Cinematografia com câmera DSLR: de iniciante a profissional!

1. Introdução ao curso: Bem-vindo ao curso de filmagem DSLR e estou muito animado por você estar aqui. Meu nome é Jordy, sou cineasta da Bélgica e fazemos principalmente comerciais, filmes promocionais e filmes de eventos. Todo o nosso trabalho é filmado em DSLRs, pois gostamos tanto de trabalhar com essas câmeras. Eles são compactos, produzem ótima imagem e são super versáteis. Alguns de vocês talvez me conheçam do YouTube. Nós também executamos um canal com o nome de Cinecom, onde compartilhamos todos os tutoriais premier, dicas de câmera, técnicas de iluminação, e muito mais. Se você ainda não viu nosso canal, definitivamente confira ou visite cinecom.net. Agora eu estive na escola de cinema, eu aprendi cinema de uma forma muito acadêmica, mas criei meu próprio estilo muito rapidamente depois. Eu fiz toneladas de filmes promocionais ao longo dos anos e criei mais de 30 cursos online para cineastas, e estou muito animado agora para lançar meu primeiro curso de videografia DSLR. Eu tenho pensado muito tempo sobre este curso, e um monte de horas, dias e noites foram para a preparação dele. Agora eu sou muito positivo sobre a informação e estrutura do curso. Vou levá-los em uma jornada incrível de videografia profissional DSLR. Enquanto você está seguindo este curso, pode ser uma boa idéia também ter sua câmera em suas mãos. Este curso também foi desenhado dessa forma. Por exemplo, enquanto eu explico como o enquadramento funciona, você pode praticar apenas apontando sua câmera para algo em sua mesa também. A melhor maneira de aprender coisas novas é praticando e é por isso que também encontro algumas tarefas durante este curso. Posso pedir-lhe para filmar algo e experimentar algumas das técnicas explicadas. No primeiro capítulo, vamos cobrir as configurações básicas de uma câmera DSLR. Se você já sabe como funciona a ISO e a velocidade do obturador, então você pode pular isso, mas é muito importante entender esses conceitos básicos bem antes de mergulharmos nas técnicas de narração visual. Além disso, você pode encontrar algumas coisas novas para que nunca machuque repetir. No Capítulo 2, analisaremos essas técnicas e como funciona o enquadramento e como conectar diferentes imagens para adicionar mais duas dinâmicas aos seus filmes. partir do Capítulo 3, algumas técnicas mais avançadas serão tratadas como psicologia profunda por trás do movimento da câmera. Vou ajudá-lo a decidir se você deve filmar em um tripé, ou apenas de mão, e como criar fotos de mão de boa aparência também. Finalmente, acenderemos as luzes e veremos como podemos adicionar mais profundidades e emoções aos seus tiros. Agora você não encontra nenhuma luz cara para isso. A luz está em toda parte, seja o sol ou alguma iluminação prática na sua sala de estar. Sabendo como funciona, você sabe onde colocar a câmera em posição para as luzes disponíveis. Agora, se você esbarrar em qualquer dúvida durante ou após este curso, por favor use os fóruns de discussão e eu vou tentar ajudá-lo mais rápido possível. Se você estiver assistindo a este curso de 5daydeal ou qualquer outra promoção, então você sempre pode entrar em contato conosco através das mídias sociais, seja na descrição ou em um arquivo de texto que veio com este curso, você encontrará todos os links lá dentro. Mas chega com esta introdução agora. Vamos mergulhar no curso. 2. A abertura: Ei caras. Bem-vindos ao primeiro capítulo. Temos seis lições aqui para você que abordarão a funcionalidade básica de sua câmera DSLR. As coisas podem ficar um pouco técnicas aqui, mas é importante que você entenda tudo aqui antes que possamos falar sobre Cinematografia. O primeiro passo que você tem que fazer é colocar sua câmera no modo manual. Você quer ter o controle de sua câmera que você possa tomar não apenas decisões técnicas, mas também decisões artísticas. Uma das configurações mais importantes é a exposição, ou, em outras palavras, a quantidade de luz que está sendo capturada. Se você deixar entrar muita luz, seus tiros parecerão superexpostos e se você deixar entrar pouca luz eles estão subexpostos. Sua câmera DSLR tem três configurações que controlam a exposição e que é a abertura, ISO e as velocidades do obturador. Todos os três podem deixar entrar mais ou menos luzes, mas como eles fazem isso, eles também geram algo extra. É por isso que é muito importante encontrar o equilíbrio certo entre estes três. Para cada filmagem, estes três controles serão diferentes dependendo do filme olhado para você quer ir para. Para esta lição, vamos começar com a abertura. A abertura é um portão mecânico dentro da lente. Na maioria das vezes, é controlado eletronicamente por um mostrador no corpo da câmera. Se você está usando lentes manuais como eu faço, você precisa girar um anel em sua lente muito perto ou abrir a abertura. Obviamente, quanto maior for a abertura da abertura, mais luz entrará na câmera e quanto mais você fechar a abertura, menos luz passará. Agora a abertura também controla a profundidade dos campos e para visualizar isso melhor, tiramos uma foto de uma régua. Você pode notar que o tiro à esquerda tem uma área de foco muito pequena. Esta é a área que é afiada ou considerada em foco. A imagem à direita tem uma área de foco muito maior. Você pode ler mais números, mais coisas são afiadas. Esta imagem é fotografada com uma abertura fechada. Menos luz entrará na câmera e seu campo de foco, ou uma profundidade de campo será maior. A imagem à esquerda tem uma abertura aberta branca. Mais luz entra na câmera e a profundidade do campo é menor. O que isso significa em tiros reais nos campos? Bem, conheça Kim. Ela vai ser o modelo para a maioria das práticas durante este curso. Ela está trabalhando em sua mesa e nós estamos tirando várias fotos dela, para capturar a cena. Aqui, neste primeiro exemplo, temos nossa abertura fechada. Agora preste atenção ao fundo, você notará que quase tudo está afiado ou em foco. Então, quando usamos o segundo exemplo, estou filmando com minha abertura aberta. O fundo está agora fora de foco. Normalmente isso vai olhar muito melhor como aquele pequeno sentimento mais cinematográfico para ele. Isso é simplesmente porque estamos isolando Kim colocando-a em foco e o fundo fora de foco. Falamos sobre ter mais profundidade de campo no tiro e sua duradoura e algo muito importante, criando mais profundidade. Vamos mergulhar nisso muito mais fundo. Mas é o essencial deste curso. É disso que se trata a cinematografia. Isso não significa que você sempre tem que preenchê-los com a abertura aberta. Em alguns casos, fecharemos a abertura e criaremos profundidade de uma maneira diferente. Essa é a parte interessante da cinematografia. Você é o artista por trás da câmera. Você pode combinar diferentes maneiras de criar profundidade em suas fotos. Mas é muito importante que essas são decisões e não definidas pelo modo automático de sua câmera. Uma conclusão rápida. Quanto mais próxima for a abertura, menos luz será capturada e quanto maior for a sua área de foco, maior será a abertura, mais luz entrará e menor será a área de foco ou a profundidade do campo. Esta é uma primeira e fácil maneira de criar mais profundidades em suas fotos, tornando-as mais cinematográficas. 3. O ISO: O segundo controle de exposição de uma câmera DSLR é o ISO. É parece completamente digital e também é chamado de sensibilidade do sensor, ou, em outras palavras, quão sensível o sensor é para a luz. Quanto mais sensível, mais luz é capturada. Dependendo do tipo de câmera que você tem, você verá diferentes valores ISO. Alguns DSLRs terão 100 como o menor valor, outros começam em 200. Quanto menor o valor, menos sensível é a câmera. Aumentar esse valor irá expor seus tiros muito mais. O efeito colateral da ISO é, infelizmente, ruído, ruído digital, que quase sempre é indesejado. Alguns DSLRs terão sensores melhores do que outros, significa que podem ser definidos com um valor ISO mais alto sem muito ruído digital. Portanto, é muito difícil dizer qual é o valor ISO máximo utilizável. É diferente para qualquer câmera DSLR. Isso é algo que você precisa para descobrir a si mesmo qual é o máximo ISO que você pode ir. A melhor maneira de testar isso é filmando uma pessoa em um ambiente escuro. Aumente lentamente sua ISO e verifique até que ponto você pode ir. Se o seu ISO máximo utilizável é 1.600, então é importante nunca confiar nisso. Se o ambiente é muito escuro, então é só mantê-lo assim. É como o ambiente é, e você quer mantê-lo escuro. A única grande dica que posso lhe dar aqui é para atirar em silhuetas. Isto significa procurar quaisquer luzes que você pode encontrar qualquer cena escura e colocá-lo no fundo de um assunto. Mas vamos cobrir isso muito mais fundo mais tarde neste curso. Simplificando, a ISO aumenta digitalmente a exposição, mas também adiciona ruído indesejado. Então encontre o seu ISO máximo utilizável e tente não atravessá-lo. 4. A velocidade do obturador: A terceira e última configuração em sua câmera DSLR que altera a exposição são as velocidades do obturador. Nos velhos tempos, este era um disco mecânico que girava na frente do filme. Naquela época, era referido como o ângulo do obturador. Hoje temos câmeras digitais e agora falamos sobre a velocidade do obturador como é algo completamente digital. Isso acontece dentro do seu DSLR e define quanto tempo o centro está exposto à luz. Agora, ao tirar uma foto, que são DSLR, você também ouvirá um som de clique. O que realmente acontece dentro do corpo é um espelho que garante que você pode olhar através do visor sobe por um breve momento para que o sensor pode ser exposto à luz. Se você definir as velocidades do obturador para um valor lento, esse espelho tem que ficar acordado por mais tempo e se você escolher uma velocidade do obturador mais rápida, o espelho irá subir e descer muito rapidamente. Nem todos os DSLR têm um espelho tão mecânico. Bem, na verdade eles fazem porque a câmera ansiosa só tem um obturador digital, é chamado de SLR sem espelho. Se estamos usando esse tipo de câmeras para vídeo , então eu honestamente não me importo como ele as chama. Quando eu vejo algo em forma de câmera fotográfica, eu sempre chamaria de DSLR. Enquanto você estiver filmando, o sensor abrirá digitalmente por um certo período de tempo, fechará, reabrirá, etc. É a velocidade que define as velocidades do obturador. Quando o seu censurado exposto por mais tempo às luzes, mais luz será capturada, mas também veremos mais desfoque de movimento. Se você acenar suas mãos enquanto a velocidade do obturador se abre e ele permanece aberto toda aquela onda de suas mãos, então ele irá capturar todo o movimento também. Você veria uma faixa muito embaçada. Agora, se você fizer sua velocidade do obturador muito rapidamente, ele só captura um curto momento de sua onda e, claro, reduzindo isso e desfoque de movimento. Mas porque você só deixou entrar a luz por um tempo muito curto, você também vai expor seus tiros menos. A grande diferença entre tirar uma foto ou um vídeo é que o vídeo funciona com vários quadros por segundo. Na Europa ou na Ásia, são 25 quadros por segundo e nos EUA são 30 quadros por segundo. Muitas câmeras DSLR também permitem que você escolha 50 ou 60 quadros. Mas a razão pela qual estou dizendo isso é porque a velocidade do obturador vai um pouco junto, que são taxas de quadros. Quando você olha para suas mãos enquanto acenando, você também verá um certo borrão de movimento. Uma vez que você está vendo isso através de seu próprio olho, é considerado como um borrão de movimento natural. Para obter um desfoque de movimento natural no vídeo, há esta regra geral para definir a velocidade do obturador com o dobro do valor da taxa de quadros. Se você estiver gravando a 25 quadros por segundo, você deseja definir a velocidade do obturador em um quinquagésimo de segundos e se você estiver gravando em 60 quadros, você deseja colocar isso em um vigésimo de segundo. Esta é uma regra geral para obter o desfoque de movimento natural, mas não tenha medo aqui de se desviar disso. Se você estiver filmando a 30 fotogramas por segundo e tiver uma velocidade do obturador de um quadragésimo de segundos, o desfoque de movimento não natural não será tão perceptível. Às vezes ajuda a trazer mais luzes. Também olhe para seus assuntos, se é um carro de condução você pode querer manter a velocidade do obturador, mas se é apenas uma pessoa sentada parada, essa velocidade mais lenta do obturador é quase imperceptível. Em filmes como Saving Private Ryan, eles até aumentaram a velocidade do obturador para obter explosões mais nítidas como movimentos dos atores para tornar as cenas de guerra ainda mais difíceis e sentidas e estranhamente fazendo-as parecer mais realista. Mesmo que a velocidade do obturador tenha uma regra sobre qual valor ele precisa ser definido. Também é algo para experimentar para criar um visual único. Aumentar a velocidade do obturador, diminui o desfoque de movimento e as luzes sendo capturadas. Fazer com que as velocidades do obturador fiquem mais lentas adiciona mais desfoque de movimento e mais luzes aos seus disparos. A regra geral para obter um desfoque de movimento natural é vendendo-o para o dobro da sua taxa de quadros. Embora estas fossem as três configurações para alterar sua exposição, a abertura, a ISO e a velocidade do obturador. Em seguida, um pequeno teste para testar seu conhecimento do que você viu até agora. Boa sorte com isso, e te vejo na próxima lição. 