Arte digital para colorir: uma abordagem prática

1. Introdução: Olá a todos. Sou Mauricio Perez, ilustrador digital e entusiastas da pintura digital com sede na Cidade do México. Para mim, a teoria das cores e das cores são assuntos fascinantes, mas eles têm uma imensa quantidade de subtópicos para escolher, e pode ser muito fácil se perder em sua complexidade. Você tem cores primárias, cores secundárias, cores terciárias, esquemas de cores, harmonia , temperatura de cor, aberração cromática , a lista continua e se você estiver olhando para ela de uma perspectiva puramente teórica, as coisas podem ficar muito complicadas e realmente frustrantes em pouco tempo, mas não precisa ser assim. Eu decidi fazer essa aula sobre cores porque é um tópico que eu lutei com toda a minha vida. Também porque sei que todo artista que aspira a se tornar um profissional precisa dominar essa habilidade. Se você acabou de colocar as mãos em um tablet de desenho e quiser preencher sua tela digital com arte incríveis e coloridas, mas você não sabe por onde começar, essa é a classe é para você. Se suas peças dependem muito do trabalho de linha e você achar difícil fazer a transição para desenhos e pinturas mais volumétricos, esta aula é para você. Se você gosta de arte gráfica bidimensional, mas está interessado em experimentar uma abordagem mais plástica, essa classe também é para você. Quero manter as coisas divertidas, quero manter as coisas simples e, no final da aula, quero que você tenha um produto acabado, uma ilustração acabada que você possa realmente compartilhar em suas redes sociais mídia. Veja como isso vai funcionar. Primeiro, vou mostrar minhas ferramentas e trabalhador. Você se familiarizará com os pincéis que uso, minhas configurações e como mantenho minhas camadas organizadas. Então vou te ensinar sobre os fundamentos do sombreamento. Vou te mostrar como moldar volumes básicos com algumas das minhas técnicas de sombreamento. Você aprenderá sobre os três blocos de construção de cores: matiz, saturação e brilho, como eles se relacionam com a roda de cores e como eles relacionam dois conceitos principais: valor da cor e temperatura da cor. Depois de passar por esses três tópicos, começaremos um processo passo a passo no qual você aprenderá a aplicar cores locais ao seu personagem, como pegar a fonte de luz, adicionar algumas sombras , alguns efeitos de iluminação e toques finais para concluir seu projeto, que será uma versão 3D da sua cabeça de personagens 2D favorita. Eu criei esta classe para ajudá-lo em sua própria jornada de exploração de cores e tornar a teoria das cores um pouco mais agradável e muito mais palatável. Não vamos perder mais tempo. Vamos chegar a ele. 2. Ferramentas: [MÚSICA] Ok, todos. Pensei ter feito um pequeno vídeo de introdução para mostrar as ferramentas que usarei durante esta aula. Essas são ferramentas muito simples que vêm por padrão em qualquer software de pintura digital. Mesmo que você não esteja usando o Procreate, você não deve ter problemas para acompanhar. Primeiro, abrirei minha biblioteca de pincéis, que é o ícone de pincel na barra de menus superior direita. Vá para o conjunto de pincéis de aerógrafo e selecione um pincel redondo macio. Como você pode ver, é chamado de pincel macio porque produz pontos e linhas com uma borda macia embaçada. Em seguida, vou escolher um pincel duro, que, como o próprio nome, também implica produz pontos e linhas de borda nítidas e duras. Falando em linhas, o Procreate tem um recurso muito legal. Se você desenhar uma linha e segurar a ponta do dedo ou do lápis Apple para baixo, ela criará uma linha perfeitamente reta. Antes de levantar o dedo, você pode alterar o comprimento e a direção da sua linha. Algo semelhante acontece quando você desenha uma linha curva. Se você segurar o dedo ou o lápis Apple, ele permitirá que você altere o tamanho e a orientação da curva. Depois de levantar o dedo, você poderá continuar modificando ainda mais suas linhas pressionando o botão Editar forma. Se você desenhar um círculo como forma e segurar o dedo para baixo, ele criará uma elipse. Se você pressionar e segurar com outro dedo, ele criará um círculo perfeito. Algo semelhante acontece quando você desenha um retângulo e mantém o dedo para baixo. Exceto desta vez, se você pressionar e segurar com outro dedo, você criará um quadrado perfeito. By the way, se eu tocar e segurar a ferramenta de seleção de cores no canto superior direito, arraste a cor com o dedo e levante o dedo em cima do meu retângulo, posso preencher toda a forma com cor. Passando para nossa próxima ferramenta, a ferramenta de borrar. Esta é uma ferramenta muito poderosa que permite esfregar o pigmento ao redor da tela e criar transições suaves e suaves de uma cor para outra. Mas há algumas coisas que devo mencionar. Número 1, como acontece com a biblioteca de pincéis, a biblioteca de ferramentas de manchas permite que você escolha entre qualquer pincel em sua coleção, mas sempre usarei a ferramenta borrar com o pincel macio selecionado. Número 2, eu me certifico de ajustar a opacidade do meu pincel para cerca de 40%. Então comecei a manchar pigmento usando meu dedo ou lápis Apple com toques rápidos e suaves na tela, indo de preto para cinza, depois de cinza para preto, e também com traços verticais até eu obter o gradiente que eu quero. Em seguida, temos a ferramenta de borracha. Se eu usá-lo com o pincel redondo rígido selecionado, você me ajuda a criar bordas nítidas e duras. Nesse caso, está me ajudando a definir as bordas do retângulo que eu havia criado anteriormente. Então, se eu usar a ferramenta borrar, posso desfocar essa borda e até fazer com que ela desapareça em um gradiente. Então eu posso pegar minha borracha novamente e redefinir minha vantagem. Também posso usar minha borracha com um pincel redondo macio selecionado para criar uma borda mais desfocada e mais suave. Em seguida, temos a ferramenta de seleção. Para ativá-lo, pressiono o ícone de seleção no canto superior esquerdo do meu menu. Essa ferramenta me ajuda a selecionar uma seção da minha tela e modificá-la sem alterar o resto da minha peça. Neste exemplo, selecionei uma área da minha tela e a enchi com tinta usando meus pincéis. Também podemos usar a ferramenta de seleção para fazer outras modificações. Desta vez, estou usando-o para selecionar um elemento da minha tela, este ponto preto. Então, ativando a ferramenta de transformação, que é o pequeno ícone de seta ao lado da ferramenta de seleção, posso fazer modificações ainda mais radicais como alterar seu tamanho, movê-lo ou até mesmo distorce-o para mudar completamente sua forma. É sobre isso. Agora estamos prontos para seguir em frente e começar a pintar. Em nossa próxima lição, falaremos sobre luz e sombra. Vejo você lá. [MÚSICA] 3. O painel de cores: [MÚSICA] Para nossa primeira lição, quero mostrar a você a maneira mais fácil e rápida que conheço de sombrear uma forma simples. Mas antes de fazer isso, preciso apresentar nosso amigo, o painel de cores. No lado direito do menu superior, você verá um pequeno círculo que representa a cor ativa. Toque para abrir o painel de cores e, em seguida, toque na guia “Clássico” na parte inferior do pop-over. Em sua versão clássica, o painel de cores nos permite ajustar a saturação e o brilho de uma cor movendo um radical em torno desse campo de cores retangular. Para alterar a tonalidade, devemos