelo menos é para mim, e não espero isso de mim mesma. O braço vai descer em uma pequena curva C terminando aqui. Este braço está estendido, talvez mais reto com um pequeno gancho na ponta. A mão grande aqui e a mão da luva de boxe, que eu posso manipular Os pés agora, vamos linha reta porque as pernas estão esticadas Não é muito estranho, mas é meio que uma pose de união Quero colocar algumas retas nas pernas para ajudar a vender isso, e vamos bloquear essa ideia de uma continuação de uma curva C no gesto e também apenas uma pitada do deslocamento cônico simétrico aqui e do pitada do deslocamento cônico simétrico aqui e do f eu também posso bloquear nos pés com o princípio do amor pelo pernas para ajudar a vender isso, e vamos bloquear essa ideia de uma continuação de uma curva C no gesto e também apenas uma pitada do deslocamento cônico simétrico aqui e do f eu também posso bloquear nos pés com o princípio do amor pelo boxe. É assim. Esse braço está dentro. Aqui também está meu passe de gestos com uma pequena pitada de forma Agora, o que vou fazer é bloquear o que eu acho que será o formato da cabeça. Eu vou usar a curva C aqui. Vamos ficar um pouco mais retos até a parte inferior da mandíbula, que é filtrada diretamente para o que é filtrada diretamente Uma vez que eu tenho uma mancha solidificada para o pescoço aqui, e há um cilindro Agora eu sei onde o ombro pode ser baseado nisso. Eu sei que agora o ombro provavelmente está um pouco largo demais. Para que eu possa movê-lo para cá. Eu quero tê-lo lá em cima e acho que vai continuar assim. Mas, novamente, eu sempre posso apagar isso, se eu quiser. Afinal, isso é digital. Mesmo que fosse um lápis, eu poderia apagá-lo. Mas é muito mais fácil com o digital. Vamos entrar. Eu gosto de pegar a cabeça, aquela elipse central que gira Eu posso desenhar atrás do formulário diretamente com minha linha pontilhada. Mas geralmente não faço isso quando estou desenhando. É algo que eu recomendo que você pratique, mas quando você for desenhar, vá em frente e faça isso se isso te deixar mais confortável, mas eu não vou fazer isso tanto, mas estou sempre visualizando Às vezes, você me vê contornando o formulário de forma invisível, você pode seguir meu cursor, o cursor do mouse ou contornar o formulário Como eu tenho a linha central, sei onde o nariz vai acabar caindo em algum lugar aqui. Farei o meu melhor imediatamente para obter uma forma que tenha simetria deslocada, com dois tipos diferentes de Talvez seja uma reta encontrando uma curva C. Então, a partir daqui, posso bloquear para onde os olhos vão. Estou pensando em perspectiva aqui, então o nariz está na frente desse globo ocular distante Eu gosto de apenas fantasmas quase gesticulando, dando uma dica de para onde esses olhos estão olhando Quando você tem o personagem procurando em algum lugar, isso imediatamente implica vida. Há algo sobre isso. Eu até gosto de colocar o aluno. Eu sempre posso mudar isso. Mas eu até gosto de colocar o aluno nessa fase inicial. Então eu posso, eu também me ajuda a obter a forma do olho e, neste caso, do navegador de olhos, coisas cômicas ou caricaturais que estão acima da cabeça, o que não faz sentido em um nível literal, mas afinal de contas, esse é um desenho animado não faz sentido em um nível literal, mas afinal de contas, esse é um A nuca será uma curva em S arrebatadora mas encontrará uma reta para trás e essa curva invertida de cabeça para baixo seguindo Gosto de começar com a cabeça porque isso me ajudará a atingir todas as minhas outras proporções. O gesto foi uma dica disso, mas já estou vendo, por exemplo, que acho que quero que a camisa não seja tão Eu quero que o torso, que seja menor, para que eu possa até mesmo fazer isso Eu posso melhorar isso com o digital. Você pode fazer todas essas coisas, e eu coloco o ombro dentro e o ombro se movendo para o braço agora é como um cilindro. Agora, lembre-se do conceito da linha do horizonte. Onde está a linha do horizonte? Acho que a linha do horizonte está bem ao redor seus quadris, bem aqui que significa que quando estou lidando com esse braço, está acima da linha do horizonte, então meu cilindro vai nessa direção. Vou ter um belo braço curvilíneo em C aqui, mais reto Estou modificando isso um pouco em relação ao original. Estou bem 9. Projeto do curso 1: crie uma folha de design de personagens: Neste projeto de primeira classe, gostaria que você usasse todas as aulas de desenho que vimos até agora para criar sua própria folha de caracteres. Com o design e o desenvolvimento de personagens, é importante criar várias versões de um personagem. A comparação desses designs ajuda você a entender e refinar melhor quem é o personagem Para este projeto, o primeiro critério é produzir pelo menos cinco versões de um personagem. A descrição do personagem, vou simplificar , semelhante à de Jake, uma criança de cinco a 7 anos com O sexo e a etnia da criança podem ser de sua escolha Em seus desenhos, não deixe de explorar várias poses e ângulos. Isso ajudará não apenas a informar quem é o personagem, mas também ajudará o cliente a visualizar melhor sua ideia Finalmente, colorir o personagem não é necessário, mas você pode fazer isso se quiser. Como um pequeno bônus, se você quiser apresentar seus vários estágios de trabalho, gesto, forma, forma, em sua apresentação final, sinta-se à vontade para fazer isso também, mas não é obrigatório Esse é o projeto de primeira classe. Vá em frente e divirta-se com isso. 10. Ambientes: teoria prática da luz e das cores para ilustradores: OK. Estamos prestes a dar uma grande guinada nos conceitos de desenho e nos transformar na pintura conceitos de desenho e nos transformar na Especificamente, vamos lidar com cor e luz. Os princípios que estamos prestes a discutir são quase puramente separados dos princípios do desenho, mas, como veremos na próxima lição, todos eles se juntam para criar uma ilustração final Nesta seção, porém, gostaria de me concentrar principais aspectos da teoria das cores e em como a luz e cor trabalham juntas para nos fornecer um tipo de vocabulário visual de como entender luz e cor, bem como analisá-las a partir de referências fotográficas. Em última análise, mostrarei meu processo para pintar um estudo fotográfico especificamente com o objetivo de maximizar nos principais aspectos da teoria das cores e em como a luz e a cor trabalham juntas para nos fornecer um tipo de vocabulário visual de como entender luz e cor, bem como analisá-las a partir de referências fotográficas. Em última análise, mostrarei meu processo para pintar um estudo fotográfico especificamente com o objetivo de maximizar sua habilidade aumento na cor e na luz. Prepare-se para um novo começo aqui. Vamos ao que interessa. A compreensão da cor começa com a compreensão do conceito de temperatura da cor. É uma roda de cores. Tenho certeza que você já viu um desses antes. Ele mostra todos os tons que podemos ver no espectro visível da luz, e o matiz significa os nomes das cores, vermelho, laranja, amarelo, azul, ciano, violeta, etc., verde, e mostra a progressão através A principal coisa que vamos analisar primeiro esse é o conceito-chave de tudo isso, e é muito básico. É que há uma seção geral de cores quentes na roda de cores e uma seção geral de cores frias, e elas estão opostas uma à outra. Esta é a seção quente da roda de cores. É como uma fatia de torta que circula por aqui e engloba o que são os amarelos, vermelhos, laranjas, vermelhos, laranjas, Esse é o lado quente da roda de cores. A seção interessante é, bem, é exatamente o lado oposto da roda de cores. Está começando aqui com o azul ciano e entrando em alguns dos roxos, e no caminho você tem o blues Cianos, azuis, roxos, algumas violetas. Essa seção é a seção fria da roda de cores. Temos calor versus frio. Esse conceito é chamado de temperatura de cor. Vamos dar o próximo passo a partir daí e observar as cores individuais relacionadas à temperatura da cor, ficando mais quentes ou mais frias Quando se trata de entender as cores, a primeira e principal coisa que precisamos saber é que os nomes das cores, o tom é inútil, vermelho, amarelo, verde, azul, roxo, qualquer coisa, ciano, turquesa, Isso não é muito útil. Não é útil porque não é específico o suficiente. temperatura da cor é a ferramenta que nos permite falar sobre cores com especificidade , pois nos permite comparar e identificar exatamente o tipo de matiz que estamos vendo Acho que qualquer pessoa que entra nesta aula, mesmo que não tenha experiência, sabe que existem diferentes tipos de vermelho, diferentes tipos de verde, diferentes azuis, etc Nunca há apenas uma tonalidade. Você pode ver no topo do meu gráfico aqui. Eu tenho uma temperatura mais baixa e uma temperatura mais quente, e no meio está a tonalidade da qual ambas emanam Vamos começar com, digamos, vermelho. Só para garantir que todos entendam o que esse gráfico está dizendo, que possamos nos aprofundar. Então, começamos com vermelho. Agora, onde está o vermelho na roda de cores? Provavelmente está por aqui. Estamos começando por aí. Agora, podemos esquentar mais, o que significa que estamos mudando dessa Agora, por que isso é mais quente? Bem, a área quente da roda de cores são os amarelos, as laranjas, os vermelhos. Essa é a fatia quente da roda de cores. Mudar o vermelho dessa forma garante que ele permaneça quente em vez de ficar mais frio, e à medida que mudamos esse vermelho para mais quente, modificamos ligeiramente Eventualmente, vai ficar laranja. Se voltarmos ao nosso gráfico aqui, essa é a mesma progressão que estou mostrando aqui O inverso é verdadeiro, temos o mesmo ponto de partida vermelho, mas agora queremos esfriar Se olharmos nosso gráfico aqui, vermelho quer ficar mais frio, e você pode vê-lo visualmente Está ficando mais violeta quando chega lá. Bem, na roda de cores, essa mudança representa um movimento dessa maneira. O vermelho muda dessa maneira, estou selecionando cores ao longo da roda de cores aqui até entrarmos nas violetas Agora, parei no violeta e parei no laranja do outro lado, porque quando entramos nessas cores, não é mais vermelho. Torna-se laranja e, eventualmente, amarelo e verde, e desse lado, se tornaria violeta em roxos e depois em azuis Esses não são mais vermelhos. Parei meu turno antes que a tonalidade mudasse totalmente. Vamos fazer outro. Vamos escolher um verde porque muitas pessoas se perguntam se o verde é quente ou frio. O verde é uma espécie de camaleão. Acontece que é a cor da qual podemos ver mais variações. Ele existe entre as fatias quentes e frias da roda de cores. O verde pode realmente ter muita flexibilidade em qualquer direção. Digamos que este seja nosso ponto de partida verde médio que eu identifiquei aqui em nosso gráfico. Quando mudamos um verde para quente, o mesmo que o vermelho. Estamos transferindo isso para essa área. Estamos mudando o verde dessa maneira. Nós trocamos um refrigerador verde, estamos mudando dessa maneira Há uma tonelada de verduras no meio. Você pode vê-lo na roda de cores e, da mesma forma, no gráfico. À medida que preparo um aquecedor verde e sigo por aqui, estou colhendo verduras assim, e há muitas Tudo isso é verde. Lembre-se de que há tantos verdes que podemos ver. Esses verdes estão ficando mais quentes à medida que avançam em direção à parada quente na roda de cores Você quase pode pensar na roda de cores como tendo duas paradas de trem diferentes. Esta é a estação de trem quente, e esta é a estação de trem fria. E o básico para mudar do quente para o frio é que, você sabe, você está girando ao redor da roda de cores para mudar do quente para o frio, e você pode voltar para o outro lado voltar do frio para E é isso que estamos fazendo com esses gráficos. Então esse mesmo verde é verde aqui, que existia aqui. Esse verde fica mais frio ao mudar dessa maneira. Esses verdes eventualmente entram no azul ciano. É o mesmo para todas as cores. A propósito, também é assim que você aquece um azul. É outra pergunta comum sobre cores que me perguntam muito, e qualquer instrutor ouviria se o azul é uma cor estereotipadamente fria, e Como você aquece um azul? Isso é mesmo possível? Bem, sim, na verdade, é muito fácil usar esse método básico. Tudo o que você precisa fazer é pegar seu ponto de partida, digamos que estamos começando nesse azul. E basta movê-lo dessa maneira em direção aos aquecedores. Eu diria que esses azuis, eu não quero ir muito longe porque, novamente, vou entrar em violetas e roxos e , eventualmente, em vermelho, e esses não são mais Mas para trocar um aquecedor azul, basta trocá-lo dessa maneira Agora, se seu azul está aqui, talvez você queira mudá-lo dessa maneira porque está mais perto do calor indo nessa direção Agora, é aqui que esse método em particular fica um pouco aquém, porque se você pegar uma palavra azul e colocá-la dessa forma, bem, você teria que passar pelos verdes antes de chegar aos amarelos, e isso pode ser um problema Resolveremos esse problema diretamente na próxima seção. Mas, em geral, saiba que temos nossa fatia de torta quente da roda de cores e nossa fatia de torta fria da roda de cores A maneira mais básica de mudar temperatura é mover a tonalidade dada, vermelho, amarelo, verde, azul, nesse caso, em direção às áreas da roda de Com esses conceitos em nosso currículo, podemos entrar em maneiras mais complexas de passar do quente para o frio. Aqui estão quatro gráficos. Agora, não se assuste se você não entender imediatamente o que está na tela agora Vou explicar isso. Na verdade, é bem simples. Bem, a primeira coisa é algo que já sabemos, os dois primeiros gráficos, esses caras aqui são exatamente o que acabamos de falar. Só que eles são apresentados de uma forma diferente. Em ambos os casos, estou usando uma cor quente para começar, neste caso, esse amarelo, e queremos chegar a uma cor fria em ambos os casos, o mesmo azul. E no gráfico número um aqui, estou simplesmente me movendo em uma direção através da roda de cores. Amarelo, vira laranja, vira vermelho, vira violeta, vira roxo ou índigo, depois se transforma em azul Na roda de cores aqui, aquele amarelo começou por aqui e simplesmente deu a volta na roda de cores dessa maneira até chegar ao nosso azul. Então, antes de eu voltar para o gráfico aqui, gráfico número dois simplesmente vai para o outro lado. Ele pega o mesmo amarelo e o mesmo azul, mas chega dessa maneira. Como você pode ver, o gráfico número dois aqui, o mesmo amarelo, mas desta vez passamos pelos verdes, turquesas e cianos e, finalmente, por esses azuis profundos Esses são os gráficos número um e dois abordados. Ambas são formas totalmente válidas de controlar a temperatura da cor, passando do quente para o frio. O problema com apenas esses dois gráficos, porém, é que tudo está muito saturado. As cores são desagradáveis. Parece algo que você compraria em uma feira de algodão doce ou algo assim. Eles parecem muito vibrantes o tempo todo. Precisamos ser capazes de controlar diferenças mais sutis na cor, e é aí que entra o próximo conceito poderoso quando se trata entender a temperatura da cor, que é o conceito de cinza. De volta à nossa roda de cores, você provavelmente notou que há uma seção intermediária que está entre todas as cores. Você provavelmente também notou que, à medida que sai de uma cor saturada, a saturação está aqui, saturação é quando você tem qualquer cor, digamos essa laranja, a saturação das cores aqui fora, a mais vibrante que essa cor pode ser digamos essa laranja, a saturação das cores aqui fora, a mais vibrante que essa cor Isso é saturação. Nessa roda de cores, se escolhermos uma cor saturada e avançarmos para o meio, você notará que a cor está ficando cada vez menos saturada. Está ficando mais cinza. Olhando para essa tela, essa laranja, conforme você se move em direção ao meio da roda de cores, essa laranja ficaria cada vez menos saturada até que finalmente atingisse esse cinza perfeito ou saturação zero Essa saturação zero, cada cor tem isso em comum, é por isso que está localizada no meio da nossa roda de cores Cada cor tem esse cinza saturado zero em comum. Agora, nesta roda de cores, parece branco, poderia facilmente ser um cinza como este. O ponto principal, porém, é que é saturação zero. Se eu fizer uma amostra disso e trouxer meu amostrador, você verá que a saturação é zero Esse é o objetivo dessa seção intermediária. Isso é cinza. Mas quando digo cinza, não estou falando de apenas um ponto. Estou falando sobre a área circundante. Há uma bolha de cor aqui. Plural cinza. Outra forma de você já ter ouvido isso antes são as cores neutras. O conceito de neutro é bem simples. Se escolhermos uma cor muito saturada e a colocarmos