5. Quiz 1 — exposição da câmera: 6. O histograma: Bem-vindos de volta, rapazes. Agora que entendemos como os três controles funcionam para a exposição, podemos dar uma olhada no histograma. É uma opção que qualquer DSLR moderno deve ter, e é exibida como um gráfico em seu monitor. Esta é uma ferramenta muito importante. Você deve sempre deixá-lo ligado. O histograma é uma ferramenta de medição para a exposição capturada. É o medidor de luzes da câmera, e ele vai dizer-lhe se a sua foto está ou não acima ou subexposta. Você nunca pode confiar na tela da câmera. Mesmo monitores profissionais calibrados de alta qualidade ainda estão sendo usados em conjunto com ferramentas de medição para a exposição. Tudo bem, nós entendemos agora. É importante, mas como funciona? Bem, digamos que as áreas escuras completas e um tiro são zero por cento, e as áreas brancas completas 100 por cento. Bem, olhando para o histograma no lado esquerdo, podemos encontrar zero por cento e no lado direito, 100 por cento. O gráfico representa suas fotos e você quer ter certeza que ele fica entre o zero e 100 por cento. Quando fecharmos a abertura, você verá que a informação vai para a esquerda. O tiro apenas agora subexposto e ao abrir muito a abertura, o tiro está superexposto. Podemos ver todas as informações agora à direita. Idealmente, você deseja utilizar o espaço do histograma e obter o máximo de informações possível no meio. Olhando apenas para o histograma, sei que minha chance agora está bem exposta. No entanto, na prática, nem sempre é tão conveniente. Este exemplo aqui temos Kim em pé na frente de uma janela. Podemos ver claramente um pico no lado direito do histograma. Esta é a luz do lado de fora. É muito brilhante e isso superexposto. Vamos fechar a abertura e tirar a espiga do lado direito. Olhando para o histograma agora, o tiro está bem exposto, mas na realidade, vemos que Kim está atualmente subexposta. Ainda podemos vê-la embora ela não esteja completamente apagada, mas ela não parece atraente porque está subexposta. De um modo geral, você quer que seus súditos enfrentem cerca de 60-70 por cento. Ao analisar os tiros, podemos dividir os níveis de exposição em três partes. Temos as sombras ou áreas escuras, como roupas Kim, Kim rosto e seu cabelo são um pouco mais brilhantes e temos o fundo que é muito brilhante. Essas áreas também voltam ao histograma. Há, de alguma forma, picos de árvores. Quanto maior for a superfície de cada área, mais ela escolherá para o topo do histograma também. Mas vamos nos aprofundar um pouco mais em um momento. Sabemos que o rosto de Kim é de alguma forma a parte do meio, que é a parte que vai colocar em torno de 70%. Se você perceber que você está superexpondo certas áreas muito rapidamente, você pode definir seu rosto em 60% para preservar um pouco de detalhes sobre os destaques. Isso não é realmente uma regra geral aqui sobre o uso do histograma porque cada cenário é diferente. É importante lembrar que você quer ter um bom equilíbrio entre ter seu sujeito exposto corretamente e não ir muito além ou subexposto. Embora às vezes possamos ir um pouco superexpostos, por favor tente evitar isso. superexposição é considerada muito videoish e não fílmica. Se você pode capturar um belo céu azul, você tem uma foto cinematográfica. Bem, vamos dar uma olhada no outro lado do histograma, as sombras. O tiro aqui é extremamente escuro. Só há uma vela que ilumina a cena. Já que a cena está escura, você quer mantê-lo assim. Olhando para o histograma, você notará que esta é quase toda a informação. Isso ocorre porque uma área muito grande neste tiro é escura e apenas um pequeno ponto dá luz. Este exemplo extremo que você deseja subexpor, embora no momento não possamos avançar sob exibição. Muitas vezes parece que algo não está acima ou subexposto, mas o histograma nos dirá o contrário. Use a ferramenta para verificar onde a maioria das informações está e tente expor ao assunto entre 60-70 por cento para um tiro natural. Tente você mesmo, atire em algo no escuro e vá para o local também. Use seu histograma e verifique se suas fotos foram expostas corretamente no computador. 7. /Foco: Temos a parte da exposição fora do caminho agora, que é a maior parte. Você vai notar que tudo vai precisar de alguma prática. Não há nenhum curso que você possa assistir instantaneamente produzir melhor vídeo. Você quer sair e filmar coisas, experimentos com as configurações, assistir suas fotos em um computador e ver onde você pode melhorar. Aprenda com seus próprios erros. Vamos nos concentrar nessa lição agora. Uma das coisas que eu não entendo isso porque as pessoas sempre perguntam sobre o foco automático de uma câmera. Claro que há aplicativos onde o foco automático é muito necessário, mas quando você está falando de cinematografia, você quer ter controle total sobre suas fotos. Focagem automática significa não estar no controle. partir de agora você vai colocar sua lente em seu foco manual. No começo vai ser muito difícil colocar suas fotos em foco. Você vai ficar frustrado se você sempre disparou com foco automático, mas vai valer a pena. Depois de muita prática, você vai se libertar e realmente criar alguns tiros impressionantes, tendo esse controle. Tão rapidamente, algumas práticas são focadas puxando. Você pode decidir a velocidade e a rampa girando essa lente, revelando objetos do foco automático ao foco, ou simplesmente faça fotos criativas e o filme focagem completamente automática. Então vamos mergulhar nessas práticas muito mais profundamente quando vamos falar sobre cinematografia, mas você pode pensar, então como eu coloco minhas fotos em foco? Bem, há três opções que podem ajudá-lo com isso. Às vezes, é até mesmo uma combinação dessas três opções para obter seu ponto de foco, mas isso depende do projeto e de suas necessidades. Primeiro é o zoom digital, e eu tenho certeza de que qualquer câmera DSLR tipo tem essa opção. Em um GH 5 eu fui capaz de definir isso como uma chave de função. O que ele vai fazer é ampliar digitalmente uma parte de um tiro. Isso faz com que você veja melhor os detalhes em uma tela pequena, ajudando-o a se concentrar. Esta é provavelmente a opção mais importante. Eu usá-lo muitas vezes e algumas câmeras como o Canon 5D ainda tem um botão dedicado para ele. Se você tem uma câmera DSLR mais recente, as chances são que ela também vem com uma opção chamada pico. Basta ver os menus e ver se o seu tem isso. O que vamos fazer é olhar para o contraste e definir se é nítido ou não. Você pode vê-lo como o foco automático fará. Mas com o pico, não se concentrará para você, mas apenas diga se é ou não afiado. Ele irá dizer-lhe destacando as áreas de foco. Desta forma, você pode ver instantaneamente se é afiado ou não. Aviso, porém, foco falando nem sempre é algo para confiar, definitivamente em tiros muito largos, mas isso é algo que você pode descobrir experimentando. Eu não uso o pico de foco tanto, porque eu uso a opção número 3, e isso é um monitor externo. Você não precisa ter isso, mas é um item de luxo agradável que torna a filmagem de uma tag mais fácil. Quase qualquer câmera DSLR vem com uma porta HDMI na qual você pode conectar um monitor LCD de cinco polegadas ou sete polegadas. Agora existem muitas marcas e modelos diferentes de US $50 a US $3.000. No entanto, é importante não ser ovelhas sobre isso. Se você quiser procurar um monitor, procure algo que tenha pelo menos uma resolução de 1.280 por 720 pixels. Eu estou usando um de pequeno HD, que é um marcas muito populares e eu escolhi especificamente um monitor full HD, que significa que ele tem 1920 por 1080 pixels. A razão pela qual você precisa dessa resolução é para que você possa ver muitos detalhes em um monitor. Quanto mais detalhes você tiver, mais fácil será focar. Mas, novamente, eu gostaria de salientar que você não precisa ter isso. A câmera anterior era um GH 4 e um quebrou a porta HDMI dentro do primeiro mês eu consegui. No entanto, usei essa câmera por quase três anos em muitos projetos que vão de filmes afro a filmes corporativos e até comerciais de TV. Eu tenho um link na descrição desta lição, que irá levá-lo a um de nossos vídeos no YouTube que explicam algumas dicas mais avançadas sobre como obter o seu foco certo. Você não precisa vê-lo para continuar com este curso. No início, é importante que você tenha zoom digital, pico de foco e um monitor externo opcional disponível para obter o foco certo. Em seguida, vá para a sala de estar ou para o quintal e filme sua família. Basta deixá-los fazer o que eles estão fazendo e você tem que se concentrar em seu foco e apenas praticar. 