Como estruturar a cena perfeita: a chave para escrever roteiros melhores

1. Introdução ao curso: Olá, pessoal. Meu nome é Simone Ordanova e sou uma diretora roteirista premiada com qualificações Eu adoraria contar tudo sobre minha jornada, mas o que eu realmente quero fazer é mostrar como você pode implementar tudo o que aprendi em seus próprios scripts. Eu já cobri o lençol de praia de Blake Snider , que decompõe a estrutura de um roteiro E neste curso, discutiremos a estrutura de cada cena individual. A estrutura é a base da sua história, assim como cada uma de suas ideias é a base do setor. E este curso detalhará não apenas qual deve ser a estrutura de cada cena individual, mas também falaremos sobre técnicas que você pode aplicar às suas cenas hoje para melhorá-las. Trabalharemos juntos detalhando cenas de filmes icônicos famosos e ajudando você a escrever sua própria cena. Se você está apenas começando ou quer refinar seu conjunto de habilidades, este curso foi desenvolvido para tornar o roteiro acessível e divertido Você sai com uma sólida compreensão de como estruturar suas cenas e como dar vida às suas ideias. Se você está pronto para levar sua narrativa para o próximo nível, junte-se a mim neste curso, onde detalhamos estrutura da cena e mostramos como usá-la de forma eficaz em sua própria escrita 2. Projeto: O projeto para este curso é muito simples. Você só precisa baixar este documento aqui e preenchê-lo. Eventualmente, isso ajudará você a criar sua cena. O que vamos fazer é que você precise ter sua ideia para uma cena que queira escrever até o final. Uma cena que faz parte de uma história maior. Você não precisa ter todos os detalhes da sua história, mas precisa ter uma ideia do que será sua história. Mas no final de cada aula, vou fazer algumas perguntas. Podemos estar analisando filmes eficazes ou cenas icônicas eficazes ou podemos estar fazendo perguntas sobre as cenas que você está escrevendo atualmente. Pense em cada uma dessas perguntas e preencha-as nesta folha. Vou mostrar cada momento e cada etapa da escrita de uma cena eficaz. Idealmente, você deve escrever sua cena ao longo deste curso. Você pode assistir a essa lição específica a qualquer momento. Você pode começar com isso, você pode escrever sua cena completamente. Então, à medida que aprendemos coisas sobre escrever uma cena e a estrutura da cena, você pode ajustá-la, editá-la e revisá-la para torná-la Ou, alternativamente, você pode assistir ao curso inteiro e depois retornar ao vídeo do projeto e eu explicarei como escrever sua cena. O que funcionar melhor para você, mas o ideal é que, ao final disso, você tenha uma cena finalizada de três a 5 minutos, então pense em duas a cinco páginas de texto escrito. Neste PDF, você tem algumas perguntas que precisam ser respondidas porque essas perguntas são o que o guiará para tornar sua cena eficaz e significativa. Depois de responder a essas perguntas, você pode começar a escrever suas cenas. Tudo o que você realmente precisa é de um software de escrita de scripts. Existem muitos livros gratuitos disponíveis on-line, ou você pode simplesmente escrevê-los em um pedaço de papel. Seja qual for a sua escolha, não se esqueça de enviar seu trabalho aqui no Skillshare para que eu possa lhe dar um feedback e tornar suas cenas 3. O que torna a estrutura de cena importante?: Olá, pessoal. Obrigado por se juntar a mim e bem-vindo a este curso. Hoje, vamos direto ao assunto e mergulharemos no mundo da estrutura da cena. Vamos começar com a base da narrativa, como estruturar uma cena convincente Como sabemos, a estrutura não é um evangelho, mas existe por uma razão. Aristóteles criou a estrutura para qualquer peça de escrita dramática no grego antigo e, desde então, qualquer obra de arte que você veja, você poderá encontrar aquela estrutura que ele delineou há tantos No texto que você está vendo. Evidentemente, há algo para estruturar e, assim como toda história tem uma estrutura, cada cena tem uma estrutura muito básica que você precisa seguir se quiser que tenha sucesso e você pode estar pensando : Oh, Deus, agora ela vai me dar um conjunto de regras muito rígidas e rápidas que eu preciso seguir o que quer que eu faça Esse não é o caso. Eu vou te dar uma estrutura muito simples e muito básica. Se você pensar bem, verá que cada cena que você já viu em sua vida se encaixa perfeitamente nessa estrutura. Isso se for bem feito. Sem mais delongas, vamos ver o que é essa estrutura básica de cena para que possamos aprender como usá-la em nossa própria escrita. Cada história é construída a partir de uma série de cenas. Cada uma dessas cenas é uma mininarrativa por si só e faz a trama avançar. Estou feliz que você tenha vindo. Espero poder resolver tudo. Mas o que exatamente faz uma cena funcionar? Não importa se é um momento silencioso de reflexão ou uma sequência de ação de alto risco Cada cena tem três componentes principais. Começamos com a configuração, depois passamos para o conflito, e isso acaba nos à resolução da cena. Se você pensar bem, a estrutura de uma única cena é muito semelhante à estrutura básica de uma história porque, na verdade, uma cena é uma mini-história, um minicosmos do que a história realmente trata A estrutura da cena e a estrutura da história. Na verdade, são muito parecidos entre si. Um deles, é claro, tem a visão geral, a ideia maior, a ressonância temática Mas uma cena ainda tem essa ideia de montar algo, chegar à parte principal da história, à essência dela, que é o conflito, e depois alguma resolução. Você já deve ter ouvido falar que essa resolução na estrutura da história é um desenlace, uma desvinculação Vamos examinar o que cada uma dessas coisas envolve. O que torna uma cena eficaz? Para responder a isso, começaremos perguntando o que torna uma cena atraente Porque uma cena eficaz é sempre atraente. Isso sempre nos atrai, nos faz querer mais, e uma ótima cena faz mais do que apenas mostrar personagens conversando ou se movimentando. Como acabei de dizer, isso envolve seu público. Ele serve à história geral e revela algo novo sobre os personagens ou avança na trama. Idealmente, você pode fazer todas essas coisas em uma cena. Agora, vamos dar uma olhada em alguns exemplos. Você provavelmente já viu tudo o que estou falando em seus filmes favoritos. Agora, uma ótima cena é aquela que prende o público com tensão, curiosidade ou emoção E seja dramática ou alegre, cada cena contribui para o dinamismo de sua história Eu vejo o chão com força, sim. Acha que será no início da primavera? Não fizemos isso ontem? Eu não sei o que você quer dizer. Não mexa comigo, pobre Chop. Que dia é esse? É 2 de fevereiro. Dia da Marmota. Sim. Desculpe. Sabe, pensei que fosse ontem. Ah. Agora, o básico de uma estrutura de cena pode ser dividido nas três partes que mencionei anteriormente Primeiro, temos a configuração, onde estabelecemos quem, onde, quando, você sabe, você configura o mundo. Você me dá o cenário, onde estamos, quem está falando. Por que eu deveria me importar? Em seguida, temos o conflito. É no conflito que entra a tensão. Essa é a essência da cena, assim como o conflito é a essência da sua história geral. É onde acontece algo que desafia seus personagens. E, finalmente, chegamos à resolução. Esta é a recompensa da cena, se você quiser. É aqui que a tensão imediata é resolvida, então a tensão da cena, especificamente, não necessariamente de toda a história abrangente, mas também é aqui que você abre a porta do que está por vir na próxima Você pode prenunciar isso. Você pode me dar um vislumbre de algo que vai acontecer da tensão que verei no futuro Pense nisso como uma mini história. Na configuração, você atrairá seu público para o seu mundo. Então, no conflito, você lhes dará um motivo para continuarem investindo e, na resolução, você recompensará a atenção deles. Ao fazer isso, você também sugerirá o que está por vir, o que resta da sua história O que mais podemos esperar? Algo muito importante que eu não posso deixar de cobrir. É por isso que a estrutura da cena é tão importante. Imagine um filme em que cada cena é apenas eventos aleatórios sem absolutamente nenhuma direção clara. As coisas simplesmente acontecem, nós as esquecemos, seguimos em frente e depois voltamos. Isso não pareceria desarticulado para você? Tipo, não havia nenhum pensamento nisso, como se ninguém soubesse o que eles estavam fazendo quando estavam escrevendo isso. Agora, uma cena bem estruturada não existe sozinha. É como uma peça de um quebra-cabeça que se encaixa perfeitamente no panorama geral da sua história. Não é um minifilme. Por si só, é algo que serve um propósito maior para a mensagem que você está tentando transmitir, e é exatamente isso que você precisa fazer. Suas cenas precisam estar conectadas umas às outras e a melhor maneira de conectá-las é utilizar a estrutura da história e a estrutura da cena. Porque ninguém se importa com uma história desconexa. Ninguém quer ver um despejo cerebral. Todo mundo quer pensar que o roteirista é esse gênio que pensa em todos os ângulos. Esse é o seu trabalho. Pegue a estrutura da cena, coloque-a em sua escrita, e é isso que você vai criar. Você vai fazer com que o público sinta que você sabe o que está fazendo, porque você saberá. Agora, vamos dar uma olhada no Cavaleiro das Trevas, por exemplo. Cada cena se baseia na última, aumentando os riscos e revelando novas camadas dos personagens e da trama É por isso que dominar a estrutura da cena é fundamental. É assim que você mantém seu público envolvido do início ao fim Vamos falar sobre o que faremos no futuro aqui. Vamos detalhar a anatomia de uma cena. Exploraremos cada parte das cenas em detalhes, desde como você configura os personagens, como configura as apostas até como aumenta a tensão, como aumenta o conflito e, finalmente, como conseguir a recompensa satisfatória Explicaremos como estabelecer contexto e personagens, como criar tensão e drama, como reunir tudo isso. Discutiremos técnicas para fazer a transição entre as cenas Falaremos sobre como equilibrar ação e diálogo em sua cena Falaremos sobre erros comuns. Eu vou te dizer como evitá-los e, ao final deste curso, você ainda terá a opção de criar sua própria cena. Então, quando terminarmos este curso, você terá todas as ferramentas para criar mais do que apenas cenas eficazes. Você terá as ferramentas para tornar suas cenas absolutamente inesquecíveis. Espero que você esteja pronto para mergulhar porque estamos começando agora. 