lá. Bem, o que é uma versão neutra disso? Bem, é simplesmente uma cor da mesma cor, só que menos saturada. Essa seria uma versão neutralizada disso, e talvez você possa escolher algo no meio e colocá-lo no meio Temos duas cores neutras e uma saturada. O mesmo vale para qualquer cor, vamos escolher essa cor roxa. Vamos colocá-lo aqui. Essa é uma versão muito saturada dessa cor. Bem, como posso neutralizá-lo? A mesma coisa, reduza a saturação e continue assim. Essa é uma versão neutralizada disso. Eu posso até mesmo neutralizá-lo ainda mais e agir assim. Agora, eu costumo não usar muito a palavra neutro. Vou apenas dizer cinza. Mas se alguém diz tons de cinza ou neutros, é a mesma coisa Agora, você percebe que quando eu faço algo cinza assim, a identidade da cor começa a se dissolver Se apenas víssemos o zoom aqui, se apenas víssemos essa cor assim, bem, de repente, é difícil determinar a tonalidade Podemos ver que é roxo, mas não é nem de longe tão óbvio quanto isso E é exatamente aí que entram esses dois gráficos inferiores. Eles progridem através de temperaturas de cor que vão até o cinza. Vamos pegar o gráfico número três, por exemplo. Este é realmente muito simples. Vou trazer o seletor de cores de volta aqui. Todos os gráficos começam com a mesma cor e todos terminam com a mesma cor. Vou apenas provar essa cor amarela e lá está ela no seletor de cores aqui Este gráfico progride de quente para frio, não usando nenhum dos tons Deixe-me provar isso novamente. Simplesmente segue esse caminho, voltando direto para a saturação zero ou para o neutro ou para o cinza Em seguida, ele aparece, aparece instantaneamente e volta para lá. Agora, como é permitido simplesmente sair? Porque, lembre-se, as duas melhores paradas, esses caras aqui em cima, passaram por todos esses tons. Vou fazer uma amostra, você pode ver se olhar o seletor de cores abaixo, ver que está se movendo por todos os tons Este, se eu provar, novamente, veja o seletor de cores Conforme eu progrido neste gráfico, vejo que ele está passando pelo cinza e os tons estão fixados Você vê isso simplesmente estourar? Aqui está nos amarelos Quando fica cinza, ele simplesmente aparece no azul Agora, só é permitido fazer isso porque quando você está em um cinza de saturação zero perfeito ou mesmo em algum lugar muito próximo a ele, em algum lugar aqui, bem, lembre-se, todas essas cores, como se tivéssemos saturação zero, todas essas cores compartilham isso em Esse ponto de saturação zero pode muito bem ser de qualquer matiz. Isso significa que você pode usar isso como uma zona de distorção ou um passaporte, talvez entre duas cores ou até mais do que isso, quaisquer três ou quatro cores, o que você quiser, na verdade Estou apenas mostrando isso para você aqui nesses gráficos com duas cores, apenas para simplificar as coisas. Mas quando começarmos a pintar, o que veremos na próxima lição, veremos que o cinza é um ponto de passagem único entre qualquer uma das cores que estamos usando em nossa paleta OK. O quarto e último gráfico mostra mais uma vez a mesma progressão geral desse amarelo para esse azul Mas ele faz isso usando uma combinação dos gráficos número um e três. Ele usa o cinza, mas também usa matiz. Ao experimentar, novamente, deixe-me ampliar para que você possa ver Observe o seletor de cores enquanto eu faço isso. Você vê que está ficando mais cinza, mas também com tons em movimento Então, quando chega a saturação próxima de zero, agora estamos na fatia fria do seletor de cores da cartela de cores Obviamente, embora o photoshop aqui represente a roda de cores como uma linha vertical reta, a progressão de matiz ainda é a Na verdade, vamos abrir nossa roda de cores novamente e mostrarei o que acabei de fazer no Gráfico três e quatro aqui desta planilha. gráfico três começou aqui e simplesmente passou diretamente pelo cinza e terminou aí. Ao longo do caminho, escolhi essas cores ao longo do caminho para chegar lá. Em seguida, o gráfico número quatro começa e termina aqui até ali. Mas este, em vez de contornar o exterior, contornar a saturação, como fez o gráfico número um, lembre-se de que contornar o exterior, contornar a saturação, como fez o gráfico número um, o gráfico número quatro é uma combinação de um e três Em vez de fazer isso, abraçou o cinza desse jeito e saiu daquele jeito À medida que as cores se afastavam do amarelo, elas ficavam menos saturadas e mais cinza Então, à medida que progrediam nas cores mais frias, violetas e azuis, conseguiam ficar Agora, o gráfico número quatro, na minha opinião, é a coisa mais próxima do que a natureza realmente faz. Em segundo lugar, está o gráfico número três. A natureza também costuma usar o gráfico número três, indo direto para os cinzas para se destacar em outra cor A natureza raramente usará saturação pura, gráficos número um e dois Você pode ver um pouco disso em um pôr do sol, por exemplo, cores muito saturadas, mas, em geral, você verá muitas cartas C três e quatro. Vamos fazer a transição agora para analisar essas cores e mudanças na temperatura a partir de fotografias reais. A primeira pergunta para a qual você precisa saber a resposta é onde você vai colocar suas cores quentes e frias em geral? Isso tem tudo a ver com a luz e a sombra. Obviamente, essa é uma cena iluminada pelo sol, e parece uma coisa do final da tarde, que significa que o sol está ficando muito mais quente e mais Agora, isso é simplesmente uma questão de ciência. Aqui está um gráfico de temperatura Kelvin, e você pode ver nesta área aqui, temos uma luz solar direta algum lugar por volta do meio-dia, como aqui Então, à medida que chegamos ao nascer e ao pôr do sol início ou no final do dia, a saturação aumenta Além disso, o sol fica mais alaranjado. Quando chegamos ao pôr do sol profundo, você pode realmente entrar até mesmo no vermelho. Tenho certeza de que todos nós já vimos isso apenas no dia a dia. Esta foto que estamos vendo é do meio ao final da tarde, então a cor do sol estará em algum lugar por aqui. O sol parece mudar de cor longo do dia e isso é apenas uma questão de ciência. Você pode consultar o gráfico da escala de temperatura de cores Kelvin ou simplesmente fazer referência ao que está na tela agora Embora você provavelmente possa encontrar alguns que rotulam diferentes horários do dia com um pouco mais de clareza do que isso. Mas você nem precisa saber as coisas de Kelvin. Ao olhar para a foto, você poderá determinar qual é a cor do sol, simplesmente amostrando as áreas iluminadas pelo sol Vamos trazer nosso seletor de cores. Ao fazer isso, podemos ver que não há muita variedade entre as diferentes coisas iluminadas pelo sol. Eu posso até escolher algumas dessas cores de árvores. Eles olham muito bem onde está a tonalidade. Este é o campo de trigo e esta é a árvore. Observe que esses tons não estão mudando muito. Aqui está a área cortada do trigo. Aqui está como o trigo cultivado. Não tenho certeza se é realmente trigo, parece que é, mas não sei. Então aqui está a árvore. Você pode ver o geral, embora eu esteja amostrando três tipos diferentes de material O tom está em algum lugar preso por aqui. Isso nos dá uma indicação da cor do sol. É uma boa evidência porque o sol é um forte influenciador da cor O sol é, na verdade, o maior influenciador de cores que temos Quando você tem uma cena de luz solar, basta amostrar as coisas na luz se você tiver uma fotografia que esteja vendo, basta amostrar as cores em vários materiais, vários objetos, atingidos diretamente pelo sol, e você obterá a média de onde está sua tonalidade é qual será a cor do sol. O que essas cores representam, essas cores quentes iluminadas pelo sol Essa é a seção quente da nossa cartela de cores. Eu criei um pequeno espaço abaixo da foto aqui. Vou colocar isso aqui como uma representação da parte quente do nosso gráfico. Há algumas variações. Vou apenas experimentar algumas dessas variações e fazer com que sejam os aquecedores. Agora, onde estão os frios? Bem, isso é o oposto? Os frios que você vai encontrar são principalmente na sombra Agora, vamos parar por um segundo e entender por que isso é verdade. Bem, lembre-se de que o sol dá cor a tudo o que bate. Bem, as sombras são áreas que não são atingidas diretamente pelo sol Eles estão livres da influência do sol, a maior parte dela desapareceu porque está bloqueada Agora, sim, algumas das cores do sol podem chegar às sombras refletindo a luz, mas ainda não é disso que estamos falando Falaremos sobre a luz refletida à medida que entrarmos na pintura e outras coisas. O que estamos falando é da influência direta. sombras B são sombras, porque não são atingidas diretamente, podem ser muito mais frias Vamos dar uma amostra de nossas sombras e ver o que temos aqui. Na verdade, temos todos os tipos de cores. Agora, ao fazer isso, há duas coisas gerais que você deveria ver aqui. Uma é que o tom subiu aqui, mas também que ainda existem alguns tons. Aqui embaixo, eu posso provar um ali mesmo Essa tonalidade estava na sombra, mas ainda está lá. Lá, ou seja, perto de onde estavam os tons do sol. Mas você também tem tons que vão até o azul e, em alguns deles, estão nos verdes aqui Isso abrange toda essa faixa. Essa é a primeira coisa que você deve notar, a tonalidade muda A segunda coisa que você deve notar é que temos muitos tons neutros ou cinzas Deixe-me provar um desses perfeitos. Essa tonalidade estava no reino do sol, mas veja a saturação, o nível de cinza, ela diminuiu Em comparação, esse é o quê iluminado pelo sol, e esse é o mesmo tom semelhante, mas olhe para ele na sombra É muito mais cinza. Obviamente, também é mais escuro porque é sombra, mas vamos ver a temperatura da cor por enquanto, se pudermos Vamos voltar às nossas tabelas de cores para falar sobre o que acabamos de ver e usaremos a tabela número três para começar. As cores quentes do sol, não estamos totalmente aqui. É um amarelo de saturação total. Não foi isso. Estava mais nessa faixa. Foi tipo, digamos, sobre aquele ali. Em nossa fotografia, começamos por aqui como nossa cor mais quente Talvez tenhamos tido um pouco disso também, então talvez possamos começar em algum lugar aqui como nossos mais calorosos Então chegamos lá, estava quase lá. Vou cortar isso. O gráfico em nossa fotografia se parece mais com isso. Deixe-me trazer isso. Vamos trazer isso aqui. Vou me livrar desse gráfico inicial. Vou apenas provar isso. Eu o pinto e vejo como ele se encaixa. Agora, está um pouco amarelo demais. Nosso campo de trigo é mais alaranjado, mas tudo que eu tenho que fazer é fazer isso. Lá vamos nós e talvez um pouco mais leves. Lá vamos nós. Aí está nosso campo de trigo iluminado. Eu posso ter pequenas variedades, como se eu pudesse ficar um pouco menos saturada, eu poderia ficar um pouco mais saturada. Todas essas cores parecem se encaixar porque estão sob a influência do sol. Eu poderia mudar um pouco a tonalidade e ainda ficar bem porque estou dentro do reino das cores quentes do sol Agora, quando eu mudo para a sombra, se eu fosse deixar essa cor mais escura e pintar com ela, ela não combina Não combina mais com a fotografia, e por que isso? Bem, o valor está correto. Eu fiquei mais escuro, valeu, ou seja, claro versus escuro Aprofundei o valor de ficar tão sombrio quanto eu precisava ser. Certamente é uma cor de sombra escura, mas não é a temperatura certa. Para que essa cor caiba, eu teria que torná-la mais fria. Como eu faço isso? Bem, eu posso fazer isso de duas maneiras. O método número um é que eu poderia afastá-lo do aquecimento, eu poderia subir por aqui se quisesse e fazer aquilo, mas ainda está muito saturado, S, eu poderia tentar ir para o outro lado Vamos para o outro lado dessa maneira. E faça isso. Mas isso também está muito saturado. O método número um não funciona muito bem sozinho, o que correspondia aos gráficos número um e dois Isso é o que eu acabei de experimentar lá. Não funcionaram porque eram duas cores revestidas com doces. Estava muito saturado. O que eu tenho que fazer aqui, vamos tentar outra coisa. Vamos pegar nossa cor do sol novamente. Vamos escurecer com isso, como acabamos de fazer, mas agora vamos apagá-lo Olha isso. Isso se encaixa. Talvez esteja um pouco escuro demais, eu vou ficar um pouco mais claro. Olha isso. Ele se encaixa perfeitamente. O que acabei de fazer lá foi usar o gráfico número três. Eu simplesmente classifico a cor. Agora eu também escureci ix. Estamos na sombra. As tabelas de cores não mostram o claro versus o escuro. Eles apenas mostram a temperatura da cor. Tive que adicionar a etapa extra aqui e escurecê-la. Mas eu uso o gráfico número três, pegando a cor do sol e se eu quiser ir para uma sombra mais fria, escureci e diminuo a saturação e boom, olha só diminuo a saturação e boom, Assim, parece uma cor fotograficamente crível Ok, mas eu posso fazer outra coisa. Também posso ver, voltando à nossa cartela de cores aqui. Vamos tentar o gráfico número quatro, que diminui a saturação, mas também altera a tonalidade Vamos tentar isso em nossa fotografia. Novamente, vou começar com a cor do sol, algo assim, escurecê-la para fazer sombra, e também vamos mudar a tonalidade e diminuir a E essa cor? Olha isso. Sim, isso funciona. Eu provavelmente não gostaria de pintar isso em todos os lugares, mas eu poderia encontrar pequenos lugares onde isso funcionasse, pois estou tropeçando como a palavra de um artista para rabiscar um artista para rabiscar Eu posso inserir isso e funciona. Eu posso colocá-lo em qualquer lugar. Eu posso colocá-lo nessa sombra, nessa sombra, aqui. Onde quer que haja sombra, ela caberá. Vou desfazer isso, porém, só para voltar à fotografia. Que tal se eu fizesse a mesma coisa, mas continuasse descendo em direção a Kool e estivesse aqui Olha isso. Isso também funciona. E se eu continuar com isso? Isso também funciona. E se eu continuar no azul e, como fizemos no gráfico número quatro, ficarmos mais saturados quanto mais perto estivermos do azul. E se eu fizesse isso? Bem, vamos voltar para nossa foto aqui e talvez vamos até aqui e aumentemos a saturação. Sim, isso funciona. Parece que poderia caber. Como eu o coloco em várias sombras, parece que ele pode caber Como seria se eu fosse lá e ficasse ainda mais saturado? Agora estamos começando a ficar um pouco saturados demais, mas um pouco disso aqui e ali, à medida vou mexendo, siga meu cursor Estou espalhando isso pelas áreas sombreadas. Isso também pode funcionar. Esse é o poder de nossas tabelas de cores. De repente, temos um mapa, um mapa de como os vermes se transformam em resfriados e vice-versa. 