Transcrições
1. Introdução: cor é uma das ferramentas mais poderosas que você pode ter como artista, e sabendo usar a cor, pode levar seu trabalho de bom para ótimo. Oi, meu nome é Victo Ngai. Sou ilustrador de Hong Kong. Agora, estou fora de Los Angeles. Hoje, estou aqui para te ensinar sobre cores. Acho que a cor desempenha um papel importante no meu trabalho. Isso realmente me ajuda a provocar a emoção que eu quero, realmente me ajudou a contar uma história, realmente me ajudou a destacar meus heróis. Estou muito animado hoje para falar sobre cores, não porque eu sou o especialista nisso, mas porque eu costumava ser muito ruim nisso. Então eu passei muito tempo dissecando cores, olhando para outras pessoas trabalhando, e eu sinto que eu vim um longo caminho de onde eu estava, é por
isso que hoje, eu estou esperando para dividi-lo passo a passo, e talvez isso possa dar às pessoas confiança para desenvolver sua própria voz em cores. Então, na aula de hoje, vamos começar realmente básico, esta é uma das bases das teorias de cores e da compreensão dos termos. Então vamos olhar para algumas obras-primas, e ver como a cor está funcionando para essas obras de arte, como uma base para construir para sua própria tarefa. Nós não vamos mergulhar super fundo na parte nerd sobre teoria das cores nesta aula, então você não precisa saber muito sobre cores. Tudo o que você precisa realmente é apenas seus olhos e suas mãos para segui-lo junto. Então, se você acompanhar, por
favor, compartilhe seus projetos na galeria de projetos da classe. Eu adoraria ver o que vocês inventaram. Espero que você saia desta aula com a curiosidade e a confiança para experimentar cores. Estou tão feliz que você se juntou a esta aula. Vamos começar.
2. O que abordaremos: Então, se você me disser que há 10 anos eu vou dar uma aula sobre cores, provavelmente
vou rir de você porque ao contrário das linhas, cor é algo que não vem naturalmente para mim. toda a escola de arte, cor tem sido a minha grande fraqueza se perguntar a algum dos meus antigos professores, mas eu trabalho muito duro para superar essa fraqueza
e esse medo, e eu estou realmente animado para compartilhar com vocês o que eu fiz para chegar onde estou neste ponto. Então eu comecei a olhar para o trabalho de outras pessoas, vendo como eles usam cor e não apenas olhando para ele, mas realmente puxando-os para o Photoshop e isolando as cores com conta-gotas, que é o que vamos fazer hoje também. Eu também comecei a olhar para um monte de livros em patentes e têxteis porque eles geralmente têm realmente interessante combinação de cores que é fácil e simples de pegar e roubar para seu próprio uso, e nós vamos fazer isso hoje também. Então, essencialmente, a aula de hoje é como uma versão super condensada do que fiz por mim mesmo nos últimos 10 anos para chegar onde estou agora com minhas cores. Então, como a aula de hoje vai funcionar é que no início, vamos voltar ao básico, familiarizar-nos novamente com a teoria das cores, pelo
menos a base dela, que todos possamos ter um vocabulário comum para falar sobre a aula com. Então, vamos olhar para algumas peças da vida real tentando casar essa teoria da cor com a prática, dissecando o trabalho do artista, e então ver como eles estão usando a cor para sua vantagem. Finalmente, vamos tentar pegar uma paleta de cores existente, dividi-la e, em seguida, criar amostras que podemos usar para nosso próprio trabalho artístico. Mesmo que não saibamos como criar cor ainda, acho que é bastante inato como humano para sentir a cor. Então, quando estamos escolhendo a paleta de cores, nós já tomamos uma decisão de que tipo de emoção eu
quero pegar emprestado de outras peças que podem ser aplicadas à nossa própria, e através do processo de refinar essas cores em nossa própria paleta, também estamos tomando decisões sobre os objetivos que queremos alcançar com essas cores. Então eu criei uma peça só para a aula de hoje. O trabalho é um pouco mais simples do que o meu trabalho habitual hoje em dia. Ele tem um primeiro plano muito claro, meio e fundo,
e eu recomendo que você também tenha um desenho de linha mais simples e composição para trabalhar, modo que não vai complicar as coisas e podemos realmente apenas focar nas cores. Então, só para lhe dar uma expectativa correta, você não vai conseguir um PhD em cores depois disso. Não vamos entrar na teoria de cores super abrangente. Não sou especialista nisso. Isso é apenas algo que funciona para mim e torna a cor menos assustadora. Se você realmente quer ficar nerd sobre cor, o que é muito divertido, eu também incluí um monte de link útil na seção de recursos de classe. Então, à medida que você segue, você pode notar que as cores são diferentes das filmagens da minha tela do que o vídeo real capturado na tela, que simplesmente não pode ser ajudado por causa da luz, do brilho, do fator ambiente. Então, se você está se perguntando qual é a cor mais precisa, será a captura de tela. Então essa seria a que você faz referência à cor. Então, hoje o que você precisa para esta aula é Photoshop ou algum tipo de software digital, como Procreate, se você estiver usando um iPad. Vou trabalhar no computador hoje e neste belo tablet. Você não precisa de algo tão chique. Você pode usar o que você usa como iPads ou um pequeno tablet simples para desenhar. Como as cores existem em um ambiente, eu gosto de otimizar meu espaço de trabalho e ter certeza de que eu não estou recebendo distração desnecessária, então eu estou realmente vendo a cor que eu deveria estar focado. Então, quando estou em casa, o que não estou agora, meu espaço de trabalho está virado para uma parede em branco. Isso me dá distração mínima. Eu tenho que ter certeza de que minha tela não está diretamente sob qualquer luz ou brilho. Se você é super particular sobre se certificar de que as cores em sua tela parece certo, você pode obter aqueles capuz monitor que se parece com blinders que eles colocam em um cavalo. Eu acho que também manter as cores focadas na tela. A outra coisa que eu gosto de fazer é definir minha área de trabalho para um cinza médio. Também defini o plano de fundo do Photoshop para cinza médio, que não fique contaminado com cores quando estiver tomando decisões. Então, quando comecei a publicar meu trabalho, notei com grande consternação que a cor estava errada na palavra impressa. Então eu olhei para ele e descobri que aparentemente, todos os monitores têm configurações de cores diferentes, que eu não sabia antes. Então, o
que você vê, o que você passa horas tentando afinar seu monitor pode parecer totalmente diferente no monitor de outras pessoas e impresso. Uma coisa que realmente me ajudou foi um calibrador de cores que é esse cara pequeno. Existem muitas marcas que fazem isso. Isso é exatamente o que eu uso. Então, essencialmente, o que ele faz é que o software irá executar essas amostras de cores em sua tela e você apenas colocar esse cara pequeno, como este na tela para que ele vai medir o quão preciso essas amostras de cores está vendo e calibrar seu máquina dessa forma. Então agora minha cor na impressão é muito mais precisa, obrigado por este pequeno material extra. Uma coisa que você pode não saber é que também seu monitor é como um organismo vital. Assim, a cor muda com o tempo à medida que a tela envelhece. Então, mesmo se você calibrá-lo, é bom ter o hábito de fazê-lo de vez em quando, como uma vez por mês. Então sinta-se livre para acompanhar qualquer uma das dicas de configuração ou não. Você não tem que fazer nada disso e você ainda pode acompanhar. Agora, que estamos prontos, próximo passo, vamos mergulhar nas cores.
