Como criar uma ilustração de folhagem exuberante no Procreate.

1. Trailer do curso: Bem-vindos à minha primeira aula de Skillshare. Olá, sou Francesca, artista e ilustradora de Milão. Meu trabalho é inspirado pela natureza, pela força e pela beleza. Acredito que a natureza seja uma artista. Nesta aula, você vai me acompanhar no meu processo criativo. Você aprenderá a criar uma bela ilustração folhagem exuberante. Ao adquirir as habilidades básicas, você precisa começar a trabalhar com o Procreate. Discutiremos juntos a importância de criar e engajar na ilustração e como conseguir isso. Teoria e prática andarão de mãos dadas. A classe está aberta a todos os níveis. Eu estarei trabalhando em um iPad no Procreate, mas se isso não estiver disponível para você, você pode usar qualquer outro software de pintura digital. Vejo você na aula e não se esqueça de se divertir. 2. Descrição do projeto: Sua tarefa é ilustrar seu jardim favorito. Pode ser uma floresta tropical, seu parque da cidade, seu quintal, um jardim imaginário. Isso não importa. Basta torná-lo interessante, alegre, delicioso, usando as habilidades que você acabou de ganhar nesta classe. Por-fazer, no final da aula, você enviará sua ilustração na seção de projetos e recursos em JPEG ou PNG. Além disso, eu vou adorar ver como seu trabalho vai ganhar vida, então poste suas fotos de referência, seus esboços, e também o vídeo do processo, se você quiser. Dê feedback aos projetos de outros alunos. Lembre-se de que o Skillshare é tudo sobre aprender juntos, então você pode comentar sobre o trabalho de outros alunos. Além disso, lembre-se de postar a ilustração final nas mídias sociais e me marcar. Estou na Francesca_inart no Instagram. Mal posso esperar para ver seu trabalho. Na seção de recursos, você encontrará minhas imagens de referência, meu esboço final e minha paleta. Se você tiver alguma dúvida, sinta-se à vontade para perguntá-las na seção de discussão. Farei o meu melhor para respondê-las. 3. Procreate básico: Como eu disse, esta aula está aberta a todos os níveis. Apresentei esta seção no Procreate básico apenas para iniciantes. Se você já estiver familiarizado com o Procreate, fique à vontade para pular para o próximo vídeo. Eu vou ser curto e cobrir apenas as coisas básicas porque eu não quero sobrecarregá-lo com informações desnecessárias. Se você estiver interessado em mais aulas no Procreate para começar, verifique os links na seção Recursos. Para criar um novo Canvas, pressione o ícone de adição. Esta é uma seleção de predefinições e telas anteriores que usei, mas vamos criar um novo Canvas juntos. Você pode definir a dimensão em pixels, polegadas, centímetros ou milímetros. Vou escolher milímetros. Certifique-se de que você está criando uma tela tão grande quanto você deseja que sua peça final seja, independentemente se ela vai ser reproduzida em um formato digital ou será impressa. Por exemplo, se você criar sua ilustração em tamanho A4 e, em seguida, precisar dela em um tamanho A3, que é maior, você perderá qualidade no processo. Enquanto se for o contrário, você não perderá qualquer qualidade. Vou criar uma tela de tamanho A3, que é 420 largura e 297 altura. Trezentos é um bom DPI. Você pode até ir mais alto, como 600 DPI, mas você verá que se eu colocar 600, Procreate diz que o arquivo é muito grande, então eu vou mantê-lo em 300. O número máximo de camadas disponíveis depende da dimensão e do DPI na Tela de pintura. Então vamos definir o perfil de cor. Se a ilustração for reproduzida apenas digitalmente, você poderá configurá-la como um modo RGB. Como eu quero imprimir minha ilustração, vou configurá-la como um perfil CMYK. Imprimi em casa e obtive o melhor resultado quando minha ilustração está em um perfil CMYK. Vou classificar meu novo projeto como SkillShare Class. Vamos clicar em “Criar”. Este é o nosso novo Canvas. Abra a seção da camada tocando neste ícone no canto superior direito. Claro, se você for apertar o botão “Plus”, você criará uma nova camada. Você pode desmarcar a camada para ocultá-la. Se você deslizar para a esquerda, poderá bloquear a camada para que não seja possível alterá-la até que ela seja desbloqueada. Você pode duplicar e excluir a camada. Você pode alterar a opacidade da camada. Deixa-me