Animação com camadas: introdução ao After Effects (parte 2)

1. Introdução: Bem-vindo à Introdução ao After Effects parte dois. A segunda parte de uma série de quatro partes para apresentar o Adobe After Effects a aspirantes a animadores e designers de movimento com pouca ou nenhuma experiência com o software. Meu nome é Morgan Williams e sou animador e diretor de animação há mais de 25 anos. E eu tenho ensinado animação e design de movimento por quase dez anos na Ringling College of Art and Design Online na School of Motion, e agora aqui em compartilhamento de habilidades. Se você não fez Introdução ao After Effects parte um, você vai querer ter certeza e assistir essa aula primeiro porque nós vamos estar construindo sobre as lições da parte um aqui na parte dois. Esta série é perfeita para designers gráficos ou ilustradores que estão interessados em animação ou design de movimento, e ou ainda não tentou após efeitos ou pode ter tentado e foi adiado por sua complexidade. Introdução ao After Effects é uma pesquisa abrangente dos fundamentos do software, não apenas para olhar para uma ou duas técnicas específicas, para que você possa usar esta ferramenta poderosa e flexível para criar suas próprias animações únicas com confiança. Ao longo da série, ensinarei técnicas e práticas profissionais e tornarei seus fluxos de trabalho inteligentes e eficientes. Além de conectar o que aprendemos sobre o software a princípios e conceitos criativos maiores e animação e design de movimento para oferecer a você uma base sólida, técnica e criativa. Na segunda parte da série, vamos imaginar que estamos criando esse quadro de título para um show de lobisomem conhecido chamado Howl. [ MÚSICA] Ao longo do caminho, vamos aprender como trabalhar com diferentes tipos de camadas e efeitos posteriores, incluindo camadas de vídeo, camadas de imagem, camadas de texto, camadas de ajuste e sólidos. Vamos olhar para adicionar e animar efeitos em camadas. Aprenda um monte de novos comandos de chave e muito mais. Vamos abrir depois dos efeitos e começar. 2. Pasta do projeto: Certifique-se de que você baixou a pasta do projeto e descompactou essa pasta. Então lembre-se de nossa primeira classe na série que dentro da pasta do projeto está o arquivo do projeto, o arquivo.aep. Depois há a pasta de filmagens que contém os ativos que vamos usar no projeto. Agora, só para mergulhar um pouco mais nisso, é importante entender como o After Effects funciona com arquivos de ativos. Quando você importa um ativo ou um pedaço de gravação como o After Effects reverte para ele em um projeto do After Effects, o arquivo não entra no arquivo do projeto. O que acontece em vez disso é que o arquivo de projeto do After Effects cria um link para o arquivo de ativo no localizador de onde quer que ele seja importado. Então, se você tiver um pedaço de filmagem ou um recurso em sua área de trabalho e importá-lo para o arquivo de projeto, ele será vinculado a esse arquivo sentado na área de trabalho. Agora, se você mover esse arquivo ou excluir esse arquivo, ou renomear esse arquivo, After Effects não saberá mais onde esse arquivo está, e quando você abrir esse projeto, você receberá um aviso de gravação ausente e seu projeto não será capaz de reproduzir ou renderizar corretamente. Esse é um conceito muito importante para entender como o After Effects funciona com ativos ou filmagens. Agora, desde que não tenha sido apagado, as filmagens faltantes podem ser religadas clicando duas vezes no arquivo ausente na janela do projeto e encontrando o arquivo no localizador do seu computador. Mas isso é uma perda de tempo e realmente desnecessário se você trabalha de forma mais organizada. Em geral, o processo que você deseja usar para adicionar um ativo a um projeto é copiar esse ativo primeiro em seus ativos ou pasta de gravação na pasta do projeto e, em seguida, importá-lo para o projeto. Em seguida, se você planeja mover seu projeto para outro computador ou compartilhar seu projeto com um colega de trabalho, certifique-se de mover a pasta inteira do projeto com o arquivo de projeto e a pasta de gravação incluída. Se você trabalha dessa forma consistentemente, você nunca terá problemas com arquivos ausentes em seu projeto. Depois de baixar o arquivo zip, descompactá-lo, você pode clicar duas vezes no arquivo aep para abrir o After Effects ou fazer como fizemos na primeira classe, abrir o After Effects, escolher o projeto aberto e escolher este arquivo de projeto. Assim que tiver o After Effects e o arquivo do projeto aberto, lembre-se de que é sempre uma boa ideia, como fizemos na primeira classe da série, fazer um incremento e salvar para garantir que preservamos uma versão deste projeto caso façamos uma bagunça terrível e queiramos recomeçar. Novamente, eu vou subir em arquivo, incrementar e salvar, e vamos fazer um salvamento como avançando automaticamente esse número de versão da versão um para a versão dois. Agora, vamos notar que já fizemos algumas configurações de cores para este projeto que eu quero chamar sua atenção. Se formos para as configurações do projeto de arquivo e vamos para as configurações de cores, você pode ver em primeiro lugar, que definimos a profundidade de bits para as cores em 16 bits por canal, que é acima dos oito bits por canal que ele usa como padrão. Eu recomendo essa configuração neste caso porque estamos começando a usar algumas imagens e efeitos mais sofisticados neste projeto. Também definimos o espaço de trabalho já como sRGB, o que, se você lembrar da primeira classe da série, é uma boa maneira de ajudar a manter suas cores ao renderizar. Suas cores ainda vão mudar quando você renderizar em algum grau, mas definir o espaço de trabalho ajudará a preservar as cores um pouco melhor. Agora, novamente, fizemos essas configurações para este projeto já antes de você baixá-lo. Mas eu recomendo que se você estiver começando um novo projeto para definir suas configurações de cor em 16 bits e sRGB, isso funcionará muito bem para a maioria das situações. Agora eu também quero mencionar uma coisa adicional com nossa janela de composição aqui, agora que estamos começando a trabalhar com projetos mais complexos. Você pode querer alterar as configurações de visualização na janela de composição, especialmente se você não tiver um computador terrivelmente rápido. O que eu recomendo é vir aqui para este pequeno botão aqui com este pequeno relâmpago nesta pequena caixa com um raio e clique no menu pull down e eu recomendo que você escolha rascunho rápido. É uma boa configuração geral para manter as visualizações de RAM e a tela atualizada à medida que você move camadas em execução sem problemas. Para o projeto que vamos criar para esta classe, vamos imaginar que estamos criando o quadro de título para uma sequência de título para um novo programa de TV legal sobre onde os lobos chamados How. Para criar este quadro de título, vamos usar uma combinação de imagens de vídeo, imagens fotográficas e, claro, tipografia. Ao longo do caminho, vamos falar sobre trabalhar com esses diferentes tipos de camadas. Nós também vamos olhar para adicionar efeitos de animação a essas camadas, trabalhar com modos de mesclagem e trabalhar com camadas de ajuste, juntamente com muitas outras coisas boas. Vamos fazer uma prévia de RAM de como o título terminou aqui apenas para ter uma idéia do que vamos criar. Temos uma abordagem divertida de colagem aqui com o vídeo de lapso de tempo das estrelas como o nosso plano de fundo. Esta sobreposição desta fotografia da lua tingida a um vermelho sangrento e, claro, a nossa tipografia para o título. Este deve ser um pouco divertido animação para criar. Vamos mergulhar e começar. 3. Como importar arquivos: A primeira coisa que queremos fazer, é claro, é criar uma nova composição dentro do nosso projeto, criar nosso quadro de título. Então, vamos até a composição do menu suspenso e escolha Nova composição. Observe que também podemos usar as teclas de comando, Comando N. Porque eu estou trabalhando em um Mac, eu vou estar usando comandos de teclas MAC. Se você estiver usando um PC, lembre-se de que quando eu usar a tecla Command, você usará a tecla Control e, quando eu usar a tecla Option, você estará usando a tecla Alt. Caso contrário, todos os outros comandos chave serão basicamente os mesmos. Então vamos em frente e escolher Nova Composição e vamos chamá-la de HowLTITLE. Queremos usar o Preset. O meu já está sendo padrão para isso porque eu o usei anteriormente e os efeitos secundários sempre usarão a Predefinição que você usou antes de abrir a nova janela de composição aqui. Mas verifique novamente se você está usando essa predefinição aqui, HDTV 1080 24, 24 quadros por segundo. Então nós queremos escolher isso e então nós queremos ter certeza de que nossa duração é definida para 10 segundos. Lembre-se que nosso código de tempo aqui é horas, minutos, segundos e quadros. Então queremos 10 na segunda posição aqui. Agora, se você está assistindo essa aula imediatamente após minha primeira aula na série de introdução aos efeitos secundários. Isso será definido em 06 por seis segundos, então você vai querer mudar isso para 10. O meu já está sendo padrão para 10 porque eu criei o HowLTILE concluído inicial. Agora isso também vale para a cor de fundo. Você pode ter a cor roxa que usamos na classe anterior ou alguma outra cor se você escolheu alguma outra cor, provavelmente uma boa idéia para retornar isso ao preto padrão. Então lembre-se de clicar na amostra aqui, você terá seu seletor de cores e basta arrastar isso para baixo para o canto, este canto ou este canto realmente não importa para se dar totalmente preto. Assim que você tiver todas as configurações corretas, vá em frente e clique em “Ok”. Agora, como eu tenho uma versão final do nosso projeto aqui, eu já importei todos esses ativos para o projeto, mas eu tenho cópias da fotografia e do vídeo para que possamos revisar rapidamente o processo de importação. Eu também vou mostrar-lhe na próxima lição um pequeno truque legal para importar. Então vamos começar apenas importando um desses arquivos. Na próxima lição, importaremos o outro e mostrarei esse pequeno truque. Então lembre-se que existem algumas maneiras diferentes de importar. Posso usar o Comando I, que iniciará a Janela de Diálogo de Importação, ou posso clicar duas vezes na área em branco da janela do projeto aqui. Isso não é tão útil uma vez que você tem um grande projeto complicado com muitos e muitos arquivos. Mas desde que o projeto seja relativamente pequeno e você tenha algum espaço em branco aqui, um clique duplo é uma maneira rápida de lançar isso. Outra opção é clicar com o botão direito do mouse e ir para baixo e escolher arquivo de importação. Todas essas coisas iniciarão a mesma caixa de diálogo Importar e você poderá escolher um arquivo para importar. Então vamos em frente e escolher o arquivo de filme Stars Timelapse versão 1 aqui. Nós já temos a versão 00 importada, então vamos importar esta. Então vamos selecionar isso e escolher “Abrir”, e vamos importar esse arquivo. Observe que quando o arquivo é selecionado, você obtém algumas informações sobre ele. A taxa de quadros, a proporção, sua duração, informações de cores, informações de compactação. Dependendo do tipo de arquivo que é, arquivo de imagem aqui nós apenas obter informações de tamanho, informações de cor, você vai obter um conjunto diferente de informações. Agora eu também incluí um arquivo de biblioteca para as duas cores que vamos usar a cor do texto e a cor que vamos matizar a lua. Realmente não é necessário que você use essas cores exatas, mas se você quiser seguir com a classe exatamente, você pode importar este arquivo de biblioteca indo para a janela da biblioteca, clicando no botão Menu aqui, escolhendo Importar biblioteca, você obterá essa pequena caixa de diálogo. Clique em “Selecionar biblioteca” para escolher o local da pasta de gravação. Em seguida, você pode escolher o arquivo da biblioteca AeClass2 e clicar em “Abrir”. Mas novamente, realmente não é necessário neste caso particular, porque é realmente apenas duas cores e você pode apenas brincar e escolher as cores que você quer. Agora, antes de começar a juntar tudo isso, precisamos ainda importar nosso arquivo de imagem da lua, mas também queremos parar e tirar um minuto e organizar nossa janela de projeto um pouco mais. Então vamos dar uma olhada nisso na próxima lição. 