4. Configuração: estabelecendo o contexto: abordamos o básico sobre o que é a estrutura da cena e por que ela é tão importante, é hora de mergulhar no primeiro elemento-chave, a configuração É aqui que sua cena realmente começa. É aqui que você estabelecerá as bases para tudo o que está prestes a se desenrolar na cena Dependendo da cena que você está escrevendo, pode ser aqui que você está preparando as bases para todo o filme O que você precisa lembrar desde o início, essa coisa crucial que você precisa saber para o resto do seu trabalho é que a configuração é o que atrai o público É isso que prepara o cenário para a ação que está por vir. O que é uma configuração? É aqui que você pode estabelecer quem estamos seguindo nessa cena específica, onde estamos em termos de cenário, hora e local. Quando isso está acontecendo? É um flashback Isso está acontecendo agora? É durante a época vitoriana É em um futuro distópico? É em um mundo mágico? É aqui que estabelecemos o contexto da cena. É aqui que você também define o tom e o clima. É aqui que você vai nos contar ou nos mostrar melhor. Como precisamos sentir qual é a atmosfera da cena É aqui que você fornecerá o contexto essencial de que precisaremos para o conflito eventualmente. Se o seu conflito é entre um casal e o marido acha que a esposa está traindo, a configuração é um bom lugar para sabermos que ele suspeita dela Porque se ele entrar e sair de cara , você está me traindo, isso é um pouco estranho Mas se ele olhar para o telefone e ver uma mensagem de outro cara dizendo: Ei, estou dormindo com sua esposa, então temos a configuração. Sabemos que ele vai confrontá-la quando ela chegar em casa. Então, quando ela chega em casa, sabemos que esse será o conflito que esperávamos Essa é a parte essencial, o contexto de que precisaremos para entender por que o conflito é tão importante. A configuração consiste em estabelecer quem, onde e quando você viu? Isso dá ao público um contexto essencial. Sobre onde os personagens estão, o que está acontecendo, por que isso importa. Sem essa base, sua cena pode parecer desorientadora ou Mas não se trata apenas de fornecer informações ao seu público. Essa é sua chance de criar intrigas para atrair seu público e dar a ele motivos para se preocupar com o que vai acontecer a seguir Uma ótima maneira de fazer isso é omitir informações e não nos contar tudo o que poderíamos As melhores configurações são sutis, mas ainda estão repletas detalhes que sugerem o que está por vir Agora, quais são os principais elementos de uma configuração? Precisamos saber quem está nessa cena. Onde eles estão? Quando isso vai acontecer? Como é a atmosfera? E o que está em risco? Mesmo que o que está em risco não esteja bem na nossa frente. Primeiro, você tem seus personagens. Quem está nessa cena? Esta é sua chance de reapresentar seus personagens ao público uma forma que os lembre de quem eles são Ou se é a primeira vez que os conhecemos, essa é sua chance de estabelecer a identidade desse personagem. Até mesmo um detalhe rápido pode me dar um senso de personalidade ou motivação. Se seu personagem entra em cena alinhando canetas e papéis, sei que ele tem um pouco de TOC Eu sei que eles são detalhistas. Essas são coisas sobre seu personagem que eu obtenho instantaneamente apenas com esse detalhe. Em Os Caçadores da Arca Perdida, quando conhecemos Indiana Jones pela primeira vez, temos uma noção clara do personagem por meio de suas ações, sua confiança e o perigo que ele enfrenta Sabemos imediatamente que esse cara é engenhoso, corajoso e está acostumado a lidar com situações difíceis Em seguida, temos a localização. Onde estão seus personagens? O cenário desempenha um papel importante na forma como a cena se desenrola. Estamos em um escritório apertado? Estamos em um campo de batalha aberto? Estamos em uma casa familiar tranquila? Obviamente, cada um desses ambientes afeta o humor, o comportamento dos personagens, nossas expectativas. Diga-me onde estamos. Pense em qual situação, qual cenário é o melhor para a cena que você deseja criar. O que criará a maior intriga? Vamos dar uma olhada em um Blade Runner. O cenário aqui é tão importante quanto os personagens. A cidade escura e cheia de chuva imediatamente define o clima e diz ao público que eles estão em um mundo sombrio e futurista, onde sobreviver Além disso, sei que esses dois exemplos são filmes de Harrison Ford, mas vamos simplesmente ignorar meu preconceito óbvio em relação a ele e seguir em frente É hora do terceiro elemento. Quando sua cena vai acontecer? É de manhã cedo? É tarde da noite? É algo intermediário? A hora do dia pode nos dizer muito sobre o clima e o que os personagens gostam. Pense em como é uma cena tranquila do nascer do sol em comparação com um confronto tenso à meia-noite Isso seria muito diferente porque o clima que você define é muito diferente e você pode definir o clima com a hora do dia. nascer do sol pode dar um tom pacífico e esperançoso, enquanto uma cena noturna pode parecer mais perigosa ou cheia de suspense tempo não é apenas um pano de fundo, é algo que contribui ativamente para o clima e os riscos de sua cena E por falar em humor, tom é o ingrediente final em que você precisa pensar. Prepare-se para uma cena dramática e intensa, ou talvez algo mais leve e descontraído. Seu tom define a expectativa do seu público, então você precisa acertar Pense no que você quer contar. Como você quer que seu público se sinta? Essa é a sua pergunta principal. Você quer que eles se preocupem? Você quer que eles se sintam relaxados? Eles deveriam se sentir em casa? Eles deveriam estar confortáveis? Defina seu tom de acordo com o que você deseja alcançar. Agora, o Grand Budapest Hotel, de West Henderson, imediatamente define um tom peculiar e alegre com suas cores vibrantes e diálogos suas cores vibrantes O público sabe desde a primeira cena que está prestes a fazer algo divertido e divertido Então você não precisa me dizer qual é o seu tom. Você precisa mostrar isso para mim. Use seu diálogo, seu cenário, as cores, a dinâmica do personagem para mostrar o tom desse filme e, o mais importante, da cena em si. Brett com aquele boné, Anathor. O prazer é meu, Heschn O Strassbster. Isso não é aceitável. Eu concordo totalmente. Educação. Estudei leitura e ortografia Comecei minha escola primária quase Educação. Zero. Agora explodiu. Bom dia, Cícero. Ligue para o GodmPlumber Esta tarde, Monsieur iste. Isso falhará se um ***. Agora não. Família? Desi E, finalmente, minha parte absolutamente favorita, as apostas. Mesmo na configuração, deve haver uma noção do que está em risco para os personagens. Pode ser algo absolutamente enorme, como vida e morte, ou pode ser algo menor, mas ainda significativo. Até mesmo apostas sutis podem manter o público viciado. Mas o que posso prometer é que nenhum público ficará viciado em nenhum risco O público entra para ver o drama. Sem riscos é igual a nenhum drama. Um bom filme, uma boa cena sempre nos proporcionarão riscos Em um lugar tranquilo, até os momentos mais silenciosos têm riscos enormes, um movimento errado, um som e a vida do personagem está É isso que faz com que cada cena pareça tão tensa. É por isso que o público está constantemente nervoso porque tudo pode dar errado a qualquer segundo. Agora que detalhamos os principais elementos de uma configuração, vamos dar uma olhada em alguns exemplos em que esses elementos se juntam para criar uma cena de abertura muito poderosa. No início, a cena de abertura define imediatamente o mundo, os personagens e as apostas Você entende a complexidade do roubo dos sonhos e o perigo envolvido Você está aqui para me roubar ou embora estejamos realmente dormindo Eu saio, temos um claro senso de tom. Algo parece estranho, mesmo que ainda não tenhamos certeza do que é. **** é que eu estava prestes a ir, mas não posso. Não é o dia. Eu não. Você sabe como eles gostam de cuidar da minha parvoíce aqui, cara. Em casa. Vá lá, manos. Sim. E você. Redondo. Então, dê diversão aos fazendeiros. Em Jurassic Park, a cena de abertura estabelece as apostas imediatamente com uma introdução aterrorizante ao poder dos Para recapitular o que dissemos agora, uma configuração sólida é a base de cena e você precisa estabelecer seus personagens, o local, a hora, o tom e os riscos, ao mesmo tempo tom e os riscos, em que atrai seu público e faz com que eles se importem com o que está por vir Tão fácil, certo? Mas não se preocupe. Quero que agora pense na cena de abertura de um filme que você adora e a descreva. Quem são os personagens? Qual é a configuração? Qual tom é estabelecido e quais são os riscos Só na cena de abertura. Este exercício ajudará você a identificar os elementos que discutimos hoje e a ver como eles funcionam juntos para criar uma configuração atraente Agora, da próxima vez, exploraremos o segundo elemento-chave de uma ótima cena, o conflito, então fique ligado 5. Conflito: criando tensão: Já falamos sobre a configuração, como estabelecer as bases de sua cena incrível. Agora, vamos abordar um dos elementos mais importantes que mantêm seu público engajado. Raspe isso. O elemento mais importante que mantém seu público envolvido no conflito. O conflito é o motor que impulsiona você, viu. É a tensão entre duas forças opostas, sejam dois personagens , uma discussão acalorada, um personagem versus seu ambiente ou o conflito interno dentro do personagem real O importante é que, sem conflitos, posso prometer que a cena fracassará. Toda grande cena tem o conflito em sua essência. É o que dá ao público um motivo para continuar assistindo. Seja um conflito físico, emocional ou psicológico, é o que faz com que os riscos pareçam reais Existem três tipos principais de conflito personagem contra outro personagem, personagem versus seu ambiente e personagem contra si mesmo. Vamos dividi-los. Personagem versus outro personagem é o tipo mais comum de conflito, especialmente em dramas ou filmes de ação Esse é um confronto entre duas pessoas que querem coisas diferentes, ou querem a mesma coisa, mas querem alcançá-las de maneiras diferentes Isso pode ser tão intenso quanto uma briga física ou pode ser um desentendimento muito sutil durante o jantar Não importa. A chave é que os dois personagens estão buscando ativamente objetivos opostos ou o mesmo objetivo de maneiras diferentes Na noite escura, que é um exemplo que dou com frequência, o conflito entre Batman e o Coringa é mais do que físico É ideológico em sua essência. Batman quer proteger Gotham, enquanto o coringa quer mergulhá-la no caos Suas cenas são eletrizantes porque cada uma delas está determinada a deter a outra. Você não tem nada que me ameace. Não tem nada a ver com isso. Em seguida, temos o personagem versus seu ambiente. Esse é o tipo de conflito em que o personagem está lutando contra forças externas. Muitas vezes, isso é a natureza, mas também pode ser a sociedade ou um ambiente físico que ameaça sua sobrevivência Em um nível de cena, você pode ver isso em todas as cenas do marciano Mark não está enfrentando um vilão aqui. Ele está lutando contra o ambiente hostil do próprio Marte. A paisagem árida, os recursos limitados e o isolamento criam uma tensão constante para ele. Então, cada cena é sobre sua sobrevivência. Agora, finalmente, temos caráter versus eu. Isso significa caráter versus si mesmo. Isso é um conflito interno. É meu favorito pessoal e, na minha humilde opinião, longe o tipo de conflito mais poderoso É quando o personagem está lutando com seus próprios pensamentos, suas próprias emoções ou suas próprias decisões Geralmente é mais sutil, mas geralmente tão poderoso quanto o conflito externo. Em Black Swan, a batalha de Nina é interna. Ela está dividida entre seu desejo perfeição e o medo de perder o O conflito é inteiramente psicológico, mas é tão emocionante quanto qualquer luta externa seria Agora, o conflito por si só é bom, mas grandes cenas aumentam os riscos, o que significa que, à medida que o conflito aumenta, as consequências se tornam cada vez mais O que acontece se o personagem não vencer a discussão em que está? Se eles não escaparem do prédio em chamas. O que está em risco? O que eles podem perder? Gosto de pensar nos roteiristas como pessoas que às vezes podem ser más Você precisa criar o pior cenário possível para seu personagem e, se puder, colocá-lo exatamente nesse cenário. Mostre a eles o que eles podem perder. Ao construir seu conflito, você também precisa aumentar a tensão. Certifique-se de que as apostas aumentem à medida que a cena avança. Isso mantém seu público nervoso. Isso aprofunda o investimento emocional deles no resultado e, por fim, torna sua cena muito melhor Na Mac MacFury Road, cada segundo de uma cena de perseguição aumenta as apostas Os personagens não estão mais fugindo. Eles estão lutando por suas vidas. Os riscos são os mais altos possíveis, e cada obstáculo torna a situação mais terrível Agora vamos falar sobre o diálogo. Falaremos sobre o papel do diálogo e da ação mais tarde neste curso. Mas em muitas cenas, conflito se desenrola por meio do que os personagens dizem e, mais importante, por meio do que eles não dizem. Usar