O design gráfico é a arte de combinar imagens, textos e ideias para criar trabalhos que capturem a atenção do espectador para comunicar uma mensagem específica. Como designers gráficos sempre estão lutando para saber como fazer exatamente isso, eles possuem uma variedade de dicas e técnicas para manter seu trabalho organizado e eficaz.

Os elementos do design são mais conhecidos como os blocos de construção de qualquer projeto. Até o portfólio de design gráfico mais complexo pode ser dividido em elementos fundamentais como linhas, formas e fontes. Aliás, os princípios do design — às vezes chamados de “os princípios da arte” — são regras que ajudam a definir e regular como esses elementos interagem um com o outro, com o seu contexto e com o seu público. Embora tanto os elementos do design como os princípios do design sejam conceitos importantes para conhecer, este artigo concentra-se nos elementos do design, que são considerados as características mais básicas de qualquer projeto de design gráfico.

Imagem via Temi Coker
Imagem via Temi Coker

Os sete elementos básicos do design gráfico são linha, forma, cor, textura, tipo, espaço e imagem. Cada um tem seus próprios pontos fortes e fracos. Domine esses elementos básicos e você levará seu portfólio de design gráfico para o próximo nível.

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Linha

As linhas são sempre mais do que apenas pontos que estão juntos. Dependendo da sua forma, peso, comprimento e contexto, as linhas podem ajudar a organizar informações, definir formas, dar movimento e transmitir emoções.

Quando se trata de selecionar as linhas apropriadas para projetos, os designers têm muitas opções. As linhas podem:

  • …ser horizontais, verticais ou diagonais.
  • …ser retas, curvas ou de forma livre.
  • …fazer zigue-zague ou criar outros padrões.
  • …ser sólidas, quebradas ou implícitas.

As linhas invisíveis encontradas nas grades dos projetos de impressão são usadas como guias, oferecendo mais estrutura e direção. Enquanto isso, linhas visíveis com peso e forma podem ser usadas para comunicar uma variedade de mensagens e sensações no trabalho finalizado do designer.

Pense nos tipos de linhas que você vê na sua vida cotidiana e lembre os tipos de mensagens que elas transmitem para você. Dependendo do seu contexto, linhas escuras mais pesadas podem comunicar estabilidade ou dar destaque a uma ameaça. As linhas rabiscadas podem sugerir excitação, confusão ou bagunça. As linhas em zigue-zague podem expressar eletricidade ou raiva, enquanto linhas onduladas podem sugerir fragilidade, elegância, incerteza ou beleza.

Como até linhas simples são capazes de transmitir tanto, os designers devem sempre considerar com cuidado como e quando usá-las para fornecer o maior impacto.

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Forma

Para fins de design gráfico, as formas são mais compreendidas como áreas, formas ou figuras contidas por um limite ou contorno fechado. Existem dois tipos de formas que todo designer gráfico deve entender: geométrica e orgânica (ou “fluxo livre”).

Formas geométricas podem incluir formas bidimensionais ou tridimensionais. Elas são criadas por um conjunto de pontos que se conectam por linhas retas ou curvas, e são geralmente abstratas e simplistas. Formas geométricas podem incluir triângulos, pirâmides, quadrados, cubos, retângulos, pentágonos, hexágonos, octágonos, decágonos, círculos, elipses e esferas.

Formas orgânicas são muito menos uniformes, proporcionais e bem definidas. Elas podem ser simétricas ou assimétricas. Elas podem incluir formas naturais, como folhas, cristais e videiras, ou formas abstratas, como bolhas e rabiscos.

As pessoas muitas vezes relacionam bordas arredondadas e anéis com positividade, comunidade, amor, amizade, e harmonia. Quadrados e retângulos podem sugerir equilíbrio, confiabilidade e força. E os triângulos têm associações culturais com ciência, religião, história, civilização e poder. Se você escolher um certo conjunto de formas, pode transmitir estabilidade, confiabilidade e organização. Escolha outras e você comunicará caos, criação e diversão.