8. O equilíbrio de brancos: Você sabe como definir corretamente sua exposição agora. O foco certo e agora vamos cobrir a configuração menos metal do seu DSLR. Este é o cinturão branco. Uma câmera capta luz, assim como nossos olhos fazem. Se apagarmos a luz, não vemos nada. Agora as luzes vêm em muitas cores e sabores. Aqui temos uma roda de cores, é uma forma que representa todas as cores disponíveis e para exibi-lo para que todas as cores fluam bem umas sobre as outras. Agora, cada cor tem uma cor oposta ou negativa. Por exemplo, aqui temos a laranja de um lado e azul do outro lado. Agora, esta parte da roda de cores é chamada de temperatura de cor. É uma configuração muito importante dentro do nosso DSLR. Se colocarmos esta roda de cores em prática, poderíamos dizer que a iluminação de cor laranja pode ser encontrada à luz de velas, luz de tungstênio, lâmpadas, o pôr do sol, etc. Chamamos isso de iluminação quente. Do outro lado do espectro, podemos encontrar cores azuis iluminadas como um dia nublado, luar, ou depois de um pôr do sol. Estes são chamados de luzes frias. No meio fica branco, que é considerado luz do dia superior, uma bela luz solar alta. Na sua câmera, você encontrará predefinições para este guisado de iluminação. Mas o que eles realmente fazem? Bem, o nome claro diz equilíbrio branco. Ele mudará a temperatura da câmera para que o branco pareça branco puro. Se o equilíbrio de brancos estiver definido errado, as áreas brancas podem parecer muito laranja ou muito azul. Claro, isso influenciará suas fotos inteiras. Agora essas predefinições são boas de ter, mas elas não são realmente precisas. A melhor maneira de definir um balanço de branco é por uma referência ou definindo o valor manualmente. Em suas predefinições, você também encontrará uma opção para usar ou definir o balanço de branco. Algumas câmeras como o Panasonic GH cinco permite que você faça isso em tempo real. Selecione a opção e aponte a câmera para um objeto branco, pressione a tecla set e a câmera ajustará seu balanço de branco de acordo. Importante é que você sempre usa um objeto branco. Se eu definir meu balanço de branco para um papel laranja, a câmera vai pensar que vai precisar adicionar um monte de azul para compensar. Na realidade, o tiro parece muito azul agora, é claro. Para alguns DSLR, é um pouco mais complicado definir seu equilíbrio de branco assim. Muitas vezes é necessário tirar uma foto com objeto branco primeiro. Em seguida, carregaremos essa imagem devido à configuração do balanço de branco para medições. Então, uma maneira de definir seu balanço de branco é fazê-lo manualmente. Novamente, nem todos os DSLR suportam isso, mas essa opção permite que você defina o valor Kelvin. Quanto menor for esse valor, mais azul seus tiros parecerão e quanto maior esse número, mais quente ele ficará. Para uma luz pura e neutra. Você quer escolher algo em cerca de 5.600 interior, iluminação de tungstênio em 3.200 e um dia nublado em cerca de 6.500. Aqui é importante que você tenha um bom monitor para que você possa ver o que acontece e como as cores se parecem ao mudar o Kelvin. Se você estava segurando seu DSLR neste momento, então tentou definir o Kelvin você mesmo, olhar para as áreas brancas de um tiro e tentar torná-los branco puro. Você deseja alterar seu equilíbrio de brancos sempre que as situações mudam. Se você está filmando dentro com iluminação de tungstênio, você definir seu Kelvin para 3.200 em algum lugar. Se você sair, mudará para 5.600. Agora, essas falhas são muito relativas. Se você tem uma luz de tungstênio em uma janela grande, você pode escolher algo no meio, como 4.800. Mas, assim como com o foco automático, você não quer usar o balanço de branco automático. Suas cores cancelarão as mudanças. Se você está filmando uma cena, você quer que tudo seja igual. Se você quiser deixá-la mais quente ou dar algum outro tom, então faça isso e pós-produção, é chamado de gradação de cores. Você só pode fazer isso com uma cor neutra ou bom equilíbrio de branco. Corrigir o equilíbrio de branco na edição não é tão fácil. Ao contrário das imagens de rock, as informações de um vídeo DSLR são incorporadas. Vamos concluir. Para cada situação de aprendizagem, você quer fazer um balanço de branco. Isso significa mudar a temperatura da cor da câmera para que o branco pareça branco puro. Não use o balanço de branco automático e tente evitar as predefinições que nem sempre são precisas. A melhor maneira de fazer um balanço de brancos é medindo um ponto branco ou definindo o valor Kelvin você mesmo. Este foi o último controle manual de sua câmera DSLR. Temos um pequeno teste agora para testar suas habilidades. Certifique-se de experimentar todas as funções desta conversa para que você possa se familiarizar com elas. Não vamos mais falar sobre a funcionalidade básica. Vamos intensificar o jogo agora e falar sobre a cinematografia real. Isso é para o próximo capítulo. Muito obrigado por assistir. 9. Quiz 2 — funções da câmera: 10. Regra de três: Bem-vindo ao segundo capítulo deste curso. Agora é hora de chegar à essência da narrativa visual. O material que fará com que seus vídeos pareçam profissionais, e que começa com enquadramento ou composição. Isso significa saber onde colocar os diferentes elementos, ou o assunto em um tiro. Aqui vemos Kim em três molduras diferentes. Qual deles devemos ir? Mas o mais importante, por que devemos escolher um enquadramento em vez do outro? Como com tudo, primeiro precisamos entender o básico antes de podermos pintar fora da tela, e, esses conceitos básicos se resumem à regra dos terços. Você provavelmente já viu isso antes. É este raster que muitas vezes você pode sobrepor em uma câmera de vídeo, seu smartphone ou alguns DSLRs. Este raster definitivamente ajuda no início, mas eventualmente você verá que você pode enquadrar corretamente sem este raster. Este raster irá ajudá-lo a enquadrar sob regra de terços, ele tem seu nome porque o tiro é dividido em três partes, horizontal e verticalmente. Por exemplo, aqui temos Kim olhando para longe. Atualmente, ela não está bem posicionada como ela senta no meio do quadro. Mas vamos enquadrá-la agora na linha vertical direita. Isso parece mais atraente e natural. Aqui temos uma imagem de paisagem. Não há realmente um assunto agora, mas vemos o horizonte, que podemos colocar em uma das linhas horizontais. uma vez, parece muito mais equilibrado como reenquadramento sob a regra dos terços. Aqui está outro exemplo dessa mesma paisagem, mas agora vemos algumas árvores também. Podemos alinhar o horizonte na linha horizontal inferior, e as árvores na linha vertical esquerda. Vejamos mais um exemplo. Temos um close-up de uma flor. Novamente, estamos olhando para coisas para as quais queremos chamar a atenção, e alinhar isso a um desses comprimentos. Muitas vezes, você também pode usar as interseções quando você tem um objeto pequeno. Nesta foto, temos uma vela em uma mesa branca. Há muito espaço ao redor da vela, e às vezes não é tão fácil enquadrá-la corretamente. Claro, não há nada de errado em ter a vela no meio. Mas também podemos colocar esta vela na linha horizontal e vertical, tornando o tiro muito mais interessante. Aqui é onde sua criatividade entra, use este raster para alinhar o máximo possível. Temos um monte de coisas aqui nessas fotos. Veja onde as linhas se cruzam cada vez sobre algo que é um assunto. Parece mais equilibrado e atraente para os olhos que mesmo quando nós moldaríamos o tiro assim, onde nenhum dos elementos estão nessas linhas. Vamos pintar um pouco fora da tela agora temos uma vela aqui novamente, e eu estou emoldurando no fundo. Metade da vela é até mesmo corte e você pode pensar que não está emoldurada corretamente, mas ainda assim, parece funcionar de uma forma estranha. Isso é porque eu usei a regra dos terços. Vamos sobrepor o raster. Veja como a faixa horizontal inferior se alinha com a parte superior da vela. Fazendo isso, ainda traz aquela harmonia. Agora, ao fazer um ombro ou apenas ter algo em primeiro plano, você também quer ter certeza de que este objeto fica em um desses lados, e que ele apenas toca a linha vertical. Porque estamos usando isso como um objeto de primeiro plano. Você não quer colocar muita atenção nisso. Se você alinhá-lo na linha, então nós diríamos que o primeiro plano é muito pesado no tiro. Isso porque agora estamos focados em olhar para ele, porque ele fica nessa linha. Mas o ombro do cara está fora de foco, então não parece certo. É assim que funciona a regra dos terços. Use as linhas do raster para alinhar os objetos aos quais você deseja chamar a atenção. Tente praticar isso um pouco. Olhe ao redor em seu quarto e apenas aponte sua câmera para certos objetos. Você pode até mesmo usar o seu telefone aqui se o seu DSLR está em torno dele pode não ter este raster, basta olhar em torno de uma linha os elementos e talvez tirar uma foto. Você sabe como a regra dos terços funciona agora, você alinha os objetos às linhas, mas a que linha? Quando vejo alguém, devo colocar essa pessoa no lado esquerdo ou direito? Bem, isso é para a próxima lição. 11. Enquadramento: Você provavelmente já ouviu falar sobre os termos tiros longos, tiro médio, e close up antes. Estes são tipos de enquadramento que se encaixam dentro da regra de terços. Agora, essas molduras são o básico e vistas como academicamente corretas. Mas também são usados em TV, cinema, comerciais e qualquer outro frasco de filmes. Um dos maiores problemas que eu vi com meus alunos e meus colegas quando eu estava na escola de cinema, era que eles queriam ser diferentes. Você quer tirar a borda desses molduras e criar algo por si mesmos. Isso é algo que você nunca deve fazer como um iniciante. Sim, cineastas qualificados que não tinham enquadrado pelo livro, mas seria apenas alguns tiros dentro de seu trabalho. Os outros 95 por cento são apenas aquelas molduras padrão. Vamos para os mais importantes. Temos quatro molduras e a primeira é a chance de estabelecer. Este é um tiro que vai dizer onde estamos. Normalmente, vai ser um tiro muito grande. Se houver uma cena acontecendo dentro de uma casa, poderíamos abrir o filme com uma foto de fora e mostrar aquela casa. Esta é uma chance de estabelecer. Em filmes como Star Wars, e um plano de estabelecimento é muitas vezes um planeta inteiro para definir onde estamos. Como você pode ver, o tiro de estabelecimento não é realmente definido, mas em relação à cena, é o gráfico mais largo. Pense na regra dos terços aqui que vimos na lição anterior enquanto se enquadra estabelecendo tiros. O segundo enquadramento é o tiro no escuro. Aqui tem todo o assunto no quadro. Você não está cortando seu desafio fora. Este enquadramento também tem algumas variáveis, como o tiro extremo longo e o tiro médio-longo. Mas no campo, esses nomes não são muito usados. Quando o diretor pede uma foto longa, o cara da câmera sabe qual tiro no escuro ele quer dizer apenas olhando para a cena. Agora vem a resposta à sua pergunta. Onde colocamos o assunto sobre a regra dos terços em um longo prazo? Isso tem a ver com a direção de olhar. É um site onde o seu talento está olhando. Se Kim está olhando para a câmera, não há realmente uma direção de visualização. Podemos escolher qualquer lugar aqui do lado esquerdo ou do lado direito, é mesmo bom para também colocá-la no meio. Mas quando Kim olhar para o lado direito da filmagem, ou eu estou filmando seus sites, precisamos dar a ela algum espaço de visualização. Portanto, irá colocá-la na linha esquerda do raster. Isso dá a Kim mais espaço em seus sites de rosto e vai se sentir mais natural para o espectador também. Se a colocarmos no local oposto, parece que a estamos prendendo. Isso dá uma sensação muito desconfortável. Isso também parece que o lado esquerdo da imagem está agora vazio. Como não está sendo usado, portanto, não é um bom enquadramento. Dar espaço de visualização ao talento é uma coisa. Outro elemento importante é o espaço livre. Este é um espaço acima da cabeça da pessoa. Você não quer enfiar a cabeça do talento na moldura, nem quer cortá-la. Ele age da mesma forma que o espaço de visualização. Você quer dar alguma leitura em torno de [inaudível] que o público não vai se sentir desconfortável quando o [inaudível] está preso. Sempre certifique-se de que você tem um pouco de espaço acima da cabeça do talento, e então há um último espaço para prestar atenção, e que está na parte inferior. Também aqui, você quer ter um pouco de espaço para evitar os mesmos problemas. O que é falado aqui também são os efeitos fantoches, e é algo que você quer evitar. O efeito fantoche ocorre quando seu objeto é emoldurado bem abaixo de seus pés. Parece que ela está andando na moldura. Uma conclusão rápida, dê seus assuntos e espaço dentro de seu quadro. [ inaudível] entender que podemos continuar com os outros quadros. O próximo são os tiros médios. Vamos cortar o assunto e só enquadrar a parte superior do corpo. Assim como antes colocá-la na linha vertical correta e certifique-se de que ela tem algum espaço de cabeça como se algo como um tiro médio, você pode usar as linhas horizontais da regra de terços, para colocar os olhos em. A razão para isso é porque tendemos a olhar para os olhos de um ator ou atriz. Em tiros longos, não fizemos isso, e damos muito espaço para o talento. Você ainda quer equilibrar seu assunto no enquadramento, então é por isso que você normalmente quer começar a enquadrar os olhos na regra dos terços como de um tiro médio. Finalmente, você quer prestar atenção ao efeito de marionete novamente. Já cortamos o assunto, então não podemos colocá-la no fundo da moldura. Onde poderia este efeito fantoche ocorrer em um meio? Bem, desta vez estamos olhando para as