11. Ambientes: prática de luz e cores: Quero guiá-lo no processo de estudar a partir de uma fotografia e fazer uma pintura que podemos chamar de nossa em termos de como somos capazes de internalizar luz e cor A primeira coisa que vou fazer é preparar a superfície da pintura de base aqui Somos apenas alguns neutros genéricos quentes e frios que eu não conheço. Ou seja, eles podem vir de qualquer cor, então há roxos e vermelhos e aqui estão alguns amarelos e verdes, mas então há roxos e vermelhos e aqui estão alguns amarelos e verdes Observe que meu seletor de cores nunca deixa 20% de saturação Já entendemos que essa aparência agradável de uma pintura de base ajudará Você verá como isso informa as cores daqui para frente. Está um pouco escuro, então vou abrir os níveis e iluminá-lo um pouco Eu não quero que seja muito brilhante, mas um pouco mais brilhante do que isso Então, é um pouco acima do tom médio, algo assim. Seja que essas cores vazem e, geralmente, você deseja que cores mais claras passem você deseja que cores mais claras passem Pelo menos essa é a minha experiência. É benéfico que cores mais claras se espalhem. Ok. Vamos fazer o desenho mais básico aqui, e essa é uma das razões pelas quais escolhi uma fotografia como essa porque é muito fácil de desenhar. Existem apenas algumas formas. Aqui estão as árvores ao longe, as linhas do horizonte lá atrás. Há uma nuvem interessante lá que vamos apenas sugerir. Este não deveria ser um estudo detalhado e totalmente renderizado, muito pelo contrário A propósito, essa tela que estou pintando aqui tem apenas 600 pixels de largura. Isso acontece com 600 por 439. Muito pequeno. Isso permite que você pinte não apenas rapidamente, mas também o desencoraja de pintar detalhes A outra regra, e esta é uma regra absoluta, não é permitida a amostragem Você não tem permissão para experimentar isso porque isso não significa aprender nada se você fizer uma amostra. Você tem que escolher as cores sozinho. Você sempre pode olhar. O que você pode fazer é trazer o seletor de cores e dizer: Ah, o que é luz versus sombra, você pode observar essas relações e depois voltar aqui e restabelecê-las escolhendo-as em sua pintura Isso é permitido. Isso é um jogo justo, mas não uma amostragem direta Então, o céu. O problema dos céus é que eles ficam mais quentes no horizonte. Agora ainda é uma cor mais fria, ainda é uma cor azulada, mas um azul Agora, como você aquece um azul? Bem, nós conversamos sobre isso. Você pode se afastar do azul, pode subir em direção ao roxo, o que na verdade está acontecendo naquele céu, se você pode acreditar. O céu, você pode ver que está ficando um pouco mais roxo, mas na maioria das vezes fica mais cinza Vou usá-los, vou usar esses tons de cinza puros ali mesmo E coloque, certifique-se de que esteja bem claro ou um pouco mais em direção ao roxo. Observe que não é literalmente roxo. Isso seria mais como uma coisa de pôr do sol. É um peixe roxo. Está se movendo em direção ao roxo. Uma coisa que podemos aprender sobre cores é que não se trata necessariamente da cor final à qual você está chegando. É a direção em que está se movendo que importa. É por isso que mostrei esses modos de mover cores, desde a alteração da tonalidade até a alteração da saturação Não se trata da cor que o olho realmente não vê a cor que você escolhe. Ele vê o contexto dessa cor através da forma como ela se move. O topo do céu fica mais saturado em direção ao azul. Acabei de colocar isso. Estou deixando espaço para aquela nuvem lá. A nuvem em que vou deitar um pouco mais tarde. Vamos deixar as coisas assim por enquanto. Lá vamos nós. Só estou tentando misturar um pouco de pincelada lá. Basta usar este pincel de estilo de cabelo. Agora, vamos pensar nos campos de trigo. A cor está em algum lugar aqui. Agora, não importa exatamente o que seja. Desde que eu escolha a cor do meu sol e escolha uma saturação relativa para ela Eu vou dizer, é em torno desta laranja e está mais ou menos lá. É isso que o sol vai bater. Isso vai influenciar as cores para ser assim. Você pode ver onde a pintura de base já está ajudando. Não preciso lidar com um fundo branco. Ah, a propósito, eu só estou pintando isso em uma camada. É por isso que você não vê minha janela de camadas. As cores do sol ou algo parecido, e você pode variar isso. Eu posso deixá-lo um pouco mais amarelo e ficar assim. Mergulhe isso Esfregar é uma técnica muito útil. Eu tento tropeçar de uma forma direcional embora isso seja rabiscar Rabiscar é horrível assim, rabiscar direcionalmente. Existe uma boa definição para tropeçar. Colocando isso, eu posso ficar um pouco mais vermelho se eu quiser. Apenas mudando a tonalidade. Sempre que você estiver perto de vizinhos próximos, como amarelo, laranja ou vermelho, você pode se deslocar livremente. Eu não poderia ficar triste, isso não funcionaria de jeito nenhum. Você está em frente à roda de cores. Eu nem conseguia realmente ficar verde. Isso começa a parecer um pouco estranho. Não há razão para essas cores se misturarem, elas estão muito distantes umas das outras. Mas se você estiver fazendo pequenas mudanças como essa, você pode facilmente deslizar com a mesma saturação, você pode simplesmente deslizar entre os tons Mas, novamente, tente manter esses movimentos mínimos ao fazer isso. Mas, no estágio inicial, é útil incluir um pouco disso. Eu já quero inserir algumas cores de sombra. Para fazer isso, eu poderia simplesmente pintá-los com um pincel. Mas você sabe o que eu vou fazer? Vou pegar a ferramenta de seleção e desenhar só de olhar para a fotografia, meio que desenhando nessas formas de sombra de árvore, nada de especial, e tudo bem se eu errar. Eu sempre posso fazer isso de novo e isso abrange tudo isso. Mas em vez de usar um preenchimento colorido, pego um pincel e pressiono o controle H no photoshop, que esconde isso Agora eu tenho que pensar em cores. Bem, eu gosto de sempre provar onde estou. Experimente meu ponto de partida. Eu quero ficar mais escuro para a sombra e quero ficar mais frio Agora, isso é tudo aí mesmo. Mas, em vez de permanecer exatamente na mesma tonalidade, vamos também nos afastar dessa fatia quente da roda de cores Eu posso ir em qualquer direção. Eu posso descer desse jeito. E, finalmente, acabando lá ou eu posso subir desse jeito. Vamos subir por ali. Coloque isso aí dentro. Enquanto eu faço isso, eu poderia mudar de ideia e seguir esse caminho. É totalmente válido fazer isso, misturando algumas dessas cores. Mas como essa é uma grama verde em primeiro plano, talvez eu suba por aqui novamente, tropece em algumas A outra coisa sobre a cor é que, quando você está misturando tons como esse, tente manter o mesmo valor Se eu tivesse um verde muito mais escuro, você vê que não funciona muito bem Se você estiver no mesmo valor, poderá misturar tons com mais liberdade. Isso é o que estou fazendo aqui. Também posso continuar minha trajetória em direção ao blues e talvez até adicionar um pouco de saturação Olha isso. Isso funciona. Talvez mais azul e mais saturado. Novamente, seguindo o gráfico número quatro. Porém, ao contrário do gráfico número quatro, que descia pelos tons dessa maneira, eu subo pelos tons dessa maneira, que era o que o gráfico número dois Estou combinando esses gráficos. Agora, eu ainda tenho minha seleção rígida de pixels lá. Eu quero desmarcar isso. Vou pegar minha ferramenta de borrar favorita aqui e começar a borrar essas sombras, o que é uma boa maneira de imitar as bordas que é uma boa maneira de imitar começar a borrar essas sombras, o que é uma boa maneira de imitar as bordas suaves que elas têm. Na verdade, não está se misturando Não estou tentando misturar as sombras com as luzes. Estou simplesmente tentando suavizar a borda dura porque mais longe uma sombra, uma sombra projetada fica do objeto que a Claramente, são árvores atrás da câmera projetando uma sombra sobre esse campo. Mas como essas árvores estão muito distantes, as bordas que elas criam da sombra serão muito suaves. Isso vale para todas as sombras. Quanto mais longe estiverem do objeto que o lança, mais macia será sua borda Estou apenas tentando manter intactas as formas dessas sombras, mas estou tentando apenas suavizar a ela propósito, com minha ferramenta de borrar, também posso pintar com Talvez eu tenha um calor neutro aqui, está muito escuro. Lá vamos nós. Mergulhe em alguns desses aquecedores Agora eu sei que há um primeiro plano gramado e um corte Vou entender isso um pouco mais tarde. No momento, estou apenas tentando fazer com que algumas cores se movam aqui relacionadas umas às outras. Embora eu esteja na mesma tonalidade do sol aqui , estou muito grisalha. Isso é válido. Isso ainda parecerá mais frio do que a luz do sol. Então, o que eu posso fazer. Porque agora eu tenho um pouco de variedade de cores. Eu posso pular para o meu blues e me lembrar de onde eu estava, e talvez até um pouco mais leve, eu possa pegar alguns desses blues mais legais aqui Agora, vou colocar o azul na periferia da sombra, porque é aí que é mais provável que a clarabóia desça e atinja eles na periferia da sombra porque é aí que é mais provável que a clarabóia desça Porque essa área do campo está muito aberta para o céu. Ao passo que, se voltarmos para a fotografia, essa área do campo aqui, eu sinto que está mais perto das árvores que projetam a sombra. Essa área pode bloquear um pouco mais a clarabóia, embora você possa definitivamente ver se eu a experimento Veja como esses verdes são azuis. Se eu trouxer isso, veja como isso é azul esverdeado. Claramente, há muito céu azul entrando lá também. Não há céu azul entrando no campo sob o sol porque o sol é tão forte que domina toda a clarabóia azul Efetivamente, não há clarabóia azul visível para nós onde o sol está batendo O que você obtém como resultado , então, é a ideia de uma temperatura de cor de luz solar separada versus outras temperaturas de cor de sombra separadas. Você tem dois campos diferentes, e isso é óbvio nesta fotografia Eu escolhi esta fotografia por causa de sua clareza. Até mesmo nuvens. Se pintássemos essa nuvem, que ficou bloqueada aqui, bem, sabemos que o sol vai atingi-la de cima, o sol está acima das nuvens, é claro. E o sol é dessa cor mais quente. Agora, as nuvens são brancas, enquanto os campos de trigo já têm um pouco daquele tom de terra, aquele tom de kary. Se digamos que a terra, o campo de trigo, a cor local do campo de trigo está mais ou menos lá. É como se você retirasse toda a luz, que é impossível de fazer, mas se você tirasse, essa seria a cor local do campo de trigo, algo assim. Bem, então você adiciona o sol quente e ele o aquece ainda mais. Uma nuvem não começa daqui, uma nuvem começa sem cor, elas são brancas. O que você faz é ainda aumentá-la em direção à cor do sol, mas só um pouco e, claro, as nuvens são muito claras. Algo sobre isso. Mesmo isso talvez seja um pouco demais. Isso é um pouco melhor. Ainda é o mesmo princípio da cor do sol influenciando essas nuvens, mas começa com uma cor local ou cor base menos saturada que devemos levar isso em consideração O sol não pode deixá-lo tão saturado, não pode torná-lo tão saturado quanto os campos de trigo. Mas se eu experimentasse isso e usasse um pouco essa cor, teria que torná-la um pouco mais clara para combinar um pouco melhor valor. Mas isso poderia caber. Na verdade, isso pode ajudar a harmonizar, mesmo que eu realmente não veja isso na fotografia, isso pode ajudar a harmonizar a cena ao incluir ainda mais a cor do sol Mesmo aqui nas nuvens. Agora, a sombra das nuvens, é a mesma ideia que a sombra dos campos de trigo. Eles são mais legais. Mas, devido à perspectiva atmosférica, pense em montanhas distantes, elas ficarão ainda mais frias Eu realmente aumentei esse azul. Esse azul realmente não existe aqui embaixo. Mesmo que eu tenha o valor certo, está mais saturado do que qualquer coisa aqui. Quando você se afasta, você pode aumentar a saturação do seu blues, porque é isso que a natureza É isso que a perspectiva atmosférica faz. Aliás, faz isso porque, por algum motivo, não sei por que, amarelos são as primeiras cores a serem filtradas com Agora que você teria que perguntar a um cientista o porquê disso. Eu não sei Deve ter algo a ver com o comprimento da onda, eu acho. Mas não é disso que trata essa aula de compartilhamento de habilidades. Aqui estou experimentando um tipo diferente de azul nas nuvens, inspirado na fotografia aqui. Novamente, isso é apenas para as sombras, as sombras das nuvens Porque eles vão ser mais frios, assim como a terra, e tudo é assim. Vamos fazer as árvores. Vamos começar com a luz das árvores. Bem, eu sei, uma árvore é o que, uma árvore é verde. Bem, tem verde, mas está muito frio. Tem que ser verde mais quente. É aqui que você pode voltar para a foto e dizer: Ok, vamos trazer nosso seletor de cores, tem a terra, os campos de trigo e a árvore Você pode ver em primeiro lugar, veja a tonalidade. Não está se movendo muito. Curiosamente, porém, o valor se move, o campo de trigo está aqui, veja o valor, a luz versus a escuridão, está aqui em cima e a árvore está lá embaixo As árvores são muito escuras. Mesmo na luz. As árvores são as coisas mais escuras em sua pintura. Opa, acabei de provar isso, isso é contra as regras. Vamos começar por aqui. Vamos ver se podemos recriar isso Bem, uma árvore é verde, mas um verde mais quente. Eu vou até lá, esverdeado, mais escuro. E, mas aí. Vamos colocar isso. Quando eu digo, eu não sei se isso é certo. Eu, vamos tentar um diferente. Vamos tentar isso. Vamos tentar um pouco mais quente Isso é um pouco frio demais para mim, eu acho. As árvores são escuras porque é assim que elas se alimentam Eles capturam luz, fotossíntese e tudo mais. Novamente, tópico para outra aula, e eu não sou especialista nisso, mas é assim que uma árvore ganha sua nutrição. Ele aprisiona a luz e, portanto, porque aprisiona a luz, não emite tanta luz, então elas são Até mesmo uma árvore na luz. Isso é verdade para basicamente todas as espécies de árvores, especialmente pinheiros e coisas assim, mas elas são muito, muito escuras Mesmo na luz. Você percebe que, apesar dos meus valores aqui embaixo, ainda parece uma árvore na luz. Mas veja o que eu faço com as sombras. Talvez as sombras sejam muito mais escuras aqui. Como essas árvores estão bem distantes, vou entrar no blues. Vou pular direto para o blues e ver se consigo descobrir que está quase certo, muito saturado devido à distância novamente. Vou tentar colocar, parece que há uma grande sombra sendo projetada ao longo dessas árvores. Por aqui. A propósito, sempre posso pressionar levemente minha mesa. Se eu pressionar com força, fica assim. Se eu pressionar levemente, obtenho um pouco de mistura. Assim como na tinta tradicional, você pode colocar menos tinta no pincel , o que, em digital, significa que você pressiona mais levemente o estilista Estou apenas tentando encontrar esses pequenos padrões de sombra nas árvores que estou referenciando na foto Não estou tentando copiá-los da foto. Em primeiro lugar, minha tela é muito pequena para ser copiada assim. Estou experimentando blues diferentes Vamos experimentar esse azul aqui, um pouco mais ciano. Sei por experiência própria que quanto mais você recua, mais ciano fica o azul Aqui em cima, a distância entre essa árvore e essa árvore, sei lá, meia milha, algo assim. Uma diferença significativa na profundidade entre esses dois pontos. Quanto mais próximo, mais esse azul ultramarino profundo, que é um azul mais quente, fica mais próximo dos vermelhos, como discutimos no início da seção Mas quando você volta para essa parte das árvores, fica mais azul ciano porque está mais próxima da cor do céu Como a perspectiva atmosférica força as coisas, em última análise, a progredirem em direção à cor do céu, deve fazer sentido que seja assim Vamos escurecer o valor do nosso primeiro plano e obter um Algo aqui, um verde mais frio, estamos pegando um verde movendo-o em direção ao azul Eu vou pegar uma loucura para isso, e isso vai ser apenas tapa juntado, ainda mais escuro, Agora, essa parte é interessante porque veja o que vai acontecer aqui. Isso estaria totalmente na sombra. R: Esses juncos e folhas de grama estão totalmente na sombra. Mas eles também têm suas sombras profundas dentro deles. Vou te mostrar o que quero dizer na fotografia original. Você pode ver como fica muito escuro nessas áreas, como embaixo da grama Como uma sombra dentro da sombra. Isso é chamado de oclusão ambiental, e essa não é apenas uma palavra chique para sombra; na verdade, não é sombra de jeito A coisa toda é sombra. oclusão ambiente é onde está a luz ambiente, ou seja, a luz que desce do céu, a luz ambiente que ilumina nossas cores de sombra luz ambiente não pode chegar a essas áreas, a luz ambiente está obstruída, então chamamos isso de oclusão então chamamos isso Na verdade, é uma espécie de resquício de três softwares D. software Three D começou a chamar esse efeito de oclusão ambiental É uma linguagem muito programada para usar lá, e pegou. Agora, a oclusão do ambiente é mais escura, mas você também tem uma desculpa para esquentar lá mas você também tem uma desculpa para esquentar lá , se inverte. Você tem a cor mais fria da grama e da sombra que instantaneamente volta a ser mais quente devido à oclusão do ambiente Isso é algo sobre o qual os pintores brincam. É apenas algo para fazer, basta aquecer as cores de oclusão do ambiente . Simplesmente parece melhor. Não sei por que isso acontece, mas por algum motivo, quando você torna as cores de oclusão do ambiente muito frias, coisas começam a parecer um Vou usar esse pincel estilo ancinho e colocar pontos na verdade uma oclusão ambiente, os tons mais escuros da imagem escuros da oclusão do ambiente sempre será sua escuridão mais escura, sim, essa é No entanto, nem sempre é preto. Eu ainda estou aqui, não totalmente preto, mas está bem perto. Isso porque essa foto é exposta dessa forma. Mas, dependendo de todos os tipos de fatores e talvez na demonstração que pintaremos a seguir, eu iluminarei a paleta em geral e poderemos ter uma oclusão ambiente mais clara Vamos ver, vamos ver. Vamos configurar um pincel para o modo de multiplicação, como você pode ver aqui. L - uma cor quente. O que vou fazer é trilhar o caminho do trigo cortado aqui. Apenas algo assim. Me dá esse caminho isolado de graça porque quero que todos os valores permaneçam, as luzes e as sombras permaneçam Eu só quero ter a sensação de que há uma pequena seção cortada da grama, algo assim. E eu posso ficar nesse pincel de multiplicação para continuar bloqueando alguns desses detalhes Multiplique, se você não sabe, isso só torna as coisas mais sombrias. É como aquarela. Ele mantém a estrutura de valores que você tem. Apenas escurece, mas escurece até formar uma cor. Se eu escolhesse