Utiliser le mouvement pour créer des photos d'art

1. Introduction: J'ai probablement déjà pris des photos. Des photos nettes, des photos nettes, des photos parfaitement exposées. Mais avez-vous déjà pris une photo qui donne l'impression d'être vivante ? Bienvenue. Il ne s'agit pas d'un cours de photographie technique. Il s'agit d'un cours sur la transformation du mouvement en émotion, sur la peinture sans pinceau, sur le contrôle de la lumière, la façon dont un peintre contrôle la peinture et sur la création d'images qui ne se contentent pas de montrer quelque chose, et sur la création d'images qui mais qui disent quelque chose. Bonjour. Je m'appelle Ib Camori Photographe artistique, de mode et de voyage. Je suis une ambassadrice d'Adobe et l' une des meilleures enseignantes de Skillshare. J'ai le plaisir de créer des images depuis environ 11 ans, et ce fut un voyage vraiment incroyable. La photographie artistique ne consiste pas à capturer la réalité. Il s'agit de le plier. Dans ce cours, nous allons créer des images à l'aide de la peinture animée, ralentissement de l'obturateur, mouvement de la lumière et du chaos intentionnel Nous allons créer des idées à partir de rien et concevoir des ensembles à partir de notre imagination. À la fin de ce cours, vous ne saurez pas simplement comment créer ces images. Tu sais penser comme un artiste derrière la caméra. Donc, si vous êtes prêt à ralentir et peindre avec de la lumière, commençons. 2. Orientation du cours: La plupart des gens apprennent la photographie en posant une seule question. Comment puis-je faire en sorte que cela soit beau ? Les photographes d'art se posent une autre question. À quoi est-ce que je veux que je ressente ça ? Parce que dès que les émotions deviennent plus importantes que la perfection, vous cessez d'être photographe, documenter la réalité et vous commencez à devenir un artiste, à la façonner La photographie artistique commence par l'intention et non par le sujet. Que comptez-vous communiquer par le biais d'une photo ? Est-ce un état d' esprit ou une émotion ? C'est pourquoi deux personnes peuvent photographier la même chose, et une seule crée de l'art par intention. L'art est interprétation et non précision. La photographie capture traditionnellement ce qui existe. La photographie artistique crée ce qui n'existe pas encore. L'image commence dans votre esprit bien avant que l' appareil photo ne sorte. Et la question que vous vous posez est de savoir ce que cela peut devenir ? Le mouvement représente l'émotion, ce qui signifie que vous pouvez parler à travers vos images. Le dicton selon lequel une image contient 1 000 mots prend vie lorsque le photographe comprend qu'il possible de raconter des émotions et d'intégrer des mots dans une image. Le mouvement n'est qu'un outil pour amplifier ce message. Voici quelque chose de fascinant. La caméra enregistre le temps au lieu de le figer, car chaque point du trait est différent d'une seconde par rapport à l'autre. On a presque l'impression de voyager dans le temps parce que vous regardez différents moments dans le même cadre. Dans ce cours, nous utilisons le motion painting, non pas parce que c'est cool, mais parce que le mouvement nous permet photographier quelque chose d'invincible : le temps, l'énergie et la mémoire Lorsqu'une image est parfaitement nette, le cerveau la comprend instantanément. Mais lorsqu'il y a du mouvement, le spectateur fait une pause. Ils commencent à ressentir au lieu de simplement voir, et c'est dans cette pause que l'art prend vie. Les appareils photo ne créent pas de l'art. Les décisions le font. Vous pouvez utiliser n'importe quel outil pour prendre une photo, mais c'est la décision que vous prenez qui détermine ce que vous appelez de l'art. Les erreurs deviennent souvent du style. Soyez donc ouvert à l'idée de prendre plaisir à créer, en sachant que tout est acceptable Le contrôle et la reddition coexistent. Vous pouvez donc avoir le contrôle de certaines choses, mais être prêt à laisser les choses se dérouler comme elles le font. Vous