Un paysage ensoleillé à l'aquarelle : lumière, distance et atmosphère.

1. Bienvenue au cours !: Bonjour à tous. Je m' appelle Will Elliston Et aujourd'hui, nous peignons une scène de campagne ensoleillée à l'aquarelle Ce que j'aime vraiment dans ce sujet, c'est la façon dont il nous invite à peindre avec liberté et intention. Le ciel ouvert, les montagnes lointaines et les vastes champs nous donnent de l'espace pour travailler librement, tandis que la maison, les arbres et le sentier fournissent juste assez de structure pour maintenir le tout ensemble Nous explorerons les relations chaleureuses et froides et la manière de suggérer la richesse du pays sans trop décrire les détails. Je suis artiste professionnel depuis de nombreuses années, explorant de nombreux sujets différents, tels que la faune et les portraits, les paysages urbains et les J'ai toujours été fasciné par les possibilités de l'aquarelle Mais quand j'ai commencé, je ne savais pas où commencer ni comment m'améliorer. Je ne savais pas de quel matériel j'avais besoin, comment créer les effets que je voulais, ni quelles couleurs mélanger. Aujourd'hui, j'ai participé à de nombreuses expositions dans le monde entier, figuré dans des magazines et j'ai eu la chance de remporter des prix décernés des organisations réputées telles que l'International Watercolor Society, la Masters of Watercolor Alliance, Windsor and Newton et la SAA L'aquarelle peut être bouleversante pour ceux qui débutent, c'est pourquoi mon objectif est de vous aider à vous sentir détendu et à apprécier ce médium étape par étape. Aujourd'hui, je vais vous guider à travers une peinture complète, démontrant diverses techniques et en expliquant comment j'utilise toutes mes fournitures et tous mes matériaux. Que vous soyez débutant ou que vous ayez déjà de l'expérience, vous serez en mesure de suivre votre propre rythme et d'améliorer vos compétences en aquarelle Si ce cours est trop difficile ou trop facile pour vous, j'ai une variété de cours disponibles à différents niveaux de compétence. J'aime commencer par une approche expressive libre, sans crainte de faire des erreurs, lorsque nous créons des textures passionnantes pour la sous-couche Au fur et à mesure que la peinture avance, nous ajouterons plus de détails pour lui donner vie et la faire ressortir. Je m'efforce de simplifier les sujets complexes en faire des formes plus faciles qui encouragent l'espièglerie Tout au long de ce cours, je partagerai de nombreux conseils et astuces. Je vais vous montrer comment transformer les erreurs en opportunités, éliminant le stress lié à la peinture pour vous amuser. Je vous fournirai également mes tableaux de mixage d'aquarelles, qui sont un outil précieux pour choisir et mélanger les couleurs Si vous avez des questions, vous pouvez les poster dans le fil de discussion ci-dessous. Je ne manquerai pas de lire et de répondre à tout ce que vous publiez. N'oubliez pas de me suivre sur Skillshare en cliquant sur le bouton Suivre en haut Cela signifie que vous serez le premier à savoir quand je lancerai un nouveau cours ou que je publierai des cadeaux Vous pouvez également me suivre sur Instagram chez Will Elliston pour voir mes derniers travaux Commençons donc et peignons un paysage à la fois spacieux et accueillant. 2. Votre projet: Merci beaucoup d'avoir participé au cours d'aujourd'hui. Considérez cette peinture comme un voyage dans la profondeur et l'atmosphère. Le chemin sinueux devient une invitation à entrer dans la scène, guidant le regard depuis le premier plan vers la chaleur de la maison et, au-delà, vers les collines d'un bleu doux Autour de cela, nous avons un joli contraste entre la structure et le relâchement naturel, toits et des arbres soignés, des herbes cassées, des fleurs et un ciel changeant Cela en fait un excellent sujet pour explorer les domaines dans lesquels il faut être précis et où laisser l' aquarelle rester ouverte, douce et pleine de vie Dans la section des ressources, j'ai ajouté une image en haute résolution de ma peinture terminée pour vous guider. Vous pouvez suivre exactement ma peinture ou expérimenter votre propre composition. Comme nous allons nous concentrer sur l'aspect peinture de l'aquarelle, j'ai fourni des modèles que vous pouvez utiliser pour transférer ou tracer le croquis avant de peindre Il est bon de le tracer