4. Janela do projeto: Agora que estamos trabalhando aqui, não se esqueça de salvar muitas vezes. Você pode até querer incrementar e salvar de vez em quando. Só para manter as coisas em movimento nesses vídeos, eu provavelmente vou editar minhas poupas muito tempo. Mas não se esqueça que você está trabalhando cada vez que você faz um par de coisas. Apenas “Command S” para salvar, só por segurança. Eu falei na primeira aula de introdução à aula de efeitos secundários sobre como é importante manter-se organizado quando você está trabalhando. Estamos criando projetos relativamente simples para essas classes, mas projetos pós-efeitos mais avançados podem se complicar muito rapidamente. Manter-se organizado é fundamental e um hábito que você deseja desenvolver no início. Conversamos bastante na primeira classe sobre manter-se organizado em sua janela da linha do tempo, nomeando suas camadas e codificando-as por cores. Mas também queremos nos manter organizados em nossa janela de projeto. Felizmente, after-effects fornece um localizador como estrutura de pasta que torna isso fácil de fazer. Observe que a janela do projeto é de muitas maneiras como um localizador. Você já pode ver que há uma pasta aqui, a pasta de sólidos, e vamos falar mais sobre sólidos e camadas de ajuste mais tarde. Mas você pode ver que há uma camada sólida e de ajuste nessa pasta de sólidos que foi realmente criada por efeitos secundários. After-Effects está automaticamente tentando manter um pouco organizado lá. Mas à medida que importamos arquivos e criamos composições, eles se acumulam nessa janela enquanto os criamos. Mas também podemos criar pastas aqui para manter as coisas um pouco mais organizadas. Há duas maneiras de criar pastas. Eu posso ir até a parte inferior da janela e escolher criar uma nova pasta ali, ou novamente, eu posso clicar com o botão direito do mouse aqui e escolher “Nova pasta”. Vamos chamar essa pasta de áudio. Vamos arrastar nosso arquivo de áudio para aquela pasta. Agora só temos um arquivo de áudio aqui, mas ainda é uma boa idéia criar pastas para os diferentes tipos de recursos e filmagens que você tem que manter as coisas organizadas. Vou clicar e arrastar esse arquivo de áudio para aquela pasta de áudio. Então vamos fazer um para nossos arquivos de vídeo aqui. Vou clicar com o botão direito do mouse na nova pasta e vamos chamar este vídeo. Vamos clicar e arrastar nossos dois arquivos de vídeo para essa pasta. Então vamos fazer uma pasta de imagens e arrastar nossa lua para aquela pasta de imagens. Agora você também pode, se você começar a acumular muitas composições, você pode criar uma pasta ou uma pasta pré-comp. Vamos falar sobre pré-comps em uma próxima aula agora porque só temos alguns, vou deixar aqueles flutuantes livres. Mas imediatamente temos um espaço de trabalho muito mais organizado aqui dentro de nossa janela de projeto. Prometi-te um truque divertido. Ainda não importamos a imagem da lua. Novamente, reconheço que temos uma imagem lunar aqui. Só estou imaginando que estamos construindo isso do zero. Se você criou pastas e seu trabalho dessa maneira organizada. Você pode realmente importar diretamente para essas pastas, o que é muito útil. Vamos importar a outra imagem lunar aqui e queremos que ela vá para a pasta de imagens. Se eu selecionar a pasta de imagens primeiro e, em seguida, pressionar o comando i para importar, eu vou ter o meu diálogo de importação aqui e nós podemos selecionar que moon jpg. Agora eu vou fazer uma pausa só por um momento aqui porque há uma caixa de seleção importante que precisamos desmarcar antes de importarmos isso. Isso é porque temos dois JPGs aqui chamados Moon-V00 e Moon-v01. Esta é uma coisa bastante comum que você pode ter um par de imagens com nomes semelhantes ou números diferentes para eles. Há uma pequena armadilha aqui em que você vai cair se você não for cuidadoso, pode causar alguma confusão real com os usuários de efeitos secundários iniciantes. Veja o que acontece quando eu seleciono Moon Versão 1 jpg. Note que aqui na parte inferior, ele verifica automaticamente esta sequência jpg do importador. O que isso significa é que está lendo esses dois arquivos como uma sequência de imagens. Sequências de imagem são basicamente uma maneira de trazer uma sequência de imagens como um filme, um arquivo de vídeo. Mas não queremos isso. Só queremos uma imagem estática deste jpg. Não vamos conseguir isso se a sequência jpg do importador for verificada. É realmente importante procurar sempre por isso porque dependendo de como você nomeia e organiza seus arquivos, isso às vezes pode ser verificado por padrão porque os efeitos secundários percebem que havia dois arquivos com um número sequência. Adivinhou que queremos que isto seja uma sequência de imagens. É novamente, essa coisa de efeitos secundários, tentando ser inteligente e útil, que muitas vezes é realmente ótimo. Mas às vezes, assim como com a correção automática quando você está enviando mensagens de texto, pode ser irritante. Queremos ter certeza de que uma sequência jpg do importador desmarque. Fique de olho nisso quando você estiver importando imagens, certifique-se de que está marcada a menos que você queira que seja uma sequência de imagens, que significa que ele vai entrar como se fosse um pequeno videoclipe feito de sua sequência de imagens, você pode fazer isso se criar, por exemplo, uma sequência de animação desenhada à mão no Photoshop e depois importá-la para efeitos posteriores. Mas, neste caso, queremos que não seja verificado. Estamos apenas importando uma imagem jpg antiga. Agora vamos em frente e abrir. Você vai notar que porque temos a pasta selecionada antes de clicar em “Command I”, ou fez o menu suspenso. Ele importa automaticamente diretamente para aquela pasta, o que é realmente liso. Agora isso não funcionará com o botão direito do mouse. Isto não vai funcionar. Se você tiver selecionado isso, ele clicará automaticamente fora da pasta. Se você tiver a pasta selecionada, você precisará usar o Comando I ou o menu suspenso Importar arquivo. Eu, é claro, recomendo que você use os comandos chave que você deseja obter o mais confortável com número possível de comandos chave para tornar seu fluxo de trabalho mais profissional e eficiente. Agora que temos nossa janela de projeto toda arrumada e organizada, estamos prontos para começar a construir nosso projeto. 5. Trabalhando com camadas de vídeo: Vamos começar criando nossos antecedentes. Vamos fazer isso com um vídeo de estrelas com lapso de tempo. Vamos abrir a nossa pasta de vídeo aqui na janela do projeto e vamos pegar estrelas time-lapse versão 1. Vamos apenas clicar e arrastar isso direto para baixo e soltá-lo em nossa linha do tempo. Queremos ter certeza de que estamos arrastando isso diretamente para essa área de pilha de camadas, não para a própria linha do tempo, porque isso iria colocá-la de fato onde quer que a coloquemos ao longo da linha do tempo e queremos que ela comece diretamente no quadro 0. Queremos clicar e arrastar isso diretamente para baixo. Imediatamente, vamos nomear esta camada porque este nome é longo e difícil aqui. Mais uma vez, para nos mantermos organizados, apertaremos a tecla “Return” e chamaremos isso de BackgroundStars. Assim que tivermos mais algumas camadas aqui, vamos codificar as cores também. Mesmo que este não seja um projeto muito complicado, é sempre bom manter esses bons hábitos organizacionais. Agora, observe que nosso videoclipe aqui é reproduzido exatamente como esperaríamos. Posso clicar e arrastar no arquivo de vídeo para movê-lo para trás e para frente no tempo na linha do tempo. Eu também posso escolher o ponto de entrada e saída da camada clicando e arrastando sobre as bordas do clipe como este. Há algumas outras opções para editar vídeos com um efeito secundário, mas não vamos mergulhar muito nisso com esta classe em particular. Uma grande ideia a observar sobre o vídeo é que, se você precisa fazer muita edição de vídeo, você realmente quer usar o Adobe Premiere. After Effects não é realmente um bom software de edição de vídeo. Você pode fazer alguma edição de vídeo no After Effects, mas ele não é realmente feito para isso. Uma das principais razões é que cada clipe de vídeo que você traz tem que ocupar uma camada separada. Portanto, você não pode, por exemplo, mas vários clipes de vídeo juntos dentro de uma camada. Então eu sempre digo aos alunos que o After Effects é ótimo em quase tudo, mas uma das coisas que é muito ruim é a edição de vídeo, especialmente a edição de vídeo complexa. Se você precisar fazer uma edição complicada de um vídeo antes de dizer adicionar efeitos ou animação a ele, faça isso no Adobe Premiere e, em seguida, importe essa renderização para o After Effects. Mas não temos que fazer nenhuma edição complicada aqui. Agora, a outra coisa que eu quero que você anote sobre este videoclipe que nós adicionamos à nossa linha do tempo é, notar que ele realmente tem um ponto de ancoragem bem ali no centro. Se eu abrir o separador, há a nossa aba de transformação e há as nossas transformações, todas elas estão disponíveis para nós, todas animadas, tal como as nossas camadas de forma eram. Se você se lembra da primeira classe, Eu disse que quase todas as camadas e After Effects tem essas propriedades disponíveis. Então eu posso escalar e eu posso girar e eu posso fazer qualquer coisa que eu possa fazer com qualquer outra camada com esta camada de vídeo. Mas não vamos fazer nada tão louco com isso. Vamos manter isso bem simples, mas temos um problema aqui que é que nosso videoclipe apenas oito segundos e 11 quadros e precisamos que isso seja 10 segundos aqui para o nosso quadro título. Da mesma forma que o Adobe Premiere, temos a capacidade de alterar o tempo de um clipe de vídeo. O que precisamos fazer aqui é esticar isso de oito segundos para 10 segundos, que diminuirá o vídeo apenas um pouco, mas provavelmente não o suficiente para notar particularmente. Com a camada selecionada, eu vou subir para subir para Camada, Tempo e vamos escolher Estiramento de Tempo. Agora, só para mostrar uma maneira ligeiramente alternativa de fazer isso. Se você não quiser usar o menu suspenso a partir do topo, que é um pouco de tempo extra para subir lá, você também pode simplesmente clicar com o botão direito do mouse na própria “Camada”. Isso é um pouco mais direto e você terá a maioria das opções disponíveis para você que você tem no menu suspenso da camada. Então, clique com o botão direito do mouse em Tempo Este é um pequeno efeito útil aqui que nos permite esticar um clipe no tempo e podemos fazê-lo de um par de maneiras diferentes; podemos fazê-lo com uma porcentagem para que possamos fazê-lo duas vezes mais rápido ou duas vezes mais lento ou meio novamente tão rápido ou meio mais rápido ou metade de novo tão lento ou o que quisermos fazer. Ou podemos simplesmente definir uma nova duração, seja mais curta ou mais longa. Também podemos segurá-lo ou fixá-lo, seja no ponto de Camadas, Quadro atual ou no ponto de saída da camada. Queremos mantê-lo no lugar no ponto de Camada aqui , mas sabemos que precisamos que ele tenha 10 segundos de duração. Então, em vez de tentar resolver isso com uma porcentagem, vamos apenas digitar 10,00 por dez segundos, então vamos clicar em “Ok” e você pode ver que ele estica automaticamente o clipe para exatamente 10 segundos. Se o reproduzirmos aqui com uma prévia de RAM, talvez seja um pouco mais lento do que o clipe original, mas isso funcionará em nossa vantagem, já que estamos tentando criar essa vibração atmosférica assustadora. Agora, você quer ter cuidado com o alongamento do tempo especialmente quando você está esticando um clipe por mais tempo do que é. Se você esticar demais, você vai começar a ver os quadros individuais e vai ficar gaguejado. Mas um pequeno trecho como este realmente não vai ser muito perceptível em tudo. Tornando o clipe mais curto, é claro que vai acelerar e você pode realmente que tanto quanto você quiser. Embora, esteja ciente de que quanto mais você compactá-lo, ele começará a soltar quadros, que você não veja todos os quadros do clipe. Agora, nós temos o nosso vídeo no lugar, e nós temos que esticá-lo para 10 segundos. Vamos dar uma olhada na adição de alguns efeitos a esta camada para que ela funcione melhor para o nosso quadro de título. 