azul, escureceria em direção a esse azul. Na verdade, um pouco desse azul pode ser bom para algumas das partes sombrias aqui, onde você teria passagens um pouco mais frias Mesmo nesta área aqui, vamos deixar o trigo quente um pouco mais frio para se adequar melhor às nossas sombras mais frias Enquanto estou aqui, eu poderia escurecer todo o meu primeiro plano apenas com esse grande Alguns roxos interessantes e outras coisas naquela grama. Você pode ver isso? Assim como pequenos toques de roxo? Estou fazendo isso com meu pincel de multiplicação aqui. E eu vou tirar esse pincel maluco, e há apenas essas pequenas flores silvestres roxas lá dentro. Esse pincel é ideal para capturar a aleatoriedade de coisas como flores silvestres e um pouco mais quentes, mas ainda acinzentadas Eu chamaria isso de um frio mais quente. No contexto desta pintura, essa é uma temperatura mais quente porque certamente é mais quente do que os verdes azuis que tínhamos, mas não é tão quente, não é tão quente quanto o sol É como um calor neutro. Portanto, é um frio mais quente. E você também pode ter aquecedores mais frios. Se subíssemos na área iluminada pelo sol, diminuíssemos isso, seria um calor mais frio. Você pode ver isso? Como está fazendo isso? Basta adicionar um pouco dessa variedade e um pouco disso pode ser bom. Só para jogar lá. Mesmo que você não o veja na fotografia, ainda é apropriado porque ainda está se misturando com nossos aquecimentos reais. Estou percebendo que apenas algumas dessas árvores aqui são mais sombras Devo começar a priorizar embrulhá-las para que possamos chegar à nossa próxima demonstração, na qual pintaremos algo com nossa qual pintaremos algo E isso deve fornecer uma visão geral justa, como uma boa base de trabalho sobre como as cores e a luz funcionam. Então, na próxima seção, vamos examiná-la e pintar alguma coisa. Mas agora estou apenas me divertindo, ainda não terminei. Estou me divertindo explorando diferentes tipos de tons. Lembre-se do gráfico número quatro, quando eu estava aqui, nem todo azul, quando eu estava aqui, eu estava começando a sair dos tons de cinza e o número do gráfico, é isso que estou fazendo aqui Estou obtendo esse nível do gráfico. Presente na foto. Agora, isso é uma coisa importante. Você não precisa de todas as partes do gráfico presentes na imagem. Isso não é um requisito. Contanto que você tenha pequenos postos de controle ao longo do caminho, e onde quer que estejam, a decisão é sua Mas desde que você tenha alguns deles, e novamente, não sei quantos. Três, quatro, cinco, eu não sei. Mas eu tento escolher pelo menos três, eu acho, se eu puder colocar um número nisso. Contanto que você tenha esses postos de controle presentes ao longo do caminho Você poderá se comunicar com o espectador, tipo, Ei, esse é o caminho que estou seguindo, porque todos os caminhos que mostrei são muito derivados da natureza, o espectador os reconhecerá. Mesmo que eles não sejam artistas, eles saberão instintivamente o que você está fazendo porque estão muito acostumados a ver esse tipo de informação Aqui estão apenas algumas folhas de plantas mais azuis, muito, muito azuis e outras coisas. Isso porque estamos em uma área de sombra muito legal. Essa grama é verde. Podemos ir até essas piscinas Eu ainda consideraria isso um verde fresco. Você pode olhar para isso e dizer: Oh, isso não é verde, é ciano Não sei, algo assim. Isso, sem dúvida, não é verde, mas para mim, é um verde mais frio porque foi derivado do verde É verde, chegou lá. Por esse caminho. Para mim, no meu cérebro, isso ainda é verde. É por isso que, voltando à parte inicial desta lição, os nomes das cores são inúteis Porque se eu dissesse verde, bem, quem teria pensado que era verde. Mas nesta pintura, acho que é verde. É parte da vegetação, de qualquer forma, isso é inegável. Podemos até mesmo tirar um pouco desse estranho ciano levemente acinzentado desse estranho ciano levemente acinzentado Agora eu diminuí um pouco, que está esquentando, mas está longe de estar Ainda está bastante saturado para ser fresco. Mas simplesmente não está tão frio quanto em primeiro plano. Estou apenas mergulhando isso em algumas das sombras. Gosto muito de ter uma sinfonia de cores na sombra. Já na luz, você pode ser um pouco mais, na verdade muito mais monótono porque a luz do sol, especialmente em situações iluminadas pelo sol como essa, a luz do sol é dominante, é tão dominante que não permite muita cor Isso faz com que as cores sejam iguais, como discutimos. Nenhuma outra cor é realmente permitida. Ninguém pode entrar no clube. Foi com sombra, todo mundo entrar no clube porque as cores das sombras podem vir de qualquer lugar. Pode vir do céu, pode vir da luz refletida. Agora, ainda não falamos sobre a luz refletida. Nós participaremos da demonstração da pintura. Vou me certificar de escolher uma cena que tenha uma boa quantidade de luz refletida e podemos discutir como isso modifica ainda mais isso Mas essa é uma boa representação do que estamos vendo em termos de cor e luz. É um passo muito lateral dos personagens. É uma pista completamente diferente em que estamos quando se trata de luz e cor. Mas o que eu adoro na luz e na cor mais complexo que seja, é demorado para aprender, assim como desenhar é demorado para aprender. O que eu adoro nisso é que realmente não requer muito desenho, pintura assim. Quer dizer, eu não desenhei muito aqui. Existem algumas formas. Eu sinto que qualquer um poderia desenhar o que eu acabei de desenhar. Pintar e colorir é uma história diferente, mas o desenho por trás disso é muito simples e básico. Se você puder seguir os princípios que expus aqui, acho que poderia facilmente me seguir e pintar isso junto comigo. Suas pinturas ficarão melhores com o tempo, prática, prática, prática. Lembre-se de que as relações de cor, apenas por natureza, são muito sutis. O que pretendemos fazer com nossa pintura e nossa ilustração é poder gerenciar , visualizar e observar mudanças de cor muito sutis, não grandes mudanças Essas mudanças sutis de cor só levam tempo. Mas continue praticando e você chegará lá. Minhas pinturas iniciais não se parecem em nada com isso, e eu certamente não conseguiria pintar tão rápido. Mas a parte boa de entender, digamos, as tabelas de cores que acabei de mostrar nesta seção é que elas realmente são uma espécie de receita para a natureza. A natureza fará isso repetidamente. E se você puder entender isso, poderá vê-lo não apenas em fotografias como essa, mas mesmo quando estiver do lado fora e na próxima vez que estiver caminhando. Espero que você esteja procurando por essas coisas. Se você for como eu, chegará ao ponto em que nem conseguirá desligá-lo. Você fica tipo, Oh, uau, você vê esses relacionamentos em todos os lugares porque eles são muito consistentes Luz e cor não são um mistério quando você se aprofunda nesses princípios. Tudo bem. Vamos terminar nosso estudo aí, e nos vemos na próxima lição, onde aprofundaremos essas informações pintando algo completamente imaginativo 12. Como concluir uma ilustração: parte 1: Ok, acho que chegamos ao ponto mais empolgante da aula. É hora de unir nosso conhecimento sobre caráter e ambiente para criar nossa própria ilustração. Este é o produto que você provavelmente criará para seus clientes. Mesmo se você estiver apenas fazendo um design de personagem, provavelmente será solicitado que você o pinte para a apresentação profissional final. Ou se você é como eu, o cliente quer uma ilustração completa, personagem, plano de fundo, totalmente pintado, totalmente integrado, aparência profissional e totalmente acabado. É isso que abordaremos nesta seção. Ao longo do caminho, porém, também darei dicas práticas práticas para desenvolver ambientes e trabalhar com perspectiva Portanto, esse projeto é inspirado em algo que um cliente me pediu para fazer com os personagens do Big Foot. Então, primeiro, mostrarei esse trabalho e explicarei as etapas necessárias e, em seguida, executaremos um projeto semelhante juntos. Tudo bem, vamos ao que interessa. Primeiro, vou ler para você literalmente que o resumo do meu projeto Isso é para a capa do nosso pacote de apresentação. Bela imagem de Jake e seu grande amigo brincando e se divertindo em um ambiente aconchegante de lago, algo como uma cena de chalé Por favor, retrate-os em movimento enquanto brincam juntos. Tudo bem, parece bastante simples. Esses são os esboços que mostrei a eles. É meio que o mesmo ambiente três vezes. Acabei de mudar o modelo do Big Foot porque, na verdade, nesta fase, ainda não tínhamos feito as fichas de design dos personagens. É engraçado, essa foi na verdade minha primeira tentativa com os personagens É por isso que Jake realmente não se parece com nenhum dos Jakes dos lençóis e Big Foot tem três ideias diferentes No final das contas, optamos por este. E logo de cara, eles gostaram da pose em movimento. Eu fui um pouco clichê, o pneu balançou, mas tem a relação dos dois personagens, na frente e no centro, e essa é obviamente a coisa mais importante que eu tive que fazer em termos narrativos, certo É muito mais sobre a interação do personagem do que sobre o meio ambiente. Agora, o ambiente, é claro, está lá, mas eu só tinha espaço para uma árvore, uma pedra e um pouco de água. Você realmente não tem muito espaço, especialmente em uma tela vertical, acho que para fazer muitas coisas. Os próprios personagens, sendo meio verticais , ocupam muito desse espaço. E essa foi a pintura final que produzi para eles. Deixe-me ampliar isso um pouco. Na verdade, deixe-me ampliar. Você pode ver como são minhas pinturas finais. Eles ainda estão bem escovados. Eles são renderizados, mas não são renderizados com fotos. Certamente parece uma pintura, e esse é um estilo que eu refinei ao longo de muitos e muitos anos. Novamente, venho fazendo isso há pelo menos 20 anos. Eu sempre procurei esse tipo de aparência pictórica. Deixe-me diminuir o zoom para que você possa apreciar tudo aqui, porque é aqui que toda porque é aqui pincelada realmente se junta Você pode ver que, em termos de composição, é uma peça bem simples É basicamente destacar os personagens, e eu digo isso porque eles são os pontos de maior contraste na imagem Eles também são os maiores elementos da imagem. Pode ser útil mostrar isso em escala de cinza. Você pode ver que, em um nível de valor, os caracteres são o ponto mais alto de contraste e o pneu também. É como uma tríade, triângulo de ponto focal, que está no terço direito da imagem, você poderia dizer, e o maior contraste é onde seus olhos vão olhar, e eu uso isso como uma estética muito simples para design o tempo todo Se você quiser que alguém olhe em algum lugar, como o ponto focal, os personagens, neste caso, use alto contraste lá. É bem básico. Eu me certifiquei de que os personagens tivessem uma gama completa do escuro ao claro. Se eu trouxer meu seletor de cores aqui e fizer uma amostra, usarei este Vou provar qual é a escuridão mais escura? É basicamente preto, mesmo no garoto aqui, mesmo em Jake, seus tons escuros são igualmente escuros No pneu, esses escuros são basicamente os mesmos. E depois as luzes mais leves. Você pode ver o focinho grande do pé ali, é quase branco Os olhos de Jake bem próximos aos personagens representam toda essa gama Então, o plano de fundo é se os personagens estavam aqui, o plano de fundo está aqui, apenas um passo mais estreito Se você olhar para as árvores, estou amostrando os valores na árvore. Você pode ver isso? Aqui está a mais clara da árvore, e aqui está a mais escura da Está perto dos personagens porque a árvore ainda é uma parte proeminente dessa imagem, mas não é tão proeminente quanto os personagens. Eu também diminuí seu contraste, um pouco abaixo. Então, é claro, a árvore de fundo, essa árvore pode muito bem nem estar lá. Está lá apenas para criar um ambiente. Ele precisa estar presente para o meio ambiente, mas não é importante para a foto. Veja sua faixa de valores. É como se estivesse lá até lá. É muito estreito. Novamente, é a mesma ideia básica. Quanto maior o contraste com vários elementos da foto, mais o público ficará inclinado a vê-los. Agora, inventar um ambiente é uma tarefa assustadora. O que eu gosto de fazer é começar uma referência fotográfica que leve você ao estádio Nesse caso, é essa foto que tirei em um acampamento há alguns verões Na verdade, eu também esbocei essa cena da vida no meu caderno de esboços, e fiz isso porque queria capturar essa sensação aconchegante que acho que essa Obviamente, é sempre útil tirar uma foto de algo se você não tiver tempo para esboçar ou apenas em geral Eu mantenho uma pasta muito ativa de referências fotográficas que eu coleciono de quem sabe de onde? Estou aqui no photoshop e vou fazer uma nova tela e, de acordo com a solicitação do cliente, vou fazer oito por dez e vou configurá-la para 150 DPI Agora, sua resolução final de impressão será de 300 DPI, esse é o padrão Mas para manter meu computador e meus pincéis fluindo mais rápido, gosto de abaixá-lo e depois levantá-lo à medida que avança Eu acelerei a filmagem dessa parte inicial da tonificação da tela. Estou usando principalmente aquecedores, mas há um frio neutro, como um frio acinzentado entanto, vou desacelerar a filmagem agora e estou desenhando em uma grade de perspectiva básica Agora, sendo este um ambiente orgânico, a perspectiva linear não desempenha um grande papel Vou mostrar exatamente onde ela desempenha um papel e está aqui no início. Basicamente, eu quero desenvolver o plano terrestre. Nesse caso, o solo é a água. Estou tirando um ponto de fuga da moldura. Você pode ver para onde eu volto constantemente só para enquadrar ali mesmo. Você percebe que esse ponto está na linha do horizonte, que é a linha roxa que coloquei primeiro. Em seguida, apenas resulta uma série de linhas radiantes a partir disso. Isso é principalmente um pequeno truque mental que me ajuda a começar a ver em três espaços D mais rapidamente. O que vou fazer aqui, porém, é apenas diminuir a opacidade dessa camada Eu fiz a grade de perspectiva em uma nova camada. Usando a teoria básica da perspectiva sobre a qual já falamos, estou desenhando na parte inferior de um cilindro, seja, uma elipse Essa elipse vai me mostrar meu plano terrestre. Essa é a área de água em frente a essa grande rocha que você vê na referência. Essa área é importante para mim porque é aí que vou ter meu palco central. É para lá que os personagens vão. É aí que estarão todos os elementos interessantes . Estou desenhando a área de perspectiva com a qual vou trabalhar. Estou saindo dessa elipse agora para descobrir onde fica a costa e é aqui que vai aquela grande rocha central aquela A rocha é a peça central do plano de fundo. É como aquela árvore na minha pintura inicial. É uma parte interessante do plano de fundo. Isso fornece muito contexto, mas, em última análise, faz parte do plano de fundo, e com certeza colocarei os personagens na frente disso. Obviamente, tenho minhas duas peças de referência carregadas à esquerda, a fotografia, bem como minha pintura da cena. Você percebe que existem diferenças. Minha pintura da cena é um pouco mais idealizada do que a referência fotográfica Eu escolhi o que eu acho que é a área mais importante da cena, por exemplo, no meu esboço no canto inferior esquerdo Eu enfatizei a natureza dessa grande rocha redonda, certificando-me de que, em meu esboço, é o ponto focal Na minha pintura, será um ponto focal secundário. Eu já mencionei que os personagens ocuparão o centro das atenções. Mas estou estabelecendo o ambiente aqui. Isso é o que eu normalmente faço. Há maneiras diferentes de fazer isso. Você pode desenhar os personagens primeiro e depois preencher o ambiente. Gosto de ir para o outro lado quando estou fazendo um ambiente visto com personagens. Gosto de estabelecer o ambiente primeiro. Agora, eu não o renderizo totalmente em um grau completo. Você verá que, à medida que progredimos aqui, os personagens precisam entrar relativamente cedo no processo, pois eles tornam a composição enorme. Gosto de definir uma perspectiva , com certeza, que já existe. Estou ajustando minha grade de perspectiva agora, na verdade, só para ter certeza de que minha linha do horizonte está onde eu acho que está Lembre-se de que estou projetando meus olhos diretamente na cena e me perguntando: onde meus olhos colidiriam com a fotografia Eu estaria na área superior daquela rocha, o que eu sei que é verdade porque quando fotografei aquela cena, eu também estava sentado em uma rocha elevada acima da água, como você pode ver Se eu projetasse meu corpo fisicamente para frente no espaço, ele colidiria com a área superior daquela rocha Então, eu