remarquerez quelque chose au cours de ce cours. Parfois, les meilleures images se produisent lorsque les choses tournent mal. Une lumière se déplace de façon inattendue, un sujet se déplace trop tôt, une traînée qui dure plus longtemps que prévu. En photographie commerciale, c'est une erreur. Mais dans le domaine de la photographie artistique, c'est peut-être le moment. Votre travail n'est pas de tout contrôler. Votre travail consiste à reconnaître le sens lorsqu'il apparaît. Je veux que vous preniez note de ces points importants. Premièrement, n'oubliez pas que nous expérimentons à chaque étape, alors soyez ouvert à l'expérimentation Deuxièmement, il faut de la patience pour ce type de photographie. De plus, tous les cadres ne fonctionnent pas. Enfin, l'artiste c'est la découverte. Ce cours ne consiste pas à prendre une photo parfaite. C'est une question d'exploration. Vous pouvez prendre 50 images et n'en aimer qu'une. La photographie artistique est plus proche de la sculpture que de la prise de vue Vous supprimez, affinez et recherchez jusqu'à ce que l' image apparaisse d'elle-même. Maintenant que nous avons compris ce qu' est réellement la photographie artistique, la question suivante est la où viennent les idées ? Parce qu'avant de construire des décors avant les lumières, avant les vitesses d'obturation, nous avons besoin de quelque chose de plus important, d'une raison de créer Parlons d'inspiration. Je te verrai au prochain cours. 3. Trouver des idées et trouver l'inspiration: L'un des plus grands mensonges de l'art c'est que j'attends l'inspiration. L'inspiration n'arrive presque jamais en premier. Les idées ne sont pas comme des éclairs. Ce sont des connexions. Et aujourd'hui, je vais vous montrer comment créer des idées intentionnellement au lieu d' espérer que la créativité se manifeste. Les idées naissent d'une émotion, d'un sentiment, d'une expérience personnelle. Avant de penser aux lumières ou aux poses, posez-vous une question. Qu'est-ce que je veux que quelqu'un ressente en voyant cette image ? Le calme, le chaos, la solitude ou même la liberté. La photographie d'art commence par l'émotion. Les visuels arriveront plus tard. Lorsque vous commencez par les visuels, vous copiez, lorsque vous commencez par les émotions, vous créez L'inspiration peut être puisée dans les peintres, les films, la mode, la musique, les sculptures et presque tout. Ensuite, vous combinez ces influences pour créer une pile d'inspiration, qui mène désormais à l'originalité. Chaque artiste emprunte, les peintres, les peintres étudient, les cinéastes étudient Le photographe doit tout étudier sauf parfois la photographie. Regardez les peintures pour les émotions colorées, les films pour l'éclairage, les modes pour la forme et le mouvement L'originalité vient souvent de la combinaison de choses qui n' ont jamais été censées se rencontrer Voici une méthode que vous pouvez suivre. C'est ce que j'appelle la directive ESM. Symbole d'émotion et mouvement. Choisissez d'abord une émotion, puis demandez quel symbole représente l'émotion : tissu fluide, lampe de hachage, fumée, mouvement Ensuite, nous pouvons ajouter du mouvement, car le mouvement transforme le symbolisme en énergie. Pour ce projet, le motion painting devient notre langage. Les idées les plus fortes proviennent généralement de quelque chose de personnel, d' un souvenir, d'un moment, d'un sentiment difficile à expliquer. Vous n'avez pas besoin d'une histoire dramatique. Parfois, ce sont les émotions calmes qui créent les images les plus fortes. Voici un exercice. Notez une émotion, une couleur, un type de mouvement. Un exemple serait l' agitation, les Bluetons, le chaos. Cela devient le germe d'un concept. N'attendez pas une idée de chef-d'œuvre. Vous devez simplement commencer modestement. Une émotion, une direction visuelle, un mouvement. C'est suffisant pour commencer. Maintenant que nous avons une idée, l'étape suivante consiste à transformer l'imagination en quelque chose de réel. Dans le cours suivant, nous apprendrons comment rechercher, affiner et préparer votre concept afin que votre journée de tournage soit intentionnelle plutôt qu'accidentelle. Je te verrai au prochain cours. 