seu diálogo para aprimorar seu conflito é o melhor caminho a percorrer. O diálogo pode criar tensão por meio de subtexto, mal-entendidos ou Para aqueles que não conhecem o subtexto, é o que não foi definido, os personagens não dizem, mas o que eles realmente Mal-entendidos são coisas que criam tensão por meio da Sempre que os personagens não estão na mesma página porque entenderam o que a outra pessoa estava tentando dizer a eles, isso pode facilmente criar tensão Isso pode facilmente aumentar as apostas para você. E o confronto acontece quando temos objetivos diretamente opostos se chocando Geralmente é quando os personagens discordam abertamente. Muitas vezes, os confrontos são discussões, pessoas gritando Mas, na minha opinião, o melhor conflito vem do subtexto, que está implícito, e não do que está declarado abertamente Obviamente, isso pode surgir de mal-entendidos em que personagens trabalham com propósitos diferentes sem perceber Mas, pessoalmente, sou um grande defensor do subtexto. Agora, na história de Marat, grande parte do conflito entre Charlie e Nicole foi dita. Não é dito Mesmo em momentos de silêncio, suas linguagens corporais, suas expressões nos dizem que eles estão profundamente em desacordo. É uma aula magistral o uso do subtexto para criar tensão e eu recomendo que , se você quiser usar o subtexto, assista ao filme Primeiro de tudo, eu amo minha mãe. Ela era uma mãe maravilhosa. Repetindo o que você me disse. Em segundo lugar, como você ousa comparar minha maternidade com minha Agora, como usamos o contexto para impulsionar a história? Antes de tudo, lembre-se desse princípio fundamental. O conflito não é apenas uma questão de tensão naquele exato momento. Trata-se principalmente de levar a história adiante. Portanto, cada cena deve deixar seus personagens alterados de alguma forma. Mesmo que não vençam o conflito, talvez aprendam alguma coisa. Eles podem perder alguém ou alguma coisa. Talvez eles mudem sua visão de mundo. O importante é que seu personagem não seja estático. Seu personagem deve mudar a cada cena. Eles deveriam estar crescendo ou deveriam estar caindo em espiral. Mas seu personagem precisa ser desenvolvido. Ao final da cena, seu personagem deve estar em um lugar muito diferente de quando a cena começou. Isso pode ser emocional, mental ou mesmo fisicamente em um lugar diferente Mas o conflito é o catalisador da mudança, então, por favor, use seu conflito para criar uma mudança Agora, vamos dar uma olhada em mais alguns exemplos de cenas causadas por conflitos para ver como esses elementos se unem. Na rede social, vemos um conflito intelectual entre Mark Zuckerberg e seus rivais. É seu único amigo. Em gladiador, é um conflito físico de vida ou morte entre Maximus Eu terei meu venyar nesta vida ou na próxima. Em Whiplash, é uma guerra psicológica entre um aluno e Em cada caso, as apostas aumentam e os personagens mudam para sempre com esse confronto Em resumo, o conflito é a força motriz por trás de cada grande cena. Seja um confronto entre dois personagens, uma batalha externa com ambiente ou uma luta interna com eles mesmos, conflito é o que aumenta os riscos e mantém o Adoro aprender com ótimos exemplos. Por favor, encontre um filme ou programa de TV em o conflito se destaque para você em uma cena específica e depois explique-o. Pense em qual é a origem desse conflito, como ele aumenta e como os personagens mudam até o final da cena Porque se você conseguir entender como os profissionais fazem isso, você poderá fazer isso melhor sozinho. Até agora, abordamos a configuração, aumento da tensão e o conflito mais importante em uma cena. Agora é hora de falar sobre a resolução. Esse é o momento em que tudo compensa. Assista à próxima lição e vamos mergulhar nela juntos. 6. Resolução: pagamento e propósito: Agora que falamos sobre a configuração, como criar tensão e como escrever um bom conflito, é hora de falar sobre a resolução, a recompensa, o desenlace de uma história inteira, mas apenas nos limites de O que essa cena está levando a isso é o que estamos falando hoje. O que você precisa saber é que cada cena precisa de alguma resolução. A resolução é o momento em que o conflito que está se formando chega ao auge ou encontra um fim. Veja, isso é muito importante. Você não precisa nos dar todas as respostas para todas as perguntas que você fez na cena. Em vez disso, o que você pode fazer é apenas nos mostrar que obteremos essa resolução, essa clarificação de todas as respostas Não importa se seu personagem ganha ou perde. O que a resolução definitivamente precisa fazer é parecer a progressão mais natural do conflito e da configuração Portanto, precisa parecer orgânico ao que aconteceu até agora. Precisa parecer uma maneira sensata de acabar com o que você está construindo nessa cena Sem uma resolução sólida, sua cena pode parecer absolutamente incompleta. Deixe-me reformular isso Sem uma resolução sólida, sua cena parecerá incompleta. A resolução é o que deixa o público satisfeito ou, em alguns casos, é isso que faz o público querer mais. É isso que os mantém lá. É isso que prende a atenção deles até chegarmos à próxima cena. Isso acontece porque eles já viram o resultado da configuração e do conflito. Eles viram a que essas duas coisas levaram. Agora eles querem saber como isso vai acabar. Existem alguns tipos diferentes de resoluções. Você pode ter uma vitória ou uma derrota, você pode ter um compromisso ou uma mudança. Você também pode ter um penhasco ou um mistério e, claro, pode ter uma recompensa emocional Agora vamos detalhar esses quatro tipos. A primeira é a vitória ou a derrota. Este é bem simples. É quando um personagem ganha e o outro perde. Esse é um resultado muito clássico e pode ser muito satisfatório quando você o faz da maneira certa Vamos dar uma olhada em uma cena combinada de Rocky. Nesse caso, essa é a resolução não apenas da cena, mas da história como um todo Acontece depois de uma épica luta de boxe. O importante aqui é que nosso personagem principal, Rocky, não vença a luta, mas ele vença de uma maneira diferente Ele prova para si mesmo que pode percorrer a distância. Esta é uma resolução com camadas de vitória e derrota. Você tem Rocky que perde a luta, mas ele muda. Você pode ver uma progressão do personagem. Então ele vence não fisicamente, mas emocionalmente e pessoalmente Essa é uma maneira muito poderosa de estruturar sua cena de vitória ou derrota , porque você tem as duas, e isso mostra Rocky como uma pessoa emocionalmente inteligente Em seguida, há comprometimento ou mudança. É quando nenhum dos lados consegue exatamente o que queria, mas existe alguma forma de entendimento mútuo ou talvez um personagem evolua em resposta ao conflito Isso é semelhante ao que vimos com Rocky na cena anterior Mas agora vamos dar uma olhada no padrinho. resolução de Michael Corleone geralmente envolve concessões ou mudanças Ele faz sacrifícios estratégicos que o aprofundam no mundo da máfia e cada cena o transforma de relutante em um líder implacável Seja qual for a cena do padrinho que você examinar, você verá que a maioria delas tem exatamente esse compromisso ou mudança no personagem como resolução Mike, você não vem para Las Vegas e fala com um homem como Moe Greene desse jeito Fredo. Você é meu irmão mais velho e eu te amo. Mas nunca mais tome partido de ninguém contra a família. Sempre. Depois, há o penhasco ou o tipo de resolução misteriosa Esse tipo deixa o conflito sem solução. Isso mantém o público em suspense sobre o que está por vir Na minha opinião, essa é uma ótima maneira de atrair seus espectadores para cenas ou episódios futuros. O Inception faz isso muito bem. A foto final do pião é um exemplo perfeito de um penhasco Não sabemos se Cobb ainda está sonhando ou não, e essa incerteza é o que torna a resolução dessa cena tão Agora, por fim, temos a recompensa emocional. Esse é um momento catártico. É ótimo para o público, e é quando a resolução do conflito não é simplesmente ganhar ou perder. É sobre o personagem chegar a um ponto de virada emocional. Nesta cena de Goodwill Hunting, a resolução é Will finalmente desmaiando durante sua sessão de terapia com Sean Essa recompensa emocional é imensa porque o conflito não foi externo Ele não estava lutando contra um problema físico. O conflito sempre foi sobre Will superar seus próprios medos de vulnerabilidade Portanto, esse momento parece especialmente poderoso como forma de encerrar a cena. Não **** comigo. Não é sua culpa. Não **** comigo, Não fale comigo, John, não com você. Não é sua culpa. Seu telefone. Ok. Agora, a principal coisa a lembrar aqui é que a resolução deve sempre servir à sua história geral. Você não pode simplesmente trabalhar cena a cena. A resolução de cada cena deve, de alguma forma, levar o personagem à resolução de sua história principal. Não se trata apenas de encerrar essa cena ou terminá-la de uma forma satisfatória É sobre como esse final afetará o personagem e impulsionará sua trama. Mesmo que sua resolução seja sutil, definitivamente deveria ter sido. Agora, independentemente de seu personagem ter sucesso ou falhar na cena, a resolução deve nos dar uma ideia do que está por vir Então, como o resultado desse conflito moldará o próximo momento da sua história? No final de Empire Strikes Back, a resolução do duelo de Luke com Darth Vader é Luke perde a luta, mas o mais importante é que ele descobre que Vada é seu pai Como isso funciona para a história geral? Bem, essa revelação impulsiona o resto da história. Ele configura tudo o que se segue. É isso que desencadeia a compreensão de Luke sobre a ordem Jedi e muda tudo o que sabíamos ou pensávamos que sabíamos até De repente, a perspectiva muda e precisamos reexaminar toda a sequência de eventos até agora Essa resolução muda o arco do personagem de Luke e o faz crescer mais. Não. Eu sou seu pai. Não. Isso não é verdade. Tão descartável. Tipos de sentimentos. Você sabe o que está no meio. Agora, vamos falar sobre o que você definitivamente não quer. O que você deve evitar a todo custo é o anticlímax. Agora, um anticlímax é quando você acumula tensão em toda a cena, apenas para ver a resolução ficar completamente plana ou parecer totalmente imerecida plana ou parecer Isso pode acontecer quando a recompensa não está à altura do conflito que veio antes dela Se a jornada de seu personagem pelo conflito for intensa, a resolução deve refletir isso. Um anticlímax é uma resolução que deixa o público insatisfeito, e isso geralmente ocorre porque parece muito fácil ou talvez não atenda aos riscos que você estava acumulando Em Indiana Jones e o Reino da Caveira de Cristal, a resolução envolvendo a nave alienígena não oferece exatamente a recompensa que o resto do filme nos O conflito, apesar de intenso, não funciona e não funciona inteiramente porque a recompensa fez com que muitos membros da audiência se sentissem completamente desconectados porque não correspondia aos riscos da história que estavam Agora que eu lhe disse o que evitar, vou mostrar mais algumas cenas com uma resolução adorável e satisfatória Em Shawshank Redemption, a cena em que Andy escapa não é apenas uma resolução perfeita para a cena em si, mas também uma resolução perfeita para um conflito lento, uma resolução para um conflito lento, uma perfeita Agora, em Toy Story 3, a resolução da jornada de Woody e Buzz está repleta de recompensas emocionais Obrigado, pessoal. E no silêncio dos cordeiros, a resolução entre Clarisse e Hannibal Lector é assustadora, mas muito satisfatória porque Claris vence, mas Tome cuidado agora para me estender a mesma cortesia. Sabe, eu não posso fazer essa promessa. Eu gostaria que pudéssemos conversar por mais tempo, mas vou ter um velho amigo para jantar. Tchau Carta. Carta decorativa. Carta do médico. Sei que estou mencionando as resoluções da história em si, mas não se esqueça de que a resolução da história ainda está contida em uma cena Agora vamos recapitular rapidamente tudo o que eu disse até agora. A resolução é a recompensa do conflito de suas cenas. Pode ser uma vitória. Pode ser um compromisso. Pode ser um penhasco ou pode ser uma recompensa emocional Seja o que for, certifique-se de que seja merecido e tenha um propósito resolução deve afetar seus personagens, fazê-los mudar e avançar na trama. Agora, pense na cena em que você está trabalhando até agora. Qual é o conflito? Como a resolução compensa a tensão. Parece merecido? Sua cena serve ao propósito maior da história? Sua recompensa serve especificamente ao propósito maior de toda a sua história Isso levará seu personagem até onde ele precisa ir? Se você não estiver satisfeito com a recompensa obtida até agora, vamos pensar em como você pode aumentar suas apostas ou como tornar a resolução mais tenha pressa e lembre-se cada resolução de cena é uma oportunidade de impulsionar seus personagens e sua história. 