6. Como adicionar efeitos às camadas: After Effects assim como o Photoshop, tem toneladas de efeitos que podemos adicionar às camadas para alterá-las de diferentes maneiras. Nesta aula, vamos apenas olhar para alguns efeitos. Não há maneira de eu te guiar por cada efeito no menu. Você vai querer fazer algumas explorações por conta própria lá. Mas vejamos os conceitos básicos de como adicionar um efeito e ajustar um efeito. Há duas maneiras principais de adicionar um efeito a uma camada. Com a camada selecionada, posso subir em Efeito. Então você verá este menu gigante com sub-menus com todos os diferentes efeitos que temos disponíveis aqui no After Effects. Se você está familiarizado com o Photoshop, muitos deles são semelhantes, mas existem alguns diferentes e alguns dos que você pode estar familiarizado podem funcionar um pouco diferente, mas você definitivamente vai notar alguns favoritos antigos se você estiver acostumado a usar o Effects no Photoshop. O primeiro que vamos usar aqui é o equilíbrio de cores HLS, ou matiz, luminosidade e saturação. Com a camada selecionada, simplesmente escolhemos esse efeito, e ele adiciona automaticamente o efeito à camada. Agora, vamos olhar para a segunda maneira de adicionar um efeito em apenas um segundo. Vamos anotar algumas coisas. Observe antes de tudo, que uma nova janela apareceu, a janela de controle de efeitos aqui com os controles de efeitos neles. Observe que ele é exibido por padrão como uma guia na mesma janela onde nossa janela do projeto está. Eu mal consigo ver a janela do projeto lá, mas se eu clicar nela, há a aba para isso. Se você não pode realmente ver e clicar na “guia Projeto”, basta clicar nestas duas setas pequenas aqui e você pode ver que você pode selecionar para frente e para trás entre as duas abas dentro deste espaço de janela aqui. Mas vamos também notar que na própria camada, se eu abrir a camada, observe que uma nova guia foi adicionada, a guia efeitos. Se eu abrir isso, há o meu equilíbrio de cores, HLS. Se eu tabular que aberto, aqui estão os mesmos controles exatos que estão disponíveis aqui em cima, e eles são exatamente os mesmos. Você pode ajustá-los aqui ou você pode ajustá-los aqui. Agora, observe também que todos esses controles têm cronômetros ao lado deles. Você deve lembrar o que isso significa, isso significa que estes são todos animatable assim como nossas cinco propriedades, este é um daqueles aspectos do After Effects que é extremamente poderoso. Quase tudo é animatable, incluindo as propriedades sobre efeitos. Agora, se você está animando uma propriedade em um efeito, você vai tendem a usá-la aqui na linha do tempo porque você vai fazer quadros-chave e assim por diante, como se estivesse animando qualquer outra camada. Se você está apenas ajustando os parâmetros e não necessariamente animando, você pode querer usar a janela de controle de efeitos em vez disso, só porque é um pouco maior e um pouco mais fácil de acessar, você não precisa clicar em abas abertas no para chegar a ele, mas de qualquer maneira vai funcionar. Vamos dar uma olhada na outra maneira de adicionar efeitos a uma camada. Então, para fazer isso, vamos realmente remover nosso efeito e então nós também vamos aprender como remover um efeito. Observe que o nome do efeito está selecionado, esta caixa branca ao redor dele. Se eu clicar fora, clique nesta área vazia que desmarca o efeito, mas se eu selecionar o efeito e, em seguida, simplesmente pressionar a tecla “Excluir”, esse efeito desaparece. Agora, de que outra forma podemos adicionar efeitos a uma camada? A outra maneira que talvez seja um pouco mais eficiente se você souber que o efeito que você está procurando é, com a camada selecionada, ir para esta janela aqui, Efeitos e Predefinições e você pode cavar através do efeitos. Aí está o nosso equilíbrio de cores, HLS. Repare que está destacado porque é o mais recente que usamos. Ou você pode usar esta pequena janela de pesquisa, novamente, se você souber o nome do efeito que você está procurando, ou talvez o tipo de efeito que você está procurando e você pode tentar alguns termos de pesquisa diferentes. Se escrevermos aqui, cor e começar a digitar balanceado pelo tempo que chegarmos a L, você pode ver que vem com os dois efeitos de equilíbrio de cores. O único, é claro que queremos é o equilíbrio de cores HLS. Agora, com a camada selecionada, tudo que eu tenho que fazer é clicar duas vezes sobre isso e automaticamente adiciona o efeito à camada como fizemos antes. Agora, outra coisa a observar antes de irmos muito mais longe aqui é que eu posso adicionar tantos efeitos quanto eu quiser a uma camada. Você pode empilhar estes. Poderíamos também adicionar um efeito de desfoque, e então poderíamos adicionar um efeito de distorção. Você vai notar que eles apenas se acumulam, também é importante saber disso e nós não vamos nos aprofundar muito neste projeto em particular, mas a ordem dos efeitos realmente importa. O After Effects processará cada efeito em ordem, isso é particularmente importante quando você está lidando com efeitos de cor. Então você pode reordenar a ordem dos efeitos clicando neles e arrastando-os para cima e para baixo e você pode alterar a ordem que novamente, pode ser muito importante dependendo dos tipos de efeitos que você está usando. Mas por agora, vamos apenas ir em frente e excluir tudo menos o nosso equilíbrio de cores HLS. Temos protuberância selecionada, vamos deletar isso. Borrão bilateral, vamos apagar isso e voltar ao nosso equilíbrio de cores, HLS. Agora, o que quero fazer com o nosso efeito aqui é que quero tornar isto um pouco mais escuro. Quero tentar empurrar o céu um pouco mais para um azul da meia-noite. Vou começar com o mostrador Hue. Agora, a tonalidade é realmente poderosa porque basicamente apenas muda toda a base de matiz da imagem. Enquanto eu giro isso, você pode ver que eu posso fazer meu céu quase qualquer cor que eu quiser. Agora, nós não queremos nada tão pateta como isso eu só quero mudar isso um pouco mais para a meia-noite azul. Vou apoiar isso só um pouquinho. Deve ser um pouco longe demais. Isso parece bom aí, em torno de menos 10 graus no mostrador Hue. Mas também é um pouco brilhante demais. Também queremos que isso novamente lhe dê aquela sensação atmosférica assustadora, que seja um pouco mais escura. Vamos ajustar a leveza um pouco e escurecer isso. Agora, como escureço isso, ficou um pouco cinza. Então eu quero aumentar a saturação um pouco para trazer algumas dessas cores de volta. Vamos apenas aumentar a saturação um pouco mais, então nossa cor é um pouco mais rica. Antes de seguirmos em frente, vamos anotar o que fizemos com este efeito. Repare no pequeno botão FX aqui. Na verdade, é um pequeno botão. Eu posso clicar nisso e simplesmente ligar e desligar o efeito rapidamente. Você pode ver que temos um azul mais profundo e rico, parece um pouco mais escuro, temperamental e atmosférico. Vamos passar para a próxima lição e adicionar nossa imagem lunar. 7. Camadas de imagem e modos And: Vamos voltar para a janela do projeto aqui. Vamos fechar nossa guia de pasta de vídeo e abrir nossa guia de imagens. Vamos clicar e arrastar nossa imagem da lua mais uma vez para baixo e colocá-la em cima, não abaixo, mas em cima de nossas estrelas de fundo. Agora esta imagem da lua é enorme, 2400 por 2400 pixels, o que é ótimo. Isso significa que podemos fazer muito com ele. Vamos começar renomeando nossa camada. Vou apagar a última parte do nome aqui. Agora uma nota muito rápida sobre nomeação de camada. Nós mudamos os nomes dessas duas camadas, e estamos olhando para elas como seu nome de camada, mas sua origem, o arquivo de ativo vinculado não foi alterado. Se eu clicar aqui onde ele diz nome da camada, clique, Eu alterá-lo para o nome da fonte e você pode ver os nomes originais ainda estão aqui. Em outras palavras, a fonte desta camada é a versão da lua um JPEG. A instância da camada desta lua, chama-se lua. Eu poderia ter mais de uma instância desse mesmo recurso neste projeto se eu quiser, eu poderia ter três luas diferentes e chamá-los Lua 1, 2, 3. Mas a fonte deles será o mesmo JPEG. Agora vamos diminuir um pouco o tamanho desta lua. É claramente maior do que precisamos que seja. Mais uma vez, ao abrirmos nossas transformações, temos nossas cinco transformações usuais exatamente como esperaríamos. Vamos diminuir um pouco isso. Só para vermos o que estamos fazendo. Vamos mantê-la relativamente grande. E não estamos tentando criar uma imagem realista do céu aqui. Estamos criando mais um efeito de colagem. Você também vai notar que em torno desta imagem da lua é preto. Agora, obviamente, não queremos ver este preto. Queremos apenas a lua por conta própria, e queremos misturá-la com o fundo para criar esse visual de colagem. Para fazer isso, vamos usar um modo de mesclagem. Agora, mais uma vez, se você estiver familiarizado com o Photoshop, você deve estar muito familiarizado com os modos de mesclagem. Mas se você não estiver familiarizado com o Photoshop e não tiver trabalhado com modos de mesclagem antes. Os modos de mesclagem são basicamente formas de criar diferentes tipos de relações de transparência entre camadas. Nós temos nossa opacidade básica e apenas baixando isso, nós criamos uma relação entre essa camada, e essa camada. Mas os modos de mesclagem podem criar uma relação mais complexa entre duas camadas diferentes. Os modos de mesclagem estão disponíveis aqui na coluna Modo. Por qualquer motivo você não está vendo a coluna Mode, se você está vendo a coluna de switches que se parece com isso, basta clicar neste pequeno botão na parte inferior da sua linha do tempo, alternar as opções e modos e que irá trazer o modo coluna. Você pode ver agora os modos dessas camadas estão definidos para normal. Se eu clicar nesse pequeno menu suspenso, você pode ver todos os diferentes modos de mesclagem. Agora, mais uma vez, eu não vou ter tempo para passar por todos os diferentes modos de mistura com você. Eles são agrupados em grupos, e dentro de cada grupo, os modos de mesclagem fazem coisas um pouco semelhantes, mas há muitos deles. Uma vez que você começa a conhecer o caráter geral de cada grupo, então você pode brincar com os diferentes modos de mistura dadas diferentes situações. Mas para ajudá-lo, também incluímos para a classe que faz um bom trabalho de explicar o que cada modo de mesclagem faz. Tem uma pequena referência de imagem agradável para cada um. Portanto, certifique-se de baixar isso e verificar se você não está familiarizado com o trabalho com modos de mesclagem. Mas neste caso particular, porque temos um fundo preto que queremos basicamente derrubar. Vamos usar um dos modos no grupo de adição aqui. O grupo escurecer ou multiplicar o grupo. Multiply é um dos modos de mistura mais populares e comuns. Este grupo basicamente vai fazer qualquer coisa que seja branco ou leve, transparente, e ele vai torná-lo mais ou menos transparente dependendo de quão perto do branco ele é. Se for 100 por cento branco, será 100 por cento transparente. Então, só para ver isso, vou escolher multiplicar aqui. Você pode ver que todas as áreas claras da lua se tornaram transparentes e as áreas escuras ainda são opacas. Isso é muito eficaz quando você tem uma imagem com um fundo branco e você quer derrubar esse fundo branco. Mas também cria transparência por toda a imagem, dependendo de