3. O poder e as armadilhas das cores: A maneira como devemos abordar a cor tem que ser muito atento. Antes de começarmos a adicionar cor aleatoriamente em uma peça, precisamos nos perguntar quais são os objetivos de fazer isso. Ter os objetivos nos ajuda a tomar decisões ao longo do caminho, em vez de apenas tentar cegamente as coisas. Normalmente, para mim, há três objetivos principais quando eu uso cor. A primeira é tentar pensar sobre o tipo de sentimento que estou tentando transmitir. A segunda é ver como posso usar cores para mover os olhos e contar a história dessa maneira. O terceiro está trazendo o mundo da arte vivo com as cores. Então falando sobre como as cores realmente dão vida às coisas, eu assisti recentemente um documentário feito por Peter Jackson. Então ele usou todas as pegadas pretas e brancas da Primeira Guerra Mundial, mas nós as dominamos com cores. Primeira parte do filme antes da Grã-Bretanha entrar em guerra e o soldado aterrissou no continente e estava em preto e branco. Uma vez que entramos nas trincheiras, de repente tudo se tornou colorido e esse contraste foi bastante poderoso. Nós sempre vemos o preto e branco como história antiga mas de repente agora outras pessoas se sentem muito mais reais, e então você pode ver o flash da cor, a pressa em suas bochechas e, de
repente , você percebe como Jovem aqueles soldados eram e realmente te ocorreu que você estava enviando um monte de crianças para a guerra e eu senti como se isso fosse muito emocional para mim assistindo. Agora, vamos usar outro exemplo do meu próprio trabalho. Este era para um livro chamado Kama Sutra, alguns de vocês podem estar familiarizados com isso. Isso é sobre essencialmente amor e também sexo, muito diferente do assunto da Primeira Guerra Mundial, obviamente. Nesta cena, vemos um pouco do deleite da tarde de um casal esgueirando-se um aconchego e um arco. Como você pode ver na peça de cor
o calor do vermelho e do amarelo realmente realçam o momento do tempo e a temperatura e o romance por causa disso e agora transformamos isso em preto e branco. De repente, estamos perdendo todo esse humor e também os diferentes elementos se tornam um pouco mais difíceis de ler. Então, há algumas armadilhas comuns quando se trata de usar cores. Normalmente, está indo a extremos como ser muito ousado. Então você está usando todas as cores que você possivelmente pode e usando todas elas ao
extremo quando se trata de saturação ou você seria apenas
muito tímido, muito ficando no intervalo médio do valor da tonalidade, então tudo está faltando um clareza ou hierarquia. Então eu sempre acho muito interessante como nossos sentidos e nossa conexão funcionam juntos. Eu li este artigo realmente interessante sobre como alguém analisar a Odisseia de Homero e como em todo o livro eles descrevem todos os tipos de cor, mas uma cor estava faltando em particular que era azul, ea maneira como eles estavam descrevendo o mar era usando cor profunda do vinho. Alguém estava fazendo a suposição de que por causa disso, nós realmente não poderíamos ver azul por muito tempo, pelo
menos para a antiga civilização ocidental. Isso me fez pensar como linguagem de alguma forma. Agora, temos todas essas palavras diferentes para cores diferentes. Isso realmente nos ajuda a ver essas cores separadamente e de forma mais distinta. Mas também tira a cor do seu contexto, então pensamos na cor como vermelho, como amarelo, como verde, como azul e nós os vemos embalados também tubos
indiferentes de tinta como todos separados. Mas se você realmente pensar sobre isso cor nunca excesso em isolamento. Se você olhar ao redor em seu redor, não
há como apenas vermelho,
vermelho se destacando, está sempre dentro de seus próprios contextos. Então a cor é mais deste tecido de mudança de tons e valores e às vezes é fácil esquecer isso e isso se torna um desafio ao aplicar cores. Hoje em dia, com a ferramenta adicional, ela interrompe ainda mais essa relação porque antigamente, quando você mistura cor com tinta, você está fisicamente combinando os pigmentos para criar novas cores. Então, se você começar com cinco tubos ou tinta e, em seguida, você criar 20 cores, todas essas 20 cores têm os mesmos pais partir dos quais eles foram criados, então eles têm uma harmonia herdada que é construído em. Mas enquanto agora você pode simplesmente usar seu seletor de cores e escolher as cores que quiser do Photoshop e é muito fácil acabar com algo que se parece com vômito de arco-íris. Isso só parece chocante. Há também esse equívoco prevalecente quando se trata cor e eu sinto que isso também tem algo a ver com nossa linguagem e nosso vocabulário. Por exemplo, quando pensamos em algo que é brilhante, pensamos em adicionar branco. Se pensarmos em algo escuro, pensamos em adicionar preto,
mas isso realmente cria paleta de cores muito sem vida, porque tudo em nosso entorno é realmente misturado com várias cores em vez de simplesmente adicionar preto ou branco. O mesmo que as pessoas pensam : “Se eu quiser fazer uma imagem parecer realmente brilhante, então eu tenho uso de cores saturadas. Parece que faz sentido na nossa mente, na lógica, mas vou mostrar-vos algumas peças que isso vai refutar isso.
4. Como falar sobre cores: Então, o primeiro passo vamos falar sobre os princípios das cores. Antes disso, vamos rever as terminologias para que possamos estar
todos na mesma página quando estamos tendo a discussão sobre cores. Como você pode ver aqui, temos matiz, valor e saturação. Alguns dos termos mais comumente usados quando discutimos cores. Então matiz essencialmente é apenas cor. Diferentes tons significam cores diferentes, como você pode ver aqui, e valor significa os diferentes tons de cor, como mais claros ou mais escuros. Saturação essencialmente significa quão pura essa cor é, quão intensa essa cor é, e quão cromática essa cor é. Então, o que a saturação de valor de matiz e realmente se
parece quando abrimos o seletor de cores e o photoshop? Então é assim que você lê, esta pequena barra enquanto você muda, você está mudando tons diferentes. Então você está escolhendo cores diferentes. À medida que você vai da esquerda para a direita, esse é o aumento da intensidade ou o aumento da saturação dessa cor. À medida que você vai de cima para baixo, você está mudando o valor dessa cor. Então, a parte superior é mais clara e a desvantagem é mais escura. Às vezes, você pode ouvir as pessoas descreverem cores como cor legal ou cor quente. Isso significa apenas onde a cor fica na roda de cores. Então todas as cores quentes estão no céu como você pode ver. Coisas que estão relacionadas ao sol ou ao calor são a cor quente. Azuis, roxos, estas são as cores legais. Mas se você quiser realmente entrar nele mesmo como vermelho, pode
haver um vermelho quente ou um vermelho frio. Um vermelho frio só significa que tem mais azul nele, e um vermelho quente apenas significa que tem mais laranja nele. Agora que estamos claros sobre as terminologias, tenho cinco pontos-chave que sempre tenho em mente quando estou projetando minha paleta. Os cinco pontos-chave são: número um, relatividade de cor. Número dois, consistência de cor. Número três, contraste de valor. Número quatro, cores de sotaque. Número cinco, proporções em cores complementares. A importância de entender esses pontos-chave não é ficar com eles, mas entender realmente por que e o que eles fazem. Dessa forma, você pode usá-los e
quebrá-los para alcançar o que você deseja transmitir com sucesso também.
5. Princípio 1: relatividade: De alguma forma, a cor é muito semelhante aos alfabetos. Se eu te der tipo A, D ou F, não significa nada, mas só quando eles estão juntos e formam um relacionamento, então você tem o significado, e a cor é exatamente assim. Então, por que é tão importante entender que a cor funciona no relacionamento? É porque quando nosso cérebro absorve cores, traduz essas cores em significados, como temperatura, hora do dia ou objetos. Então, como artista, o que queremos fazer é aproveitar o poder da cor e recriar todos esses significados para nosso cérebro com cores. Então aqui eu tenho alguns exemplos simples para mostrar como cor pode parecer drasticamente diferente quando é colocada em cores vizinhas diferentes. O primeiro exemplo acima é matiz relativa. Por exemplo, neste caso, essas duas cores parecem muito semelhantes ou algumas podem dizer, elas são da mesma cor. Mas realmente, se você colocá-los em um fundo neutro, torna-se realmente evidente que eles são totalmente diferentes de cor, e agora eles parecem super diferentes. É só porque eles são colocados em tons diferentes, e isso faz com que eles se pareçam com dois retângulos cinza. Está bem. Agora, vamos passar para o valor relativo. Neste caso, muitas pessoas podem jurar que esse retângulo é muito mais leve em comparação com este, mas agora vamos remover a cor vizinha. No cinza neutro, os comentários lá fora são exatamente a mesma cor. Então, agora, vamos falar sobre a temperatura relativa. Temperatura significa apenas se uma cor é mais quente ou mais fria. Neste bloco, a cor parece mais quente do que este bloco. Mas se removermos a cor vizinha, percebemos que são da mesma cor novamente. A razão pela qual este parece mais quente é porque está rodeado por uma cor mais fria. Então, um ótimo exemplo de como a cor funciona na relatividade é este vestido azul infame contra vestido branco. Muitas pessoas provavelmente se lembram e participaram neste debate. Este exemplo realmente mostra como quando as pessoas estão focando na cor real do vestido ou eles estão tentando decodificar a cor
do vestido usando informações com um ambiente e luz, você pode ver cores totalmente diferentes. Eu realmente como azul e preto no início, mas quando eu tentei me concentrar em outros aspectos da imagem meu cérebro foi capaz mudar por um segundo para ver que sendo ouro e branco, e isso foi super selvagem. Então, como você pode ver, esta é a foto original que foi tão controversa. Se a editarmos para reforçar certos aspectos dessa foto, por exemplo, torná-la mais brilhante, agora ela se parece muito mais com ouro em um vestido branco. Mas se o tornarmos mais escuro, agora parece muito mais com um vestido azul com guarnição preta.
6. Princípio 2: consistência: Então, agora, vamos falar sobre consistência de cores, que significa que
a cor deve viver no mesmo mundo se você quiser transmitir um mundo credível que é. A razão pela qual isso é tão importante especialmente hoje em dia com a ferramenta digital é porque as cores existem no vácuo. Basta escolher a cor que quiser, enquanto que antigamente, você está misturando o pigmento, o problema era que a cor tende a ficar enlameado. Agora, há a cor simplesmente não ter relação um
com o outro se você não está ciente de construir esse relacionamento. Para transmitir por que a consistência da cor é importante, eu peguei emprestado uma peça de Tomer Hanuka. Então você pode ver esta bela peça aqui. Ele estabeleceu um sistema de cores. Assim, a área clara é representada aqui com o azul e, em seguida, a área mais escura e a parte da água é o roxo. Então, quando a luz bate, você vê o azul e ele pensa que emergem como o roxo. Eu fiz um slide rápido com a saturação de matiz. Eu apenas deslizo todo o caminho para 180. O que ele faz é mudar todas as cores aqui para o outro lado do espectro de cores. Como você pode dizer, porque todas as cores foram deslocadas juntas, o sistema de cores que ele construiu ainda está se mantendo unido. Aqui, a luz está em rosa e a água e a sombra estão neste verde-oliva. Mas quando eu começo a me divorciar de certa parte desta imagem, eu coloquei uma máscara de camada aqui e só agora a parte do corpo das pessoas está sendo deslocada para o outro espectro da cor. Você pode ver que as pessoas estão começando a realmente sair do fundo, mas não de uma maneira boa. Não há mais consistência com a luz
no fundo com este efeito sobre as pessoas, e eles simplesmente não parecem estar submersos na água mais. Então eu acho que o que realmente me ensinou olhando para a arte dele é que sua cor não precisa ser real no sentido de que ela se parece com o que vemos todos os dias, mas desde que você estabeleça essas regras consistentes de cores no mundo que você cria, ele ainda vai ler, porque aqui nós estabelecemos claramente a luz como o azul e, em seguida, a água como o roxo. Entendemos instintivamente que as pessoas não são realmente pessoas azuis. É que eles estão submersos na água. Em alguns casos, porém, quebrar a consistência da cor pode realmente ser uma boa ferramenta também. Um grande exemplo é Marilyn Monroe, de Andy Warhol. Como você pode ver, todas as cores estão por todo o lado e é
isso que dá uma estática realmente pop e plana para a imagem, e é isso que o artista estava procurando.