De acordo com a psicologia Gestalt — uma teoria de design importante — as pessoas percebem o design vendo-o como um todo ao invés de vê-lo como partes individuais. Escolha formas interessantes e adequadas e você está no caminho para dar aos espectadores um design mais agradável visualmente e que mantem a atenção.

Cor

A cor pode ser uma ferramenta útil para comunicar um estado de espírito ou provocar uma resposta emocional do seu espectador. A teoria das cores e o círculo cromático fornecem um guia prático para designers gráficos que querem selecionar uma única cor ou combinar várias cores de um modo harmonioso — ou intencionalmente discordante.

No design gráfico, algumas cores são agrupadas em categorias específicas.

  • Cores primárias (vermelho, amarelo e azul) são definidas como cores de pigmento puro, a partir de onde todas as outras são feitas. Não há nenhuma maneira de misturar qualquer outra cor para criar vermelho, amarelo ou azul. Mas misture-as e você cria todos os tipos de tons.
  • Cores secundárias (violeta, verde e laranja) são os resultados imediatos de misturar duas cores primárias: vermelho e amarelo fazem laranja; azul e vermelho fazem roxo; e amarelo e azul fazem verde.
  • Cores terciárias (vermelho-alaranjado, amarelo-alaranjado, amarelo-esverdeado, azul-esverdeado, azul-arroxeado e vermelho-arroxeado) são as seis cores que resultam da mistura de uma cor primária e uma cor secundária.

Harmonias de cores são criadas quando duas ou mais cores são escolhidas a partir de suas posições no círculo cromático.

  • Cores complementares ficam opostas uma à outra no círculo cromático.  Elas são altamente contrastantes, e podem expressar vibração e energia ou ser visualmente chocante, dependendo de como são usadas. Vermelho e verde são cores complementares.
  • Esquemas de cores análogas usam cores que ficam ao lado uma da outra no círculo cromático. Elas são visualmente agradáveis e podem criar uma sensação de harmonia e calma em um design. No entanto, elas também podem parecer maçantes se usadas incorretamente, ou se não tiverem outros elementos contrastantes para energizá-las.
  • Esquemas de cores triádicas usam cores que são uniformemente espaçadas no círculo cromático. Elas são muito vibrantes e exigem equilíbrio para ser visualmente agradável.
  • Esquemas de cores complementares divididas usam uma cor base e as duas cores que são adjacentes à sua cor complementar. Elas fornecem um ótimo contraste visual sem ser chocante, e é por isso que muitos designers as preferem.
  • Esquemas de cores retangulares ou tetrádicas usam dois conjuntos de cores complementares. Como apresentam quatro cores, esquemas tetrádicos oferecem aos designers inúmeras variedades e resultados possíveis.
  • Esquemas de cores quadradas apresentam quatro cores que criam a forma de um quadrado no círculo cromático. Elas também apresentam muitos resultados possíveis de design, mas devem sempre ser equilibradas quando usadas.

Enquanto você considera seus esquemas de cores, você também pode decidir qual matiz e tonalidade são apropriadas para seu projeto. Cores pastéis podem parecer calmantes ou não passarem confiança, enquanto tons brilhantes podem transmitir diversão e felicidade, ou parecem baratas, no contexto errado. Tons mais escuros transmitem seriedade e profissionalismo, mas eles também podem passar uma impressão sombria ou maçante se não houver cuidado.

De acordo com os especialistas, os seres humanos têm respostas psicológicas diferentes à cor dependendo do contexto cultural. É importante aprender as associações de cores do seu público e explorá-las ou evitá-las, dependendo dos objetivos do seu projeto.

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Textura

Textura é a sensação de uma superfície — peluda, lisa, áspera, macia, grudenta ou polida. A maioria dos designers gráficos precisam transmitir textura visualmente, usando ilusões para sugerir qual a sensação que o seu trabalho causaria se os espectadores pudessem tocá-lo. Dominar textura é uma parte importante para fazer os designs parecerem refinados e profissionais.