7. Transições entre cenas: Já falamos sobre a resolução e a recompensa Em teoria, sua cena pode estar pronta Mas agora, vamos mergulhar em algo que muitas vezes é esquecido ou não é discutido o suficiente Eu vou falar com você sobre a transição entre uma cena para outra As transições são o globo que mantém a cena unida. Uma cena bem estruturada pode se sustentar sozinha, mas sem uma boa transição entre as cenas, você não pode criar uma sensação de continuidade. As transições são o que garante que sua história flua sem problemas e que seu público permaneça envolvido. Pense nas transições como pontes. Eles nos levam de um momento para o outro sem perder o ímpeto. Se as transições forem chocantes ou obscuras, o público pode ficar confuso ou desconectado Mas quando são feitas da maneira certa, as transições criam uma experiência perfeita A forma como funciona é basicamente você obter a configuração, depois o conflito e, em seguida, a recompensa de uma cena, e então você passa rapidamente para a configuração, o conflito e a resolução de Agora vamos dar uma olhada em alguns tipos diferentes de transições. Cada um deles tem um propósito único. Não existe um tamanho único para todos. O que importa é como a transição serve à sua história. Primeiro, temos o tipo mais básico, o corte duro. São intervalos nítidos entre as cenas sem sobreposição de imagens ou sons Eles são diretos, são diretos. Eles são perfeitos se você quiser criar contraste entre duas cenas ou alterar o tom muito rapidamente. Pulp fiction é um ótimo exemplo. Cortes duros são usados para criar mudanças abruptas no tom. um momento, estamos em uma cena de diálogo calma e no outro estamos no meio de um intenso tiroteio A transição brusca muda de forma chocante o foco do público, o que aumenta a imprevisibilidade do filme Veja, nesse caso, a transição é chocante, mas funciona para a história por seu propósito e tom gerais Definitivamente, você pode usar as transições uma forma não convencional ou pode torná-las chocantes, se esse for o objetivo Então temos cortes de fósforos. Essa é uma ligação entre duas cenas por meio de imagens, sons ou ações semelhantes. Ele pode criar uma sensação de continuidade mesmo quando as duas cenas estão em locais completamente diferentes ou mesmo em períodos de tempo diferentes Um dos exemplos mais famosos de um corte de fósforo vem de 2001, uma Odisséia no Espaço Um osso é lançado no ar e transita perfeitamente transita perfeitamente Esse corte une milhões de anos de evolução em uma única transição elegante Então você pode obter um corte transversal. Essa é uma técnica de transição em que você corta entre duas cenas acontecendo ao mesmo tempo, e o que você faz com isso é criar uma ação paralela. Esse método cria tensão e conecta histórias que podem eventualmente convergir Vamos dar uma olhada no padrinho novamente. corte transversal durante a sequência do batismo mostra Michael assistindo ao batizado de seu sobrinho enquanto seus inimigos estão enquanto seus inimigos A ação paralela aqui cria um forte contraste entre inocência e violência e destaca a transformação de Michael A razão pela qual é usada aqui é para a ideia temática da história Você também pode ter dicas visuais ou de áudio, que são transições muito eficazes Pode ser uma porta batendo que corta para um novo local ou um som como um telefone tocando sendo captado em uma Essas dicas criam uma ligação suave e muitas vezes subconsciente entre as cenas Em réquiem for dream, sinais sonoros como telefones tocando são usados para fazer a transição entre as vidas dos personagens, e isso conecta suas histórias mesmo quando eles não estão no A repetição dessas dicas de áudio cria um ritmo que une essas cenas Finalmente, temos os Mtoklinks. Essas transições não dependem de recursos visuais ou sonoros. Eles são inteiramente baseados no significado mais profundo ou no tema recorrente de sua história. Você pode terminar uma cena com a reflexão de um personagem sobre o amor e depois passar para outro personagem lutando com o relacionamento O link aqui está no tema do galpão. No Grand Budapest Hotel, Wes Anderson costuma usar links temáticos como para fazer a transição entre diferentes Uma reflexão sobre lealdade em uma época ecoa em uma história paralela, embora as cenas estejam separadas por décadas As transições parecem totalmente naturais porque se baseiam nos temas principais do filme Caso você não tenha certeza de como escrever todas essas transições em seu roteiro, mostrarei agora mesmo Para cortes duros, usamos cut também. Esse é o tipo mais genérico de transição de cena que você verá e, às vezes, você nem precisa escrevê-lo porque é isso que o editor presumirá que você está fazendo. Se você está escrevendo cortes de fósforo, você adivinhou, basta escrever cortes de fósforo Para corte transversal, geralmente usamos intercorte. As dicas visuais ou de áudio podem ser cortadas ou cortadas em J. Um corte em J é quando o áudio de uma cena começa no final da anterior, assim. Mmm. E um corte em L é quando o áudio de uma cena continua na próxima, assim. Como. Você realmente não escreveria links temáticos na transição Isso é algo que acontecerá em sua ação e em seu diálogo. Então, quando você deve usar essas técnicas que abordamos? O segredo é considerar o ritmo e o tom emocional de sua história Se você quiser manter um ritmo rápido, transições rápidas, como cortes duros ou cortes transversais, funcionarão muito bem Mas se você está desacelerando as coisas para refletir sobre a jornada ou situação emocional de um personagem, provavelmente precisará de uma transição mais perfeita Assim, você pode trabalhar com um recorte de fósforo ou um link temático. Eles podem ser muito melhores para essa situação. As transições não se resumem apenas a passar de uma cena para outra Eles tratam de gerenciar o ritmo da sua história e guiar a emoção do seu público Se sua transição parecer inadequada, isso pode tirar os espectadores da história. Mas se você fizer isso bem, isso melhorará a experiência de contar histórias Portanto, escolha sabiamente. Agora vamos ver alguns filmes que usam transições de forma muito eficaz Em Danker, Christopher Nolan usa o corte transversal para contar três histórias simultâneas Isso permite que ele crie tensão e vincule eventos em terra, mar e ar. Em Birdman, o filme inteiro parece ter sido filmado em uma tomada contínua As transições são ocultadas pelo trabalho e movimento inteligentes da câmera Mad Max Fury Road, cortes duros são usados para manter a intensidade em um nível constante, impulsionando a ação em um ritmo implacável Agora, vamos examinar algumas armadilhas comuns quando se trata de transições O maior erro que você pode cometer, de longe, é criar transições que pareçam chocantes ou fora de sincronia Com o tom das cenas. Por quê? Porque se você criar uma transição que pareça antinatural, se eu não achar que é assim você normalmente faria a transição entre duas cenas, como membro da audiência, você interromperá minha imersão Eu não vou mais participar, e essa é a última coisa que você quer fazer. Outro erro é usar a mesma técnica de transição. Portanto, cruzar constantemente as linhas da história, por exemplo, pode ser confuso Sim, o corte transversal pode ser eficaz, mas se você usá-lo com muita frequência, ele pode perder o impacto. Por fim, evite confiar em transições chamativas apenas por uma questão de estilo Eles precisam contar sua história. Se você estiver fazendo a transição, digamos, com uma combinação entre duas cenas de dois personagens diferentes, você inevitavelmente criará uma conexão entre esses dois personagens na mente do público Isso pode funcionar se você quiser que eles fiquem juntos em algum momento, ou se eles tiverem histórias semelhantes, mas nunca se conheceram. Mas se você está apenas usando isso para ter uma boa aparência, reconsidere. Tudo bem Falamos sobre transições, falamos sobre diferentes tipos de transições e quando usá-las Agora vamos pensar na cena que você está escrevendo atualmente. Qual é a cena que se seguirá? Pense na relação entre essas duas cenas. Eles são muito diferentes? Eles estão conectados? Qual transição funcionará melhor? Talvez seja um link temático, talvez seja um match cut, talvez seja um corte difícil porque você está falando sobre algo completamente diferente ou está fazendo uma comparação 8. Dinâmica de cena: ação e diálogo: Agora que discutimos como usar transições de cena para criar transições dinâmicas e envolventes entre cenas e como passar suavemente de uma cena para outra, é hora de falar sobre uma parte muito vital de qualquer cena, que é o equilíbrio entre ação e É isso que mantém a cena interessante, eficaz e é a forma como você pode manter o engajamento do seu público. Ação e diálogo são duas das ferramentas mais importantes em seu kit de contar histórias Encontrar o equilíbrio certo entre eles é fundamental para manter seu público engajado em manter o ritmo de sua história, além de causar impacto emocional Simplificando, muita ação pode se tornar cansativa. Seu público precisa de tempo para respirar. Mas muito diálogo e sua cena começará a se arrastar. Vai ser chato. Será exaustivo de uma forma completamente diferente. Você perderá seu público. Você também perderá a tensão e o ímpeto que vem construindo Para encontrar seu ponto ideal, você precisa de ação e diálogo para trabalhar juntos. Isso ajudará você a criar uma cena que pareça dinâmica, proposital e viva Vamos começar falando sobre ação. Ação não significa apenas cenas de luta ou perseguição de carros. É qualquer movimento ou evento físico que impulsiona a história ou revela algo sobre os personagens Então, se seu personagem está andando, isso é ação. Se o personagem pegar uma escova de dentes, isso é ação. ação impulsiona a trama e mantém as coisas em andamento. Isso nos mostra o que os personagens estão fazendo, não apenas o que estão dizendo. Pode ser algo sutil. Como um olhar trocado entre dois personagens. Pode ser algo absolutamente enorme e explosivo, como uma perseguição pelas ruas da cidade Mas a ação é o combustível que impulsiona a visão. Em John Wick, ação não é só espetáculo. Isso revela crucialmente quem é John. Cada movimento é deliberado. Cada luta nos fala sobre suas habilidades, sobre suas motivações e sobre seu impulso implacável Aprendemos sobre seu personagem por meio do que ele faz, não do que ele diz. Agora vamos falar sobre o diálogo. O diálogo é onde as personalidades do seu personagem brilham. É assim que aprendemos sobre seus pensamentos, motivações, relacionamentos, mas, assim como a ação, diálogo precisa sempre servir a um propósito Isso deve revelar algo sobre o personagem. Eu deveria aumentar a tensão, ou isso deveria aprofundar os riscos emocionais Se seu