Comissões para ilustrações: o processo de um profissional

1. Introdução: Bem-vindo ao ilustrar e comissões. Eu sou ilustrador, um arpejador, Clint claramente, eu sou mais conhecido pelo meu trabalho que eu fiz para jogos de fantasia nos últimos dez anos mais. Além de ser o criador e anfitrião de amostras, materiais educativos de arte e canal do YouTube. Então, ao longo dos anos, tenho enfrentado muitos obstáculos diferentes na minha carreira artística. E um dos primeiros e eu realmente não esperava era ter que trabalhar a partir de um esboço. Outra pessoa veio com a idéia da cena, mas então eu tive que perceber essa idéia. Ver um monte de artistas até esse ponto antes que se tornem profissionais. Eles só trabalham no que quer que estejam interessados. É ideia deles e eles decidem o que é certo ou errado para essa ideia. Mas como ilustrador profissional, isso nem sempre é o caso. E se você é um profissional de trabalho e sobre bebê, estamos falando de um desafio de arte ou até mesmo de um concurso de arte. Você ainda tem que seguir as regras de outra pessoa. Então, como você obtém a idéia de outra pessoa e obtém o esboço deles e entrega isso para uma imagem profissional e de alta qualidade. Bem, isso é o que esta classe aborda. E passamos por todo o processo desde a leitura inicial do esboço, o que você deve prestar atenção e criar seu plano de jogo sobre como você vai abordar sua imagem incrível. E passamos pela fase de desenho e desenho de personagens, fazendo estudos valiosos e estudos de cores. Porque é sobre o fluxo de trabalho que lhe dá esse sistema confiável para obter uma boa imagem no final. Então, espero que se juntem a mim para ilustrar comissões, e vou mostrar o que aprendi ao longo dos últimos dez anos de educação e trabalho profissional. Te vejo lá. 2. Comissão e fluxo de trabalho: Você tem uma condição em que assumir que você faz durante todo este, que você estará trabalhando a partir de algo que tem um esboço, seja uma comissão paga ou alguém para desafiar ou competir. Pode ser assustador assumir uma ilustração complexa. E este material vamos percorrer um exemplo de projeto de comissão completa o que fazer e não fazer a cada passo. E discutir esse processo de pensamento a partir de dois pontos de vista, do novato e do Pero. E o novato é ambicioso, mas ele é inexperiente. Ele começaria dizendo, vamos ler o esboço foi muito boa abordagem, mas o profissional, por vamos ler o esboço foi muito boa abordagem, mas o profissional, outro lado, é criativo e experiência para ele sabe melhor do que apenas ler essa linha. Vamos estudar o esboço e o plano. Então você constrói uma árvore para ela quando criança sem um projeto. Mas como adulto, não se constrói uma casa sem uma. Você rabisca sem um plano, mas não ilustra uma comissão sem um. Ter um plano de jogo de como você vai alcançar sua imagem incrível garante um maior nível de sucesso eventual. Então, percebemos que os profissionais de TI planejam e os novatos não, não se intrometem para lidar com tudo de uma só vez, planejam um plano e seguem-no. Isso é um sinal artístico e humano geral de maturidade. Para o meu professor de arte me ensinou como colegial. Essa arte é como malabarismo. Você começa com uma bola e você pratica até que você pode fazer malabarismo sem preenchimento. Em seguida, você adiciona outro até que você pode malabar-los sem caiu e repetir este processo. Para nós, as bolas são aspectos da imagem. É o design, composição, os valores, o forro, as cores, cada bola representando um aspecto diferente. Agora, se você pular sem planejar, é como ir até lá e pegar oito bolas e tentar imediatamente começar a fazer malabarismo com todas elas. Muitas bolas vão bater no chão, vão perdê-las todas. Muitos dos aspectos da imagem para nós vão cair plano se a abordarmos da mesma maneira. É por isso que temos um plano. Nós dividimos o processo em um fluxo de trabalho. Isso nos permite adicionar uma bola que é um aspecto da imagem de cada vez no processo. Para não acabarmos com uma bagunça deles no chão. Este é o problema inicial que muitos novatos fazem. Eles deixam sua criatividade ambiciosa sobrepor seu bom senso. Eles pulam com os dois pés e acabam caindo um monte de bolas no chão. Talvez um aspecto ou dois da imagem acabem por ficar bem. Mas os outros caem. Então, queremos fazer melhor quando usar a abordagem profissional e levá-la um de cada vez, colocar em uma intenção completa em cada aspecto antes de seguirmos em frente. Assim que mergulhar diretamente na pintura final, vamos seguir um fluxo de trabalho que nos permite focar em cada aspecto individualmente foram possíveis, vamos usar a ilustração Pegasus como um exemplo do processo. E a ilustração da Pegasus era uma capa de livro que fui encarregado de fazer. E eu acho que é um bom exemplo de cada etapa ao longo do processo, mas também será complementado com algumas outras ilustrações e comissões que também são feitas. Se eu sentir que eles podem exemplo melhor esse ponto em particular. Agora o novato tem a abordagem geral do, eu quero apenas fazer o processo toda vez que eu vou descobrir como eu vou. Para o profissional, por outro lado, vai usar um fluxo de trabalho lógico confiável. Mas vamos ser claros aqui, nem todos os profissionais usam esse fluxo de trabalho específico. E está tudo bem. Este é realmente bastante lento agora, estou fazendo isso porque preciso que você seja capaz de ver o estágio claro do que está sendo realizado em cada etapa. Este não é o momento para uma nova abordagem criativa. Isso não é sobre sua liberdade como artista. Trata-se de trazer uma imagem de qualidade para o seu cliente para o seu projeto. Palavra do dia, iterações, vamos estar batendo em iterações várias vezes ao longo deste projeto. Eu só queria colocar isso na sua cabeça agora, pago para fazer isso enquanto estamos progredindo. 3. Planejamento de conceitos: Começamos na fase do conceito. Foi aqui que começamos a dar uma olhada no esboço. Agora também é aqui que vamos pesquisar, discutir e delinear como você vai enfrentar seu projeto. Esta é a sua planta. Da mesma forma que um chef vai se certificar de que eles têm todos os ingredientes que precisam antes de realmente começar a fazer um prato. Número um, comece por se familiarizar com o esboço fornecido. E estamos assumindo que você está trabalhando a partir de um. Muitas das coisas que vamos rever serão aplicáveis até a um projeto pessoal. Mas isso foi projetado especificamente para abordar um que você está tendo de um esboço. Então, se você realmente quiser se aproximar disso, você pode até escrever um esboço para sua própria peça pessoal e trabalhar da mesma maneira. Número dois, se algo não está claro no esboço, pergunte sobre isso. Agora, se você está trabalhando de uma comissão, então isso significa que você provavelmente tem um diretor de arte, que o diretor de arte está na sua equipe. Seu trabalho é literalmente direcioná-lo e ajudá-lo a alcançar seu objetivo. Número três, determinar a saída ou uso. Ou seja, como essa imagem seria usada? É um anúncio será impresso em um corredor ou uma capa de livro? Quais são as especificações a seguir? Quantos centímetros, que largura, esse tipo de coisa, indefinidamente. Quais são os prazos e colocá-los em seu calendário? Número quatro, escreva notas sobre cenas solicitadas. Saiba exatamente o que eles estão pedindo. As referências de pós-graduação que você vai precisar, mas ainda não coletou. Eu vou dizer para não clicar neles ainda porque você não quer ser muito influenciado até que você tenha seus esboços ásperos feitos. Em seguida, você vai clicar em suas referências. Esqueça-me louco. 0s e 1s que eu comecei a fazer mais recentemente ou depois de alguns anos de experiência. Perdoe-me, nós são coisas que eu sinto que eu provavelmente vou esquecer na imagem. Não se esqueça que essa pessoa tem esse item em particular. Não se esqueça que este tipo de edifício tem que ser em segundo plano. E faça uma pequena nota, certifique-se de que há uma imagem extra ou coloque-a em uma nota pegajosa e coloque-a em seu monitor. E também começar a fazer uma lista de palavras-chave. Nós vamos passar por isso e eu vou te mostrar como eu faria uma coisa dessas aqui do lado direito. Loja com 56 número cinco, certo? Uma lista desses conceitos vistos que você deseja esboçar. A grade para fora quais são suas idéias que você deseja desenhar antes de começar a desenhar. Número seis, reúna referências de ideias. Agora, estas são referências diferentes. Aqui estão os itens reais na cena. Você vai desenhar uma pessoa, você vai ter uma referência para os posts. Não perceba isso ainda. No entanto, precisamos de referências de ideias. Isso definitivamente incluiria pré-existentes não são criados para a propriedade intelectual de PI. Neste caso. A ilustração Pegasus foi com o segundo livro da série. Então eu precisava ter certeza de que eu encontrei uma cópia da primeira capa do livro para que eu pudesse ajudar a igualar a aparência dos personagens e o estilo e imagens de gênero semelhantes, mas não referências de assunto. Estes servem como um quadro de ideias. A sonda dirá, não subestime a importância da fase conceitual. Lembre-se da regra 80-20, 80% de um resultado é muitas vezes definido pelos 20% iniciais do processo. E se você tem uma fase de conceito realmente boa e você se certificar de que você colocar seu tempo em. Vai valer a pena, certo? Vai pagar por si só no tempo. 4. Leitura do contorno: Ok. Aqui está o esboço do projeto Pegasus que me foi dado. Eu abreviei um pouco. Agora, as cenas lá foram bastante aberto à frente várias idéias que é muito bom. Me dá espaço para trabalhar. Haverá dois Pegasus e uma garota em cada conceito. Considere colocá-los em um ambiente exuberante como parte da história acontece lá. Gostaríamos também que o Pegasus mais jovem fosse criar com energia e a menina segurando ou subiu como um predador tipo pterodáctilo, voa acima, assustadoramente. Explore o que a Pegasus pode estar fazendo, deitando-se, virando para a garota ou percebendo uma cobra por perto ou edite drama ou Suspense. Outro local para tentar seria uma praia ou oceano. A menina e Pegasus assistem a um testamento gigante que a criatura quebra da água. Então, depois de ler o esboço, eu não queria começar a tomar algumas notas e trabalhar fora na minha cabeça o que eu vou fazer quando ele em certos pontos e descobrir como eu vou abordar isso. Vou começar colocando uma lista de referências que vou precisar. Sei que preciso da anatomia da força. Eu não desenho muito cavalos. Certamente não faça Pegasus. Eu colocaria isso aí. Preciso de referências às asas. Precisarei de uma referência de pose para a garota. Também provavelmente precisa de uma referência selva e um bem, porque não algo que eu desenhar muitas vezes. Eu também posso precisar de uma referência de cobra e eu preciso de imagens IP existentes. Então, como eu disse, essa imagem anterior das palavras-chave da série, esta é uma que eu não acho que muitos novatos fazem, mas é uma que eu sempre quero fazer. Que é, sobre o que é essa imagem? Qual é a emoção, qual é o sentimento? É ou não? Preciso de ter a certeza que a imagem que lhes dou tem essa sensação. Acho que o maior aqui é aventura. Esta é uma aventura MOOC. Pobres crianças, certo? E assim ele precisa ter que pode haver um elemento de mistério, talvez, talvez de mito. Mas um empreendimento vai ser a minha palavra-chave principal, localizações. Então, onde essas imagens precisam ocorrer? Só vou clarear na minha cabeça, quando basicamente temos que ter uma selva e depois temos como uma praia ou localização no oceano. Então lá vamos nós e depois a lista de conceitos. Mas aqui é onde eu começo a anotar o que eu acho que as cenas são que eu poderia estar desenhando. Ok, bem, eles já solicitam algumas coisas. Queremos ver o trio na selva. Ok, este vai ser apenas o meu clássico. Três pessoas na selva em uma aventura tipo de ver, a seguir vamos ter Pegasus ferido, guardando garotas. Em seguida, queremos ter alguns do oceano e localização da praia. Então trio assistindo. Bem criatura eu vou colocar bem, eu sei que não é exatamente um poço, mas sim. Então teremos o trio voando sobre o oceano. Então há o tipo de sabe que isso é algo que é realmente bom. Porque se você pode pensar sobre isso, você pode economizar muito tempo indo em frente e que você realmente não tem que atraí-lo para fora. Você pode apenas meio que jogado fora e sua cabeça ver o que você precisa e, em seguida, entrar em. Agora, esta é a mesma coisa que a nossa empresa ou faz. Ele olha para o que precisa fazer. Isso dá um pouco de pensamento. E então ele cria o que é chamado de corte. E que esta é uma lista de, eu preciso de 510 por 12 em placas deste tamanho, eu preciso, e você apenas faz uma lista de cada corte de cada placa que você precisa. Assim você não terá que descobrir quando chegar na serra. E da mesma forma que somos para Granta, exatamente o que o nosso sem costura faz antes de chegarmos à parte do desenho. 5. Criatividade controlada: Queremos saltar para o desenho, mas antes disso vamos ter uma conversa rápida. Criatividade descontrolada. Desde artistas, somos pessoas criativas. Clientes contratam para serem criativos e para dar vida e combiná-lo assentos. No entanto, um encomendado em outros projetos delineados, devemos exercer controle, criatividade, e peças pessoais que podemos executar com tudo o que eu faço é tomar a nossa fantasia, mas projetos de esboço têm restrições. Isso significa que precisamos identificar os parâmetros em que nossa criatividade pode ser usada e onde ela não pode. E esses casos, só porque uma ideia pode ser legal, não significa que seja viável. Muitas vezes temos criatividade em nosso design, na renderização da cena, mas não re-imaginá-la, salvo indicação em contrário pelo cliente em algum tipo de hit é o caso. Na maioria das vezes, eles não estão procurando por sua nova versão pessoal em sua propriedade. Eles estão procurando o YouTube, fielmente renderizado suas propriedades de uma forma visualmente criativa e envolvente. Se você tem uma idéia que você sente que iria melhorar o projeto, mas você não tem certeza de que tomou muita licença criativa, em seguida, pergunte ao seu diretor de arte, que irá deixá-lo saber se é uma competição de arte ou um desafio e não há nenhum diretor de arte disponível, então é melhor ficar dentro dos contornos claros. Fornecido. Um pouco de conselho. Se você tem uma idéia interessante e não é utilizável no projeto de esboço. Não significa que seja uma má ideia. E isso provavelmente significa que a idéia simplesmente não é o ajuste certo para esse projeto em particular. E isso é OK. Então você acabou de salvar a idéia ou o esboço e procurar oportunidades que ele pode ser adotado para outro projeto e considerar torná-lo em seu próprio projeto pessoal. Obviamente, você não quer nunca usar quaisquer propriedades intelectuais ou personagens de propriedade. Mas geralmente não é preciso muita modificação para trazer vida a ele de um ângulo ligeiramente diferente. Então aqui temos o esboço novamente. E neste caso há certas coisas que podemos mudar e certas coisas que não podemos. Bernstein, provavelmente podemos mudar a cor do vestido da garota. E poderíamos mudar a pose em que os personagens estão. Não temos nenhuma indicação da iluminação ou da média do quadro da cena. Então, há muita criatividade lá. O que não temos o direito de fazer ou a liberdade criativa é, por exemplo, mudar o gênero. Eu poderia dizer aqui, vá saber o que seria realmente legal. Seria muito legal se um dos Pegasus fosse cibernético. E assim como um era orgânico e ele era o último Pegasus orgânico ou que o outro era como este Pégaso artificial que a menina criou porque ela é como um funileiro e ela conheceu este outro, o último Pégaso. E ela pensou, não, eu vou fazer um amigo para ele, para que ele não seja o último enquanto ela constrói esta outra Pegasus. Sim, isso é muito fixe. E então talvez compartilhamentos como este braço que também é cibernético. Ela perdeu um acidente quando está construindo a outra Pegasus. Ok. Assim, tudo legal. Mas não é isso que o cliente está pedindo. E esse é o tipo de coisa que tem certeza. Pode anotar se gostar dessa ideia. Acha que seria divertido fazer isso? Anotado, resolvido? Não é isso que o cliente quer. Eles não precisam de você para reinterpretar o projeto deles. Precisam de você para fazer parecer bonito. Tudo bem. Eles já têm a ideia deles. O conceito já foi criado, esse não é o seu trabalho neste caso. O que você precisa fazer é pegar a coisa deles e fazer com que pareça bom. Isso é potencialmente um problema para muitos noviços porque até este ponto, tudo tem sido seu próprio trabalho pessoal. Eles simplesmente não estão acostumados a trabalhar a partir de um esboço. Eles não são usados para alguém ser capaz de dizer o que é certo ou errado em um projeto. E como ilustrador profissional, pode ser uma mudança difícil, mas é uma que temos que aprender onde estão esses limites para que possamos oferecer o melhor que pudermos para nossos clientes. 6. Design de personagens parte: Agora vamos para a fase de conceito onde vamos começar com o design do personagem. Agora eu amo o tema do design de personagens. Eu acho que um monte de artistas realmente fazer, especialmente no conceito arte e ilustrativo preenchido o novato, vamos dizer, nós vamos apenas fazer a parede personagens que pintamos. A sonda sabe. Eu posso me safar com isso às vezes. Mas você não é meu projeto primeiro. Garçom de pintura. Mini-projetos exigiam que novos personagens aparecessem em um C. Portanto, aborde o design do personagem antes de começar a pintar. Então você pode colocar toda a sua atenção nisso sem se distrair por ter que fazer malabarismo com todos os outros aspectos. Se algum caractere que você está ilustrando já foi ilustrado antes. Como eu disse, nós somos ip existente, obter cópias dessas imagens para consistência e projetar uma referência. Muitos clientes vão enviar-lhe isto. Quando eles enviam sua comissão, você pode estar trabalhando nos desenhos de personagens em miniaturas de composição. Ao mesmo tempo. A ilustração Pegasus não exigia quase nenhum cuidado ou design, pois um personagem já estava pré-desenhado e os outros eram bastante diretos. Ambos Pegasus parecem brancos, semelhantes. Então não houve muita mudança lá. E a menina basicamente apenas adicionar um penteado simples e um vestido simples com uma espada. Então eu não tive que colocar muito tempo no bastão e eles não eram muito interessantes. Então eu usei outros exemplos para mostrar iteração de designer de hambúrguer. A chave para boas ideias e designs são iterações. Você deve explorá-los, desenvolvê-los, e produzir mais deles. Nem todas as cenas que viste produzem algo. É por isso que você tem mais sementes do que o mínimo. Se você quer uma árvore, não plante ar condicionado. Mas um par de assentos. As ideias também são assim. Desenvolva mais ideias do que apenas uma. Porque por mais que goste, pode ser um fracasso. Iteração é sobre renderizar um lote de idéias do que escolher as apostas com a imagem escolhida para um lote de variações e escolher o melhor ea repetição. Este é um velho personagem S provavelmente fez isso há dez anos, mas é uma boa ilustração de como é a iteração. Um fez uma pose básica. E então eu copiei um monte de vezes. E então ele só fez um monte de versões do personagem. Eu escolhi meus seis favoritos e eu limpei um pouco mais, adicionei um pouco mais de detalhes para eles, fiz algumas variações de cor daqueles, escolhi o meu favorito e depois trabalhei nisso subiu. Então a imagem final aqui é a terceira iteração. O primeiro está em todo o lote. A próxima é onde desenhamos e pintamos. E o terceiro é onde pegamos isso e pintamos completamente. E eu acho que é o melhor para ele. E essa é a abordagem que vamos usar durante todo o design do personagem. Há muito mais no design de personagens do que isso. Mas só estou tentando te dar alguns destaques. Isso será suficiente para você trabalhar durante o processo de criação. Número um, anote as características fornecidas a partir do esboço para que você não se esqueça de nada. Eu fiz isso, outras pessoas fazem isso. Isso acontece. Anote para que não se esqueça. E este esboço do caso é um guerreiro ferreiro de fantasia. Então, desenhamos o corpo básico e fazemos pelo menos três cópias dele. Eu diria para fazer muito mais. Mas se você está pressionado por tempo, R0 é provavelmente o seu mínimo. É então, quando você obter essas variações e esboçar sobre as cópias, apontar para a variação de formas, silhueta e simetria. Mas estamos falando de simétrico e assimétrico. Não há detalhes nesta fase. Não é disso que se trata, apenas representar elementos com formas C. Bem, nesta fase há muita coisa acontecendo. Então nós vamos para três EI, que é considerado o local dos personagens e história para realçar o que eles onde e possuem. Então este personagem é de um clima frio. Eles provavelmente precisam ficar aquecidos. Eles precisam de comida para suas viagens. Eles precisam de um capuz para saber se eles vão estar fora muito. Tudo isso informa o personagem, torna-os mais críveis e ajuda a dar-lhe uma idéia de como o personagem deve ser parecido. 