mostrar-te. Toque com dois dedos na camada e você verá que pode deslizar para ajustar a opacidade até o fim. Eu mostro como mesclar camadas. Você belisca as camadas, assim mesmo. Você pode mover as camadas, é claro, selecioná-lo e segurá-lo, e você será capaz de movê-lo ao redor. Se você soltá-lo em cima de outra camada, você criará um grupo. Você pode mantê-lo aberto, e você será capaz de ver todas essas camadas, ou você pode fechá-lo. Você também pode ocultar todo o grupo. Abra o menu Camada selecionando a camada. Há muitas opções. Você pode renomeá-lo, selecioná-lo, copiar, limpá-lo, mas eu acho que o que eu quero mostrar é o Bloqueio Alpha. É uma característica muito legal, e eu vou te mostrar como funciona. Alpha Lock oferece a capacidade de desenhar dentro da forma da camada e dos limites. Para acessar rapidamente o Alpha Lock, pegue dois dedos e deslize para a direita para uma camada específica. O Bloqueio Alpha é extremamente útil para alterar rapidamente camadas, cores de preenchimento, e você pode dizer que ele está habilitado porque a miniatura da camada terá um plano de fundo quadriculado. Na barra de menu superior, você vê esta seta, é o botão Transformar. Quando você toca nele, ele selecionará a camada de cor e trará uma barra de ferramentas de transformação. É uma ferramenta muito útil que eu uso muito. Você pode usar método de transformação diferente, como uniforme, que preservam a ração da imagem, ou forma livre, que se estende e esmaga sem manter a proporção original, e depois distorcê-los. Warp é provavelmente o meu favorito, e você vai ver como eu usá-los mais tarde na classe. Eles criam formas muito interessantes. Em seguida, o ícone ao lado da seta é a ferramenta de elipse, que permite selecionar uma parte da camada e movê-la por conta própria sem alterar a camada. Você também pode copiar a seleção e colá-la em outra camada. Vamos falar sobre as paletas de cores. Se você clicar no ícone de cor, você abrirá seu seletor de cores. Você pode escolher o que preferir, o disco ou o clássico. Eu não vou falar sobre a harmonia e o valor hoje. Então você tem sua biblioteca de paletas. Procreate vem com muitas paletas prontas para usar, mas você pode criar o seu próprio a partir de câmera, arquivo ou fotos. O que você escolher como padrão aparecerá sob os selecionadores de cores e o histórico. O iPad permite dividir a tela e usar dois apps ao mesmo tempo. Abra um aplicativo primeiro, neste caso é o aplicativo Foto e, em seguida, solte o segundo aplicativo do lado. Neste caso, Procreate. Selecione e segure a imagem escolhida, arraste-a e solte-a na biblioteca. O Procreate lhe dará todas as amostras dessa foto. Vou te mostrar dois atalhos rápidos. Se você quiser preencher uma área com cor, toque no círculo de cores no canto superior direito e arraste-o e solte-o onde deseja que a cor seja adicionada ou alterada. Certifique-se de que a forma que você deseja preencher está fechada, porque se estiver aberta, ela irá colorir toda a camada. Além disso, você pode alternar entre a cor atual e a cor anterior tocando e mantendo pressionado o círculo de cores. Vamos falar sobre os pincéis. No canto superior direito, você encontrará a mesclagem de pincel e novos ícones de apagar. Você verá que quando você bater neles, a mesma biblioteca de pincel será aberta porque você pode fazer todas essas três coisas com o mesmo pincel, que é realmente útil quando você deseja apagar sua mistura e manter o mesmo textura que você usou para pintar. Se você pressionar e segurar o ícone de apagar, ele será apagado usando o pincel atual. Como você pode ver aqui, eu posso apagar mantendo a textura do pincel de gesso. À esquerda, existem dois controles deslizantes. O que está na parte inferior controla a opacidade do seu pincel. Vamos baixar a opacidade. Vendo isso é, claro, opaco. Então vamos trazê-lo de volta para 100 opacidade, enquanto o do tamanho superior do pincel. Então vamos brincar com o tamanho. Isto é muito pequeno. Então aqui, o maior tamanho. Procreate vem com muitos conjuntos de pincéis prontos. Mas você sempre pode comprar e baixar muitos mais ou criar o seu também. Vou sugerir brincar e experimentá-los para que você possa encontrar aqueles que você gosta mais. Meus dois favoritos e os que