quão leve ela é. Mas nós queremos fazer o oposto, então nós vamos estar usando um dos modos de mesclagem no grupo add aqui, eu vou apenas usar add, e quando nós escolhemos isso, notar que o que ele faz é levar todos os as áreas escuras e torna essas transparentes e se é um 100% preto, isso faz com que seja 100% transparente. Você pode ver que o preto desaparece. Essencialmente cortamos nossa lua, mas também podemos ver através das áreas mais escuras dentro da lua também. Não é como se tivéssemos cortado exatamente a lua, mas nós derrubamos aquele fundo preto e agora temos uma mistura legal entre a lua e o nosso fundo. Agora vamos posicionar nossa lua um pouco e ajustar a escala e então vamos alterar sua cor com um efeito. Queremos esta lua no canto superior. Como a imagem é um bom quadrado limpo, nós temos nosso ponto de ancoragem automaticamente no centro, e então o que eu quero fazer é encaixar isso no canto do nosso quadro. Eu vou mover a lua em direção ao canto do quadro e então à direita quando eu chegar em direção à borda, eu vou manter pressionada a tecla de comando. O que a tecla de comando fará é engajar, encaixar. Agora, tirar o padrão de ser desengatado aqui, e eu posso verificar isso para ativá-lo o tempo todo. Mas é um pouco mais fácil usar apenas a tecla de comando para ativar e desativar o encaixe, para as situações em que você precisa dele. O que ele vai fazer é encaixar nas bordas ou nos pontos de ancoragem de outras camadas. Neste caso, ele vai encaixar no canto da nossa imagem de vídeo. Enquanto eu me movo para o canto da imagem de vídeo, eu vou manter pressionada a tecla de comando e boom, ele encaixa esse ponto de ancoragem direito a esse canto, o que é realmente útil. Agora vamos também aumentar um pouco o tamanho da lua. Vou colocá-lo em cerca de 85 por cento. Vamos animar a escala um pouco mais tarde. Então está crescendo no quadro, mas vamos colocá-lo em 85% para colocá-lo na metade. Novamente, porque estamos tentando criar esse sentimento atmosférico assustador para nosso show de lobisomens. Queremos que nossa lua seja escura, e queremos que seja sangrenta, uma lua de sangue. Para fazer isso, vou matizar a lua. Vamos usar um efeito chamado matiz. Com a lua selecionada, eu vou subir sob efeitos e predefinições, e eu vou digitar, matizar. Há a nossa tonalidade sob correção de cor. Vou clicar duas vezes sobre isso. O que a tonalidade faz, é basicamente tirar a imagem e, na verdade, vamos tirar o modo de mesclagem temporariamente aqui. Vamos colocá-lo de volta. Vamos desativar temporariamente o modo de mesclagem para que possamos ver o que está acontecendo. Então, quando você adiciona a tonalidade, aqui eu vou desligá-la e, em seguida, ele basicamente mapeia a imagem de preto para branco para duas cores, e o padrão para mapear o preto para preto e o branco para branco, que essencialmente transforma a imagem em preto e branco. Agora, com a coloração, você pode colocar qualquer cor que você quiser nesses dois canais para criar qualquer efeito que você quiser. Mas tudo o que queremos fazer é fazer com que esta lua se sinta sangrenta. Eu vou apertar o botão de reset aqui, ele vai redefinir para os padrões. A primeira coisa que queremos fazer é deixar o preto sozinho porque estamos usando esse modo de mesclagem adicionar. Queremos deixar o preto como está, porque queremos acabar com isso. Se colocarmos uma cor aqui, então o modo de adição de mesclagem não nocauteará isso. Vamos dar uma olhada rápida nisso para entendermos. Lá nós derrubamos aquele apagão. Se eu colocar uma cor lá, de repente isso não bate mais porque não é preto puro. Então não queremos isso, queremos deixar isso como preto. Tudo o que vamos fazer é colocar um pouco de cor no branco. Agora, mais uma vez, eu criei uma cor para a lua, mas você é bem-vindo para adicionar qualquer cor que você quiser. Então, se eu clicar no branco aqui, nós temos nosso seletor de cores e você pode experimentar diferentes tipos de vermelho, cores da lua de sangue. A cor que escolhi foi uma tentativa de igualar as nuvens, ou aurora boreal. Eu realmente não sei qual é, do outro lado aqui. Eu queria que essas cores combinassem. Eu fui em frente e usei esta cor aqui para criar uma relação entre eles. Mas novamente, você é absolutamente livre para escolher a cor que quiser. Então temos nossa lua parecendo muito legal. Agora estamos prontos para dar alguma animação. 8. Animando a lua: Agora nós conversamos bastante na primeira classe da série, sobre atenuações e sobre como quase nada na natureza se move sem algum tipo de facilidade para fora ou facilidade para dentro. Então, na grande maioria das vezes, quando estamos animando, nós colocamos facilidade em nossa animação. Mas há momentos significativos em que podemos optar não usar atenuações e usar movimento linear em vez disso. Um desses momentos é quando queremos que um movimento pareça ser um flutuador contínuo ou deriva sem um começo ou um fim. Um bom exemplo disso seria o movimento da nossa lua. Queremos fingir que a lua está em movimento contínuo ao longo de nossa cena. Não queremos vê-lo começar a se mover, e não queremos vê-lo parar de se mover. Nós só queremos vê-lo flutuando continuamente e à deriva. Para fazer isso, não queremos usar atenuações, porque as atenuações nos mostrariam o início do movimento quando ele alivia, e o fim do movimento quando ele facilita. Observe que as estrelas em nossas filmagens de lapso de tempo não facilitam, elas estão em movimento quando o tiro começa, e ainda estão em movimento enquanto cortamos no final. Queremos esse mesmo sentimento com nossa lua, então o movimento começa logo no início da cena, e se move todo o caminho até o fim. Aqui mesmo no quadro 0, vamos começar adicionando um quadro de chave de rotação aqui, apenas na rotação zero. Então vamos primeiro fazer a lua girar um pouco. Então vamos até o final da nossa composição, e vamos apenas adicionar uma rotação. Queremos que isso gire na mesma direção em que nossas estrelas estão se movendo, então queremos que ele gire no sentido anti-horário. Eu só vou digitar menos 25, apenas para dar cerca de um oitavo do caminho. Vamos dar uma olhada em como isso parece. Lá vamos nós, um pouco mais rápido que o céu, mas na mesma direção. Não quero que mova exatamente a mesma velocidade que o céu, porque então ele vai se sentir trancado e nós queremos manter essa separação, essa sensação de colagem. Observe também esse sentido de ser contínuo. Chegamos em movimento, assistimos em movimento, a cena termina, ainda está em movimento. Não faz sentido que a lua esteja começando ou terminando seu movimento. Isso é porque estamos usando esses quadros-chave lineares sem atenuações. Vamos fazer a mesma coisa com a escala. Vamos fazer isso gentilmente aumentar um pouco, então a lua está invadindo nós. Isto vai apoiar esta ideia do lobisomem onde a lua é obviamente muito significativa para a pessoa que é um lobisomem. Definitivamente vai invadir a vida dessa pessoa que se transforma em lobisomem. Então vamos ter a lua invadindo nossa cena. Vou começar com um quadro de escala aqui, mas vamos puxar a escala para trás um pouco. Vamos puxá-lo de volta para 80 por cento e então nós vamos fazê-lo escalar até 90 por cento. Isso significa que vai passar por 85% no meio lá, que foi o tamanho que definimos para o nosso design. Eu vou usar a tecla K para avançar para o nosso quadro chave no final aqui em nossa rotação, e vamos avançar e digitar 90% para aumentar isso em 10%. Vamos executar uma pré-visualização. Tudo bem, ótimo. Temos, mais uma vez, aquele movimento contínuo da lua girando, e crescendo, vindo em nossa direção uma maneira sinistra que se encaixa nosso tema e nosso sentimento muito bem. Na próxima lição, vamos olhar para adicionar nossa tipografia. 9. Trabalhando com camadas de texto: Adicionar tipo e efeitos secundários é muito semelhante à adição de tipo no Illustrator ou Photoshop, você pode ver no nosso menu da barra de ferramentas aqui, há uma ferramenta de texto. Eu vou ir em frente e selecionar isso e quando eu selecionar essa ferramenta de texto, a janela de caracteres se abre. Novamente, se você estiver familiarizado com o Illustrator e o Photoshop, tudo isso será bastante familiar para você, mas se você não estiver, nós veremos o básico aqui muito rápido. Eu só vou clicar em nossa imagem aqui para nos começar, vamos apenas clicar e vamos digitar o buraco da palavra em todas as maiúsculas. Agora você vai notar quando clicamos e digitamos essa palavra, criamos uma camada de texto em efeitos secundários, você pode ver o pequeno t lá. padrão é ser codificado em vermelho, vai ajustar esses códigos de cores e um pouco, e ele vai padrão para Helvetica regular em preto em um tamanho médio. Agora com a camada de texto selecionada aqui, eu posso ajustar todos estes como eu quiser, para que eu possa escolher diferentes fontes no menu suspenso aqui e você pode escolher qualquer fonte que você gosta para este projeto em particular, eu vou estar usando Gill Sans. Eu só vou começar a digitar Gill, você pode ver Gill Sans aparece. Eu vou começar com Gill Sans regular aqui, e então eu vou mudar isso para luz. Gill Sans light, e novamente, por favor use qualquer fonte que você gosta. A propósito, estou escolhendo Gill Sans porque gosto do “O “perfeitamente circular, o que me faz pensar na lua cheia. Também é uma fonte moderna, e este vai ser um daqueles shows de lobisomem, como os shows de vampiros jovens. Em vez de escolher uma fonte serif, eu estou escolhendo uma fonte moderna, então eu quero que o para sugerir a lua. Eu também posso alterar o tamanho da fonte aqui clicando e arrastando para a direita ou para a esquerda para tornar a fonte maior ou menor. Eu vou com 130 só para torná-lo agradável e grande. Queremos que o tipo seja uma cor vermelha para combinar com o nosso tema vermelho sangue aqui. Agora eu realmente tenho uma cor que podemos usar. Vou mostrar-lhe rapidamente como cheguei a essa cor e então eu vou em frente e apenas selecionar a cor que eu já escolhi. Você pode escolher a cor que quiser, mas podemos mudar a cor ou escolher uma cor clicando na amostra de cores aqui e isso nos dá nosso seletor de cores. Mas também há um conta-gotas aqui e às vezes é bom começar suas cores por amostragem do fundo que você está usando para criar cores que se relacionam. Eu vou pegar o conta-gotas aqui, e eu vou escolher talvez uma das cores da minha lua aqui. Mas tem um pouco de cinza nele e também é talvez um pouco fúcsia demais. Quero que seja um pouco mais sangrento. Uma vez que eu tenha provado isso, agora eu vou escolher meu seletor de cores e agora vamos puxar um pouco desse cinza para fora e vamos movê-lo um pouco mais para as laranjas para dar mais de uma cor vermelha sangue. Começamos com essa cor amostrada e, em seguida, ajustamos, esse é um bom método para trabalhar, para manter todas as suas cores relacionadas em algum grau. Como eu disse, eu já escolho uma cor aqui, Se você quiser escolher a cor que eu usei, vamos precisar, colha de olhos essa cor da biblioteca, queremos abrir mais do que apenas uma dessas janelas. Eu vou manter pressionada a tecla de comando e clicar em “Bibliotecas”, que vai abrir todas essas janelas bem rápido aqui e eu vou rolar para baixo. Eu vou pegar aquele conta-gotas e eu vou escolher a cor do texto realmente foi com algo que parece que eu fiquei ainda mais laranja com essa cor. Agora eu vou comandar clique novamente, feche todos eles. Agora também vamos usar um modo de mesclagem em alguma transparência sobre isso, deixamos passar um pouco do plano de fundo. Neste momento, o nosso tipo é realmente apenas uma cor plana, apenas sentado em cima da imagem. Realmente não se sente integrado com a imagem, não se sente misturado com a imagem, isso é parte do que os modos de mesclagem são tudo sobre. Agora, eu vou usar um modo de mesclagem adicionar novamente, porque adicionar modos de mesclagem tendem a trazer um monte de luminância e cor, e isso vai clarear bastante essa cor. Vamos para a nossa camada de texto e adicionar