lorsque vous l'utilisez comme guide pour apprendre à peindre. Il est important que le sous-dessin soit correct afin que vous puissiez vous détendre et vous amuser en apprenant le médium de l' aquarelle lui-même Quelle que soit la direction que vous prenez dans ce cours, serait formidable de voir vos résultats et les peintures que vous créerez grâce à ce cours. J'adore donner des commentaires à mes étudiants, alors prenez une photo par la suite et partagez-la dans la galerie de projets étudiants sous l'onglet projets et ressources. Je suis toujours intriguée de voir combien d'élèves ont des approches différentes et comment ils progressent dans chaque classe J'aimerais connaître votre processus et ce que vous avez appris en cours de route, ou si vous avez rencontré des difficultés. Je vous recommande vivement de regarder travail de chacun dans la galerie de projets des étudiants. C'est tellement inspirant de voir le travail de chacun et extrêmement réconfortant de bénéficier du soutien de ses camarades de classe N'oubliez donc pas d'aimer et de commenter le travail de chacun. 3. Matériel et fournitures: Avant d'esquisser cette scène, passons en revue tous les matériaux et fournitures dont vous aurez besoin pour suivre. Le fait de disposer des bons matériaux peut un impact considérable sur le résultat de votre œuvre d'art. Je vais donc passer en revue toutes les fournitures que j'utilise pour ce cours et au-delà. est très utile de les avoir à votre disposition et nous vous aiderons Il est très utile de les avoir à votre disposition et nous vous aiderons à les suivre plus facilement. Commençons par les peintures elles-mêmes. Et comme la plupart des matériaux que nous utiliserons aujourd'hui, cela dépend en grande partie des préférences. J'ai 12 couleurs stables dans ma palette que je remplis à partir de tubes. Ils sont jaune cadmium, jaune ocre, sienne brûlée, rouge cadmium, rouge d'alizarine, bleu opramarne, bleu cobalt, bleu syllan, lavande, violet, ridian, noir, et à la fin du tableau, j'utilise souvent de la gouache blanche pour les petits reflets . Je n'utilise aucune marque en particulier. Vous pouvez obtenir ces couleurs auprès de n'importe quelle marque, même si j' utilise personnellement les peintures Daniel Smith, Windsor et Newton ou Holbein Passons donc aux pinceaux. Le pinceau que j'utilise le plus est un pinceau rond synthétique comme ce pinceau Escoda Purl ou ce pinceau Van Ils sont très polyvalents car non seulement vous pouvez les utiliser pour des travaux détaillés avec leur pointe fine, mais comme ils peuvent contenir beaucoup d'eau, ils conviennent également aux laveuses Ils sont également assez abordables, j' en ai donc pas mal de tailles différentes. Viennent ensuite les brosses à balai. Les pinceaux à balai sont parfaits pour les coups de pinceau larges, remplir de grandes surfaces et pour créer des transitions ou des lavages en douceur Ils ont également une belle pointe qui peut être utilisée pour les petits détails. Mais pour les plus petits détails, les reflets ou tout ce qui demande plus de précision, j'utilise un pinceau synthétique de taille zéro. Toutes les marques en ont, et ils sont super bon marché. Un autre pinceau utile est un pinceau de calligraphie chinoise Ils ont tendance à avoir de longs poils et une pointe très pointue. Ils sont parfaits pour ajouter de la texture ou créer des lignes dynamiques dans vos peintures. Vous pouvez même les étaler ainsi pour obtenir des textures de fourrure ou de plumes Et c'est tout pour les pinceaux. Sur du papier. votre papier est de qualité, plus il sera facile à peindre. Le papier bon marché se plisse facilement et est très impitoyable, permettant pas Il est plus difficile de créer des effets attrayants et appliquer des techniques utiles comme le frottement des pigments. Cependant, le papier de bonne qualité, tel que le papier à base de coton, vous permet non seulement de retravailler les erreurs plusieurs fois, mais comme le pigment réagit beaucoup mieux, les risques d' erreur sont beaucoup plus faibles et vous aurez plus de chances faibles et vous aurez plus créer de meilleures peintures J'utilise du papier Arches parce que c'est ce que l'on trouve dans ma boutique d'art locale. Un jet d'eau est absolument indispensable. En l'utilisant, vous aurez plus de temps pour peindre les zones que vous souhaitez