7. Princípio 3: contraste de valores: A seguir é o contraste, e podemos pensar no contraste como esse gradiente que estamos vendo, com o branco absoluto sendo zero e o preto mais escuro sendo 10. Então, aproveitando o poder do contraste, você pode efetivamente direcionar os olhos das pessoas e para onde elas vão olhar em sua imagem. Então aqui, temos dois exemplos. O contraste é um pouco mais claro do que nesta foto aqui, que eu puxei da Internet. Esta arte é de Eyvind Earle. Ambas as imagens, você pode ver, é uma cena florestal com um caminho bem claro que leva a algum lugar. Então, agora, vamos descartar as cores, para que possamos realmente ver através da estrutura de valor. Então, como você pode ver agora com ambas as imagens em preto e branco, o caminho que era óbvio, e a imagem, e a foto aqui se tornam meio perdidos. Então o que isso está nos dizendo é que a cor era aquela que fazia o trabalho pesado e dirigia os olhos nesse sentido. Considerando que nesta imagem, ainda
podemos ver o caminho e como os olhos lêem claramente seguindo o maior contraste aqui em primeiro plano, e então fluindo um contraste mais baixo aqui no meio do chão, e depois para o céu, que tem um valor de contrato muito próximo com o branco. Você pode se perguntar por que estamos falando de contraste de valor preto e branco, quando esta é uma classe de cores. O contraste de valor é provavelmente as ferramentas mais poderosas para direcionar nossos olhos. Então o que ele faz com um valor sólido é que ele congela ou elabore as cores, como desde que o sistema do vale esteja muito configurado. Você pode tipo de usar cor louca e a imagem ainda vai ler muito bem. Esta imagem tem uma hierarquia de valores muito bem configurada com o maior contraste em primeiro plano, então nossos olhos meio que seguem isso. Em seguida, no meio do chão com o contraste em torno como 5-0 e, em seguida, para o fundo com um contraste em 2-0. Então temos esta árvore escura bem aqui e com sua sombra tipo de levar nossos olhos de volta para o centro e então todo o círculo se repete. Então nossos olhos continuam investigando a cena, ao invés de simplesmente cair fora da imagem. Então este exemplo é realmente muito bom em mostrar como o valor está fazendo o trabalho pesado na direção de nossos olhos. O que eu fiz foi realmente mudar as cores nesta imagem, mas seguindo a mesma estrutura de valor. Como aqui, as árvores são azuis mais escuras. Ele não tem um número de valor tão alto como perto de preto e o original. Mas no relacionamento, ele ainda segue as regras semelhantes e ainda está muito, muito bem. Neste caso, torna-se um marrom, como a cor borgonha. Mas a estrutura de valor ainda é a mesma que o original e ainda correu muito bem. Neste, a paleta de cores foi deslocada para roxo, mas ainda assim a mesma estrutura de valor e ainda funciona. Isso é essencialmente o que eu quis dizer com uma hierarquia de contraste sólida pode realmente liberar suas paletas coloridas. Então, o que eu realmente gosto de fazer quando trabalho no Photoshop é ter uma camada de saturação de matiz no topo. Então, quando estou trabalhando, eu costumo voltar e verificar a camada de saturação de matiz com a saturação virada para baixo apenas para ver como minha estrutura de valor de peça se parece em preto e branco. Esta é também uma boa maneira de refrescar seus olhos depois que você desligar essa camada e, em seguida, ver as cores novamente, e que muitas vezes me ajudar a tomar decisões de cor.
8. Princípio 4: cor de destaque: Outra ótima maneira de mover os olhos ao redor desta vez usando cores são as cores de acento. Então, o que é a cor do sotaque? Geralmente é colorido como tigela com alta intensidade, e usado com moderação em toda a imagem para direcionar a direção dos olhos. Mas nem sempre tem que ser cores de alta intensidade. Depende realmente da relatividade geral da cor na peça. Então, na peça que é principalmente por exemplo, como laranja brilhante, você pode ter alguns pontos de verde mutante, e isso poderia realmente ser a cor do acento. Aqui está outra peça do nosso amigo Ivan. Neste exemplo, o vermelho claramente é a cor do acento e a visão do azul frio. Então os nossos olhos vão para lá imediatamente. Você pode ver que ele também está usando seus truques de contraste novamente, onde o tronco aqui é preto, preto
mais escuro, com este telhado, o branco é branco onde é vizinho, e é aqui que nossos olhos são atraídos. Agora, podemos olhar para ele em preto e branco. Então, sem a cor do acento. O contraste mais alto ainda está aqui, mas leva um minuto para chegarmos aqui, em vez de agora, foi muito imediato. Aqui está outra obra-prima de John Singer Sargent de usar a cor do sotaque. Como você pode dizer, o vermelho é usado um pouco e cor de acento, porque o vermelho é uma das cores que tem o impacto emocional mais forte para nós humanos, vez que o interior do nosso corpo é vermelho. Vemos que o sangue é vermelho. Normalmente, tem um efeito de alerta. Neste caso, uma configuração, a parte três vermelha do vestido, o vermelho rosado da boneca e o vermelho do particionador espacial, formam uma composição triangular clássica. Isso apenas manter movendo nossos olhos ao redor, e realmente ter essa imagem ativada. Agora, eu tenho esta camada de ajuste com o desligamento vermelho. Ele realmente mudou para azul, e para uma tonalidade semelhante ao resto da imagem. De repente, você pode notar que o contraste aqui se torna muito mais proeminente. Nossos olhos vão direto para aqui e depois caem da página, porque não temos a agência para nos trazer de volta e continuar o lindo círculo nesta composição. Como a cor do acento é tão eficaz, é realmente importante que a coloquemos sabiamente. Tome essa peça de Ivan como um exemplo. Se cortarmos ao meio, bem na borda, isso realmente leva nossos olhos para a borda, e então caímos da página. Porque não há outro elemento ou outros vermelhos por aqui para nos trazer de volta, a circulação acaba de parar. Eu acho que um dos objetivos de criar uma imagem, é manter nossos olhos na imagem o maior tempo possível. Como aqui, nós temos o vermelho, e então ainda temos essa pequena sala de respiração que traz isso aqui, e então este é um grau médio de contrastes que nos levam direto de volta para a casa, e ele continua e continua.
9. Princípio 5: proporção: Quando falamos sobre relação de cores, o que realmente estamos falando é decidir e deixar uma cor ser a líder, e então deixar outras cores jogar a regra de suporte. Isto é especialmente verdadeiro quando se trata de cores complementares, como verde e vermelho. Cores complementares significam apenas cores que estão sentadas em frente umas às outras, opostas umas às outras na roda de cores. Então, quando as cores complementares são usadas em partes iguais, seja em tamanho ou intensidade, elas diminuem umas às outras em vez de criar essa bela energia cinética, que pode ser quando elas são usadas bem. Então aqui está uma bela peça de Julia Noni, uma das minhas fotógrafas de trabalho favoritas agora. Sua composição como você pode dizer é incrível, mesmo com sua compreensão da estrutura de valor, mas o que eu mais amo é seu uso de cores complementares. Aqui temos este dominante vermelho brilhante, e depois completado com este verde azeitona silenciado, que combinam e derretem perfeitamente nesta figura escura, criando uma silhuetas bonitas. Então eu sabotei mudando o verde para a mesma intensidade que o vermelho. Também trazendo mais verdes, então agora a proporção da cor verde ocupa o espaço é a mesma que a quantidade de espaço que o vermelho está ocupando. Como você pode ver, tornou-se um pouco confuso para os olhos dela. Agora as duas cores estão lutando por atenção. Em vez de se apoiarem uns aos outros, eles estão realmente tornando a peça muito mais fraca em comparação com a original. Então, neste ponto da aula, vamos olhar para o trabalho de outro artista através lentes
dos pontos-chave que acabamos de falar. Então você sabe que eu não estou apenas inventando coisas.