nosso modo de mesclagem de anúncios, e você pode ver que isso o ilumina, observe agora como a cor realmente se parece muito mais com a cor na lua. Apenas uma pequena dica aqui, parte da razão pela qual eu acabei escolhendo esta cor é que eu ajustei a cor com o modo de mistura ligado. Não é uma má ideia se você estiver usando um modo de mesclagem para adicionar o modo de mesclagem e depois brincar com sua cor, já que o modo de mesclagem vai afetar como essa cor aparece, isso é obviamente muito diferente do que isso Parece que está aqui. Há muito mais luminância nisso, é deriva de volta para aquela área fúcsia que temos com a nossa lua, como o modo de mistura, mas ainda está meio que saindo desse fundo um pouco mais do que eu gostaria que fosse este sentimento atmosférico e assustador que queremos, eu gostaria que ele se sentisse um pouco mais, uma parte desse céu estrelado, um pouco mais integrado com o fundo. Vamos abrir a nossa camada de texto e notar assim como todas as nossas outras camadas, há nossas cinco transformações exatamente como nós esperaríamos que eles sejam. Vamos reduzir a opacidade apenas um pouco, vamos levá-la para baixo 10%, eu vou descer para 90 por cento, e agora ele se sente apenas um pouco mais, uma parte desse fundo, um pouco mais definido para o espaço. Agora vamos olhar para algumas de nossas outras opções de configuração aqui, em nossa janela de personagem, temos o rastreamento aqui. Rastreamento é claro, é o espaçamento entre todas as letras dentro de uma palavra ou uma linha do tipo. Eu vou realmente deixar isso em zero. em cima temos a permissão, que é o espaço entre as linhas do tipo, mas só temos uma linha do tipo aqui, então não vamos nos preocupar com isso. Mas aqui temos o Kerning e definitivamente queremos considerar o kerning. O kerning é o espaço entre cada letra, você nunca quer deixar as configurações de kerning automático exatamente como eles são, as diferentes formas das letras. Quase sempre significa que você tem que ajustar individualmente o kerning. O objetivo, é claro, com kerning é ter uma quantidade similar de espaço negativo entre cada letra. Aqueles de vocês que são designers gráficos , é claro, estarão muito familiarizados com kerning, não vou demorar muito tempo para entrar nisso aqui, mas definitivamente precisamos fazer alguns ajustes. Para ajustar o kerning, vou clicar no tipo com a minha ferramenta de texto para definir o cursor entre duas letras. Eu posso ajustar o kerning ajustando este valor aqui, mas usar comandos de tecla é um pouco mais fácil, com o meu cursor lá entre as letras, eu vou manter pressionada a tecla de opção, e então eu vou clicar no botão setas para frente e para trás para alterar esse Kerning. Eu quero isso um pouco mais apertado, eu quero que H um pouco mais perto daquele O, a maneira como ele é padrão, há muito espaço entre H e O, então eu vou apertar isso um pouco. By the way, você deve sempre definir seu rastreamento primeiro, definir que você está rastreando primeiro e, em seguida, entrar e ajustar seu kerning. Eu estou deixando o rastreamento onde ele está porque eu gostei do espaçamento geral e eu estou apenas ajustando um pouco lá. Acho que o resto do campo é muito bom. Agora vamos estar animando essa camada de texto. Observe que a posição padrão do ponto de ancoragem está no canto inferior esquerdo, apenas para torná-lo um pouco mais fácil de animar e deseja colocar esse ponto de ancoragem e o centro na linha de base do tipo. Eu vou pegar nossa ferramenta de ponto de ancoragem e eu vou trazer isso para cima, e mais uma vez, assim como fizemos com a lua, eu vou segurar a tecla de comando e isso me permite encaixar o ponto de ancoragem nos cantos ou a parte inferior central ou superior ou o centro do tipo. Vou me aproximar dessa área. Vou manter pressionada a tecla de comando e encaixá-la no lugar. Vamos apenas definir nossa posição inicial para este tipo antes de animá-lo. Para fazer isso, vou voltar à nossa estrutura de grade. Agora espero que você assistiu e seguiu junto com a primeira classe da série onde definimos nossa grade de 16 por 9. Se não o fez, recomendo que volte e assista isso, mas se o fez, então deve ter sua grade 16, 9 pronta para ir. Eu vou para escolher opções de grade e guia e ligar nossa grade, queremos ter certeza de que temos snap para grade verificado. Eu vou em frente e pegar nossa ferramenta de seleção regular, vamos colocar isso na primeira grade, quadrado acima de baixo para nos dar uma pequena margem na parte inferior. Vamos começar isto inicialmente aqui , enfiado neste espaço negativo debaixo do poste telefônico aqui. Agora eu vou deixar essa grade ligada porque isso vai nos ajudar quando criarmos nossa animação para o nosso tipo. Mas antes de animar nosso tipo, eu quero tomar um minuto e olhar para um tipo diferente de chave-frame. Analisamos quadros-chave lineares, pequeno diamante, olhamos para extremidades fáceis de facilidade, fáceis de saídas e as fáceis atenuações que estão dentro e fora de um quadro-chave. Essas são as molduras chave em forma de ampulheta. Mas eu quero olhar para um outro tipo de quadro-chave, o quadro-chave automático bezier. Vamos ver isso na próxima lição. 10. Principais de Bezier: Então, para dar uma olhada nos quadros-chave AutoBezier, vamos em frente e clicar duas vezes na composição AutoBezier na janela do projeto. Clique duas vezes sobre isso para abri-lo. O que eu tenho aqui é muito simples. É um pouco quadrado, animando através do quadro, e está animando em duas peças, sendo a primeira muito, muito rápida, então você pode ver o espaçamento entre esses quadros muito, muito largo lá. Ele vai se mover muito, muito rapidamente, e então ele vai bater este quadro-chave aqui, bem no meio, e então ele vai abrandar muito. É também um bom exemplo de tempo e espaçamento. Estamos movendo a mesma distância entre estes quadros chave. Nosso tempo é muito mais curto, tornando esse movimento muito rápido, e então daqui para aqui, nosso tempo é muito maior, tornando o movimento muito lento. Agora, quando você tem essa mudança radical na velocidade, você tende a ter um estalo ou um idiota, no quadro-chave onde essa velocidade muda. Então vamos dar uma olhada nisso. Vou pré-visualizar isso. Lá você pode ver que à medida que ele muda a velocidade, ele realmente clunks, clunk bem ali. Há um idiota quase, pois muda a velocidade. Seu primeiro instinto como um usuário de efeitos secundários inicial, pode ser usar atenuações para tentar suavizar isso. Agora, em alguns casos, quando a mudança de velocidade não é muito drástica, você pode usar uma facilidade fácil de entrar, para facilitar o movimento mais lento ou, inversamente, se você está indo mais lento para facilitar mais rápido, e isso vai suavizar a transição. Infelizmente, nem sempre funciona porque a porcentagem de facilidade pode não ser suficiente para suavizar a mudança na velocidade. Eu vou estar fazendo uma próxima série, aprofundando os efeitos secundários que irá abordar o editor de gráficos de movimento que permite que você vá muito mais longe do que as fáceis facilitações no controle de velocidade e velocidade dentro e fora de um quadro-chave. Mas por agora, antes de entrar no gráfico de movimento, apenas usando uma facilidade fácil, você não terá controle suficiente sobre essa mudança de velocidade para necessariamente tirar o idiota para fora. Mas vai funcionar às vezes, neste caso particular, a mudança na velocidade é um pouco drástica demais. Então vamos dar uma olhada nisso. Vou clicar com o botão direito do mouse neste quadro-chave e vou adicionar uma facilidade fácil em. Você notará que o espaçamento se aproxima desses quadros-chave, mas ele ainda muda muito, muito radicalmente desse espaçamento para esse espaçamento, e você verá que ainda temos um grande idiota quando chegarmos àquela parte mais lenta. Então vamos Ram pré-visualizar isso. Você pode ver que ainda está mexendo. É melhor, mas ainda é meio idiota quando atinge o quadro-chave mais lento. Agora, novamente, este método, como você tem uma mudança na velocidade de lento para rápido ou mais rápido lento de usar uma facilidade, ele vai funcionar às vezes. A outra coisa que você pode ser tentado a tentar é uma facilidade fácil em outras palavras, fácil de facilitar e facilitar. Mas isso criará um problema ligeiramente diferente. Então vamos definir isso de volta para um quadro-chave linear e vamos clicar com o botão direito do mouse e adicionar uma facilidade fácil. Agora estamos facilitando e facilitando, então será mais suave, mas haverá um novo problema aqui. Vamos dar uma olhada nisso. Você pode ver que é mais suave. Mas observe que agora ele realmente chama a atenção para esse momento de mudança porque quase chega a uma parada, e então acelera novamente para o próximo movimento. Temos uma parada e, em seguida, uma aceleração avançando. Então o que estamos perdendo aqui é apenas uma transição suave de uma velocidade para outra. Dependendo do tipo de animação que você está criando, você pode querer essa parada e, em seguida, iniciar novamente, e nesse caso, a facilidade de entrada e facilidade de saída fácil é muito bom. Mas o que queremos é apenas uma transição suave de uma velocidade para outra, e de certa forma nós quase chamamos mais atenção para a mudança de velocidade aqui. Então, a fim de nos dar essa mudança suave na velocidade, o que queremos usar é um quadro-chave AutoBezier. Vamos definir isso de volta para um quadro-chave linear por comando, clicando nele. Então, o que é um quadro-chave AutoBezier? O que um quadro-chave AutoBezier faz, e o termo Bezier tem a ver com seu efeito no gráfico de movimento, e nós não vamos mergulhar no gráfico de movimento nesta série, já que esta é apenas uma série introdutória. Mas o AutoBezier basicamente pega a velocidade entrando em um quadro-chave e combina-o com a velocidade saindo do quadro-chave. Ele reúne as duas velocidades. Então, no ponto desse quadro-chave AutoBezier, a velocidade de entrada e saída são as mesmas, mas não cria uma facilidade total de entrada ou facilidade de saída, ele apenas junta a velocidade, para atender a velocidade que vem em e saindo no meio. Agora isso funciona muito bem para suavizar as mudanças na velocidade onde você não quer uma facilidade total dentro ou uma facilidade total para fora ou se uma facilidade de entrada ou afastamento não suaviza completamente a mudança na velocidade. Então vamos dar uma olhada novamente nisso sem nada no quadro-chave, apenas linear, nos lembrar do problema aqui. Então há aquele grande clunk, que se encaixam nessa mudança de velocidade. Agora vamos adicionar o quadro-chave AutoBezier e fazemos isso por comando clicando no quadro-chave linear. Então, clique em comando, e nós obtemos este pequeno círculo, esta forma de círculo pequeno, e essa forma de círculo nos diz que temos o quadro-chave AutoBezier. Então agora vocês verão que temos uma transição muito mais suave de uma velocidade para a outra. Ainda é uma mudança radical, mas é uma transição muito mais suave de um para o outro. Quase não temos a sensação de que há um quadro-chave lá. Ele apenas muda a velocidade suavemente de um para o outro. Agora, eu lhe garanto que essas diferenças são muito sutis, mas ser capaz de ver, entender e ser capaz de controlar a sutileza de seu movimento, é realmente o que separa os profissionais dos amadores em o mundo da animação e design de movimento. Portanto, é realmente importante examinar essas diferenças sutis cuidadosamente e começar a realmente treinar seu olho para realmente ver as diferenças entre essas mudanças sutis em velocidade, velocidade, facilidade e assim por diante. Agora vamos passar para a próxima lição, onde vamos animar nosso tipo, e vamos colocar esses quadros-chave AutoBezier para trabalhar criando uma animação de espera móvel em nosso tipo. 11. Tipo de animação: Vamos voltar para o nosso Howl Title Frame aqui, e vamos criar alguma animação para trazer o nosso tipo e trazer o nosso tipo fora. Vamos começar por nos dar uma faixa de áudio para sincronizar. Lembre-se