avant qu'elles ne sèchent. Cela vous permet également de réactiver la peinture si vous souhaitez ajouter une ligne lisse ou enlever de la peinture J'ai aussi un vieux chiffon ou t-shirt que j'utilise pour nettoyer les pinceaux Nettoyer la peinture avant de la plonger dans l' eau prolongera la durée de vie de l'eau Il est toujours utile d' avoir un mouchoir à portée de main lorsque vous peignez pour enlever l'excédent de peinture. De plus, vous ne savez jamais quand éclaboussures ou des gouttes indésirables peuvent se produire et qu'il faut les essuyer rapidement. J'ai également un compte-gouttes pour garder les peintures humides. Lorsque vous peignez, il est important que leur consistance soit similaire à celle des tubes. De cette façon, il est plus facile de prélever suffisamment de pigment. Un sèche-cheveux est utile pour accélérer le temps de séchage et contrôler l' humidité du papier. Et enfin, du masking tape. Bien entendu, il s'agit simplement de maintenir le papier immobile sur surface pour l'empêcher de glisser pendant que vous peignez. De plus, si vous prévoyez de peindre jusqu'au bord, cela vous permettra de créer une bordure très nette et propre. Et c'est tout ce que vous devrez suivre dans le cours d'aujourd'hui. Passons à l' esquisse de cette scène. 4. Préparer la composition: Donc, avant qu'une peinture ne tombe, nous devons l'esquisser. Et si vous n'utilisez pas le gabarit de traçage , je vous conseille de l'utiliser car il permet simplement de gagner du temps et de rendre les choses plus précises pour le processus de peinture. Mais si vous voulez créer votre propre peinture originale, cela vaut certainement la peine de ralentir, car lorsque les gens regardent une aquarelle aussi souple que ralentir, car lorsque celle-ci, ils pensent souvent que c' est la liberté qui passe avant tout Ils voient les bords cassés, les herbes douces, le ciel dérivant et tout ce joli papier ouvert Et ils s'imaginent que le tableau a dû être improvisé dès le début Mais en réalité, ce qui permet à la peinture de se sentir libre plus tard, c'est cette structure qui a déjà été pensée avec soin. C'est pourquoi il est utile s'assurer que le dessin est précis dès le départ et pourquoi je vous conseille d'utiliser ce modèle dans la section des ressources si vos compétences en dessin ne sont pas fiables ou confortables. Bien sûr, c'est quelque chose que vous devez pratiquer de toute façon. Alors peut-être que vous pouvez l' esquisser sur une feuille de papier séparée juste pour vous entraîner. Ensuite, utilisez mon modèle pour votre peinture principale. Donc, à ce stade, je n'essaie pas de produire un beau dessin au crayon pour le simple plaisir. J'essaie simplement de créer une carte calme, quelque chose de léger, quelque chose de discret Mais quelque chose de suffisamment clair pour que je n'aie pas à remettre en question le placement principal plus tard. Les formes des nuages sont donc présentes. La ligne des collines lointaines est là. Le village, les cyprès, le sentier sinueux sont là pour m'aider à me guider. 5. Créer une sous-couche: L'une des caractéristiques les plus uniques de cette peinture est que nous n'allons pas commencer par le ciel. Nous allons commencer par les bâtiments, qui sont le point central. Mais je ne commence pas simplement parce que c'est le point central. C'est parce que le ciel est en réalité beaucoup plus sombre que les bâtiments. La plupart du temps, à l' aquarelle, le ciel est plus clair. Je suis donc la règle typique de l' aquarelle qui consiste à peindre d'abord des objets légers Et il ne s'agit que d'une sous-couche légère juste pour donner un peu de texture J'utilise un peu de Sienne brûlée, peut-être une touche d'ocre jaune, une belle couleur chaude Je suis également en train de toucher légèrement le chemin. D'autres fois, lorsque nous peignons, nous commençons par le ciel et cela crée en quelque sorte l'atmosphère de la peinture. Mais avec cette procédure particulière que nous appliquons, cela commence en fait par l'intention plutôt que par l'atmosphère. Je n'essaie pas encore de rendre le monde entier aéré et vaste. Je peins simplement ces toits en terre cuite en utilisant les lignes diagonales qui correspondent à l' angle du toit Je suis en train de créer discrètement l'endroit où l'œil finira par s'installer. Les toits sont d'abord décorés avec cette