usar o primeiro dos controles deslizantes abaixo. Mas espere um minuto. O que significa saturação ou brilho de matiz? Bem, matiz é apenas uma palavra extravagante para cor. Movemos o controle deslizante de matiz para a esquerda e para a direita, e o campo de cor muda de cor. É simples assim. Saturação ou croma refere-se ao brilho e intensidade de uma cor ou matiz. Mova o controle deslizante para a direita e ele se torna mais vibrante e intenso. Mova-o para a esquerda e fica mais lamacento e cinza. Observe como quando manipulamos esse controle deslizante, o radical se move em linha reta da esquerda para a direita dentro do campo de cores. Por fim, o brilho, também conhecido como valor, descreve como é claro ou quão escuro é uma cor ou matiz. Se movermos o controle deslizante para a direita em direção ao branco, nossa tonalidade se tornará mais clara. Se o movermos para a esquerda em direção ao preto, ele se torna mais escuro. Observe que desta vez o radical se move em linha reta de cima para baixo do campo de cores. Por enquanto, vamos mover o controle deslizante de saturação todo o caminho para a esquerda, em direção ao cinza. Ao fazer isso, nosso controle deslizante de matiz se torna irrelevante, já que nossos tons estão totalmente dessaturados, que significa que existem os mais aborrecidos que podem ser. Desta forma, podemos pintar em escala de cinza e focar na própria base de cor, valor ou brilho, seguir na Lição número 3. 4. Valor: [MÚSICA] Durante esta aula, você me verá mudar meus níveis de opacidade o tempo todo. Mas o que reduzir a opacidade de um pincel faz exatamente? Vou te dar um exemplo rápido. Vou pintar com o pincel redondo duro usando esse cinza escuro. Enquanto a opacidade é definida em 100%, posso pintar esse valor exato em um único traçado apenas pressionando com o lápis Apple. Quando eu diminuo a opacidade para 29%, mesmo quando a cor selecionada é a mesma cinza, um único traçado sobreposto sobre si mesmo nunca vai me levar a esse valor, não importa o quanto eu pressione com meu Lápis de maçã. Para tornar meu valor mais escuro, terei que levantar minha caneta e pintar sobre ela. Essa abordagem nos permite construir nossos valores de uma forma muito mais controlada. Para começar a sombrear um objeto, a primeira coisa que devo estabelecer é o valor local ou o tom local desse objeto. Simplesmente colocar o valor local é o valor real de um objeto sem a influência de luz ou sombra. Uma maneira fácil de descobrir o valor local de um objeto é pintando um fundo. Agora tenho que fazer uma pergunta muito simples. Meu objeto é mais claro ou mais escuro que esse plano de fundo? Se eu decidir que é mais leve, vou pintá-lo em um valor mais leve. Se estiver mais escuro, em um valor mais escuro. Faz sentido, uma vez que as coisas não são claras ou escuras dentro e fora de si mesmas, elas são sempre mais escuras ou mais claras do que outras coisas. Agora eu tenho uma forma plana. Para que pareça tridimensional, tenho que apresentar luz e sombra. Para fazer isso, preciso de uma fonte de luz. Vamos imaginar que o sol esteja iluminando a esfera desse ângulo. Agora, uma sorte para nós, artistas é que a luz viaja em linha reta. Para determinar a área de sombra do meu objeto, tudo o que preciso fazer é desenhar duas linhas retas a partir da posição imaginária da minha fonte de luz e obterei esses dois pontos. Agora, tudo o que tenho que fazer é unir esses dois pontos seguindo a forma do meu objeto, como uma linha de latitude em um globo da terra. Qual valor minha sombra deve ser? Isso depende de muitos aspectos, como a textura, material e a refletividade do meu objeto. Ouvi pessoas dizerem que um bom ponto de partida está a meio caminho do preto do seu valor local. Mas acho que pode ser um pouco excessivo. Eu recomendo que você fique um pouco mais escuro do que o seu valor local. Se for muito leve, você sempre pode ficar mais escuro. Mas, como acontece com a mídia tradicional, se você ficar muito escuro, tentar deixar suas sombras mais claras é muito mais difícil. Para adicionar minha sombra, irei ao menu Camadas, criarei uma nova camada e a tornarei uma máscara de recorte. Dessa forma, só posso desenhar na área pintada da camada subjacente. Agora pego meu pincel macio, diminuo sua opacidade, aumento seu tamanho consideravelmente e começo a adicionar minha sombra. Uma nota rápida e muito importante. Enquanto estou pintando em minhas luzes e sombras, não estou colocando minha caneta de dedo para baixo e esfregando-a na tela sem levantá-la. Em vez disso, estou fazendo pequenos traços, mal tocando na minha tela como se eu estivesse desenhando a letra U com o dedo no ar, em um movimento de ida e volta, começando do lado de fora da minha forma e trabalhando maneira de entrar, acumulando lentamente meu valor. Vou fazer uma nova camada e colocá-la debaixo da minha forma. Lembra daquelas duas linhas que desenhei para estabelecer nossa sombra de forma? Bem, agora eu só preciso esticar essas linhas para onde eu acho que a luz está tocando o chão e juntar esses dois novos pontos para criar minha sombra de elenco. Usarei a ferramenta de seleção no lado esquerdo da barra de menus para criar uma elipse. Então, com a ferramenta de transformação, darei a forma que preciso e tocarei meu dedo em qualquer lugar da minha tela. Agora, qual o valor da minha sombra de elenco? Eu uso o seletor de cores tocando e segurando para selecionar o valor do piso. Agora eu deixo um pouco mais escuro e pinto no meu novo valor. Lançar sombra concluída. Vou criar uma nova camada e nomeá-la sombra de oclusão. Eu vou para a minha roda de cores e vou muito abaixo em valor. Eu faço meu pincel um pouco menor e pinto. Este será o valor mais sombrio desta pintura, já que a luz tem mais problemas para chegar lá. Sombras como essas tendem a aparecer onde duas superfícies ou objetos se encontram, como minha esfera e o chão neste caso. Vê como esse tipo de sombra torna minha cena muito mais volumétrica? [MÚSICA] Vamos pintar à nossa luz. Vamos começar com o menos popular deles, luz refletida. Além de viajar em linha reta, luz tem outra propriedade, gosta de saltar muito. Assim que um raio de luz atinge uma superfície, ele salta em um ângulo, perdendo um pouco de sua intensidade, mas preservando o suficiente para clarear as áreas na sombra. Quando pinto minha luz refletida, é imperativo garantir que seu valor seja mais claro que minha sombra formada, mas mais escuro que o meu valor local. Para fazer isso, posso abrir meu painel de cores, escolher o valor da minha sombra, depois meu valor local e escolher um valor entre eles. Ao adicionar luz refletida, criei o valor mais escuro na minha esfera, uma borda ou fronteira que marca onde a luz não é mais bem-vinda, comumente conhecida como terminador. Uma luz apagada, mais duas para ir. Vou criar uma nova camada de máscara de recorte , escolher meu valor local e, desta vez, vou torná-lo um pouco mais leve. Suave e lentamente, adicionarei luz direta. Finalmente, em outra camada, vou pintar um pequeno destaque especular ficando um pouco mais leve em valor. Meu destaque especular deve estar apontando diretamente para minha fonte de luz, a propósito, porque é literalmente um reflexo dessa fonte de luz. Terminamos. Este pequeno exercício prático nos ensinou muito sobre relâmpagos de um objeto e controle de nossos valores. Eles serão muito úteis quando for a hora de retomar nosso projeto de classe. Agora, finalmente introduziremos cores aprendendo algo sobre saturação e matiz. 