10. Cor no trabalho: obras-primas: Então, para mim, uma das melhores maneiras de realmente aprender sobre cor e também
desmascarar ao longo do equívoco de cor é olhando para outras peças de artistas, realmente dissecando, e ver por que a cor sente ou transmitir a mensagem como eles fazem em suas forma sistemática, não apenas puramente sentimento porque o sentimento pode ser muito enganador. Eu acho que quando vemos uma obra-prima, tudo vem tão bem junto que quase tomamos isso como garantido. Há um ditado de Picasso : “É preciso um pouco de esforço para parecer sem esforço.” Então, quando vemos algo que é tão fácil, temos que nos lembrar que cada pincelada na tela foi uma decisão ativa. Então esta é uma peça chamada Pesca de Ostras em Cancale de John Singer Sargent. Ele é realmente um mestre quando se trata de cor e composição. Você pode notar que há como todos esses remo de água na praia e pensar, ok, claro, praia, remo aquático, e daí? Certo? Mas então, se você cobrir o remo, como o que eu fiz nesta versão manipulada, de
repente a imagem fica muito mais estagnada. Sem o remo de água, não
há mais circulação em torno da parte superior da imagem para o fundo e ter seus olhos circulando em torno das figuras, e aqui está, no original e aqui na minha versão de sabotagem, então você percebe o quão genial é colocar essas pontas de remo para que possa refletir essas cores azuis celeste. Novamente, se você apertar os olhos, essa é uma boa maneira de diminuir o impacto da cor e ver o valor, então você verá que o contraste mais alto está por aqui,
e é aí que seus olhos vão se concentrar. Agora vamos dar uma olhada nessas peças de arte conceitual para Cinderela de Mary Blair. Você pode pensar que a cor mais brilhante aqui é esse rosa e vamos dar uma olhada. Não está muito
saturado, está no meio. Agora vamos dar uma olhada nessa parte. Está ainda menos saturado, no intervalo de um terço. Então vamos dar uma olhada na sombra. É na verdade em torno da mesma saturação que o rosa se não azul, mas mais para o lado direito, então é realmente mais saturado. Muitas pessoas realmente não percebem, geralmente a cor mais saturada é
a cor mais escura e a cor da sombra como esta parte. Para ilustrar ainda mais esse ponto, vamos olhar para uma peça de Monet. Novamente, aqui o rosa parece muito vibrante, e então vamos pegá-lo e ver como isso se parece. Novamente, é muito neutro. Isto é como nem mesmo a meio caminho através da saturação que entendemos que está levando da esquerda para a direita, e vamos olhar para estes belos verdes brilhantes aqui. É bem no meio, novamente não muito brilhante. E os amarelos aqui? Novamente, bem no meio. Agora vamos dar uma olhada na sombra. De repente, saltamos para o limite. Agora vamos dar uma olhada neste exemplo de Victor Higgins. A estátua é uma praticamente brilhante de luz. Vamos dar uma olhada na saturação disso. Quase não há cor nisso. Mesmo as asas, é apenas apenas no meio, a parte mais leve realmente tornou-se menos saturado. Então, nesta peça, o que realmente contribui para o efeito brilhante é o contraste porque mesmo no preto e branco, realmente
parece que há muita luz sendo refletida pela estátua, mas agora como podemos ver em preto e branco, a leitura se torna muito mais unidimensional. Nós ampliamos a estátua e
, em seguida, talvez ver um pouco dos destaques aqui e, em seguida, é isso, e então, se voltarmos para a versão colorida, aqui está um belo uso de cor complementar com o verde, SIS na cor. Como você pode notar, este é o único verde brilhante em toda
a imagem e ambiente vermelho dominante. Então nós podemos primeiro ver o maior contraste com este real e então vamos seguir este real com nossos olhos, e ficar em torno desta fêmea e imaginar o que ela está olhando, e ela está aqui claramente como a heroína deste imagem sendo estabelecida por esta excelente cor. Aqui está uma bela peça de Arthur Hecker. A cor dá tanta luminosidade e realmente faz você se sentir como a menina está na frente de uma lareira e que é a cor de poder tem quando ele é usado direito. Não vemos a fonte de luz, mas podemos sentir o calor e a temperatura. Enquanto eu estava na faculdade, meu professor Chrisbis Ali disse uma vez que uma boa obra de arte deveria ser embalada com adjetivo em vez de apenas substantivo. Por exemplo, nesta peça, os substantivos são; menina, gato, bules, mas a razão pela qual esta peça é tão grande é por causa
do adjetivo que podemos encontrar nela, como calor ou luminoso. Isso é o que realmente nos dá a sensação que temos em relação a esta peça, e agora vamos dar uma olhada neste verde fluorescente praticamente brilhante aqui. É como saltar para fora da página, mas vamos pegar um seletor de cores e ver o quão saturado ele realmente está. Quase não é um verde, é como se esta luz fosse de cor cinza. Vamos dar uma olhada na outra parte do verde. Ok, então isso em leitura como um verde, mas ainda muito um verde [inaudível], e a razão pela qual esses verdes parecem tão certos ou saturados para nós é precisamente por causa da relatividade de cor que falamos. Tudo o resto é muito vermelho-alaranjado e por causa disso, eles parecem muito mais verdes do que realmente são. Agora que olhamos para as peças de muitos mestres, agora vamos dar uma olhada no aluno dos mestres, que sou eu, e ver como eu aprendo as coisas com meus heróis e aplicá-lo ao meu trabalho.
11. Cor no trabalho: projeto do cliente: Aqui está a capa do livro “As Crianças Verdes de Woolpit “que fiz recentemente. Eu sinto que quando você está trabalhando em um projeto com texto, há sempre uma pista para colorir e sua tarefa, e este caso é bastante
óbvio, são as crianças verdes. As crianças são verdes e vieram de um mundo que é todo verde. Então faz sentido para mim que a cor também deve ter uma tonalidade verde e é assim
que eu primeiro estabeleço o tom geral da imagem. Além de serem verdes, as crianças também são assustadoras. Eles vieram de outro mundo subterrâneo. É um mistério ao longo da história se eles são bons ou são maus para os humanos. Então, queremos uma sensação de mistério nessa capa. Decidi dar-lhe como uma situação de pouca iluminação para melhorar esse sentimento de desconhecido. Quando vemos com pouca luz, nossos olhos tendem a ver os azuis e os verdes melhor do que vemos os vermelhos. Os vermelhos tendem a tornar-se mais preto e cor escura. Então vamos falar sobre esta peça com os cinco pontos-chave que cobrimos até agora. A primeira é a relatividade, que realmente é entender a cor e vê-las como um tecido contínuo. Então isso é mais como um pano de fundo contínuo para as outras quatro coisas sobre as quais falamos. O segundo ponto é a coerência. Esta peça, por exemplo, é um ambiente de pouca luz com uma tonalidade verde. Então tudo tem que viver nesse mundo para sentir que pertence. Também estou usando o valor que falamos para estabelecer um tipo de movimento ocular. Nossos olhos estão sendo atraídos para essas crianças e então
seguimos essa forma escura de curva subimos e vemos a garota aqui que também é uma heroína na história. A curva da forma também dirige o olho, que é mais no lado da composição diferente do que falamos hoje com valor e cores nos trazer de volta para essas crianças. O quarto ponto é a cor dos acentos. Neste caso é o vermelho aqui. Eu uso muito moderadamente e apenas em torno da área que eu quero que seus olhos realmente se concentrem. Um pouco acima, então, para criar a circulação
que vemos na peça John Singer Sargent, vimos mais cedo. O último ponto é a proporção, que está intimamente ligada com a cor do acento também. Imagino que se eu tiver vermelho em todos os lugares e tiver este vermelho a mesma intensidade que este verde. Podemos dar uma olhada. Este verde está em torno do meio do lado da saturação. Então podemos dar uma olhada neste vermelho é muito mais silencioso ou mesmo aqui. É muito mais silencioso e mais escuro. Assim, apoiam-se uns aos outros em vez de competirem uns com os outros. Agora, quando estamos trabalhando em algo como este, que é uma capa de livro com tipo sobre ele, temos que considerar o tipo como parte da composição e, portanto, considerar como impacto de valor também. Então aqui está um exemplo da mesma capa sem o tipo. Como você pode ver, o valor, de
repente, parece muito mais silencioso. Com o tipo, a estrutura de valor se sente muito mais concluída. Agora que já abordei os pontos-chave e mostrei vocês como disseco a peça de outro artista, por que vocês não escolhem uma peça que realmente gostem e a tragam para o Photoshop, usam a ferramenta Conta-gotas para realmente entender o cor. Talvez transformá-lo em preto e branco também para ver como sua estrutura de valor se parece. Agora, que passamos por tudo isso, estamos entrando na parte excitante da turma,
que é roubar a paleta de outras pessoas e, em seguida, fazer a sua própria.