Existem diferentes maneiras de experimentar com textura no seu trabalho de design. Se a natureza é uma inspiração para você, pode querer trabalhar com texturas orgânicas, inspirando-se em folhas, casca de árvore, pedras, pelos, flores, grama e solo. 

Ou você pode criar um padrão abstrato ao repetir uniformemente elementos bidimensionais e depois usar esse padrão para fazer um fundo texturizado. Considere trabalhar com tipografia texturizada para fornecer um interesse visual a mais.

Se você tem interesse em fotografia, também pode aprender a incorporar imagens no seu fundo que acrescentem camadas ao seu trabalho. Para contraste de textura adicional, ajuste o nível de saturação das cores e a transparência da sua foto e veja como isso afeta o clima do seu design.

Tipo

Se você está escolhendo uma fonte ou criando sua própria tipografia para um projeto de design gráfico, é importante certificar-se que o tipo que você usa seja legível e apropriado para o seu assunto. O tipo afeta o clima geral de um design, por isso, considere se suas letras devem ser impressas ou escritas, e se elas devem ter ângulos vivos ou arredondados.

O peso da sua fonte também é uma parte importante do seu design. Normalmente, letras grandes ou grossas passam a ideia de que as palavras que elas expressam são importantes. Se você não tem cuidado, no entanto, elas também podem parecer severas ou tumultuar o equilíbrio de um design. Letras finas podem transmitir elegância ou modernidade, mas também podem parecer frágeis. Se não consegue estabelecer uma fonte ou tamanho, pode haver espaço para você incorporar mais de um no design final do seu logotipo. Mas como regra geral, não exceda três em um determinado projeto.

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Espaço

O espaçamento é uma parte vital do kit de ferramentas de qualquer designer. Ele pode dar ao design o espaço necessário, aumentar seu impacto visual, equilibrar elementos visuais mais pesados, e enfatizar imagens ou mensagens que os espectadores devem lembrar. Sem espaço suficiente, um design pode correr o risco de se tornar muito visualmente confuso para seu público entender.

O espaçamento pode separar objetos ou vinculá-los. Espaço estreito entre elementos visuais transmite que eles têm um relacionamento forte, enquanto um espaço mais amplo comunica que eles são menos relacionados. Quando você envolve um elemento visual com espaço, você está enfatizando sua importância, mas o espaço também pode sugerir solidão e isolamento.

Espaço positivo refere-se ao espaço ocupado por elementos visuais nos quais um designer quer que seu público se concentre. Espaço negativo refere-se a todo o resto, incluindo o fundo. Muitos designers cometem o erro de se concentrarem apenas na criação de um espaço positivo, mas o espaço negativo organizado é igualmente essencial para uma composição coesa e visualmente interessante. Se você prestar atenção à maneira como o espaço negativo afeta seu design, ele pode elevar seu projeto de amador para profissional.

Imagem

Sendo usando fotos ou ilustrações, os designers gráficos dependem de imagens para prender a atenção do público e expressar mensagens específicas. Uma imagem funciona em vários níveis simultaneamente: fornece contexto para a comunicação de um designer, adiciona drama ou ação necessárias e cria um clima geral.

Ao incorporar imagens no seu trabalho, é vital encontrar uma imagem que conta a história certa e maximiza o interesse visual. Você pode escolher uma imagem com muitas cores contrastantes e texturas, o que oferece aos espectadores uma festa visual, para manter o público interessado. Ou você pode destacar uma parte específica de uma imagem, para conduzir onde colocam a maior atenção.

As imagens são talvez as ferramentas visuais mais impactantes da comunicação. Se você conscientemente usa esse poder em seu benefício, seu trabalho vai transmitir mais do que você nunca pensou ser possível.

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Conclusão

Você pode usar elementos de design em qualquer forma ou layout que requer texto, imagens e ideias para expressar algo único, desde pôsteres até quadros, a panfletos e embalagens. Aprenda a escolher e usar cada conceito com sabedoria e você estará bem no seu caminho para criar designs gráficos que são originais, comunicativos e visualmente atraentes.

Written By

Dacey Orr Sivewright

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