diálogo não tem um propósito, ele precisa desaparecer. Um bom diálogo é nítido e conciso. E está repleto de significado. Por favor, não deixe seus personagens falarem só por falar. Toda vez que dizem algo, devem expressar um motivo para levar a história adiante. Talvez estejam revelando segredos. Talvez eles estejam estabelecendo relacionamentos. Talvez estejam criando conflitos. Mas cada linha deve importar. Em inglorious bastards, Quentin Tarantino Quentin Tarantino usa com maestria o diálogo para criar tensão. Na cena de abertura, o comportamento calmo e amigável do Coronel Lando esconde os riscos mortais sob a superfície Cada palavra está cheia de ameaça na tensão que se constrói puramente por meio do Você está abrigando inimigos do estado, Diana. A verdadeira mágica acontece quando você encontra o equilíbrio certo entre ação e diálogo. ação pode pontuar ou enfatizar uma cena com muitos diálogos, e o diálogo, por outro lado, pode adicionar contexto e significado à sua Eles trabalham melhor juntos para levar sua história adiante e manter seu público envolvido. Ao integrar a ação em cenas repletas de diálogos, você mantém o ritmo e, ao permitir que o diálogo se infunda em suas cenas de ação, você adiciona significado e profundidade emocional A chave é saber quando se apoiar em um e quando se apoiar no outro. Além disso, você precisa entender como misturá-los perfeitamente Vamos dar uma olhada na noite escura, a cena em que Batman interroga Este é um exemplo perfeito de equilíbrio entre ação e diálogo. O diálogo é nítido e intenso. Está repleto de guerra psicológica. Então por que você quer me matar? Eu não quero te matar. O que eu faria sem você? Voltar a enganar traficantes da máfia? Não, não Não. Não, você. Você está completo. Eu. Você é lixo Você mata por dinheiro. Não fale como um deles. Você não é. Mesmo que você queira estar com eles, você é apenas uma aberração. Como eu. Eles precisam de você agora. E quando não o fizerem, eles vão expulsá-lo. Como um leproso. Veja, eles são morais, nós somos código. É uma piada de mau gosto. Nós caímos ao primeiro sinal de problema. Eles são tão bons quanto o mundo permite que sejam. Vou te mostrar que quando as batatas estiverem prontas, essas pessoas civilizadas comerão umas às outras Veja, eu não sou um monstro. Estou um pouco à frente da curva. Então, os momentos de ação física, como quando o Batman bate o Coringa na parede, pontuam a pontuam Você pode ver como esses dois elementos aqui se alimentam e aumentam as apostas à medida que a cena avança Não teria sido tão poderoso se eles estivessem apenas conversando, e definitivamente não teria sido tão poderoso se eles estivessem apenas lutando. O equilíbrio entre os dois é o que torna a cena tão memorável. Agora, aqui está uma dica rápida para você. Se você estiver escrevendo uma cena com muitos diálogos, pense em dividir os momentos de diálogo com alguma ação. Pode ser algo muito pequeno, como um personagem se mexendo nervosamente em sua cadeira ou talvez Isso pode simplesmente quebrar o ritmo e dar à cena uma sensação mais dinâmica. Essas pequenas ações podem refletir o que está acontecendo dentro do personagem. Um gesto nervoso pode revelar ansiedade, um certo movimento pode sinalizar uma mudança na dinâmica do poder Mas, ao adicionar esses momentos de ação, você criará interesse visual e manterá o ritmo variado Na rede social, o diálogo rápido de Aaron Sorkin é interrompido por momentos de ação Os personagens estão andando de um lado para o outro, gesticulando ou reagindo fisicamente enquanto falam Neste filme, o movimento mantém a energia alta mesmo durante longos períodos de diálogo e a ação ajuda a manter a intensidade da cena É claro que há momentos em que você deseja que seu diálogo ocupe o centro das atenções. Se você está escrevendo uma cena em que tem um momento emocionalmente carregado ou uma conversa que revela algo crucial sobre essa história Por favor, não tenha medo de se debruçar sobre o diálogo e deixar que as palavras dos personagens carreguem seu peso. Às vezes, a tensão de uma cena vem puramente do que está sendo dito Nesses momentos, você não precisa de grandes sequências de ação. Você precisa que as palavras certas sejam entregues no momento perfeito. Cenas como essa são poderosas porque dependem da intensidade emocional e do diálogo. Antes do pôr do sol, o filme inteiro gira em torno do diálogo. As conversas entre os dois personagens revelam seu passado, seus arrependimentos e suas esperanças Há muito pouca ação, mas o peso emocional das palavras mantém o público envolvido. Aqui, o diálogo é a força motriz. Você não estava lá de qualquer maneira. Espere. Por que você não estava lá? Eu teria estado lá se pudesse. Eu fiz planos, e é melhor que você tenha uma boa razão. O que? Ah, não. Não, você estava lá, não estava? Ah, não. Oh, isso é terrível. Então, como você coloca isso em prática? Ao criar sua cena, antes de começar a escrever, sente-se e pense: o que minha cena precisa realizar Você precisa de mais ação para conduzir a trama? É esse o momento em que os personagens precisam se conectar por meio do diálogo? Continue se perguntando: qual é o equilíbrio certo aqui? Há uma razão para algo estar certo e algo estar errado para que uma delas se encaixe melhor em um determinado tipo de cena do que em outra. Então, continue pensando no que funciona melhor e por quê. Ao entender o propósito de sua cena, você pode decidir melhor como equilibrar ação e diálogo. Se seu roteiro estiver cheio de diálogos, encontre lugares onde a ação possa reforçar sutilmente a tensão emocional ou narrativa Se a cena for motivada pela ação, considere como um diálogo breve e nítido pode adicionar contexto ou peso emocional sem diminuir o ritmo Vamos dar uma olhada em Casablanca. Este é um dos meus filmes favoritos na época e o equilíbrio entre ação e diálogo é magistral aqui O diálogo de Rigels está cheio de tensão silenciosa, mas são as ações entre suas palavras, seus olhares, suas pequenas pausas, os É isso que adiciona camadas e camadas de significado. A ação e o diálogo aqui trabalham juntos para criar uma cena carregada de emoção que mantém o público nervoso Se o avião sair do chão e você não estiver com ele, você vai se arrepender. Talvez não hoje, talvez não amanhã, mas em breve e pelo resto de sua vida. Mas e nós? Sempre teremos Paris. Nós não tínhamos. Nós o perdemos até você chegar a Casablanca Nós o recuperamos ontem à noite. Quando eu disse que nunca te deixaria. E você nunca saberá. Mas eu também tenho um trabalho a fazer. Para onde eu vou, você não pode seguir. Você não pode fazer parte do que eu tenho que fazer. Hills Eu não sou bom em ser nobre, mas não é preciso muito para ver que os problemas de três pessoas pequenas não equivalem a uma colina de feijão neste mundo louco. Algum dia você entenderá isso. Ele está olhando para você, garoto. Agora que você sabe como equilibrar ação e diálogo, vamos discutir algumas armadilhas comuns que você definitivamente precisa evitar Um dos maiores erros que os escritores cometem é deixar o diálogo ficar muito estático. Então, se o personagem ficar sentado e falando por muito tempo sem nenhum movimento ou ação, posso prometer que a cena parecerá plana. Outro erro é usar a ação apenas por causa dela. Então você balança na outra direção. Se a ação não servir à história ou se você for algo novo sobre seus personagens, ela parecerá inútil Da mesma forma, explicar demais por meio do diálogo pode atrapalhar sua cena Então lembre-se, mostre, não conte. Seu público não precisa ouvir tudo. Não lhes forneça todas as informações. Mostre para nós, se puder. Essencialmente, basta manter o diálogo nítido e deixar que a ação do personagem faça parte do trabalho pesado Veja sua cena. Veja quanto diálogo você tem, veja quanta ação você tem. Tente equilibrar isso. Se você tem três páginas de puro diálogo, escreva linhas de ação no meio, divida-as , me dê alguma coisa, deixe-me imaginar isso antes de ver o filme. Deixe-me ver o filme antes de filmarmos. O segredo é continuar se perguntando como a ação e o diálogo podem se complementar para manter sua história avançando. Isso é tudo o que é. Da próxima vez, ajudarei você a colocar em prática o que aprendemos , então fique ligado. 9. Armadilhas comuns e solução de problemas: Agora que falamos sobre o básico da estrutura de uma cena, vamos falar sobre alguns erros comuns que inviabilizarão até mesmo a melhor cena escrita Vou me concentrar em alguns erros comuns que muitas vezes confundem os escritores e ajudarei você a manter sua história envolvente, focada e avançando. Uma das armadilhas mais comuns na escrita de cenas é a chamada falta de propósito Cada cena deve ter uma razão de existir. Se sua cena não está avançando na trama, se não está aprofundando seus personagens ou não está criando tensão, posso prometer que é apenas uma perda de tempo e você precisa cortá-la As cenas que serpenteiam ou não contribuem realmente para a história geralmente parecem preenchidas Para evitar isso, antes de escrever cada cena, quero que você se pergunte: qual é o objetivo dessa cena? O que o público está aprendendo aqui ou como a história está progredindo Se você não conseguir responder a essas perguntas, é hora de refazer totalmente a cena ou cortá-la completamente do roteiro Nessa cena, observe como nada de novo está sendo revelado. Os personagens não estão crescendo, a trama não está avançando. Parece tão estagnado. Isso é exatamente o que você quer evitar. Outra grande armadilha para escritores é usar diálogos excessivamente expositivos Isso acontece quando os personagens explicam ao público coisas que eles já deveriam saber ou, pior ainda, quando explicam coisas que poderiam ser mostradas visualmente ou por meio de subtexto Algumas pessoas chamam isso de situação, como você sabe, Bob. Quando um personagem recorre a outro personagem que obviamente está familiarizado com a situação, mas para a conveniência do público, ele decide explicar a situação mesmo assim Isso é tão irritante e parece tão antinatural. Encontre uma forma mais criativa de os personagens explicarem isso. Encontre um personagem que não tenha ideia do que está acontecendo e explique para ele. Deixe o público aprender por meio desse personagem. Outra vez em que vejo diálogos expositivos é quando seus personagens explicam tudo O que você faz aqui é perder oportunidade de criar profundidade por meio do subtexto Em vez de fazer com que os personagens digam: Estou com medo, mostre-os tremendo ou hesitando antes Apenas confie em seu público para captar sinais visuais e emocionais. Nessa cena, o personagem explica o que está sentindo diretamente para o público. Eu não gosto de areia. É grosseiro , áspero e irritante, e chega a todos os lugares Não é como aqui. Aqui, tudo é macio e suave. Está claro? Absolutamente claro, mas também é muito forçado. Agora, compare isso com o meu próximo exemplo. Aqui, não precisamos que o personagem nos diga que está com medo. Sua linguagem corporal e suas ações falam tudo. E é muito mais envolvente. O que eu perdi? Mamãe. Oh, um monte de nada. Falando sobre esportes? Oi. Sim. Sim, o problema do jiu-jitsu é que a força não importa É tudo sobre isso. É um jogo estratégico como lixo É tudo uma questão de estar dois, três, quatro movimentos à frente. Legal. Fique em pé, levante-se. Jeremy? Uh, não é karatê no momento, não é Ele não é karatê, hum. Sim, eu tenho que governar. Não, não, não brinque, mas encontre-o bêbado. Sou só Jeremy. Eu não ia machucá-lo. Agora vamos falar sobre tom e estilo. Uma cena que não combina com o tom geral do filme pode confundir o público. Por exemplo, uma cena cômica no meio de um thriller tenso pode parecer muito deslocada, a menos que você a faça com uma Cada cena precisa se encaixar no quebra-cabeça maior do mundo da sua