como falamos na primeira parte da série, como é importante sincronizar sempre com uma faixa. Agora, esta faixa não tem um ritmo muito, muito forte e estamos apenas fazendo um pouco de animação. Mas mesmo com animação simples, queremos alguma relação com essa faixa. Agora, eu já esgotei a faixa na versão final. Então, só para economizar um pouco de tempo, vamos copiar e colar isso. Vamos para Howl Title Finalizado. Vamos pegar a camada musical aqui onde você vê que eu fiz alguns marcadores. Vamos comandar C para copiar essa camada, voltar para o nosso projeto atual aqui, e comandar V para colar. Vamos clicar e arrastar isso até a parte inferior da nossa pilha. Agora, à medida que estamos começando a acumular mais camadas aqui, vamos em frente e também codificar algumas delas. Vamos criar um pequeno padrão de arco-íris aqui apenas para separar nossos diferentes tipos de camadas. Você pode escolher as cores da camada que você gosta. Eu sempre gosto de me divertir com as cores da camada um pouco e criar algum padrão. Então vamos fazer um simples padrão de arco-íris aqui. Vindo do verde, vamos mudar nossas duas camadas de imagem, nossas estrelas de fundo, e nossa lua. Uma vez que essas são ambas camadas de imagem de vídeo, e fotografia. Vamos fazer as mesmas, vamos fazer essas amarelas, e então vamos fazer nossa camada de texto laranja e então vamos adicionar duas camadas finais no topo, vamos colorir essas vermelhas. Novamente, você pode escolher a cor que quiser. O After Effects tem cores padrão para diferentes tipos de camada. Então você pode usá-los também até que ele comece a ficar um pouco complicado, então você pode querer começar a pensar sobre codificação de cores de uma forma que ajude você a organizar seu projeto. Agora, só de dar uma olhada rápida em nossa música aqui, eu acabei de marcar algumas batidas com base nessas pequenas notas que você ouve. Então vamos abrir a forma de onda e você vai se lembrar, é claro, que nós cobrimos isso na primeira parte da série. Então, se você quiser saber o tempo limite de uma faixa e fazer esses marcadores, você vai querer assistir a Parte 1 da série Introdução ao After Effects, mas você verá que temos essas batidas simples através da faixa de áudio. Vamos fazer uma prévia e ouvir. Nós só temos essas notas de teclado batendo nessas longas batidas lentas, e elas são muito fáceis de ver na forma de onda. Mas isso nos dará um padrão básico a seguir para a animação do nosso tipo. Você também notará que adicionei um pouco de animação aos níveis de áudio, apenas para criar um desvanecimento aqui no final. O início da pista aqui é o início real da pista, que funciona bem para nos trazer para a pista, mas, nós interrompemos a pista, que, claro, continua por mais alguns minutos, com o nosso curto pouco 10 segundo pedaço, e eu acabei de adicionar um pouco de desvanecimento aqui no final, deixando cair o volume para baixo para nada no final aqui. Então vamos usar essas notas simples para o tempo limite da animação do nosso tipo. Agora vamos falar por um momento sobre a animação do nosso tipo. O que nós vamos fazer é deslizá-lo para dentro enquanto ele está desvanecendo, e então segurá-lo por um tempo para que possamos lê-lo, e então nós vamos deslizar o tipo para fora enquanto ele desaparece. O conceito por trás deste tipo de animação é uma sensação de rastejar e esgueirar-se. Nós vamos esgueirar o tipo e esgueirar o tipo fora, imaginando o movimento de um lobisomem rastejante. Agora, quando animamos o tipo e o design de movimento, há algumas ideias que queremos pensar. Em primeiro lugar, queremos ter certeza de que nunca interferimos com a legibilidade. Nós sempre queremos ser capazes de ler o tipo enquanto ele está na tela. Quando você está animando digitando e desativando, dependendo de como você está animando o tipo, geralmente não é o momento em que nosso público vai ser capaz de ler o tipo claramente. O público geralmente vai estar lendo o tipo depois que ele aparece e antes que ele desapareça durante o tempo que ele está segurando na tela. Mas outra grande idéia geral em design de movimento e animação é que raramente queremos que o movimento pare completamente. Não queremos que o quadro pare de se mover completamente. Agora, com o tipo, às vezes podemos nos livrar da quietude por um tempo entre ele se movendo e desligando. Mas muitas vezes é mais desejável e cria um pouco mais de interesse visual se o tipo continuar a mover-se apenas um pouco, mesmo durante o período que ele está segurando para que possamos lê-lo. Aquele pequeno movimento onde estamos segurando o tipo para que possamos lê-lo, mas também ainda está se movendo um pouco, eu gosto de chamar uma espera em movimento. Um porão em movimento é na verdade um termo usado na animação de personagens tradicionais, que é o meu fundo, e o conceito é muito semelhante. A idéia é que você nunca quer que seu personagem pare completamente de se mover, mesmo quando você quer que o personagem mantenha uma pose para o público possa ler essa pose claramente, assim como queremos que nosso público leia nosso tipo. Então você tem o personagem segurar uma pose, mas mover apenas um pouco, um movimento de espera. É a mesma ideia que vamos usar com este tipo. Vamos movê-lo rapidamente, então vamos segurá-lo para que o público possa lê-lo, mas movê-lo apenas o suficiente para mantê-lo vivo, e então vamos movê-lo rapidamente. Nós vamos usar esses quadros-chave BCA automáticos para suavizar a transição entre o movimento mais rápido que entra, o movimento mais lento da espera móvel e o movimento mais rápido que sai. Vamos criar nossa animação inicial com nosso tipo. Nós vamos começar por um movimento de posição para deslizar o tipo para a posição, então nós vamos flutuá-lo por um tempo em que segurar movimento e, em seguida deslizá-lo para fora novamente e nós vamos adicionar opacidade e alguns outros efeitos depois. Então vamos para nossa Camada Howl aqui, nossa Camada Type, e vamos usar nossas teclas J para voltar para nosso primeiro marcador. Vamos usar esta primeira nota no áudio como um ponto de sincronização para trazer nosso tipo na tela. Agora, vamos seguir em frente e animar a posição aqui, mas eu vou te ensinar outro conjunto rápido de quadros-chave que vai tornar isso um pouco mais fácil. Agora, até agora temos acessado nossas propriedades de transformação abrindo a camada e abrindo a aba Abrir a transformação para chegar às nossas propriedades de transformação. Mas podemos usar comandos de teclas para saltar para estes um pouco mais facilmente e ambos são um pouco mais rápidos. Ele também nos salva alguns imóveis de tela aqui em nossa linha do tempo. É um conjunto fácil de molduras chave de lembrar. Você só tem que se lembrar da palavra TRAPS; T-R-A-P-S, TRAPS. Vamos passar por essas cartas e ver como elas funcionam. Vou selecionar nossa camada de texto aqui e vamos começar com o T em armadilhas. Se eu apertar a tecla T, observe que ela abre apenas a propriedade de opacidade. Agora, por que não é O? Bem, isso é porque O é usado para um propósito diferente. Eles tiveram que usar uma letra diferente de O. A maneira de pensar sobre isso é, T para transparência, ou seja, opacidade. T para transparência, e que abre a propriedade de opacidade. Se eu acertar T de novo , fecha a propriedade. R é claro, é rotação, rotação aberta e próxima. A é, claro, ponto de ancoragem. A abre e A fecha a propriedade do ponto de ancoragem. P é posição, posição aberta e fechada. S é escala, abrir e fechar “Escala” com a tecla S, T-R-A-P-S, TRAPS, transparência, rotação, ponto de ancoragem, posição e escala. Muito fácil de lembrar e uma ótima maneira rápida de trabalhar. Agora, em apenas um pouquinho, vou mostrar outro comando de tecla assim que adicionarmos alguns quadros-chave. Agora, em um minuto, vou mostrar-lhe outro comando de tecla útil assim que adicionarmos alguns quadros-chave aqui. Vamos em frente e pressione a tecla “P” porque vamos primeiro animar a posição e vamos fazer um pouco de animação para trás aqui, na verdade. Em vez de começar neste primeiro marcador, eu deveria ter pulado para o segundo, então é “K” para a frente para o segundo marcador e vamos adicionar um quadro-chave bem aqui nesta primeira posição que criamos. Então vamos “J” para trás aqui para onde vamos querer que nossa animação comece e vamos clicar e arrastar nosso tipo de volta um quadrado de grade inteiro direito para lá. Vamos animar com a primeira grade quadrada. Observe que não estamos sobrepondo a linha de energia aqui, então não estamos criando nenhuma tangente feia lá. Ainda estamos dentro deste espaço negativo, então vamos animar até este ponto. Então vamos ter o tipo sentado durante o seu tempo de legibilidade. Mas novamente, em vez de parar, vamos mantê-lo vivo com essa ideia de movimento. Mas queremos que eles se movem para ser bastante lento para que o movimento seja muito sutil que assim não irá interferir com a legibilidade do tipo. Vamos avançar dois desses marcadores então vamos entrar duas vezes o tempo e vamos fazê-lo ir metade da distância, então vai ser muito, muito mais lento. Agora eu vou apenas arrastar isso para a frente para o próximo marcador aqui então nós vamos apenas arrastar isso para frente metade de uma grade quadrada e encaixá-lo até esse ponto. Nós vamos metade da distância em duas vezes o tempo para fazer isso realmente agradável e lento. É apenas um carro alegórico, apenas uma deriva, um porão em movimento. Está se segurando basicamente nesta posição, apenas se movendo um pouco e então vamos ter essa animação fora. Vamos fazê-lo percorrer a mesma distância, mas talvez um pouco mais curto para torná-lo um pouco mais rápido. Isso é em parte porque estamos ficando sem tempo aqui, mas também para dar essa idéia de esgueirar-se e se esconder, quase como se tivéssemos visto o tipo e o tipo percebesse que foi visto, e assim como um lobisomem se esgueirando, Ele vai se afastar rapidamente e se esconder. Vamos percorrer uma distância mais curta aqui vamos apenas para nove segundos aqui. Mas vamos movê-lo à mesma distância, uma grade quadrada completa para fugir e se esconder. Agora vamos Ram visualizar isso agora, e nós definitivamente vamos ver esses idiotas à medida que a velocidade muda. Lá está o nosso porão em movimento, e depois sai escondido. Agora não adicionamos a animação de anpacidade, obviamente. Mas você pode ver como isso realmente choca quando atinge aquele ponto onde a velocidade muda, e então aqui novamente, e então aqui novamente, empurra para a frente enquanto se move para a frente. Mais uma vez, poderíamos usar potencialmente e “Facilidade Fácil” neste quadro-chave e uma Facilidade Fácil” nesse quadro-chave. Mas com essa mudança de velocidade, provavelmente ainda teremos um idiota ali. Este é o momento perfeito para usar os quadros-chave Auto Beziers para realmente suavizar isso. Vamos adicionar esses Auto Beziers então eu vou comandar “Click” para adicionar essa forma de círculo pequeno e comando “Click” neste quadro-chave aqui para adicionar a forma de círculo lá. Só para garantir, vamos também adicionar um quadro-chave de espera no final da nossa sequência de animação. Nós realmente não precisamos fazer muito isso aqui, mas eu sempre gosto de praticar esses bons hábitos, apenas obtendo esses hábitos caso o cliente volte, queira fazer uma mudança, algo muda. Se você está sempre praticando essas boas técnicas de segurança, então você tem muito menos com que se preocupar no final da estrada. Vamos em frente e comando “Opção” clique apenas para colocar uma espera no final desse quadro-chave então agora vamos dar uma olhada em nosso movimento e devemos ter transições muito melhores dentro e fora desse porão móvel. Muito mais suave muito mais agradável , por isso estamos a fazer a transição suave para dentro e para fora desse movimento segurar muito mais suavemente. Perdemos aqueles pequenos idiotas e saltos. Agora nós também queremos que isso desapareça e desapareça, então ele está aparecendo do céu noturno, desaparecendo no céu noturno