12. Prepare sua obra: Então, o que vamos fazer agora? Primeiro, pegamos uma paleta limitada. Então, o que significa uma paleta limitada? Eu acho que por causa desta classe, isso só significa que uma palete consiste em menos de 10 cores, incluindo preto e branco. Agora, você pode pensar que isso soa muito. Mas se você realmente fez o exercício que nós apenas definimos como escolha de cores, outros artistas trabalham, você percebe no trabalho pintor, há mais de milhares e cores e no trabalho gráfico, geralmente há mais de 10 também. Então eu acho que 10 cores é um bom lugar para começar a ter uma boa seleção de interferência de cores, visualizações, valores e saturação. Vamos construir sobre isso para ter uma segunda geração de cores que foi gerada a partir do primeiro conjunto de amostras que tiramos de outras pessoas. Então, agora, vamos falar sobre o que a arte seria boa para este exercício. Este é o esboço que preparei para esta aula. Acho que é uma boa ideia escolher algo um pouco mais simples. Então podemos realmente nos concentrar nas cores e não nos confundir com a complexidade da imagem. Então, neste, temos um primeiro plano claro, um herói claro que é a menina, e então temos o meio termo. A árvore era um pássaro nele e o fundo que é apenas o céu, hierarquia
bastante simples, e três elementos principais que estávamos trabalhando com. Antes de realmente entrar em cores, eu só quero falar um pouco sobre o modo de cores porque isso era algo realmente confuso para mim e talvez confuso para você também. Então o modo de cor pode ser alterado aqui. Principalmente trabalhamos com dois modos de cores, um é RGB e outro é CMYK. RGB é a mistura de cor clara, vermelha, verde e azul e é assim que os monitores exibem as cores, e o CMYK é uma separação de quatro cores que está sendo usada pela impressão industrial. Então C é ciano que é azul, M é magenta que é vermelho, Y é amarelo que é amarelo. K é preto porque na parte de trás dos dias em que a cor realmente atuaria em placa, o preto é chamado de uma placa chave. É por isso que agora é o caso CMYK. Nós também devemos dar uma olhada na configuração de cores porque você percebe que dentro RGB e CMYK, existem diferentes espaços de trabalho, bem como, e esta é provavelmente a parte mais confusa. Aqui agora, estamos no sRGB, que é a configuração padrão para a maioria dos monitores, maioria das câmeras e a maioria dos navegadores de Internet. Se você descer, abra isso e verá que há outra opção, muitas outras opções. Então, outro comum é o Adobe RGB. O Adobe RGB tem uma gama mais ampla de cores que é cerca de 35% mais do que sRGB. Você pode pensar que mais é melhor. Em algum caso, sim. Porque ele tem mais cores, é capaz de ser mais preciso cor se você imprimir uma peça com a configuração Adobe RGB. Mas quando você tenta mostrar seu trabalho on-line, a cor tende a ficar mais maçante e murmúrio porque os navegadores da Internet não conseguem ler toda essa cor no Adobe RGB. Então eu acho que para este projeto, se você está pensando principalmente em mostrar seu trabalho em
nossa sala de aula ou no Instagram ou on-line, então sRGB é provavelmente o caminho a seguir. Mas se você está querendo imprimi-lo, por exemplo, com uma impressora de dólar de ausência agradável, então Adobe RGB é o caminho a seguir. Se você vai produzir isso em massa e enviá-lo para pressionar, então CMYK é o caminho a seguir. Este é um espaço de trabalho muito comumente usado para CMYK. Enviamos isto para o RGB. Vou escolher a para a teia. Aqui, eu tenho um desenho de linha acabado que foi baseado no meu esboço. Como você pode ver é bem perto. Eu sempre digo que é importante passar mais tempo com seu esboço porque há uma maneira rápida de
corrigir qualquer problema de composição antes de entrar no desenho final da linha. A última coisa que você quer é passar horas no desenho e depois perceber que a coisa toda tem uma base de composição muito fraca. Então aqui estamos nós e o que eu gosto de fazer antes de adicionar cor e Sue apenas criar apartamentos. Se isso não está familiarizado com você, apartamentos são essencialmente como artistas de quadrinhos trabalham. Significa apenas forma uma cor plana e não a cor final, assim como espaço reservado para cada elemento principal. Então, a cor desse elemento pode ser facilmente alterada. Então a ferramenta de laço é algo que eu uso muito. Eu uso um magnético também porque agora o contraste é bastante alto, então é muito fácil de selecionar. Então o que o laço magnético faz é
que é uma espécie de encaixe em lugares com alto contraste. Então, como você pode ver aqui, eu estou vagamente seguindo a orientação e ela se encaixou no lugar. Não vai ser 100% preciso. Mas podemos sempre voltar e consertar isso mais tarde. É apenas uma maneira rápida de fazer os apartamentos em vez de usar
a ferramenta de laço regular, porque então você tem que ser super estável com a mão. Agora, tendo feito encaixe magnético, permite apertar as mãos. Depois abrimos uma nova camada e preenchemos essa cor. Agora, quando você preenche a cor, você não quer usar realmente louco como néon, verde ou azul ou magenta porque isso vai estragar seus julgamentos de cor. Então eu tendem a ficar no neutro, e talvez se você tem cores que você já sabe que você quer usar nesse intervalo. Eu sempre gosto de organizar minhas camadas e pastas aqui. Então, quando você tem um monte de camadas diferentes que não será super confuso. Então aqui, nós temos esta camada preenchida, e então você apenas continua. Então, como você pode ver aqui eu já fiz a seleção, agora apenas adicionando cor a ele. Então eu posso ler qual camada é qual. Neste ponto, realmente não importa a cor que você coloque. Como uma árvore
cinzenta, não significa que tenho de ficar cinzenta. É fácil para você
distinguir uma parte da imagem de outra parte da imagem. Então aqui, eu estou praticamente feito com a maioria das grandes formas. Você pode ver com a mulher aqui, eu a quebrei em três partes. O vestido aqui, o corpo aqui e o cabelo. Agora, a árvore ainda está, a licença é apenas uma parte com o galho como uma segunda parte, e depois o pássaro em cima. Então agora, vá em frente e escolha um pedaço de trabalho de você que compartilhe qualidade semelhante com o exemplo que eu acabei de dizer, forma
mais simples, primeiro plano claro, meio termo e fundo, e então vamos mergulhar nas cores.
13. “Roube” uma paleta: Então, como eu mencionei antes quando eu comecei, cor era uma das minhas maiores fraquezas quando se trata de fazer imagens. Às vezes eu tenho um sentimento muito particular de que eu quero transmitir com minha arte, mas eu não tenho exatamente certeza de como esses sentimentos se parecem em cores, ou às vezes eu quero usar uma cor particular muito, mas não tenho certeza do que outras cores eu posso puxar para suportar essa cor herói, e o que realmente me ajudou pessoalmente é
navegando um monte de paleta diferente e, em seguida, puxando-os, e apenas para cima roubá-los e tentar fazer isso funcionar com a minha própria peça, e isso é o que vocês vão fazer hoje também. Bem-vindo ao Dark Side. Eu adoro isso. Muito bem, o nosso lado negro não é assim tão sombrio. Apesar de estarmos roubando, não
estamos roubando tudo. Eu acho que é muito importante que você roube de artistas que funcionam muito diferente de você. Então, mesmo se você usar exatamente a mesma paleta, seu trabalho no final será totalmente diferente. Além disso, quando usamos sua cor é geralmente apenas a base. Nós vamos construir sobre isso, e então desenvolver a cor mais para se adequar à peça em que estamos trabalhando. Então, no final, não vai se parecer
com a paleta de cores original que você começa com. Então, falando em roubar, há técnica para roubar também. Você não pode simplesmente roubar tudo, como, peças
pintativas são muito difíceis de roubar porque a cor muda praticamente cada pincelada ou cada pixel. Então, é difícil realmente reduzir, como, quais são as seis ou
sete cores principais que eles usam. Então, no início, é muito mais fácil roubar quando as cores estão claramente separadas em uma imagem. Por exemplo, poster de propaganda antigo, ou cartazes nouveau, ou um padrão têxtil ou papel de parede. Estes são todos exemplos muito fáceis de escolher as cores para fora. Há também muitas paletas de cores de design úteis que estão em torno on-line. Eles só te dão aquelas amostras para cima. Então você nem precisa fazer o trabalho árduo de seleção de cores, que é muito exigente manualmente. Mas eu, pessoalmente, prefiro coletar os materiais que eu roubo a cor. Porque eu acho que o processo de curadoria, você também vai construir sua própria biblioteca visual. Você também está curando seu próprio gosto e preferências, e eventualmente isso vai se tornar parte de seu próprio estilo de arte também. Então, nem sempre trabalhei em digital. Quando descobri que a cor era a minha fraqueza, a primeira mídia que procurei foi na verdade a triagem de seda porque você é capaz de pré-programar a cor, testá-la, e ver como elas são antes de se comprometer com uma paleta, e você pode fazer as coisas em camadas, que se traduzem em como eu trabalho hoje em dia no Photoshop. Há muita semelhança com o sistema de camadas. Aqui está uma peça muito cedo que eu fiz, e aqui está o que a paleta de cores que eu roubo de. Acho que esta peça é bastante óbvia por que eu roubo a paleta de cores. Eu quero uma peça que tenha aquela vibração de propaganda acontecendo, e até mesmo a composição com o sol brilhante e tudo mais. Aqui está outro com mais de uma composição diferente. Mas eu realmente amo a paleta de cores
neste cartaz que eu tentei ver se eu posso fazê-lo funcionar no meu trabalho, mesmo que ele não compartilha nada em semelhante com a composição. O último é mais de uma peça recente, e este é que eu quero revisitar
a aparência antiga simplicidade da serigrafia e apenas realmente usando cores planas, sem gradiente e sem textura complicada, e você pode ver no direito é a inspiração de cor para isso. Então, agora que terminamos de fazer apartamentos para todos os principais elementos, vamos pensar sobre a paleta de cores que estamos procurando. Podemos sempre buscar pistas emocionais e tonais da nossa peça. Como no meu, eu sinto que é bem macio, bem feminino, e é por volta do horário de primavera agora, então eu estava pensando em algo rosa, e essa pista me dá uma direção de minha pesquisa caçando a paleta de cores. Então, um dos meus lugares favoritos para procurar recursos de cores é a minha estante. Eu colecionei um monte de livros apenas para a cor. Esta é uma série de livros. Este é um deles, do Museu de DNA na Inglaterra. Tem coleção incrível, apenas têxtil de cor diferente em padrão diferente. Então eu marcar aqueles que eu pensei que poderia trabalhar que tem o rosa macio que eu estou procurando. Este é um deles, e então este é outro. Aqui está outro livro da mesma série. Eu pensei que esta é uma paleta muito legal. Um pouco mais moderno, talvez, com o rosa também. Então, olhei mais alguns livros, e no final, decidi que quero fazer deste o meu padrão. Então este livro é, na verdade, têxtil do quimono. Só realmente amplie para mostrar o padrão nele, e eu acho que esta é uma paleta realmente adorável. Então eu vou puxar isso para o computador. Então, quando você está trabalhando com recursos analógicos, há algumas maneiras de colocá-lo facilmente no Photoshop para escolher a cor. A digitalização é um deles, ou levá-lo com o seu smartphone. Todo mundo tem um smartphone agora. Certifique-se de que o ambiente de cor é bom, luzes