4. Rechercher et exécuter votre idée: Une idée forte peut échouer non pas parce qu'elle était mauvaise, mais parce qu'elle n'a jamais été traduite en plan. La photographie artistique semble spontanée, mais derrière chaque image puissante se cache une préparation intentionnelle. Aujourd'hui, nous sortons votre idée de votre tête et la structurons. La recherche ne consiste pas à copier. La recherche réduit la confusion créative. La préparation donne de la liberté lors de la prise de vue. La recherche ne limite donc pas votre créativité. Elle le protège. Lorsque vous comprenez votre orientation visuelle à l'avance, vous arrêtez de deviner le jour du tournage. Vous connaissez déjà l'ambiance, vous savez déjà ce que vous voulez faire, le mouvement, l' énergie que vous recherchez. Et cela permet à l'expérimentation de devenir intentionnelle plutôt que Randolph Collectez des textures, des couleurs, des références d'éclairage pas seulement des références photographiques, recherchez des sentiments, un sentiment qui reste constant. Moodboard ne consiste pas à trouver une référence parfaite. Il s'agit de créer une atmosphère visuelle. Vous pouvez collectionner des peintures aux couleurs similaires, des émotions, des images de mode, montrant des mouvements, des photos de films avec la direction de l'éclairage, des textures abstraites qui correspondent à vos sentiments Vous ne copiez pas d'images. Vous définissez un langage visuel, vous rassemblez donc tous ces éléments et vous les inscrivez sur votre mood board. Chaque décision technique doit répondre à une question. Est-ce que cela renforce l'émotion ? Si votre idée semble calme, le mouvement peut être lent et fluide. Si votre idée vous semble chaotique, peut que les effets du déclencheur soient agressifs plus abstraits et plus imprévisibles La technique suit votre concept, et non l'inverse. Maintenant, une habitude professionnelle très importante consiste à tester avant le tournage. Faites enregistrer le résultat final par vos tests de lumière , vos expériences de mouvement et vos petits échecs. Avant de réaliser une véritable expérience de prise de vue, déplacez la lumière, testez vos vitesses d'obturation, essayez des configurations imparfaites, placez vos lumières partout testez vos vitesses d'obturation, essayez des configurations imparfaites, placez vos lumières Ces tests ne sont pas des efforts inutiles. Ce sont en fait des choses qui vous aident à savoir ce que vous voulez et à approfondir votre idée. Vous commencez à apprendre comment l'image veut exister. La photographie finale n' est pas uniquement visuelle. C'est une orientation émotionnelle. L'environnement que vous créez influe sur le mouvement, l'expression et l'énergie. Parfois, l'atmosphère du plateau fait partie intégrante de l'œuvre elle-même. Maintenant que nous savons ce que nous voulons créer, il est temps de construire le monde où il existe. Dans le prochain cours, nous concevrons le décor, façonnerons la lumière et créerons un espace où le mouvement et l'imagination peuvent prendre vie. Je te verrai au prochain cours. 5. Environment Design: La plupart des gens pensent que de belles photos nécessitent de bons emplacements. La photographie financière enseigne quelque chose de différent. Vous n'attendez pas l'espace idéal. Tu en construis un. Aujourd'hui, nous transformons un espace vide en un environnement émotionnel conçu spécifiquement pour notre idée. Lorsque les peintres travaillent, rien n' apparaît par hasard sur la toile. Chaque couleur existe pour l'équilibre. Chaque forme guide le regard. Votre ensemble fonctionne de la même manière. Nous ne décorons pas. Nous composons l'espace. Maintenant, demandez-vous constamment qu'est-ce que cela ajoute à ce sentiment ? Si cela n'ajoute rien, supprimez-le. Trop de détails tuent le mouvement. Des arrière-plans simples permettent aux traînées de lumière de