3b, considere projetar elementos para seguir um padrão visual. Metodologia Will Fazer isso fornecerá respostas para o tamanho, natureza e localização das formas a serem usadas. Metodologias podem unir elementos com um olhar coeso. Existem muitos paradigmas para baseá-los. Aqui estão apenas alguns exemplos. Então a metodologia é, o que eu coloco, onde, quão grande é? Como faço para obter todas essas coisas diferentes e fazê-las trabalhar juntas? Neste caso, estamos usando um padrão em ziguezague nesta versão do cara é, em vez de fazer a pequena gravata de um lado para o outro, nós colocamos em um ângulo, então deixamos esse ângulo movido por ter a alça do pescoço debaixo dele através do peito. Vá o que o ângulo oposto. Nós, então, temos a próxima linha da camisa tablet lintel ir em e ângulo oposto a isso. Então, ao longo de toda a coisa, temos uma série de padrões em zague que mantém os olhos em movimento. E essa é a metodologia geral para o personagem. Aqui temos três personagens Dryad, cada um deles com uma aparência muito similar e usando muitos dos mesmos itens visuais e formas, mas organizando-os de maneiras completamente diferentes. Novamente, este é um padrão em ziguezague exagerado. Mas uma vez que entendemos que esse é o padrão que estamos usando para os itens e tomamos a decisão de onde colocar o que e quão grande deve ser em um ângulo que, deve ser muito mais fácil. Em seguida, temos um padrão X ou culturas. E tudo aqui está seguindo esse padrão. Variação de tamanho usando as mesmas formas em tamanhos diferentes espalhados por todo o lado, mas todos seguindo o mesmo layout simétrico. Isso seria realmente uma boa prática de sentar e tentar pensar em diferentes tipos de metodologias ou estudar outros personagens e ver qual é uma das metodologias que eles usam. O tipo de lógica para a colocação dos tamanhos das formas e os ângulos no personagem. Número quatro, escolha o melhor design. Aí está, iteração. E fazer estudos de assuntos do mundo real que poderiam informar o design e os elementos que podem ser incluídos. Então, para o guerreiro ferreiro de fantasia, fiz estudos sobre desenhos vikings históricos. Eu também desenhei alguns acessórios que o personagem pode estar carregando. Isso me ajuda a ter uma sensação mais fundamentada de como esse personagem se parece. Este é um erro que muitos novatos cometem é que eles não baseiam coisas suficientes na realidade. Eles extraem muito da imaginação e do seu conhecimento, seu conhecimento inato de como fazer as coisas parecerem mais reais e mais fundamentadas apenas não está lá, eles não têm experiência suficiente para isso. Então certifique-se de que você está desenhando informações de assuntos Rio Mundo e deixe que informar seu personagem para que eles sejam mais críveis. 7. Design de personagens parte 2: Tudo bem, Passos cinco a sete refinar o conceito escolhido com um conhecimento dos estudos para ajudar a melhorar a precisão do projeto e a credibilidade dos elementos. Um bom design é muitas vezes apenas realidade com uma reviravolta. Então pegue algo relacionado, como não gostar que eu estude e dê um empurrão de design em uma direção diferente. Isso pode ser uma mudança em seu gênero, tecnologia, física, ou até mesmo uma mudança de período de tempo. Então este é o personagem desenhado novamente com mais conhecimento retirado dos estudos do mundo real, o personagem ainda pode ser genérico. Então, queremos descobrir o que é o núcleo desta pessoa e dizê-lo. Pode haver várias coisas ou você pode se concentrar. Então escolha um aspecto, dê um megafone e desenhe outro conjunto de iterações. Um, outro. Sim, outro. Lembre-se genérico, muito específico ou comum para uniq? Isto parece apenas a sua média NBC. Não parece muito coeso. Tem muita coisa acontecendo. Visualmente, há muito para olhar. Mas ele ainda não se sente como um personagem único. Não parece que ele seja sobre uma coisa. Ele é sobre um monte de coisas diferentes. E agora estamos tentando obter um aspecto dele sobre esse personagem, sobre seu olhar, sobre sua personalidade e deixar isso mais claro. Primeiro, temos esta versão que está inclinada a ser um guerreiro ártico. Queremos jogar aquele aspecto frio de Helmand onde ele está e fazê-lo se sentir mais como um guerreiro e menos um ferreiro. Damos a ele o olhar mais pesado. Nós damos-lhe para um forro em um monte de seus pedaços de armadura. Temos neve no fundo do manto dele. Demos mais gravatas e seu cabelo ou fazendo um pouco mais robusto. Este também é o mesmo personagem, mas estamos focando em um aspecto diferente. Não estamos focando no guerreiro do Ártico, estamos focando no ferreiro. Agora temos mais ferramentas penduradas seu cinto que ele pode estar usando durante seu ofício. Nós mostramos alguns de seus trabalhos com a armadura caindo no braço dele lá. Nós mostramos que ele é talvez ele teve um acidente em sua loja, estava trabalhando. Então, como um iPad, ambos preenchendo personagens mais exclusivos. Não há apenas o fundo NPC, Maccabee, O personagem principal. Agora, o conceito de filme mais específico e único que genérico. Ter roupas são importantes. Este seria o momento para escolher o melhor conceito para novos estudos de cores. Você faria pelo menos três variações e escolheria o melhor. Este personagem não precisava de cores, então ele terminou nesta fase. Mas para o esboço da cena. No entanto, nota rápida sobre o que é preciso. Se você quer resultados de nível profissional, você tem que colocar em nível profissional esforço. Você pode ver vídeos em que o produto produz sem esforço um personagem dinâmico. Mas o que você não está vendo são as milhares de horas de estudo sobre as centenas de desenhos que eles fizeram. Para que seus projetos médios possam estar nesse nível. Há um monte de trabalho nos bastidores que vai para grandes ilustrações. E a maioria das pessoas nunca o vê como um iceberg. Você só vê o topo. Você termina, você vê a imagem final. A maior parte é invisível. Todos os conceitos descartados, todo o disco, 100 caracteres, todas as composições de mudança, todos os retrabalhos. Você não vê essas coisas. Não com muita frequência. Se você quiser mergulhar mais fundo no tema do design do personagem, sem-fim negligência se eu não recomendo e note que eu tenho um eBook chamado personagens de design e desenho. Você pode pegá-lo uma vez como art.com. É daí que todos estes exemplos são retirados. E eu entro em muito mais detalhes e eu tenho várias ilustrações mais. Então sinta-se livre para ir lá e dar uma olhada nisso. 8. Miniaturas de cena: E as miniaturas de composição, o novato pode abordá-lo pensando, Eu queria apenas começar a pintar e esperar que ele se torne bom. Abordagem diz, eu esboço muitos conceitos e intencionalmente posando cada elemento que eu escolher o melhor. Você não tem que ter esperança. Você pode saber miniaturas de composição armadas com sua lista de cenas, é hora de realmente começar a esboçar. Nesta fase, é tudo sobre composição. Não se trata de detalhes, iluminação ou mesmo de valores. Apenas a composição de elementos no quadro. Para ser claro, há muitas abordagens para construir novidade. Veja onde talvez você faça seus estudos de composição ao mesmo tempo que você faz em seus estudos de valores, muitos artistas trabalham assim, talvez até mesmo com cores. Mas estamos tomando um aspecto do seu tempo para simplificar o processo. E à medida que você fica mais confortável com ele, é quando você pode começar a ter um pouco de diversão com o fluxo de trabalho para saber se você pode fazer várias coisas ao mesmo tempo. Mas, por enquanto, vamos focar apenas na composição em si. Uma boa composição direcionará o olho para os pontos focais, fará um complexo parecer mais legível e ajudará a transmitir o humor desejado. A composição não é uma coisa em si, mas o contexto do tema. Como todas as coisas se relacionam umas com as outras. Não é a imagem nas peças do quebra-cabeça, é o quebra-cabeça em si. Muitos não-profissionais subestimam o quão crítica é a composição. Eles focam todo o óleo e a imagem real em vez de como tudo se relaciona. E é por isso que queremos dar especial atenção ao palco. A composição afeta o humor mais forte através de uma sensação de equilíbrio. Energia, e espaço é importante ter uma idéia do que o humor desejado ou apenas das imagens. Então você pode usar e arranjo composicional que reflete isso e vamos entrar nisso aqui em um momento. Então aqui está o exemplo dos problemas que eu criei para este projeto. Agora outros árbitros que também esboçar, mas estes foram os mais promissores, então eu estou continuando com eles. Acabei apagando os que não precisava. Portanto, eles não estão incluídos aqui. Pensei que seria melhor sair para o trabalho. Então é isso que você vai ver progredindo para melhorar nesta fase, uma ótima prática para melhorar suas habilidades de composição e valores é fazer estudos a partir do cinema. Procure filmes com boa cinematografia e não use detalhes. Isto foi tirado do Senhor dos Anéis, Sociedade do Anel. Observe que há muito pouco detalhe, se houver, nessas cenas. Quando eu estou prestando atenção é onde eles alinham o personagem no quadro. O tamanho dos personagens é um tiro médio de tiro largo, close shot. E então também como eles equilibram os valores na cena? Boa prática, certo? São fáceis de fazer. 9. Usando padrões composicionais: Padrões que falamos usando um padrão composicional. Vamos passar por isso. Realmente notar cena pode ser confuso por montar um quebra-cabeça sem uma imagem de como a final é realmente suposto olhar como a final. Você pode passar idades apenas movendo coisas e esperando tropeçar em um arranjo que funcione. Ou você pode simplificar esse processo usando padrões e guias confiáveis. Toda a idéia é obter uma coleção de vários assuntos e formas e criar uma ordem fora dele que coincide com as imagens desejado pontos de humor para lembrar é preencher o quadro com o assunto. Uma das melhores dicas para lembrar nesta fase. Geralmente você quer apenas construir um quadro com o assunto. Ou seja, fazê-los ocupar mais do visual Real Estate foi alguém para manter formas simples, sem detalhes. Você pode perguntar a si mesmo a questão de, qual elemento você deseja chamar a atenção? A sinterização torna o caráter do filme mais estável. A composição do estudo, você vai achar que colocar um personagem neles, cinza, indo completamente verticalmente encanado para os lados da tela vai fazê-los se sentir mais estável e confiável, mais confiável. O arco triangular faz com que os personagens e unidade a, equipe C, Todos esses caras estão alinhados, a fim de fazer um padrão simples. Isto confere-lhe uma coesão. Faz eles se sentirem como se fossem parte de uma equipe. Se você quebrasse isso por ter outro personagem aqui, ele encheria como se fosse parte da equipe. E podemos fazer isso para dar a impressão de que um não faz parte do outro. Mas para esses caras eles são, eles estão alinhados assim. Os ângulos z varrendo mantém o olho se movendo ao longo da imagem. Então aqui estou eu a pensar que este tipo vai estar a criar desta forma. Ou seja, asas poderiam ser criadas padrão desta forma. Eu não quero ir direto para o outro lado. É o Boyne. Não há movimento lá. Isso não é muito interessante. Então nós fomos para incliná-los assim. E o que isso significa? Que eu quero o próximo e ir em um ângulo contador para isso, e em seguida, a próxima ilha e ir Editar ângulo contador para isso. Isso mantém o olho se movendo ao longo da imagem. É um ótimo padrão de composição. A próxima, a Pegasus envolve a garota dando a volta à nossa atenção. Este é quase um design em espiral ou Q para o padrão onde o Pegasus está deitado no chão, envolvendo sua cabeça para a menina. A menina está novamente centrada, tornando-a o ponto focal. Essa mistura de padrões que você ou eu acaba com esse personagem. Todo o design deste é uma cena dentro uma silhueta Pegasus que se aproxima da imagem de uma forma gráfica que pode ser muito dramática. Então tudo isso aqui fora, esse espaço negativo seria cena completamente diferente ou cor diferente. Bem, tudo o que existe dentro disto seria uma cena na selva onde um dos Pegasus foi ferido. Isso não é realmente algo que este projeto em particular pediu e obter um tipo gráfico de abordagem para ele. Mas é um design que muitos dos livros do gênero usado. Então é por isso que eu queria colocá-lo aqui e dar a eles a opção. Mas o próximo que vemos que esta curva de fim de semana do Pegasus para o poço mantém o fluxo ao longo da imagem. E o segundo Pegasus olhar em uma contracorrente que direciona nossa atenção para a garota. E fora do canto. Mais uma vez, personagem centrado porque queremos que ela seja a personagem principal. E o último conceito que vemos que o personagem ainda é uma banda horizontal, deixando espaço para texto e deixar caracteres sugeridos. E o ângulo do poço é contrariado pelo ângulo dos neuropeptídeos. E assim, quanto mais perto Pegasus é colocado em um ângulo, por quê? É mais interessante, é mais dinâmico do que fazê-los atravessar. Então, queremos fazer isso. Também não queremos que coloque o poço no mesmo ângulo. Queremos contrariar isso. Então isso faz com que seja realmente bom dinâmico. Agora isso foi definido em uma banda porque em um monte de imagens em capas de livros que eles queriam sugere o assunto ou o necessariamente dizer. Ou eles querem que o título e o nome do autor basicamente vendam o livro, não tanto a imagem, novamente, mostrando uma variedade, apenas querendo colocá-lo para fora para o cliente e ver que tipo de feedback é sobre o que eles estão procurando. 10. Escolhendo um design composicional: Escolhendo um design, ok, então você deve usar um padrão visual, mas como você decide qual deles? Como ponto de partida? Determinei as imagens, humor ou tema. Em seguida, interpretamos esse humor em termos de energia visual. Uma vez que de todas as diferentes métricas, composição, maioria dos efeitos, as cenas, energia, todos os arranjos, padrões caem em algum lugar na habilidade de baixa energia, que é coisas muito estáveis, e de alta energia, que é muito geralmente coisas ativas. Isso significa que queremos escolher um padrão que corresponda aos nossos níveis de energia de cenas. Bem, um pequeno colapso aqui. Os humores de alta energia são temas, muitas vezes seria considerado um empreendimento ou ação dinâmica, épicos, alegres ou cenas mágicas. Onde, por outro lado, humores de baixa energia e temas seriam cenas pacíficas são ambientes sombrios. Talvez uma cena, um mistério, um sentimento sinistro ou nenhuma guerra. É claro que existem excepções a esta quebra. Mas estas são regras gerais. Há exceções para quase tudo. Baixa energia ou estática. As linhas planas são estáticas, ameixa e de baixo nível. Não há moção para eles. Eles eram completamente, por outro lado, cenas de alta energia ou ativas provavelmente deveriam estar usando mais linhas angulares que têm uma sensação de ser mais ativo ou emoção ou ter maior energia e cenas baixas e estáticas, pouco a nada é filme seria como uma árvore ou construção de mais caráter, sentado calmamente em algum lugar. E estes podem provocar emoções positivas ou negativas. Olhou para usar um arranjo simétrico centrado ou alinhamento de prumo para o quadro. Além disso, colocar um personagem no centro do pode ajudar a transmitir firmeza, controle e importante. Da mesma forma, sementes de alta energia ou ativas. ângulos nas diagonais têm mais energia do que a ameixa, verticais e horizontais à medida que recebem a sensação de desequilíbrio ou movimento. Os desenhos curvos também têm uma sensação de vida e uso de movimento. Eram cenas com alta energia física ou emocional. Agora, esses tipos de padrões são os que você quer pensar para usar em suas miniaturas de composição. Este seria um padrão alvo, que é muito semelhante à espiral, mas não tão enérgico. E tudo ainda é segmentado e não contínuo. Ameixa, verticais e horizontais, bem como um triângulo estático. E achamos que isso é equilibrado, mas usa diagonais. Se alguma coisa. Esse cara poderia realmente sentar em algum lugar aqui no meio, é uma combinação da simetria equilibrada da baixa energia com diagonais da energia mais alta. Uma opção preferida em cenas energéticas ativas é irradiar linhas. Agora, isso pode irradiar frequentemente do assunto. Pode ser a cabeça do sujeito ou talvez onde eles estão, certo? E você quer que tudo aponte para onde esse ponto focal principal está, seja para caracterizar um item ou um local. Continuando, olhando para os padrões e desenhos e baixa energia, inativo em padrões estáticos, talvez não haja melhor em torno de padrão composicional para ilustradores. E depois o triângulo. Funciona para a maioria das imagens verticais e horizontais. E na maioria das vezes você pode organizar um personagem para usar esse padrão ou algumas imagens clássicas que usam esse padrão triangular ou pirâmide forte. Também personagens do autor. E outras formas simples, como números e letras, também podem criar ótimos padrões de composição. Caracteres que podem funcionar bem com padrões ou AC, GH, JL, OK. TV de Yahweh, XYZ 12, 69. Todos eles têm um bom equilíbrio e simetria ou um ângulo para eles. Eles podem funcionar como um padrão composicional. Agora, o poema verticais e horizontais do túmulo, combinado com o centro e posicionamento dá uma impressão firme e calma. Novamente, tudo é muito estático. Não está se movendo, não é diagonal. E as cenas ativas ou de movimento de alta energia procuram usar mais diagonais, ângulos irradiantes e convergentes, espirais e personagens posicionando fora do equilíbrio e/ou em um movimento de torção. 11. Simplificar a composição: Se você não usar um padrão pré-projetado específico, como linhas irradiantes ou espiral. De que outra forma você pode abordá-lo? O que você não precisa usar um guia pré-fabricado. Mas seja qual for o design que você fizer, certifique-se de que é simples. Lembre-se, na composição não pode ser indicado com apenas um par de formas e linhas simples. É provável que complicado e deve ser. É melhor descobrir quais são os padrões básicos de composição nos primeiros esboços para salvar o problema do mini, muda mais tarde. Se você já foi agressivamente imagem para onde você está colocando em detalhes e você tem várias fontes de luz e sombreamento e expressões de caracteres e tudo mais. A nova loja de hepta reformulando a composição. Essa não é uma situação ideal. Você vai perder um monte de horas trabalhando essas coisas cedo para que você não está perdendo tempo tendo que voltar e editar coisas. E essas duas ilustrações que eu fiz, eles não estavam usando um único padrão básico de composição que foi pré-feito como a letra G, por exemplo. Então eu fui com basicamente irradiando padrão, combinando-o com um oval. E este aqui, são linhas curvas que vão até o centro. Novamente, o ponto focal é o rosto do personagem. Então tudo se curva para chamar a atenção para aquele ponto. E a mesma coisa com seu personagem irmã aqui, que as asas são intencionalmente projetadas para seguir uma forma oval com todos os itens irradiando em um padrão previsível. Agora você provavelmente não percebe isso quando você está olhando para a imagem em si. Mas foi intencionalmente projetado assim porque ele recebe algo que pode ser muito caótico. Com asas e braços e pernas, em Espada e tecidos, em coisas técnicas e erros de acenar que ficam loucos. Mas eu os alinho de tal forma que a maioria dos principais está seguindo um ângulo previsível. Nós não temos que usar apenas um padrão de composição são projetados. Na verdade, a combinação é uma boa ideia. Camadas e combinando padrões podem aumentar o soco visual, fortalecer a composição e ajudar a direcionar o olho para o ponto focal. Então, quando esta ilustração aqui vemos vários padrões de composição sendo usados. Em primeiro lugar, vemos o padrão das linhas irradiantes saindo da cabeça e ela era a deusa do nascer do sol. O que faz sentido que houvesse um raio de luz saindo de perto dela. Nós também temos o fundo e os outros elementos alinhando dois anéis concêntricos e um padrão alvo. Ambos juntos chamam muita atenção, reforçam seus destinos. Vamos agora voltar nossa atenção para essas outras duas imagens. Agora eles não têm nenhuma linha colocada sobre eles a fim de indicar a composição. Então vamos fazer isso. Vamos examiná-los e ver o que está acontecendo na composição que os faz funcionar. Primeiro é esta ilustração de j's que eu fiz. E notamos que ele está centrado. Isso o torna imediatamente o ponto focal da peça e faz com que ele se sinta mais confiável e estável. Isso se situa pelo fato de que sua parte inferior do corpo cria um padrão triangular muito forte que novamente o faz preencher. Estável. Os pés são largamente plantados e esse ângulo aponta para o rosto dele. Algo mais acontecendo com seu rosto é que todos esses modos azuis de magia estão circulando sua cabeça. Isto é utilizar o mesmo tipo de padrão desta outra imagem, que é o REMS concêntrico, que chama a nossa atenção visual. Então isso está acontecendo lá. O fundo tem um par de coisas acontecendo com ele também. E ele usa uma espécie de forma de ventilador ou pode considerar linhas irradiando. Basicamente tudo decorre de um ponto bem aqui, onde temos este ângulo e este lado que está equilibrado com o mesmo ângulo do outro lado. Agora, você não quer manter as coisas absolutamente perfeitas. Por exemplo, eu não quero uma linha reta lá, mas você quer organizar as coisas para que basicamente seguiu esse padrão. E então, à medida que continuamos, essas linhas continuam a partir da árvore seguindo o ângulo do tipo de padrão de ventilador irradiante de estar em casa bem no meio traz mais atenção. Esse personagem. Este é um padrão de composição sutil, mas forte, sendo usado na cena. Agora, com todas essas linhas correndo em direção às bordas, não queremos executar o i fora da imagem. Então nós colocamos algo lá, a fim de bloquear a cena. Aqui temos água a descer deste lado, o que cria uma espécie de barreira visual que te põe de volta à cena. E da mesma forma que chegamos e atingimos todas essas flores penduradas e pequena vegetação correndo para a próxima cachoeira, e isso traz você de volta para o assento. Se você está tendo um monte de coisas apontando para fora da cena, olhar para organizar algo lá no canto que tipo de bloquear o olho ou curva o olho de volta ao redor. Agora, nesta outra cena, temos um trio de personagens e fantasias muito. Uma imagem divertida aqui. Gostei muito de fazer este. E este usa alguns padrões de composição muito simples também. Novamente, ele se concentrou. Queremos que isto seja um equilíbrio. Veja, isso é muito tipo de quadro clássico centrado. E, claro, a lua. A lua é uma ferramenta de composição visual muito forte que nos mantém bem no centro das atenções. Valor sábio, isso também é fantástico porque nos dá fundo brilhante, todos os elementos mais escuros e os personagens para aparecer contra. E o brilhante Keller ajuda a adicionar um bom pop à cena. Mas o que mais está acontecendo? Outra vez? Triângulo dificilmente pode dar errado com o triângulo. E se você olhar para ele, você provavelmente pode vê-lo também. Todos esses caras são organizados para caber em um triângulo. Missouri aconteceu chance de que eles são organizados assim? Não em tudo. Eles foram intencionalmente dispostos assim porque eu sabia que isso iria funcionar melhor. E é também por isso que não há outra pedra aleatória aqui que não se encaixe em nada que não faça sentido. Então não há nenhum lá. É também por isso que o outro personagem não está ouvindo em vez com seu arco assim, que não faria sentido. Não seguiria o padrão. Então, tudo está alinhado de uma forma que faz sentido e traz a intenção de volta. Da mesma forma que tivemos este tipo de pó irradiante e das árvores ao fundo, também temos das nuvens neste onde mantemos todos estes curvos nesta cena para chamar a nossa atenção de volta aos personagens. É nisso que você precisa pensar nesta fase. E você quer desenhá-los muito vagamente, mas muito intencionalmente para descobrir quais são seus padrões. 