mais uso são estes Copic Marker, que é muito suave e me permite jogar com opacidade e camadas, e o Narinder Lápis, que faz parte do conjunto de esboços. Eu gosto porque parece um lápis de cor muito suave, e cria um bom contraste com o pincel Copic Marker mais suave. Você pode usar dois pincéis em seus lados, e ele irá criar um tipo diferente de marca, como se você estivesse sombreado. Você tem controle completo sobre suas características pincéis. Você pode adicionar uma configuração em um pincel individual no Brush Studio. Selecione “Pincel” e clique nele novamente, e o Brush Studio será aberto. Eu não vou te mostrar tudo aqui. Mas, por exemplo, aqui você pode alterar o caminho do traçado e suas propriedades, como espaçamento e simplificação. Mais agilização significa mais estabilização de traços, e fluirá mais porque reduz qualquer oscilação acontecendo. Encorajo-te a tentar. É bastante útil ao fazer caligrafia ou prosseguir o desenho. Se você quiser fazer alterações, é um bom hábito criar uma duplicata primeiro como um backup e, em seguida, alterá-la. Então o controle de pressão é outra ótima ferramenta. A curva de pressão controla a forma como o Apple lápis responde à pressão. Você vai descobrir que com alguns pincéis, os traços vão ficar maiores em tamanho quanto mais pressão você aplicar, ou outros pincéis vão ficar mais opaco com a pressão. Por último, mas não menos importante nesta seção, os gestos rápidos. Eles são muito úteis quando se trabalha no Procreate. Eles são muitos deles, e eles tornam seu processo muito mais rápido. Vou te mostrar alguns deles. Para desfazer, toque com dois dedos. Então você refaz, tocando com três dedos. Se você esfregar com três dedos, você limpará a camada. Você aperta e torce para girar. Em seguida, se você fizer uma pitada rápida, ajuste à tela e um toque de quatro dedos abrirá a tela inteira. Toque com quatro dedos para reverter. 4. Brainstorming e encontrar inspiração: O que significa gostoso para você? Para mim, é algo rico, luxuoso, alegre, excessivamente ornamentado. Na minha mente, é ilustração de página inteira rica em cores, texturas, formas e detalhes. Algo que me faz querer ser transportado nele. Sabe, como no filme da Mary Poppins, quando eles pulam para as pinturas na calçada, é exatamente isso que eu quero alcançar. Vou mostrar-lhe um dos meus livros favoritos que eu possuo, que é Painting The Modern Garden: Monet to Matisse. Vamos olhar através de muitos dos meus outros livros, e vou mostrar-lhe o trabalho do meu artista favorito, e vou explicar o que podemos aprender com eles e por quê. Encorajo-te a procurar inspiração e encontrar comigo o tema da tua ilustração enquanto procuro a minha. Você tem um jardim botânico ou um parque da cidade nas proximidades, basta ir lá fora e fazer-lhes uma visita ou apenas olhar atentamente para as plantas da sua casa. Faço isso o tempo todo. Este livro foi publicado pela primeira vez por ocasião da exposição Painting The Modern Garden: Monet to Matisse. É sabido que dentro da Europa, os impressionistas foram os primeiros a retratar jardins da vida. Eles se concentram em suas cores e forma em vez de usá-los apenas como fundos. Os jardins tinham uma grande importância estética para estes artistas. Bem, podemos dizer que os jardins e a natureza têm sido uma fonte de inspiração criativa há séculos. Jardins são geralmente assuntos muito ocupados para pintar e ilustrar por causa de sua natureza. Eles estão cheios de vida, cores, formas, detalhes, modo que simplificar o assunto e criar uma composição envolvente pode ajudar muito. Quero mostrar rapidamente como pintores como Monet, Renoir e Nolde se aproximam pintando um jardim. Aqui, em Woman in a Garden of Renoir, a composição segue a regra padrão de terços. A imagem é dividida em terceiro lugar, tanto horizontalmente como verticalmente. Em seguida, o ponto focal, a senhora, é colocado na interseção dessas linhas divisórias. Depois há um caminho que leva a nossa visão para ela e estas duas linhas de árvores estão reforçando a composição. Posso dizer que aqui temos uma composição muito forte, também uma composição bastante padrão. Enquanto no jardim do artista no terceiro, Monet nos dá um arranjo muito diferente. O primeiro plano está vazio e guia-nos para