história. Se seu filme é um drama sério, saiba que um momento de comédia pastelão pode não combinar muito bem Apenas certifique-se de que suas cenas correspondam ao tom e ao estilo que você estabeleceu em todo o roteiro. Observe como essa parte cômica parece tão fora de lugar, caso contrário, uma cena séria Isso cria uma dissonância tonal que tira o público da história . Por favor, seja uma porta secreta, por favor, seja uma porta secreta, por favor, seja um segredo. Sim. Agora, um personagem plano ou passivo pode fazer com que até mesmo a cena mais dinâmica pareça plana. Se seus personagens não estão buscando ativamente seus objetivos ou reagindo a conflitos, posso prometer que o público não se sentirá nem um pouco envolvido Para evitar isso, certifique-se de que seus personagens tenham motivações claras em cada cena Mesmo que não sejam os personagens principais, eles ainda devem ter algo que queiram ou precisem, e isso dá vida e propósito à cena. Quantos anos você tem? 17. Há quanto tempo você tem 17 anos? Enquanto. Sim. Eu sei o que você é. Veja isso. Em voz alta. Diga isso. Vampiro. Então, observe como o personagem está simplesmente reagindo às coisas que acontecem ao seu redor. Eles não têm nenhum objetivo de jogo, e o resultado é que a cena é simplesmente passiva e absolutamente desinteressante Então, como podemos evitar todas essas armadilhas? Primeiro, seja sempre intencional. Antes de escrever qualquer cena, pergunte a si mesmo qual é o propósito da cena. Eu tenho dito isso durante toda a aula. Como sua cena avança na trama? Como sua cena desenvolve o personagem? Como sua cena cria tensão? Como sua cena contribui para a história geral? Em seguida, evite colocar muita informação em seu diálogo Confie em seu público para entender o subtexto e as dicas visuais Mantenha seu tom consistente a menos que você esteja fazendo uma escolha estilística deliberada E, finalmente, certifique-se de que cada personagem em sua cena tenha um motivo para estar lá. Dê a eles uma meta, dê a eles uma motivação e, por favor, dê a eles o arbítrio. Agora, pegue a cena que você escreveu até agora e analise-a. Procure todas essas armadilhas comuns que acabei de mencionar, encontre-as e corrija-as. Sua cena serve a um propósito? Talvez haja muita exposição? Como seus personagens impulsionam a cena? Faça todos os ajustes, melhore-o e você vai adorar muito mais. Fique ligado, pois chegou a hora dos estudos de caso. 10. Analisando cenas eficazes: Agora que abordamos estrutura e as armadilhas comuns, bem como como evitá-las, é hora de aprender com os melhores Vamos detalhar algumas cenas de filmes icônicos e entender por que elas funcionam tão bem. No final, você poderá aplicar essas técnicas em seus próprios filmes. Vamos começar com a cena de abertura da noite escura. Esse assalto a banco não apenas dá início à ação, mas também apresenta o coringa sem Isso é crucial. A cena serve a vários propósitos, tornando-a um excelente exemplo de uma cena eficaz. Eu acredito que tudo o que não te mata simplesmente te torna um estranho Então, nos primeiros segundos, o filme nos leva direto para a ação. Isso se chama In Media's Res. O filme começa com o roubo já em andamento Não sabemos exatamente quem são esses ladrões, mas a sensação de urgência e tensão é Somos apresentados a ladrões de máscaras trabalhando em equipe, mas há uma sensação de desconfiança e mistério Agora, à medida que o roubo continua, a tensão também aumenta Observe como o conflito aumenta dentro do grupo. Cada ladrão é sistematicamente eliminado pelos outros conforme as instruções do coringa, o que apenas Portanto, o plano dos brincalhões de fazer com que os ladrões se matem não apenas mostra sua mente distorcida, mas também nos mantém no limite, pois a dinâmica de poder dentro do Então, quando o coringa se revela no final da cena, ele configura seu personagem como o principal antagonista do filme. Essa é a recompensa. O coringa se desmascara, dando ao público um vislumbre do vilão do filme e nos deixando querendo O sucesso é bem-sucedido, mas com um toque canino e caótico. A cena equilibra magistralmente ação, tensão e revelação do personagem seguir, vamos dar uma olhada em uma das cenas de aumento de tensão mais famosas da história do cinema, Tubarão Essa cena na praia em que o tubarão ataca um nadador é um estudo perfeito de suspense A praia está cheia turistas felizes curtindo um Spielberg configura um contraste perfeito aqui. A atmosfera serena e despreocupada dos banhistas justapõe ao perigo A câmera frequentemente corta as fotos subaquáticas, o que sugere um perigo invisível Isso cria uma maior sensação de pavor na platéia. A tensão aumenta à medida que o tubarão se aproxima do spray. Aqui, o conflito está na abordagem do tubarão. A tensão cresce não por causa da ação acelerada, mas por causa do que está prestes a acontecer O público sabe algo que o personagem não sabe, e isso faz com que cada cena pareça mais sinistra. O público está à frente dos personagens, e é isso que cria uma poderosa ironia dramática Agora, o tubarão ataca causando caos na praia e revelando o perigo O ataque não apenas resolve a tensão imediata, nos dando recompensa, mas também impulsiona a história. Isso serve como um ponto de virada para o protagonista, Brodie, que agora sabe que a ameaça é real Então, Brodie agora tem que encarar a realidade do tubarão, e os riscos aumentam para o resto do filme. Ok. Alex. Um. Agora vamos mudar para um gênero completamente diferente e falar sobre quando Harry conheceu Sally A cena icônica da delicatessen demonstra o poder de combinar ação e diálogo para criar momentos memoráveis Harry e Sally estão discutindo um tópico casual, como homens e mulheres veem os relacionamentos de maneira diferente A cena começa de forma inócua apenas uma conversa entre duas pessoas, mas a configuração nos prepara para o que está prestes a acontecer Eles estão sentados em uma lanchonete lotada, o que adiciona uma camada de normalidade O cenário normal contrasta o evento extraordinário que se segue À medida que a conversa aumenta, Sally decide provar seu argumento fingindo um orgasmo no meio da Esse conflito é inteiramente impulsionado pelo diálogo e pelas interações dos personagens. Os bifes aqui são sociais, não físicos, mas são igualmente eficazes A tensão vem do constrangimento social e da reação de Harry, o público é atraído pela química do personagem e pelo fato de essa situação ser tão imprevisível e da reação de Harry, o público é atraído pela química do personagem e pelo fato de essa situação ser tão Ah. A cena termina com uma famosa piada, uma mulher idosa dizendo: “ Eu vou comer o que ela está comendo” Mas a recompensa aqui não é apenas o humor. Isso deixa uma impressão duradoura ao mesmo tempo em que promove a dinâmica do personagem, e a cena aprofunda nossa compreensão de ambos Também consolida um dos momentos mais memoráveis do filme. E, finalmente, vamos dar uma olhada em uma cena conhecida por seu domínio do subtexto e da introdução de personagens, a abertura de O Poderoso a abertura de O Essa cena é repleta de significado pela forma como apresenta a Don Corlone a sutil dinâmica de poder O filme começa com um close-up de um homem pedindo justiça. A configuração tem tudo a ver com o subtexto. Nós lentamente nos afastamos para revelar que ele está falando com Don Clone, estabelecendo a dinâmica de poder desde o início O homem está pedindo ajuda, mas podemos sentir a tensão quando ele é forçado a pedir um favor ao chefe da máfia Isso nos diz tudo o que precisamos saber sobre o mundo da história sem nenhuma explicação explícita O pedido desse homem coloca em uma posição vulnerável, e a resposta calma e moderada de Don Clone só aumenta Sua resposta mostra seu poder sem precisar levantar a voz ou ameaçar ninguém É um jogo de poder muito sutil, pois Corleone deixa claro que os favores vêm com O conflito aqui é inteiramente psicológico e não físico. Tudo gira em torno das regras não ditas de seu mundo. A cena termina com Clone concordando em ajudar, mas em seus termos, dando o tom para o resto do A resolução não encerra as coisas perfeitamente. Em vez disso, isso nos deixa com uma compreensão clara dos riscos deste mundo O favor foi concedido, mas a um preço. Essa cena estabelece Colone como uma figura de autoridade e reforça o tema da lealdade e do Pense na cena que você escreveu. Como você introduziu a configuração, o conflito e a resolução, e como você pode inserir subtexto em tudo isso Eu recomendaria que, antes de voltar à sua cena e editá-la mais uma vez, assista o máximo possível de cenas icônicas eficazes e explique como elas funcionam e por que funcionam. 11. Variações de cena: adaptando aos gêneros: Agora que abordamos exemplos bem-sucedidos em alguns estudos de caso, é hora de mergulhar nas diferentes variações de cenas e em como elas são usadas em diferentes gêneros Embora os fundamentos da construção de uma cena permaneçam os mesmos, onde eu estudava cada aula, configurava a resolução de conflitos, gêneros diferentes têm expectativas diferentes de como exatamente Existem novas respostas sobre como você cria suas cenas, dependendo do gênero de sua escolha, desde cenas de ação em ritmo acelerado até dramas e batidas emocionais sutis Esta lição mostrará como ajustar sua abordagem para vários Vamos começar com ação e suspense. Nesses tipos de filmes, o ritmo é crucial e as cenas tendem a ser mais energéticas, têm cortes rápidos e a tensão aumenta constantemente Os riscos aqui geralmente são físicos, então você acha que sobrevivência, fuga, conflito e suas cenas precisam refletir a urgência inerente aos gêneros de ação e suspense Então, o que você precisa para esses gêneros é uma configuração rápida. Então, me dê uma exposição mínima, vá direto ao ponto que você está tentando dizer Precisamos de conflitos em ritmo acelerado, então eu preciso que a tensão seja geralmente externa, mas o mais importante, ela precisa ser imediata A resolução aqui precisa ser mantida dinâmica. Muitas vezes, você verá penhascos ou algo que se configurará no próximo momento e na próxima cena, porque tudo precisa se mover rapidamente Considere a cena de Chase e escreveu Mad Max Fury. Aqui, tudo gira em torno do movimento. O conflito está embutido em cada quadro. A resolução não combina perfeitamente as coisas da maneira que você esperaria normalmente, mas o que ela faz é manter os riscos altos para o próximo momento na próxima Portanto, se você estiver trabalhando em algum desses gêneros, o que você precisa fazer é garantir que seu ritmo e intensidade sejam refletidos em sua visão. Agora, no oposto do espectro, temos histórias dramáticas e baseadas em personagens. Nesses tipos de histórias, as cenas geralmente giram em torno da tensão emocional Ao contrário dos filmes de ação, em que você geralmente tem riscos físicos e algo que você pode ver Aqui, é mais provável que os riscos sejam pessoais. Então você tem riscos emocionais. Você tem relacionamentos. Você tem crescimento pessoal. Isso é muito importante, e isso é especialmente comum em histórias baseadas em personagens e em dramas Também é um dos meus favoritos pessoais. Adoro o crescimento pessoal como um bife, e ele existe para contar uma história mais sutil, mas muitas vezes mais poderosa como um todo Portanto, a maneira de ajustar seu conflito e resolução de configuração aqui é me fornecer uma configuração detalhada. Portanto, concentre-se em criar esse contexto emocional ou situacional Essencialmente, você precisa de um terreno bem definido para ser capaz de construir, porque você não tem a manifestação física das coisas. É só uma questão de sentimentos, diálogo e emoção. Então, o conflito arderia lentamente. A tensão, porque geralmente é interna, aumentará com o tempo. Você não vai fazer com que alguém simplesmente pule e