brancas, para que não fique matizado com amarelo. Mesmo que esteja desativado, você sempre pode ajustá-lo um pouco antes de escolher toda a cor no Photoshop. Então eu só peguei essa imagem com meu telefone e a coloquei em um computador, e agora vou escolher a cor com o conta-gotas e criar amostras que eu possa usar mais tarde. Então o que eu vou fazer primeiro é criar uma nova camada em cima disso,
e nessa nova camada, eu vou definir um fundo de barra cinza para que eu possa ver a cor que eu escolhi. Eu vou apenas escolher um cinza médio lá, e depois selecionar, e então ter outra camada em cima da camada cinza, e agora eu posso começar a usar a ferramenta conta-gotas. Então primeiro, vamos escolher o verde aqui, rosa, este amarelo claro, esta parte branca, este cinza com uma tonalidade azul, este vermelho, e finalmente, este roxo escuro. Então, agora, temos amostras de sete cores que podemos trazer para o nosso trabalho e usá-lo. Então eu adicionei a barra de cores neutras lá, só para que eu possa ver a cor claramente e não ser distraído por esta camada aqui, e também eu acho que é um exercício interessante
entender a cor e ver como os pontos-chave que somos falando, especialmente a relatividade da cor está no trabalho. Por exemplo, aqui, o verde parece muito mais vibrante porque é adjacente a um rosa complementar. Mas aqui no cinza neutro, começou a parecer muito mais aborrecido. Então, como você pode ver agora, eu tenho a paleta de cores que eu acabei de construir e eu
arrastei para este arquivo plano vagamente colorido, e eu posso começar a aplicá-los para as diferentes camadas. Tendo em mente era a hierarquia que eu quero que a imagem tenha, e obviamente, nesta, eu quero que a atenção esteja com a senhora. Então eu acho que vou ter o vermelho no cabelo dela porque essa vai ser a cor que mais chama atenção. Então esta é a camada de cabelo dela. Tenho-o na camada de bloqueio. O que isso faz é, na verdade, bloquear o pixel. Observe se eu não tenho o bloqueio de camada, e eu tentei preencher, ele apenas preencheu tudo fora ou depois realmente apontar para ele. Mas se eu tiver o bloqueio de camada, então eu posso apenas usar a tecla curta para preencher que é Alt-delete para preencher a cor do primeiro plano. Isso só torna o processo um pouco mais rápido para mim. Lembramos que o maior contraste lhe dá mais atenção. Então vamos pensar em usar uma cor mais clara para sua pele, então temos o alto contraste com o cabelo e sua pele. Então vamos escolher esta cor quase branca com um tom de azul aqui, e novamente, usamos um atalho para preenchê-lo, ou você pode simplesmente preenchê-lo com esta ferramenta também. Eu acho que a forma, eu quero que o corpo leia como uma forma contínua, e neste momento esta parte está quebrando tudo. Então eu provavelmente vou transformar o vestido vermelho em um valor semelhante com a cor da pele, e o amarelo parece uma boa escolha. Agora, vamos passar para o fundo, que é outra
grande parte, e realmente contribuir para o humor da imagem. Quero aquela sensação romântica que temos. Então eu vou pegar aqueles rosa bebê, e depois encaixar no fundo. Como você pode ver, de repente essas luzes realmente mudaram na imagem. Então agora, de repente, parece muito mais quente e amigável do que antes. Agora, vamos também mudar a árvore. Então o que estamos fazendo aqui é, na verdade, substituir toda a cor do espaço reservado por uma das cores dessas amostras, e isso ainda é deixar ir coisas ásperas, então parte da cor pode não funcionar. Veja aqui, eu não tranquei. Essa foi uma boa demonstração do que você não deveria fazer. Você pode simplesmente continuar até que você tenha praticamente
preenchido todos os apartamentos que você criou. Neste ponto, não se preocupe muito que eu sinto que eu sou curto na cor ainda, nós vamos expandir sobre isso, agora eu só tento ficar com as amostras e usar todas elas para todas as suas camadas de apartamentos. Você pode ir em frente e fazer o que eu fiz, criar amostras e, em seguida, usar a amostra, aplicar em suas camadas de apartamentos, e no próximo passo começaremos a desenvolver essas cores.
14. Personalize sua paleta: Está bem. Então, neste ponto, nós já aplicamos toda a cor das amostras em todas as nossas camadas planas, e honestamente eu estou gostando muito das direções que está indo. Alguns de vocês podem até dizer, “Ok, parece bem feito”, como talvez esse seja o estilo de banda desenhada plana que você está indo para e isso é totalmente bom. Eu acho que saber quando parar é sempre uma pergunta difícil, e isso muda à medida que
você obtém mais experiência, você tem uma melhor compreensão disso. Mas neste momento, eu sinto que ir com o seu instinto é provavelmente a melhor coisa, e se você acha que seus RPs já alcançaram os objetivos que você tinha em mente, então sinta-se livre para parar a qualquer momento. Mas para mim, eu sinto que esta peça tem o potencial de ficar ainda melhor, especialmente tendo em mente o sentimento cerebral que eu quero transmitir. Eu me sinto como se eu ainda estivesse um pouco duro, então eu vou continuar. Então, enquanto eu estou olhando para esta peça agora, eu acho que o que se destaca para mim o primeiro é a cor da pele. Eu sinto que é apenas um pouco branco demais, e porque a cor que eu tinha escolhido a partir da amostra tem este tom azul claro, e faz com que ela se sinta um pouco zombie-ish e, assim, indo contra aquele único sentimento que eu tenho. Neste ponto, que podemos criar cor secundária usando a cor das amostras. Então eu vou para a camada de mulher e depois encontrar a pele dela, que é esta camada. Vou duplicar esta camada pressionando Comando+J. Então você vê essa camada aqui. Ou você pode usar isso para duplicar essa camada. Eu só gosto de usar uma tecla curta porque é muito mais rápido. Então agora, eu tenho uma nova camada da mesma coisa,
novamente, nós a trancamos. Eu estava pensando que talvez adicionar um pouco do rosa vai ajudar. Então esta camada eu vou transformá-la em uma camada rosa. Vamos preenchê-lo, esta é a camada. Então agora, eu tenho esta camada superior da pele, agora a pele é duas camadas sendo rosa. Mas, em seguida, esta fusão muito com o fundo, para que eu sempre possa ajustar a opacidade. Talvez 50 para deixar a camada inferior aparecer. Então agora, virtualmente tendo duas camadas em cima uma
da outra e, em seguida, a camada superior semi-transparente, estou criando uma nova cor. Então, depois que a pele é feita agora meus olhos realmente se atraíram para o pássaro porque o pássaro parece bastante alto contraste bem e eu quero tonificar isso para baixo. Então eu vou fazer a mesma coisa, eu vou duplicar esta camada, camada bloqueá-la. Quero manter a relação de cor no meio do chão nos verdes. Então eu vou usar o verde aqui nesta camada duplicada. Em seguida, faça a mesma coisa, ajuste a opacidade. Então agora, eu me sinto como o pássaro muito mais empurrar para trás no espaço, então nossa senhora pode vir para a frente. Todas essas pequenas folhas voadoras, nós não mudamos sua cor então ainda é branco, e está realmente aparecendo para a frente por causa de um alto contraste. Então vamos em frente e eu ainda vou dar um pouco de cor e empurrá-lo de volta. Talvez dê amarelo agora. Assim, como você pode ver desta forma, podemos criar novas cores
a partir das cores originais das amostras misturando-as visualmente e alterando a opacidade. Então, neste ponto, estou muito feliz com as cores principais que coloquei com todos os elementos. A imagem está definitivamente ficando mais suave e para onde eu queria estar. Mas uma coisa realmente saltar para mim é realmente a linha agora, que nós temos que lembrar que a linha também é parte da imagem, e a cor da linha também é parte do sistema de cores aqui. A linha preta começou a parecer um pouco dura demais, vez isso é mais uma escolha estilística. Eu geralmente, eu gosto de algo um pouco mais pintante e o resultado, em vez de algo que talvez seja mais gráfico. Então vamos em frente. Eu acho que, por exemplo, com este, vamos encontrar a camada de cabelo. Está bem. Portanto, é sempre bom verificar se é a camada que você deseja, mesmo misturando-a novamente com opacidade, como suavizá-la, talvez 40 ou 45 por cento. Já é se você gosta de um melhor feito apenas o bloco preto e, em seguida, com o corpo forrado. Isso é outra coisa, eu gosto porque esta peça eu trabalho digitalmente, e eu sabia que eu quero mudar a cor da linha eventualmente. Então eu trabalho nas linhas em camadas separadas, então é fácil para mim mudar a cor dessa maneira. Mas se você trabalha tradicional com suas linhas entrando, você sempre pode separar suas linhas como a maneira como você separa os apartamentos. Então vamos dar a esse braço uma cor rosa, e agora eu sinto que estamos perdendo um pouco de seus lábios porque ele se tornou a mesma cor da cavidade dentro da boca dela. Então eu vou pegar essa cor que eu acabei de criar
diminuindo a opacidade preta da linha do cabelo. Então, agora, há uma nova cor e eu vou usar isso para o contorno da boca dela. Então você pode continuar fazendo isso para a outra parte da imagem até chegar
ao ponto que você sente que tudo se sente agradável e suave neste caso, ou o que você está tentando alcançar com sua peça. Como você pode ver aqui, eu mudei todas as cores da minha linha