5. Saturação: [MÚSICA] Na lição anterior, ensinei a manipular o controle deslizante de brilho em nosso painel de cores para obter valores diferentes. Na vida real com pigmentos reais, o equivalente a isso seria misturar tinta preta e branca para obter diferentes tons de cinza. Sempre que subi no campo de cores é como eu adicionei branco à mistura e quando eu desci é como eu adicionei preto a uma mistura. Agora precisamos examinar o que acontece quando adicionamos cor às nossas paletes digitais. Agora você sabe que se movermos o radical até o canto superior esquerdo do campo de cores, obteremos o valor mais leve possível, que é um branco puro. Por outro lado, se o movermos para o canto inferior esquerdo ou direito, obteremos o valor mais escuro possível, um preto puro. Mas se o movermos para o canto superior direito do campo de cores, o que obtemos é uma cor ou matiz pura. Uma cor pura é a versão mais intensa de uma tonalidade, uma cor que não foi contaminada, por assim dizer, com preto ou branco. Quando movemos esse círculo ao redor do campo de cores, o que estamos efetivamente fazendo é adicionar branco ou preto a uma cor. Vamos demonstrar isso de uma forma mais tradicional. Adicionando branco e preto manualmente como faríamos com pigmentos reais. Começarei com esse vermelho puro. Vou provar e adicionar um pouco de branco a ele. Eu tomo meu vermelho com 100% de opacidade e adiciono branco a 50%. Então eu escolho essa amostra e adiciono 50% de branco, amostro e adiciono outros 50%. Faça isso algumas vezes mais até chegar ao branco puro. Agora vamos analisar o que aconteceu com a ajuda do seletor de cores. Se eu escolher minhas amostras coloridas, podemos ver como nosso vermelho puro está se movendo em direção ao branco, perdendo saturação ou intensidade no processo. Agora vamos tentar o mesmo, mas adicionando preto puro desta vez, você notará que nosso vermelho ficou mais baixo em valor, mas não perdeu a saturação. Podemos terminar esta lição dizendo que, ao adicionar preto puro, nossa cor ficou mais baixa em valor, e quando adicionamos branco puro nossa cor perdeu a saturação e ficou mais leve em valor. Mas espere um minuto agora, pensei que você disse que se o pequeno círculo estivesse no topo do campo de cores, esse era o valor mais leve que poderíamos obter. Isso é verdade quando se trabalha em escala de cinza. Se formos para o branco puro e começarmos a saturar esse branco em direção a qualquer matiz, aumentaremos sua intensidade, mas também afetaremos seu valor. Nem todas as cores são saturadas iguais. Quando saturamos um branco em direção a roxo, azul ou vermelho, ele fica mais escuro super rápido. Verde, laranja e especialmente amarelo são flores tardias e é mais difícil para eles ficarem mais escuros em valor. Em outras palavras, quando passamos de um valor mais claro para um valor mais escuro em escala de cinza ou retículo viaja em linha reta do canto superior esquerdo para o canto inferior esquerdo do campo de cores. Mas quando adicionamos cor à mistura, ela viaja em forma de L do canto superior esquerdo para o canto superior direito e depois para o canto inferior direito do campo de cores. Como eu disse antes, vermelho, azul e roxo com saturação total são mais escuros em valor do que amarelo, laranja e verde com saturação total. Tenha isso em mente ao trabalhar da escala de cinza para a cor, porque eles podem realmente estragar seus valores. Isso praticamente cobre a saturação. Vamos passar para a minha parte favorita, o controle deslizante de matiz, ou como eu gosto de chamá-lo, o controle deslizante de temperatura de cor. [MÚSICA] 6. Temperatura das cores: [MÚSICA] Eu sei o que você está pensando. Eu sei que você sabe que estou prestes a falar sobre as cores primárias: vermelho, azul e amarelo. Se você está adivinhando que estou prestes a dizer que se você misturar essas cores juntas, você obtém as três cores secundárias: verde, laranja e roxo, você também estaria correto. Também tenho certeza de que, se você adivinhar isso, então você deve saber que se você continuar combinando primárias e secundárias juntas, você obtém outro tipo de cores chamadas cores terciárias. Mas deixe-me pará-lo ali mesmo, antes de falarmos sobre cores terciárias, eu gostaria de separar essas seis cores aqui em dois grupos diferentes. [MÚSICA] Duas nações diferentes separadas por uma fronteira. Vamos chamar essas duas nações em disputa, cores quentes e cores frias e essas duas nações cada uma tem um governante. Por um lado, há laranja que consideraríamos rei dos aquecedores na roda de cores e, por outro lado, declararemos o azul como a cor mais legal na roda de cores. Isso é apenas uma metáfora a propósito; na vida real, quanto mais quente for uma fonte de luz, mais azul ela fica. [MÚSICA] Olha para cima, são coisas bem legais. Além disso, a temperatura da cor é bastante subjetiva, mas para o propósito desta lição, digamos que nossa cor mais quente seja laranja e nossa cor mais fria seja azul. [MÚSICA] Vamos deixar a política lado por um minuto e continuar misturando cores. Seguirei a mesma metodologia da lição anterior, só que desta vez, em vez de misturar cores com preto e branco, vou misturá-las com as cores adjacentes na roda de cores. Começarei com este verde e adicionarei um pouco de amarelo até mudar de matiz, e depois farei o mesmo, mas com azul. Então vou repetir o mesmo processo com cada cor e falarei com você daqui a pouco. [MÚSICA] Ao misturar cores juntas, criamos caminhos, linhas de comunicação entre cores de ambas as nações. Mesmo quando seus respectivos governantes desejam atrair seus cidadãos para eles e forçá-los a jurar sua fidelidade, as outras cores não podem deixar de falar com seus vizinhos e fazê-lo, alguns deles mudam suas inclinações políticas. Vamos começar com verde novamente. Sabemos que o verde é uma cor fria porque está no lado frio da borda, mas esses verdes que gravitam em direção ao amarelo são mais liberais, mais abertos ao diálogo com o inimigo. Eles abraçam o multiculturalismo e se consideram verdes quentes. Alguns deles são tão radicais que até atravessam a fronteira à procura de asilo político. Por outro lado, os verdes que gravitam em direção ao azul ou mais conservador, eles são leais ao rei, são verdes legais. Até agora, deve ser bastante óbvio para você que cada cor primária e secundária tem duas possíveis inclinações políticas. amarelos que gravitam em direção ao verde são mais frios, e os amarelos que vão para laranja são mais quentes. As laranjas que viajaram em direção ao vermelho são mais quentes do que aquelas que viajam em direção ao amarelo. Blues que vão para o verde são mais frios do que aqueles que vão em direção ao roxo. Em alguns, há aquecimento quente, aquece e frio, e esfria e esfria quente. Mas então, há um terceiro tipo de cores terciárias. Essas cores não se misturam apenas com cores adjacentes no espectro político ou de cores. Essas cores se misturam com as cores do lado oposto da roda de cores e elas o fazem porque simplesmente não entram na política. Eles se consideram neutros. Para eles, todas as cores são criadas iguais e devem viver em um mundo sem fronteiras, em paz e harmonia de cores. Gostaria de falar um pouco mais sobre eles em nossa próxima lição e depois disso, começaremos a trabalhar em nosso projeto de aula. [MÚSICA] 7. Cor e luz: [MÚSICA] Agora sabemos que cada matiz no espectro de cores pode se mover em duas direções diferentes. Dependendo da direção que eles tomam, eles podem ficar mais frios ou mais quentes. Mas como sabemos em que direção uma cor deve se mover quando estamos pintando? A resposta está na fonte de luz. Assim como a cor pode ser mais quente ou mais fria, as fontes de luz também podem ser mais quentes ou mais frias. Nosso primeiro passo quando relâmpago e colorir qualquer cena é estabelecer a temperatura de nossa fonte de luz. Alguns exemplos de fontes de luz quentes incluem luz solar, é claro, uma lâmpada de tungstênio ou uma fogueira, um dia nublado, o luar ou a luz do monitor do computador são alguns exemplos de fontes de luz fria. A cor da luz determinará a direção que suas cores viajarão nas famílias de luz e sombra. Você deve ter ouvido a frase que a luz quente produz sombras frias e, inversamente, luz fria produz sombras quentes. Você se lembra de como eu falei sobre uma borda que separava a luz do escuro no exercício de escala de cinza chamado terminador e que eu também uso analogia de suporte para separar o calor e cores escuras na minha roda de cores? Isso porque essas fronteiras são uma e a mesma. Para ilustrar melhor esse ponto, usarei este retrato de Matisse pintor francês Andre Derain. Espero que você possa ver uma decisão muito consciente do artista de separar claramente suas famílias de luz e sombra usando a temperatura de cor. Eu nem preciso provar essas cores para que você reconheça imediatamente que as cores mais quentes estão voltadas para a luz, que provavelmente é produzida pelo sol. Você também deve sentir que existem contrapartes mais frias. Esses azuis, verdes e roxos estão na sombra. Há uma ideia que tive do Marco Bucci, ele chama isso de princípio do valentão. Estou parafraseando, mas Marco basicamente diz que a luz é como um tirano. Ele quer influenciar todas as cores que toca e torná-las mais parecidas com ela mesma. Na pintura de Derain, você pode ver esse princípio em ação. A luz amarelo-alaranjada do sol é tão avassaladora que domina as cores locais da pele e cachimbo de Matisse e também a grama atrás dele. As cores quentes desta pintura vivem em tirania. Você pode sentir como o amarelo os está contaminando e controlando seu comportamento. Enquanto isso, no lado da sombra, as coisas são muito mais soltas e anárquicas, e as cores frias podem vagar pela roda de cores mais livremente. Na verdade, as coisas podem ficar tão relaxadas que há uma festa muito legal acontecendo no lado sombrio de praticamente qualquer pintura. Uma festa é tão selvagem que pode desafiar nossa percepção da realidade. Vou usar essa outra pintura de Claude Monet para explicar o que quero dizer. Esta pintura também tem luzes quentes e sombras frias. Mas a forma como Monet alcançou esse contraste é menos evidente e mais fascinante que a de Derain. Nesta pintura, as cores mais legais são esses tons purply no fundo. Mas quando eu as escolho, o pequeno círculo no meu painel de cores não os coloca no lado frio da roda de cores, ele os colocou no lado quente. Na verdade, não há tons da família legal nesta pintura. Como ele pode se sentir tão equilibrado e colorido? Então pensei em cores terciárias. Lembro-me de que quando misturamos duas cores opostas, obtemos esses tons neutros de terra. Eu escolhi uma laranja da pintura de Matisse e escolhi um azul escuro porque isso é o oposto na roda de cores e tentei misturá-los juntos. Depois de um tempo, consegui igualar seu valor e alguns minutos depois consegui igualar sua tonalidade. Então ele me atingiu. Quando neutralizamos uma cor misturando-a com sua complementar, também mudamos sua temperatura. Isso significa que neutralizar uma cor quente faz com que ela pareça mais fria e neutralizar uma cor fria faz com que ela pareça mais quente. É por isso que todos os tons da pintura ficaram no lado quente da roda de cores. Esse tom purply legal era de fato uma laranja neutralizada. Parece mais legal porque tem um pouco de azul em seu DNA e porque está cercado por todos aqueles amarelos saturados, laranjas e vermelhos. Na lição 1, eu disse a vocês que um objeto é um escuro mais claro por si só e acontece que as cores também não são frias ou quentes em si mesmas. Tudo depende do contexto em que eles estão. Bem, isso é sobre toda a teoria das cores que eu conheço. Agora chegou a hora de começar a trabalhar em nosso projeto de classe. [MÚSICA] 8. Começar com esboço: [MÚSICA] É hora de esboçar nosso personagem. Começarei meu esboço ativando o guia de desenho no menu Ações, que é a grange no canto superior esquerdo da tela. Em seguida, tocarei em “Editar guia de desenho ” e selecionar a opção “Simetria”. Agora, tudo o que eu desenhar de um lado da minha tela será desenhado do outro lado em tempo real. Isso me permitiria terminar meu esboço na metade do tempo. Quando estou esboçando, tento dividir a figura que quero desenhar em formas básicas primeiro, deixando qualquer detalhe para mais tarde. Eu uso a mesma abordagem para personagens de desenhos animados, bem como para algumas formas mais realistas e orgânicas. Acho que você já deveria ter adivinhado quem é esse personagem. Então deixe-me dar um exemplo do que quero dizer ao dividir um personagem em formas simples. Penso no crânio como uma forma de círculo. Eu faço o mesmo para os olhos e ouvidos. Os lábios superiores são como um futebol esvaziado, e as bochechas também são dois círculos. Estou usando o pincel de hortelã-pimenta incluído por padrão na biblioteca de pincéis. Deixa a marca semelhante a um lápis HB ou 2B, e é na minha opinião, a coisa mais próxima de esboçar com um lápis real. Mas você pode usar qualquer pincel com o qual você se sinta mais confortável, ou pode digitalizar ou tirar uma foto de um esboço que você desenhou tradicionalmente também. Não há realmente uma maneira certa ou errada de fazer isso. Depois de definir minhas formas simples é sobre adicionar detalhes e refinar meu desenho até obter o personagem e a expressão que estou procurando. Esse esboço não precisa ser perfeito, já que não usaremos esse trabalho de linha em nossa ilustração final. Apenas certifique-se de limpar suas linhas para saber exatamente onde estão todos os seus contornos. Não tenha medo de se afastar do design original de um personagem. Aqui estou adicionando algumas presas ao meu design porque quero adicionar um toque pessoal à minha peça. Pode levar algum tempo para se acostumar a desenhar com a opção de simetria ativada. Mas acredite em mim , vale a pena, e é um salva-vidas quando você precisa terminar uma peça com pressa. Aqui estou usando formas simples novamente para desenhar o cabelo dele. Você notará que levo algumas tentativas para acertar. Então meu conselho para você é não tentar pular direto para linhas limpas no início do seu desenho. Linhas limpas são o resultado de muitas camadas de esboço. Faça várias passagens difíceis, diminuindo a opacidade do seu pincel e desenhe linhas soltas até sentir que está pronto para se comprometer com linhas mais duras e escuras. E acabamos. Para a próxima fase, o bloco de cores. 