respirer. Nous concevons non seulement ce que la caméra voit en un instant, mais aussi ce qu'elle enregistre au fil du temps. Mais souvenez-vous de ce rôle important, il n'y a pas de règles. Prenez, par exemple, cette photo que j'ai prise de Bentley. C'est un arrière-plan chaotique avec une voiture en acier. Et j'ai utilisé cela à mon avantage et j'ai utilisé mouvement pour montrer le chaos où le calme règne dans le brouillard Obtenez-le maintenant. Vous décidez essentiellement de la façon dont votre pinceau bougera avant le début de la peinture. Prenez, par exemple, cette photo que j'ai prise en camping au Nigeria. nuit, je jouais avec ma lampe et peignais simplement avec. C'était amusant. Maintenant, voici des choses qui peuvent aider cette session. Vous devez définir des zones de mouvement à votre sujet, marquer doucement sa position car la sécurité et le confort améliorent les performances Votre sujet a besoin de liberté mais aussi d'orientation. J'aime créer des limites invincibles, des zones où le mouvement semble le plus fort Aujourd'hui, accepter les imperfections tout en créant signifie qu'un léger chaos fait place à l'authenticité plutôt qu'à la perfection Les derniers sets devraient sembler intentionnels, mais c'est une vie. Si tout semble trop contrôlé, l'image perd de l'énergie. Parfois, une ride, une ombre ou reflet inattendu deviennent l'élément qui rend le cadre réel. Laissez place à la découverte. On ne sait jamais ce que l' on pourrait trouver. Maintenant, le monde est prêt. Les lumières sont placées. L'espace a une intention. Dans le cours suivant, tout est réuni. C'est du tournage. Je te verrai au prochain cours. 6. Journée de séance: Bonjour. C'est le moment où tout change. Les idées cessent d'être de la théorie, la planification cesse d'être de la préparation. Et aujourd'hui, nous cessons d'imaginer l'image et commençons à la découvrir Bienvenue chez Shoot ting. Avant le début du tournage, vous devez définir l' énergie et l'atmosphère. Ce que je fais habituellement, c'est de choisir une chanson qui se rapporte à ma session et de laisser le mannequin s'y habituer. Avant même de prendre l'appareil photo, je me concentre sur l'énergie. La photographie artistique est une activité émotionnelle. Si l'espace est tendu, les mouvements deviennent raides. Si l'environnement est sûr et créatif, le sujet commence à explorer naturellement. S. G Maintenant sur le plateau, vous voulez donner une orientation émotionnelle, pas des instructions mécaniques. Utilisez des mots comme « flow », «   résister » ou « relâcher ». Je dis rarement de bouger le bras ici ou de faire ceci ou cela. Au lieu de cela, je décrit les sentiments. Alors je dis bouge comme si tu poussais dans l'eau ou bouge lentement comme si le temps presse et laisse-toi suivre par la lumière. Lorsque le sujet comprend ses émotions, le mouvement devient naturel. Vous essayez donc de ne pas le forcer et de trop diriger, vous voulez qu' ils l'obtiennent naturellement. Maintenant, notez ceci. Vous devez souvent revoir vos cadres, ajuster les mouvements de la lumière et changer les choses de temps en temps. Modifiez également votre vitesse d'obturation de temps en temps et testez d'autres réglages. Les artistes ressentent l'apparition de l'image. Je te conseille d'arrêter de courir après une fois que tu l'as. Vous voulez de la qualité plutôt que de la quantité. Donc, une fois que tu l'auras, c'est tout. Il y a généralement un moment au cours d'un tournage où quelque chose clique. Le mouvement s'aligne, la lumière se comporte différemment. L'émotion semble réelle. Vous le ressentez instantanément. Et lorsque cela se produit, vous devez ralentir. Affinez au lieu de vous précipiter. C'est souvent là que réside l'image finale. Nous avons créé des centaines de moments aujourd'hui, mais la photographie ne s'arrête pas à la fin du tournage. C'est maintenant le moment où l'image devient véritablement de l'art. Dans le cours suivant, nous abordons le montage, où nous façonnons notre atmosphère, nous affinons le mouvement et nous transformons les images brutes en expression finale. Je te verrai au prochain cours. 