neste ponto e para mim eu acho que a cor ainda pode usar um pouco mais de profundidade, e eu acho que eu vou introduzir uma fonte de luz para realmente ajudar com isso perspectiva atmosférica. Então eu acho que eu amo usar gradiente muito, eu esqueci quem mencionou isso, mas eles estão dizendo gradiente essencialmente é a passagem do tempo, que eu acho que é bastante romântico porque se você olhar para a nossa natureza do tempo ver gradientes, você mostra como nascer do sol ou pôr do sol com uma mudança muito dramática de tempo. Então eu acho que com esta peça, a fonte de luz vai descer daqui de cima, e isso vai ser muito bom porque ela está olhando aqui para cima, e isso pode criar como um foco uma vez que a luz e sua direção de olhar. Normalmente com luzes, pensamos na luz amarela, como mais do sol e mais no calor, como uma luz azulada, mais como eletrônica, mais artificial, ou como realmente manhã uma luz fria. Neste caso, eu acho que é definitivamente mais uma situação de luz quente. Então eu vou ter uma nova camada, e então eu vou pegar minha ferramenta de gradiente aqui. Acho que vou usar este amarelo. Então agora, praticamente eu ainda estou usando a cor que já temos, sempre
podemos ajustar essas cores mais tarde à medida que avançamos. No deslocamento, eu sinto que apenas dar tanta profundidade para a peça, como o ar do centro em cima se sente mais leve, há uma direção. Falando sobre consistência de cor, agora eu sinto que o cabelo não está refletindo este circundante mais. Então eu vou fazer uma camada duplicada que acabamos de fazer. Em seguida, também introduzir este mesmo amarelo como, mas agora, eu estou realmente pegando esta nova luz amarela que foi misturado
a partir do rosa eo amarelo anterior do vestido para este. Em seguida, encha o cabelo e adicione uma máscara de camada. Eu amo fazer máscara de camada porque dessa forma você pode controlar a camada, mudar uma camada sem realmente alterar nada, por exemplo, cerca de meio gradiente, mas então eu posso desligar essa massa de camada e ainda é uma camada intacta. Então você não pode sempre voltar se você não gosta do que você fez e não é destrutivo, o que é realmente ótimo. Um gradiente mais leve, eu sinto que talvez isso seja um pouco forte então eu vou ajustar a opacidade da camada para descer um pouco por lá. Agora, eu vou fazer o mesmo com a árvore, duplicar uma camada
e, em seguida, aplicar o mesmo amarelo, fazer a máscara de camada dos gradientes. Então, na máscara de camada, ele funciona como negros sendo o negativo, branco sendo o positivo. Então agora, eu estou tendo um gradiente de preto para cima, que
significa que essas partes estão sendo apagadas. Então, mostrando a camada embaixo dela bem aqui. Então agora, eu estou visualmente misturando cores dessa maneira, e então eu também vou diminuir um pouco a opacidade, para não perder muito o verde no fundo. Então eu estou gostando da direção e para onde estamos indo. Acho que as grandes formas estão em bom lugar. Então é hora de entrar na forma secundária e realmente enriquecer a imagem, e adicionar alguma complexidade e interesse a ela.
15. Refine sua paleta: A primeira coisa que eu acho que precisamos criar como opp brilhante para esta flor. A linha já está insinuando que está brilhando, mas ainda não tanto. Então esta é a camada que eu adicionei com a mesma cor de um vestido. Mas obviamente, precisamos diminuir a opacidade para podermos realmente ver a flor. Agora, com este enquadramento, a flor está recebendo mais atenção do que antes também. Como você pode ver, eu também adicionei alguns gradientes nos joelhos e nas mãos onde geralmente é um pouco mais vermelho no corpo humano. Então parece muito mais chamativo do que antes. Agora, podemos ir em frente e fazer uma nova camada, e então colocá-la em um novo grupo dessa camada, formas secundárias. Eu sempre os intitulei para manter meu arquivo organizado, porque assim, quando eu clicar com o botão direito em algo, o título apareceu então eu saberia o que é. Especialmente quando você tem mais de 100 camadas que aconteceu com o meu trabalho. Então agora, nós podemos realmente ampliar e, em seguida, praticamente a mesma coisa que nossos apartamentos antes. Ainda podemos usar nossa ferramenta magnética ou a ferramenta Lasso para criar bandeiras secundárias. Era uma bandeiras secundárias. Eu só vou, neste ponto, usar cores de espaço reservado também. Deixe-me limpar essa seleção. Em seguida, apenas criando mais forma secundária. Então você pode nos dizer uma bagunça, o magnético foi puxado por outro fio de linha. Então, quando você pressiona “Alt”, a Ferramenta Laço se torna uma Ferramenta de Laço de subtração, então você pode corrigir sua seleção dessa maneira. Ou você pode pressionar “Shift” e o Laço se tornará Laço aditivo. Então, ele irá adicionar à sua seleção. Eu também vou fazer a forma secundária para as folhas também. Então, novamente, nova camada colocá-lo em nova foto, formas secundárias. Outra ferramenta que eu gosto de usar para obter seleção é apenas Varinha Mágica rápida. Se você clicar aqui, que tem amostrado todas as camadas, ele leva uma todas as camadas em consideração, e o que ele está fazendo é selecionar aquela área que está sendo cercada por cores diferentes. Então, se eu não tenho aqueles em apenas como amostragem, ele faz camada vazia. Então, essencialmente, você seleciona a coisa toda. Mas se eu tiver amostrado todas as camadas em, então ele olhar para a imagem como tudo toda a camada juntos e ele só seleciona esta parte, e isso é o que eu quero. Então eu vou fazer um monte de rápida seleção secundária folha. Veja aqui uma pequena lacuna, é por isso que passou por cima. Então essa parte pode não ser tão boa para usar nossa ferramenta mágica, o que é bom. Voltaremos lá com o nosso Lasso. Então você pode apenas continuar fazendo isso até que você sinta que você cobriu a
maior parte da forma secundária que você deseja adicionar cores diferentes. Então, neste ponto, eu selecionei todos os meus elementos secundários, e quando eu seleciono, eu geralmente tenho uma regra geral que eu uso. Com um elemento secundário, o que eu quero fazer é criar volumes dentro de uma forma maior. Por exemplo, nestes cabelos onde eu acho que seria o destaque, Eu coloquei uma cor mais clara, e onde eu acho que será na sombra ou côncava, Eu coloquei uma forma mais escura nele. O mesmo com as folhas, onde eu acho que está atingindo a luz, eu coloco uma sombra mais clara e onde eu acho que está se afastando da luz, eu coloquei uma sombra mais escura. Isso é apenas áspero e você pode dizer que parece um pouco duro como se ela tivesse cabelo de plástico. Então vamos suavizar isso e fazer com que pareça parte dessa forma maior. Novamente, o que eu amo fazer é usar gradiente. Então esta era a área de destaque. Vou adicionar a massa da camada. Então, vamos realmente pensar sobre como o cabelo se comporta de forma tridimensional. Em torno da raiz provavelmente vai estar indo para dentro e pegando menos da luz. Então eu acho que o destaque é um pouco forte demais e pode ser suavizado aqui. O que eu faço é apagar essa parte com a ferramenta de gradiente. mesmo com o cabelo que está atrás do braço. Isso é provavelmente um pouco de sombra de cache acontecendo. Mas eu quero tudo o que é suave neste momento. Então eu realmente não vou colocar em um cache tudo isso ainda. Então eu vou apenas suavizar isso apagando parte desse destaque. Então ele ainda está vendo através de nossa camada base, que são esses dois lá. Aqui, também você vê fazendo essas áreas mais
escuras, de repente esta parte está surgindo. Então há um monte de empurrar e puxar como esculpir, como se você tivesse que escolher a forma primeiro e então você entrar em detalhes. Desculpe, apenas colocando o momento mais pequeno e tornando a peça mais refinada dessa forma. Então agora, eu tenho todas as minhas formas secundárias em seu lugar feliz, misturando-se
alegremente com as formas primárias. Acho que é definitivamente uma melhoria de onde viemos. Mas, no geral, sinto que ainda falta um pouco desse calor da luz. Agora, vamos mudar ativamente essas cores com as ferramentas de ajuste úteis que estão disponíveis no Photoshop. Então esta é uma prova de que a ferramenta digital tem essa ferramenta tradicional não, como se você pintou algo, você não pode simplesmente fazer um slide e
torná-lo em maior intensidade ou mudá-lo para uma tonalidade diferente. Mas nós podemos e isso vai. Então temos que tirar vantagem disso. Por exemplo aqui, eu acho que eu gostaria que houvesse um pouco mais de calor com estes fios aqui em comparação com aqui em baixo. Então eu vou entrar nas camadas de cabelo, ver que eu título os detalhes do cabelo. Vou entrar em Saturação de Matiz. Lembre-se que conversamos sobre isso no início. Então, esta é a ferramenta que permite
manipular a saturação de matiz da cor que você já possui. Então você pode colorir as pernas dela para ver. Bem, isso é muito legal, quero dizer, como ter um destaque roxo. Mas acho que vou querer algo um pouco mais harmonioso. Amar o amarelo, mas um pouco intenso demais. Então talvez não tanto assim. Talvez digamos um 15 e um pouco mais alto. Então isso nos permite mudar a tonalidade junto com esse controle deslizante de cores. Isto, estou aumentando um pouco a saturação e então esse é o brilho. Acho que para o brilho, não
podemos deixar que seja o mesmo. Com a prévia, isso é o que eu uso muito. Eu acho realmente útil é comparar o antes e o depois, e isso é tão bom em tomar decisões. Eu acho que é uma melhoria, então eu vou para ele. Eu acho que no geral, a cor não se sente um pouco maçante também. Então deixe-me ir ao fundo e subir isso também, dando-lhe um pouco mais de saturação. Agora veja, compare. Parece muito mais quente. Sim. Então esta é uma parte muito divertida como você pode começar a ir em formas secundárias e, em seguida, começar a mudar cores individuais. Agora, clicamos em “Amostra de todas as camadas”. Então é apenas amostrar essas camadas atuais. Acho que esse processo pode ser mais intuitivo, como o que parece certo. Quero dizer, de alguma forma, sou como espaçar as coisas para esta imagem. Então, parece que nem toda a mudança de cor da folha está em um só lugar. Ok. Então talvez seja legal se algumas das folhas estiverem um pouco mais no lado azul. Porque quero dizer, se você realmente olhar para uma planta como se sua cor
fosse tão complexa e é impossível imitar completamente essa parte. Aqui nós mudamos apenas algumas folhas, e de repente, essas árvores parece que tem muito mais cor ou apenas riqueza na cor porque eu espaçamento para fora as diferentes folhas azuis. Agora, vou continuar com as folhas mais leves também. Novamente, espaçamento, e depois mudando. Eu sinto como por que ferramenta digital às vezes é tão grande para pessoas que não são apenas para cores, porque você pode realmente ver o que está mudando mesmo sem realmente saber a teoria por trás disso. Mas, em seguida, através deste processo, você está realmente aprendendo como as cores funcionam. Então é quase como se você estivesse aprendendo enquanto está fazendo isso, o que é realmente ótimo. Então você pode continuar com o resto das pequenas formas.