9. Bloco de cores: [MÚSICA] Começaremos nosso processo de coloração fazendo um bloqueio com cores planas, separando e nomeando as maiores formas do nosso assunto em diferentes camadas. [MÚSICA] Começarei criando uma nova camada e colocando-a abaixo do meu esboço. Então vou escolher minha primeira cor local e começar a pintar sem considerar as bordas da minha figura. Lembre-se que na Lição 1, eu disse que seu valor local era o valor de um objeto sem a influência da cor ou da luz? Bem, a mesma ideia se aplica às cores locais ou planas. Eles devem servir como um ponto de partida a partir do qual começaremos a adicionar nossas sombras e luzes. Um bloqueio de cores é essencialmente uma camada de cor que serve como ponto de partida. Cores planas referidas a áreas de cor pintadas em tom e matiz uniformes ou idênticos. [MÚSICA] Quando eu terminar colorir uma área do meu desenho, escolherei minha borracha com o pincel redondo rígido selecionado para criar um contorno agradável e limpo. Também posso definir minha camada de esboço para multiplicar e diminuir sua capacidade de ver o que estou fazendo com mais clareza. [MÚSICA] Existem muitas maneiras fazer um bloqueio de cores dependendo do tipo de software que você está usando. Algumas pessoas preferem a ferramenta Laço, a ferramenta Caneta ou a varinha mágica enquanto usam o photoshop, por exemplo. O mais legal sobre o Procreate é que ele me permite usar esse recurso sobre o qual falei com você na minha introdução, onde se eu pintar uma linha reta ou curva, Procreate com polimento automático e depois deixe-me modificá-lo. Só que desta vez não estou usando para pintar, mas para apagar toda a tinta que não preciso. [MÚSICA] Quando eu terminar de corrigir, abrirei uma nova camada. Desta vez vou colocá-lo acima da minha camada de pele, já que os olhos estão na frente dela. Essa também é a razão pela qual eu não poli essas bordas porque eu sabia que elas ficariam cobertas de tinta. Com o nó auxiliar de desenho ativado, eu desenho um círculo e o Procreate faz metade do trabalho para mim. Então eu toco e segure minha tela com outro dedo para torná-la um círculo perfeito. Então eu toco e arraste do círculo de cores para o interior de um dos meus globos oculares para colori-los. [MÚSICA] Durante esse processo, não estaremos nos concentrando em nenhum detalhe, mas sim em estabelecer as grandes massas de nosso assunto em nossa gama de cores. É muito importante que toda vez que você colorir um novo elemento, faça isso em uma camada diferente. Colocar elementos que são os mais próximos nós em camadas acima de nossa primeira camada e os elementos que estão mais distantes de nós em camadas abaixo de nossa primeira camada. Pode parecer muito trabalho agora, mas confie em mim, isso tornará nossa vida muito mais fácil mais tarde, onde começamos a sombrear nosso personagem. [MÚSICA] Também vou me certificar de incluir o arquivo PSD desta ilustração para que você possa ver como organizo minhas camadas. Este é um processo bastante simples. Não é particularmente difícil, mas pode ser demorado dependendo da complexidade do seu personagem. Então, coloque um pouco de música, solte esses ombros, relaxe e aproveite. [MÚSICA] Escolher as cores certas para uma pintura é um assunto que merece sua própria classe e precisamente por isso que eu acho esse exercício de pintar um personagem de desenho animado é tão útil porque a paleta de cores já está estabelecida. Os personagens de desenhos animados já têm cores muito distintas atribuídas a eles, que podemos usar como cores planas para nossa ilustração. A propósito, você provavelmente notou que estou escolhendo minhas cores locais de uma paleta. Eu o criei tocando na guia de paletas no painel de cores, depois grampeei o sinal de mais no canto superior direito e selecionei novo das fotos. Então eu carreguei uma captura de tela do meu personagem que salvei no rolo da minha câmera e foi isso, eu tinha minha paleta. Mas você não precisa necessariamente usar esse método. Você pode escolher suas cores planas seguindo seu intestino. Alterando tons mais frios para tons mais quentes ou vice-versa. Não se sinta limitado ou com medo de experimentar até conseguir algo que pareça bom para você. [MÚSICA] Não se esqueça de ativar a assistência de desenho toda vez que você criar uma nova camada tocando nela e selecionando assistência de desenho no menu de opções. [MÚSICA] Um erro comum ao pintar olhos e dentes é colori-los usando branco puro, mas você precisa lembrar que você precisa ser capaz de obter um valor mais leve para adicionar seu luz direta e destaques nessas áreas. Prefiro usar um cinza claro para os olhos e um amarelo claro para os dentes. Mas, novamente, dê a si mesmo permissão para experimentar diferentes opções até obter algo que pareça certo para você. [MÚSICA] Também é uma boa ideia desativar sua camada de linha vez em quando para verificar se há imperfeições e bordas oscilantes em seus apartamentos. [MÚSICA] Nosso bloqueio de cores está completo e estamos prontos para começar o sombreamento. [MÚSICA] 10. Sombras: [MÚSICA] Agora é hora de adicionar nossas sombras. Para fazer isso, começarei estabelecendo minha fonte de luz e a direção a partir da qual a luz está derramando pelo rosto do meu sujeito. Eu desenhei essas diretrizes azuis para me ajudar a estabelecer onde as áreas de luz e sombra começarão e terminarão, e também para me ajudar a criar sombras de elenco. Neste exemplo, vou sombrear o nariz pintando na minha sombra onde essas duas linhas azuis o tocam. [MÚSICA] Você notará que o vermelho que escolhi para pintar minha sombra está viajando em direção ao roxo ou ficando mais azul. Ao fazer essa escolha, já estabeleci que minha fonte de luz está quente e , portanto, todas as minhas sombras ficarão frias em todo o resto da peça. Tudo o que abordamos nesta classe gira em torno dessa ideia simples. Quando você está aplicando sombras e luzes às cores locais, você está mudando o valor deles tornando-as mais claras ou mais escuras. Mas toda vez que você altera os valores, deve haver uma tonalidade de mudança correspondente em direção a uma versão mais quente ou mais fria da sua cor plana. A direção que suas cores tomam será determinada pela temperatura da sua fonte de luz. Se estiver quente, seus destaques devem estar quentes e suas sombras esfriarem. Se sua fonte de luz estiver fria, suas sombras devem estar mais quentes. [MÚSICA] Agora você me viu usando minhas diretrizes para pintar na sombra lançada pelo nariz do meu personagem. Tanto a técnica quanto o pincel que estou usando durante todo esse processo são os que mostrei na lição sobre valor. Estou usando um pincel macio com uma opacidade muito baixa e estou construindo minhas sombras trabalhando de fora para dentro da minha figura, levantando suavemente meu Apple Pencil após cada golpe. Não se esqueça, você também pode esculpir suas formas de sombra usando a ferramenta borracha. Dica rápida. Ao adicionar minhas sombras, continuo pensando em cada área individual do rosto do meu personagem em termos de formas simples. Estou pensando no crânio, no nariz, nos olhos, na boca, nas bochechas e no queixo, essencialmente em esferas. A única diferença é que alguns deles são mais alongados ou menos perfeitos do que outros. Você pode ver que reduzir seu personagem a formas simples não é útil apenas para esboçá-los, mas também para renderizá-los. Eu te disse na lição número um para evitar ficar muito escuro com suas sombras. Mas parece que não segui meus próprios conselhos na área da boca. Não há problema, tudo o que preciso fazer é tocar na minha camada de máscara de recorte e ajustar opacidade para tornar essas sombras um pouco menos intensas. Tenho certeza de que