sei que tenho minha perspectiva correta. Tudo bem, nesta fase inicial, veja isso. Aí vêm os personagens. Eu tenho isso em uma camada separada. Agora, não vamos nos precipitar. Este não é um desenho final dos personagens. É só uma colocação. Você percebe que é a silhueta mais rude possível para um menino. Aqui é o Jake Não tenho ideia de qual será a pose dele ou não queria simplesmente copiar e colar em um dos meus designs anteriores. Eu quero te mostrar como eu realmente faço para descobrir uma foto totalmente nova Este é um Jake novinho em uma pose totalmente nova. Eu nunca pintei a cena antes, exceto pelo fundo do meu caderno de esboços Mas quero dizer, eu nunca pintei isso como ilustração, nunca pintei digitalmente, nunca coloquei personagens lá, etc É importante para mim, nesta fase, definir o tamanho principal do personagem. É principalmente sobre o tamanho do personagem, o que define a escala em todos os lugares. Agora ele é muito grande, parece um gigante. Porque eu quero que essa pedra pareça muito maior. E está atualmente. Essa rocha deve ter cerca de 15 pés de altura. Se Jake for tão grande, repente percebemos a escala da rocha, que tem apenas o dobro de sua altura Vou reduzir isso e, claro, é por isso que o tenho em uma camada separada. Esse é o personagem do pé grande, se você pode acreditar. Novamente, tê-lo em uma camada significa que posso fazer isso, posso movê-lo. Agora, já existe um fundamento muito importante que eu quero capitalizar, que é a ideia de sobreposição Você vê que o topo da cabeça de Jake se sobrepõe à costa atrás dele, como se a costa desaparecesse atrás da Isso é importante porque mostra profundidade. Em sua ilustração, maximize a oportunidade de colocar uma coisa na frente da outra. Outro exemplo disso aqui é como a grande rocha ao fundo está na frente das árvores. Parece tão simples e é. Mas é incrivelmente comum, e sempre fico surpreso com a frequência com que estudantes de arte tomam a decisão de não sobrepor estudantes de arte tomam a decisão de não sobrepor Por exemplo, acho que uma decisão pior nesse caso seria colocar Jake e Pé Grande totalmente silhueta dentro do cilindro de água, como o plano terrestre, como o plano terrestre, se eu colocasse suas silhuetas Quero dizer, sim, a ilustração poderia funcionar. Mas eu teria perdido a profundidade que estou ganhando aqui apenas por ter a cabeça de Jake cruzando a costa atrás Mas eu já estou fora da camada de personagem. Estou na camada de fundo agora. Há apenas duas camadas nesta imagem. Desculpe, há apenas três camadas se você contar a grade de perspectiva, na qual não consigo mais pintar. Para pintar camadas, o fundo e os personagens. Não há regras rígidas sobre como você deve dividir sua ilustração em camadas. Na verdade, é exatamente com o que você se sente confortável . Sou uma minoria em que, na verdade não gosto de camadas porque isso me força a me afastar do processo criativo. Pelo menos para mim isso acontece, e eu tenho que começar a pensar sobre o que está em qual camada, e eu realmente não suporto isso. Eu pinto com o mínimo de camadas possível. Eu só crio uma nova camada na qual eu absolutamente não sei para onde algo vai. Nesse caso, é o personagem. Ok, então estou começando a bloquear o início de uma reflexão, um reflexo da rocha na água, bem como das árvores de fundo na água Vamos falar sobre reflexos porque você pode perguntar: a água responde às mesmas informações de luz e cor que acabamos de ver na paisagem, que tinha apenas um plano terrestre regular, os campos de trigo A resposta é sim e não. A água responde à luz que a atinge, especialmente a água calma, esta é uma água meio calma aqui É uma enseada em um lago. Ele responderá à luz, e você verá que vou pintar a luz do sol real sobre ele à medida que avançamos. Mas você também tem que lidar com reflexões. Todo mundo sabe o que é um reflexo. É a água refletindo a superfície acima dela, então a imagem aparece na água Como estamos, neste caso, refletindo árvores escuras, você terá muitas passagens escuras lá Você percebe que, na ilustração do meu caderno de esboços , eu minimizei isso porque queria favorecer a rocha, como já discuti Eu escolhi destacar e enfatizar o reflexo da rocha mais clara na água, ladeada por reflexos mais escuros Mas na fotografia, o reflexo escuro das árvores. Lembre-se de que as árvores geralmente são muito escuras, como falamos na lição anterior, que o reflexo escuro domina a fotografia Essa é a direção que vou seguir nesta ilustração. Isso porque estou planejando um pouco com antecedência e quero que a luz do sol realmente ilumine os personagens Acho que terei um raio de sol vindo da direita, e podemos ver esse raio de sol na fotografia, mas vou enfatizar isso totalmente e ter um feixe de luz solar completo entrando , iluminando os personagens Portanto, posso usar o reflexo escuro para adicionar contraste aos caracteres mais claros. Essa é realmente a dica número um eu daria para quem quer criar ambientes é planejar seu contraste com antecedência e apenas um aspecto dele. É para lá que vai o maior contraste? Você pode mergulhar isso da luz, que a luz atinja algo uma certa forma que ofereça esse contraste, como, por exemplo, talvez um personagem esteja na sombra ou na luz, e a coisa por trás do personagem esteja na sombra ou na luz, o oposto. A outra coisa que é realmente útil sobre trevas e luzes, gerenciar trevas e luzes em todo o ambiente, é alterná-las: claro, escuro, claro, escuro Se você olhar minha pintura, o céu bem ao fundo, que ainda não está bem definido, mas você pode ver que o céu ao fundo seria claro, então as árvores na frente estão escuras, então a rocha na frente é clara, então o reflexo na frente é escuro, é alternado, luz escura, luz escura Isso lhe dará ainda mais profundidade em sua foto. Aqui estou experimentando um Jake diferente. É apenas um desenho gestual dele nadando, mas eu não gosto, então me livro dele E estou de volta à estaca zero sobre os personagens. Embora, em minha mente, eu saiba que eles funcionarão nessa área central da peça. Outra razão pela qual estou confiante nisso é porque, se você pensar em um palco, deixei a área aquática do palco totalmente em branco. Parece vazio agora. No meu esboço de paisagem no canto inferior esquerdo, essa área foi preenchida com um interessante reflexo da rocha Na minha pintura agora, está mais em branco do que isso, e isso significa que ela pode usar caracteres. Há espaço para preencher lá. Usando a ferramenta Smudge aqui no photoshop para começar a desenvolver essas O outro aspecto de uma reflexão é que elas são versões suavizadas ou mais embaçadas, digamos, do que estão Uma ferramenta semelhante a uma mancha no Photoshop, é chamada literalmente de ferramenta Smudge, mas em outros aplicativos, você tem Qualquer coisa que pareça borrar tinta é uma boa ferramenta para Agora estou usando a ferramenta Warp apenas para deixar a forma dessa rocha um pouco mais redonda, central e amigável Estou pensando na minha aula de design de formas , aqui está a forma limpa. Estou apenas procurando um certo tipo de redondeza. Uma redondeza que eu acho que ficaria bem. Isso é o melhor que posso dizer. Lembre-se de que, ao fazer aulas como essa ou qualquer outra aula de arte, você receberá informações e coisas práticas que podem ser usadas para usar. Mas também há um aspecto da arte que é intuitivo, como a forma daquela rocha. Como eu sei que parece certo? Bem, eu não sei. É só que há algo em mim que diz que a rocha deveria ser mais parecida com isso. Isso é algo que não pode ser ensinado porque é completamente individual e subjetivo Você absolutamente deve usar sua própria intuição quando sentir vontade de fazer isso Porém, lembre-se de que, antes de tudo isso, os fundamentos precisam ser fortes e, claro, é nisso que esta aula se concentra na maioria das vezes Então, falando em fundamentos, as cores que estou usando na minha cena seguem exatamente a lição que expus na última seção Veja as cores claras versus sombras da rocha. Você pode ver que eles estão claramente separados em dois campos, as luzes são cores mais quentes, as sombras são cores mais frias Há uma camada extra de organização dentro disso: a das sombras mais azuis voltadas para cima na rocha Veja que eles estão localizados no topo da rocha. Então, talvez no fundo da rocha, você tenha o que eu chamaria de resfriadores mais quentes Isso porque a clarabóia, que é azul, desce de cima É lógico que as áreas da rocha voltadas para o céu ficam mais azuis, simplesmente porque estão recebendo a clarabóia mais direta Agora eu quero aumentar o efeito da luz solar. Na minha janela de camadas, eu criei uma nova camada, configurei para o modo de esquiva linear, e eu tenho esse pincel de três cabeças aqui que eu não sei, é como um pincel redondo Não há nada de especial nisso. Só que seu formato é ligeiramente deslocado do redondo e eu o uso muito, não sei por quê Não há nada de especial nisso. Eu simplesmente gosto de sua forma. Agora, quando você trabalha com uma camada de esquiva linear, não precisa escolher a cor superclara Observe que minha escolha de cor está no meio. É um processo muito aditivo assim como a luz na vida real. luz reagirá à cor do objeto e o deixará mais claro e próximo à cor do sol neste caso. Mas a esquiva linear também age dessa forma, tornando-a um modo de mesclagem ideal para pintar coisas como E eu realmente gosto da composição da forma que existe na fotografia e das formas que capturei na minha pintura aérea plana no canto inferior esquerdo. Eu gosto que as formas sejam variadas em tamanho. Veja a rocha, por exemplo, na fotografia. Quero dizer, existem grandes formas de luz solar, formas de sol de tamanho médio e pequenas formas salpicadas de luz solar lá dentro Essa é outra forma de contraste. É quase como se contraste fosse igual a interesse. Agora, isso nem sempre é verdade, mas na maioria das vezes, precisamos de contraste para que algo pareça interessante aos nossos olhos. Uma grande maneira de adicionar contraste às suas fotos é variando as formas e os tamanhos das coisas Lembre-se de que já falamos sobre contraste claro e escuro, criando interesse. Essa é mais uma maneira de trazer contraste e , portanto, despertar o máximo de interesse possível em sua foto Agora, voltando a renderizar água por um momento. Observe que estou mantendo essa água muito mais quieta do que na fotografia. Quanto mais parada a água estiver, mais ela pode aceitar luz, assim como uma paisagem. Estou tratando a luz do sol na água quase exatamente da mesma forma que a luz do sol na rocha. Talvez seja um pouco mais escuro porque, novamente, está competindo com o árbitro, o reflexo escuro um pouco Isso trará esse valor, esse valor claro e escuro, um pouco mais sombrio em seu reflexo Mas, caso contrário, não há diferença. Você pode ver isso novamente em águas calmas, que estou descrevendo aqui, mas também em águas mais rasas, porque o sol pode realmente atravessar a superfície da água e atingir o solo Se você estiver fazendo uma pintura no meio do oceano , com centenas de metros de profundidade, não verá isso. Será puramente reflexão. Além disso, a turbulência das ondas distorcerá essa reflexão, e a água será essencialmente Ok. Deixe-me falar rapidamente sobre o que estou fazendo aqui no photoshop. Eu fiz uma nova camada. Eu quero pintar um pouco de grama e algas marinhas e outras coisas. Mas eu defino o estilo da camada para um efeito de traçado. Isso é um traçado que apenas coloca um contorno ao redor do traçado do pincel Eu fiz um contorno muito escuro e quente, como se fosse um contorno vermelho muito profundo, e diminuí a opacidade, então não está 13. Como concluir uma ilustração: parte 2: Quando eu coloco essas pinceladas , elas têm um pequeno toque gráfico extra Isso é algo que acabei de descobrir ao longo dos anos que funciona com meu estilo. Ele adiciona gráficos, eu acho, gráficos, ou seja, aquelas formas limpas. Porque quando você está fazendo coisas como grama, você está adicionando muitas formas. Agora, uma coisa ótima sobre isso é que grama como essa tende a ter formas pequenas. Lembre-se de que acabei de falar sobre o contraste inerente às formas grandes, médias e pequenas. O problema com formas pequenas é que você pode ter muitas delas. Podem caber exponencialmente mais formas pequenas na sua imagem do que formas grandes Como ver aquela pedra grande. Bem, só há espaço suficiente para uma dessas pedras, mas há espaço para 100 folhas de grama Pelo menos. Você deseja maximizar a quantidade de formas pequenas que coloca em sua foto e onde as coloca também é importante. Minha estratégia, não há regras para isso, mas minha estratégia é colocar as formas pequenas ao redor do ponto focal. O ponto focal serão os personagens que ainda não estão lá, mas você pode ver bem, você sabe para onde eles vão porque você já me viu miniaturizá-los antes, e eles ainda vão lá Mas eu sei que os personagens vão para lá. Você percebe que estou mantendo essa área do palco muito aberta. Eu gosto de usar a analogia de um palco porque é para onde o público vai olhar em uma peça teatral Mantenha essa área do palco bem aberta e se sinta um pouco vazia sem os personagens. E aqui estou eu colocando outra pedra, uma pedra de tamanho médio sobre a qual Jake pode estar de pé Mas você percebe, estou tornando essa rocha muito especial ao iluminá-la com aquele feixe direto de sol É aqui que estou carregando a ideia do raio de sol entrando em cascata na cena, iluminando aquela pequena pedra em que Jake estará de pé, e o personagem do pé grande estará, eu acho, nadando bem na frente É aqui que meu processo compensa. Eu não tive essa ideia até estar nessa parte da pintura. Eu não tinha a ideia de Jake de pé em uma pedra e com um pé grande nadando Eu precisava desenvolver um pouco o mundo, e é aqui que, pessoalmente, acho útil colocar o meio ambiente em primeiro lugar. Também a ideia de que estou fazendo miniaturas na mesma tela em que estou pintando , como você viu, porque comecei com a natureza abstrata do fundo, aqueles cachos de árvores ao fundo e a rocha Consegui distorcer as coisas e movê-las, virar todas as maneiras e usar o pincel para pintar e pintar coisas por dentro, e pude fazer tudo isso sem muita penalidade, porque ainda não havia nada totalmente Depois de começar a incluir os personagens, você está começando a realmente se comprometer com a cena. Outra vantagem de começar com o plano de fundo é que você pode realmente manipular o cenário do mundo em que esses personagens vivem Antes disso, se comprometa com os personagens. Na verdade, não há nada pior do que fazer uma boa renderização de seus personagens e descobrir que eles realmente não se encaixam no ambiente ou que o ambiente parece colado forma. Essa é uma pergunta muito comum. A sensação de ambiente colada ao fundo, em vez de realmente fazer parte da ilustração Enquanto conversava no último minuto, pego um pincel texturizado e deitei em uma em primeiro plano Novamente, repetindo meu padrão alternativo Luz para o céu, escuro para as árvores, luz para a rocha e agora escuro para aquela árvore nova que acabei de colocar Então, não é como se eu simplesmente colocasse uma árvore lá porque ela também está na referência. Quero dizer, esse é um bom exemplo. Sim, aquela árvore está na referência , está na frente da rocha. Mas você percebe na referência a árvore discute com a rocha em termos de valor, como a luz naquela árvore é semelhante à luz na rocha. Mas eu editei isso. Eu deixei a árvore mais escura por causa da ideia de contraste, continuando minha alternância de claro, escuro, claro, escuro Essa é uma boa dica para você quando faz estudos fotográficos como fizemos na seção anterior. Agora, aquela foto que tiramos na seção anterior tinha um sistema de valores alternados muito bom Eu nem falei sobre isso lá porque sabia que ia falar sobre isso aqui. Mas se você tem uma fotografia que simplesmente não está funcionando em um estudo fotográfico, tente organizar os valores de uma forma mais direcionada à arte Veja se você consegue obter profundidade, por exemplo, para ler melhor fazendo isso. Ok, é hora de colocar um personagem realmente aqui. É bom que eu saiba aonde ele vai porque eu tenho o lugar certo para ele. Você percebe que a cabeça dele cruza a costa, assim como eu havia planejado agora cerca de meia hora atrás, se cerca de meia hora atrás, Acabei de usar um pincel básico de estilo aquarela e estou tentando gesticular com ele Eu escolhi uma cor de pele básica da referência da minha folha de modelo de Jake, e estou apenas pintando com ela Colocar um pouco de luz e sombra é apenas uma dica da ideia de que o sol percorrerá metade de seu