12. Dicas de composição adicionais: Bem, vamos olhar para algumas dicas adicionais de composição para você lembrar enquanto esboça. Em primeiro lugar, uma linha de visão, a colocação de elementos na cena pode atrair o espectador ou bloqueá-los. A menos que você tenha uma razão específica para evitar colocar todos os seus assuntos em uma meta plana para o plano de observação parece de aventura e epiglote precisa do mundo para se sentir expansivo e um Vitis na aventura. E fazemos isso permitindo uma linha de visão até a distância. Vamos começar sobre este tópico dando uma olhada nesses dois exemplos. Esta aqui, quero que a cena preencha as despesas. Quero que sintas a emoção que ele tem enquanto olha para esta vista na primeira imagem. É por isso que é menos sobre o caráter específico e mais sobre a relação deste personagem com o fundo. Então é por isso que ele é empurrado para o lado e não completamente centrado. Eu queria movê-lo um pouco para que pudéssemos ver o que ele vê. A, esta é uma linha de visão. Ou seja, nossa visão está olhando para a distância e não há nada que nos impeça de ver essa distância distante. Não havia nenhuma montanha aqui no meio para bloquear nossa visão. Então isso ajuda o mundo Fillmore expansivo e nos convida para entrar. No entanto, aqui em baixo temos o mesmo tipo de coisa, mas usado de forma diferente. O mundo existe. Fazemos SeaWorld fora neste personagem, em, dentro, em direção à distância. Mas usamos esse padrão para chamar nossa atenção para o personagem. Todas estas linhas irradiantes do ponto de vista, colocam a nossa atenção aqui. Mas isso é focado tudo sobre o personagem. Não é sobre os personagens e relação com o meio ambiente, e certamente não é sobre o meio ambiente. Assim que você colocar um personagem ou qualquer outro objeto no meio da linha de visão, ele faz a divisão parar. Você realmente tem que ter tempo e fazer esforço para olhar para o fundo e descobrir o que está acontecendo lá atrás e o que o resto do mundo é. Porque isso está te bloqueando quando você está montando sua cena. Você não quer colocar tudo em uma linha. Então vamos dizer que você tem sua câmera aqui e você vai olhar para fora desta direção do que em sua cena. Diga que você tem seu avião de observação aqui. E no seu avião de observação, os personagens estão aqui atrás. Você não quer ter um personagem aqui e um personagem aqui, e um personagem aqui, e depois uma árvore neste mesmo plano. Então você quer esta casa no mesmo avião. Porque não há profundidade. Então, em vez disso, o que você quer fazer é ter sua câmera com seu ângulo de visão e sua área de visualização. E então você vai querer ter como um personagem aqui e um personagem ali, e um personagem aqui. E então você quer a árvore de volta aqui. E então você quer a casa lá de volta. Desta forma. Tem uma profundidade. Mas isso é apenas se você quiser que esse personagem seja o personagem principal. Caso contrário, o que você quer fazer é realmente mover o caráter de lado porque queremos ter uma linha de passagem para o fundo, caso em que você quer colocar todo mundo em torno disso. Através da linha e não no caminho porque queremos atraí-lo para a distância. Próximo passo vemos dividir. Evite dividir uma imagem no meio direto, horizontal ou verticalmente. Ajustar a divisão até 10%, qualquer direção pode fazer uma grande diferença. Então, vendo que temos uma cena que estamos olhando para o lado de um prédio. E nós temos o prédio aqui. Teríamos o prédio assim e depois as janelas. E é bom porque você sabe que as janelas estão em perspectiva e faz com que pareça mais real. Mas acabamos de colocar a borda do prédio bem no meio do quadro. Isso não é muito bom porque queremos um desequilíbrio mesmo um pouco. E, de um modo geral, o desequilibrado precisa ter o ponto focal e a grande metade. Então, se colocarmos assim, e o prédio fica aqui e você tem todas as janelas deste lado. Isso agora é empurrado um pouco. Nós naturalmente esperaríamos, se estamos conscientes disso ou não, que o ponto focal da cena será aqui porque este lado é maior do que aquele lado. E então nós queremos apenas estar cientes de quando você dividi-lo, não dividi-lo e, em seguida, colocar o seu ponto focal deste lado. A menos que você esteja organizando as coisas de uma certa maneira. Está bem. Houve alturas para fazer isso, mas isso é apenas uma regra geral. A mesma coisa entre aspas vai horizontalmente. Diga que estamos fazendo uma cena de praia e você tem a crosta de praia aqui. E então você tem o oceano. O lugar que você não quer colocar a linha do oceano é bem ali no meio da cena, certo? Queremos que vá para cima ou para baixo. E cenas horizontais que estão ao nível dos olhos, cenas verticais também. Mas se você está imitando II Nível, você geralmente quer colocá-lo em cerca de um terço à direita sobre lá. Essa é uma espécie de consenso do que parece mais correto para corresponder ao nível do olho humano. Agora orientação, combine a orientação química com a direção do movimento na cena. E qual aspecto da imagem você quer situar? Então, se temos um foguete decolando, qual é a direção do movimento? Ambos para cima, como um foguete. Então, provavelmente queremos ter uma tela vertical. Certo, queremos que o foguete suba por aqui. Coloque pequenos spoilers lá. Então. Então agora temos um melhor senso outro foguete decolando e não preencheria direito, para ter uma cena horizontal com o foguete aqui. Pode isto, isto, isto tudo acaba por ser um espaço morto lá fora. E não precisamos disso. Da mesma forma, se é uma cena de talvez um trem, então queremos que ele vá lado a lado, certo? O trem vai nessa direção. Então nós queremos ter uma cena que segue o movimento do trem. Mantenha isso em mente se estiver tentando descobrir. E isso também ajuda a fazer o quê? Preencha o quadro com o assunto. Esse é o problema com este. Não está enchendo a moldura com o assunto. Está usando a maior parte da tela ou algo que não seja o assunto. 13. Demonstração de miniaturas de composição: Chegamos agora à demonstração em miniatura. Agora não vamos fazer o esboço ilustrativo da Pegasus. Novamente, eu já fiz isso. Então eu escrevi um novo esboço aqui, um valentão e seus dois jovens amigos arrastando ir em uma missão para encontrar o último sobre os dragões Anciões que sozinho pode ser capaz de parar o despertar Górgona. Como eu disse, eu inventei isso. Eu queria encontrar algo que seria um livro semelhante capas estilo história contorno. Isso seria como a ilustração da Pegasus, mas obviamente não é a mesma coisa. Começando. Uma das primeiras coisas que eu quero fazer é considerar quais são os tipos de ingredientes ou peças de quebra-cabeça que eu tenho que trabalhar com? Estes são os principais que precisariam ser incluídos. O resto destes são uma espécie de um levá-la ou deixá-lo, dependendo do que a idéia é. Se eu fosse apenas sentar um desenho histórico, eu provavelmente vou ter um pouco de bloqueio mental. Então eu vou me dar algumas diretrizes ou critérios ordenados para tentar atender, a fim de maximizar os esboços que estou prestes a fazer. Isso significa ir para o meu sem costura, eu quero anotar apenas um par de idéias que têm um tipo de cenas, diferentes tipos de layout, a fim de me ajudar a obter algumas imagens melhores indo e impulsionar minha criatividade. Agora eu faço isso indo para o Pinterest em juntos ao longo de um par de minutos, I Board de algumas idéias diferentes de ilustrações e capas de livros. Só estou olhando para eles. Quanto a como eles organizaram o assento ou está perto? Foi de longe foi gráfico foi ilustrativo, fez eles foi um simétrico era assimétrico, esse tipo de coisa. Então eu anotei algumas idéias aqui em um pedaço de papel ao meu lado, e nós vamos passar por isso e esboçar essas ideias. E o primeiro que eu vou fazer é um menino que está centrado e os dragões ou perto dele. Não estou preocupado com a precisão da anatomia ou nada disso. E então eu quero os dragões meio que circulando em torno dele. E o pescoço dele está girando em volta do dragão. O outro, eu acho que pode estar circulando por aqui embaixo dele. E talvez até tenha a boca aberta porque isso faria dela uma bela silhueta. Talvez arranjar uma asa ou algo assim para estar de volta lá só para que não tenhamos espaço negativo. E eu acho que isso pode ser uma imagem muito legal. Neste caso, estamos olhando para adicionar a maré bem aqui em baixo. E eu estou pensando nisso como uma capa de livro, então eu queria colocá-lo para fora de forma que eu teria um quarto para um título. Você poderia passar por algumas variações para descobrir como isso funcionaria. Mas no geral, essa idéia, eu acho que confere e isso é meio legal. Próximo garoto da silhueta com um dragão dentro da cena. Ok, neste, é definitivamente mais gráfico. Fazemos o título aqui de novo. Acho que temos a silhueta do rapaz a ocupar a maior parte disto. E então você teria a cena dos dragões dentro daqui. E provavelmente queríamos que estivessem numa pose mais interessante. Como se estivessem voando por aí, não apenas parados como ele está. E nem todo projeto realmente precisa de uma abordagem gráfica como esta, mas é divertido e provavelmente vale a pena apenas para dar uma chance e ver como funciona. O próximo conceito seria um menino andando sobre as sombras do dragão. Sim, este é meio legal e traz à tona uma idéia diferente que você nem sempre quer mostrar e ilustrar diretamente os assuntos. Ou seja, eu não tenho que renderizar totalmente realisticamente em mostrar todos estes, mesmo que estes sejam os principais assuntos. E este caso nós fizemos isso aqui com esta silhueta que indicamos aos meninos apenas pela silhueta de sua forma seria a imagem dentro dessa forma. Mas declaramos diretamente que o dragão é ilustrando-os. Tudo bem, eu trabalharia em toda essa pose mais tarde, mas isso só me dá a idéia, então eu não esqueço. E aqui eu quero o título aqui porque ele está caminhando em direção ao fundo. E isso significa que R i vai estar indo naquela direção que ele está indo. Então queremos o título lá embaixo. E aqui é onde temos as sombras dos dragões. E então aqui vemos uma silhueta muito clara do dragão nesta asa seria talvez cair mesmo em uma parte dele lá. Isto indica um curso, todos os três sujeitos sem necessariamente mostrar os dois dragões. Se você foi para dizer quem é esse personagem que falamos, você está sugerindo o personagem para o espectador ou você ficou no Caribe? Isso seria declarar o personagem porque ele é totalmente visível para nós e caminhando em nossa direção. No entanto, o oposto também pode ser verdade onde estamos olhando para a parte de trás da cabeça do personagem e ele está indo embora. E então temos as sombras indo por ali. E então colocamos o título aqui. E neste caso, indicamos todos os três personagens principais sem realmente mostrar nenhum deles. E o cliente pode gostar disso, sabe muitas capas de livros. Eles gostam de sugerir coisas. Ok, e certamente menino no erro, essencialmente ele está parado aqui em algum tipo de saliência, pedestal, galho de árvore velho. Quero dizer, isso realmente não importa. E depois temos ele sendo cercado pelo erro do amigo dragão. Estou procurando por esse tipo de padrão. Ele pode estar bancando e sua alada pode estar lá. E eu estou olhando para usar sobreposição, a fim de ajudar a construir um senso de profundidade. Então ele está sobrepondo isso, e ele está sobrepondo aquele cara. Se você vai ter visto o que um personagem estático, então você pode colocar um monte de movimento em torno dele foram os outros personagens. E mesmo que esses sejam os caras em movimento, porque ele está centrado, ele vai se sentir mais como o assunto principal. E o próximo é semelhante, mas um pouco diferente e dá um humor diferente. E isso seria o que o menino emissor também. Mas ele está caindo. Eu definitivamente iria verificar algumas referências ou pessoas caindo. E então eu estou pensando nos dragões ou tipo de mergulho em torno dele. E queremos ter essa sensação de queda livre, mas também de muito senso de profundidade nesta cena. Procuramos lugares para se sobrepor. Você usa sobrepor aquele Dragão ou então este dragão virá aqui e se sobrepõe a ele. Mas essa seria a ideia básica e nada que possa ser muito legal. Mas queremos repô-lo. Então a coisa toda provavelmente precisaria ser movida para baixo e adicionar o título lá em cima. E você pode até olhar para alguns elementos, particularmente de algum tipo no erro. Então, se este era mais de um crepúsculo como visto no céu aqui atrás, foi encontrado mais escuro do que poderíamos ter como empregadores no erro de um incêndio. Em seguida, temos o estilo do cartaz do filme. Agora, esta é uma ótima opção se o cliente está pedindo por tipo de tudo na pia da cozinha. Então, se eles querem ver os meninos e dois dragões, e o dragão mais velho e os monstros Górgonas e alguns dos principais locais. E você está dizendo de novo, como eu organizo uma cena que literalmente tem tudo dentro? Bem, uma das melhores maneiras de fazer isso é o que eles fazem com cartazes de filmes, que é abordagem estilo colagem. E isto é, você não está tendo uma cena literal. Você está tendo uma mistura de tamanhos nas colheitas. Havia muitas maneiras de fazer isso. Um clássico maneiras de ter um rosto grande no fundo. Talvez estejas a olhar para a cara do rapaz para termos essa ligação humana com a fervura aqui em cima. Temos talvez o dragão mais velho, certo? Os dois dragões principais, nós os queremos em uma pose entrelaçada de algum tipo ou padrão X. Então é aqui que aqui atrás entre esses dois aviões podemos ter como silhuetas de alguns dos vilões ou outros personagens secundários. E poderíamos ter aqui, talvez, como a montanha ou o castelo de onde eles vêm. Então esse tipo de abordagem pode levar muito tempo. Você precisa passar por muitas e muitas variações para descobrir de quem cabeça você usa? Você o usa no lado esquerdo ou no lado direito estão centrados e todo esse tipo de coisa. E eu sugiro ir olhar para uma coleção de cartazes de filmes e ver como eles estão dispostos. Bordas, grande silhueta de outro arrasto. Este é legal se você pode fazer isso, certo? E isso é que você está usando a forma de uma coisa, a forma positiva de uma coisa para criar a forma negativa de outra coisa. Silhueta do dragão mais velho. Posso usar algum tipo de elemento positivo como o rapaz ou os outros dragões para preencher toda esta área e deixar este espaço. Para que isso se pareça com a silhueta de outra coisa. Como se tivesses o ano dos rapazes, tal como o lado da cara dele e depois o manto se espalhasse. Você pode construí-los, ser como o fole do pano para fazer a forma debaixo do queixo dos dragões e ao longo de seu pescoço. Então talvez você tenha outro da linha dos Dragões, a parte inferior das outras formas de vida do Dragão que se formam. Estes são um pouco difíceis de fazer, mas eles podem ser muito legais se ele conseguir retirá-los. Bem, essas são todas as idéias que eu tinha visto. Por que esboçado para experimentar qualquer um destes eu acho que tem mérito suficiente para tentar pessoalmente, se eu fosse apenas para seguir em frente com este, qual deles eu acho que seria o mais divertido? Qual deles eu acho que poderia funcionar melhor? Eu meio que estou indo para este que eu gosto que você tem uma colheita muito próxima de tudo isso. Eu não sou um grande fã da silhueta com a cena dentro. Eu faria isso se o cliente estivesse pedindo, mas não seria meu primeiro pensamento. Espero que você tenha achado esta demonstração útil e talvez lhe dê algumas idéias sobre como abordar o processo você mesmo. Mas temos que embrulhá-lo lá em cima e seguir em frente para refinar os esboços. 14. Refinando o esboço: Com um esboços ásperos desenhados é selecionado, e é hora de refinar esses esboços em desenhos claros. Isso significa dado sombreamento simples, em seguida, apresentado ao cliente. Agora, a clareza é a chave neste momento. Se o cliente não entende o que está vendo, não é bom. Isso não significa que ele precisa ser detalhado e significa que não há desfocagem, efeitos de filtro ou formas ambíguas. O objetivo desta etapa é transformar nossos conceitos ásperos em direções de imagem razoavelmente precisas. E queremos gerir bem o nosso tempo nesta fase, soltar-se. Este é um lugar onde muitas pessoas perdem muito tempo. É fácil perder horas perseguindo o perfeito nossa referência e meticulosamente tornando detalhes estranhos foi simplesmente sobre renderização para este estágio particular vai olhar para alguns erros comuns em um momento. Por enquanto, vamos apenas olhar para um exemplo de como eu apliquei isso e trabalhar através deste processo com o conceito um. Gostei disso que havia um mérito para esta composição. Então eu precisava transformar isso em algo que fosse mais preciso, mais realista, mas também fazê-lo o mais eficaz possível. Número um, o esboço agora serve como a direção, uma aproximação da colocação e poses. Começo fazendo uma lista das referências que preciso. E R2, eu acho referências de espaço reservado que são rápidas de localizar e bom o suficiente ou razoável precisão. Agora as imagens estão desfocadas devido aos direitos autorais. Mas estas são imagens que acabei de tirar de uma pesquisa de imagens online. E eu estava procurando por algo que fosse capa que me desse informações suficientes que eu pudesse usar isso em combinação com meu entendimento dos assuntos e conseguir algo que correspondesse ao meu esboço. Agora, eu não queria gastar tanto tempo na referência do estado Wi porque eu não sei se isso vai ser escolhido e eu não quero desperdiçar essas horas. Número três, eu combino as informações relevantes das fotos. Ou seja, eu não os copiei textualmente. Eu usei o que era relevante para meu esboço que se encaixava na direção da imagem e refinava o desenho. O sombreamento será mais tarde um número para as linhas refinadas ou o conceito, ou agora terminado. Posso resolver o esboço inicial para garantir que a direção da imagem não tenha desviado durante a renderização. Para este fim, não é perfeito. Nem é muito detalhado. Eu não trabalhei em todas as árvores. Eu não descobri onde estão todas as penas e, você sabe, todo o pano e outras coisas estão. Está bem. Não é perfeito para retrabalhar o público. Mas está tudo bem. É claro o suficiente que o cliente entenderia tudo o que está olhando. Especialmente quando tivermos um pouco de sombreamento lá. E vamos passar por estes outros dois a quatro conceitos. E saiba que há muitas maneiras de ir sobre a destruição do palco, como eu disse antes. Assim, alguns artistas vão começar a pintar com cores e refinado como eles vão. Mas não vamos fazer isso. Estamos indo sobre caminho viável para não-prosa, que significa separar o desenho e o sombreamento e os passos de cor um do outro. Fazer malabarismo e lembre-se, estar atento que nem todos os projetos precisam de várias imagens enviadas para que estou enviando, para este. Nem sempre é o caso. Muitas vezes, apenas um conceito é necessário. Então esclareceu essa expectativa com um cliente antes de começar a refinar seus conceitos. E neste caso, tínhamos concordado em enviar-lhes um conjunto de conceitos que seriam distintamente diferentes um do outro. Então, com conceito para, eu estava usando a silhueta da imagem em uma abordagem de imagem, mas isso simplesmente não era uma silhueta muito boa. E assim acabou mudando isso usando uma melhor visão lateral do Pégaso e colocando a imagem nisso em vez disso. Conceito três, de novo, foto da webcam de mim como ela. Sim, a anatomia não é perfeita. A roupa não é perfeita, mas é o suficiente para eu colocá-lo muito rapidamente nesta fase. E o último, o mesmo tipo de coisa, apenas misturando algumas fotos rápido e recebendo essa informação lá dentro. 