o meio da pintura e para o fundo das escadas, e estas crianças estão no meio da pintura e são, naturalmente, o ponto focal da obra de arte. Então, às vezes, não há nenhum ponto focal, como nesta pintura, Papoulas Grandes “de um Emil Nolde. Quando o espectador está olhando para esta pintura, seus olhos podem vagar por aí sem nada chamar sua atenção. Este tipo de composição é uma opção que você pode querer considerar para sua ilustração. É um pouco mais difícil de compor, talvez, mas o que pode ajudá-lo se você seguir esta opção é uma boa paleta de cores, e lembre-se de criar uma área com menos detalhes se o seu trabalho pode descansar seus olhos. Se você quiser olhar atentamente para algumas dessas obras-primas, mas você não tem livros de arte à sua disposição, ou você não pode ir ao museu, eu sugiro olhar para o Google Arts & Culture. Você também pode ampliar muito as pinturas. Bem, nem mesmo na vida real você pode estar tão perto de uma pintura. Livros sobre plantas de casa e jardinagem são perfeitos para encontrar referências. Você vai se perder no incrível mundo das plantas. É difícil não se inspirar enquanto olha para essas lindas folhagens. Você pode procurar fotos sobre jardim para que você possa copiar o arranjo, mas então você pode desenhar plantas completamente diferentes, como as que chamaram sua atenção por causa de suas formas e padrões. Olha para estes, faz-me lembrar de um Monet ou um quadro de Renoir que acabamos de ver. Eu não estou tentando criar uma ilustração botânica crível, então provavelmente, eu vou juntar espécies que não pertencem ao mesmo habitat ou elas florescem em uma estação diferente, mas eu realmente não me importo com isso. Eu gosto muito de cactos e folhas tropicais, e eu estou supondo que minha ilustração final será algum tipo de jardim tropical ou até mesmo um vislumbre de uma floresta tropical. Unsplash é outra grande ferramenta em suas mãos. É um site onde você pode encontrar imagens utilizáveis gratuitas. Vou criar uma coleção chamada classe Skillshare, e vou vinculá-lo na seção de recursos para que você possa facilmente encontrar minhas imagens de referência. 5. Crie uma ilustração envolvente: Ao criar sua ilustração, você quer fascinar e se envolver com os espectadores. Você quer agarrar e segurar a atenção deles. Estou aqui para lhe dar as ferramentas para melhorar sua composição artística. Eu vou ajudá-lo a usá-los conscientemente. Quais são os aspectos mais importantes que você tem que ter em mente ao criar uma obra de arte? Para mim é a composição, cores, valores e texturas. Estes podem ser aplicados a qualquer meio e estilo. Cada um desses assuntos será discutido em profundidade na próxima seção, quando estaremos esboçando e pintando juntos. Então essa teoria e prática vão de mãos dadas, e será mais fácil para você entender, e para mim explicar. Eu vou de qualquer maneira dar-lhe uma visão geral rápida, para que você saiba o que você tem que ter em mente, ao assistir as próximas lições. Linhas, pontos focais, arestas , contraste e equilíbrio, são os elementos da composição. Dentro deles, o contraste é o que mais importa para mim. O contraste dá energia a uma obra de arte e torna uma composição mais envolvente. Enquanto as cores contam uma história. Que hora do dia é. Está frio? Está quente? Provoca sentimentos no espectador. Boa paleta de cores, pode fazer maravilhas para alcançar um ótimo resultado. Os valores são tão importantes quanto as cores porque criam profundidade e perspectiva. Texturas tornam a ilustração mais tangível, viva, geral, mais interessante. Bem, vejo você na próxima lição, e começaremos a esboçar. 