novamente, ecoando esse conceito maior do lobisomem e porque ele vai desaparecer e então fora, não estamos adicionando atenuações aos quadros-chave da primeira e última posição, assim como se o tipo estivesse entrando e saindo de fora do quadro, queremos que o tipo apareça já em movimento à medida que ele desvanece e continuando a mover-se à medida que desaparece. Queremos quadros-chave lineares lá então vamos adicionar algum quadro-chave de opacidade. Eu vou pagar adiante aqui para este primeiro quadro-chave e então eu vou “K” para frente novamente para o segundo quadro-chave porque este é o lugar onde nós queremos que ele em total opacidade, que se você lembrar, não é 100%, é a 90 por cento. Agora vamos selecionar a camada novamente e pressionar a tecla “T” para transparência ou opacidade e vamos em frente e clicar no cronômetro para adicionar um quadro-chave aqui a 90%. Agora vou te ensinar mais um comando legal aqui. Agora temos quadros-chave sobre opacidade e posição. Eu quero ser capaz de vê-los ambos porque eu quero sincronizar os quadros-chave de opacidade com os quadros-chave de posição. Mas eu também quero continuar salvando meus imóveis de tela aqui como eu tenho feito com o T-R-A-P-S, TRAPS, comandos chave. Vou usar a tecla “U”. A tecla “U” é um dos meus comandos de teclas favoritos e depois dos efeitos, eu uso constantemente o tempo todo junto com TRAPS, juntamente com T-R-A- P-S. O que a tecla “U” faz é quando você seleciona uma camada que tenha quadros-chave e aperta a tecla” U”, o que ela fará é abrir somente as propriedades com quadros-chave neles. Agora, isso é muito útil especialmente quando você está editando quadros-chave. Digamos que você definiu alguns quadros-chave e você quer entrar e mexer com eles um pouco. Isso permite que você abra apenas as propriedades que você precisa ver, apenas as propriedades com as quais você está trabalhando e nenhum outro, economiza um monte de imóveis de tela e mantém você focado no que você está trabalhando em vez de ter que olhar de propriedades diferentes. Muito, muito útil, a tecla “U” pressionando que novamente fechará a camada para cima, então a tecla “U” para abrir todas as propriedades de quadros-chave, tecla “U” para fechar propriedades de quadros-chave. Handy, vamos apertar a tecla “U” e agora podemos usar nossas teclas “J” e “K” vamos usar j para voltar, e agora vamos definir nossa opacidade aqui em zero. Vamos saltar para a frente, saltar para a frente novamente para o nosso próximo quadro-chave aqui, vamos definir nosso quadro-chave de opacidade novamente em 90, e então vamos avançar para o nosso último quadro-chave aqui e definir isso em zero novamente. Agora, vamos também colocar um quadro-chave inteiro no final. Vamos também colocar um quadro-chave de espera nesse quadro-chave também, porque ele está mantendo esse valor de 90 por cento. Neste momento, não está a mudar de forma alguma. Mas há certas situações em que os efeitos secundários criarão pequenos desvios estranhos em seus valores, mesmo entre dois quadros-chave que são os mesmos. Isso não vai acontecer o tempo todo, mas acontece sob certas circunstâncias quando você cria seus quadros-chave de certas maneiras e se isso acontecer, pode ser muito frustrante, especialmente se você não estiver familiarizado com o que está acontecendo. Só para estar seguro, e acredito muito em operar pelo lado seguro. opção de comando “Click” adicionará uma retenção, então estamos mantendo esse valor de 90 até atingirmos esse segundo quadro-chave, e então agora ele irá animar até zero. Vamos dar uma olhada nessa animação novamente, ótimo, e temos uma boa sincronização com a trilha sonora. É um áudio muito simples, é uma animação muito simples, mas mesmo aquele pouco de sincronização é tão importante sempre que você tem a oportunidade de sincronizar, atrair, fazê-lo. Agora nós definitivamente temos um divertido sentimento assustador e sorrateiro com este tipo, que é o que nós queremos. Mas acho que podemos acentuar isso ainda mais com um efeito de borrão neste tipo. É realmente como se o borrão estivesse emergindo da noite, a maneira como nosso lobisomem assustador vai emergir da noite, então vamos adicionar um efeito animado, um borrão em nossa próxima lição. 12. Como animar propriedades de efeito: Neste ponto, podemos ir em frente e desligar a nossa rede. Não vamos precisar disso chegando. Vamos em frente e desligar a nossa grelha. Vamos adicionar um efeito de desfoque ao nosso tipo. O tipo emerge não apenas com opacidade, mas também solidifica, acrescentando ao nosso sentimento atmosférico assustador, quase como o tipo está saindo da névoa. Com a nossa Camada de Tipo selecionada, vou subir sob efeitos e predefinições e vou digitar desfoque. Vamos usar o borrão gaussiano. Vá em frente e clique duas vezes no desfoque gaussiano para adicionar isso à nossa camada. Você pode ver que nossa janela de controle de efeitos se abre com o desfoque gaussiano nela. Agora eu não quero o tipo borrado depois que ele desaparecer, mas eu queria começar a borrar. Agora, para animar uma propriedade em um efeito, usamos o mesmo procedimento que usamos para animar qualquer propriedade. Começamos clicando no cronômetro. Agora eu poderia abrir o efeito aqui e bater o cronômetro bem aqui na linha do tempo, mas um pouco mais rápido para trabalhar aqui é começar por bater o cronômetro para cima nos controles de efeitos. Vou em frente e clicar nisso, que tem nossa configuração em zero, que é o que queremos neste ponto da animação. Então eu vou descer, selecionar a camada, eu vou apertar a tecla U e que agora vai abrir junto com a opacidade da posição, a propriedade embaçada. Lembre-se, a tecla U abrirá todas as propriedades dos quadros-chave. Imediatamente temos o que precisamos aqui, não temos que mexer com um monte de abas e bobagens. Nós também estamos economizando um monte de imóveis de tela porque se nós adicionarmos todas as transformações abertas e a guia de efeitos e a guia Gaussiana borrada com todas as suas propriedades, nós estaríamos usando um monte de imóveis, enquanto que agora temos apenas estes três itens é muito útil. Agora vamos J de volta e não podemos ver o tipo neste momento. Vamos alterar temporariamente esse valor de opacidade de volta para 90, só para que possamos ver o que estamos fazendo com o borrão. Vamos levantar este borrão um pouco. Então eu vou adicionar borrão. Levei muito tempo para aumentar isso. Se você quiser acelerar quando estiver deslizando em qualquer valor, clicando e arrastando qualquer valor, se você pressionar a tecla Shift, ela saltará por um fator de cinco, eu acredito, e podemos movê-la muito mais rapidamente. Vamos saltar para cerca de 100, e na verdade, estou indo em frente e digite 100. Agora você pode ver que está enevoado e confuso, quase como nossas nuvens ou nossa Aurora Boreal aqui. Estamos tentando igualar esse sentimento de nebulosidade. Então o nosso tipo vai emergir disso. Legal, é uma sensação agradável. Agora está se animando em solidez aqui com nosso tipo em total opacidade e sem desfocagem. Vamos retornar nossa opacidade para zero aqui e vamos definir o resto de nossos quadros-chave. Vamos para a frente e vamos definir nosso quadro-chave de desfocagem aqui novamente em zero. Então saltamos para o fim. Agora vamos copiar e colar este primeiro quadro-chave. Então eu vou selecionar o comando do quadro-chave C, comando V para copiar e colar esse desfoque definido em 100 lá no final. Ele desfoca junto com o desvanecimento no final. Agora, vamos também, porque queremos que o tempo também seja suave aqui, vamos comando clique para adicionar nossos beziers automáticos em nosso desfocado bem e clique na opção de comando para adicionar nosso quadro-chave de espera apenas para ter certeza de que mantemos esse valor de desfocagem tudo o caminho através. Agora, por que não colocamos um bezier automático na opacidade? Facilita ou beziers automáticos na opacidade geralmente muito, muito difícil de ver. Em alguns casos extremos eu os usei, mas em muitos, muitos casos você mal pode ver a diferença, especialmente apenas com facilidade. Uma vez que você começa a usar o editor de gráficos de movimento, isso é mais provável de ser útil, mas neste caso realmente não vai criar nenhuma diferença discernível, então eu vou deixar isso. Se você quiser, você pode adicionar um beziers auto para estes dois se você quiser e ver se você pode ver alguma diferença. Acho que é insignificante. Eu provavelmente não precisava adicioná-lo para o embaçado também, mas o embaçado é um pouco mais de um efeito perceptível. Provavelmente é um pouco mais perceptível do que opacidade. Vamos dar uma olhada no que temos aqui. Incrível, muito assustador. Realmente se parece com isso como é parte de todo o nosso ambiente, uma vez que combina com aquelas nuvens sábias ou que Aurora Borealis, ele tem uma cor muito semelhante, um sentimento semelhante. Agora nós temos aquele grande sentimento assustador, sorrateiro, esgueirando-se e escapando, então nosso tipo está agindo como nosso lobisomem. Vamos colocar uma opção de comando, clique em Adicionar e segure no final lá também. Mais uma vez, eu gosto de jogar seguro sempre que possível e apenas entrar nesses bons hábitos. Estamos quase terminando com nosso pequeno quadro título aqui, mas eu gostaria de acentuar o mau humor do quadro apenas um pouco mais com uma vinheta ao redor da borda. Para fazer isso, vamos usar uma camada de ajuste. Vamos dar uma olhada nisso na próxima lição. 13. Camadas e conceitos de máscara: Agora, como eu disse, quero adicionar uma vinheta a esta cena. Em outras palavras, para que as bordas do quadro escureçam para adicionar ao nosso mau humor e também criar um pouco mais de moldagem no quadro. Nosso fundo do céu noturno é praticamente como um pouco de um gradiente subindo, mas a vinheta lhe dará um pouco mais de forma e um pouco mais de humor e atmosfera. Agora, para criar esta vinheta, quero escurecer tudo no quadro, todas as nossas camadas de uma só vez. Sempre que você quiser adicionar um efeito a várias camadas, é recomendável usar uma camada de ajuste. Agora este é outro elemento que será familiar para aqueles de vocês que estão familiarizados com o Photoshop. Eles funcionam de forma semelhante, embora existam algumas diferenças significativas. Uma camada de ajuste é essencialmente um shell vazio para manter efeitos. Quando você coloca uma camada de ajuste em cima de uma ou mais camadas, ela terá efeito com qualquer efeito que você colocar sobre ela, qualquer uma das camadas abaixo dela. Vamos ver como isso funciona com nossa vinheta aqui. Eu estou indo para ir em frente e guia fechado meu tipo aqui e eu vou desmarcar clicando na área em branco da minha linha do tempo. Vamos subir em “Camada”, “Novo”, “ Camada de Ajuste ” e também ver a opção Comando Y também fará a mesma coisa. Eu vou ir em frente e criar essa camada de ajuste e inicialmente nada vai acontecer porque novamente, uma camada de ajuste é apenas um shell vazio que podemos adicionar efeitos. Vou nomear esta camada imediatamente, Vignette, para que saibamos o que ela é e o que ela vai fazer e vamos codificar a cor vermelha. O que queremos fazer é escurecer as bordas do nosso quadro, queremos escurecer todas as camadas juntas. Vamos começar criando esse escurecimento. O que vamos usar é um ajuste de níveis. Vou subir sob efeitos e predefinições e digitar níveis. Você pode ver “Níveis” aqui em “Correções de cores”. Vá em frente e clique duas vezes sobre isso, para adicionar níveis. Os níveis devem ser muito familiares para aqueles de vocês que são proficientes com o Photoshop. Níveis é uma ferramenta muito poderosa que essencialmente permite alterar a exposição de uma imagem. É projetado para fotografia e vídeo, mas também funciona muito bem em ilustrações. Para aqueles de vocês não familiarizados com como os níveis funcionam, e a propósito, se você tem uma situação de cãibra como esta onde você não pode ver todos os controles em sua janela, vá para a borda da janela. Você verá um pequeno símbolo de