15. Erros comuns pt. 1: O que as pessoas costumam sair nessa fase de conceito quando estão desenhando isso e refinando, eu só vou dar uma olhada. O número um faz referência aos noviços. Vi um vídeo sobre anatomia. Sou bom sem referência a esse processo. Ensinei um vídeo sobre anatomia e ainda fiz referência à burocracia. Uma das diferenças definidoras e o processo de pintura entre noviços e profissionais é o uso de referências. Se você não conhece o assunto e se você não é literalmente um especialista sobre o assunto, então encontre uma referência. Pare. Adivinha. Visto. A implementação do uso de referência é provavelmente a maneira mais simples e eficaz de melhorar uma arte non bros. Quando eu começar a fazer meus alunos de arte têm que fazer referência. Eles têm que se opor a referência, uma referência de fase, uma referência de iluminação. Adivinha o quê trabalho deles melhora. Por quê? Porque eles não sabem o suficiente neste momento para tentar e ir sem. E um profissional até percebe muitas vezes que nem vale a pena tentar cortar esse canto. E é melhor ter algo para olhar. Não precisa ser perfeito. Como se olhássemos para isto aqui em baixo. Essa foi uma foto minha que eu tinha uma admissão de amigos no ângulo certo e não, eu não estou usando uma roupa de J e não é perfeita. E eu não me pareço exatamente com o Jake. Mas há informações boas suficientes que podem me ajudar a começar no processo. A mesma coisa com o homenzinho e a arma aqui em baixo. Então o mundo visual é uma coisa complexa e ninguém se lembrava de como tudo parece. Então faça o que os outros não farão. Referência. Texto e gráficos. Você precisa deixar espaço para texto e outros gráficos? A maioria das ilustrações usadas para marketing, como capas de livros, cartazes , embalagens, arte, terá áreas de textos que você precisará considerar. Essas áreas ainda precisarão ser pintadas. Mas você não pode colocar nada crítico nele, pois provavelmente será coberto. Então mantenha as diretrizes sobrescrevendo que marcam essas áreas seguras e se preocupem em obter todas essas informações centrais lá dentro. Eu não mostrei isso até agora, mas sim, eu tinha diretrizes e caixas configuradas para que eu lembrasse onde o texto está localizado e não colocar, por exemplo, qualquer um de seus rostos em nenhum desses blocos. Uma carta MTG como esta com J apenas as áreas dentro da janela ou totalmente visível na carta Walker planície. A composição precisa trabalhar em quadro e cena completa. Então temos que ver tudo o que precisamos sobre J's para entender quem ele é, tipo do que está acontecendo com ele e o local em que ele está com apenas este quadro. Mas se você ver a obra de arte sem o quadro, ele também precisa trabalhar em figura completa. 16. Erros comuns pt. 2: Em seguida, enquadrando erros comuns com enquadramento, é importante trazer seus assuntos para atender às necessidades de sua imagem. Porque cada tipo de tiro como cordas e fraquezas. Por exemplo, o personagem deve ocupar a maior parte do imóvel visual na ilustração do personagem. Se houver pequeno, muda o contexto. Alguns exemplos acima, a menos que você tenha um bom motivo, caso contrário, eles vão viver quadro com o assunto. E isso também torna a leitura da imagem mais fácil em um formato menor. Então, quando acima vemos um intervalo de enquadramento sobre o quão perto a câmera é cortada no assunto. E usando um pouco de personagem aqui como nosso sujeito. Um close-up extremo é tudo sobre os personagens. Emoção. Não tem nenhuma consideração para o fundo é basicamente apenas cortada para os olhos. E o close up é sobre a emoção ou um pensamento do personagem. Pouco fundo tem visível, geralmente cortada para o rosto. O meio começa a mudar isso agora, estamos recebendo muito mais fundo. Ainda é sobre a expressão, mas há um elemento menor do fundo. Estamos muito cientes de onde eles estão. Prompt para a cabeça e os ombros. E o tiro médio, é sobre as ações do personagem. O que eles estão fazendo? E não é a emoção deles, nem os pensamentos deles. É o que é a sua ação física. Eles estão pegando um livro ou colocando esse tipo de coisa? O fundo tem muito mais predominante e tem agora sobre esta pessoa estar neste local. Prop da cintura para cima. E o tiro largo está em um tiro de estabelecimento, geralmente usado para definir a localização de onde este personagem está, então você iria se mover para um tiro médio ou um tiro mais apertado. Se isso foi no cinema, isso é dividido entre o personagem e o fundo. Novamente, é estabelecer a OMS no onde, não ser sobre o fundo e não ser sobre o caráter de ser sobre a relação dos dois, que é geralmente cortar para o corpo inteiro. Eles são muito grande tiro é centrado no ambiente. Nós nos afastamos do personagem ser o sujeito. Agora o personagem é o assunto principal aqui. E dividir basicamente entre o personagem no ambiente que você começa para o tiro largo. Mas uma vez que você chegar ao tiro muito largo, é mais sobre o ambiente é o personagem. E então, um tiro extremo, o ambiente continua sendo um assunto e o personagem foi rebaixado a ser basicamente um pero menor. Queremos usar o enquadramento e o corte. Isso está correto. Cena de transtorno Bo que você está criando. É sobre o personagem? Ok, que nós não queremos usar um tiro bem grande. É sobre o meio ambiente que não queremos usar um plano médio. Então, seja qual for a cena, construa uma moldura com esse assunto. Primeira, terceira pessoa. Outro quadro que você armadilha é colocar a câmera fora da ação na cena. Normalmente, é melhor estar na ação. O pai da câmera é dos eventos. Quanto mais abstratos se tornam. Digamos, uma visão mais ampla dá um contexto maior para o que está acontecendo na cena. Mas à custa de remover a conexão pessoal e o dinamismo, colocando a câmera ao nível dos personagens, nos tornamos um participante invisível. Tenha isso em mente para cenas de batalha onde a visão em terceira pessoa dará uma visão do advento, mas uma primeira pessoa você vai torná-la mais visível. Então nós temos essa conversa talvez acalorada entre esses dois personagens. Mas na terceira pessoa vendo estamos acima dos personagens foram vistos muito do ambiente. Nós não estamos realmente investidos no que está acontecendo é mais apenas sobre tipo de onde eles estão e o que está acontecendo de uma maneira geral. Mas aqui na visão em primeira pessoa é mais sobre a troca emocional e a dinâmica do que está acontecendo entre esses dois personagens. Muitas vezes você quer isso, se você quiser mais energia em sua cena. Às vezes você quer isso se você está apenas mostrando um local. Mas se é sobre os personagens, coloque a câmera para baixo com os personagens no nível de olhos baixo ou em algum lugar perto disso. 17. Erros comuns pt. 3: Pose ortogonal, meios ortogonais de ou envolvendo ângulos retos. Quando os personagens têm posado ortogonal para o ângulo de visão e fazer alguns Phil plana ou poemas. Você vê que quando a oposição é completamente plana para você, o braço é completamente reto na cara é completamente direto para você. Olhou para um pouco de inclinação e virar para o corpo e os membros para adicionar uma maior sensação de profundidade e fazer a pose preencher mais natural. E o exemplo aqui temos uma pose ortogonal pode ser multado por design de personagem porque simplifica a tarefa. No entanto, mesmo na pose final é ser reto em uma pequena inclinação e virar para o corpo. Filme fotográfico mais 3D. Então, apenas torcendo a parte superior do corpo desse jeito um pouco. Inclinando um pouco a cabeça para baixo. Ele faz o corpo cheio mais natural e tem um pouco melhor senso de volume. Agora, provavelmente quer ir mais longe do que isso. Mas mesmo isso é uma grande melhoria. Portanto, esteja atento para evitar encaixar a pose para ser completamente rosto ou vista lateral. Nossos cérebros naturalmente querem quebrar quaisquer membros que são quase ortogonais a ortogonais. Este é muitas vezes o caso e colocar pernas por qualquer motivo, as pernas são particularmente suscetíveis a ser colocado perfeitamente lateralmente quando uma pose de outra forma três quartos. Agora ponto de vista ortogonal também é um problema. É aí que você está organizando as coisas e ortogonal e 90 graus plano para a câmera. Lembre-se que a cena é o palco, e você é o diretor. Você pode mover essa câmera para onde quiser. Cabe a você determinar onde as câmeras devem estar. Para ser mais eficaz. nível dos olhos retos e as vistas laterais planas podem ser a melhor opção quando a legibilidade da cena é primordial. Agora isso pode incluir cenas que são realmente complexas e um monte de assuntos ocupados. Muitas coisas em movimento ou ação ou as imagens vão ser vistas em um tamanho muito pequeno. Mas se um desses pontos não se aplicar, procure usar um ângulo de câmera mais dinâmico. Agora teste a câmera em diferentes posições em seus esboços ou na cena. Pode ficar chapado. Coloque baixo até que a câmera um pouco mais perto do sujeito, bala para trás mais longe do assunto. Você precisa pensar sobre isso, porque isso é algo que raramente é considerado pelo novato. E novato apenas escolhe o primeiro posicionamento de pensamento mais direto para a frente para a câmera, e então eles nunca consideram isso novamente. E você quer considerar isso porque apenas mover a câmera pode fazer uma enorme diferença na cena. Muitas vezes, não é o design do personagem que precisa mudar. Nem mesmo as cores são os valores. A câmera não estava na posição ideal no seu pequeno palco. Agora é assim que eu penso muitas vezes sobre isso. Penso nesta cena que estou a ilustrar como um pequeno diorama ou como se fosse apenas uma peça a decorrer num palco. E que eu reconheci que tudo o que está lá fora, é apenas um pequeno adereço. E eu só penso, ok, bem, eu sou o diretor. Posso mover minha câmera para onde quiser. Talvez eu devesse estar aqui procurando aquele personagem. Ou talvez eu devesse estar aqui olhando de lado. Então eu faço alguns esboços para descobrir onde a câmera deve estar se gabando de um trem. Então, boa ideia. Claro, temos que treinar e compreensível. E se você pedir a alguém para chamar o trem, eles podem se aproximar dessa maneira. E a maioria das pessoas entenderia. Mas é realmente o lugar ideal para colocar a câmera para essa cena? Quero dizer, poderíamos não fazer melhor? E daí se a mudássemos? E se, em vez disso, tentarmos torná-lo um pouco mais interessante? um pequeno espaço ali. E se o nível dos olhos permaneceu quase o mesmo? Mas em vez disso, o trem circulou em direção à câmera. Isso parece mais interessante, certo? Ou você pode até mudá-lo para ser vertical se colocarmos o ângulo da câmera mais baixo. Você tem esse tipo de peixe que eu acho que está acontecendo com ele. Agora que isso também está mais interessado, mas tudo isso é mais interessante do que apenas uma vista lateral plana. Isso é, tudo bem. Se você apenas tipo de trabalhar fora o que precisa estar na cena, você apenas tipo de descobrir essas coisas. Mas é muito, muito chato. Procure outras maneiras que você pode colocar a câmera mais perto, são mais altos ou mais baixos para fazer toda a cena ler tem um pouco mais interessante e envolvente. 18. Erros comuns pt. 4: Não posiciones os teus súditos. Assim, o tem um buffer visual entre eles e ele achata a imagem e torna o preenchimento não natural em vez disso, use sobreposição para ajudar a adicionar profundidade e fazer com que os assuntos se encaixem no ambiente. Vou fazer um esboço aqui, mas deixe-me ler o resto. E a maioria dos casos você deseja estabelecer um primeiro plano, meio chão e fundo do que os elementos de sobreposição de cada plano com o plano atrás dele. Se você empilhar todos os assuntos no mesmo plano, a cena irá preencher plana, semelhante ao jogo vendo os assuntos ortogonal para o ângulo de visão. Então, aproveite ou use sobreposição para criar uma melhor sensação de profundidade e criar um primeiro plano, meio terreno e fundo. Certo, digamos que temos apenas uma pequena cena. Aqui estão alguns assuntos simples. Tensão para ter uma linha de horizonte lá. Temos o nosso personagem aqui no meio porque eles estão no submarino principal e depois temos uma árvore. E a árvore está aqui. E então a árvore aparece em seus galhos aqui, vem assim e há como folhagem e outras coisas lá em cima. Direi que há uma casa no fundo. E as casas aqui vêm lá em cima assim. Depois, há uma cadeira sentada ao lado deles e eles apenas configuram que tem todos os assuntos nele. Mas é disso que estou falando, tamponamento. Há uma área tampão, nenhuma se sobrepõe. Mais alguma coisa? Cada coisa tem espaço ao lado dele, então não há sobreposição nisso, aplana esta cena. Mesmo que você tenha essa cena completamente chata de um personagem em uma árvore, em uma cadeira e apenas se sobrepõe a parte dela. Seria um pouco melhor. E agora parece que eles existem no mesmo universo. Agora aqui temos muitas sobreposições acontecendo. Onde você tem o elemento de primeiro plano, que é este edifício botão. E ela, o elemento médio do solo, que é basicamente esta série de edifícios e estes edifícios. E depois as torres do solo. E cada um deles é permitido se sobrepor. O outro, Prince, não quero que este edifício aqui suba dois ali e pare. Não, eu queria continuar atrás dela. Também usando coisas como nuvens para ajudar a agir no centro de surdos. Para olhar para fazer isso, tente criar um primeiro plano, meio termo e fundo. Coloque as coisas em um pequeno ângulo. Estes edifícios são intencionalmente inclinados para o que para atraí-lo para a cena. Eles não são desenhados completamente planos para o ângulo da câmera. E a última coisa que vamos olhar é sobre renderização. Portanto, evite colocar muito detalhe no campo do conceito que não foi aprovado para finalização. A cena não é escolhida, você perderá horas valiosas de trabalho. Então elementos como habilidades, cadeias e tatuagens, são partes secundárias que podem ser implícitas em um esboço com muito pouco tempo. Mas isso não significa necessariamente ter que ser desleixado. Então, como você pode ver acima, a imagem é clara, as proporções são boas e todos os elementos são contabilizados para isso, simplesmente não é realmente detalhado. Tudo está onde deveria estar. Tudo está seguindo a perspectiva certa. Tudo é do tamanho certo. Eu só não rodei todas as linhas de perspectiva para tudo. Eu não coloquei todos os pequenos pedaços de engrenagem e as nuances. Então eu dei isso para o cliente e disse, ei, esse é o SIG certo, esse sentimento é certo para você? E eles disseram, sim, nós gostaríamos disso, vá em frente e vá com ele. E foi só depois que foi aprovado que eu passei o tempo para refiná-lo para o desenho final. Então, nós o embrulhamos lá em cima sobre os erros comuns e passamos para estudos de valor. 19. Estudos de valor: Passando para o próximo estágio, vamos colocar um pouco de sombreamento. E lembre-se de que o desenho define o assunto, a iluminação define o humor. E queremos usar a iluminação é definido um certo humor, mas também apenas por causa da clareza. Neste projeto é sombreamento passes necessários agrupados os conceitos são submetidos ao diretor de arte. O que vocês veem aqui são as finais que escolho pecar, mas o que vocês não veem são as variações de cada um que experimentou antes de chegar a elas. Eu infelizmente excluí essas variações como eu não sabia que eu ia precisar delas para este vídeo, mas vamos dar uma olhada na demonstração do processo um pouco mais tarde. O objetivo desta etapa é estabelecer um esquema de iluminação que reflita o, o desejo e humor e mantenha a imagem compreensível. Se você não tem uma boa compreensão dos valores. Confira meus fundamentos de arte, valores episódio em youtube.com amostras de barras. Agora o cliente pode querer ver mais variações de determinada constante escolhida, mas por enquanto, um de cada um é estudos de valor suficientes. O novato pode pensar, eu costumo começar a sombrear e ver como é. Eu sou uma moda, diz que eu faço estudos de valor para trabalhar para fora o esquema de valor. Então eu sei para onde vai. Faça o que pelo menos três estudos de valor de cada conceito. Cada estudo é deve usar um valor diferente e arranjo de iluminação, não apenas pequenas variações do mesmo. Há dois fatores para experimentar. Boa variedade. A é a posição da fonte de luz e ser o padrão claro e escuro com uma posição de luz. Tente mover a fonte de luz na cena. Na frente, lado esquerdo, lado direito, acima de baixo. E combinado com ser alto ou baixo. Idéias movendo a câmera em toda a cena. Para obter uma cena mais dinâmica, queremos considerar mover a fonte de luz para torná-la ter o humor certo para a imagem e criar um padrão dinâmico de luz e escuro. Para padrões claros e escuros, seu foco em colocar coisas claras contra o escuro e vice-versa. Eu acho que em termos de grandes unidades ou áreas como um personagem inteiro ou Obamacare. E faça uma unidade se destacar porque é média mais clara ou mais escura do que o fundo. Passar por ele. Comece fazendo mapas das diferentes áreas principais da imagem. Isto é geralmente as planícies, mas talvez grandes unidades como personagens. Leva um momento em vez de massa. Mas se você estiver fazendo várias variações do que é mais rápido a longo prazo. E neste caso, ele é dividido em primeiro plano, caracteres do meio e plano de fundo. Para, dependendo da cena, você pode querer subdividir uma das áreas, como a unidade de caracteres, em mapas individuais. Isso é tão específico quanto você quer entender neste momento. Não subdividido em elementos de vestuário e pele e as diferentes plantas no fundo. Estou ciente, conceitos de esquema de valores são mais sobre mudar o padrão de luz e sombra na cena do que alterar os valores dos objetos nessa cena. Não estamos experimentando fazer o Pegasus ter um casaco de cor mais brilhante ou mais escura. Mas se estamos colocando o Pégaso em luz ou sombra, esta é uma diferença importante e uma que os noviços muitas vezes se enganam. 20. Abordagens de estudo de valor: Aproximações de sódio. Ok, então você precisa fazer alguns estudos de valor. Mas onde é que o guarda? Como abordar isso? Qual é a diretriz aqui para fazer um estudo de valor decente? Porque do que se trata, queremos criar esquemas de valor simples com valores limitados. Agora, duas abordagens para começar com nossos três planos de valor e gradientes inversos. Estes são apenas aqueles que eu nomeei para mim que às vezes eu uso que eu acho que têm algum mérito, tanto quanto ser muito fácil de pegar por outra pessoa. No lado esquerdo, temos apenas um pequeno detalhamento aqui que há muitas maneiras de usar tons de valor simples e gradientes para criar esquemas de valor claros e envolventes sem detalhes. Todos eles têm um esquema de iluminação diferente lá na quebra. E cada um deles aparece muito bem. Mas eles mostram por razões diferentes. É luz contra médio, ou é luz contra escuro ou médio contra mais escuro, escuro contra médio? Uma escuridão contra a luz. Mantém o tom consistente? Será que ele vai do escuro para a luz como ele vai para cima para baixo ou para baixo para cima ou lado a lado. Esse tipo de variações é o que procuramos no estado. Agora, os três planos de valor é uma maneira muito, muito simples de abordar os estudos de valor. Mas vamos repassar isso porque tem o conceito mais básico aqui. Atribua cada plano ou solo, meio solo e fundo. Um dos três valores de luz, médio ou não. Se você não quiser começar com esquemas de valor que podem fazer você se mover. Alguns vão olhar OK daqueles que não vão. E isso é bom. Isso ajuda a dar-lhe uma direção para se mover ou direção para não se mover. Agora, um exemplo aqui tem mérito com um esquema idiota para luz que recua. Isso é muito consistente e muito acessível como um espectador. Ele também mantém os caracteres principais no intervalo de valor médio, que é onde você vai ter a maior saturação de cor. número três é bom com um feixe de luz no ponto focal. Então é o mais brilhante aqui, que o fundo é escuro. Este contraste agradável entre a luz e o escuro lá. número dois pode ser descartado porque ter os personagens e as sombras escuras apenas define o tom errado e torna-os quase como se houvesse os vilões da história e não é isso que estamos procurando. Número quatro tem alinhado na rocha de primeiro plano, que é apenas distração e faz com que pareça que os personagens estão espreitando nas sombras. Então, nós também descartar um dos três seria o melhor para tentar zona de variação pai. E como eu disse, iterações. Mas os gradientes inversos, estávamos usando a ferramenta de gradiente para bloquear os valores e forro. E é chamado de gradientes inversos porque queremos posicionar a metade da luz de um gradiente contra a metade idiota da próxima. Isso garante que todos os assuntos se destacarão uns dos outros e evitarão os emparelhamentos de escuro, escuro ou claro, luz. E é nisso que eu estou sempre pensando quando eu estou colocando isso para fora. É o emparelhamento. E há apenas quatro pares possíveis. Se tivesse trabalhado com a ideia de luz e sombra. E isso é luz e luz. Luz no escuro, escuro na luz, ou escuro contra escuro. E se você tem tons médios e então você sabe, há mais brincadeira lá. Mas esta é a maneira mais simples de pensar sobre isso. Então vamos passar pelo que estes se parecem. Todo o intervalo de gradiente não precisa ser usado. Exemplo número um. Bem, olhando para essa podridão em primeiro plano, porque era um elemento de caracteres ou um elemento de fundo como um elemento. Portanto, isto não fica muito brilhante aqui em baixo. Há apenas usa a extremidade escura do gradiente, mas não a luz dentro porque eu realmente não preciso de luz naquela rocha bem ali. Número dois, usar um gradiente reto ou gradiente circular pode ser melhor. Alterne entre estes com base na sua cena e nas suas necessidades. E o gradiente de tensão só vai tornar as coisas mais claras ou mais escuras em uma linha reta ao longo do gradiente circular. Você pode ver aqui um exemplo de três, que é a parte mais leve, está bem ali no meio, e irradia para fora em um padrão de círculo. Então, qual deles está certo? Eu provavelmente usa um círculo mais do que eu faço a reta. Mas um nem sempre é melhor do que o outro. Experimente com a luz entrando em direções diferentes. Como ilustrado, de cima para baixo, de cima para a esquerda, diagonal e centro. Então este tem a luz descendo por aqui. Este deixou, vindo por ali. Este tem centrado sair em todas as direções. Novamente, estamos olhando para a variedade nesta fase, que está tentando cobrir um espectro de opções para ver tipo de o que funciona e o que não funciona. E há exemplo de gradientes inversos. E podemos ver que com a luz dentro do gradiente sobre os caracteres é colocado no canto superior esquerdo. O escuro no lugar dele, no canto inferior direito. Mas o inverso é feito com o fundo. Então, quando o fundo, a luz está aqui embaixo. Então temos contraste entre a escuridão e a luz. E, do outro lado, temos a escuridão contra uma luz aqui em cima. Este é o poder da abordagem de gradiente reverso. Agora, este é um exemplo de um feito mal que usa um escuro, escuro e claro, pais claros foram a luz dentro do gradiente está sendo usado no topo desses caracteres com uma média base e sombra. Não há nada de errado com isso. Exatamente o mesmo tipo de coisa que temos aqui. No entanto, imitamos exatamente a mesma coisa em segundo plano. Com o fundo também é claro ao escuro com a mesma direção. E isso significa que os personagens não se destacam. E a coisa que mais se destaca é essa rocha lá em primeiro plano. 