6. Esboço e composição: Este é o esboço final, mas como cheguei aqui? Primeiro, quero lembrá-lo que tudo o que você verá é um lapso temporal. Eu não desenho isso rápido. Na verdade, sou muito lento. Eu levo meu tempo para pensar e eu não posso mostrar todo o processo, caso contrário, esta aula será extremamente longa. Gosto de começar com um esboço muito áspero porque, no início, estou mais interessado em criar a base da minha composição e não os detalhes. Como eu disse, jardins prontos, florestas são assuntos muito ocupados e ter uma base forte é importante para ilustrá-los com sucesso. Mas primeiro, um pouco de teoria. Vamos ver qual é a definição de um ponto focal. Referem-se às áreas que exigem a atenção do espectador e que todos os elementos convergem. Você pode criar um ponto focal forte ou muitos pontos suaves. Ao criar muitos pontos focais suaves, o espectador pode olhar para a pintura como um todo em vez de ser atraído apenas por um objeto. Múltiplos pontos focais fornecem o ritmo para a imagem. Eu sei que para a minha ilustração final, um ponto focal suave diferente que vai ajudar o espectador maravilha na obra de arte. O que eu quero dizer com linhas? Linhas estão levando em direção a algo e os olhos do espectador são desenhados ao longo delas. Elas são óbvias ou implícitas e podem ser curvas, diagonais, verticais ou horizontais. Vou lhe dar um exemplo. Olhe para a minha senhora na selva. Há claramente duas linhas diagonais que levam em direção à senhora, que está no centro da ilustração, e é um ponto focal. Ou aqui, minha hosta azul. Decidi construir a ilustração em espiral, e há muitos pontos focais diferentes ao longo desta espiral. Vou basear-se na afirmação da linha orgânica. Nada reto, então talvez algo curvo e redondo. Ao trabalhar no Procreate, mantenho minha imagem de referência aberta no meu iPad ou no laptop se eu tiver ela comigo, e vou inserir a imagem de referência na tela se eu não estiver usando a roda dividida. Este esboço áspero é uma única camada e não precisa ficar ótimo, tem que haver um bom ponto de partida para sua ilustração. Agora eu estou esboçando rapidamente algumas das plantas que chamaram minha atenção ao procurar inspiração. Estou tentando delinear alguma composição, e como podem ver, estou mudando muito de idéia, apagando e movendo coisas. Aqui está um esboço muito áspero. Antes de avançarmos, quero falar sobre os outros elementos da composição e terminar a nossa pequena explicação teórica. As bordas na arte são a transição entre duas formas de cor. Eles podem ser duros, macios, ou perdidos. Bordas macias e perdidas criam profundidade e sensação de distância. Eles também podem tornar um objeto menos significativo porque está fora de foco. Enquanto bordas duras chamavam a atenção, elas geralmente estão posicionadas perto dos pontos focais. Veremos como as bordas são importantes na próxima aula enquanto pintamos. contraste é a justaposição da diferença. É uma questão de organizar elementos opostos e cria variedade e ritmo em uma imagem. O contraste é poderoso. Ele pode ser aplicado a todos os elementos e fazer seu trabalho artístico. É um denominador comum. Existem muitos tipos diferentes de contraste. Ao compor e pintar sua ilustração, você pode criar contraste entre formas, pequenas e grandes, redondas ou nítidas. Valores, escuridão e luz. Cores, como cinza e saturado, quente ou frio, ou textura, transparente e opaco, suave ou áspero, e como acabamos de ver entre bordas macias e duras. Balance refere-se a como os elementos da pintura se relacionam entre si em termos da maneira visual de criar equilíbrio visual. Um lado não parece mais pesado do que o outro. Um trabalho equilibrado é agradável aos olhos, e o equilíbrio pode comunicar muito sobre uma obra de arte e pode contribuir para o efeito geral. Tentarei alcançar o equilíbrio colocando atentamente os diferentes pontos focais. Agora que o meu esboço está lá, vou desenhar o último. Vou baixar a opacidade desta camada e começar a desenhar em uma nova. Quando eu crio o esboço final, cada elemento que eu desenho está em uma camada separada para que eu possa movê-los. Vou movê-los muito, tentando todas as possibilidades diferentes. Este é um dos benefícios de trabalhar digitalmente com camadas. Aqui você pode ver como eu estou usando Distorção e Distorção para mudar a forma desta folha para que ela possa caber no vetor espacial. Mudei de idéia e decidi que gosto muito dessa alocação para não colocá-la em primeiro plano. Encontrei esta foto no Unsplash, que realmente fala comigo. Adoro esta cachoeira e riacho que atravessa. Vou usá-lo e criar uma linha curva ao longo da ilustração. Também a lagoa em primeiro plano pode ser aquela área com esses detalhes onde os olhos do espectador podem descansar. Eu realmente gosto da forma das cores dessas palmas das mãos e eu acho que elas serão ótimas no fundo. Ao esboçar esse tipo