articulações. Esses são os ângulos, os joelhos, a pélvis, o pescoço, e até os cotovelos para certos tiros. Você quer cortar depois de enquadrar logo acima ou abaixo dessas juntas. Para uma alternativa do tiro no escuro, você quer cortar o assunto e seu tamanho ou nas pernas da canela. Em um tiro médio que vai estar logo acima da pélvis no estômago. Nunca corte nessas articulações, pois isso criará seu efeito fantoche novamente, e isso é algo realmente importante. Prestar atenção ao espaço em torno do assunto e evitar que efeitos de marionete faz uma grande diferença na aparência de seus tiros e este aqui é um tiro profissional. É algo que se pode ver numa produção sofisticada de Hollywood. Como você pode ver, é tudo ruim. O conhecimento, sabendo como as técnicas funcionam, e usá-los. Pessoal, vamos continuar com o close-up, o último na linha e também vem com algumas alternativas como o close-up médio, também chamado de gráficos do peito porque estamos cortando o peito e para o close-up extremo. Mas novamente, no campo usa dizer tomar um close-up de olhos. A idéia de um closeup é para uma caixa, um quadro intuitivo assunto. Você quer cortar em testas e colocar os olhos na regra dos terços novamente, já que a idéia de um closeup é restringir o assunto e isolar essa pessoa. Podemos, portanto, esquecer o espaço livre. Todas essas coisas como o espaço de visualização, regra de terços, e o efeito fantoche ainda precisa ter atenção na testa e não nas articulações. Tudo o que temos falado agora não se aplica apenas aos humanos. Eu tenho visto assuntos a maior parte do tempo, então todos respeitamos a Kim, mas é assim que precisamos ver nossos elementos em um tiro. Tudo é um assunto, seja uma pessoa, um prédio, uma árvore, uma xícara de café, não importa. Uma vez que você aponta sua câmera para algo, ele se torna um assunto. Tente ver as técnicas de enquadramento em qualquer assunto. Você realmente tem uma xícara de café e um tiro no escuro. Veja como estou prestando atenção ao espaço livre da taça. Evitar o efeito fantoche usando a regra dos terços e até mesmo dando-lhe espaço de visualização. A taça não tem olhos, mas sentimos que a parte de trás do copo é onde a íris é porque a seguramos dessa forma para olhar para a frente do copo e isso está se tornando subjetivo, é claro, e, portanto, a direção de visualização não é sempre tão importante com assuntos como este. Mas quando há um visual melhor como um edifício que tem uma entrada, podemos definitivamente ver isso como o rosto e dar-lhe direção de visualização a partir daí. Pessoal, isso foi um grande pedaço de informação. Talvez anote essas palavras em um papel. Direção de visualização, espaço livre, efeito fantoche e regra de terços. [ inaudível] papel que você agora, e vai filmar algumas coisas no quintal. Tente fazer um tiro determinante, um tiro longo, um tiro médio, e um close up de algo. Uma vez que você tenha feito isso, você pode voltar para dentro e seguir o resto deste curso. Na próxima lição, vamos abordar a posição da câmera que será muito mais fácil do que você sabe como o enquadramento funciona. Muito obrigado por assistir. 12. A posição da câmera: Bem-vindos de volta, rapazes. Espero que você tenha tido um pouco de ar fresco lá fora e também praticou as técnicas durante este curso. É muito importante se toda essa informação for nova para você. É melhor aprender algumas coisas novas, depois praticar isso, voltar e aprender algo mais. Nesta lição, vamos falar sobre a posição da câmera. Temos um mundo tridimensional, o que significa que podemos colocar a câmera em qualquer lugar na superfície, mas também em altura. Você pode colocar sua câmera em algo ou usar um tripé, que você pode mudar em alturas. Mas vamos começar com a superfície plana primeiro. Aqui vemos duas árvores. Podemos colocar a câmera onde ela está agora, mas também podemos movê-la alguns metros mais longe, filmando-a de um ângulo diferente. Duas posições de câmera diferentes e ambas as fotos parecem diferentes também. Se você prestar boa atenção a tudo o que aprendemos anteriormente sobre enquadrar, ambos os tiros são bons. Mas vamos analisar essas fotos por um momento. Qual é a história visual que estamos contando? O que o público sente ao olhar para os dois tiros diferentes. Em um tiro, as árvores ocupam muito do quadro. Eles são muito proeminentes, o que significa que toda a atenção vai para eles. Há muitos detalhes também fazendo o tiro um pouco agitado. Você pode esconder as coisas aqui porque há muito intervalo. Como Kim está caminhando à distância, pode levar um segundo ou mais até que o público perceba isso. As árvores são mais proeminentes que Kim. Ela acaba muito pequena em relação às árvores proeminentes. Embora analisar um tiro como este não seja tão difícil, é algo que você tem que praticar muito. Basta ir e pesquisar imagens no Google e olhar para qualquer tipo de foto que você vê, ou você também pode ir a um museu e apenas olhar para pinturas. Tire algum tempo para pensar sobre a história visual que está sendo contada. Esta é também a razão pela qual você está recebendo artistas que vão para a escola de cinema. Muitas pessoas odeiam, mas é algo super importante, é onde a cinematografia começou. Os princípios utilizados na Idade Média ainda se aplicam hoje. Vamos dar uma olhada na outra chance agora. As mesmas árvores de uma posição diferente da câmera. Tire um momento para analisar esta foto. Veja o que é proeminente ou talvez o que não é. Para onde seu olho é guiado e por que é isso? As árvores estão à direita. Temos um amplo espaço aberto à esquerda. Isto é o oposto do que tínhamos antes. Há menos detalhes, não temos mais nada muito proeminente. Enquanto Kim entra na cena agora, você é instantaneamente atraído por ela. Ela também não está sendo intimidada por outra coisa. Ela tem o espaço ao seu redor livre, fazendo com que ela e o público expire melhor. A moral da história, pense no que sua chance está contando. Se as árvores estiverem muito juntas, mas você gostaria de criar um tom dramático, pegue sua câmera e reposicione-a para espalhar essas árvores. Este é apenas um exemplo, mas há milhares a mais. Não tenho tempo para isso, então vamos dar uma olhada em mais uma. Aqui temos um tiro médio de Kim, e aqui temos outro tiro médio de Kim. Enquanto ela está de pé exatamente no mesmo lugar, eu apenas movo minha câmera para os lados opostos para as outras fotos. Olhe para os fundos. Um deles é muito brilhante e o outro é muito escuro devido às árvores novamente, e acho que não preciso explicar mais. O que dizem as árvores? Está muito escuro. Há sombras, muitos detalhes, então um pouco agitado ou mais dramático. Embora essas árvores também possam ser um edifício ou outra coisa, a idéia é que estamos tendo algo mais escuro com mais detalhes na parte de trás. O outro tiro, é tudo brilhante, branco e aberto, o que é mais positivo e relaxante. Portanto, é super importante pensar em onde você coloca a câmera. A próxima coisa é altura. Em relação ao assunto, existem basicamente três níveis de altura. Você tem ângulo baixo, altura dos olhos e ângulo alto. Alguns deles têm nomes alternativos, como visão panorâmica para o ângulo alto, ou aqui, na Bélgica, dizemos perspectiva de rã a tiros de ângulo baixo. Estes ângulos são sempre relativos aos olhos dos sujeitos ou ao ponto em que o público é atraído. Um tiro de ângulo baixo já está ocorrendo quando você está apenas abaixo dos olhos. Portanto, é muito importante entender o que a diferença de altura faz. Um dos meus trabalhos recentes foi fazer um vídeo promocional para um artista de rua. Muitas vezes eu o filmava de um ângulo baixo. A razão para isso é para que o público pareça olhar para este homem. Faz o artista parecer maior em altura e seu status, que é exatamente a história que eu quero trazer. Ele é um grande artista, que nós admiramos. Durante essa mesma filmagem, eu também o filmaria de um ângulo alto. Isso faz o oposto com ele, nós estamos fazendo ele pequeno e para olhar para baixo sobre ele. Onde temos a obra de arte em primeiro plano enquanto ele está trabalhando nela, está fazendo ele parecer pequeno, oposto à obra de arte. Na ficção, isso é freqüentemente usado para tornar alguém menor em status. O grande chefe de uma empresa geralmente é filmado de baixo e os funcionários de cima, quando eles estão no escritório do chefe. Filmar de baixo ou de cima faz algo para o assunto. Quanto maior for esse ângulo, mais você enfatiza isso, então tenha cuidado com isso. Para fotos naturais, você quer estar no nível dos olhos como estamos agora. Não quero intimidá-lo nem parecer inseguro. É por isso que me coloquei no mesmo nível que você porque estamos fazendo este curso juntos. Para concluir esta lição, analise suas fotos e veja qual é a história visual. Você pode querer pegar sua câmera e reposicioná-la para obter uma perspectiva ou plano de fundo diferente. Use a altura da câmera para definir o status de seus talentos. Quanto maior for esse ângulo, maior será o status. Em algumas ocasiões, você só quer ser um pouco mais alto do que os olhos dos sujeitos. Mas se você quiser estar no mesmo nível do seu público, certifique-se de que a câmera ainda está. Muito obrigado por assistir, e te vejo na próxima lição. 13. Lentes: Nesta lição, eu quero falar sobre as lentes e não tanto qual você deve obter ou qual é melhor. Mas sobre a distância focal, você sabe, aqueles milímetros em uma lente, você pode vê-lo como zoom dentro ou fora. Por exemplo, esta aqui é uma lente de 35 milímetros. Chama-se prevalência porque não pode fazer zoom. Tem apenas uma distância focal, 35 milímetros aqui e lente de 18 a 200 milímetros. É chamada de lente de zoom e tem um alcance de distância focal. De um modo geral, as lentes primárias são consideradas melhores e de qualidade do que as lentes de zoom, mas é tudo muito relativo. Há muitas lentes de zoom lá fora em superação, algumas lentes primárias. Quando se trata de comprar lentes e definitivamente como um iniciante, não começa a lavagem cerebral tubo rapidamente sobre a necessidade de gastar um monte de dinheiro com isso. Desde que você não esteja nos mercados de produção high-end, então não se importe com essas lentes de cinema de 5 mil dólares. Uma lente kit é muitas vezes a melhor maneira de começar. Normalmente, você deseja obter uma nova lente se quiser uma distância focal diferente ou uma abertura mais ampla para obter uma profundidade de campo mais rasa e um desempenho com pouca luz. Vamos falar sobre os distâncias focais novamente. Você tem duas opções ao fazer um tiro médio de alguém. Você pode ficar perto dessa pessoa e diminuir o zoom, ou você pode ficar mais longe e ampliar. Em um tiro falamos de um ângulo branco e o outro, é telefoto ou apenas tele? Mas quando uma lente é branca ou tele? Bem, é comparado com o olho humano. O olho humano fica em algum lugar em torno de 50 milímetros de distância focal. Há discussões sobre isso, é por isso que eu digo cerca de 50 milímetros. Qualquer coisa abaixo que sugere 24 é considerado um grande ângulo e qualquer coisa acima de 50 milímetros é considerado tele. A 50 milímetros não é o mesmo em qualquer câmera e isso tem a ver com o tamanho físico real do sensor. O maior tamanho é chamado full-frame. Câmeras borbulhadoras como o Canon 5D ou o A7S pedregoso têm um sensor de quadro completo. Tais sensores falamos sobre um fator de colheita 1. Isso significa uma multiplicação 50 por 1, que faz 50 milímetros. Mas quando você está usando algo como uma Canon AD ou Nikon 7.200, você tem um sensor de tamanho cortado. Produtos químicos que APSC, são nomes Nikon, é DX. Você também tem variações como APSH, super tele 5, etc Mas o que quer que seja chamado, ele tem um fator de cultura que fica em torno de 1,5. Você pode procurar isso especificamente para suas câmeras. Basta digitar sua mielina da câmera no Google Plus ou fator de corte. Multiplique 1,5 por 50 milímetros e obterá uma lente de 70 milímetros. Para ter uma