21. Demonstração de gradientes reversos: Tenho cada um desses aviões em uma camada diferente dentro de uma máscara de recorte, como já vimos do fundo. Eu vou até aqui. Vou puxar a ferramenta de gradiente. E então eu vou começar com o fundo. E eu acho que talvez vamos experimentar algo um pouco diferente. Vamos acender a luz. Desta forma. É meio interessante. Então, nos caracteres do meio do chão, talvez a luz esteja descendo na direção oposta. Pode estar caindo assim. Coloca mais ênfase aqui nesta força. Mas temos excelentes arestas por todo o caminho ao longo aqui e temos uma silhueta excelente ao longo de lá. E nesse caso, eu realmente quero ter certeza que esta perna de cavalo é melhor. Nós provavelmente queremos elevar isso para que ele possa ser visto como silhueta um pouco melhor, já que isso não vai ter luz suficiente sobre ele. Agora na rocha e veja o que queremos fazer lá? Queremos luz sobre isso ou não, deve mudá-lo para um gradiente reto. E nós poderíamos fazer isso assim, digamos, ok, bem, bem, o topo daquela rocha está pegando um pouco. Mas não preciso de luz aqui que nos atraia. E também estamos a perdê-lo lá, que é uma luz contra o olhar da luz. Então talvez possa estar tudo escuro ou sob luz, que é interessante, mas não queremos que seja tão brilhante quanto o resto. Então isso é meio legal. No geral, eu gosto da forma como os valores são simples uns contra os outros lá. Seria o trabalho do artista vender isso. Por que é assim é que há algo de substantivo brilhante aqui. Pode ser a luz refletindo de uma piscina? Você poderia ter uma ampla gama de efeito média casted acima sobre os personagens neste estado. Além disso, estamos perdendo um pouco nessa perna. Então este pode ser um caso em que você queria realmente criar uma luz de borda secundária apenas para sair algumas dessas, ou poderíamos brincar com ela. Vamos brincar com outras opções por um momento. E se, por exemplo, os personagens estivessem sob iluminação? Não temos uma variação dessa maneira. Então, se isso estava chegando assim, meio interessante, agora eles ainda se levantam do fundo muito bem, sem muita mudança necessária. Mude e veja o que conseguimos. Ok, bem, isso é muito intenso, mas eu realmente gosto de como isso colocá-los em que tanta sombra é rostos agora apenas parecem excessivamente ameaçadores. E isso é meio interessante. Eu meio que gosto disso. Para que esse cara pudesse ter uma luz brilhante entrando apenas batendo suas bordas ao longo de lá. E ele basicamente vai estar na sombra, mas esses caras vão estar pegando esse subjacente, pode até puxar isso um pouco mais e ficar mais pop fora sobre o vinho. E então nesta rocha nós precisamos fazer uma mudança, obter alguma luz no topo desta colheita porque ele vai ter um par escuro escuro contra o fundo lá. Então vamos conseguir esse primeiro plano. E o que vai fazer isso lançar um pouco de luz sobre ele. Não tão brilhante como o personagem, mas o que seria como alguém que derramar luz também está recebendo luz refletida. Esta é uma abordagem que eu sempre uso. Eu nem sempre faço qualquer abordagem particular, mas é uma que eu definitivamente uso e é uma que eu recomendo porque você pode obter um monte de informações muito rapidamente. E ele constrói imediatamente um esquema de valores fortes. E se você fizer isso corretamente, também não subestime o público. Muitos novatos fazem muitos tons planos, que o personagem é uniformemente iluminado. Geralmente, gradientes são mais interessantes. Eles se movem da luz para a escuridão. Há uma transição para os personagens e os sujeitos. E essa é uma opção melhor. 22. Três planos de valor: Os estudos são muito simples como especialmente os três planos de valor. E você precisa prepará-los um pouco antes que eles estejam prontos para envio ao seu cliente, usará a variação um dos três estudos simples de valor como nosso exemplo, embora o processo ainda possa ser usado nos gradientes inversos também. Eu realmente acho que as versões de gradiente reverso são mais interessantes, mas eu não queria exemplo como ele pode ser aplicado até mesmo a versão mais simples. Então eu peguei este. O objetivo aqui é estabelecer um padrão de luz e sombra em nossos valores. Isso é importante sem comprometer o esquema de valores. É aqui que as pessoas cometem o erro. Eles criam um esquema de valores. Em seguida, eles começam a entrar e adicionar luz na sombra em todos os diferentes assuntos. E eles ignoram totalmente o esquema de valores e o enfraquecem. Não queremos fazer isso. Isso significa que não podemos desviar muito dos valores básicos já colocados. A camada de linhas está no topo e está definida para multiplicar. Então sempre seremos mais escuros do que as coisas por baixo dela. Um tom plano ou sob as linhas entre eles, um novo erro normal é feito, e é definido cerca de 33% de opacidade. É um terceiro que é importante. Isso é importante porque se permitirmos que ele seja movido mais de um terço, então estamos permitindo que a luz para transições para os médiuns e os médiuns para os escuros. E isso prejudicaria todo o esquema de valor. Podemos ver a diferença aqui. Este é o nosso valor base, esta é a nossa luz, este é o nosso meio, e este é o nosso escuro. E dentro disso queremos ser capazes de ter uma luz, média e escuridão de cada um deles. Mas você saberá que nenhum destes tem permissão para ter o intervalo de valor completo. Essencialmente, a escuridão disto está apenas a chegar a este. E a escuridão disto está a chegar ao fim desta. Ninguém nisto pode chegar a isto, certo? E isso mantém as coisas mais coerentes. Mas eu posso pintar com preto e branco. Eu posso apenas apertar a letra D no meu teclado para padrão, que é preto na frente, branco e de trás, eu posso pressionar a tecla X para trocá-los. Você sempre trocará primeiro plano e segundo plano. Se fizer isso, vou pegar um pincel quadrado arredondado aqui. Escala isso um pouco. E eu posso pagar em minha luz e sombras sem me preocupar se eles vão passar para o próximo valor. Porque esta camada está definida, como eu disse, trinta e três por cento. Vou colocar um tom ali nas árvores de fundo. Só quero que alguns deles fiquem em silhueta. Se você olhar para um monte de trabalho profissional, você verá que esta é uma característica importante que eles usam em seu trabalho, que é o valor-limite em coisas para um determinado intervalo de valor, especialmente para coisas que recuam para a distância. Agora, quando esses caras, vamos apenas dizer que a luz está meio que vindo para ver de uma vista superior. Podemos ter uma pequena sombra lá porque está por baixo e isso é muito doentio. É basicamente uma ORM por baixo. E assim eu vou deixar isso ficar um pouco mais escuro. E então isso vai funcionar bem, porque por que eu ainda estou pensando em padrões claros e escuros, mesmo que eu não possa ir a faixa de valor total, isso não significa que eu não estou pensando nos padrões claros e escuros. Então eu quero que a luz a leve lá. A rede coloca-o contra a sombra da asa que está sendo lançada aqui. Agora vou dizer que esta outra Pegasus talvez esteja fora da sombra daquela asa. E então eu vou deixar que fique leve. Eu vou querer indicar o formulário. Isso é algo que você quer fazer nesta fase é apenas adicionar um pouco de luz, a fim de ajudar a trazer para fora o que as formas são que vai olhar. E lá vamos nós, isso seria um valor rápido e luz passar sobre isso. Apenas descobrir quais são as dinâmicas. E você poderia desligar isso e você poderia fazer outra variação onde você colocar a luz vindo de uma direção diferente. Se eu descer aqui e empurrar isso para cima, isso é opacidade total. E o esquema de valores acabou de sair pela janela. Não cometa este tipo de erro. Ele se fortaleceu por ter um pouco de controle. Agora, se você quiser boa esta cena geral e dado um ajuste, absolutamente, você pode fazer isso e copiar e colar isso. E então eu posso apenas fazer um valor. Diga, OK, eu vou ajustar os valores gerais lá. Se você acha que isso talvez esteja ficando muito claro ou muito escuro, você pode fazer essa mudança. 23. Direção e discussão de cores: Depois de tomar tempo para rever os conceitos e o cliente se instala em conceito para foi submetido. Agora isso é bastante comum para o cliente escolher um, mas também quando algumas mudanças ao mesmo tempo. E neste caso, eles gostaram desta cena, mas eles querem estar mais perto dos personagens com a câmera, com eles enchendo mais do quadro. Não gostaria de ver que os porcos de volta é colocado à esquerda e abaixo da frente Pegasus para melhor usa o espaço da nova composição. Agora esta é uma boa decisão se você quer estar mais perto do personagem, é esta colocação do Pegasus sobre o outro lado faz melhor uso da sala geral. Agora algumas capas de livros querem sugerir o personagem principal mantendo-os menores com a volta de costas ou mantendo-os na sombra. E isso permite que a imaginação do leitor e o personagem ainda se desenvolvam, tornando-nos eles não são especificamente representados na arte. Alternativamente, alguns Klein foram para descrever claramente os personagens definindo exatamente como eles se parecem. Agora, as alterações que eles solicitaram moverão conceito para a abordagem sugerida para a abordagem específica. É um pedido sensato que é imediatamente implementado. Vamos falar sobre os personagens, mover o Pegasus para cima. E se as alterações solicitadas ou por qualquer motivo do seu diretor de arte ou do seu cliente, então ele pede esclarecimentos. Não comece bem, adivinhando o que eles querem e fazendo todas as mudanças e depois veja se isso está correto. Agora corrija-o com eles primeiro. Em seguida, vá implementar as mudanças. Assim, uma rápida colheita e reposicionamento mais tarde, a nova composição é estabelecida. Antes de prosseguir, isso é enviado ao cliente para a confirmação de que estes são os resultados que eles estavam querendo. Ok. Então, falar de cor e o contorno fornecido não definiram uma hora específica do dia ou esquema de cores. Então agora precisamos fazer variações de cor e iluminação. E talvez que o cliente e uma vez um conjunto de opções para escolher como era neste caso. No entanto, mesmo que eles não precisem de opções, você ainda deve fazer um mínimo de três variações apenas para você ter certeza de que você está cobrindo suas bases. Iterações, melhorar a imagem, e eles querem ver algumas opções. Eu disse a eles, escolham o seu favorito do lote de quatro. Eu tenho, eu vou fazer algumas variações de cor. Vou mandar isso para você. Avise-me de quais você mais gosta. E então é nisso que eu vou estar trabalhando neste momento. Agora, bem, a direção do esquema de valores foi definida. Ainda havia muita margem de manobra em como a luz e as cores podem ser manuseadas. Essencialmente, eu preciso manter esses fatores que os personagens permanecem mais leves do que o fundo. O fundo é principalmente escuro e luz direta está atingindo os personagens. Dentro disso, ainda há muito jogo com que direção a luz está vindo e de que cores tudo é, pois isso desvalorizaria os estudos. Não se trata de mudar o tom dos elementos individuais na cena, mas mudar o esquema de cores e a paleta de cores entrará nisso. Então você entende isso em algum lugar diferente. E antes dos estudos, vamos ter uma conversa sobre cor. Um clima degradante fundamental na imagem é limitar a paleta de cores. Agora, o novato tem uma tendência a pensar que mais cores melhor. Mas o profissional reconhece que, para criar um bom humor, muitas vezes o oposto é verdadeiro. Limitar a paleta de cores torna as coisas mais harmoniosas, une as coisas e cria um certo humor controlado. Aprenda a reconhecer esquemas de cores bem-sucedidos e salve-os para referência mais tarde. Agora não se sinta culpado por usar um esquema semelhante a outras imagens. Porque todos os esquemas já foram usados. Cada combinação de cor clara e escura, todo tipo de paleta de cores já foi usada por alguém em algum momento. E isso é ok. Agora, obviamente não queremos copiar a arte de outra pessoa. Mas se você tem um assunto completamente diferente em um gênero completamente diferente, mesmo e você quer usar as mesmas cores, então faça isso. Também não foi a primeira pessoa a usar esse esquema de cores. Estamos todos a trabalhar a partir da mesma piscina de cores. Ninguém tem propriedade de nenhum deles. E também, queremos aprender sobre o que funciona. Queremos descobrir isso. As próprias cores raramente são tão importantes quanto a relação das cores. Depois de definir a relação das cores de suas referências, ela se torna informação utilizável. Você pode mudar as cores que estão sendo usadas, mas contanto que você mantenha a mesma distância relacional e variações de vibração, e então você está adaptado esquema de cores irá funcionar. Agora isso tem a ver com as cores serem subjetivas. E contanto que você mantenha a mesma distância entre seus aquecidos e resfriados, você pode mudar um aquece e esfria em torno do palete e, em seguida, permanecer a mesma distância e eles têm a mesma relação entre si, vai olhar mais em Isso. A diferença entre um esquema de cores e uma paleta de cores é que um esquema se refere ao arranjo em relação a si mesmos na roda de cores. Enquanto paleta de cores é um conjunto específico de cores na vontade. Por exemplo, um esquema de cores análogo é qualquer conjunto de cores vizinhas, digamos apenas estas aqui, que poderia ser de qualquer lugar na vontade. Considerando que um esquema de cores quentes também é análogo, que é família semelhante, mas está especificamente localizado no lado quente da roda de cores. Então o esquema de cores tem a ver com o grupo de cores em que pode sentar-se de qualquer lugar na roda de cores. Analogous pode ser análogo no tom verde ou análogo no tom vermelho. E paleta de cores é sempre um conjunto específico de cores e você não pode movê-los em torno disso, que é o seu paladar. É como dizer, eu queimei umber e preto e branco. Essa é uma paleta específica. Não é um esquema. 24. Esquemas de cores: Agora vejamos alguns esquemas de cores. Estes são todos baseados nesta mesma cor. Teremos monocromático aqui em baixo, que é uma cor e vários graus de luz e escuridão e diferentes graus de saturação. E você pode fazer uma imagem inteira com um tom como este. Esquemas de cores análogos são cores semelhantes. Pode ocupar cerca de um terço da roda de cores. E você percebe que isso não seria quase o mesmo que seria que se você ultrapassasse um terço da cor, então você está realmente recebendo coisas que acabam sendo opostas. Então, se expandimos isso até aqui, agora você realmente tem cores complementares dentro da mesma coisa. E isso não vai funcionar. Não é mais visões análogas você tem dois opostos. Então você tem que mantê-lo dentro de 30% da cor vai. Isso tem um tom semelhante ou como mente, e este é um esquema de cores muito coeso e pode ser usado para parece positivo, pode ser usado para emoções negativas parece. Mas brinca muito bem. Esquemas de cores complementares criam muita tensão ou oposição ou fazem bem para exemplificar aqueles porque é baseado em ter cores opostas. No caso disso aqui em cima é vermelho e verde. Em seguida, temos estes split complementar carry. Este na verdade é um dos meus favoritos porque lhe dá a tensão de ter tons basicamente opostos. Mas é um pouco mais de equilíbrio. Então você não está usando apenas opostos completos. Você percebe aqui que no elogio dividido Mary, você não está usando o oposto direto. Você está usando o vizinho para ambos os lados do oposto direto. Este é o esquema de cores usado aqui nesta pequena peça da Yana, para que você tenha o tom violeta. Mas em vez de ter o direto um amarelo como o oposto, temos o amarelo verde e o amarelo laranja. E isso funciona muito bem em conjunto. Não, o que fizemos uma imagens muito coloridas. E o triádico é bastante complicado. É muito colorido porque você tem um triângulo em toda a coisa. Nenhum deles está usando seus opostos diretos. Mas essencialmente usando todas as primárias são todas as cores secundárias. E é muito bem equilibrado. Mas você realmente não cria um monte de humor fora disso porque ele apenas cobre todo o testamento. E este é também um que era muito mais popular em quadrinhos porque antigamente eles só tinham um par de cores para trabalhar. E é por isso que você tem os personagens principais em quadrinhos usando vermelhos brilhantes, azuis e amarelos como muitas das cores principais eram os personagens da velha escola. Movendo-se. Temos a raiz quadrada deste é muito colorido, mas é complicado de usar porque, novamente, são dois conjuntos de opostos. São dois esquemas de cores complementares sendo usados ao mesmo tempo. E isso é mais sobre apenas ter cor. Você não vai criar muito humor facilmente. O esquema. Se você quer criar mais humor, você quer ir com um desses caras aqui embaixo porque você pode controlar as cores um pouco melhor. O retângulo é muito semelhante, novamente, muito colorido. Este é também dois conjuntos de complementários, e arredondá-lo para fora é discordante, que é tudo é basicamente dentro da faixa cinza ou um muito grande Kaldor semelhante. E você tem uma cor de sotaque como nós aqui em cima. Agora, o tom cinza é na verdade ligeiramente acastanhado, mas então é essencialmente apenas cuba em vermelho. E isso pode ser uma imagem muito dura. Pode ter muito significado para aquele tom de cor em particular. O que isso significa para você? O que isso significa para mim? Significa que preciso estar ciente de que cada uma delas é melhor em algumas coisas e, em seguida, outras são melhores em outras coisas. E eu quero escolher um que siga o tipo de humor e direção que eu quero para a minha imagem. Então, se eu quiser algo que é realmente colorido, eu não vou escolher análogo porque análogo não vai me dar gama suficiente de cores. Provavelmente quero escolher um destes três. E se eu quiser algo que tenha um sentimento muito pacífico, muito harmonioso? Não vou tentar na triádica porque isso está por todo o lado. Quero experimentar um desses caras. E se eu quiser algo que tenha uma dinâmica mais dinâmica para ele como um conflito entre dois diferentes lados opostos. Eu não quero isso porque não há contraste suficiente de matiz nas cores. Em vez disso, eu quero algo que tenha contraste de cores de um lado contra o outro lado. Então obtemos essa informação do humor na imagem, e traduzimos isso através da composição como fizemos anteriormente. E agora traduzimos isso através da paleta de cores também. 