7. Montage: Bonjour. Bienvenue dans le cours qui parle de montage. Aujourd'hui, nous allons éditer sur Adobe ltrm, qui peut être utilisé sur votre PC et sur votre téléphone J'utilise ce logiciel pour retoucher toutes mes images, et j'adore sa simplicité d'utilisation et les outils qu'il propose pour créer. Allons-y. Tout d'abord, j' importe toutes mes images dans tron et je passe à la phase suivante, qui consiste à sélectionner celles qui conviennent à notre projet. L'avantage de ce logiciel est que vous pouvez sélectionner simplement en appuyant sur est que vous pouvez sélectionner simplement en appuyant Suivant et en cliquant sur un à cinq pour mettre vos images en étoile afin de savoir laquelle fonctionne le mieux. J'en utilise donc un à cinq. Donc, si ce n'est pas cinq étoiles, cela ne fonctionne pas pour moi. Ouais. Nous allons donc le faire maintenant avec le processus de sélection, et vous verrez comment je sélectionne et pourquoi je sélectionne certaines images en particulier. Je ne le sélectionne donc pas car cela ne montre rien de particulièrement pour moi. Cela ne montre rien pour moi. Ça ne l'est pas aussi bien. C'est bien, donc je vais en mettre cinq. C'est incroyable. Je vais en mettre cinq. Non, non C'est très bien. Alors maintenant, éditons ceux qui me plaisent. Donc, tout d'abord, je vais juste vérifier tous mes préréglages pour voir si mon humeur me convient Les préréglages m' aident donc à modifier plus rapidement, et je prends mon temps pour créer des préréglages Certains des préréglages que j'ai reçus ont été créés il y a environ neuf ans, et je continue de les peaufiner et de travailler dessus au fil des ans pour les adapter à mon style au fur et à mesure qu' il Certains de ces préréglages sont disponibles dans mes produits, et vous pouvez les acheter en disponibles dans mes produits, cliquant sur mon lien et en vérifiant la disponibilité de mes produits Je vais donc utiliser mon préréglage ici, et vous pourrez voir ce qu'il a fait. Donc, en gros, ce sont des Noirs écrasés, et, euh, oui. Donc j'essaie juste de faire ressortir l'orange un peu plus, faire revenir le blues en arrière-plan, et juste d'ajouter des contrastes, mais juste quelques blocs. Ensuite, la prochaine chose que je vais faire est, bien sûr, d'augmenter la luminosité de saturation du blues Donc ça saute un peu plus. Et puis voilà, nous allons juste me laisser voir à quoi cela sert. Donc oui, souvenez-vous de mon rôle. Mon rôle est de clarifier les choses. Ça marche, puis tu en découvres d'autres dans ton style. Donc j'aime bien ça, et je pense que je vais juste en rester là. Ensuite, je voudrais ajouter du vert parce que c' est spécifique à moi et à mon style. Je vais donc juste y ajouter un peu de vert. Ensuite, oui, je vais juste y ajouter un petit coup de pouce, et faisons une halation Donc, si tu veux créer de la haine, va dans tes virages, passe au rouge, puis fais simplement glisser ça vers le bas. Comme si tu écrasais les Blancs. Et nous voyons ce que cela donne. Je donne juste, comme un « oui » salé. OK. Donc, la prochaine chose que nous allons faire est de procéder à mon étalonnage et de réduire les teintes de mes bleus à environ -43, puis la saturation également Donc oui, je l'utilise pour ajuster mon teint de temps en temps chez les Noirs, comme notre peau et tout le reste, pour le faire ressortir. Bien qu'aucune couleur de peau ne soit particulièrement visible sur cette image, elle fait juste ressortir un peu plus l'orange , comme vous pouvez le voir ici. Génial Maintenant, je vais juste copier ces supports, et y ajouter un calibrage ici. Copiez ces cétans, puis on colle et on s'amuse avec le reste Tout conserve donc la même cohérence. Maintenant, ici, nous pouvons voir qu'il y a des lumières derrière sa tête. J'ai envie de jouer avec ça. Je vais juste ajouter un masque derrière sa tête et un amplificateur de lumière juste à ce Je ne veux pas passer au rustique. Juste ce qu'il est vraiment autant