dê um soco em Não, você terá uma conversa que está lentamente se transformando em uma discussão Então, a resolução para dramas e histórias baseadas em personagens geralmente é muito mais sutil A resolução se baseará mais em ser temática ou emocional do que em uma clara derrota do vencedor, por assim dizer Vamos ver Manchester à beira-mar como exemplo. A tensão neste caso vem de palavras não definidas, da dor subjacente e do trauma não resolvido O que não está definido, o que está abaixo da superfície, é o que está causando a tensão real aqui E a seguir, vamos falar sobre comédia. Acho que comédias são especialmente difíceis de dominar. Mas em termos de estrutura, eles são provavelmente os mais simples e aqueles com os quais você provavelmente está mais familiarizado Você definitivamente já ouviu uma piada, uma ideia de piada, que é toda piada e cena cômica Aqui, a configuração é a base das piadas, e o conflito frequentemente surge de um mal-entendido, de uma circunstância exagerada ou mesmo de personalidades e o conflito frequentemente surge de um mal-entendido, de uma circunstância exagerada ou mesmo de personalidades conflitantes. O momento certo com as comédias é fundamental porque cada cena deve ter como objetivo o máximo impacto cômico Então, a piada é o equivalente à sua resolução aqui A cena termina com uma risada ou você também pode utilizar uma reviravolta inesperada Há uma cena icônica da virgem de 40 anos em que os amigos de Andy tentaram lhe dar conselhos sobre namoro Agora, o humor aqui vem dos mal-entendidos do personagem e de sua estranheza Cada conselho cria a tensão cômica. A resolução nesse caso, que tudo dá errado, é o que dá origem ao amor. Em comédias, especialmente suas cenas precisam ser muito rígidas e contundentes, porque cada frase deve se mover em direção ao efeito cômico, à recompensa cômica, à Agora, as cenas de terror têm tudo a ver com criar medo e tensão, você precisa brincar com as expectativas do público Eu não sou o maior fã de terror, mas se você quiser aprender a escrever tensão, esse é exatamente o gênero que você deve procurar. No horror, novamente, o conflito geralmente é externo, então é um perigo independentemente de ser sobrenatural ou psicológico A resolução, então, geralmente é projetada para deixar o espectador inquieto Mas eu quero destacar algo importante. Inquieto não significa insatisfeito. O público de terror quer se sentir inquieto. Então, se você conseguir perturbá-los, isso realmente traz satisfação Agora, como você pode ajustar essa estrutura básica de cena ao seu filme de terror? Você precisa de uma configuração atmosférica, essencialmente. Você precisa criar essa atmosfera inquietante desde o início, desde o início de sua cena conflito, neste caso, surgirá em tensão e suspense Ele precisa crescer lentamente para manter o público constantemente nervoso. Idealmente, você quer uma resolução muito chocante. Deve fornecer uma esquete de salto ou um golpe, é algo ainda pior que está por vir Em The Conjuring, que é um filme que eu tenho muito medo e não consigo assistir, a cena com a boneca possuída é um exemplo perfeito A configuração é muito simples. Você tem um quarto escuro e uma boneca assustadora. Mas então a tensão ou o conflito, neste caso, aumenta lentamente e, quando você acha que a cena vai se resolver, dá um susto final, e essa é Se você está escrevendo terror, mantenha o ritmo lento até o momento da grande recompensa. Agora, novamente, invertendo o roteiro, vamos falar de romance e comédias românticas são uma combinação entre romance e comédia, obviamente, para que você possa combinar esses Mas os Romcos geralmente se inclinam mais para a configuração e estrutura do romance do que para a configuração e estrutura da comédia Agora, as cenas de romance se concentram na química entre os personagens e nos riscos emocionais Portanto, o conflito geralmente gira em torno de mal-entendidos, vulnerabilidade ou uma lenta construção Essas cenas dependem muito interações e do subtexto dos personagens, aquela coisa mágica que torna cada cena Você precisa de uma configuração emocional. Você precisa preparar o terreno para química e a tensão emocional, essa é a vibração que você precisa buscar Agora, o conflito geralmente está do lado mais sutil. A tensão geralmente é interna, então está dentro da mente dos personagens e vem de mal-entendidos e sentimentos não ditos. Então, a resolução aqui precisa ser proposta. Pode ser algo muito pequeno, como um contato visual ou um leve toque, mas atinge algo mais profundo. Se você continuar construindo resoluções e recompensas semelhantes em todas as cenas, isso fará com resoluções e recompensas semelhantes em todas as cenas, que a progressão do relacionamento pareça tão natural e agradável e , no final da história, quando os personagens inevitavelmente se reunirem, parecerá que isso estava acontecendo o tempo todo, parecerá a progressão mais natural para os dois Em Orgulho e Preconceito, que é um clássico absoluto, a cena em que o Sr. Darcy confessa pela primeira vez seu amor por Elizabeth é repleta de tensão silenciosa, conjunto de indícios de seus sentimentos conflitantes, e o conflito A resolução aqui, embora não seja romântica no sentido tradicional, prepara o terreno para sua eventual reconciliação Agora, todos os gêneros que descrevi são muito comuns. Basicamente, qualquer história que você pegar pode de alguma forma se encaixar em uma delas, e essa é a configuração geral de como você cria a cena de cada uma delas. Mas há dois tipos específicos de cenas que eu vejo com frequência. Em muitos desses gêneros, se não em todos eles. Pessoalmente, acho que geralmente são ineficazes É claro que todas as regras têm exceções, mas acho que para que essas cenas funcionem, elas precisam ser tratadas com extremo cuidado e com tanta compreensão de como fazê-las corretamente, que eu recomendaria simplesmente não escrevê-las Existem muitas outras maneiras criativas e interessantes de lidar com o que essas cenas pretendem fazer. Que eu simplesmente não acho que vale a pena colocar esses aqui. Mas ainda vou descrevê-los e detalhá-los para que você possa ver por que acho que eles não são o caminho a percorrer. Estou falando especificamente sobre exposições de cinejornais e sequências Se você me ouviu de forma geral, se já frequentou algum dos meus cursos, sabe perfeitamente que eu os odeio. Então, por que as exposições de cinejornais geralmente falham? Bem, porque parece passivo, falta ação baseada em personagens e, francamente, isso é revelador, não mostra Agora, contar não mostrar é um princípio sobre o qual muitas pessoas falam. Praticamente todo mundo na comunidade de escritores já ouviu falar sobre show don't tell e as pessoas têm opiniões diferentes sobre o quão bom isso é Pessoalmente, acho que há um momento para contar e outro para mostrar. Mas isso nunca é bom. Se você puder me mostrar algo para dizer, em vez disso, porque é muito sem imaginação Eu não acho que haja um membro da audiência que jamais dirá: Você sabe qual foi a minha parte favorita desse filme, Você sabe qual foi a minha parte favorita desse a cena do noticiário Porque isso é chato e é isso que todo mundo já fez, e está muito exausto e há maneiras mais legais de fazer a mesma há maneiras mais legais de fazer a Novamente, você pode me dar essas informações em um diálogo. Você não precisa necessariamente mostrar isso para mim. Mas se você tiver dois personagens conversando e se atualizando sobre a situação política atual, isso parecerá mais natural e mais interessante do que se um personagem acabasse de ouvir isso no noticiário. Agora vamos falar sobre sequências de sonhos. motivo pelo qual eles frequentemente falham é porque parecem desconectados da história, nem sempre, mas muitas vezes acontece Pode parecer uma saída policial. Você poderia ter me contado essa história de uma forma interessante e envolvente, mas escolheu que eu a visse. Muitas vezes acho que foi a maneira mais fácil de seguir, em vez de pensar uma maneira criativa de fazer isso dependendo da cena dos seus sonhos. Às vezes, também pode parecer que é totalmente relevante para a trama e, como espectador, posso ficar sentado pensando: por que estou assistindo isso? O que isso tem a ver com alguma coisa? Eu já falei sobre isso antes, mas na segunda parte de Twilight Breaking Dawn, a sequência estendida dos sonhos enfraquece completamente os riscos emocionais porque revela que não era real, então deixa o público se sentindo Nós pensamos que esses personagens morreram, e então descobrimos: Oh, não, não se preocupe com isso. Está tudo bem. Foi só um sonho. Mas você me envolveu nesse sonho e nesses personagens, e em suas mortes, de repente, estou emocionado sem motivo aparente. As sequências de sonhos podem funcionar se estiverem intimamente ligadas ao arco do personagem Mas em Twilight Breaking Dawn P two, na minha opinião, essa longa sequência de luta que acaba sendo um sonho simplesmente esvazia todo o clímax da cena e o público se sente enganado essa longa sequência de luta que acaba sendo um sonho simplesmente esvazia todo o clímax da cena e o público se sente enganado em uma resolução significativa. Cada gênero tem suas próprias demandas e a maneira como você estrutura suas cenas deve refletir as demandas e expectativas do gênero para o qual você está escrevendo Se você está construindo uma sequência de ação de alto risco como uma perseguição de carro ou está tendo essa confissão de amor dramática em um romance, ou se você tem tensões subjacentes e conversas sobre personagens Se você está escrevendo para drama ou talvez rir em voz alta em comédia, isso realmente não importa, mas entender as expectativas que surgem com o gênero para o qual você está escrevendo ajudará a criar suas cenas melhor e elas ressoarão com o público Mais. Suponho que você já tenha reconhecido o gênero para o qual está escrevendo, faça anotações desse gênero e verifique novamente Minha cena se encaixa nas expectativas desse gênero em particular? Ajuste-o adequadamente e concentre-se especialmente em como o ritmo, o tom e as apostas mudam acordo com as convenções do seu gênero, e se você fez isso Observe também que experimentar convenções de gênero pode realmente elevar E estou ansioso para ver como você adapta sua estrutura ao mundo de sua parada. Da próxima vez, vamos nos aprofundar em técnicas mais avançadas de composição de cenas, então fique atento a isso 12. Técnicas avançadas: cenas não lineares: Ok, abordamos muitos tipos diferentes de cenas para diferentes gêneros, mas agora eu quero falar sobre duas técnicas mais avançadas que você pode considerar ou que você já escreveu em seu próprio roteiro e quero ajudá-lo a torná-las ainda melhores Estamos falando especificamente sobre estruturas não lineares e estruturas de cenas experimentais nesta lição. Vamos fazer uma comparação rápida entre uma estrutura linear e uma não linear para que você tenha uma melhor compreensão do que estou falando agora. Em uma versão linear, acompanharemos o colapso emocional do personagem do início ao fim. Já na versão não linear, misturaremos flashbacks e recortaremos momentos diferentes no tempo ou usaremos o simbolismo para tornar a análise mais surreal e Isso é algo que diretores como Nolan realmente adoram fazer Por que essa é uma técnica experimental ou avançada? Bem, é porque, como você pode ver, não é tão simples quanto a versão linear, mas parece mais complexa emocionalmente O que uma estrutura não linear faz é forçar seu público a se engajar. Também nos dá uma compreensão multifacetada mais profunda das emoções do personagem e dos temas em jogo aqui Agora, quando devemos usar essas estruturas experimentais e narrativas não lineares Bem, eles são especialmente eficazes em alguns casos. Em primeiro lugar, eles funcionam muito bem