lente real de 50 milímetros, você precisa colocar uma lente de 35 milímetros, que realmente resultará em uma lente de 55 milímetros, mas um almoço de 33,33 não existe. Então você tem micro quarto terceiro sensores, que eu acredito que são os menores sensores para câmeras DSLR. Estas são câmeras como o JH cinco, black magic buckets câmera cinema, Olympus EM1 amd eles têm um fator de colheita de 2.0. Você precisa dobrar a distância focal real. Existem adaptadores como o aumento da velocidade do osso meta ou que você pode conectar entre o corpo e a lente, o que aumentará opticamente o tamanho do sensor para que você tenha apenas um fator de colheita de, digamos 1,5 em um sensor micro de quatro terços. Mas essa é uma história completamente diferente. Importante saber é o que câmera você tem e quanto é cortado fábricas. Agora que você sabe como isso funciona, eu gostaria de responder a pergunta que levantamos no início desta lição. Devemos retomar e ficar perto de como assuntos ou ampliar e ficar longe de assuntos. Quando ampliamos ou usamos uma distância focal Tilly, então estamos comprimindo tudo e o fundo fica mais fora de foco. Quando estamos perto de Kim com o mesmo enquadramento, o campo de imagem é branco e ele vai capturar uma grande parte do ambiente mais o fundo está mais em foco, comparando-os ao lado do outro também notamos o que faz com a forma do rosto de Kim. O ângulo branco não foi tão lisonjeiro, pois irá distorcer a imagem. Quanto mais branco você fica, maior é a distorção. Até lentes olhar mais lisonjeiro e também algo que é usado mais e fotos de beleza, portanto. Mas além da distorção U, também estamos contando um armazenamento visual aqui. Se você ficar perto do objeto em uma lente grande angular, o visualizador será mais puxado para dentro da cena. Isso muitas vezes usado em filmes de guerra que já quer que o público se sinta sentado ao lado dos soldados nos campos de batalha. Ao se distanciar com a câmera e aumentar o zoom, você também leva o público a uma distância, e isso tem muitos efeitos. Imagine se olhasse algo à distância, uma garota ficaria mais bonita do que se ficasse na sua frente. Você pode olhar para alguém enquanto essa pessoa não sabe que você está olhando para ela. Também é mais relaxante, pois você pode apenas inclinar-se para trás e assistir à distância. Estas são as duas principais diferenças. Vamos dar uma olhada nessa cena por um momento. Começamos com um tiro de tele para criar uma sensação relaxante. Estamos começando a conhecer o personagem, mas como ele viu mudanças e Kim pára, aproximamos o espectador ou enviamos ou eles e sentimos a mesma tensão na foto depois disso, deixamos o personagem novamente. Isso a torna vulnerável como ela parece estar de volta sozinha. Veja como o uso dessa distância focal é muito importante. Em vez de ampliar e reduzir o zoom, pense também em pisar para trás e para a frente. É algo muito divertido para jogar durante uma cena onde você pode cortar duas distâncias focais diferentes. Obrigado por assistir e te vejo na próxima lição. 14. A regra dos 180°: A regra de 180 graus. Quando você vai editar alguns tiros múltiplos juntos, esta regra é super importante. A diversão sobre esta coisa é que você pode até quebrar esta regra por uma razão muito boa. Mas vamos primeiro começar com a compreensão desta regra. Quando estamos em um determinado local, sabemos como ele está lá. Nós temos uma noção do espaço, então depois de filmar alguns clipes lá, nós também temos um senso muito melhor da orientação. Agora o público não estava lá, então eles não têm nenhuma orientação. Quando uma pessoa caminha do lado esquerdo para o lado direito, e o próximo tiro da sua direita para a esquerda, parece que essa pessoa se virou no meio. Mas, na realidade, Kim Miller estava caminhando na mesma direção. Só colocamos a câmera no lado oposto desse caminho. Olhando para este desenho rápido aqui, o sujeito caminha do lado esquerdo para o lado direito no primeiro tiro. Na próxima foto, colocamos a câmera do outro lado da estrada. Agora essa pessoa caminha da direita para a esquerda. Vendo este desenho, não parece que a pessoa está voltando porque temos o senso de orientação. Mas sem este desenho, você não faria e esta é a regra de 180 graus. Escolha um lado na direção em que a pessoa está caminhando, ele nunca cruzou essa linha. Você tem 180 graus de espaço para colocar sua câmera, então é de onde vem a regra de grau. Isso é algo super importante se você não quiser desorientar o espectador. Agora, essa direção de caminhada é o básico, mas sua regra de 180 graus vem com mais freqüência do que você imagina. Aqui temos Kim e meu colega de trabalho gênicos, em pé na frente um do outro. Eles só estão conversando. Normalmente você quer filmar vários tiros como este sobre os ombros ou tê-los ambos em um tiro médio, etc A mesma regra se aplica aos seus dois. Olhe para a direção de visualização dos atores e desenhe uma linha visível entre eles. Escolha um site e não o atravesse. Aqui está um exemplo em que cruzamos essa linha. Veja como a direção de visualização de Kim é a mesma que gênica. Isso deve ser oposto se você ficar na frente um do outro. Vamos levar isto a um nível mais avançado. Temos um close-up de Kim e cortamos para um tiro médio de Kim. Sensível, não estamos fazendo nada de errado aqui. Mas você provavelmente já viu a iluminação mudar também. No primeiro tiro, tínhamos iluminação na parte de trás de Kim e no segundo tiro essa mesma luz mudou de lugar e agora está na parte da frente de Kim. Desta vez não para a câmera, mas a luz cruzou essa linha. Isso cria confusão também, como esperamos a luz da parte de trás. O público pode pensar que Kim se virou. Agora, no começo, eu disse que você poderia quebrar essa regra. É feito muitas vezes, na verdade. A ideia de regra de 180 graus é garantir que o público permaneça orientado. Se quebrarmos, o público fica confuso sobre o espaço e a direção que os atores estão se movendo. Isso é frequentemente usado em cenas de luta para torná-los mais caóticos e realistas. Se o público tem muita orientação, eles podem ver os pequenos erros e talvez a luta desleixada se move. Quando o público está desorientado, eles têm menos tempo para se concentrar nisso e a cena da luta seria muito mais forte. Este é um uso de onde você pode cruzar essa linha. Mas há mais razões. Basta pensar no que é a regra implica e qual o efeito que ela tem sobre o público e ver se você precisa quebrá-la ou não. Obrigado por assistir. 15. Movimento lento: Muitas câmeras DSLR atualmente podem filmar câmera lenta ou em uma taxa de quadros mais alta. Por exemplo, você pode filmar a 60 quadros por segundo, mas eventualmente exportar para 30 quadros por segundo. Isso significa que você pode esticar o vídeo para que você tenha dois quadros disponíveis para cada quadro real. Meu GH5 pode até atirar a 180 quadros por segundo. Isso é um pouco mais de sete vezes mais lento se for exportado para 25 quadros por segundo. De qualquer forma, se sua câmera pode fazer isso, definitivamente brinque com ela. câmera lenta parece ótima, mas também deve ser tratada com cuidado. Vivemos em um mundo onde tudo é tempo real, não em câmera lenta. Parece natural e estamos acostumados a isso. Não há nada de especial nisso. Agora, quando olhamos para algo em câmera lenta, temos mais tempo para olhar para o mesmo clipe. Nossos olhos vão se perguntar e começar a olhar para detalhes. Esta é uma das maiores vantagens da câmera lenta. Quanto maior for sua câmera lenta, mais tempo temos para olhar ao redor. Aqui vemos Janic correndo e pulando sobre essa rocha. Vimos o que acontece. Mas vamos jogar isso agora em câmera lenta, seus olhos têm mais tempo para ver o que realmente está acontecendo e você começa a olhar para outras coisas como como ele se empurrou para cá. Qual é a expressão facial dele enquanto ele paira sobre a rocha, e como ele está pousando. Você recebe muito mais detalhes de uma foto assim. câmera lenta funciona muito bem para fotos de ação como esta, mas nem sempre tem que ser. Também é um dos erros que as pessoas cometem. Você deseja mostrar o detalhe, então você lento mo. Se não, então não vá devagar. Existe um grande movimento ou ação em sua cena ou apenas um personagem parado? Em ambos os cenários, câmera lenta tem grande poder. Aqui vemos Kim olhando para a câmera. Nada de especial acontece. O público percebe Kim como apenas uma pessoa olhando para a lente. Agora, se colocarmos este clipe em câmera lenta, veja o que acontece. Essa emoção de repente se tornou maior. Não que o clipe seja mais longo, mas porque é câmera lenta, tendemos a olhar mais para os detalhes, que neste caso é a emoção. Usamos isso muitas vezes em nossas produções para enfatizar certas emoções ou para atrair o público para o filme. Como você viu, muitos dos clipes vieram de filmes de ação ou vídeos de eventos. Normalmente, essas fotos são de escritório, o que adiciona uma grande dinâmica aos seus projetos, mas isso é para a próxima lição. 16. Importância do B-Roll: A nomeação B-roll vem dos primeiros dias em film-making onde você tinha um filme real em um rolo. O A-roll era a câmera principal e o B-roll era a segunda câmera tirando fotos diferentes da mesma cena. Ao longo do tempo, essa definição evoluiu porque o cinema em geral também mudou para o que chamamos hoje de cinema moderno. Mas o princípio ainda é o mesmo. Digamos que você está fazendo uma entrevista, você tem uma câmera e uma pessoa olhando para essa câmera ou apenas ao lado dela. Esta é a câmera principal e é como sua configuração começa. Em outras palavras, é o seu A-roll. No entanto, não chamamos mais assim. Geralmente é apenas uma câmera principal. Imagine se essa fosse a única chance que você tinha. Uma câmera capturando a entrevista. Este vai ser um vídeo muito chato. É um mesmo quadro, por exemplo, um tiro médio, e é isso. Para o resto, você só pode ouvir essa pessoa e não há mais nada para assistir. Vamos adicionar um segundo ângulo de câmera à entrevista. Esta câmera é chamada de B-roll e geralmente é considerada mais criativa. Neste exemplo, também estou segurando os handhelds da câmera e estou fazendo um enquadramento diferente ao longo da entrevista. O vídeo tem ângulos diferentes agora para os quais podemos cortar. Ele continua dando gatilhos de novas informações para o público, mantendo-os mais interessados. Então podemos concluir que durante uma entrevista, você deve sempre filmar com uma segunda câmera. Mas digamos que você não tenha uma segunda câmera. Bem, aqui está um projeto menor em que trabalhei. Eu só tinha uma câmera disponível, então eu filmei a entrevista inteira de um tiro no escuro e então eu fiz a entrevista novamente com um tiro médio. Não é tão importante que uma pessoa diga exatamente a mesma coisa. Você pode pegar uma citação da primeira entrevista e outra citação da segunda. Mas isso torna a sua cena muito mais orgânica e você provavelmente percebe isso também aqui. Também estamos trabalhando com dois ângulos de câmera, que ali é a câmera principal, e aqui temos o rolo B. Assim, tornar seus vídeos mais dinâmicos é um dos motivos. A segunda razão pela qual você precisa de B-roll é para tornar seus cortes imperceptíveis. Suponha que seu sujeito diz algo errado ou diga algo que você quer cortar depois. Uma vez que estamos cortando essas partes, vemos o vídeo pulando. Estes são chamados de cortes de salto e é algo que eu odeio ver. O YouTube está cheio disso e eu até vejo algumas produções profissionais. Aos meus olhos, mostra preguiça e trabalho muito desleixado. O mínimo que você pode fazer é cortar o vídeo entre eles, para que você possa cortar digitalmente de um tiro longo para um tiro médio. Quando o tamanho do quadro muda, o público não percebe que corta muito. Esta é também a razão pela qual estamos usando esse rolo B. Toda vez que o sujeito diz algo errado, cortamos para o outro ângulo. Mas para ter certeza de que ele não está pulando, você quer ter