corpo Vou colocá-lo naquela pedra, que está meio acesa. Eu quero que Jake também esteja meio iluminado, o que só ajudará a atrair um pouco de interesse e talvez um pouco de realismo e imprevisto Quando pinto assim, penso principalmente em gestos Você percebe que minhas pinceladas são muito amplas e amplas e não estou tentando obter formas exatas Tudo isso é uma mentalidade gestual, o que significa que pintar dessa maneira, com muito caráter, depende de seus estudos fundamentais anteriores Eu uso essa mentalidade gestual em toda a minha pintura. Você percebe que a forma como minhas pinceladas caem em todos os lugares é muito gestual Eu aprendo isso desenhando com gestos. É algo com o qual você não pode se sentir confortável até ter muita experiência com isso. Agora, quando eu gostar da aparência aproximada do personagem, começarei a pensar na forma e, finalmente, nas formas finais. Mas também porque é um desenho animado, às vezes um gesto, mencionei isso na lição anterior, às vezes o gesto pode se aproximar de uma Ser um desenho animado, para começar, tem tudo a ver com esses ritmos, aquelas declarações simples de uma coisa Mas uma grande parte desse processo agora é que eu tenho que descobrir o que os personagens estão fazendo. Estou gesticulando, mas em que pose estou gesticulando? Comecei com uma coisa bem genérica para Jake. Acabei de copiar meu desenho à esquerda, aquele modelo de Jake que desenhei à esquerda Eu nem sei realmente o que ele está fazendo. Ele é uma ação antecipatória de alguma coisa. É meio obscuro. Eu desenhei isso e percebi que seus braços não estavam contando a história certa. propósito, também estou usando o desenho flutuante do topo do Jake Eu acabo tirando isso. Você verá o porquê. Mas está lá agora. E o que vou fazer com o pé grande, na verdade vou manter o pé grande menor, que é uma piada comum que já vimos antes, sendo o pé grande um personagem pequeno Mas vou manter o pé grande pequeno e vou fazer com que ele use uma fantasia de tubarão, como as crianças usam aquelas fantasias de Halloween que passam por cima da cabeça como um O tubarão engolirá a cabeça do Pé Grande, ali estão os olhos do tubarão ou olho dele visto desse ângulo E haverá uma barbatana de tubarão, é claro. Mas o rosto de Big Foot sairá da fantasia de tubarão Agora, os personagens estão em uma camada diferente. Eu já descrevi isso porque não sei exatamente para onde esses personagens vão. Certifique-se de que estejam em uma nova camada para que eu possa movê-los à minha vontade O que estou tentando fazer aqui é envolver o personagem do pé grande nesse belo raio de sol quente e, principalmente, estou fazendo isso por Se o raio de sol estiver atingindo o personagem com pé grande , isso significa que ele também lançará uma sombra de volta na água Essa alternância de claro-escuro será boa. Aqui eu só tenho uma escova de sobreposição e aquecendo o solo que você pode ver através da água porque esta é uma entrada mais rasa Eu tinha uma costa lá antes de tirá-la. Eu quero que tudo isso seja água, mas talvez tenha apenas alguns metros de profundidade. É isso que estou imaginando e o sol pode facilmente passar e iluminar o solo quente Tudo bem É hora de um pequeno truque de textura digital. Essa é a fotografia de uma rocha que acabei encontrar no Google pesquisando por textura de rocha. Eu defino a camada para o modo de sobreposição e vou diminuir sua opacidade aqui em uma quantidade significativa Depois, vou preencher a mesma textura fotográfica em toda a rocha Eu apenas uso o Photoshop Alton e clico e ele o duplicará Eu tenho várias camadas, vou alisá-las, verificar se estão todas prontas para serem sobrepostas e, em seguida, criarei uma máscara de camada Se eu pintar de preto nessa máscara de camada, que estou fazendo agora, estou escondendo partes da textura que não quero ver. É uma forma de misturá-lo aproximadamente em sua pintura. Quando demorar 30 segundos para fazer isso, e quando eu estiver feliz com aparência áspera, vou achatá-la, que estou fazendo agora Agora, isso parece terrivelmente digital assim que sai da caixa, então realmente requer mais pinceladas pintadas à mão integrar totalmente a textura Mas eu só queria fazer isso aqui na rocha apenas por um pouco de realismo e também para mostrar um truque rápido que você pode usar como ilustrador ou artista conceitual por uma questão de eficiência Voltando à cor por um segundo. Veja como a luz na superfície da água está mais vermelha. Isso é algo que eu notei na vida real. Por algum motivo, a cor tem uma qualidade um pouco mais vermelha Estou caracterizando isso aqui adicionando ainda mais vermelho para separá-lo da luz amarelada na Não há problema em fazer isso. Ainda há duas cores quentes. Se eu estiver usando luz amarelada ou avermelhada, eles ainda parecerão que estão no mesmo acampamento, na mesma iluminação eles ainda parecerão que estão no mesmo acampamento, na mesma quente e influenciada Descobri que é uma boa variedade que a natureza tem. Você pode ver isso na fotografia, onde a luz está atingindo a água Na fotografia, é mais alaranjado do que vermelho, mas o laranja está a caminho do vermelho do Acabei de progredir nesse caminho pré-existente. Colocar algumas sobrancelhas em Jake aqui realmente influencia a expressão facial Não é malvado, mas ele está fingindo ser malvado. Ele tem uma vara de pescar, como você pode ver. Ele está tentando pegar o tubarão e está brincando mal com isso Vou pegar sua coisa. De qualquer forma, é nisso que estou pensando atualmente. Agora, em termos de luz e cor, tom de pele reage exatamente da mesma forma que qualquer outra coisa. A pele de Jake compartilha cores quase idênticas às cores do rock Ele tem uma pele muito clara, é assim que eu o estou desenhando e a rocha é uma rocha de cor muito clara, é a mesma, basicamente É apenas o desenho que muda o que o objeto é. Em minha constante exploração da tela aqui, você percebe que estou mudando a expressão facial de Jake agora Algo um pouco mais amigável e quase apologético Isso é feito apenas mudando as sobrancelhas. Eu não mudei nada. Ele ainda tem aquele sorriso sorridente no rosto. Mas você percebe que isso pode parecer um camaleão. Ele pode assumir 100 expressões diferentes apenas com base no que as sobrancelhas estão fazendo As sobrancelhas são mágicas dessa forma. Na verdade, eu sempre começo pelas sobrancelhas, seja fazendo um desenho animado ou uma renderização realista, sempre começo com as sobrancelhas e a área da sobrancelha ao trabalhar em uma Diga a área da sobrancelha porque às vezes, se as sobrancelhas estiverem franzidas, a polpa da sobrancelha ultrapassa os olhos e esconde um pouco o Na verdade, não são as sobrancelhas fazendo isso, é como a área carnuda ao redor Eu tenho outras aulas aqui sobre compartilhamento de habilidades que falam sobre isso. Você pode entender e pintar a cabeça, além de ilustrar livros infantis Ao falar em livros infantis, aqui está um personagem de desenho animado adequado, que se encaixaria muito bem em um livro infantil Você percebe que essa luz vai iluminar parcialmente o rosto dele, assim como está iluminando parte do rosto de Jake Agora estou brincando um pouco com cores aqui usando essa cor roxa. Isso é algo que não é realista. O sol realmente não permitiria que esse roxo existisse. O sol deixaria a cor mais próxima dos vermelhos. Mas, novamente, como isso é um desenho animado, estou disposto a contornar um pouco as regras da cor Novamente, quando se trata de estética, não há regras e você está livre para se afastar da realidade como achar melhor O que eu sugeriria, porém, é que quando você está se afastando da realidade, como estou fazendo aqui com essa cor roxa, você saiba que está rompendo realidade e que tem um motivo para fazer isso. Se você não conseguir preencher esses dois critérios, estará se afastando da realidade o tempo todo e geralmente sem um bom motivo, e isso aparecerá no trabalho. Isso vai atrasar seu trabalho. Filosoficamente, acho que as pessoas gostam de arte onde ela retrata o que elas esperam ver em termos de como a luz se comporta, por exemplo, se você mostrar a elas arte que retrata como a luz se comporta, elas já têm uma familiaridade embutida com ela retrata o que elas esperam ver em termos de como a luz se comporta, por exemplo, se você mostrar a elas arte que retrata como a luz se comporta, elas já têm uma familiaridade embutida com ela e podem partir daí. É como se eles já acreditassem no seu mundo. Se você não sabe como a luz funciona e, portanto, não a retrata bem, de repente, acho que está exigindo demais do espectador A menos que o objetivo da sua arte seja ser completamente abstrata e sobrenatural, isso é outra coisa Não é isso que estou fazendo aqui. Quero que o espectador tenha instantaneamente um reconhecimento e uma conexão com essa cena. Eu quero que o espectador sinta: Oh, eu sei exatamente o que é ficar lá, porque acho que todos nós já vimos cenas como essa. Espero que o espectador tenha uma reação semelhante à minha quando vejo cenas como essa e que sejam lindas, calmantes e relaxantes Isso se deve em grande parte à base de familiaridade que existe se você conseguir obter a iluminação correta, por exemplo Acho que acertar a iluminação é muito mais importante do que acertar o desenho. Se você olhar as árvores ao fundo, elas mal são árvores. Eles são muito abstratos. Mas a iluminação neles é crível, as cores que existem devido à Ao trabalhar no personagem Big Foot, percebi que é difícil saber o tamanho dele. Coloquei a mão dele na direita saindo da superfície da água e agora quero fazer a mesma coisa com os pés. Estou tentando desenhar dois pés saindo da água, só os calcanhares E vou ver o que posso fazer lá. Eu realmente não tenho ideia de como isso deveria parecer. Então, vou improvisar até que algo pareça certo. Eu sei que o calcanhar fica fora da água, então estou efetivamente pintando a parte de trás de um pé aqui, como um pé peludo Estou simplificando-as em caixas básicas e apenas pintando cores em cima delas A planta do pé ficará mais clara por algum motivo e, em seguida, o cabelo roxo ficará no próprio calcanhar, como a pata de um animal ou algo Aqui, estou apenas fazendo um pouco de refinamento ao redor do focinho do personagem do pé grande, apenas me certificando de que essas formas sejam proeminentes o suficiente para serem vermelhas Formas pequenas são ótimas, mas não quero que muitas formas pequenas obscureçam a forma já pequena, que é o rosto do Big Foot Apenas certifique-se de que seu músculo tenha uma forma e seja leve e que seu queixo seja grande, como área do queixo tem outra forma e é leve, sem muita coisa acontecendo lá. E eu gosto de jogar pingue-pongue para frente e para trás. Por algum motivo, estou mudando para a água aqui. Isso porque uma forma inspira outras formas ao seu redor. Se estou simplificando formas em uma área, posso sentir que a sala ou o espaço têm mais formas em uma área próxima Novamente, a título de contraste. Eu realmente tenho que passar algum tempo aqui para ter certeza de que suas mãos estão articulando adequadamente com a interação com a vara de pescar Para mim, as varas de pescar são uma daquelas coisas que é fácil de visualizar na cabeça, mas na verdade é difícil pintar os detalhes Eu não tinha ideia de onde ia aquela manivela em relação à área que você segura com a outra mão E aqui estou eu apenas limpando essa rocha. É muito importante manter essa forma de rocha limpa, assim como as sombras dos personagens que estão sendo projetadas sobre ela Agora, há uma decisão aqui. Eu edito mais tarde porque não gosto. Você vê como a sombra de Big Foot está subindo até a rocha e se cruzando com a sombra de Jake. Eu não gosto disso. Acho que não está claro se é isso que está acontecendo. Falando em coisas que não estão claras, eu não amo o tubarão na cabeça do cara Gosto do fato de haver uma fantasia de tubarão na cabeça de Big Foot, mas acho que não está clara o suficiente ou talvez não esteja bem feita Pesquisei fantasias de tubarão no Google e notei que muitas delas têm uma cor diferente na parte superior e na parte inferior Além disso, lembrei-me de que olho de um tubarão é apenas um ponto escuro, e acho que isso também estava me enganando Estou fazendo essas alterações e isso já está melhor. Parece mais um tubarão falso porque antes a forma os olhos eram vistos no tubarão era muito semelhante à forma como os olhos são feitos nos personagens, como nos personagens vivos, e isso era Parece muito mais um tubarão de traje sintético. E eu viro a tela o tempo todo. Você provavelmente já me viu fazer isso várias vezes. Eu virei muito a tela, tenho uma tecla de atalho que programei porque ajuda você a ver sua peça com novos olhos momentaneamente cada cinco, 6 minutos, eu viro a pintura ou sempre que sinto que não o faço há algum tempo Sim, isso parece muito melhor. Uma coisa que eu faço para a textura aqui é usar esse pincel pontilhado disperso e, em seguida, coloco uma pincelada dura assim e desboto com o photoshop. Se você pressionar a tecla de controle F, Se você pressionar a tecla de controle F, poderá diminuir É uma maneira prática de misturar traços na pintura. Isso é o que eu fiz apenas para gerar um pouco de textura naquela roupa sintética de tubarão Novamente, apenas para separá-lo das criaturas vivas. Então aqui, estou tirando algumas fotos talvez abrindo a boca de Jake, apenas tentando algumas pinceladas Eu realmente não estou gostando de nada disso, então vou desfazer e tentar novamente Acho que tento quatro ou cinco coisas diferentes. Então eu percebo que talvez puxe um pouco o sorriso para a esquerda e tenha certeza de que ele não colida com a Essa era outra tangente que estava acontecendo. A parte esquerda do sorriso estava se movendo diretamente para o contorno superior de sua orelha, e eu simplesmente não gosto desse design. Tudo o que precisei fazer para consertá-lo foi puxar o sorriso para a direita em um milímetro Ele tem cabelo loiro claro, mas o cabelo loiro na sombra ainda é muito escuro Toda essa cabeça está na sombra, pensando também na oclusão do ambiente, como embaixo do cabelo, onde o cabelo onde Haverá passagens muito escuras lá. Agora estou pensando no branco dos olhos, assim como a rocha, adicionando um pouco mais de azul onde receberia mais luz do céu, talvez um pouco mais de amarelo lá, onde poderia receber um pouco mais de luz refletida vinda da rocha iluminada pelo sol abaixo E agora a parte favorita de todos, os destaques nos olhos. Os olhos são materiais muito refletivos. Eles têm um brilho úmido sobre eles, então eles refletirão algumas coisas diferentes Principalmente, eles refletem as luzes do ambiente. Como ele está em um ambiente muito iluminado que o envolve totalmente, coloquei alguns destaques diferentes nos olhos Isso enfatiza ainda mais a natureza brilhante desse material também ajude a separá-lo propósito, também ajude a separá-lo do olho sintético do tubarão Estou no final, apenas brincando com a ideia de estender um pouco a fantasia de tubarão Mas acabo não gostando disso porque começa a interferir com os dois pés saindo da água Estou lotando aquela pequena área, exatamente de onde os dois pés estão saindo. Vou me livrar desse corpo extra de tubarão para preservar os dois pés, porque decidi que pés do monstro são mais importantes do que qualquer coisa que eu possa ganhar com a fantasia alongada de tubarão Vou virar a tela só para decidir completamente. No segundo em que fiz isso, até notei o erro de perspectiva. O traje é que deveria estar entre os pés do monstro, mas está desligado, então basta excluí-lo Não precisamos de um novo problema neste estágio. Vamos preencher essa área escura aqui, fazer com que pareça que não é oca Observe que as cores das sombras do tubarão ficam mais quentes perto da água Isso se deve apenas à luz refletida salta da água Acho que nesta fase, sinto que tudo está funcionando. Só essa fantasia de tubarão poderia usar um pouco mais de um tipo diferente de material apenas para diferenciá-la ainda mais dos personagens Porque as pessoas vão ver esse tubarão imediatamente porque ele esconde o monstro e, por definição, ele esconde o Pé Grande O que eu não quero, porém, é que as pessoas pensem que o tubarão está vivo. Eu quero que, ao olhar para isso, você saiba instantaneamente que algo está errado, que não é um personagem. Então, é claro, você percebe um pé grande embaixo dele. Ainda brincando por aqui, atrás do garoto, tenho vontade aumentar a saturação do azul Só me senti um pouco cinza lá atrás. Mas quando estou perfurando pequenas áreas como essa, sei que terminei E aqui estão os frutos do nosso trabalho, uma ilustração totalmente acabada que combina personagem, narrativa, ambiente, luz e cor. Algo assim poderia ser usado conceitualmente para apresentar o tipo de história narrativa ou diversão e jogos que poderiam acontecer neste programa ou livro ou o que quer que seja Mas, além de tudo isso, é apenas uma imagem atraente que prenderá ou chamará a atenção de quem a vê Qual é o seu principal objetivo como ilustrador? Tudo bem Na próxima seção, vamos falar sobre como divulgar seu trabalho e estratégias para encontrar trabalho como artista. 