25. Três Paradigms da cor: Todos esses esquemas de cores que acabamos de olhar, eles visam alcançar um dos três objetivos, seja harmonia, contraste ou plenitude de cores. Na harmonia. Inclui os esquemas de cores acromáticos, monocromáticos e análogos. E eles visam alcançar o poder visual através da semelhança de cor. Isso pode criar cenas harmoniosamente pacíficas ou harmoniosamente aterrorizantes. Seu poder vem do fato de que todas as cores são muito semelhantes. Reúne as coisas e tem uma coisa em particular que diz, e diz claramente. Harmonia de cores é o que muitas pinturas clássicas estavam usando para criar um impacto visual. Então, um monte de suas imagens clássicas e suas pinturas mestras, No entanto, esquemas de cores de contraste usam dinâmica completamente diferente. Agora esses caras incluem cortesia, divisão, cortesia, retângulo e descartado. E eles querem criar impacto visual através um choque de cores que refletem o conflito emocional, psicológico ou físico que ocorre na cena. Então, se você tem uma cena que lida com um desses assuntos, e você provavelmente quer usar um desses esquemas de cores. Isso é principalmente o que você vê em anúncios. Quando eles estão tentando vender algo, quando eles estão tentando colocar um cartaz e chamar sua atenção, eles vão usar o contraste para fazer isso. Cores opostas brilhantes que se destacam umas das outras. E o último é colorido, que inclui esquemas de cores triádicos, que são mais comuns em assuntos voltados para crianças. As crianças respondem a maioria das duas cores, em vez de harmonia de cores ou contrastes extravagantes de cores. Eles apenas respondem à vibração. Esteja ciente de que quanto mais colorido você vai com sua imagem. Ou seja, quanto maior a gama de cores, mais difícil pode ser. Ótima emoção baseada em cores ricas na cena. Muitas vezes, quando eu estou fazendo dor para os alunos, uma das primeiras coisas que eu faço é limitar a gama de cores porque muitas vezes eles vão muito largo com as cores. Eles têm laranjas completas para amarelos, verdes completos, blues bowl, e simplesmente não tem nenhuma emoção coesa para ele, então isso realmente simplesmente não pode funcionar porque nem todas as cores existem sob todas as luzes. Então, limitando-o, muitas vezes encontramos uma imagem melhor e mais profissional. Vamos falar sobre harmonia de cores. Há algumas opções aqui. É importante perceber que existem várias maneiras de harmonizar as cores. E os esquemas de cores fazem isso usando apenas cores vizinhas. Monocromático, e exemplo análogo que aqui com a cor irá limitá-lo a uma seção, como a área análoga lá em torno do amarelo. Esses serão naturalmente harmonizados porque são cores vizinhas. Outra opção é dessaturar. pelota infantil todos se harmonizam à medida que as paletes dessaturadas e subjugadas fazem isso em esquemas acromáticos, preto e branco naturalmente, todas as cores D saturam a cinza no meio. Isso significa que todos eles me estão aqui. Assim, à medida que as coisas D saturam, elas se tornam mais alinhadas. Então podemos realmente harmonizar as cores empurrando num mais dessaturado. Se você tem uma cena que tem que ter um monte de cores, mas você não quer ir ao mar com ele sendo tão colorido. Esta é provavelmente uma boa escolha para apenas trazer a saturação, a vibração da cor está um pouco para baixo, e eu vou fazê-los jogar juntos muito melhor. Por último, você pode usar uma cor unificadora ou chave para as outras cores. Pôr-do-sol laranja, naturalmente faça isso. Como dissemos. Nem todas as cores podem existir em todas as situações porque a cor depende da luz. E se a luz é fortemente atendida, como pode ser de um pôr-do-sol, então aquele só estanho vai assistir a tudo o que atinge e faz todas as cores diferentes tocarem juntas. Agora o que? Isso é muita informação que acabamos de passar. Então vamos colocar isso em contexto. Primeiro, queremos definir o humor das imagens, determinar se esse humor é mais harmonioso, contrastante, ou apenas voltado para as crianças, que nos levaria a ser mais colorido. Em seguida, procure esquemas de cores que se encaixem na categoria selecionada e experimente com eles. E não é um sistema perfeito, mas é uma maneira sólida de começar em uma direção. Então agora vamos passar para os estudos de cores. 26. Estudos de cores: Agora, com a história da Pegasus sendo centrada em aventuras, posso traduzir isso para contrastar algum esquema de cores base. Isso significa que eu quero me concentrar em usar esquemas de cores divididas, complementares, retangulares e descartadas. Começarei reunindo referências de ambas as artes em fotografias que usam essas combinações de cores. Vamos ver as anotações. Diferença de valor. Assim, cada um é mantido em sua própria camada para facilitar o ajuste de corte. É uma boa idéia manter uma camada de corte em cima de tudo para verificar ocasionalmente se espaço suficiente está sendo adicionado ao longo da borda ou em voz alta ao longo da borda. Para o processo de impressão, geralmente, você pode permitir um quarto de polegada ao redor da borda. Isto é especialmente verdadeiro em qualquer coisa que vai estar em uma peça de marketing que vai ser impressa fisicamente. Eles precisam de um pouco mais de imagem do que a imagem real porque parte dela vai ser cortada. E também vai haver um pouco de mesada. O papel pode ser puxado um pouco uma direção ou outra. Então você precisa de mais imagem, então você realmente terá visível. Por fim, basta dar uma olhada nessas imagens aqui à direita. Enquanto a imagem é aventureiro centric, que como eu disse, Eu igualar a um cores contrastantes. Eu quero incluir um, um esquema de cores análogo só para testar as águas com o cliente. Agora eles não acabam escolhendo, mas eu pensei que seria bom dar-lhes essa opção. As outras variações ou alguma combinação de uma dinâmica quente e fresca. E porque estávamos apontando para uma moradias razoáveis em cada variação de cor foi baseado em uma foto ou arte, não apenas eu, Polônia cores fora do ar. Observe que cada variação também usa uma direção de iluminação diferente. Temos um do lado direito, temos um do topo. Temos um do lado esquerdo, e não ganhamos basicamente vindo por trás. Então, enquanto eu estou experimentando com as paletas de cores, eu vou ir em frente e experimentar com a direção da luz, bem como cada um deles cria um padrão de sombra de luz diferente. E o cliente pode realmente gostar do padrão de um, mas das cores do outro. E isso é bom. Posso facilmente fazer essa mudança. Eu queria mostrar a vocês o processo de criação de algumas variações de cor e pensei que havia várias maneiras de criar isso. Então, vamos olhar para três opções diferentes. Em primeiro lugar, vamos estar olhando para pegar algumas cores e ser inspirado por cores de sementes de cinema. E então vamos fazer isso simplesmente pela cor é também outra variação em que estamos criando uma pseudo-paleta baseada no nariz. E na última semana, vamos dar uma olhada na vontade de cores e criar algumas paletas de cores com base em alguma massa disso. Então vamos começar por olhar para essas imagens. Estas são apenas capturas de tela de três filmes diferentes. Hobbit, Gladiador, e A Vida de Pi, respectivamente. Não quero pensar um pouco sobre como vou adaptar algumas dessas cores ao meu assento. Eu também estou olhando para o esquema de valores aqui. Agora, para essas variações, eu não vou estar seguindo os esquemas de valor que nós criamos anteriormente. Eu sou, eu vou me deixar ser dirigido mais pelo que minha inspiração em meus guias de cores estão aqui. Então, para este, tem um retrocesso escuro à luz. Ou seja, o objeto de primeiro plano está na sombra mais escura, e então fica um pouco mais claro do que o fundo é muito leve. Agora podemos segui-lo aqui. Fui provar o tom médio, que está algures no meio. Eu não quero pegar o Branco e eu não quero pegar a parte mais escura do fundo. Vou pegar algo no meio, bem ali. Então vá em frente e preencha tudo sobre isso. E em seguida, em um momento e pegar uma seleção que eu tenho pré-feito apenas do poço. E o poço vai ser algo assim, certo? Ele vai ser um substituto para o mundo. Aquele tom ali atrás. Pegue isso de volta, Pegasus. Muito quente bem ali. Talvez precise ser um pouco mais escuro. E então eu vou pegar aquele personagem de primeiro plano de novo. As seleções já as salvaram apenas para economizar tempo. E então isso vai ser algo como seu teorema da barba branca. Então eu pude ver que isso é meio interessante. Eu estive neste personagem de primeiro plano. Este não é o curso de água aprovado pelo cliente. Só estou fazendo isso, por exemplo, os propósitos da rede. Tudo bem, que você poderia tê-la na sombra, mas ter um pouco dessa luz real agora, a fim de imitar isso e não ter que provar repetidamente e mais e mais sinistro, vá em frente e mudar para uma Esquiva Linear foi uma espécie de tom marrom. E venha aqui e veja como seria se eu estivesse correndo alguma borda a luz cruzasse isso e talvez sua principal pudesse ser pegando alguma luz. Eu estou indo um pouco minha audição pastosa renunciar um pouco disso em para que você possa ver onde eu estou usando a inspiração e as cores do que. Mas não necessariamente apenas amostrando cada cor e tentando copiá-la textualmente. Não quero ser limitado por isso. Eu queria ser guiado por isso. Então isso é meio legal. E então você também vê que há um monte de luz legal tipo fazendo o preenchimento aqui. Então eu vou pegar um tom muito mais frio, um azulado talvez ligeiramente para o lado mais quente lá. a minha opacidade se sente cerca de 30%. Só estou curioso sobre talvez colocar um pouco de luz de preenchimento que está no lado legal. Aqui como o olho poderia ver este trabalho que parece ter uma direção interessante lá. Então isso servirá como a nossa variação da corte um. Eu provavelmente iria repassar isso um pouco mais se eu estivesse fazendo isso por mim mesmo. Mas temos que passar por mais algumas ideias. Mas o próximo a olhar, este com Gladiator. E este tem um contraste muito alto entre o iluminado na sombra das sombras estão caindo para preto muito rapidamente. E há várias maneiras que podemos levar isso para. Queremos usar a luz direta aqui. Queremos realmente apenas tratá-lo tem um esquema de cores análogo. Poderíamos fazer isso, algo com esse tom azul. Vamos começar com isso e vamos, e então o poço vai ser mais parecido com o que temos com aquela árvore traseira. Só estou pensando que bem é muito silhueta. E um pouco do derramamento, o tom mais claro da névoa lá atrás. Eu quero um pouco disso, mas eu não quero ficar completamente uniforme. E o que vou fazer com esse Pégaso? Eu posso tentar tratá-lo muito mais leve ou muito mais escuro. E se tratarmos como a neve aqui em baixo, então, a maior parte da cena é do mesmo tipo de cores. É muito análogo. E isto pode ser uma cena nocturna. Você vê isso funcionando. Você sabe, se eles fossem realmente escuros, isso seria meio interessante. Então estamos usando o mesmo contraste que temos no personagem de corvos de luta aqui. Se fizéssemos isso quando ele realmente iluminasse, então poderia ter isso, então isso seria como realmente bem iluminado em qualquer área que a luz está rastejando sobre uma montanha ou ele está rastejando sobre as abelhas para o que quer que seja. Isso não seria um pouco complicado de fazer, porque precisaríamos construir um dizer um monte de informações com apenas um pouco de lado mentiu ou luz de borda. E isso pode ser muito, muito complicado. E teríamos que trazer um pouco mais de tom ao redor do céu para que a forma escura aparecesse. E vamos voltar para o outro cara. E isso é um ato de equilíbrio. Estamos apenas colocando-os. Estamos montando o quebra-cabeça e descobrindo qual é o quebra-cabeça ao mesmo tempo. Não é a minha favorita, mas é divertida de experimentar. Eu normalmente não pensaria em usar uma sombra realmente escura com um alto contraste no personagem principal. Mas é meio interessante. Eu não sei o jeito que você poderia realmente fazer isso é subir aqui e pegar essa camada que tem as capturas de tela. Eu quero ir para cima para filtrar, galeria de filtro de óculos de remoção. O último que eu uso, então ele apareceu automaticamente. Mas você pode alterar o tamanho da célula dependendo da precisão que você deseja obter. Você quer grandes celas e pequenas células. Neste caso. Eu quero apenas o suficiente para que eu possa meio que seguir isso. Lá vamos nós. Então poderíamos tirar uma amostra disso, se quiséssemos. E eu poderia preencher o fundo e dizer, hey, vamos fazer isso mais como um esquema de cores análogo. Então eu vou apenas fazê-lo desta maneira no fundo, bem vai ser esta cor. E eu vou usar esse tom para o cara principal. E eu posso ver que eu poderia usar algumas luzes brilhantes como este quatro. E então isso basicamente se torna uma palete para amostra. E porque foi filmado na vida real com a dinâmica real normal de luz e cor. Há uma certa harmonia nisso que funciona automaticamente. Eles vão desligar isso. Vejamos a outra opção substantiva aqui em baixo. Eu sou um olhando para como usar esta imagem, a fim de obter algumas cores fora dele, ou como eu posso combinar algumas das cores neste para a minha cena. Por exemplo, se eu quero que eles realmente brilhante em minha cena, uma semente que este é suposto ser um Pegasus branco e este é um barco branco era várias coisas brancas como suas calças. E assim eu poderia quase mapear as cores aqui. E a parte de trás poderia ser apenas na sombra ou ser semelhante ao que temos nas nuvens e no poço, os cursos de tom azulado para que eu pudesse usar a água. Então são vários marcadores nesta imagem que eu poderia usar para gerar uma pastilha. E essa é uma das razões que escolhi. E isso é meio legal, tons muito suaves lá no fundo. Mas você tem uma boa noção dessa luz. Vou baixar a opacidade aqui. E eu estou apenas indica um pouco disso nas asas. Eu acredito que isso é realmente muito semelhante a como eu poderia bloqueá-lo em originalmente apenas usar a opacidade inferior, 40% ou mais com uma Esquiva Linear, a fim de obter essa luz através das asas. Então eu vou selecionar o testamento e então vamos deixá-lo um pouco mais escuro. Não tem o suficiente dessa diferença de valor. Ou o azul para o Pégaso traseiro e as pernas do primeiro a se destacar. Então você tem que brincar com essas proibições e ver o que funciona. Mas essa seria uma abordagem interessante também. Então vamos dar uma olhada na paleta de cores em como você pode gerar algumas cores ou obter algumas idéias de uma paleta de cores como esta. Queremos limitar as cores. Lembre-se, eu não quero apenas provar fora de qualquer cor na paleta limitando-o, eu geralmente posso obter um melhor senso de humor e cores coesas. Então o que eu criei é uma série e basicamente massa a fim de limitar o esquema de cores a um arranjo de cores padrão. E isso foi baseado em algumas coisas que aprendi com James Gurney, livro de cores e luz. Ele mostra onde ele tem uma paleta de cores física que ele cria um pedaço de plástico e corta um buraco nele e passa por cima de sua roda de cores para que ele possa ver quais cores ele quer se permitir usar em sua imagem. Então esta seria a sua divisão complementar. Então eu posso obter essa camada e apenas executar uma transformação nela e girá-la em torno e dizer, ok, bem, qual esquema de cores que eu quero, e que será um esquema de cores complementar dividido. Ou eu poderia vir aqui e dizer se eu vou fazer um esquema de cores análogo, e isso vai me dar 30% da roda de cores. Posso girar isso e ver qual eu gosto. Agora você pode ir com os padrões que já analisamos. Ou você poderia criar o seu próprio, como a chuva Boomer. E isso lhe daria, novamente como conjunto primário de cores. Mas não são as versões completas de todas as cores. Digamos que vamos com este e apenas exemplificamos uma ideia. Digamos que agora queremos criar nossa nova paleta de cores sobre isso. Então, esta é a nossa nova cor coolers. Então isso é aqui em baixo na coisa mais amarela que temos é na verdade isso, que não é verdadeiro amarelo. E a coisa mais quente que temos é esse cisalhamento vermelho, que obviamente não é vermelho puro. Mas esta é a nossa nova paleta. E se eu quiser que eles joguem juntos mais, eu posso simplesmente mudar para o centro porque quanto mais dessaturados todos eles ficam, mais semelhantes eles ficam, e mais harmoniosos eles serão para o que você pode fazer com ele então é apenas amostra fora deste e isso serve como sua paleta de cores e deve ter usando seu menu de amostras completo bem ali. Ok, bem, nós não vamos criar outro. Acho que passamos por isso com você. Espero que você tenha algumas idéias sobre isso ou diferentes maneiras de criar um esquema de cores. Mas vamos embrulhá-lo lá em cima e vamos em frente e seguir em frente para a direção está definida. Moedas escolheram variação polar um, mas o lado brilhante Lloyd e a dinâmica de sombra quente, leve e fria. O próximo passo é passar para refinar a burocracia do desenho, que significa que um lote melhor de referências específicas precisam ser coletadas em você fazer melhor do que os detentores de lugar rápido que eu peguei originalmente. Apenas para crédito extra, aqui estão alguns conceitos de um projeto diferente. vez, apenas tentando ter cada um tem um esquema de cores diferente, visual meio dinâmico acontecendo. E isso é apenas dado às opções do cliente para ajudá-los a me dizer qual direção eles estão gostando. 27. Refinar o desenho: Para refinar o desenho. Até este ponto, Detroit foi baseado em referências de espaço reservado e meu conhecimento geral sobre o assunto. Agora, isso já não é suficiente para aderir agora precisa de ser refinado e referências mais específicas e estudos adicionais são necessários para o fazer. Novato pode dizer, eu não gosto de gastar dinheiro em recursos para melhorar a imagem. Livre é o caminho a percorrer. O processo. I por modelos e pacotes de fotos, a construir mercados e contratar modelos para melhorar a imagem. Um chef que compra atum enlatado e um tipo de atum fresco é finalmente auto-derrotante. Fresco vai custar um pouco mais e exigir mais esforço para obter, mas o resultado será melhor sabor, pontos de vista, melhores ingredientes. Terá melhores resultados. Da mesma forma que a arte. Temos trabalhado a partir de imagens melhores, temos melhores recursos para construir. Vamos ter um resultado melhor. Então, se você está indo apenas com o fácil de encontrar opções gratuitas, então você provavelmente está trabalhando com ingredientes inferiores como é proporcional. Vou lá comprar aquele mercado. Eu vou construir um pequeno diorama, o que eu precisava fazer a fim de obter os recursos para construir a cena até o grau que eu quiser. Vamos dar uma olhada na resposta acontecendo aqui. É hora de tomar as formas básicas em subdividi-las em uma coleção de formulários mais complexa e precisa. Então tudo é uma coleção de pequenas formas construídas juntas para fazer formas maiores e mais complexas. Então isso é mais como mudar um modelo 3D de uma contagem de polígonos baixa para uma contagem de polígonos mais alta. Vamos ver que com as pernas desta guerra está aqui. Um basicamente só tinha um pequeno cilindro para a parte superior da perna lá. Mas então eu entro e subdivido isso em três formas menores diferentes. Estamos apenas entendendo isso e sendo mais precisos com a TI. Certamente no rosto, na cabeça. E obter esse tipo básico de forma ambígua de sim, geralmente é como um cavalo. Agora estamos descobrindo exatamente onde estão os ângulos, exatamente onde estão os recursos e os volumes desses recursos. É dada especial atenção à compreensão e ao estabelecimento dos planos de uma forma. Isso é importante porque se queremos reproduzir a realidade ou pelo menos uma versão ilustrada dela, temos que calcular as variáveis que fazem a realidade parecer do jeito que ela faz. Isso significa entender os fóruns e como a luz cairá sobre eles. E assim trabalhamos como um programa de renderização, mapeando a luz em nossa forma wireframe. Falo sobre isso até certo ponto. Ele meu conselho de videoarte que vai poupar anos no canal de arte lá no YouTube. Aqui está um exemplo das referências que criei para me ajudar a ter uma compreensão mais completa de como ilustrar isso. Eu saí e comprei dois modelos de cinto BAD, este modelo portátil de força pequena, que não era perfeito. Na verdade, era tudo Brown gostaria de tons dourados nele. E eu peguei e pintei este cinza plano para que eu possa ver sombras e tons muito mais fácil. E usei uma janela para uma luz e coloquei do jeito que precisava. E porque haveria sombras lançadas das asas, eu peguei um pedaço de papelão e coloquei isso lá para imitar a sombra das asas. E isso me ajudou a dar muita informação, especialmente sobre o corpo. Agora não consegui que ele posasse exatamente do jeito que eu precisava. Havia uma limitação para que se juntasse. Mas eu posso posar uma parte dela da maneira que eu queria, em seguida, posar a outra seção da maneira que eu queria. E combinando civis entre eles, posso obter a informação que preciso. Agora a cabeça era um pouco pequena e eu não conseguia tirar nenhuma foto realmente boa disso. Então eu comprei um segundo modelo, que na verdade era um item de decoração de casa. E esta era a cabeça era bastante grande. É do tamanho da minha cabeça. E eu pintei também. Não foi o tom certo. E eu configurá-lo com uma luz de janela e uma luz de enchimento de uma lâmpada a fim de obter alguma luz saltitante e controlar o ambiente para obter mais informações sobre ele. Então eu entrei em contato com alguns amigos sobre talvez fotografar um deles para o substituto da minha modelo. E ela não parece exatamente do jeito que eu preciso, mas é principalmente sobre a forma geral sob essa perspectiva. No sentido da gravidade e do movimento humano normal que quero ter. Posso usar um modelo 3D ainda? Mas eles são limitados. Certo, quando você usa um modelo 3D de um humano, ele não calcula a gravidade, não calcula o movimento, e não calcula o equilíbrio. Então ele não sabe que se eu deixar cair o quadril de um lado que eu preciso de um equilíbrio com os braços. Certo, naturalmente fazemos isso. Um modelo não vai naturalmente fazer isso ou até este ponto, eles não são feitos para fazê-lo. Não estou preocupado com as fases. Estes são rostos adicionais de outras coisas que eu uso apenas para ajudar a dar uma idéia da idade e direção certas para ir com o personagem. Eu não tenho esses, então esses estão desfocados. Não preciso mostrar quem ela é. Então eu a desfocei também. Quando recebemos a progressão do rosto à esquerda, vemos o bloco básico em apenas eu sabia sobre o tamanho do local que a cabeça deve joelhos foi, mas que em e, em seguida, eu desenhar os recursos com base na minha foto. Mas eu não quero ser constrangido por isso porque esse personagem precisa parecer um pouco diferente do que trapaceado. Então, o nosso refinamento e eu altero os recursos, torná-los um pouco mais ilustrativos e um pouco menos literal. 