certeza de que ele é um tamanho de quadro diferente e você quer tirar alguma distância da câmera principal também. Quanto mais diferença de posição entre os dois ou o ângulo, menos os cortes serão perceptíveis. Agora, estamos falando sobre a mesma cena, duas câmeras capturando a mesma coisa. Quer se trate de duas câmeras ou repetindo a cena com uma câmera. Além disso, você também quer encher o material que a pessoa está falando. Acrescenta os mesmos benefícios. Você pode tornar os cortes imperceptíveis, além disso você está visualizando o que a pessoa está falando, e isso realmente torna isso interessante para o público. Você já viu esses exemplos das entrevistas, o que é um pouco mais dinâmico com dois ângulos, mas ainda é apenas uma pessoa falando. Então vamos adicionar fotos da fábrica e das batatas que eles produzem, que é o que eles estão falando, isso faz todo o vídeo ser concluído. Você tem uma entrevista dinâmica, fotos na fábrica, as máquinas com as quais trabalham, a equipe, o estoque, etc. Uma boa dica que posso te dar é atirar o máximo possível B-roll. Você vai notar na edição que você está sempre perdendo algum B-roll, você nunca pode ter o suficiente disso. Então este foi um exemplo bem simples de uma entrevista. Mas se você estiver fazendo algo mais como um vídeo de viagem, por exemplo, então seu ponto de vista da câmera principal é a caminhada. Tente colocar outra coisa lá também, como a área circundante, uma atividade no local, um close up de um rio. Isso não importa. Se você está vlogando a mesma coisa. Não fale o tempo todo através da câmera. Certifica-te de que tens alguma filmagem extra que cobre as coisas de que estás a falar. Agora B-roll é algo que você pode ser muito criativo com. Isso também pode ser como as mãos da pessoa falando. Ou você também pode cortar para fotos subjetivas dessa pessoa se preparando ou pensando durante a entrevista. Neste estúdio, podemos fazer algumas fotos das lâmpadas aqui e talvez, e brincar com elas, isso torna a vista divertida, divertida e muito dinâmica. Então B-roll ajuda com os cortes para torná-los invisíveis para o público. Ele ajuda você a cortar ângulos diferentes ou visualizar mais, tornando-o mais dinâmico e ajuda a contar sua história melhor porque você está visualizando. Às vezes não é tão fácil saber qual rolo B você vai precisar porque é algo que acontece na edição. É assim que você precisa filmar para as edições, e eu vou te mostrar como fazer isso na próxima lição. 17. Filme pensando na edição: Se você está trabalhando em um curta-metragem ou longa-metragem, você provavelmente é metade de uma pequena lista. Você já pensou nas filmagens antes de ir ao cinema, e fez uma lista disso. É muito bom que você faz. Portanto, isso significa que você pode se concentrar agora nessa lista e não pensar nas fotos que você precisará e se concentrar em outras tarefas de produção, como direção, iluminação, som ou logística. Mas para qualquer outro projeto, você provavelmente não tem uma lista. Por exemplo, estou fazendo muitos vídeos de eventos. Um dos meus maiores clientes como uma franquia BMW que organizam eventos com muita frequência. Eu levo esse dia para um vídeo divertido que todos podem assistir nas redes sociais depois. Há definitivamente algumas coisas que eu posso preparar. Posso perguntar à organização o que vai acontecer lá, e o que eles definitivamente querem ser filmados. Mas isso é mais como uma lista de afazeres. Em um evento, as coisas acontecem ao vivo, você vai encontrar coisas que você não sabia, situações podem mudar e até mesmo o cliente pode pedir para você de repente filmar algo novo. É por isso que você precisa pensar sobre como você vai editar o vídeo enquanto você está filmando. Só fazendo isso, você pode saber que tipos de tiros você vai encontrar. A primeira coisa a fazer é pensar no quadro global. Isso significa ter certeza de que você tem uma introdução, um meio e um final. Um certo tiro que abre o vídeo, então você tem suas coisas no meio e, finalmente, uma boa foto do final do vídeo onde você pode fazer transição bem para o logotipo ou algo assim. Você poderia prepará-lo como em frentes, mas você também pode olhar para o que acontece no evento, ou o que quer que aconteça no seu dia se você estiver vlogging ou não importa o que você está fazendo. Você quer ter um começo, meio, fim. Essa é a primeira coisa a ter em mente e já o ajudará a colocar essa imagem global. A próxima coisa a prestar atenção são os pequenos acontecimentos. Por exemplo, você deseja filmar um bar de coquetéis. Agora, antes de fazer isso, primeiro pense nas edições. Como você vai editar essa cena? Como quer que pareça? Talvez você queira abrir com um tiro no escuro, em seguida, ir para um close-up do copo que está sendo preenchido e, finalmente, um tiro médio do copo que está sendo dado a um convidado. Você visualiza isso primeiro e depois começa a filmar. Este é realmente o básico de fotografar para as edições. Se você entrar em uma sala onde algo está acontecendo, a primeira coisa que você faz como operador de câmera é olhar ao redor e filmar essa cena em diferentes fotos, memorizá-la, visualizá-la, e então filmar o que é necessário. Vamos levar isto a um próximo nível. Eu não quero sobrecarregá-lo com informações porque é preciso muita prática e experiência primeiro. Normalmente, se você obter os conceitos básicos de filmagem para as edições, você vai achar que técnicas mais avançadas você mesmo. Uma dessas técnicas avançadas são transições de cena. Isso não tem nada a ver com edição, mas puramente com a câmera. Se você está filmando uma cena em particular, como você vai fazer a transição dessa cena para a próxima? Há muitas maneiras de fazer isso. Em uma festa, você poderia filmar direto para as luzes, criando essa luz explodindo em sua lente. Nesse flash, você pode cortar para a próxima cena. Você também pode fazer coisas como toalhetes. Se você limpar no final do primeiro tiro e, em seguida, iniciar o próximo tiro com o mesmo apagamento, você pode conectá-los apenas colocando esses dois clipes ao lado do outro e você tem uma boa transição. Fizemos um vídeo inteiro sobre isso também no YouTube. Você pode encontrar o link para ele a partir da descrição das lições para ele. Mas uma transição também pode ser muito simples, como ir de um close-up, ou um tiro médio para um tiro longo muito branco repentino. Ter essa grande mudança no tamanho do quadro funciona como uma transição agradável entre as duas cenas. Você também tem coisas como transições walk-through onde alguém caminha na frente da sua lente, medida que escurece, você pode então cortar para a próxima cena, e continua assim. Mas há coisas que você precisa pensar durante as filmagens. Então pessoal, comecem com a imagem global primeiro e pensem em uma abertura, meio e final, depois dividam cenas individuais em diferentes cenas antes de começarem a filmar essa cena. Se você quiser levá-lo para o próximo nível, tente pensar sobre como você vai fazer a transição de cena para cena. Esta foi a última lição do capítulo e você realmente passou por todos os conceitos básicos agora. Você sabe como sua câmera funciona e como fazer a foto perfeita em um assunto. O que eu quero que você faça agora é fazer uma lista das diferentes lições deste capítulo. Essa é a regra dos terços. Enquadramento, posição da câmera, lentes, regra de 180 graus, câmera lenta , mesa e filmagem para as edições. Agora encontrar um bom projeto que você pode filmar, talvez seja como seus filhos brincando, sair com seus amigos no parque, ou apenas pedir a alguém para fazer algo simples como fazer um café. Importante é que você tem um assunto real ou um determinado evento que você pode tirar vários tiros fora. Enquanto você está filmando, vá devagar e veja essa lista para verificar se você está fazendo tudo certo. Faça isso primeiro e depois volte para um pequeno teste, que virá logo após esta lição. Se você notar que você cometeu muitos erros, o que é perfeitamente normal, então tente voltar a assistir algumas das lições novamente. Algo que você sempre tem que ter em mente é que a arte de fazer cinema requer prática. Leva anos de prática, e você está recebendo um monte de informações deste curso. Então a chave é praticar e nunca desistir. Obrigado por assistir e boa sorte com seu pequeno projeto de filme agora. 18. Quiz 3 — a linguagem de vídeo: 19. Introdução ao movimento da câmera: Bem-vindos de volta, pessoal. Espero que tenha tido uma boa prática e tenha feito boa pontuação no teste. Talvez você esteja assistindo este curso em uma greve. Bem, isso também é bom. Posso imaginar que se você está sentado confortável em um sofá agora, que você não quer se levantar para filmar coisas. Mas é importante que você pratique durante este curso. Se você optar por assistir todo o curso primeiro, tente assistir novamente algumas das lições depois de algum treino. Vamos intensificar o jogo e falar sobre o movimento da câmera. Existem tantas ferramentas para fazer sua câmera se mover. Há guindastes, dolly, cam estável, sliders, gimbals, acampamentos de arame, etc Esta lista apenas continua continuando. Então também temos as coisas convenientes como um tripé ou apenas segurando as mãos da câmera. Cada ferramenta fará com que a câmera se mova de forma diferente. Isso é o que você precisa entender. Por que você deve escolher entre um controle deslizante, portátil ou um tripé. Nas próximas lições, vamos falar sobre essas três categorias. Tripés para controle de movimentos. Eu acredito que você deve aprender a fazer isso primeiro. Em seguida, de mão, que tem muito mais nele do que a maioria das pessoas pensa. Finalmente, movimentos de câmera em geral. E ter que olhar para dois dispositivos populares, o controle deslizante e o cardan, que ambos cobrem já muitos movimentos possíveis. Se você não tem um controle deslizante ou cardan, então não se preocupe. É sempre algo que você pode obter no futuro se quiser. Você também tem que olhar para seus projetos, o trabalho que você está fazendo. É definitivamente interessante saber a história por trás dos movimentos da câmera independentemente, se você tem o equipamento adequado ou não. O que eu aconselho é primeiro pegar um tripé. É o suporte de câmera mais básico e usado. Então vamos para a próxima lição e ver por que você deve usar um tripé ou não. 20. O tripé: Acho que todos sabemos o que é um tripé. Três pernas e uma cabeça. Em cima dessa cabeça você coloca sua câmera. É a ferramenta mais básica para obter um tiro estável e é exatamente para isso que um tripé é feito, para obter um tiro estável. Um tiro estável neutro em um tripé parece profissional. A razão para isso é porque os tiros de mão exigem alguma técnica e você precisa se concentrar em seus movimentos de mão. Quando você não está focado nisso, é melhor usar um tripé. Um tripé significa controle. É muito natural e age um pouco como confiança. Com as cabeças podemos fazer um movimento de pan, que está balançando sua câmera da esquerda para a direita. Ou podemos fazer um movimento de inclinação, estamos balançando a câmera para cima e para baixo. Nós também podemos combinar esses dois movimentos e ir de um canto de cima para baixo. Esses movimentos exigem uma cabeça fluida em seu tripé. Basicamente, existem três tipos de tripés. Você tem os tripés de plástico baratos que não têm cabeças fluidas e você quer evitá-los. Depois, há tripés de fotos RD ou tripés de vídeo semi, que são definitivamente um bom começo. Apenas preste atenção que diz cabeça fluida. Então você tem os tripés profissionais com cabeças de tigela, mas aqueles vão lhe dar o melhor desempenho e têm toneladas de ótimas opções para equilibrar sua câmera ou em diferentes níveis de atrito. Se você está começando e você está com um orçamento apertado, então eu recomendo começar com um tripé de vídeo semi-profissional. Mais tarde, você notará que um segundo ou mesmo um terceiro tripé é útil. É por isso que não recomendo o melhor tripé