que nous le souhaitons. J'aime bien ça. Ensuite, nous allons simplement ajuster à nouveau l'exposition. Et jouons avec les yeux. OK, c'est de la glace, voyez ce que ça fait. OK. Génial J'aime donc ce que cela fait. Donc cette image. Sympa. Maintenant, nous voulons jouer un peu. Appuyez un peu sur les pelles. Oui, je pense que c' est une bonne chose. Celui-ci. Donc, il suffit de coller notre piqûre vous pouvez déjà voir ce que c'est fait. Vous pouvez le modifier et voir à quoi il ressemble lorsqu'il est complètement bleu ou lorsqu'il est différent exemple, la botte donne l'image d'aujourd'hui et nous donne une thérapie sensorielle différente . Je vais donc m'en servir pour l'enlever si rapidement. Je viens de recevoir un peu de phi it. Ouais. J'essaie de le donner, exemple, pour maintenir la composition. La prochaine chose que je veux faire, c'est peut-être diminuer. Vous savez, je réduirais, en fait, nos points forts, car cela éliminerait toutes les autres distractions. J'aime ça, peut-être. Oui, nous augmentons nos blancs, il suffit d'attendre un peu comme ça. Ça va. Oui, j'aime vraiment ça. Ensuite, je veux jouer sous la teinte. Vous pouvez donc voir que cela nous donne déjà une ambiance vraiment cool Bien que j'aime bien, je vais juste prendre ma retraite, je vais juste prendre ma retraite parce que j'aime ça Je vais maintenant ajuster quelques éléments, juste pour tester ce que nous faisons et ce que nous aimons encore plus. J' aime juste les ombres, faire plaisir. Oui, je l'aime bien comme ça. Il suffit de jouer avec quelques parties et de voir ce que nous aimons comme ça. Ensuite, c'est le vert. Je pense que pour cela, nous allons quand même ajouter un peu de vert, réduire un peu la rugosité Hum, nous sommes prêts à partir. Voici cette image. J'adore cette image. Celui-ci a maintenant un ton plus chaud, c'est pourquoi lorsque nous le rendons rouge, ces choses n' arrêtent pas d'apparaître Nous voulons donc nous en débarrasser. On le fait juste maison. Ça nous plaît. C'est une bonne chose. Donc, un peu de teint se voit. Ensuite, nous augmentons simplement nos reflets et ajoutons des ombres. J'aurais juste dû. Oui, j'aurais dû, pas de correction. Euh. Voici la saturation. Il y a la saturation. Voilà la cire. Crée le contraste. Exposition. Oh. J'adore ça. C'est donc là je le répète également l'expérimentation, car maintenant je viens de faire des expériences et de découvrir que l'exposition, étant sombre, fonctionne parfaitement bien, cette image est magnifique Il suffit donc de recadrer cela , de supprimer les détails supplémentaires et de nous concentrer sur ce que nous avons ici. C'est incroyable. Ce que je veux faire maintenant, c'est simplement améliorer ce que nous avons fait, je vais choisir mon pinceau et simplement le brosser ici. Point culminant du fragment temporel. Je vais juste passer à s. Donc c'est le dernier gars. J'aime tellement cette image. Hum, Sun essaie de voir ce qui fonctionne. C'est sympa, ou c'est aussi très sympa. Soyons clairs. Voyons ce que j'obtiens. C'est marrant, en fait j'aime beaucoup ce vert parce que je n'ai jamais vraiment joué avec le vert sur mes photos Donc je veux dire, c'est un peu contradictoire sur ce qu'il faut faire. OK, donc je pense que je vais utiliser le vert. Ouaip. Je vais utiliser du vert. Sympa. Sympa. Au-dessus de nos ombres. Réduisez le blanc au point de faire ressortir les reflets , puis réduisez les blocs Ensuite, je veux jouer avec ça, juste pour voir ce que cela nous donne. J'aime bien ça. Jouez aussi avec ça. Ça ne me plaît pas. Je vais juste y retourner. J'adore celui-ci, il le fait déjà. Donc je vais juste le laisser là-haut. Sympa. Ce grain est un peu vert. Ouais. Nous y voilà. Eh bien, égalisez le plat pour voir quoi que ce soit. C'est sympa. J'adore cette image. Magnifique. Parfait. Alors, allons-y. Nous avons toutes nos images ici et la façon dont nous les avons retouchées pour qu'elles ressemblent à de l'art et à des objets que nous pouvons réellement accrocher au mur. J'aime donc tellement ces images. Et