28. Comprimentos que vamos e detalhes: Nem todas as imagens exigirão que você construa dioramas e figuras de mercado ou gama de sessão de fotos com um modelo, com um traje. Mas às vezes faz. E você precisa estar disposto a fazer isso. Pode ser muito divertido parte do processo de criação. E você pode achar que você ama fazer confusos em fotografia ou fabricação de fantasias. Então, neste ponto, priorize a qualidade sobre a velocidade. Em um mundo de dores de velocidade e gatilhos digitais. Um estudante de arte para ter a idéia de que todas as imagens podem e devem ser capazes de ser criadas rapidamente. E isso simplesmente não é tão complexo condições muitas vezes levam um tempo significativo para ilustrar. Concentre-se primeiro em ser capaz de alcançar a qualidade que você quer. Independentemente do tempo envolvido, a menos que você não seja um prazo que honestamente você tem que cumprir esse prazo. Não sacrifique a qualidade pela velocidade porque você nunca pode cair rápido o suficiente para compensar a imprecisão. A velocidade sempre virá com experiência. Não se preocupe com isso. Quanto mais você fizer isso, mais rápido você vai ficar. Mas você não pode ir tão rápido para compensar o fato de que está errado. Regra de polegar para não prosa. importa o tempo que você acha que deve levar para criar a imagem, triplique-a. Isso não é uma piada. Há poucos problemas que não podem ser corrigidos jogando mais horas nele. Isso é algo que surge com bastante frequência no console 101 que eu tenho com os alunos. E isso é que eles subestimam muito quanto tempo leva para criar algumas ilustrações maiores. Eles dedicaram seu tempo a isso. E não está atingindo o nível de profissionalismo que eles queriam ou esperam que pudesse. E eles me perguntaram, bem, o que eu preciso fazer diferente? Eu vou dizer, bem, quanto tempo você trabalhou nisso? Bem, eu trabalhei nisso por umas cinco horas. Uh, realmente? Você sabe quanto tempo eu trabalho em alguns dos meus? - Não. E eles acham que eu quero dizer umas oito horas, 30 horas ou 40 horas. E os olhos deles vão largos, tipo, sim. Isto é trabalho de verdade. Leva muito tempo. Seja qual for a quantidade de tempo que você colocar. Isso realmente não importa. E você não está obtendo o resultado que você quer, não é suficiente. Então você continua colocando mais tempo até chegar onde você precisa ir. Eu sei que uma das minhas peças anteriores, eu fiz uma imagem de alguns acrescenta NIH em uma água. Eu coloquei em cerca de 20-30 horas nele, que é quase o máximo que eu coloquei em uma imagem até esse ponto. E não estava parecendo certo. Então eu coloquei em algumas formas de arte. E eu estava começando a receber alguns comentários das pessoas e percebi como posso melhorar a peça. Então eu só continuei jogando mais horas adicionadas e mais e mais e mais para melhorá-lo e continuar melhorando e melhorando. E eu nunca empurrei tanto em um pedaço antes. Nunca empurrou um pedaço por tanto tempo antes. E, eventualmente, tornou-se uma das minhas peças favoritas em que aprendi muito levando isso o mais longe que pude. E estou logado em mais de 100 horas na imagem. Mas era isso que era necessário para me levar a cima daquele planalto. Um para o próximo nível. Vamos dar uma olhada em alguns exemplos aqui. James Gurney, grande fã do seu trabalho e do seu ensino. James jardinagem constrói dioramas, mercados e fantasias para inspirar credibilidade em seu trabalho. Pickup como livros onde ele explica seu processo. Agora ele é o criador das propriedades DynaTac Olbia. Os livros. Ele repassa esse processo em seus livros de realismo imaginativo. Então, se você está interessado nisso, pegue o livro. Se você quiser entender mais sobre a maneira como ele aborda cor e luz e sua compreensão desses tópicos como um artista. E então pegue seu outro livro, cor e linha. Aqui vemos alguns trabalhos de Gil L1 em Norman Rockwell. Ambos contratavam modelos rotineiramente e faziam fantasias para suas sessões de fotos. Você quer os resultados deles, então você tem que fazer a mesma coisa. Vá e faça o mesmo. Vamos falar sobre o nível de detalhe. Não queremos refinar o desenho só para refiná-lo. E nós o refinamos para esclarecer a ambiguidade das formas e nos ajudar a entender as formas na medida necessária para tornar o OEM e a maneira realista. Então, havia um propósito nisso. E é para vocês, os artistas, entenderem os volumes dos assuntos e construírem a precisão em seus assuntos. Queremos esclarecer tudo o que fosse um pouco ambíguo. Um pouco, OK, eu só coloquei uma forma lá para representar essa coisa. Temos que ir de lá. Ele meio que representa a coisa também. Isto é realmente o que a coisa parece agora, é por isso que cada imagem vai exigir um nível diferente de detalhe para o reencontrar desenho. Alguns elementos serão simples de entender e o que precisamos de muito refinamento para que você saiba exatamente como renderizá-lo. Outros elementos como a anatomia de Pegasus aqui, exigiam que eu gastasse um tempo considerável cunhado sobre as formas e anatomia. Neste caso, eu não reencontrei os Weems porque eu estudei e dor e asas várias vezes antes e estava confiante de que eu poderia estabelecê-los durante o processo de pintura. Um pequeno bônus aqui, aqui estão alguns outros exemplos que mostraram o nível e maneira de detalhes em como ele muda de peça para peça. Mas o sombreamento aqui é realmente necessário. Então, cada um deles foi levado ao nível necessário para que eu entenda corretamente onde estão todos os detalhes e quais são todos os assuntos, quais são as formas para cada uma das imagens. 29. Pintando bloqueio em: É hora de começar o bloco de pintura real para a imagem final. Há muitas maneiras que você pode ir sobre este estágio, mas vamos ser claros. Você pode começar com escala de cinza e mudar para a cor. Você poderia usar fotos, batê-las e pintar sobre elas. Você poderia apenas dizer, hey, eu vou recomeçar fresco de uma tela branca e apenas usar minhas outras coisas como recursos e direção. Você poderia continuar do estudo de cores, etc., certo? Aquelas outras opções também. Não tenho tempo neste material para repassar todas essas abordagens. Triplicaria o tamanho deste material. Em vez disso, estou planejando cobrir isso em um conteúdo futuro. O código é que o sódio já foi aprovado. Então comecei a pintar isso. Bem, esta nem sempre é a escolha certa. Nem é o que faço na maior parte do tempo, mas foi a decisão certa neste caso. Reserve um momento e decida quais as melhores abordagens para sua imagem. Pode poupar-lhe horas a longo prazo. Então não pense que vou me encontrar, pelo menos comece a pintar por cima do estudo de cores. Na verdade, pode haver uma maneira melhor. Você pode descobrir que, se você der alguns passos de volta, você retrabalha-lo desde o início que você vai obter um resultado melhor. Não estou dizendo que essa é a resposta, mas você tem que pensar um pouco. Basta fazer uma pausa por um momento. Dê-lhe cinco minutos. Pense em qual seria a maneira mais eficaz de abordar isso e depois seguir com isso. Além disso, uma das coisas que eu faço aqui agora que estou começando a realmente entrar no processo de pintura, começar diminuindo a opacidade das linhas. Não quero depender demais das linhas. Lembre-se que olhamos para isso mais cedo. E se temos bons valores e temos uma boa luz contra padrão escuro com os valores, então eu não preciso confiar na clareza das linhas. E eu acabei por virá-los todo o caminho para baixo porque eu tenho informações suficientes colocadas com as cores e valores que eu não preciso mais deles como um guia. Ou você pode simplesmente pintar no topo da linha. E eu acho que você não sabia que se eu começar a fazer isso, eu tenho a tendência de deixar alguns deles permanecerem. Então essa não é minha primeira opção, é ajudar a manter minha imagem no caminho certo. Eu mantenho uma coleção de imagens ao lado da minha pintura. E isso pode incluir que estudo de cores, alinhando refs, anatomia imposta refs, estilo de ilustração oral refs e preexistentes não são da propriedade. Então, se esta é a minha tela e eu estava pintando nesta área aqui, então o que eu costumo fazer é criar uma sala extra neste lado da imagem. Aumento o tamanho da tela. E então aqui eu tenho todas as minhas imagens de referência que eu preciso ter acesso rápido para olhar. E deixo-os ali e pintava aqui nesta área. E isso funciona muito bem para mim. Há outras opções também. Mas se você normalmente não tem seus guias cidadãos urbanos abertos lá para que você possa apenas estar olhando entre os dois. Sugiro que tente trabalhar assim por um tempo. E lá vai salvá-lo de ter que ligar e desligar camadas o tempo todo. Eu vou especial atenção é dada para estabelecer o formulário através da cor e iluminação. Mudar através dos aviões. Os aviões que pegam luz direta são quentes, neste caso, os aviões na sombra assumem a cor azul do céu. Então você vê aqui usando as informações que eu tenho das minhas fotos, eu tenho uma idéia muito boa dos fóruns e da anatomia do rosto. E eu quero realmente jogar o sentido das formas. E isso é algo que os novatos tendem a ignorar. Começam a colocar cores, mas não combinam com essa cor de uma forma que nos ajude a situar as formas. Quero indicar os aviões no rosto. Porque se você pode trabalhar as coisas em termos de aviões, você tem muito melhor senso do volume do assunto. Bem, é sobre mocassins fotográficos. Somos o momento. Nem todo mundo faz isso, mas acho que é uma coisa útil. Ocasionalmente. É, às vezes pode ser útil para soltar em um elemento de foto apenas para ver como a cor eo padrão vai olhar na pintura. Agora, nenhuma das fotos acaba na pintura. Mas pode acelerar o processo de tomada de decisão para ter um substituto para julgá-lo. Sejamos claros, não há nada de errado em tirar fotos. Se você é dono da foto. E esse é o estilo com que o cliente está feliz. Agora foto bashing é certamente usado muitas vezes no conceito não são preenchidos. Onde é apenas sobre a idéia da coisa que é mais importante. Eles realmente não se importam como você cria a imagem, desde que a imagem transmita o que ela precisa. Então, neste caso, eu quero tudo pintado à mão e nós queremos aquele olhar pintado à mão. Nós não queremos um olhar de fotos, mas isso não significa que eu não posso dar uma olhada em uma foto MOG começar a ver como esse padrão ficaria na minha cena se eu seguir essa direção. Então foi isso que eu fiz aqui. Eu tenho o bloco de cores dentro E então aqui eu tenho fotos de algumas asas que tinham cores e valores muito próximos que eu precisava. E, na verdade, só os fiz para combinar mais perto da minha imagem. E então eu os coloquei lá. E então eu posso olhar para isso e dizer, ok, bem, se eu seguir isso, meu resultado vai ser muito parecido com isso. Ok? O que eu gosto nisso? E por que não gosto disso? O que eu gostaria de mudar durante o processo? Enquanto eu vejo que isso foi realmente explodido aqui, certo? Não sei se sou um grande fã disso. Mas eu gosto desse tipo de transição legal para quente que existe, isso é meio legal. Novamente, este padrão parece um pouco irregular, então eu poderia tentar nivelar isso um pouco. E é disso que estou falando. Estou usando isso para me ajudar a tomar decisões antes de começar a pintar. Então eles servem como um guia, não como regra. Agora há asas na sua imagem. Isto é apenas sobre o tema das asas são oito, estudar anatomia da asa. Reserve um tempo para olhar para um tutorial sobre como desenhar e pintar. Winx é, é algo que eu vejo surgir bastante frequentemente no trabalho não-profissional. Onde eles tinham essa compreensão básica de como os padrões de vento funcionavam e como as asas se dobram. Mas eles realmente não entendem. E assim eles o bloqueiam, em todas as penas são simétricas. Há uniforme nisso realmente não é o caso. A mecânica do que está acontecendo lá significa que precisa haver tamanhos diferentes, precisa haver ângulos diferentes. E então você pode ter vários elementos sobrepostos, asas todas trabalhando juntas. Então, se você precisa saber algo como isso, se são asas ou como as dobras funcionam, ou como a água se parece quando respira. Foi para alguma palavra como Pinterest e apenas colocar um tutorial de arte, pintura e desenho asas. Alguém montou um tutorial de uma página realmente agradável, concisa que lhe dá as informações de destaque de como as asas funcionam e como a dinâmica de penas funciona. Então vá dar uma olhada nisso. Muitos profissionais vão levar tempo para fazer isso. Muitos noviços não vão. 30. Notas de pintura: O que você pensa sobre o que você está focando, o tipo de perguntas que você está fazendo a si mesmo. Estes são realmente importantes durante o processo de pintura. Então vamos passar por algumas notas aqui. Começando no ponto focal quando a tornar cada elemento compreensível para o espectador, tudo deve ser claro. Não significa detalhado, mas deve ficar claro que o espectador pode olhar para a imagem e distinguir, ok, essa coisa é uma pessoa, que é uma rocha, que é uma árvore. Isto é um pedaço de pano, etc. Basta começar pelo ponto focal, porque é aí que é mais importante. E então você trabalha seu caminho para fora apenas dando um passe para tudo, refinando e deixando claro o que eles estão olhando. Lembre-se, consistência leve. Você deve ter certeza de que a direção da luz, a intensidade da luz e a cor da luz permaneçam consistentes em todas as coisas que estão sendo acesas. Isso é algo que os novatos começam a sair. Eles permitem que haja muita variação na luz. Dom, talvez como o braço com direção de luz vindo aqui, mas então nenhuma luz, a cabeça como se aquelas luzes vindo direto da frente. Então não queremos fazer isso. Queremos ter certeza que é consistente em toda a cena. Dê um passe de pintura para todas as áreas da imagem. Distorcer nosso ponto focal é trabalhar o seu caminho em torno de tudo, limpar bordas, esclarecer qualquer que seja o assunto. Então, o que é compreensível. Você também quer subdividir grandes navios para menores, interessantes para canta seria abordagem média, como fizemos com refinar o desenho de dar as formas básicas do assunto e subdividi-los, essencialmente ficando que maior contagem de polígonos fora do assunto do wireframe. E estamos fazendo a mesma coisa agora com cores em aviões. Pinte as linhas ou diminua a opacidade da camada de linha. Vamos continuar a afastar-nos da dependência dessas linhas. Então este é um bom palco para fazer isso. Quando começar qualquer elemento de autenticidade a partir de referências. Pode ser tecido e dobras. Expressão, materiais, luz saltitante, etc. Se você puder ver exemplos reais dessas coisas e obter essa precisão e adicionar essa precisão à sua cena. E realmente ir para a própria ajuda como sendo mais autêntico e mais crível. Agora este realmente poderia ter sido adicionado mais cedo, mas é aqui que eu colocá-lo em apenas uma opção diferente e. Considere começar colocando as cores de base como se estivessem sob sombra e, em seguida, adicione a iluminação em sombras profundas. Esta é uma abordagem que eu uso frequentemente. Tenho as minhas falas, vou colocar as cores básicas e os meus assuntos, mas coloco-os como se estivessem nublados. Tudo está neste tipo de sombra suave. Então adiciono minhas fontes de luz a isso. Gostei muito de trabalhar assim. Faz muito sentido para mim. E então eu faço isso com bastante frequência e eu recomendo que outras pessoas experimentem porque você também pode achar que ele clica Bem, da maneira que você pensa. Para cenas realistas, é hora de mudar. Tudo, desde o que você acha que iria parecer até o que realmente seria. É uma grande diferença. Veja relativamente geralmente tem mais nuances em cores harmoniosas que nossa imaginação primeiro considera. Mas temos que lutar contra o tipo de programação mental que fizemos quando crianças com nossa caixa de lápis OCR, certo? Onde? Gramíneas verdes. Sim, mas normalmente não é este tipo de verde. Se você olhar para a grama, grama geralmente é algo mais parecido com isso. É um pouco mais aborrecido. É muito mais quente. E então é esse tipo de coisas que você quer se afastar. Você quer dizer, sim, na minha mente, eu acho grama, verde. Mas tenho que perceber, como artista observador, que não é esse tipo de verde. Isso é mais matizado do que isso. E isso é o que vemos aqui nesta imagem que sim, ela tem roupas verdes. Mas sob esta condição de revestimento, você simplesmente não vai deixá-los tão quentes. Então, eles têm mais nuances do que isso. E a mesma coisa com os palhaços. Eu poderia bloquear no Cloud, dizer que há apenas essas grandes formas brancas inchadas. Sim, às vezes, mas esse é o tipo de abordagem básica. Na verdade, provavelmente parece melhor e ser moralista se houvesse significativamente mais quente do que o céu atrás deles. Portanto, é por isso que precisamos dar uma olhada nas referências. Isso nos afasta do nosso simples entendimento holístico ou pensamento do que parece imitar o que realmente parece. Agora aqui, as folhas são dadas uma vez mais. Adicionando sombras de lançamento em luz direta. É sobre transformar uma forma em um sujeito. 31. Cópia e princípios: Cópia e princípios. Quando você está usando suas referências. Não os copie, por favor. Quero que busque entender os princípios do que faz as coisas parecerem como elas fazem. É como o velho ditado de ensinar um homem a pescar e você apenas copiá-lo. É um uso único. No entanto, se você aprender os princípios do assunto do que está acontecendo visualmente em y, então você pode reutilizar esse conhecimento para sempre. Se você aprender os princípios, ele também liberta você da referência. Isto é muito importante. Você não precisa mais seguir exatamente porque você pode alterar o experimento e extrapolar como o princípio se aplicaria ao novo experimento. Então, durante o curso de sua pintura, você quer mover coisas de genérico para único. Quando você escolhe algo para a imaginação, geralmente é genérico. É inespecífico é a ideia de uma coisa. Nós apenas olhamos para isso na outra imagem, certo? A luz azul, nuvens azuis, essa é a nuvem genérica. Esse é apenas o meu primeiro pensamento inicial de como a nuvem deve ser. Mas não é único. Não é específico, e não é preciso. Então, mudando as nuvens, observando que muitas vezes são mais quentes nessa situação, que as torna únicas e mais precisas. Queremos ultrapassar isso. Isso só vem pela observação e aprendizagem de princípios e exemplos. Você quer que seus personagens se sintam como uma pessoa específica, não apenas um homem cego. Mais uma vez, vamos dar uma olhada. O que temos aqui. Bem referenciado em tecido renovado é uma marca de um mano. Você quer ser um profissional. Isso é algo que você quer prestar atenção. A aversão inicial à esquerda preenche genérico em desinteressante. Enquanto a versão certa, Brinkley para Phil é real. Então o pano aqui é o que acabei de esboçar. E eu coloquei isso e eu acho que é basicamente cores certas. É basicamente o valor certo. Tem a ideia geral do que a cláusula deve estar a fazer. Dentro do que. Eu fui e encontrei alguma referência fotográfica. Encontrei uma foto de referência desta área bem aqui. Agora não era exatamente assim. Tinha alguns desses elementos. Lembro-me de como estava perto disso. Mas tinha um pouco desse elemento acontecendo bem aqui. E obtive essa informação, e segui-a. Então eu extrapolei, segurei esse mesmo tipo de padrão em forma e um fluxo poderia ser aplicado ao resto do tecido. Isso constrói como o pano que realmente faria isso crível. E se não precisasse de tanto esforço. Mas ainda assim parece muito mais profissional. Aqui, referência adicional em estudo leva o personagem de apenas ser um personagem para preencher como uma pessoa específica. Isso parece um cara na pintura de um cara de alguém. E para mim isso era quase como uma pessoa, como uma pessoa individual, não apenas alguém que desenha uma pessoa que parece mais real, mais crível. E há apenas uma tonelada de pequenas mudanças sutis nessa que eu pintei com uma espécie de referência de espaço reservado. Eu pensei que sabia o suficiente sobre desenhar o rosto que eu poderia usar essas referências combinadas com o que eu sei, a fim de chegar ao nível que eu quero. E eu coloquei isso, o diretor de arte disse, é muito bom, mas acho que poderíamos fazer melhor. Pode dar outro passe? Então eu fiz. Fui e peguei ainda mais referências, referências mais precisas, referências que imitam mais a direção da iluminação. E eu descobri o que isso era muito brilhante. Seria melhor para um tom que para baixo. E há mudanças sutis como o lado do rosto aqui e como esse cabelo estava saindo muito longe para esse ângulo particular. E então as variações de tom de pele sutis onde a linha da mandíbula é mais fria ou lá, mas então o calor da luz que vem através das narinas com uma dispersão subterrânea. Então todas essas pequenas variações se juntam para fazê-lo se sentir mais como uma pessoa real. Exemplos 567, aprender os princípios das penas retroiluminadas me permite melhorar as referências, esclarecendo áreas superexpostas e ajustando o design. Então é aqui que queremos crescer além da referência. Lembre-se das referências, do guia. Não é a regra, não é o contentor. Um estudo de cores aqui foi isto. E eu acho que muitos dos tons estavam funcionando muito bem. Agora, o bloqueio foi baseado fortemente na referência da foto. Mas, na verdade, pensei que podia fazer melhor. Eu posso torná-lo mais dinâmico onde eu torná-lo melhor para a minha imagem. O que significa que eu realmente não quero este golpe tão forte ao longo das bordas. E eu meio que gosto deste desenho padrão do padrão claro escuro. Então, vou continuar com isso. Então eu aprendi o suficiente sobre como isso está funcionando, como as penas se sobrepõem e como a luz vem através das sombras, uma pena contra a pena atrás dela. E eu mudo o sistema de design. Isto tinha um grande bloco por aqui. Foi muito arredondado lá e eu queria deixar que fosse um pouco mais curvo, uma rede alongada para fora para ser uma transição mais suave. Então, entendendo os princípios aqui, eu sou capaz de modificá-lo e realmente esclarecer a partir do esboço porque a foto estava um pouco confusa. Então eu posso realmente obter mais detalhes e ser mais interessante do que aquilo em que realmente se baseou. Extrapolando como seria em um design ligeiramente diferente. 