agora você notou que estou adicionando minhas sombras usando máscaras de recorte. Para usar uma máscara de recorte e procriar, simplesmente crio uma nova camada acima de qualquer camada de cor plana. Toque na minha nova camada e seleciono máscara de recorte no menu Flyout. Quaisquer alterações feitas em uma máscara de recorte serão cortadas na camada diretamente abaixo dela. Você pode colocar quantas máscaras de recorte em cima de seus apartamentos precisar. Eu também poderia usar a opção Alpha Lock no menu Flyout para adicionar minhas luzes e sombras. Mas se eu optar por fazê-lo, todas as mudanças que faço na minha imagem serão permanentes. Gosto de ter a possibilidade de experimentar diferentes temperaturas de cor e excluir quaisquer alterações com as quais não estou satisfeito. Normalmente uso uma máscara de recorte para minhas sombras e outra para minhas luzes, e uma vez que estou feliz com a direção que minha peça está tomando, eu as fundi. Mas isso acontecerá mais adiante na estrada. [MÚSICA] O processo é sempre o mesmo. Para criar uma nova sombra, eu coloro, escolho a cor local de uma área, mudo sua tonalidade, tornando-a um pouco mais fria um pouco de saturação e deixo seu valor mais escuro. [MÚSICA] Lembre-se de trabalhar lenta e progressivamente. Não deixe suas sombras muito escuras muito cedo. É melhor continuar reavaliando e ajustando seus valores à medida que você adiciona mais luzes e sombras à sua imagem. [MÚSICA] Esse é o ponto de usar máscaras de recorte para poder fazer alterações na sua imagem em qualquer etapa do caminho e conforme você considerar necessárias. [MÚSICA] Lembre-se que este é meu primeiro passe de sombra e provavelmente continuarei ajustando meus valores enquanto continuo adicionando detalhes à minha peça. [MÚSICA] Bem, essas sombras de forma estão parecendo muito boas para mim. Acho que eles já adicionaram muito volume ao meu personagem. Com isso em mente, vamos ao próximo passo, sombras de oclusão. [MÚSICA] 11. Sombras de oclusão: [MÚSICA] Sombras de oclusão, também conhecidas como oclusão ambiente ou sombras de contato, são um tipo de sombra que é independente da fonte de luz direcional. Para selecionar a cor da minha oclusão ambiente, simplesmente escolho a cor da sombra do meu formulário e torná-la um pouco menor em valor e aumentar um pouco de saturação. Também não faz mal tornar a tonalidade um pouco mais fria, se desejar. Para pintar as sombras, preciso deixar meu pincel muito menor para criar uma borda dura. Então vou torná-lo um pouco maior para criar uma transição mais suave. Você pode pensar nesse tipo de sombras como os lugares onde duas superfícies se encontram, onde a luz não tem como chegar. Você vai me ver pintando-os onde o nariz encontra a boca, onde os olhos tocam o rosto, nos cantos da boca, no interior de suas orelhas, e em qualquer outro lugar que eu penso onde o nariz encontra a boca, onde os olhos tocam o rosto, nos cantos da boca, no interior de suas orelhas, e em qualquer outro lugar que eu penso a luz teria problemas para entrar. Eu mencionei que a luz teria problemas para entrar nos cantos da boca do meu personagem, o que criará uma sombra sobre meus dentes. Para alcançar esse efeito, agora usarei a ferramenta de seleção. Se eu tocar na opção “Mão livre” na barra de menus na parte inferior da tela, a ferramenta Laço me deixará desenhar livremente sobre a área em que eu quero trabalhar, criando uma linha pontilhada indicando a área que eu selecionei. Quando estou feliz com minha seleção, basta tocar no ponto cinza que apareceu quando comecei a desenhar para fechar minha seleção. Agora posso usar meu pincel macio para pintar na borda da minha seleção, criando efetivamente uma borda dura e minha sombra de elenco. Agora eu só tenho que repetir o mesmo processo do outro lado da boca do meu personagem. Então eu tenho que selecionar meus dentes e escurecer a sombra que eu pintei mais cedo um pouco mais. [MÚSICA] Durante a fase de cores planas, pintei e sombreei meus dentes como uma estrutura sólida. Mas a ferramenta de seleção me permite separar cada dente individual e pintar as sombras de oclusão entre eles de forma rápida e fácil. Eu simplesmente tenho que passar pela borda de um dente e selecionar uma pequena área de um dente adjacente. Então, usando um pincel macio, começo a pintar perto da borda do meu dente para criar a sombra de oclusão. Dessa forma, posso dar a impressão de que seus dentes estão em contato uns com os outros e que eles estão um na frente do outro. Agora eu só tenho que repetir o mesmo processo mais cinco vezes. [MÚSICA] Acho que cobre as sombras de oclusão presentes na boca do meu personagem. Vamos nos mover para o rosto dele. Vou adicionar algumas sombras de oclusão em todas as áreas onde duas superfícies se encontram, como os olhos e sua testa ou suas bochechas e seus olhos, no topo de sua cabeça, onde aquele pedaço de cabelo e seu pele de crânio se encontra. Outro lugar óbvio para adicionar uma sombra de oclusão será o interior de seus ouvidos. Acho que essa parte do processo é quando nossos personagens realmente começam a ganhar vida. Na minha opinião, as sombras de oclusão realmente vendem a ilusão de tridimensionalidade. Como mencionei na lição anterior, adicionar sombras à sua imagem, bem como ajustar o quão claras ou escuras elas devem ser é um processo longo. Normalmente não pinto em minhas luzes e sombras tão ordenadas e metodicamente. Sendo completamente honesto, costumo ir e voltar das sombras à luz e voltar às sombras de uma forma muito mais intuitiva e indisciplinada. Mas por uma questão de clareza, estou tentando manter as coisas o mais ordenadas possível. Basta lembrar que na maioria das vezes você terá que fazer uma segunda ou até uma terceira passagem para obter os valores das de sua forma e suas sombras de oclusão corretas. Ótimo. É isso para nossas sombras de oclusão. No próximo passo, pintando à nossa luz. 12. Luzes: [MÚSICA] Esta é provavelmente a parte mais fácil do processo. Para criar um destaque, vou simplesmente escolher minha cor local e seguir na direção oposta no controle deslizante de matiz em direção a uma tonalidade mais quente. Então diminuirei consideravelmente a saturação. Finalmente, vou aliviar esse valor deslizando o controle deslizante inferior para a direita. Mas lembre-se, tente o seu melhor para não ir ao branco puro. Começarei adicionando luz direta à íris ou pupilas do meu personagem. Isso é praticamente como adicionar luz à esfera que pintamos em escala de cinza no início da aula. Em seguida, vou pintar na luz direta no nariz do meu personagem. Eu me certifico de dessaturar minha cor local e movê-la para uma tonalidade mais quente desta vez. Não exagere, um pouco serve. [MÚSICA] Agora, é hora de adicionar alguns destaques. Esses devem ser os valores mais leves em nossa composição. Vou com um vermelho super claro para o nariz do meu personagem. [MÚSICA] Tente ser sutil com os destaques também. Se você exagerar, seu personagem pode acabar parecendo muito plastificado. [MÚSICA] Também vou colocar um destaque no lábio inferior já que está voltado para a luz também. [MÚSICA] Em seguida, acho que vou adicionar alguma luz direta à língua dele. Mas desta vez, usarei um dos pincéis de textura que vêm por padrão com o Procreate em vez do meu pincel de coisas normal. Depois de alguns experimentos, decidi ir com o pincel de pele antigo na seção de materiais da biblioteca