comme vous pouvez le voir, je viens d'en faire mon fond d' écran, mon fond d'écran. Et ça a l'air incroyable. J'ai hâte d' essayer les autres et de voir à quoi ils ressemblent également. Oui, alors voilà. Vous avez ces images. Comme vous pouvez le voir, elles sont belles, artistiques. C'est comme ça que tu le fais. C'est ainsi que vous pouvez également faire en sorte que de telles images soient diffusées. Et c'est ainsi que vous créez un portfolio dans le domaine de la photographie artistique lorsqu'il s'agit de déplacer et de flouter vos images J'espère que vous avez passé un très bon moment à éditer avec moi, et j'ai hâte de vous voir essayer ces modifications par vous-même Je vous encourage à publier vos modifications dans l'onglet du projet. J'adorerais voir ce que vous faites, et j'adorerais vous donner des commentaires positifs sur ce que vous faites et savoir jusqu'où vous en êtes en matière de création avec le mouvement. Votre mission est donc de créer une idée, photographier avec du mouvement, de vous amuser avec elle et de la publier sous forme de projet. J'adorerais voir ce que tu crées. Je te verrai au prochain cours. 8. Conclusion: À ce stade, vous savez comment créer l'image, mais créer de l'art et comprendre l'art sont deux objectifs différents. Parce que la vraie question n'est plus : comment ai-je fait ça ? Cela devient : qu'est-ce que cela dit de moi ? Je veux que vous vous éloigniez de pensée technique et que vous considériez votre image comme un monde étranger. C'est la première réaction émotionnelle qui compte le plus. Lorsque vous regardez vos photos finies, essayez d'oublier à quel point il a été difficile de les créer. Le spectateur ne connaît pas vos paramètres et ne sait pas combien de tentatives il vous a fallu. Ils ne ressentent ce que l'image leur donne que dans les premières secondes. Les images ressemblent davantage de l' art lorsqu'elles ont un motif cohérent, principalement le résultat de choix intentionnels travaillant ensemble. Vous devez également faire de la place pour l'interprétation. Une chose essentielle à noter lorsque vous découvrez votre voix est d'arrêter de courir après vos amis. Votre voix artistique ne s'invente pas du jour au lendemain. Elle apparaît très lentement. Repensez à votre travail et remarquez vos habitudes. Si vous penchez pour la douceur, le chaos, le minimalisme, le mouvement, cela peut être n'importe Et ces choix répétés ne sont pas le fruit du hasard. Ce sont des indices. Votre voix existe déjà. Votre travail consiste simplement à le remarquer et à lui faire confiance. Maintenant, lorsque vous présentez votre travail en tant que photographe d'art, vous devez savoir que les séries comptent plus que les images uniques, et voici pourquoi. La raison en est qu' il crée, par exemple, couleurs et une ambiance cohérentes, qui peuvent être facilement associées à l'art, à la raison et aux violets La photographie artistique prend l'ampleur lorsque les images cohabitent. Prenez, par exemple, cette grille sélectionnée sur ma page. Il y a du violet dans le classement, ce qui permet aux spectateurs de s'y identifier Cela se voit et cela se voit dans que ressentent les spectateurs lorsqu'ils les voient tous ensemble. Une collection raconte une histoire plus profonde qu'une seule photo. Vous ne vous contentez plus de créer des photos , vous créez des expériences. Assurez-vous donc de toujours garder cela à l'esprit. Lorsque nous avons commencé ce cours, nous avons parlé de la transformation du mouvement en émotion. Vous avez appris à créer des idées, à façonner la lumière et à peindre avec, mais le véritable objectif n'était pas le motion painting. C'était apprendre à voir différemment. En tant que photographe artistique ne s'agit pas de maîtriser une technique Il s'agit de la façon dont vous interprétez le monde. Et une fois que vous le voyez clairement, chaque photo que vous créez désormais porte une partie de vous. Si vous aimez ce cours, oubliez pas de consulter mes autres cours sur la photographie. Merci d'avoir créé avec moi.