para começar. É uma introdução rápida aos tripés. Não quero me concentrar muito nisso. Apenas certifique-se de que diz cabeça fluida se você quiser comprar um e você vai ficar bem. Basta fazer alguma pesquisa no Google para descobrir quais são os melhores tripés para o seu orçamento. Como eu disse antes, um tripé mostra estabilidade em seus tiros. Acrescenta um tom de confiança, neutralidade, estar, no controle sobre a situação. Isso vale para o seu movimento também. Se você estava seguindo alguém com uma caneta, é muito fácil manter essa pessoa na regra dos terços com alguma prática. O mesmo vale para fotos de produtos. Faça uma pequena banda sobre a sua para adicionar mais profundidade ao tiro. Entraremos nisso em um momento, mas é muito controlado, muito neutro e mostra que profissionalismo novamente. Melhores movimentos de inclinação também precisam ser praticados. Você quer tentar começar, gentilmente, fazer um movimento constante e parar lentamente. Uma ótima maneira de praticar isso é pendurando três por três papéis em uma parede e numerá-los de 1-9. Em seguida, dobre, incline ou faça ambos de número para número. Para se desafiar um pouco, você pode pedir a outra pessoa para ligar para números e você precisa tentar agir rápido. Agora, se você filmar um filme de ação onde esses movimentos de envergadura ou inclinação podem ser muito mais rápidos, nós continuamos a ser essa lança de controle e isso reflete sobre os assuntos. Alguém com alto status que está ganhando a luta, esse personagem tem controle sobre uma situação e podemos refletir isso filmando em um tripé. Isto é basicamente o que um tripé representa. Anteriormente eu estava falando de profundidade, e eu também mencionei isso no início deste curso. A essência da cinematografia é criar profundidade. Aqui está a razão. Vivemos em um mundo tridimensional. Isso significa que há profundidade ao nosso redor, mas no vídeo é plano. Você está assistindo um vídeo em uma tela plana. Esta é também a razão pela qual eles inventaram filmes 3D. Para criar a ilusão de profundidade. Na lição sobre a abertura da lente, falamos um pouco sobre como um fundo desfocado adiciona mais profundidade à cena, pois criará uma diferença em primeiro plano e planos de fundo. Agora, ao fazer um movimento panorâmico, você fará com que seus objetos de primeiro plano se movam mais rápido do que os objetos de fundo. Isso cria essa sensação de profundidade quando se trata de movimentos da câmera. Essa é uma das grandes razões pelas quais você deve sempre adicionar movimento aos seus tiros. Para criar profundidade, que novamente é a essência da cinematografia. A partir de agora, darei exemplos claros sobre como criar tal profundidade em cada uma das lições seguintes, porque a profundidade pode ser criada de milhares de maneiras. É feito qual movimento de câmera, iluminação, design de som, composições, direção de arte, gradação de cores , efeitos visuais, esses óculos 3D, etc Um bom cineasta vai tentar criar o máximo de profundidade que puder. Claro, não podemos levar todos os elementos. É esse processo criativo de combinar diferentes elementos juntos para criar profundidade que é tão interessante. Embora, como eu disse antes, ele vai muito fundo e você já vai precisar de anos de experiência para realmente dominar isso. Vamos dar algumas das essências neste curso para você começar. Tudo bem. A próxima lição é tudo sobre movimentos de mãos para fora. Então, vejo vocês lá. 21. O movimento no modo portátil: Handheld é o oposto do que um tripé representa, você obtém imagens instáveis e instáveis. No entanto, existem múltiplas variações de movimentos de mão que todos têm seu próprio significado. Vamos começar com o suave movimento de mão. A idéia é realmente tentar obter um tiro estável sem um tripé. Você quer procurar uma boa maneira de segurar sua câmera apertada. Coisas como colocar os cotovelos contra o peito funciona muito bem ou inclinando-se contra uma parede ou árvore. Agora, como você vai apertar esse botão de gravação, você quer prestar atenção na sua respiração. Você pode prender a respiração para reduzir o movimento, ou respirar suavemente para dentro e para fora, e empurrar a câmera em sua respiração. Sua respiração controla a velocidade dos movimentos da câmera. Este é um movimento portátil muito relaxante, mas tira essa vantagem do tiro do tripé. Quando feito corretamente, ele definitivamente adiciona um pouco mais dinâmico, mas nem sempre é tão conveniente. Se você estiver usando uma lente longa ou lente tele, sobre a qual já falamos anteriormente, é mais difícil manter seu vídeo estável. Isso funciona melhor em lentes de grande ângulo, onde você percebe que o movimento menos. Coisas como estabilizações de lentes ou em civilizações de sensores de câmera como o GH5 tem, também funciona muito bem para essas fotos. Novamente, a razão pela qual você quer ir para um tiro portátil é para criar mais profundidade em seus tiros. Um aspecto importante aqui é procurar objetos de primeiro plano, e isso pode literalmente ser qualquer coisa. Aqui temos Kim sem um objeto de primeiro plano, e aqui está Kim com um objeto de primeiro plano. Muito simples, mas cria mais profundidade. Você pode procurar objetos que tenham algo a ver com assuntos como esta latas de tinta spray aqui que temos com o artista nos fundos, ou algo vago que fica na frente da lente. Tenha cuidado, porém, usando estes em ficção. Ele também cria um ponto de vista tiro de alguém que parece muito sorrateiro para outra pessoa por causa de movimentos de mão e vagos primeiros planos. Mas para coisas como filmagem de produtos , vídeos de eventos, etc., é definitivamente uma ótima maneira de adicionar detalhes e profundidade às suas fotos. O movimento portátil não é tão controlado quanto barras listradas. Acrescenta um pouco mais de tensão. Ele reflete sobre o personagem que eles não são super estáveis eles mesmos. É por isso que muitas vezes você vê movimentos maiores durante uma cena dramática onde alguém foi preso ou durante um filme de guerra, e o cara da câmera caminha com os soldados na batalha. Esses personagens não estão mais no controle. Sua situação não é estável, e você pode enfatizar isso com o movimento de dispositivos portáteis. Mas muito importante é que saibas o que estás a fazer. Não comece a girar sua câmera. Mesmo com movimentos maiores, você ainda quer se mover suavemente. Se você vai agitar com a câmera, então parece que é filmado por um amador, turistas desastres ou algo assim. Esses tremores repentinos: tente evitar isso. Se você quiser obter um caos handhelds movimentos, em seguida, tente bombear para cima e para baixo apenas uma vez. Olhe para os movimentos neste exemplo. É bastante agitado, o que é incrível para filmes de ação e tal, mas é controlado. Aqui está um exemplo de movimento portátil que não é controlado. Muito típico, você verá aquela filmagem trêmula onde a câmera sobe e desce muito rápido e demais. Um último exemplo de ligar seus movimentos à tensão da cena é este aqui. Vemos boxe Genic. São movimentos pesados. Mas quando ele de repente pára para descansar, o movimento da câmera também vai para um descanso. É muito importante que você faça isso. Tente adicionar primeiro plano durante tiros portáteis para obter um pouco de movimento entre os diferentes objetos e preste muita atenção ao seu movimento. Certifique-se de que é controlado que você não está agitando a câmera, e que você se adapta à cena. Uma coisa que eu não recomendo para iniciantes é andar com uma câmera, definitivamente não é fácil, mas algo que pode ajudar com isso são gimbals, e vamos chegar a isso na próxima lição. Obrigado por assistir. 22. O controle deslizante e estabilizador: Nesta última lição deste capítulo, vamos falar sobre o resto dos movimentos da câmera. Agora, não podemos falar sobre tudo porque isso exigiria um novo curso. Além disso, eu disse isso no início, que é importante focar apenas em você e sua câmera como iniciante. Mas é importante notar o que está tudo lá fora e qual é o significado por trás de certos movimentos. Nesta última categoria, podemos encontrar todos os tipos de equipamentos que nos permitem mover a câmera no espaço, mas muito controlada. Então você pode vê-lo como um tripé e handheld em um. Estas são coisas como guindastes ou mini jibs que são mais adequados para nós fabricantes de filmes DSLR. Câmeras constantes ou estabilizadores tipo glidecam, gimbals motorizados, que são até muito populares entre os usuários móveis para vídeos amadores. Conjuntos deslizantes vêm em todos os tipos de formas e acessórios, o que permite que sua câmera deslize sobre um trilho e essa lista continua. Tenho certeza que já ouviu falar dessas coisas antes. Vamos dar uma olhada mais de perto neste controle deslizante. É um trilho no qual você pode deslizar da esquerda para a direita ou da parte de trás para a frente. Com alguma criatividade, você pode realmente fazer alguns movimentos incríveis com ele. Mas novamente, é controlado e define o mesmo tom para a cena. Um slide lateral normal cria muita profundidade. Novamente, você deseja procurar esses objetos em primeiro plano. Também revela muito espaço. Este também é um ótimo exemplo ao usar uma lente grande angular onde tudo está em foco. Não podemos criar essa profundidade com um fundo embaçado. Usando um controle deslizante, estamos criando profundidade de uma maneira diferente. Vamos dar uma olhada em gimbals agora, como eles são tão populares. Estes são feitos de motores diferentes que irão garantir que a câmera é estável. Você pode correr por aí com um cardan e ter um bom tiro fluente. Há um pouco mais de movimento nele como um controle deslizante, como estamos indo para os lados, para cima e para baixo. Tem mais um toque de mão para ele. É menos controlado do que um controle deslizante. Se você deseja ter a mesma liberdade que um cardan, mas mais controle, você vai ter que olhar para guindastes ou jibs. Então gimbals são frequentemente usados para seguir alguém. Você pode tipo de deslizar através do espaço. Ele tem mais do que estar em status de controle para ele. Porque é colocado assim, é um movimento muito legal. Você também tem toda a liberdade com um cardan. Quase qualquer movimento é possível. Aqui estão alguns movimentos comuns. Você pode fazer uma pista em um assunto. Desta forma, você está isolando o assunto, focando mais nos talentos. Você também pode fazer uma faixa para sair do assunto. Por exemplo, quando uma personagem está com o coração partido devido à perda de algo, ou ela está perdida no meio do nada e se sente sozinha. Ao rastrear, o público deixa o personagem enfatizando essa emoção. Outros movimentos legais estão correndo em torno de alguém. Isso funciona muito bem em lentes tele, bem como faz com que os fundos se movam rapidamente. Você não pode usar isso durante uma realização do personagem pois ele está isolando o personagem enormemente de uma forma muito dramática. Mas, independentemente do movimento que você está fazendo, sempre tente procurar por objetos em primeiro plano, nos planos de fundo ou ao lado. Enquanto você está fazendo seus movimentos, você quer trazer movimento nos elementos do espaço 3D que você está capturando. Comece praticando em um tripé. Pendure esses nove pedaços de papel na parede e gire e incline de número para número. Em seguida, experimente várias fotos de mão diferentes. Comece com movimentos suaves e, em seguida, movimentos portáteis maiores. Se você tem um controle deslizante ou cardan, tenho certeza de que você já jogou com ele. Mas o que você pode fazer a seguir é pensar sobre o que seu movimento está dizendo primeiro. Está deixando o personagem ou se aproximando? Seu movimento é rápido ou lento? Mas lembre-se sempre, a chave para o movimento da câmera é criar profundidade. Esta lição segue com um pequeno questionário para verificar se você está prestando atenção. No próximo e último capítulo, vamos dar uma olhada na luz. Vou mostrar-lhes o princípio básico da iluminação e como isso se aplica a qualquer ambiente. Se você está configurando luzes extras ou não. Muito obrigado por assistir e boa sorte com o teste. 