de pincéis, mas você também pode experimentar outros pincéis de textura. [MÚSICA] Para os destaques nos olhos, usarei branco quase puro e um pincel redondo duro. [MÚSICA] Não se esqueça de desligar a opção de simetria ao pintar destaques, já que todos eles devem estar voltados para a fonte de luz. [MÚSICA] Eu acho que para fazer esses destaques estourarem, preciso escurecer o valor das sombras nos globos oculares para criar um pouco mais de contraste. Isso é o que eu quis dizer ao fazer vários passes de sombra. À medida que você avança com sua pintura e continua adicionando detalhes, esse tipo de ajustes se tornará cada vez mais necessário. [MÚSICA] Então, com a ajuda da minha borracha, criarei uma borda mais suave na parte inferior do destaque, apagando-a com um pincel redondo macio com uma opacidade muito baixa. [MÚSICA] Acho que acabamos. Agora, é hora de trabalhar em nosso plano de fundo. [MÚSICA] 13. Backgrund e luz refletida: [MÚSICA] Para trabalhar no meu plano de fundo, gosto de criar uma nova camada e colocá-la abaixo de todas as outras camadas do meu projeto. Agora, é hora de escolher uma cor para o nosso fundo, que nos informará sobre a cor da nossa luz refletida. Adoro como esse rosa neutro parece contra as cores mais vibrantes do meu personagem. Mas desde que lhe dei presas, acho que não se encaixa no humor da peça. Preciso de algo um pouco mais escuro e macabro. Eu decidi ir com um roxo escuro já que meu personagem é amarelo pálido e roxo é complementar. Então vou escolher uma versão mais clara desse roxo e criar um gradiente usando um grande pincel macio. Então eu posso usar o ajuste de desfoque gaussiano para torná-lo ainda mais suave. Agora, vou adicionar algumas luzes refletidas escolhendo uma versão mais leve e mais dessaturada do roxo no fundo porque esse fenômeno é produzido pela luz produzida pela sua fonte de luz saltando do seu plano de fundo. Lembre-se de que esse tipo de luz é menos intenso e visível apenas nas áreas de sombra da sua pintura, então certifique-se de pintá-la suavemente e suavemente usando um pincel macio com uma opacidade muito baixa. Vou adicionar luz refletida em todas as áreas do meu personagem que está voltada para o chão, como a parte inferior do lábio superior, a parte inferior das orelhas, o queixo, a parte inferior do cabelo e a parte inferior do nariz, e também a parte inferior de seus globos oculares e a parte inferior de suas pupilas. Você também deve ter em mente que seu valor deve ser mais leve que o valor da sombra do formulário, mas mais escuro do que seu meio-tom ou valor local. Para ajudá-lo com isso, acho que este é o momento perfeito para introduzir um pequeno hack que pode ajudá-lo a manter seus valores sob controle mesmo quando você está trabalhando diretamente com cores. Isso é o que você precisa fazer. Primeiro, crie uma nova camada e coloque-a acima de todas as outras camadas do seu projeto. No lado direito da sua camada, você verá uma ou mais letras, elas informam qual modo de mesclagem está ativo na sua camada. Por padrão, o modo normal está ativo, mostrado pela letra N. Toque nele para abrir o menu “Blend Modos”. Agora, selecione a opção “Cor” na parte inferior da lista. Agora, pinte toda a sua camada com tinta branca e você tem uma versão em escala de cinza da sua peça. Isso tornará muito mais fácil julgar se seus valores precisam de ajustes. A parte incrível é que, ao usar essa camada com este modo de mesclagem ativado, você obtém duas ilustrações pelo preço de uma, uma em cores e outra em escala de cinza. Adoro como a luz refletida realmente ajuda a vender a verdadeira dimensionalidade do personagem. Esqueci de mencionar que ainda estou criando uma nova máscara de recorte e recortando-as nas minhas camadas de cores locais , mas neste momento, você pode optar por pintar luzes reflexivas em sua sombra camadas ou suas camadas de luz, ou você pode mesclar essas camadas para manter as coisas mais simples e organizadas. Você aprenderá mais sobre isso na próxima lição. Terminamos. Agora, vamos à nossa última lição, onde vamos refinar e adicionar alguns toques finais ao nosso projeto. [MÚSICA] 14. Toques finais: [MÚSICA] Agora vou fazer algo que acho que deveria ter feito antes, que está mesclando minhas camadas. Você pode mesclar uma camada tocando nela, trazendo opções de camada e, em seguida, toque em “Mesclar para baixo”. Aqui estou usando outro método. Estou mesclando vários grupos apertando-os junto com dois dedos. Basta apertar as camadas superior e inferior que você deseja mesclar. Muito melhor. Agora, o que vou fazer é criar um novo grupo de camadas tocando em uma camada e, em seguida, selecionando todas as outras camadas que eu quero agrupar deslizando meu dedo para a direita em cima de cada uma, então eu tocará na opção “Agrupar” no canto direito do painel da camada. Depois de agrupar minhas camadas, deslizarei para a esquerda com um dedo e selecionarei a opção “Duplicar”. Vou tocar na minha nova pasta criada e selecionar “Nivelar”. Agora tenho uma cópia do meu personagem em uma única camada. É hora de adicionar alguns toques finais à nossa pintura para realmente fazê-la aparecer. Começarei adicionando uma textura. Reuni algumas texturas da Internet e as salvei em um arquivo procreate para que eu possa ter acesso fácil a elas. Mas tenho certeza que você pode encontrar muito mais navegando pela Internet. Vou escolher essa textura de livro antigo. Vou pressionar o slide com três dedos na minha tela e um menu aparecerá, depois tocarei em “Copiar”. Então irei para Meu Arquivo, deslizo três dedos para baixo e toco em “Colar”. A textura aparecerá em uma nova camada. Agora eu tenho que ampliá-lo até que ele se encaixe na minha tela usando a Ferramenta Mover. Em seguida, tocarei na camada e escolherá entre a camada diferente mais procreate ou qualquer software de pintura digital oferece. Primeiro tento multiplicar, depois vou rolar para baixo para ver se há algo mais que eu gosto. Estou realmente cavando esse modo de divisão. Isso tornou tudo mais legal. Agora posso ir ao Menu Ajustes e adicionar um pouco de ruído usando o filtro de ruído. Vou tornar mais difícil ou suave deslizar meu dedo para a esquerda e para a direita. Acho que vou adicionar um pouco de sangue nas presas dele criando uma nova camada acima dos meus dentes e brincando com os pincéis na seção de elementos da biblioteca de pincéis. Eu diminuo a opacidade da escova das nuvens e crio algumas manchas de sangue nos dentes dele. Este pincel de nuvens também me permite adicionar um pouco de nevoeiro no fundo que eu acho que irá adicionar um toque agradável à peça. Só preciso criar uma nova camada, colocá-la acima do meu plano de fundo e pintar. Em seguida, pintando na mesma camada, vou escolher um pincel redondo duro com um tamanho bastante pequeno, opacidade de baixa taxa e pintura em uma pequena luz de aro. Acho que o cabelo dele também pode usar algum trabalho. Como você pode ver, quebrei as bordas do cabelo no lado esquerdo da cabeça dele. Eu fiz isso selecionando a escova de cabelo fina na pasta de materiais na biblioteca de escovas. Então eu escolho a amostra de seu cabelo e adicionei alguns fios de cabelo soltos adicionando algumas pinceladas seguindo as linhas curvas das bordas de seu cabelo. Quando você terminar de adicionar detalhes ao seu personagem, tudo o que há a fazer é continuar ajustando seus valores usando a camada de modo de cor que