32. Padrão claro e escuro: Padrão claro e escuro. Nós ganhamos os elementos e somos vistos como claramente distinguíveis uns dos outros, especialmente o personagem que se destaca do fundo. Aderir aos seus estudos de valor deve ajudar com isso. Mas você também quer olhar para oportunidades para grande uma luz, valor escuro contrastes em toda a cena. Isto é algo que pode dar grande diferença muito rapidamente. Ok? Esses pequenos julgamentos de valor aparecem ao longo do trabalho dos profissionais. Mas eles são realmente notáveis. Sua colocação às vezes acontece por acaso, mas muitas vezes é por intenção. Durante o curso de fazer esses ajustes claros e escuros, você pode descobrir que você pode realmente sugerir objetos e formas sem tantos detalhes. Além disso, esta é uma boa maneira de ultrapassar as linhas. Não definir arestas em um trabalho realista com contrastes de valor adequado entre os elementos, as linhas de suporte visuais simplesmente não são necessárias. Observe aqui que os contrastes de cor para separação são bons, mas o contraste de valor é mais eficaz e mais importante. Notas. E teremos uma pequena demonstração aqui. Procure por lugares onde dois objetos, bordas ou planos fazem um escuro, escuro ou claro, dinâmico. Vamos olhar para isso nos estudos de valor, certo? O mesmo tipo de coisa. Mas queremos revisitar este tópico agora que estamos no processo de pintura e usamos em cores também. A não ser que haja uma razão para continuar assim. Você vai querer mudá-lo para uma luz clara, escura ou escura. Não, o que eu quero dizer com isso é que às vezes você quer fazer o que James Gurney chamaria de soldagem de forma. Que é que você quer simplificar algumas sombras e luzes para fazer uma unidade maior. Você não quer necessariamente trazer todos os itens. Por exemplo, as folhas aqui em baixo. Eu não quero fazer um padrão claro e escuro em cada folha, então cada folha se destaca. Eu só não preciso desse tipo de contrastes lá. Eu não preciso de uma chamar atenção conhecido lá. Então eu permito que algumas dessas sombras sangrem umas nas outras. Eu os soldo juntos para que simplifiquem essa coleta de informações. Mas geralmente em um personagem cantar como este, você quer ter certeza de que há muita luz, padrão escuro para que o personagem apareça do fundo. Então, se você tem um item que é leve e quando item que é escuro, mas então você precisa que o escuro seja realmente a coisa clara aqui em baixo que permite que isso agora seja o objeto de luz contra o próximo objeto escuro. Então, usando gradientes, podemos trocá-lo. Podemos fazer um flip flop com uma maneira que esse padrão está funcionando em toda a imagem. Esta é uma prática que eu imploro na dor overs que pode rapidamente fazer uma grande diferença. Se você alguma vez ir assistir alguns dos meus pintados sobre é que eu faço para os desafios de arte e próprio fluxo. Verão que esta é uma das coisas que faço para as coisas esclareçam e se destacem em uma cena. Vamos fazer uma demonstração rápida sobre este personagem de Liliana. E então examinaremos como esse mesmo tipo de coisa se aplica a algumas dessas outras imagens aqui embaixo. Vou usar o meu pincel arredondado e vamos dar uma olhada nele. Estamos procurando o que as dinâmicas escuras, escuras e claras não estão bem, escreva-as contra podemos ver aqui que temos cabelos escuros contra um fundo escuro. Isso não é bom. Algo basicamente todo o caminho até aqui. Lado escuro do personagem contra um fundo escuro. Isso não é um bom personagem escuro, fundo escuro. Haveria alguns grandes lá. Nós vamos dizer que isso é bastante escuro. É quase como um médium contra um escuro. Então eu pude ver isso sendo corrigido também. Vamos começar com isso e vamos ver se podemos encontrar mais. Eu vou vir aqui e aplicá-lo para este lado. Eu vou dizer, nós realmente precisamos trazer para cima esta borda porque nós apenas temos um fundo escuro e Gibson borda escura lá. Agora eu não quero fazer isso agora. Este é um erro que muitos novatos cometem e é a solução mais barata para este problema. O que um novato realmente reconhecerá, o que eu quero que essa vantagem se destaque. Então a coisa mais barata que você pode fazer é dizer, oh, eu vou apenas adicionar uma luz que vai até o limite de tudo isso. Vou ter esta luz de ponta. Isso esclarece a borda. Mas pessoal, por favor, não façam isso. Se você vai colocar em uma luz, pesado para ser uma fonte de luz adequada onde ele vai estar desenvolvendo a forma e não apenas uma pequena luz de borda. Você quer usá-lo para que ele realmente atravesse um primeiro ajuda a indicar os volumes de tudo e ele precisa afetar tudo que a luz está atingindo. Mas, geralmente, uma opção melhor é procurar uma mudança geral de valor que você pode fazer. Então, neste caso, já temos alguns elementos no céu que são um pouco mais leves. Alguém pegou aquele tom mais leve ali. E eu vou deixar que haja algumas nuvens mais leves que vão até aquele canto. E então eu posso descobrir isso. E isso é o suficiente para trazer isso para fora e parecer tipo de coisa aqui. Talvez alguém com este tom mais leve. E talvez haja uma luz chegando ao céu, uma em forma de pirâmide ali atrás. E podemos adicionar luz suficiente. Aquele cabelo e aquele braço escuro se destacam. E podemos fazer a mesma coisa aqui também. Podíamos acrescentar, acender uma luz ali. Poderíamos deixar escurecer para que o tecido branco tenha algo a que enfrentar. Mas se tivermos um pouco mais leve aqui em baixo, então essa parte escura do lixo pode se destacar. Agora, e se houvesse alguma luz, esta luz aqui que está batendo neste lado, os degraus estavam realmente derramando para este lado. Ok, então nós poderíamos ter os topos de alguns desses degraus vindo por aqui e batendo um pouco da areia deste lado para que aquelas ovelhas escuras se destacem. Novamente, estamos olhando para agora ter um padrão escuro contra luz. Poderíamos fazer inversamente, a coisa aqui que temos uma luz, um padrão de luz, poderíamos pegar um tom mais escuro lá. Bem, deixe que algumas dessas sombras cheguem até aqui. E pode estar ficando na sombra à medida que se move para cima. Então esta é uma luz melhor no padrão escuro que estamos ajudando aquele personagem a sair um pouco mais. Mas a maioria dos espectadores nunca notará esse tipo de coisa. Isso só vai pensar, bem, é realmente bom que o céu é mais leve, então a cabeça do personagem se destaca. Isso não foi por acidente, foi intencionalmente colocado lá. Então, outras coisas que estão acontecendo aqui em baixo. E podemos olhar para esses caras. E se você também está tentando aprender isso e observar isso de outras obras de arte. Sim, você pode jogar, na camada de ajuste preto e branco e dar uma olhada apenas nos valores se você quiser olhar para os valores. Mas você também pode aprender a fazê-lo sem precisar do filtro preto e branco para ele. Aqui temos uma versão escura, mas pelo menos sombreada, certo? E a mesma coisa aqui. Esta é escura e a versão mais curta disso. Então essa área se perderia se fosse da mesma cor, certo? Teríamos o escuro contra o escuro, e então perderíamos todas as formas do que está acontecendo lá e isso não é bom. Então a luz é adicionada. Eu especificamente adicionei luz lá na parte de trás daquelas penas para que a pose daquela perna e a borda do dinheiro do cavalo fossem distinguíveis. Levando esse mesmo pensamento até o, aqui está a Garça está sua luz, obviamente pegando luz direta aqui estava na sombra. Agora a sombra pode ser esse idiota, e já estabelecemos isso aqui. Mas então temos um escuro contra um escuro e há dois tons de fechamento, mesmo que sejam cores diferentes. Então eu deixo isso ficar cada vez mais leve, mas vou deixá-lo ficar no intervalo mais frio. Então agora temos uma luz quente contra uma luz fria porque na verdade não fica muito mais escura. Então, esta transição da Matiz, combinada com uma transição meio hadrons que não deveria realmente ter um valor, ela equilibra para que isso permaneça a luz contra o escuro lá. Então, na próxima imagem dos J's, temos um monte de pequenos padrões escuros de clareamento acontecendo para as coisas se destacarem umas contra as outras. Temos a perna escura e a parte clara da perna. Agora aqui isso é problemático porque esse fundo naturalmente é aproximadamente o mesmo valor que a parte leve dessa perna. Então isso não ia se destacar e eu precisava de uma parte dessa perna para pegar a luz. Então, o que eu faço? Eu tenho que ir mais escuro com o fundo naquela área ou eu preciso ir mais luz. Então isso é o que eu fiz já estabeleceu que essas plantas de ventilador no fundo, há algumas aqui na outra parte da imagem. Então eu mudei um para cá para que pudéssemos ter uma luz contra essencialmente um idiota. E então isso pode servir como uma luz contra uma escuridão também. Mas se você está trabalhando com uma gama mais ampla de valores, o meio pode realmente servir como uma luz ou escuridão do outro não é extremo. Então o meio está servindo como a luz contra esta escuridão, mas está servindo como a escuridão contra essa luz. Muito interessante. Isso é o mais longe que você pode realmente empurrá-lo tão longe quanto um meio pode ser um ou outro. E então temos a forma escura aqui contra a folha de luz ali, certo? Mas na verdade é mais leve que o mais escuro aqui. Então isso é escuro, torna-se leve. Novamente, atingindo aquele avião de médio alcance em ambas as direções aqui. E nós temos um tipo semelhante de circunstâncias acontecendo onde nós tivemos esse holofote, o holofote que está atingindo esta área aqui também está atingindo esta área aqui. Então aqui temos uma escuridão na sombra contra a luz. E temos aquela luz contra a escuridão, naquela escuridão contra uma luz e aquela luz contra um idiota. E assim esse padrão funciona para que tudo comece a se destacar um do outro. E nós intencionalmente não queremos que isso seja iluminado muito bem, porque queremos que a intenção do rosto e aquela luz no rosto realmente apareçam. E não funcionaria se tudo isso fosse o mesmo brilho. Então, quando fazemos isso intencionalmente, da mesma forma que temos a luz aqui que ajuda a distinguir o que está acontecendo com essa perna e o lado do cavalo. A luz foi adicionada para filtrar através da parte inferior do manto lá para que possamos ver a borda do personagem e do braço. Naturalmente, você pensaria que provavelmente seria a área mais escura. Mas se fizeres isso, coloca-a em tanta sombra e não temos cor suficiente. Então eu vou querer ter certeza de que essa cor está saindo. E eu tenho que aumentar um pouco o valor para que isso aconteça. 33. Reavaliar: Antes de passarmos para os detalhes finais, que é o próximo passo, vamos pausar e verificar o seu progresso antes de prosseguir. Este é o momento de se certificar de que a imagem está ainda no caminho certo. Estas são as coisas que você quer considerar neste momento. Leia o esboço e pergunte a si mesmo, como o acabou de mudar. Isto acontece connosco, está bem? Temos uma ideia. Começamos a correr com uma ideia. E nós realmente nos mudamos muito longe do que o esboço estava pedindo por isso. Eu já fiz isso antes. Já vi estudantes fazerem isso antes. Todo artista faz isso em algum momento. Mas tente se checar novamente. Volte para dentro, reler o esboço e diga, isso parece ser o que o cliente, a concorrência ou o desafio está solicitando. Além disso, você esqueceu alguma coisa do esboço? Já estive lá, já fiz isso. Elementos que é especificamente pede para ser esquecido e não incluído. Verifique duas vezes. Também verifique se o prazo é a data que você acha que é. Fazer essa data que é realmente fazer novamente, erro que eu cometi é por isso hábito na minha lista de verificação ou as cores ainda no caminho certo com um estudo de cores? Se isso acontecer, você começa a equilibrar uma cor contra a outra. Quanto mais você trabalha com ele, cores, esquemas e paletas de cores têm uma tendência a deriva. Então olhe onde você está. Parece-te onde querias ir inicialmente? Está perto? Ok, legal. E se mudou um pouco, provavelmente tudo bem. Mas não queremos ir longe demais. Verifique se as cores são PARA FAZER ou sobreaturadas. Novamente, essas são coisas que ao longo do tempo de horas e horas de trabalho em uma imagem, você pode fazê-los mudar em você um pouco e você não percebe que seu geral chegar ao DOE ou ficar saturado demais. Este também é um lugar onde você pode jogá-lo fora para algum feedback. Se você não estiver sob acordo de NDA e confidencialidade, verifique com algum outro artista ou verifique com um instrutor de arte. Virar a imagem horizontalmente e verificar se há problemas. Então você obtém seu blip de imagem na horizontal. Esta é uma das melhores maneiras de verificar se havia algo errado com o desenho, as formas, a perspectiva, esse tipo de coisa. Faz você ver a imagem de um efeito fresco. Se você ainda não foi, é hora de virar a imagem horizontalmente e verificar se alguma coisa chama sua atenção, então o trabalho na imagem dessa maneira por um tempo. Faço isso o tempo todo. Vou trabalhar na imagem e em uma direção. E então eu viro. E então eu trabalho nele por uma hora nessa direção, e eu viro para trás, faço uma camada de ajuste preto e branco e verificar se o esquema de valores ainda é forte. Há uma cena de trabalho em preto e branco. Os valores estão à deriva para baixo ou alto em contraste? Eles estão à deriva em geral muito escuro ou claro? Também depôs mudou a partir da referência ou do estudo pós-. Aqui vemos um exemplo disso. À medida que a postagem foi deslocada durante a pintura, coloque o esboço da postagem sobre o personagem atual e verifique se ele ainda se encaixa corretamente em seu traje ou se seu traje se encaixa corretamente neles. Então, quando um personagem como este onde você tem grande armadura volumosa e todos os tipos de camadas de materiais é sobre o personagem. Pode ser que você comece a mudar as formas desses caras e não perceba que, de fato, a figura humana não caberia naturalmente dentro dessa pose mais. Então você quer verificar isso novamente e ter certeza de que você não apenas contorceu seu personagem em uma posição não natural. E você já procurou feedback de píeres de arte ou de um instrutor profissional? Esta pode nem sempre ser a opção se você estiver sob um NDA, mas é algo que é uma boa opção se você não é tão bom, alguns comentários vêem de olhos frescos, do ponto de vista de outra pessoa. Certo, agora vamos para os detalhes finais. Estamos quase no fim. 34. Detalhes finais e conclusão: Os detalhes não criam uma imagem, mas usam corretamente. Eles podem fazer com que pareça mais real e ser visualmente mais interessante. Então comece detalhando os pontos focais e você provavelmente descobrirá que não tanto detalhe quanto necessário em outro lugar. Agora, os pontos focais são onde as pessoas querem mais olhar e é aí que a maioria dos detalhes precisa estar. Na verdade, muito em detalhes e áreas não-focais podem realmente distrair inImage, tudo recebe uma quantidade de sinal de detalhes. Basicamente diz que tudo é igualmente importante. E nós não queremos isso. Queremos que a maior parte da atenção e a maior parte dos detalhes estejam nesses pontos focais. Tudo bem, detalhes para estar prestando atenção aos pontos focais e especialmente rostos de personagens não pulam nas fases. Renderização de material O pano enche como pano? Será que a água cheia molhada? O metal parece endurecido, brilhante? Verificando a renderização do material, vamos tentar mantê-lo longe de ser todo o mesmo tipo de tom plastico. Verifique novamente o seu trabalho de borda. Elimine as bordas de seleção rígidas com um tom médio para suavizar. Se você estiver usando muitas bordas de massa ou seleção durante o processo de pintura, você provavelmente vai ter isso realmente difícil na borda afiada digital. E às vezes você precisa disso. Mas a maior parte do tempo ainda não. Na maioria das vezes vai ser melhor se você apenas amolecer um pouco. E às vezes a coisa certa a fazer é obter um pouco de tom médio, um tom médio puro. E que você pode correr ao longo da borda para ajudar a suavizar entre os dois tons. Então, quando é que a imagem termina? Bem, pode ser considerado acabado. E quando você está sem tempo, sim, esse é realmente básico. Mas se você atingir seu prazo, está feito, cara. Então, onde quer que esteja, está acabado. Você tem que transformá-lo de outras maneiras, adicionando mais madeira excesso de trabalho e diminuir sua energia. Você não quer fazer isso. Você não quer trabalhar nele tanto tempo que a energia geral, entusiasmo e frescura da imagem desaparecem. Também considere que se diz tudo o que precisa dizer, provavelmente está feito, é por isso que tudo não precisa ser detalhado. Se é sobre transmitir uma certa emoção é sobre conveniência, certa idéia, bunker Vênus ou uma ação. E agora a imagem já está fazendo isso e pode ser feito. Então não se preocupe com isso. Por último, mais seria supérfluo e menos seria inadequado. Off ficar preocupado, aprendi este, mas eu realmente gostei. Então, vou passá-lo para vocês. Se você adicionou mais à cena neste momento e você sente que seria supérfluo, então não adicione mais. Mas se você tirasse alguma coisa e simplificasse a cena mais a partir daqui e seria mais inadequado. Quero dizer, você provavelmente tem o equilíbrio certo. Mais seria o esperma Oculus. Menos seria adequado. Parece que as imagens provavelmente terminaram. O que você está tentando estabelecer nesta fase de detalhes? Será tons, fazer qualquer uma das grandes áreas tonais precisa ser ajustado para que a imagem de lê melhor quando pequeno. Isto não é realmente uma coisa detalhada. É mais como um ajuste final e é certamente algo que você deve considerar nesta fase. Este era o caso com a Pegasus precisando ser iluminada. Aqui eu estava trabalhando no Pegasus e ele parecia muito bom para si mesmo. Mas no geral, ele estava ficando um pouco demais para os tons médios, ficando um pouco escuro demais, e ficando semelhante e tom para trás. Vou verificá-lo em relação ao meu esquema de valores originais? E perceber que esses caras em geral precisam ser um passo decente mais leve do que o fundo. Então eu só o iluminei. Eu também unifiquei suas cores para que ele fosse um pouco mais quente do que o fundo. E ele não está usando tanto blues como o fundo é rostos. Deve ser dada atenção extra aos rostos. Até os não-humanos. Esclarecer quaisquer formas imprecisas nas sombras, ajudar a transmitir a textura de serviço certa. E verifique novamente a expressão. Segunda leitura. Este é o momento de colocá-lo em uma segunda leitura de detalhes como costura, papéis de alinhar texto, sinais, etiquetas, arranhões, intempéries, etc. Estes detalhes não vão tornar a imagem, mas faz com que pareça um pouco mais real. E faz com que pareça um pouco mais tátil. E a segunda leitura, é chamada assim porque à primeira vista da imagem, você realmente não percebe essa costura. Você não percebe os esboços ou as linhas no papel. Você notou a cena geral, você tem uma idéia do que está acontecendo na cena em geral. Mas na segunda leitura, você está girando mais tempo, seus olhos vagando por aí e você está pegando pequenos detalhes na cena. Genérico. Tudo o que ainda é muito genérico deve ser retrabalhado para ser mais único e interessante. Este foi o caso deste guarda de espadas aqui. Isso foi baseado em uma foto que eu vi. Mas francamente não é tão interessante. E não é assim tão único. Então o nosso reformulou para que fosse muito mais interessante olhar para um filme como a lâmina pessoal de alguém e que talvez fosse feito sob medida. Então este seria um bom exemplo de tomar algo de genérico para ser mais único. processo de ilustração agora está concluído. Por isso quero agradecer-lhe por se juntar a mim durante todo este material. Espero que tenha achado útil. E se quiser ficar mais noiva e colocar isso em prática, odeie. Dirijo desafios de arte todos os meses. Você pode conferir essas amostras no meu canal do YouTube, youtube.com. Tente isso, tudo bem, vá encontrar um esboço, encontre uma competição, pegue um emprego, e siga o material. Acho que vai achar útil. E até que eu a veja da próxima vez, mantenha-se atraído.