23. Quiz 4 — movimento da câmera: 24. Introdução à iluminação: Bem-vindos de volta, pessoal. Até agora, você aprendeu como sua câmera funciona, como fazer fotos de aparência profissional e como adicionar grande dinâmica a ela com movimentos de câmera. Você está quase pronto para começar o seu projeto de filme porque há mais uma coisa que não podemos ignorar e que são luzes. Se desligar as luzes, está escuro. Uma tela preta. Você pode imaginar como a luz é importante, certo? Há duas coisas que vemos ao analisar a luz, que é a própria luz e a sombra que ela cria, como vocês podem ver aqui no meu rosto também. Muitas vezes, é negligenciado, mas sombras são tão importantes quanto a luz. Lembre-se de que estamos tentando criar profundidade em nossas fotos. Bem, a iluminação pode ser o elemento mais importante para criar profundidade. Se você desenhasse um cubo 3D, colocasse um lápis, o que você faria para torná-lo o mais real possível? Exactamente. Você iria desenhar em diferentes intensidades de sombra sobre ele. Se você desenhar uma bola, você vai obter este gradiente de sombra sobre ela para torná-la como um real objetos redondos. Sombras são o essencial para definir a textura ou profundidade de um objeto e é por isso que você deve prestar atenção onde você coloca essas sombras em seus tiros. As seguintes lições não serão específicas sobre como configurar a iluminação, mas vou explicar-lhe como funciona a iluminação para um vídeo. Uma vez que você entenda isso, você também saberia como lidar com satélites ou onde posicionar seu sujeito em uma sala que tem iluminação casual. Como se você tivesse a opção de se mover ou decolar para luzes, colocar velas ou fechar as cortinas, então você saberá o que fazer para criar mais profundidade cinematográfica em suas fotos. 25. A iluminação de 3 pontos: A iluminação de três pontos é um principal que define o essencial da criação de profundidades. Vamos usar algumas luzes de filme reais para explicar isso, mas você notará que é uma técnica que pode ser aplicada a qualquer objeto que dê luz. Estas são janelas, uma televisão, luzes decorativas, velas e assim por diante. Como o nome diz, a iluminação de três pontos existe em três fontes de luz. O primeiro é chamado de luzes de enchimento. O objetivo da luz de preenchimento é preencher a sala e o assunto para uma iluminação global. Agora, como eu mencionei antes, sombras são muito importantes, é o que cria profundidade. profundidade colocará essa luz no local do sujeito, para que não possa criar uma sombra sobre o rosto de Kim. Agora muito importante para uma luz de preenchimento é que ele não é muito intenso. Idealmente, você quer ter uma luz suave, algo muito gentil que cria uma sombra suave, iluminando toda a sala, então é por isso que estou colocando um filtro suave na frente das luzes, que não prestam muita atenção para o equipamento que está sendo usado. Basta lembrar muito grande luzes globais suaves. Próxima luz é chamada de luz chave. Fica do outro lado do rosto de Kim e funcionará como luzes mais artísticas. Você pode usar um ponto difícil, se quiser, mas geralmente os rostos são literalmente um software luzes. Uma coisa é certa que a luz da chave será mais intensa. Se uma luz de chave e uma luz de preenchimento forem iguais, você não terá essas sombras que trocam profundidade. Vamos colocar um lugar maior e mais intenso para as luzes principais. Agora, você verá que temos uma bela degradação sobre o rosto de Kim. Seu lado esquerdo é mais iluminado do que o site de direitos criando profundidades. Então a luz final e terceira é a luz de fundo, que é as luzes mais poderosas para criar profundidade. Se você tiver apenas uma luz disponível, use-a como uma luz de fundo. Mas vamos nos aprofundar muito na próxima lição. A luz de fundo fica na parte de trás do assunto, e sempre no lado oposto das luzes da chave, e vai brilhar na parte de trás do assunto, criando este belo halo, como você também pode ver aqui no estúdio. Uma vez que a luz principal é a iluminação frontal mais brilhante, queremos ter certeza de que a luz de fundo brilha no local das luzes de preenchimento, cria mais contraste e profundidades mais visuais. A luz de fundo pode ser uma luz muito dura e intensa, então não precisamos suavizar isso. Ter uma luz quente na parte de trás cria uma bela auréola em torno do assunto, fazendo-os sair. Esta é a iluminação de três pontos, e contém o essencial do que é a luz. Lembre-se de que o objetivo é criar sombras e contraste entre diferentes fontes de luz. Vamos trabalhar mais sobre este princípio na próxima lição e usar fontes de luz durante todo o dia como o sol quando essas luzes decorativas, etc, para criar mais profundidade em nossas fotos. 26. Luz natural: A configuração de iluminação de três pontos contém muitas práticas, mas nem sempre precisamos das três luzes. Você pode escolher perfeitamente apenas uma luz de fundo ou apenas uma luz de chave, e muitas vezes a luz de preenchimento já está lá. Por exemplo, me dê de pé em nossa sala de estar, através das janelas, venha slides. Então, há nossas luzes de enchimento. Vou adicionar uma luz chave no lado do rosto dela para criar algum contraste sobre ela. Esta é agora uma configuração de iluminação de dois pontos, que também é perfeitamente possível, que a posição da luz chave é muito importante. Isso tem a ver com a direção de visualização dos talentos. Já falamos sobre isso antes. Quando o talento olhar para o lado esquerdo, vamos posicionar as luzes da chave no lado esquerdo também. Isto irá certificar-se de que a luz chave funciona um pouco como uma luz de fundo, que eu mencionei antes, é uma posição de iluminação muito poderosa para criar profundidade. Se a luz ficar do outro lado, ela se espalhará como o sujeito. Com qualquer tipo de fonte de luz, você sempre quis estar na parte de trás do assunto, mesmo que seja apenas por um grau muito ligeiro. Kim aqui está olhando para fora de uma janela. Quando eu estiver tirando uma foto frontal disso, vou pedir-lhe para colocar um pouco de lado para que a luz da janela salte para o lado dela e que eu possa filmar de seus locais de sombra. Este é um princípio super importante e vamos mergulhar um pouco mais fundo nisso na última lição. Mas primeiro vou falar sobre a luz solar, provavelmente a fonte de luz mais usada por todos. A luz solar é uma fonte de luz e brilha sobre o ambiente, como o solo. Este ambiente reflete a luz que agora atua como uma segunda fonte de luz. Isto vai ser as luzes de enchimento. Observe que a luz solar pode funcionar como a luz de fundo ou a luz chave, mas como a luz solar é tão intensa, geralmente a colocará como a luz de fundo. Ele também cria uma auréola muito agradável novamente em torno do assunto. Às vezes, essa luz de fundo é tão intensa que precisamos criar uma luz chave. A maneira mais fácil de fazer isso é refletindo a luz do sol. Você pode usar refletores profissionais ou apenas uma placa de espuma branca do depósito doméstico. Qualquer coisa que tenha fatos de entrada de superfície branca, as luzes funcionam. Como vimos na lição anterior, queremos a luz de fundo no lado oposto da luz da chave. Neste exemplo, irá refletir a luz do sol no lado esquerdo de Kim. Como a luz de fundo está vindo de seu ombro direito de nossa perspectiva. Como você pode ver, você pode pegar os princípios da iluminação de três pontos e aplicá-los a qualquer situação. Você pode até mesmo ir com uma configuração de luz de dois pontos, onde você só tem uma luz de fundo ou luz de chave. Importante lembrar sempre, é que você está criando sombras com sua luz chave e um bom halos com a luz de fundo. 27. Iluminação prática: Em uma iluminação especial, podemos encontrar muitas fontes de luz. Ao fazer configurações mais avançadas, isso vai fazer muito mais sentido. Mas eu já gosto de lhe dar algumas coisas básicas sobre isso. Estamos falando de iluminação prática. No início, isso não tem nada a ver com a configuração de iluminação de três pontos, mas não pode ter influência sobre ele. Luzes práticas são fontes de luz que são visíveis em seu tiro, como essas lâmpadas aqui ao meu redor. São luzes práticas. Ter uma fonte de luz em suas fotos cria uma profundidade enorme novamente, porque você tem uma mancha que cria mais exposição do que a envolvente. Esta lâmpada aqui é mais brilhante do que seus fundos. É uma luz de fundo que não brilha diretamente em seus assuntos. Aqui está outro exemplo de um vídeo que fizemos para bit premium, um de nossos patrocinadores no YouTube. Reparem como temos aquela fonte de luz nos fundos. Ele só traz a cena inteira à medida que quebra aquela sombra plana nos fundos. Mas dê-me suas sentadas em uma mesa, e há apenas algumas luzes de enchimento do candeeiro acima dela. Para tornar a cena mais interessante, acenderemos as luzes práticas atrás dela. Agora é importante que você tenha práticas que façam sentido. Se você estiver filmando em uma sala de estar, certifique-se de que você tem uma fonte de luz no fundo que se encaixa dentro de uma cena, como uma postura de deflação [inaudível]. Se você está fazendo uma entrevista em uma fábrica industrial, então você pode adicionar uma luz vermelha de alarme nos fundos. Você está tornando a luminária visível em sua foto para que ela se encaixe em nossa cena. Uma rápida conclusão deste capítulo. Os princípios de uma configuração de iluminação de três pontos é criar sombras. Você quer ter suas luzes vindo de um site e criar uma alta baixa, colocando uma luz de fundo mais difícil na parte de trás. Use este princípio em situações cotidianas, janelas, luz solar, velas, etc, todos funcionam como fonte de luz. Tente posicioná-los para o seu assunto para que eles possam caber dentro deste princípio de iluminação de três pontos. A dívida é criada por ter suas luzes vindo de trás, mesmo que seja um ângulo curto, que significa colocar seu assunto em primeiro lugar e, em seguida, a luz chave. A iluminação frontal é considerada apartamentos. Por fim, tente experimentar com práticas. Estas são luzes que são apenas visíveis no seu tiro. Se você tivesse um pequeno teste pop vindo agora para testar seu conhecimento e depois disso uma conclusão final e um conselho de vida. Muito obrigado por assistir e boa sorte. 28. Quiz 5 — luz para vídeo: 29. Conclusão: Então aqui estamos nós, rapazes. O último e último vídeo deste curso. Em primeiro lugar, parabéns por completar o seu. Também é incrível que você ainda esteja aqui para assistir a este vídeo de conclusão. Isso significa que você está realmente dedicado a chegar ao próximo nível de produção de filmes. Para todos vai precisar de prática. Não espere ficar melhor de repente depois de apenas um curso. Você vai precisar de meses de prática agora. Felizmente, você tem este curso, para que você saiba o que praticar. Você definitivamente deu um grande salto em frente. É assim que eu gostaria de terminar o curso, com três palavras que se voltaram para mim e para um cineasta, e para um empreendedor, e para um YouTuber em tempo integral e para alguém capaz empregar e trabalhar em projetos cinematográficos para grandes reivindicações. Nunca desista. Isso é um segredo para este curso e para a vida. Você tem acesso vitalício a este curso. Então, por favor, reveja algumas das lições e talvez tudo novamente, pratique todos os diretores. Sinta-se em sua aprender com seus erros e fazer o seu trabalho melhor. Mas nunca desista e quero agradecer muito a vocês por participarem deste curso. Você pode ficar em contato comigo no YouTube, basta assinar o Cinecom ou visitar cinecom.net e você se inscrever em nossa newsletter para receber uma notificação toda vez que enviamos um novo vídeo de dicas e truques. Há sempre uma coisa que dizemos no final dos nossos vídeos. Obrigado por assistir. Por isso, mantenha-se criativo.