criamos anteriormente até que você esteja satisfeito. Você pode continuar brincando com a vasta gama de filtros e efeitos que seu software digital preferido oferece e com todos os incríveis pincéis de textura que você pode encontrar on-line se você olhar ao redor. Quando estiver satisfeito com o resultado, é hora de salvar seu arquivo e exportá-lo para compartilhá-lo com o mundo. Parabéns. [MÚSICA] 15. Considerações finais: [MÚSICA] Olá a todos. Se você passou por aqui, só resta mais uma coisa a dizer, obrigado. Eu realmente espero que você tenha gostado de assistir a essa aula tanto quanto eu gostei de criá-la. Acredite ou não, durante o longo processo de escrever, filmar e editar essa aula, solidifiquei muitos conceitos que entendi. Fiz esta aula tentando incluir todas as informações teóricas e práticas que eu gostaria de ter quando coloquei minhas mãos em um tablet de desenho e mal arranhei a superfície. Esta classe destina-se a motivá-lo a aprofundar sua compreensão da teoria das cores, estudar os antigos mestres, bem como permitir que você entenda o fluxo de trabalho de muitos artistas contemporâneos que carregam seus vídeos de processo de pintura digital para a web. Lembre-se de que ficar bom em qualquer coisa é tudo sobre esforço e consistência. Não hesite em deixar um comentário ou avaliação da classe, e por favor, não hesite em me seguir para receber mais conteúdo como esse se você gosta desta aula. Mais uma vez, muito obrigado por fazer esta aula, e te vejo na próxima vez. [MÚSICA] 16. Vídeo de bônus: Crítica de projetos de estudantes: Olá a todos e bem-vindos à primeira edição do equipamento de crítica, um espaço dedicado a oferecer alguns comentários sobre os projetos de aula que você envia por meio da minha aula de Skillshare. Colorir arte digital, uma abordagem prática. Até o momento. Ele contará com obras de arte enviadas por Edna. Eu gostaria de começar apontando todas as coisas boas sobre o seu projeto. Primeiro de tudo, ótimo desenho. É impressionante pensar que você nem usou uma caneta, mas sim o mouse do computador para desenhá-la. Então, parabéns para você. Em segundo lugar, parece-me que você tem uma compreensão muito sólida dos princípios de iluminação mais antigos discutidos em sala de aula. Vejo que você usa uma fonte de luz. Eu posso ver a direção na qual a luz está viajando através de nossas sombras projetadas, sombras oclusão e até mesmo alguma luz refletida. Isso me permite saber que você tem uma boa compreensão dos conceitos e ideias discutidos em sala de aula. Em uma base sólida o suficiente para continuar construindo e melhorando por meio da prática. Mas há alguns problemas com sua pintura. Para ilustrá-los melhor, vou aproveitar o truque da camada de cores que mostrei na lição 13. Caso você tenha esquecido, veja como funciona. Você abre o painel Camadas e cria uma nova camada. Toque na letra N para abrir o menu Blend Modes. Em seguida, selecione a opção de cor, preencha toda a camada com tinta branca e você terá uma versão instantânea em tons de cinza do seu projeto. Vou duplicar a camada para poder mostrar as versões antes e depois da minha pintura rápida. O primeiro problema que vejo tem a ver com seus valores. Você pode notar que mesmo quando as cores são diferentes, o valor do plano de fundo é quase o mesmo que o valor que você usa para colorir seu personagem. Na verdade, se você apertar os olhos em algumas partes é difícil ver onde o personagem termina e o fundo começa. Isso é chamado de vantagem perdida e nem sempre é uma coisa ruim. Na verdade, muitos artistas usam essa técnica para aprimorar suas composições, melhorar sua linguagem de formas e direcionar a atenção do espectador. Fazendo com que eles percam o interesse pelas áreas que se misturam com o fundo e apontem os olhos para os pontos focais. Mas, nesse caso, como temos apenas um caractere em um fundo de cor sólida , acho que será melhor ter um contraste mais claro e maior entre o personagem e o plano de fundo. O segundo problema tem a ver com a temperatura da cor. Acho que a diferença temperatura entre as áreas de luz e as áreas sombreadas pode ser um pouco mais enfática ou dramática, como é, as pedras arroxeadas que você costuma os carrinhos coloridos são ambos muito legais. Eu sinto que eles também não têm contraste suficiente. Portanto, temos falta de contraste tanto na temperatura quanto na validade. E posso resolver os dois problemas escolhendo a cor do roxo que você usou nas sombras e tornando-o um pouco mais dessaturado, mais brilhante e mais quente. Também vou colorir o interior da boca dele um pouco escuro para criar um pouco mais de contraste com os dentes amarelos. Agora você me verá colorindo os dentes em um amarelo mais claro para criar um pouco mais de contraste também. Por fim, vamos abordar as áreas mais escuras do personagem, que são o nariz, as orelhas do navegador. Ao usar preto ou qualquer cor próxima a ele, você pode ficar tentado a ser muito conservador quando se trata de pintar à luz do dia. Mas não seja. É tão importante ter uma distinção clara entre luz e sombras nessas áreas quanto quando você usa cores mais claras ou mais vibrantes. E, finalmente, nunca se esqueça de adicionar destaques brilhantes em áreas como as notas. Especialmente se seu personagem for um animal. Cães, gatos, ursos e lobos em criaturas tendem a ter narizes muito úmidos e brilhantes. Mas foque nos olhos, pois eles são o ponto focal definitivo em qualquer pintura de retrato. Agora, quando eu ativar minha camada de tons de cinza, espero que você consiga ver uma distinção clara, um contraste maior entre as partes da luz do personagem Dorian e as que estão na sombra. Está ficando um pouco melhor. Mas acho que podemos obter um contraste ainda maior desta vez alterando a cor de fundo. Vou usar uma versão menos saturada e um pouco mais brilhante desse verde. E o que isso faz é o fundo se afaste, fazendo com que nosso personagem apareça mais próximo e chame a atenção do espectador. Então, para concluir, toda vez que você quiser descobrir se seus valores e temperatura de cor estão funcionando bem. Você pode fazer duas coisas. Ao trabalhar digitalmente. Você pode usar uma camada branca no modo de mesclagem de cores para obter uma versão em tons de cinza da sua pintura que removerá a cor da equação e permitirá que você avalie sua seleção de valor. E se você estiver trabalhando tradicionalmente, pode simplesmente apertar os olhos e ver se as áreas de luz e sombra se distinguem umas das outras em valor e temperatura de cor. Aqui, estou usando a ferramenta de desfoque gaussiano para simular o que acontece quando apertamos os olhos. Se você puder ver a fronteira entre luz e sombra e famílias de cores quentes e frias que discutimos na lição 6.7. Com clareza suficiente, isso provavelmente significa que você precisa ajustar seus valores. E isso é tudo para a dica rápida de hoje. Espero que você ache essas informações úteis e úteis no futuro. Por fim, gostaria de incentivá-lo a publicar sua arte na seção de projetos e recursos da aula. Estou ansioso para ver no que você está trabalhando e ficarei mais do que feliz em criticar sua arte e ajudá-lo a ter sucesso. Além disso, não hesite em deixar uma resenha da aula na seção de resenhas. Pode não parecer muito, mas realmente faz a diferença em termos de tornar essa aula acessível a mais pessoas na plataforma. Muito obrigado pelo seu tempo e nos vemos em breve.