barra de seta dupla e eu posso clicar e arrastar e eu posso abrir isso lá para que possamos ver todo o nosso controle definido aqui. Você verá dois pequenos gráficos aqui, um histograma de todas as cores da nossa imagem. Isso representa a entrada, em outras palavras, o que a imagem parece como ela é. Então temos uma saída que permite mapear as cores de entrada através do espectro do escuro à luz. Agora você pode ajustar a entrada e a saída. Em muitos casos, quando você só deseja ajustar a exposição geral de uma imagem, você geralmente vai deixar a saída definida como está. Em outras palavras, você quer uma gama completa do escuro à luz. Agora, isso seria diferente se você estivesse tentando, diga “Reduzir contraste”, então você realmente se afastaria do preto na parte inferior ou longe da luz no topo. Queremos a nossa gama completa de contraste aqui. Não queremos tornar a imagem mais lisonjeada e menos contrastante. Só queremos escurecê-lo como se fosse uma exposição mais escura. Em vez disso, o que vamos fazer é mudar o nível de entrada. Nós basicamente vamos dizer, “Pegue uma cor mais clara, mais clara no espectro e mapee-a para preto para escurecer toda a imagem.” Eu vou pegar este pequeno controle deslizante aqui e eu vou deslizá-lo para a frente e eu estou indo para o escuro e toda a nossa imagem. Você pode ver que é como se estivéssemos tornando a exposição da nossa imagem lunar e do nosso fundo mais escura. Até afeta o tipo, então tudo foi escurecido. Isso é legal e tudo mais, mas queremos uma vinheta. Não queremos que a imagem inteira fique escura. Nós só queremos as bordas do quadro escuro. Para fazer isso, vamos usar uma máscara. Agora, as máscaras no After Effects podem ficar muito complicadas. Vamos aprender o básico aqui. Uma máscara basicamente permite que você corte uma forma de uma camada ou um buraco em uma camada. Neste caso, vamos fazer um buraco na camada para permitir que nosso fundo apareça no meio. A camada em que vamos cortar um buraco é a nossa camada de ajuste. Vamos fazer um buraco na camada de ajuste para ver através de nossa imagem normal sem o efeito sobre ela. Uma máscara é uma ferramenta baseada em vetor e você pode realmente desenhar máscaras, desenhá-las manualmente com a ferramenta caneta, mas você também pode usar a ferramenta de forma para desenhar máscaras com formas vetoriais básicas. Com nossa camada de ajuste selecionada e é muito importante que tenhamos essa selecionada porque se não tivermos a camada selecionada quando usamos a ferramenta de forma, vamos apenas criar uma forma. Mas o que queremos fazer em vez de fazer uma forma é cortar uma máscara em nossa camada. Queremos esta camada selecionada. Nós vamos subir e vamos pegar a ferramenta de elipse e eu vou clicar e arrastar na camada de ajuste e eu vou desenhar uma elipse. Mais uma vez, eu não teria desenhado uma máscara na camada. Eu teria apenas desenhado uma forma de elipse se esta camada não tivesse sido selecionada, mas como a camada foi selecionada, em vez de desenhar uma forma, eu desenho uma máscara. Isso é importante lembrar se você está tentando desenhar uma forma ou tentando desenhar uma máscara se você alguma vez obter o oposto, é por causa do que você teve ou não selecionou. Assim que desenharmos nossa máscara, a guia de máscara aparece em nossa camada de ajuste e você notará que a guia de máscara diz Máscaras”, e então aqui está a Máscara Um. Você pode ter várias máscaras em uma camada e pode criar relações relativamente complexas entre elas. Você também pode animar máscaras, mas vamos ver isso nas próximas aulas. Neste caso, tudo o que precisamos é cortar este buraco em nossa camada de ajuste. Agora você vê que nós realmente temos o oposto. Cortamos uma forma da nossa camada de ajuste, então nosso ajuste está dentro dessa forma e fora da forma não temos o ajuste. É o oposto do que queremos. Vamos descer até a máscara aqui e notar que o padrão é ser uma máscara aditiva. Em outras palavras, é cortar uma forma em vez de cortar um buraco. Para mudar isso, basta clicar neste menu Pull-Down e mudá-lo para uma máscara de subtração e agora estamos cortando um buraco na camada de ajuste, que é o que queremos. Mas também não queremos essa borda dura que parece super pateta. Queremos uma borda suave, então parece que está escurecendo suavemente na borda. Precisamos ver as configurações da máscara. Vamos para Tab, Open, Mask One, e dentro disso, você verá nossas configurações de máscara e a que queremos usar é a pena de máscara. Vou clicar e arrastar para cima nesta pena de máscara e eu vou manter pressionada a tecla Shift porque precisamos de muita pena nesta máscara. Eu vou manter pressionada a tecla Shift e eu vou clicar e arrastar para cima e eu vou para cima bastante longe, talvez cerca de 600 ou 700, algo assim. Bem, isso é talvez um pouco demais, vamos descer para 500 lá. Isso é um pouco melhor. Acho que exagerei um pouco no efeito. Isso é um pouco escuro demais. Vamos puxar nossa entrada preta, para trás um pouco. Vamos abaixar um pouco, algo um pouco mais parecido com isso. Isso é melhor. Temos um pouco de transição suave para preto nas bordas. Agora lembre-se, eu posso ativar e desativar o efeito para que eu possa ver a diferença ou eu posso ativar e desativar a visibilidade da camada de ajuste também. Qualquer um deles me permitirá ver com e sem o efeito. Você pode ver como isso nos dá, mais uma vez mais mau humor, é um pouco mais escuro, é um pouco mais misterioso como essas bordas desaparecem na escuridão, realçando nossa sensação temperamental e assustadora. Agora, a última coisa que vamos fazer é criar um fade in e fade out no início e no final do nosso quadro de título, para o polir. Vamos ver isso na próxima lição. 14. Trabalhando com sólidos: Vamos em frente e tabulação fechou nossa camada de vinheta aqui, e vamos criar um fade in e um fade out. Agora, todas essas camadas são definidas sobre um fundo preto. Você pode pensar que para criar um fade in e fade out, o que queremos fazer é animar a opacidade das camadas de 0-100. Mas há um problema com isso porque temos várias camadas, modos de mesclagem, coisas diferentes acontecendo. Se você tentar animar a opacidade de cada camada, é muito provável que você vai acabar com alguns efeitos muito incomuns que você não planejou por causa dos modos de mesclagem, camadas de ajuste, o que está acontecendo. As coisas vão se comportar não necessariamente do jeito que você quer. Agora, com nossa pequena cena aqui, pode não ser tão ruim, mas quanto mais complexas forem suas composições, mais impossível será tentar animar a opacidade em cada camada. Nas próximas aulas, vamos dar uma olhada na pré-compilação, o que resolveria alguns desses problemas. Mas também há uma maneira muito simples de criar um fade in e fade out e uma composição multicamada, e isso é usando um sólido. Se você se lembrar da parte 1 desta série, um sólido é uma camada que é apenas um quadrado ou um retângulo de qualquer tamanho ou cor. Este é um exemplo perfeito da situação em que há camada muito simples, mas muito útil vem a calhar. Vamos começar adicionando nossa camada sólida. Mais uma vez, vamos subir por baixo da camada. Novo sólido, também Command Y, e teremos nossa caixa de diálogo de configurações sólidas. Podemos nomear o sólido aqui. Vou chamá-lo de “fade in”, “fade out”. Quero que seja do tamanho da nossa moldura, que é de 1920 por 1080. Se você não tem 1920 por 1080 na sua largura e altura, e você quer que seu sólido seja do tamanho do seu quadro. Você pode apenas clicar em Make Comp Size e ele irá automaticamente torná-lo o tamanho de sua composição, o que é útil. Mas você pode digitar qualquer número aqui que quiser. Você pode torná-lo um quadrado, você pode torná-lo um retângulo de qualquer tamanho. Aqui na parte inferior, você tem seu seletor de cores, seu seletor de cores padrão. O que queremos é preto. Se por algum motivo você não tem preto aqui, clique no seletor de cores e certifique-se de que você tem preto, que você está em baixo em um desses dois cantos. Em seguida, clique em OK para adicionar o sólido. Você pode ver que o sólido apenas aparece na camada superior aqui. Observe que o padrão é vermelho, o que é útil porque eu quero ambas as camadas, que não são realmente camadas contendo qualquer imagem. Uma é a nossa camada de ajuste com o nosso efeito. Um é apenas um sólido preto para criar nosso fade in e fade out. Quer que eles sejam marcados com a mesma cor. Agora tudo o que temos que fazer é apenas animar a opacidade deste sólido. O que isso vai fazer é eliminar quaisquer surpresas se tentarmos animar a opacidade em todas as nossas camadas, também é menos trabalho porque tudo o que eu tenho que fazer é animar uma propriedade de opacidade em vez de um monte de propriedade de opacidade. Isso também nos poupa algum tempo. Vamos em frente e apertar a tecla T para abrir nossa propriedade de capacidade, vamos começar a opacidade aqui em 100, e vamos em frente a um segundo dentro. Vamos digitar um segundo fade in, e vamos animar isso até zero. Vamos Command Option clique para adicionar um quadro de tecla de espera lá apenas para ser seguro. Depois avançaremos para nove segundos, um segundo antes do fim. Acerte outro quadro de chave lá, ele automaticamente se torna um bloqueio. Então, clique Command para transformar isso de volta em um quadro-chave linear, e então vamos para o final aqui e digite 100 para desvanecer isso. Vamos ram visualizar nosso quadro de título acabado. Muito agradável. Ótimo. Estamos todos prontos para renderizar nosso projeto. 15. Renderização: Agora, nós olhamos para os procedimentos de renderização na última classe, mas vamos apenas revisá-los rapidamente aqui. Com nossa composição selecionada, vamos subir na composição, adicionar ao Adobe Media Encoder Q. Lembre-se de ser paciente enquanto o Adobe Media Encoder Q é iniciado e adicionar sua composição à fila. Às vezes, levará vários minutos. Assim que o Media Encoder Q for aberto e for adicionado, sua renderização na fila, clique abaixo da predefinição aqui e, novamente, seja paciente, pois a conexão de link dinâmico está configurada e você se encontrará nas configurações de exportação. Você pode alterar o nome de saída, se desejar, ou o local para o qual ele está renderizando. Eu só vou deixá-lo padrão para o nome da composição e renderização na pasta AME criada automaticamente dentro da pasta do meu projeto. Vou descer para as configurações de vídeo aqui. Role para baixo e vamos mudar a codificação de taxa de bits para 2 passes. Vamos mudar a taxa de bits alvo para oito, e a taxa de bits máxima para 10. Uma vez feito isso, clicaremos em OK e quando estivermos prontos para renderizar, aperte o botão verde renderização. Lembre-se de ser paciente enquanto estiver renderizando. O tempo de renderização será diferente dependendo do seu projeto, da velocidade e da configuração do seu sistema de computador. 16. Vejo você no próximo curso!: Espero que tenha aprendido muito com a segunda introdução à classe After Effects. Falamos muito sobre trabalhar com diferentes tipos de camadas no After Effects. Analisamos camadas de imagem, camadas de vídeo, camadas de texto, camadas de ajuste e sólidos. Também analisamos como adicionar efeitos animados e como trabalhar com modos de mesclagem. Aprendemos sobre os quadros-chave de base automática A e o valor de adicionar retenções móveis à animação de texto. Ao longo do caminho, criamos um quadro legal para o nosso novo show imaginário bem fora. Agora, é claro, se você quiser, você pode criar sua própria série de TV, filme ou jogo de vídeo ou usar seu programa favorito existente, filme ou jogo de vídeo e criar seu próprio quadro de título. Mas quer você me acompanhe exatamente ou se você fez sua própria coisa montando este projeto, eu adoraria ver o que você inventa e sei que seus colegas também o farão. Lembre-se de renderizar e postar seu quadro de título. Continuaremos nossa exploração do After Effects na terceira parte da série. Muito obrigado por assistir, e te vejo na próxima aula.