em thrillers psicológicos Quando você explora temas de memória, percepção ou identidade, obviamente por causa dos temas aqui, funciona muito bem. Eu mencionei que Nolan é um grande fã disso no começo e, obviamente, não posso falar sobre estruturas não lineares, memórias e thrillers psicológicos sem mencionar uma lembrança sem Outro exemplo incrível de thriller psicológico que utiliza essa técnica experimental é Shutter Agora, isso também pode funcionar muito bem no estudo de personagens. Quando você revela emoções complexas ou camadas psicológicas ao longo do tempo, um ótimo exemplo disso é sol eterno de uma mente imaculada. O luar também é ótimo de se Agora, é muito comum vê-los em filmes de arte ou narrativas experimentais, mas isso está no nome neste caso, porque o objetivo aqui é evocar um sentimento ou tema em vez de necessariamente seguir as progressões tradicionais da trama Você pode ver o Mulhollan Dry, por exemplo, o que há de errado? Eu não sei quem eu sou. Outra ótima que eu recomendo é a árvore da vida. Agora, dramas de mistério ou crime funcionam muito bem com narrativas não lineares, porque quando você retém essa informação fundamental até o momento perfeito, isso realmente aumenta a tensão e a intriga que são parte integrante do gênero Veja os suspeitos de sempre, onde você pode ter essa ideia de por que é importante não nos dar tudo desde o início Você também pode ver o prestígio como um ótimo exemplo de como incorporar isso a um drama policial ou a um mistério No entanto, uma ressalva muito importante aqui é nunca usar uma técnica porque ela é legal chamativa, interessante ou experimental. Você deve sempre usar tudo o que aprende e todas as técnicas que pode implementar com um propósito específico e uma intenção específica. Quando você deve usá-los quando estão vinculados à jornada emocional do personagem arco do personagem ou aos temas da sua história? Quando você não deve usá-los? Simplificando, quando eles estão em seu roteiro só por causa disso ou porque são legais? Obviamente, há alguns desafios a serem considerados ao usar essas estruturas. Vejamos algumas armadilhas comuns que eu recomendaria evitar Em primeiro lugar, estruturas não lineares podem ser confusas se você não as manipular bem. Se você muda de cronograma com muita frequência ou se não está muito claro quando e o que está acontecendo, posso prometer que o público se perderá e, como resultado, não investirá mais na sua história Se você está usando narrativas não lineares, precisa ser muito claro sobre onde estamos, o que está acontecendo e, especificamente, por que estamos usando isso Também use com moderação. Agora, outro grande problema é a falta de investimento emocional. Isso acontece se a cena ficar muito fragmentada ou abstrata O resultado é que o público pode perder a conexão com o personagem totalmente a conexão com o personagem ou com sua história. Por razões óbvias, você deve evitar isso e, para evitar essa armadilha, uma boa maneira de fazer isso é garantir que sempre haja uma conexão emocional com o motivo pelo qual estamos usando essa estrutura narrativa Como já mencionei, tudo isso pode ser usado em demasia Saltos de tempo constantes ou técnicas experimentais podem se tornar exaustivas e perder seu impacto se não forem Estruturas não lineares e experimentais proporcionarão grande liberdade criativa e a capacidade de brincar com o tempo, a percepção e até mesmo as expectativas do público. No entanto, eles exigem um planejamento cuidadoso para serem bem executados. Se você as usar com sabedoria, essas técnicas realmente elevarão sua história e tornarão seu público mais engajado, mais interessado em seus personagens, mais interessado em seus personagens, ajudá-lo a criar intenções de suspense Você pode usá-los para adicionar camadas de profundidade à sua narrativa, mas eles não deixarão uma impressão duradoura do seu público se você os usar em excesso ou incorretamente. Agora é sua vez de experimentar. Tente planejar a estrutura da cena e veja como técnicas não lineares podem adicionar complexidade à sua história. Mal posso esperar para ver você ultrapassar os limites da narrativa e nos vemos na próxima vez 13. Criando suas próprias cenas: Passei todo esse tempo aprendendo os meandros das estruturas da cena. Agora finalmente chegou a hora de colocar tudo o que sabemos em prática. Chegamos à teoria por trás da construção de cenas eficazes, então vamos fazer bom uso desse conhecimento. Vou guiá-lo pelo processo de escrever cenas do início ao fim e, no final, você terá sua própria cena polida Vamos começar com a etapa mais importante, preparando o cenário para sua cena. A chave aqui é o contexto. Quem são os personagens? Onde eles estão? O que está acontecendo? Para ajudar você a começar, quero que pense sobre esses elementos principais. Onde a cena está acontecendo? Essa é a sua configuração? É um momento íntimo ou de grande escala? Então pense nos seus personagens. Quem são os principais atores dessa cena específica e, crucialmente, o que eles querem? Porque cada cena é sobre um personagem querendo algo, eles tentam entender e conseguem ou não. O que você precisa estabelecer logo no início antes de colocar a caneta papel, é o que seu personagem quer? E, por fim, pense no seu conflito. Qual é a fonte central de tensão neste momento? Pause este vídeo, reserve alguns minutos anote as respostas a essas perguntas para que você tenha os blocos de construção para começar a escrever Não precisa ser um esboço completo, mas tenha uma ideia clara do que está acontecendo Você tem isso? Ótimo. Perfeito. Nós podemos seguir em frente. Mesmo que seja difícil, o mais importante é que isso seja um começo. A configuração está aqui para criar a base para o que está por vir. E o que está prestes a acontecer é que, agora que estabelecemos as bases, é hora de começar a escrever Vamos analisar seus três momentos-chave para configurar o conflito, a recompensa da qual falamos esse tempo todo Precisamos estabelecer rapidamente o contexto. Onde estão seus personagens? Qual é o seu humor e dê uma dica do que está por vir configurando os riscos ou a É disso que trata sua configuração. Não precisa ser longo, apenas o suficiente para dar ao público uma visão clara do mundo e do ponto de partida do personagem. Agora vamos ao cerne da cena, seu conflito. O que está em jogo para os personagens e quais são os obstáculos em seu caminho? Este é o seu ponto de virada. Você pode criar tensão aqui deixando claro o que está impedindo seus objetivos. Cada cena precisa de conflito. Nem sempre precisa ser uma luta física, como eu disse inúmeras vezes. Pode ser um confronto emocional, um desentendimento ou uma luta interna Certifique-se de que sua tensão esteja na frente e no centro. Finalmente, vamos finalizar com a resolução. Pense no que acontecerá como resultado direto do seu conflito. Seu conflito foi resolvido ou estamos levando a mais tensão agora? Você precisa de um propósito para sua cena. Pense no que esse momento traz para sua história geral? Sua resolução é crucial. É aqui que o significado da cena fica claro. Não precisa ser uma conclusão clara, mas deve servir ao impulso geral da história Ótimo trabalho. Agora você tem, reconhecidamente, uma cena muito difícil, mas ainda é uma Cada grande cena passa por vários rascunhos e esta é sua oportunidade de refinar seu trabalho Eu quero que você procure algumas coisas específicas para revisar. Antes de tudo, vamos pensar na clareza. Seu conflito está claro? A motivação de seus personagens é forte e compreensível? Você poderia melhorá-los? Então pense no seu ritmo. A cena parece muito lenta ou muito escovada? Existem áreas em que você pode estreitar o diálogo ou a ação Por fim, pense em seu propósito. Essa cena faz a história avançar e quais novas informações ou mudanças ela traz para nós? Reserve um tempo para revisar o que você escreveu e ver se consegue aprimorar sua cena com esses pontos em mente As revisões são onde a mágica realmente acontece. Você pode continuar trabalhando em sua cena quantas vezes quiser até sentir que ela é nítida e objetiva e exatamente o que você quer que seja Uma das melhores maneiras de melhorar sua redação é por meio do feedback de outras pessoas. Eu recomendo fortemente que alguém que não esteja tão próximo do seu trabalho quanto você leia sua cena e lhe dê feedback sem saber o que você queria fazer ou o que queria alcançar, porque essa é a única maneira de ver se você realmente acertou O motivo é que, como você está tão perto sua cena e a ama muito e sabe todas essas coisas sobre seus personagens, você não consegue realmente vê-la de forma objetiva, porque acha que mostrou que seu personagem tem características específicas, mas você já sabe que seu personagem tem essas características Então, se você demonstrou isso de forma eficaz, você realmente não consegue ver isso, ou como outra pessoa será capaz de identificar que não entendeu nada disso, é aí que entra o feedback Ao dar feedback ou ao receber feedback, lembre-se de fazer críticas construtivas Concentre-se no que está funcionando, no que não está funcionando, que pode ser melhorado, forneça soluções, não aponte apenas para problemas. Sempre, sempre esteja realmente aberto a críticas. Como você não deveria levar o feedback lado pessoal se alguém lhe disser que algo não está funcionando, isso não é um ataque a você, mesmo que pareça que sim. Tudo se resume a fortalecer seu trabalho. Todos nós queremos ajudar, e é exatamente isso que estamos fazendo. Use seu feedback, reescreva-o, faça outro rascunho, mas ainda assim, confie em seus instintos, porque essa é a história que você quer contar, então conte-a da maneira que fizer sentido para você no final do dia Não se sinta pressionado a mudar tudo. Talvez a pessoa não entendido o que você estava tentando fazer, mas se 17 pessoas concordarem que o personagem é chato, então o personagem pode ser entediante Use o que ressoa com você e o que combina com sua própria visão. A revisão tem a ver com o equilíbrio no final do dia. Você precisa manter sua voz ao mesmo tempo, melhorar a clareza e o impacto. À medida que você continua desenvolvendo suas cenas, há algumas dicas que eu quero que você tenha em mente. Antes de tudo, sempre escreva mais de um rascunho. Não tenha medo de reescrever sua cena várias vezes pois cada rascunho o aproximará do cerne do que você queria dizer Uma ótima dica que recebi recentemente é ler em voz alta e, principalmente, fazer outras pessoas que não estão familiarizadas com sua história leiam seu roteiro e que você simplesmente o ouça Porque ouvir sua cena pode destacar problemas de ritmo ou diálogos estranhos que você não conseguirá identificar na página, e é só quando você a ouve que percebe : Oh meu Deus, isso Então, algo que parece tão óbvio, mas muito importante, é sempre permanecer fiel à sua história. Cada cena deve servir à sua narrativa geral. Não inclua cenas que não impulsionem a história. Escrever cenas é um processo, e quanto mais você pratica, melhor você se torna, mais natural será criar uma configuração, um conflito e uma resolução que funcionem juntos de forma adequada e eficaz. Agora você escreveu e revisou provavelmente, uma cena completa e adotou o conceito de “ da configuração à recompensa ” e espero que o tenha aprendido ao longo do caminho Mas isso é só o começo. Escrever é um processo contínuo e cada cena que você escrever se baseará nas lições da anterior. Finalize suas cenas com base em tudo o que você aprendeu aqui, compartilhe sua cena com a classe e revise com base no feedback que eu lhe darei e que talvez outras pessoas também lhe dêem Lembre-se de que a melhor maneira de melhorar a escrita de cenas é simplesmente escrever mais cenas e revisar as cenas que você já escreveu , e mal posso esperar para ver o que você cria