de folhagem, não é importante torná-lo perfeito, também, eles estarão longe, então eles têm menos detalhes. Vou desenhá-los diretamente com o lápis ao colorir. Esta laranja brilhante contra meio fresco sálvia verde é lindo. Aqui está o esboço final. Ainda não sei o que vou fazer com o fundo. Se eu quiser ter um pouco de céu aparecendo através das árvores ou não. O esboço do fundo é áspero, mas o primeiro plano e o meio termo são bastante limpos. Eu realmente gosto dessas alocações, as plantas de rum, e esta planta à direita eu amo. Eu quero colorir roxo ou lilás para algum bom pop de cor entre todo o verde. As cachoeiras e o fluxo criam uma linha em forma de S ao longo da ilustração, e a linha está basicamente dividindo a imagem em metades que são bem equilibradas. Estas quatro plantas são os meus pontos focais e há duas em cada uma. 7. Pintura: cor e texturas Pt One: Aqui está o pico da ilustração final, mas como na lição anterior, vamos começar com alguma teoria primeiro. Gostaria que houvesse tempo e espaço para uma lição completa sobre teoria das cores, mas infelizmente não é. Cor é a qualidade de um objeto em relação à vida refletida por ele. Na arte, a cor é um elemento visual poderoso. Os termos da teoria de cores são matiz, saturação, valor e temperatura. Aqui está o nome geral da cor, azul, verde, amarelo, etc saturação define a pureza de uma cor, uma cor menos saturada é maior e menos intensa. Valor, quão clara ou escura é uma cor. Temperatura é o calor relativo ou frieza de uma cor. Eu não posso enfatizar o suficiente sobre a importância de uma boa paleta de cores. Aqui, mostrarei a paleta de cores que usaremos, e você poderá encontrá-la na seção de recursos como um PDF para download. Eu gosto de ter uma paleta selecionada organizada em vez de escolher novas cores todas as vezes. Ter uma paleta de cores selecionada ajuda a criar uma peça coesa. Eu uso cores frias e quentes, cores cinzentas e saturadas, lembre-se que eu quero criar contraste entre as cores também. Organizei-os por matiz e valor. Claro, há muitos verdes, mas em cima deles eu queria introduzir um roxo e um toque de laranja e azul. Textura é a qualidade de superfície percebida de uma obra de arte, tudo tem algum tipo de textura. Ao pintar digitalmente, você pode criar textura usando pincéis diferentes. Como já mencionei antes, uso um pincel Copic liso e um pincel de lápis de cor como o lápis Narinder. Você faz texturas quando mistura camadas transparentes com outras mais opacas também. Vou achatar o esboço em uma única camada, porque se você se lembrar eu tenho apenas um máximo de 34 camadas para trabalhar. Eu tenho o esboço em uma camada e os elementos de cor divididos por camadas em outro grupo, modo que novamente eu sou livre para movê-los. À medida que continuo, criarei muitas camadas. Como você pode ver, essas plantas redondas são todas em camadas diferentes especialmente porque eles se sobrepõem, então eu posso apagar parte de uma camada sem apagar a sobreposição. Quando eu atingir o número máximo de camadas, eu vou fundir algumas, as que não precisam mais ser separadas. Eu baixei a opacidade do esboço por baixo, e você verá que às vezes eu vou desligá-lo completamente para que eu não fique distraído com ele, e é mais fácil fazer o elemento de cor final funcionar por conta própria. Eu não faço esboços normalmente, mas se você gosta deles você pode fazê-lo. Lembre-se de estudar a textura das plantas, formas e linhas na foto de referência ao colorir, natureza é o artista que inspiramos. Aqui, eu primeiro usei um pincel Copic e então eu entrei com o Narinder para obter detalhes. O marcador Copic me permite construir a opacidade que eu realmente gosto, e me dá muito controle. Estou pintando estas plantas com um verde brilhante e fresco. Primeiro criei uma camada uniforme de cor, e então usei alternadamente um verde amarelo e uma cor verde escura para fazer as listras. Eu queria que este Alocasia fosse de um verde escuro e mais quente comparado ao verde das palmas redondas no fundo. O mesmo que antes, comecei com o pincel Copic e depois com o lápis. Às vezes eu usaria apenas o lápis Narinder para colorir, Eu uso este verde amarelo brilhante e em seguida, uma versão ligeiramente mais escura e menos saturada da