14. Projeto do curso 2: crie uma ilustração narrativa: Antes de passarmos para a próxima seção desta aula, temos outro projeto de classe a ser feito. Mais uma vez, é o que você acabou de me ver fazer, criar uma ilustração narrativa, algo adequado para a capa de um pacote de apresentação. Isso é algo que comunica com eficácia ideia geral e o clima de um programa de TV, filme ou livro Você pode trabalhar em um padrão de oito por dez, como eu fiz, ou se quiser mais, fique à vontade para trabalhar em uma proporção widescreen de 16 por nove O que você pintará é seu personagem infantil do Projeto 1, jogando em um ambiente divertido , e você pode usar vários personagens aqui, se quiser. Não precisa incluir um pé grande, embora possa. Pode ser apenas seu personagem fazendo alguma coisa ou talvez seu personagem e outro personagem humano. Isso depende de você. Uma pequena história ou narrativa deve ser invocada pelos personagens, o que significa que você deve ser capaz de ler um pouco a imagem e entender a ação que está acontecendo Se seu personagem ou personagens estão jogando um jogo, bem, que tipo de jogo é esse? Na minha ilustração, eles estavam jogando uma partida de pesca que Big Foot está vestido como o tubarão e o menino é o Você tem uma ideia geral da janela de interação que eles estão tendo. Você pode imaginar momentos que estão acontecendo antes, depois e fora do quadro. Por fim, para este projeto, gostaria que você descrevesse uma cena iluminada pelo sol porque essa é a situação de iluminação que analisamos neste Faz mais sentido tentar isso em sua ilustração. Uma dica rápida aí. Lembre-se de que as cenas de luz solar incluem sombra. Freqüentemente, vejo estudantes tentando retratar a luz do sol, e parte disso é evitar a sombra, mas a presença de sombras é exatamente o que ajuda a vender a ideia da luz do Lembre-se de que você pode usar sombras estrategicamente como um dispositivo de enquadramento para seus personagens, como eu fiz Uma última dica, não se dê um limite de tempo para isso. Deixe a ilustração levar o tempo que for necessário para você. Você se tornará mais rápido com a experiência. Mas, no geral, é muito importante que você conclua seu processo. Se isso levar um dia , três dias ou uma semana, dê o tempo necessário. A coisa mais importante sobre esse projeto de classe é que você veja sua ideia evoluir de uma ideia abstrata para algo tangível e Tudo bem Esse é o projeto de classe número dois. Aproveite. 15. Como ser notado: Ok, então você tem algum trabalho em seu currículo e acha que está pronto para sair e tentar encontrar trabalho como artista profissional. Antes de tudo, parabéns. Isso por si só é um grande passo, e muitas pessoas podem ter dificuldades com a pergunta: como sei quando estou pronto para trabalhar? É impossível responder isso objetivamente. Mas o que eu gosto de fazer é olhar para o trabalho de alguém ou para o meu próprio trabalho e dizer: sou capaz de lidar com os vários aspectos que um trabalho pode acarretar Por exemplo, posso desenhar bem os personagens? Posso desenhar expressões faciais de forma confiável? Posso colocar esse personagem em um ambiente? Você sabe o que fizemos juntos nesta aula, se você pode abranger toda a gama dessas habilidades, ou se você quiser hiperfocar, se você puder usar a gama de apenas um conjunto de habilidades específico, como design de personagens, mas fazer com que personagens, os personagens girem no espaço, sendo capaz de desenhá-los em determinadas poses, por exemplo, então eu diria que você está pronto para você está pronto Agora, no que me diz respeito, existem duas maneiras principais de procurar trabalho. Uma é como freelancer, onde você trabalha em casa e consulta clientes e pessoas on-line para ver se consegue encontrar algum trabalho, ou dois, tentar encontrar trabalho em um estúdio de animação ou em qualquer tipo de estúdio , estúdio de publicidade, por exemplo, estúdio de cinema, estúdio de jogos, algum tipo de estúdio que faz arte e emprega artistas E esse é o caminho que eu tomei. Meu primeiro emprego aconteceu em 2004. Meu primeiro emprego remunerado, seja, e eu tenho uma pequena história para você. A forma como entrei na indústria foi, na verdade, com um emprego não remunerado Agora, quero parar aqui e dizer que não recomendo necessariamente trabalhar de graça. Na verdade, acho que hoje é meio desaprovado fazer isso e eu não faria isso Mas comecei minha jornada profissional, digamos, em 2004. Naquela época, o estúdio em que eu desenhava, a pessoa com quem me tornei amiga , uma pessoa que dirigia o estúdio, e ele estava procurando apenas um estagiário, alguém para ajudá-lo em alguns trabalhos de arte, mas também em alguns trabalhos de gerenciamento como dirigir sessões de desenho de vida e coisas assim Eu ainda era estudante universitário naquela época. Eu estava estudando cinema, tive tempo para fazer isso e também adorava estar naquele ambiente. Eu estava perto dele, podendo vê-lo trabalhar e ele me ajudaria com minha própria arte. Para mim, o benefício estava lá, e eu assumi esse papel. Eu trabalhei lá por cerca de nove meses, eu acho, antes de descobrir uma feira de empregos que estava chegando a Toronto, a cidade em que eu morava, e aquela feira de empregos era para um estúdio que ficava na mesma rua, na verdade, e eles estavam se preparando para um show animado Agora, porque eu tinha aquele emprego de estagiário não remunerado, a propósito, se você viu meu canal no YouTube, eu tenho aquele personagem de estagiário não remunerado, De qualquer forma, como venho fazendo arte e realmente curando meu portfólio há cerca de nove meses, fiz uma apresentação bastante sólida para mostrar ao diretor de arte naquela feira de empregos Resumindo, consegui esse emprego. Expandirei a história um pouco mais tarde nesta palestra, mas, por enquanto, consegui o emprego e foi assim que entrei no setor. O termo invasão é realmente adequado porque, quando você consegue seu primeiro emprego em um estúdio, repente você conhece centenas de artistas, centenas de artistas profissionais como você, que querem trabalhar na indústria E o bom disso, a vantagem disso é que, quando o trabalho está concluído, e talvez o estúdio tenha que demitir os funcionários porque eles não têm mais trabalho ou talvez tenham apenas algum trabalho, as pessoas vão para outros estúdios. E quando eles fizerem isso, supondo que você tenha sido uma boa pessoa com quem trabalhar, seu nome meio que estará na mente deles E para mim, o que aconteceu foi eu tinha um amigo que fiz naquele trabalho, foi para um estúdio chamado Novana, que é um grande estúdio em Toronto, E essa pessoa sabia que eu e Nel Vanna estávamos procurando um pintor de fundo e recebi uma ligação E esse é um tipo de rede natural gratuita que acontece quando você trabalha em um estúdio. Agora, fiquei no sistema de estúdio a partir de 2004 e acho que saí em 2013 ou algo parecido. Então, quase dez anos, eu estava no sistema de estúdio. E durante esse tempo, eu realmente não estava interessado em trabalhar como freelancer porque tinha um emprego das nove às cinco e fazia arte o dia todo no trabalho Não senti a necessidade de assumir mais, mas quando chegou a hora de me separar do sistema de estúdio, fiz isso porque era uma espécie de fluxo natural, porque conheci muitas pessoas em quase dez anos. Comecei a receber solicitações de freelancers de outros estúdios com os quais trabalhei antes ou, você sabe, de pessoas que me conheciam, você sabe, coisas do tipo amigo de um amigo Também comecei a ensinar coisas e a conseguir empregos dessa forma. Comecei a perceber: Ei, talvez eu pudesse fazer isso sem o fardo das nove às cinco Agora, das nove às cinco foi divertido por um tempo, mas sim, eventualmente, eu acho que posso fazer arte em casa. Talvez eu pudesse entrar nesse tipo de liberdade pessoal. Usei o contexto que tinha na época, consegui alguns trabalhos freelance apenas a partir do boca a boca que estava se desenvolvendo organicamente. Então, aqui estou eu hoje. 2024, estou gravando isso mais de dez anos depois disso. Eu ainda sou freelancer hoje. Quero dizer, a menos que algo catastrófico aconteça, eu nunca pretendo voltar ao sistema de estúdio, eu prefiro muito mais a coisa de freelancer Agora, muitos estudantes que conheci ao longo dos meus anos de ensino estão querendo começar como freelancers. E embora eu ache que isso é certamente possível, eu definitivamente acho que é mais difícil porque você não terá essa rede orgânica a seu favor. Então, a questão é como você galvaniza isso? Como você conhece pessoas? Você poderia fazer várias coisas, mas acho que a melhor, e isso é um pouco controverso, mas na minha opinião, essa é apenas minha opinião, é claro, acho que a melhor opção são as convenções de arte Mesmo se você for uma pessoa introvertida, o que eu sou. Confie em mim Você pode não saber disso quando estou falando com a câmera, mas estou sozinho em uma sala agora. Eu ganho energia quando estou sozinho. Acho que muitos artistas são assim. Mas em uma convenção de arte, você está cercado por pessoas que pensam como Todo mundo lá é como você, pelo menos no fundo, está interessado em arte e em criar coisas, que atrai as pessoas, e é muito fácil fazer amigos em convenções de arte Você nem precisa se sentar à mesa. Você pode simplesmente ser um participante Ou, se você quiser mostrar seu trabalho, receberá muitos comentários dessa forma. E você também fará amigos dessa forma com seus tapetes de mesa e talvez com pessoas que venham até sua mesa para conversar com você E lembre-se de que estúdios profissionais também costumam estar presentes em convenções de arte Portanto, você não apenas poderá interagir com colegas, mas também poderá conhecer potenciais empregadores Na verdade, consegui vários empregos no ano passado. Eu estava participando da Lightbox, que é uma convenção de arte popular em LA ou perto de LA É em Pasadena, Califórnia. Eu consegui dois empregos diferentes só por isso. E essas são pessoas que eu nunca conheci antes. Pessoas que encontraram meu trabalho e acompanharam vários meses depois, e eu estou trabalhando para elas hoje. Eu acho que é uma boa maneira de sair se você não tem experiência em estúdio, porque a realidade é que, se as pessoas souberem quem você é e puderem dar um rosto ao nome, é muito mais provável é muito mais provável que pensem em você, se lembrem de você ou considerem você quando precisarem fazer algo. Se eles precisam de alguma arte feita, se eles se referem a um cliente. Se um cliente precisa trabalhar, o primeiro pensamento que ele tem não é : Oh, quem é uma pessoa aleatória que eu possa encontrar on-line. A primeira pergunta que eles têm é: eu conheço alguém? Ou meu amigo Jim conhece alguém? Esse é o primeiro pensamento. Quer dizer, eu não posso te dizer quantas vezes as pessoas me perguntaram, como Marco, você conhece alguém que poderia fazer esse trabalho? Isso acontece o tempo todo. Vamos voltar à ideia de ter um portfólio. Esse é o ponto crucial de tudo isso. Sem uma forma de apresentar sua arte, você nunca será contratado de qualquer maneira. Um portfólio tem formas diferentes. A principal coisa que acho que muitos artistas fazem hoje é colocar seus trabalhos nas redes sociais, e você absolutamente deveria fazer isso. Coloque seu trabalho em qualquer plataforma de mídia social com a qual você se sinta confortável. E eu acho que é uma boa ideia material de mídia social coloque esboços, trabalhos finalizados, estudos, o que quer que você faça como artista, tente manter uma presença lá que lembre às pessoas que, ei, eu trabalho e as pessoas podem ver o conjunto geral do trabalho que você faz e as pessoas podem ver conjunto geral do trabalho que você No entanto, essa é apenas uma forma de apresentar seu trabalho e, na verdade, talvez não seja a melhor maneira de conseguir um emprego. Isso porque, ao apresentar seu trabalho a um cliente, você deseja dar a ele uma versão bem pré-digerida do que você faz Em outras palavras, você quer organizar seu trabalho para um cliente. Um cliente típico, especialmente se for um estúdio ou algo assim, não tem tempo para ler dois anos de postagens no Instagram e determinar em que você é bom. Você precisa dizer a eles com seu portfólio, um portfólio com curadoria, uma seleção curada de trabalhos, no que você é bom, o que você quer fazer Isso é material para um site. 16. Como ser notado (continuação): Vamos dar uma olhada agora no meu próprio site. Isso é makobc.com. Não consigo ser mais claro e direto do que isso. Acontece que estou na seção de trabalho pessoal no momento. Uma das principais coisas que você vê é que são miniaturas muito grandes nas quais você nem precisa clicar para apreciar totalmente Quer dizer, claro, eu poderia escolher um e clicar nele, e aí está um pouco maior. Também é bom ter essas setas para facilitar a rolagem. Mas você não precisa fazer isso. As pinturas são lidas nesse tamanho, e alguém pode ver meu trabalho pessoal e acho que tem uma boa noção do que eu faço. Por exemplo, estou muito interessado em cores, muito interessado em luz, gosto de desenhos animados Mas também há elementos de realismo, como neste aqui, e, claro, você pode clicar nele e vê-lo com mais detalhes, mas não muito altos Não quero que alguém possa imprimir isso, mas apenas o suficiente para que eles possam ter uma ideia do que eu faço. E simplesmente não parece oneroso ter que passar por tudo isso É uma experiência muito amigável. Talvez 30 pinturas lá. Tantas pinturas que dão um bom sentido ao que eu faço, e pronto. Claro, isso é cerca de 5%, talvez menos da minha produção geral, muito menos se você considerar todos os mais de 20 anos em que venho fazendo isso. Mas, como profissional, isso pode ser 3% ou 5% da minha produção. Portanto, são apenas as peças mais fortes ou as peças que você acha que melhor representam você. Agora, se você for para a seção profissional, é exatamente o mesmo layout. Mas é exatamente a mesma ideia. Você não precisa clicar necessariamente, mas isso dá uma ideia dos clientes para os quais trabalhei e dos diferentes projetos que fiz. Além disso, os diferentes estilos que, pessoalmente, acho que são uma força para mim. Sou capaz de fazer trabalhos mais realistas como esse, e trabalhos de desenho animado muito tradicionais como esses, e também trabalhos de desenho animado muito mais dolorosos, como esses E, você clica em um desses, por exemplo, esta é a capa de um livro que fiz para o livro Jungle, e você pode percorrer alguns posts detalhados Na verdade, gosto da maneira como isso é feito. Quando trabalhei, usei o WIC para criar meu site Esse foi apenas um dos modelos do WIC. WIX se escreve W X e eu ainda o uso até hoje. Eu realmente gosto disso. A quantidade de interação é mínima. Tudo está aqui em uma página. Eu realmente tento minimizar a quantidade de cliques que um cliente precisaria fazer para ter uma ideia do meu trabalho Na verdade, só precisa clicar em uma coisa, digamos, trabalho pessoal, por exemplo, e pronto. Você pode ver isso. Quero dizer, se você contar que um segundo clique o clique na barra lateral aqui para rolar, dois cliques e você terá uma ideia do meu trabalho Então, se você estiver interessado, você pode clicar em mais. Mas minimize os cliques e maximize a quantidade de trabalho que você mostra em uma página Sabe, eu tenho algumas coisas aqui. Isso é o que eu chamo de coisas mais finas. Isso é uma espécie de piada sobre arte plástica. Eu tenho uma loja onde tenho minhas aulas premium, e você vê mais algumas seções. Então eu tenho uma seção de contato clara. E em vez de ter um formulário, eu gosto de colocar meu endereço de e-mail ali mesmo. E sim, os bots de spam vão acabar com isso, mas eu acabo de lidar com O Google tem um bom filtro de lixo eletrônico. Gosto de colocar meu endereço de e-mail lá para que as pessoas possam digitá-lo, me enviar um e-mail diretamente e, claro, tenho meus links sociais aqui. Vamos clicar agora no meu Instagram e compará-lo, porque eu acho que são coisas muito diferentes. Observe que meu Instagram é, sim, você definitivamente pode ter uma ideia das miniaturas sobre isso também, mas o Instagram recorta as coisas em um