16. Retoques finais: Então, nesta fase, acho que estamos quase terminando. O que eu gosto de fazer normalmente quando eu embrulho um pedaço é realmente empurrar o volume ainda mais com algumas sombras e destaques. Essa é a parte divertida, porque torna os objetos muito mais pronunciados de repente. Então o que eu vou fazer primeiro, é adicionar outra camada chamada mulheres sombra em cima da camada feminina, e eu gosto de criar Máscara de Recorte. O que isso significa é, veja como essa pequena seta, isso significa que agora está anexada a essas pastas. Então, o que quer que eu desenhe, só aparece na área onde está a camada base. Então, qual é a camada que está sendo contida nesta pasta. Então, se eu liberar a Máscara de Recorte, você pode dizer como desenhá-la em todos os lugares. Então isso significa que os efeitos que eu estou fazendo o que está
aplicando apenas a esta camada e nenhum outro pixel em segundo plano. Então isso vem muito útil ao fazer sombra, porque você não precisa realmente se preocupar com o oriente para o contorno realmente limpo. Deixa-me mostrar-te o que quero dizer. Por exemplo, eu quero um pouco dessa sombra de dinheiro aqui, certo? Então, com essa borda, você tem que ser um pouco cuidadoso porque pelo menos na mesma camada, o cabelo e o flash são grupos na mesma camada de mulher. Mas uma vez que eu criar Clipping Mask, ver como essas peças acabaram de limpar. Então o que eu faço é selecionar Multiplicar e isso dá um tom mais escuro de cor misturando o azul que eu acabei de pegar, e a cor da carne deste corpo. Normalmente, com uma luz mais quente, você meio sombras mais frias. Então, neste caso, eu apenas pego este azul, meio que um azul neutro e então aplicá-lo. Então, quando você usa Multiply, geralmente a cor fica mais intensa também, então eu costumo usar uma cor mais neutra para fazer isso. Novamente, isso é o que parece quando é normal, e então quando é multiplicar, ele se parece com isso com a camada Máscara de Recorte. Então eu vou seguir em frente e onde eu acho que deve haver sombra como, por exemplo, sob as axilas aqui. Eu também vou anexar esses recursos. Então, se você quiser realmente entender como essas camadas de mesclagem funcionam, como tudo isso, todas
elas fazem coisas diferentes e são especialmente úteis quando se trata de
manipular fotos que os recursos serão muito úteis, mas Normalmente, a mistura mais que uso é a multiplicação para sombra. Por exemplo, na sombra, sinto que não deveria ser tão duro. Quando chegou à parte do vestido, então novamente estamos trazendo para fora um ferramentas muito úteis, máscara de camada, e ter essa parte tipo de ser apagar, e que seguem a curva muito mais agradável. Nós também podemos adicionar algumas sombras para pelo menos para pop individuais
ainda melhor para dar a ilusão de um geral mais volumeness. Mesma coisa Multiplique, por exemplo aqui. Então, você pode ver que esta cor parece um pouco leve
demais quando estamos usando na árvore. Então, podemos sempre voltar e depois resolver isso também, trazendo o valor para baixo como por lá, e então tornando-o normal. Então você pode pegar isso, cor
que nós apenas criamos, trazê-lo de volta para Multiplicar para que você possa ver como isso
se parece quando ele está sendo usado como uma cor de sombra. Podemos continuar com isso. Mas veja como esta área das folhas se sente como está
saindo desta área então você está apenas adicionando volume extra a essa forma. Em seguida, podemos também adicionar alguns destaques, mais destaques, e geralmente são tais como os ossos da bochecha, pode colocá-lo em detalhes embora tenhamos aqui. Em seguida, com destaque, você pode simplesmente escolher a cor como aqui
e, em seguida, aqui escolher um valor. Bem, isso já está muito perto do branco, então não há muito mais que possamos ir de lá. Mas você ainda pode ver, para mover para cima a camada porque estava atrás da camada de linha. Então, isso parece um pouco demais, então vamos diminuir a capacidade. Branco parece que não funciona no lábio como os destaques, isso é muito branco, então vamos escolher uma cor rosa claro, então lá vamos nós. Se você sentir que talvez a flor pode você alguns pontos, por isso parece mais com orvalho e bonito, nós podemos fazer isso também. Mas este lugar é como adicionar os toques finais porque a grande parte já está feita. Agora, é como a cereja em cima do bolo. Então acho que terminei, e acho que a peça está em um bom lugar. Eu acho que vocês também devem comparar sua peça final com a primeira versão quando você apenas aplicar as amostras da paleta de outras pessoas que você acabou de
ver e então ver o quão longe você chegou e como você fez isso em sua própria. Então, no próximo passo, vou mostrar-lhe como você foi exportar sua peça para que
você possa compartilhá-la com todos os seus amigos e familiares, ex-namorados e ex-namoradas.
17. Exporte sua obra: Agora que fizemos nosso trabalho duro, é
claro, temos que contar ao mundo sobre isso. Os arquivos do Photoshop e a camada como muito grande para realmente compartilhar on-line, então agora vamos exportá-lo. O que nós vamos fazer é ir para Arquivo, Exportar, Salvar para Web porque eu estou supondo que você deseja compartilhá-lo on-line. Salve-o como JPEG a menos que você está fazendo como coisa GIF. Nós não estamos. Eu queria que fosse JPEG alto, significa apenas boa qualidade. Aqui você pode olhar 4-Up. O que significa é que ele mostra as quatro versões diferentes do que é
qualidade como um fim que cai como aqui 15 por cento. O tamanho do arquivo vai diminuir com ele. Eu acho que você só tem que encontrar o ponto ideal que você sente que é um bom tamanho como talvez você não quer postar algo que é como 59 megabytes que ninguém pode abrir. Mas ainda é de boa qualidade não dar crédito ao seu trabalho, não é? Aqui eu acho que 60 parece muito bom e você sempre pode mudar sua qualidade que para ver se ele faz algum diferente, como 80. Então, outra coisa que realmente ajuda na redução da qualidade e do tamanho é limitando a cor. No nosso caso, a cor não é tão complicada. Então você não vê um muito grande diferente, mas se você vê como, usar uma foto ou usar algo com muita variedade de cores, então como a qualidade vai para baixo, é bastante perceptível como algumas cores simplesmente não vai estar lá mais. Clique em Converter para sRGB se você não estiver trabalhando nele ou apenas clique em para ser salvo porque os navegadores da Internet usam sRGB. Agora meu tamanho é muito grande porque eu sinto que eu poderia querer imprimir isso, eu gosto desta peça. Foi trabalhado em 300 dpi, então isso é realmente grande. Eu acho que para on-line, como em torno de 1700 já é realmente bom. É bom o suficiente para como um flash completo em sua página do site e basta verificar tudo. Direitos autorais, Informações de contato, isso depende se você quiser tê-lo, e você pode configurá-lo em uma parte diferente do Photoshop. Preview, Monitor Color, sim, sim e você acabou de salvar. Espere por ele carregar, então você pode salvá-lo como peça incrível em, por exemplo, a área de trabalho. Imagem, JPEG, sim, salvar. Então teremos nossa peça incrível bem aqui.
18. Considerações finais: Eu realmente espero que você tenha gostado do projeto e para deixá-lo aprender algo novo. Acho que a maior vantagem para esta aula é conquistar seu medo em cores. Então eu acho que roubar a cor da cultura de outras pessoas é realmente apenas o primeiro passo. Quando eu comecei a ter uma melhor compreensão das cores, eu paladar definitivamente gastá-lo, e eu sinto que por causa disso, eu tenho uma gama mais ampla de vocabulário, visualmente para se opor a assuntos diferentes. Então eu espero que agora você ache a cor um pouco menos intimidante e animado para explorar mais. Mal posso esperar para ver o que você criou. Muito obrigado por fazer esta aula.
19. Explore mais cursos na Skillshare:
Victo Ngai, Illustrator