mesma cor para fazer o contorno. Para tornar as sombras da rocha, mantive a primeira camada transparente e depois marquei as sombras com a segunda camada construindo a opacidade. Decidi ter a cachoeira no fundo distante para dar a sensação de profundidade na peça. Como o espectador pode imaginar o fluxo correndo através da ilustração para chegar à palma da mão em primeiro plano. Como me aproximei de pintar a água? Decidi começar pintando o que está atrás da cachoeira e depois pintei camadas sobre camadas. Azuis e verdes muito insaturados. Então eu adicionei algumas camadas esbranquiçadas. A água está em azul, é um espelho onde tudo ao meu redor reflete. É por isso que há verde, marrom e azul nesta cachoeira. Ao pintar, cada golpe foi feito seguindo a água fluída. Isso ajuda a dar movimento à cachoeira. Eu queria que esta planta se destacasse. Uma forma e cor tão interessantes. Se você quiser repetir um elemento, você pode selecionar e duplicar. Em seguida, com a ferramenta de transformação, você pode modificá-la e torná-la menor, girá-la horizontalmente ou verticalmente. É um grande truque, especialmente quando você quer criar repetição em uma peça. Pintei a lagoa da mesma maneira que se aproximava da cachoeira. A direção do traçado do pincel é realmente importante para dar movimento aos elementos na ilustração. 8. Pintura: cor e texturas Pt dois: Depois de pintar as grandes plantas em primeiro plano, é hora de preencher as lacunas, digamos, com plantas menores. Este processo pode ser um pouco complicado. Para pintar essas samambaias, estou usando apenas o lápis e um movimento de rabiscos. Vou duplicar o movimento dessas camadas. Estou tentando conseguir um visual completo, não quero que nenhum branco do fundo apareça. As samambaias na cor mais escura estão na 1ª camada, então há a 2ª camada no topo com o verde médio e, em seguida, a última camada na cor mais clara. Além disso, essas samambaias estão ficando cada vez menores quanto mais eu vou para a ilustração. Esta é provavelmente a minha maneira favorita de colorir e funciona muito bem ao pintar a banana. Desenho muitas linhas horizontais ao longo da folha, sobrepondo-as ligeiramente para criar este padrão que é característico desta planta. Abordo esta seção da ilustração como fiz com as samambaias, construindo camadas de cores e textura do escuro para a luz. No final, decidi ir para um céu do pôr-do-sol, com uma pitada de lilás e laranja pálido. Como toques finais, verifiquei se faltava algo. Eu delineei a banana porque parecia muito inacabada. Marquei as bordas daquelas palmas distantes. Então eu passo para trás e olhar se os valores estão certos. Eles geralmente não são, então eu crio uma camada para realces e uma para sombras em cima de todas as outras camadas. Porque eu fui para o céu do pôr-do-sol, eu fiz os destaques naquele laranja pálido. A luz do sol está batendo na água na cachoeira e aquelas árvores distantes, reflete-se na superfície da lagoa. Para fazer essas sombras, eu uso uma cor azul escuro com uma opacidade mais baixa. Para um destaque muito intenso , uso o lápis porque é opaco. Estou ligando e desligando essas duas camadas para que você possa ver como esses toques finais afetam a pintura. Aqui, um bônus time-lapse de todo o processo de coloração. 9. Outro: Parabéns, você está no fim desta aula. Eu não posso acreditar que você decidiu se juntar a mim e você chegou até aqui, então do fundo do meu coração, obrigado. Espero que minha aula tenha sido útil e que você tenha se divertido também. Lembre-se de postar sua ilustração na seção Projeto e Recursos. Na seção Recursos, você também encontrará minhas imagens de referência, minha paleta de cores, meu esboço final e os links para outras aulas úteis no Skillshare. Se você quiser, você pode postar seu projeto nas mídias sociais também e me marcar, Eu sou @francesca_inart no Instagram. Siga-me aqui no Skillshare para ficar atualizado e ser notificado quando eu lançarei uma nova turma. Também muito importante, seu feedback sobre esta aula é mais do que bem-vindo para que eles saibam o que eu fiz direito, o que você gostou e o que eu posso melhorar. Além disso, se você tiver sugestões para futuras aulas que gostaria de ver de mim, é só me avisar. Até a próxima vez, cuide-se.