quadrado, que não é totalmente propício para artistas, porque Está cortado. Olha essa. Seu rosto está cortado. Que eu saiba, não há como controlar isso. Além disso, como o Instagram não mantém a proporção, tudo está no mesmo quadrado. Parece que, em termos de composição, é muito barulhento. É muito difícil ter uma ideia de que, por exemplo, essa pintura aqui está totalmente recortada. É difícil ter uma ideia de como ler qualquer coisa porque você não consegue controlar o enquadramento Já no meu site, tudo estava enquadrado em sua proporção original, é por isso que você pode percorrê-lo livremente sem precisar clicar em nada Já no Instagram, especialmente se você estiver vendo isso em um telefone, essas miniaturas são muito pequenas, como tenho certeza de que todos conhecemos Você realmente precisa clicar em algo para carregá-lo e dar uma olhada. O Instagram é bom. Você está dizendo que o Instagram é um proxy para qualquer mídia social. Kara é nova agora e eu sou nova em Cara, então vou ter que postar mais lá, mas Facebook, estação de arte, o que você quiser fazer É bom para fazer posts como esse, anunciando que estou na Lightbox Eu nunca colocaria essa foto no meu site. Esta é uma postagem muito urgente. E a mesma coisa com coisas assim. Aqui está um pequeno esboço de caderno de esboços que eu faço depois do Lightbox Gosto de falar sobre isso, pequenos posts de diário em Pasadena, me diverti muito no Lightbox Aqui está um pequeno esboço de despedida. Não acho que esse esboço seja forte o suficiente para colocar no portfólio do meu site Sabe, eu fiz esboços melhores na minha opinião, mas é um bom post de prova de vida para um artista dizer: Ei, estou aqui, fazendo minhas coisas E eu gosto da ideia de que você pode combinar pequenos esboços informais como esses com algum trabalho profissional Este é o trabalho que fiz para a Wizards of the Coast em Magic the Gathering E é bom que você possa ter todas essas coisas. Não tem curadoria, que significa que não é o melhor para apresentação Porque um cliente vai ver isso. Vamos fingir que você não sabe quem eu sou, e você diz: “Bem, Marco faz essa capa de livro de lutadores, e então ele está fazendo uma pintura aérea de avião da cena da Califórnia da É legal que ele possa fazer isso, mas para que estou contratando ele? Eu, como cliente, tenho que fazer o trabalho para determinar se há uma prova de conceito aqui e ver, Marco vai trabalhar para esse trabalho? Isso é muito trabalho. Para a maioria dos clientes fazer. Eu trabalho partindo do pressuposto que as pessoas têm períodos curtos de atenção Infelizmente, acho que isso prova ser mais verdadeiro do que falso, especialmente hoje Portanto, um site é uma ótima maneira de pré-digerir tudo isso, pegar emprestada uma frase que usei anteriormente, pré-digerir tudo isso e mostrar cliente exatamente para o que você gostaria de ser Agora, nem é preciso dizer que seu trabalho também precisa ser bom. É por isso que você está fazendo esta aula. Você quer melhorar seu trabalho. Infelizmente, apenas ter seu trabalho à altura, a menos que você seja o melhor, não será suficiente. Você precisa de algo para ajudar a separá-lo, especialmente hoje com ferramentas como a IA, que, infelizmente, permite que ainda mais pessoas entrem em escolas de arte, expulsando alunos todos os anos Está muito mais saturado e, portanto, competitivo hoje do que quando comecei. Então, receio que seja uma notícia um pouco infeliz receio que seja uma notícia Mas acho que os princípios fundamentais de ser contratável ainda são tão aplicáveis hoje quanto eram quando comecei há 20 anos, ter um bom trabalho e ser capaz de fazer algum tipo Agora, é possível fazer networking online? Acho que é hoje, sim, muito mais do que era, novamente, há 20 anos. Hoje, você tem comunidades, como a discord, por exemplo, acho que é provavelmente a mais forte, pelo menos como eu registro isso aqui E a discórdia é boa porque é como uma forma de divulgar seu nome e apenas conhecer pessoas Por ser digital, tem uma pequena desvantagem: as pessoas ainda não conhecem seu rosto Quero dizer, colocar um rosto em um nome, quero dizer isso literalmente. As pessoas sabem como você é e como soa sua voz, e já conversaram com você pessoalmente. Ou seja, acho que sempre será mais valioso se você tiver os dois? Isso é ideal. Felizmente, as convenções de arte Não importa onde você more, você provavelmente conseguirá encontrar algo por perto, mesmo que tenha que voar até lá. Para mim, quando vou a convenções de arte, geralmente, eu voo até lá Estou voando para os Estados Unidos na maioria das vezes. Eu quero ir a algumas convenções de arte na Europa no próximo ano, por exemplo, mas espero que você esteja disposto a economizar algum dinheiro para chegar a uma convenção de arte Agora, isso me leva à próxima coisa porque acabei de mencionar dinheiro. Aqui estão alguns conselhos. Novamente, isso é apenas um conselho, você pode aceitá-lo ou deixá-lo. Tente não se pressionar para conseguir um emprego até uma determinada data. Não descarte nenhuma renda atual e diga: vou largar meu emprego, fazer arte e vou me dar dez meses para conseguir um emprego, não faça isso O mundo da arte, infelizmente, é volátil. Ele sobe e desce. Estúdios, produções e clientes estão sujeitos a todos os tipos de forças regulares do mercado Os investimentos são altos, depois os investimentos são baixos. Como durante a pandemia, os investimentos foram muito altos e havia muitas contratações em andamento no nível de freelancers. Depois da pandemia, alguns desses investimentos não estavam pena, então caíram. Ao registrar isso hoje, em junho de 2024, há uma baixa do mercado no momento, e acho que todo mundo está sentindo isso Eu estava no Lightbox em outubro, e estava meio que começando naquela época ou estava acontecendo naquela época , de qualquer maneira E muitos artistas, até mesmo grandes nomes diziam que está meio seco lá fora. Mas eu já passei por isso antes. Também estava seco quando comecei, e depois passei por pelo menos um ciclo de expansão e queda Então, tenho fé de que ele voltará. E esses são poderes além do seu controle, certo? Então, se você se der dez meses para encontrar um emprego, bem, se você não conseguir fazer isso e repente, perder renda por dez meses? Isso vai pesar para você e, como você provavelmente sabe desta aula, eu gosto muito de mentalidade positiva, e se você fizer coisas que podem resultar em uma autoderrota, esse tipo de coisa pode destruir sua mentalidade e, com o tempo, você pode ficar cansado Não se coloque nessa posição. Se você tem um emprego que lhe dá uma renda, eu realmente tentaria mantê-lo e tentar invocar um pouco de energia criativa antes ou depois disso Isso é o que eu fazia quando era estudante, eu tinha um trabalho de manutenção em um estúdio de cinema. Eu estava literalmente limpando o chão e acordava às 6:00 para ir para aquele trabalho e chegava em casa por volta das 4:00 e depois das 4:00, 4-10 ou o que quer que fosse, eu fazia arte Agora, eu era mais jovem e um pouco mais enérgico na época. Eu tinha uns 20 anos de idade. Mas naquela época, isso funcionou para mim. Consegui invocar essa energia. Agora, próximo conselho, você não precisa trabalhar em sua arte por horas e horas por dia. É ótimo se você conseguir reunir energia para fazer isso. Quando eu era mais jovem, eu era capaz de fazer isso, por exemplo, hoje, as coisas são um pouco diferentes para mim. Eu tenho uma família, tenho dois filhos pequenos, é muito mais difícil encontrar tempo para ficar nesta sala e ser criativo Eu reservo meus nove a cinco dias aqui, mas isso é meio que ocupado pelo trabalho. Quando se trata de trabalho pessoal, é muito mais difícil encontrar a hora certa para isso. No entanto, você não precisa gastar e não precisa se sentir culpado se não puder passar horas seguidas em seus próprios projetos pessoais. Eu diria que, desde que você consiga atingi-lo por 30 minutos por dia, no mínimo, você está bem. E quando eu digo por dia, tipo cinco dias por semana, quatro dias por semana, contanto que você possa colocar um pouco de impulso para trás, você está bem. Mesmo que sejam 30 minutos por hora, 2 horas, isso é ótimo. Duas horas é ótimo. Não espere que grandes períodos de tempo caiam em seu colo e você dirá: Oh, quando eu tiver esse tempo, vou fazer aquela história em quadrinhos Isso não vai acontecer. Você tem que fazer isso 30 minutos por dia. Se isso é tudo que você pode fazer, se você é um pai que trabalha, talvez 30 minutos por dia, você provavelmente encontrará esse tempo para aproveitar seu dia É assim que você faz as coisas. É assim que você cresce. Crescimento e desenvolvimento de habilidades, especialmente criativamente, têm a ver com impulso Você precisa desse impulso atrás de você. Vento nas suas costas, é assim que você avança. Ser bom em arte e aprimorar sua capacidade de expressar suas ideias criativas, não em um sprint Se você está realmente envolvido nisso, você precisa estar nisso por muito tempo, e o longo prazo é pouco por dia Talvez alguns dias você possa passar 3 horas nele, talvez aos domingos você possa passar 10 horas nele Talvez no dia seguinte, 30 minutos. Então, talvez por dois dias você precise de uma pausa. Pausas são ótimas. Isso lhe dá tempo para pensar sobre o que você está fazendo. Na verdade, hoje , encontro minhas melhores ideias criativas quando nem estou nesta sala. Esta é minha sala de execução. É aqui que eu executo minhas ideias. Muitas vezes, saio para correr ou simplesmente saio com meus filhos e, de repente, todas essas ideias começam a acontecer, como: Oh, eu poderia fazer isso aqui e isso aqui, e é aí que eu consigo minhas melhores coisas. Então, sempre que posso, venho aqui e depois executo. OK. voltando a alguns conselhos práticos No entanto, voltando a alguns conselhos práticos e encontrando trabalho Uma coisa que você pode querer fazer é apelar para um agente e solicitar que alguém profissional o represente. Esse é Kid Shannon, e essa é a agência que me representou por quase dez anos, Eu não estou mais com eles hoje, mas meu relacionamento com eles foi ótimo, e eles realmente me deram alguns dos meus maiores empregos, como Wizards of the Coast, por Um agente negocia em seu nome e, como você pode ver no site deles, eles exibem todos os trabalhos do artista sob sua bandeira Você tem algumas miniaturas bacanas aqui, nas quais um cliente pode facilmente pesquisar estilos apenas rolando Se encontrar um artista de que goste, obviamente, pode clicar e ver obviamente, pode clicar e ver Então, deixe-me mostrar o portfólio que enviei para Kid Shannon que me fez representar por eles Aqui está o PDF que enviei para eles. São 26 páginas. Veja, você acabou de ter informações de contato lá em cima, que não é mais meu número de telefone, a propósito. Eu tenho ilustrações que variam de personagens a ambientes, aqui está apenas um ambiente puro e aqui está um personagem puro Mas a maioria deles combina ambientes de personagens, como coisas assim. Você pode ver que eu só estou mostrando a eles o tipo de ilustração. Bem, A, eu acho que eles gostariam de me representar e B o tipo de ilustração que eu gosto de fazer. Acho que é notável falar sobre o que não está aqui. Por exemplo, como se a vida, o desenho não aqui ou os estudos fotográficos não estivessem aqui. Esses tipos de estudos são as coisas que você faz para praticar. Eu comparo isso a ir à academia treinar para um esporte. Em última análise, o que você está fazendo é se apresentar em seu esporte. As coisas que você faz na academia são todas preparatórias. Quando você faz estudos de desenho de vida, estudos fotográficos ou qualquer prática, essas coisas o beneficiam como artista. Mas o resultado final que você deseja mostrar a um cliente ou, nesse caso, um agente, são os frutos do seu trabalho. No final, eu me permiti algumas páginas de miniaturas Não são estudos, ainda são ilustrações conceituais, mas eu uso a seção para analisar diferentes estados de espírito, paletas de cores diferentes, etc Sim, eu poderia receber um e-mail para eles, o que significa que eles não esperavam um e-mail meu. Acabei de enviá-los do nada, e vou ler para você agora o e-mail para o qual escrevi Olá, Shannon Associates, LLC. Meu nome é Marco Bucci. Sou ilustradora com experiência que vai de livros ilustrados a animação e design de filmes Agradeço a qualidade dos artistas que Shannon Associates e Kid Shannon representam, e eu agradeceria muito sua consideração em relação ao meu trabalho em encontrar uma Meu projeto mais recente foi ilustrar um livro ilustrado da Disney Press para o xerife Kalis Wild West, que será lançado Antes disso, meu trabalho de ilustração inclui capas americanas e britânicas para o catálogo de produtos da Lego, Lucas Arts, ilustrações de videogame, bem como design de personagens e ambientes para muitas produções animadas de TV em Toronto Encontre uma seleção em PDF do meu trabalho anexada a este e-mail. Além disso, você pode ver meu site em www.marcab.com. Obrigado pelo seu tempo e espero ouvir de você conforme sua conveniência. Sim, esse era o meu e-mail, e eles estavam interessados no meu trabalho e me representavam. Mas antes de concordarem totalmente com isso, eles queriam que eu concluísse um teste, um exemplo de resumo do projeto que um cliente poderia fornecer. Essa foi a ilustração que resultou disso. Muito parecido com essa classe. São dois personagens envolvidos em uma história narrativa. Eu imaginei uma dupla de entregadores de espaguete, essa foi A propósito, eu ainda quero produzir um livro sobre isso. Talvez eu faça isso um dia. O agente gostou muito. Eles fizeram algumas revisões para mim porque naquele momento, eu nunca havia trabalhado com livros infantis antes Eles queriam que eu esclarecesse os personagens e o texto. Antes disso, eu tinha muito mais árvores e mais pinceladas por trás dos personagens e por trás do Eu apenas limpei isso para garantir os caracteres e o texto fossem lidos com muita clareza. No entanto, eles aceitaram o trabalho e eu estava no site deles. Eu atribuo a essa agência muitos empregos, mas não só isso, muitos contatos, para os quais eu ainda trabalho hoje. Essas são as ações que tomei para me aprofundar ainda mais no setor. Espero que esta seção tenha lhe dado ideias de ações que você pode tomar. Acho que uma dica final aqui é que eu não recomendaria divulgar eu não recomendaria divulgar seu portfólio para clientes e agentes, especialmente agentes, até que você sinta que tem dez a 20 imagens sólidas que você acredita plenamente que representam você de forma ideal Especificamente, os agentes classificarão você rapidamente e, se você enviar a eles um portfólio aleatório ou algo que não esteja totalmente concluído, eles provavelmente se lembrarão seu nome pelos Portanto, não recomendo consultar um agente até que você tenha, novamente, cerca de dez a 20 pinturas sólidas que representem totalmente suas capacidades Tudo bem, isso resume tudo para esta seção. Vamos passar para algumas considerações finais. 17. Considerações finais: Parabéns. Nós terminamos a aula. Espero que esta aula tenha ajudado você a aprender a importância dos fundamentos necessários para trabalhar profissionalmente como artista E espero que a aula tenha lhe dado a inspiração para continuar. Continue progredindo. Continue dedicando seu tempo porque vale a pena. Gostaria de lembrar rapidamente que, se você está lutando com algum aspecto de sua arte, desenho, pintura, cor, luz, qualquer coisa, provavelmente faltam seus fundamentos, não a qualidade de suas ideias Não importa de que aspecto da vida você venha, você trará consigo todos os tipos de ótimas ideias que estão apenas esperando para serem realizadas, nas quais as pessoas hesitam quando os fundamentos não estão ajustados o suficiente para transmitir sua visão de forma adequada É aí que entra essa aula. Espero ter lhe dado as ferramentas para praticar vários fundamentos para que , em última análise, você possa usá-los para expressar o que está dentro de você e que possa fazer isso de uma forma profissional que talvez ajude a angariar trabalho no futuro Aqui no Skillshare, temos uma ótima plataforma para feedback Publique seus projetos na galeria de projetos abaixo. Fazer isso vai ajudar todo mundo, você, eu e todos os estudantes. Podemos ver o que você fez. Você pode ver o que outros estudantes fizeram, e tudo isso se junta e inspira as pessoas, e provavelmente também receberá ótimos comentários de fontes talvez até Por favor, publique seu trabalho. Todos nós adoraríamos ver isso. Neste momento, acho que a última coisa a dizer é adeus, obrigado, boa sorte e divirta-se Aqui é Marco Bucci assinando, e nos vemos em outra aula