touche chaleureuse de terre cuite. Et tout de suite, il y a déjà un petit souffle de vie au milieu de la page. Quelques notes chaudes et pâles où le soleil s'illuminera. Nous ajouterons des ombres ultérieurement. Nous ajouterons plus de définition ultérieurement. Ce n'est qu'une petite sous-couche. Bien entendu, nous avons également ajouté ce vernis très léger au sentier, simplement parce que je ne veux pas qu'il soit d'un blanc pur. Je veux juste que ce soit blanc cassé. Juste assez pour commencer à connecter le spectateur au village dès le début. C'est une chose tellement utile à retenir en peinture de paysage. Il n'est pas toujours nécessaire de commencer par le lavage le plus important. Parfois, il est plus puissant de commencer par le point fort émotionnel du tableau, ces maisons, le quartier qui donne chaque chose une raison d'être. Et dans ce cas, ces toits chauds sont tout simplement pas de petits détails. Ils sont comme de petites braises rougeoyantes au milieu d' un espace plus frais que nous ajouterons plus tard avec le ciel bleu et la verdure fraîche Je m'en tiens donc à cette Sienne brûlée pour l'instant. C'est essentiellement tout ce que j'ai utilisé. Vous pouvez peut-être ajouter une touche de chêne jaune. Je ne pense pas l'avoir fait. Garder les couvertures assez limitées. 6. Sous-couche du champ: Alors que le toit était en train de sécher, je l'ai légèrement éraflé avec un pinceau parce qu' il semblait un peu trop ordonné Vous pouvez donc voir à quel point les toits en terre cuite sont un peu sales, et c' est intentionnel, ce qui en fait un peu moins difficile un peu Maintenant, je mélange certaines des couleurs vertes, et je vais explorer tous les différents types de vert J'ai mélangé le vert ridian à un peu de jaune cadmium, en l' effaçant avec un mouchoir en papier pour créer un peu de texture Donc, le vert supérieur, le viridien pur de ma palette est plutôt cool. C'est un vert frais. Et le vert en dessous, avec le jaune dedans, c'est plus chaud. Donc, l'avantage des légumes verts ou de la façon de les rendre attrayants est de créer un peu de variété avec eux. Et ce n'est qu'une sous-couche. Nous n'allons donc pas trop forts. J'utilise même du jaune pur ici. Bien entendu, cela va se mélanger à une partie du vert que nous avons déjà sur le papier. Nous avons donc commencé par ces lavages légers pour les bâtiments et le toit Maintenant, une fois que nous les avons placés, nous pouvons commencer à peindre qu'ils s'étendent sur le terrain environnant Et ce que je veux ici, ce n'est pas une définition complète et détaillée. Ce n'est encore qu' une sous-couche. Cette fraîcheur, cette transparence et le sentiment que la scène ne fait que commencer à s'éveiller nous aident à entrer dans le tableau. Nous n'avons rien à faire de trop difficile pour le moment. J'ai dit qu' il y avait beaucoup de jaune pur, un peu de vert fuidan, peut-être mélangé à un peu de cette Juste des lavages très légers, des jaunes pâles, des verts clairs, rien de trop intense. Nous pouvons commencer par ajouter des oranges douces et chaudes et peut-être pour contrebalancer ces légères touches de bleu froid, juste pour que cette sous-couche un peu plus intéressante et variée À ce stade, l'essentiel est qu'ils restent transparents. Nous ne voulons pas y ajouter beaucoup d'épaisseur. On peut encore voir les traits au crayon en dessous. Nous ne voulons pas alourdir le paysage trop tôt. Je veux que la terre soit ensoleillée , ouverte et respirante Cette sensation d'air à l'intérieur et dans le paysage commence souvent par la légèreté avec laquelle nous pouvons y appliquer ces premiers lavages Ce côté gauche sera un peu plus délicat car nous avons des vignobles au loin Je dois donc m'assurer que ce n'est pas trop abstrait, donc c'est un peu plus délicat. Par rapport au côté droit, nous allons peindre ensuite. C'est une autre raison pour laquelle je veux que cela reste léger et ouvert, car nous ajouterons plus de détails plus tard, alors que sur le côté droit, il sera un peu plus abstrait. 7. Expressive Underlayer: Nous pouvons donc maintenant passer à la bonne zone de premier plan. Et ça va être un peu plus fort, un lavage précoce qui sera plus fort que sur le côté gauche parce que j'essaie de créer une certaine asymétrie Cela empêche le tableau de se sentir organisé de manière trop uniforme. Ce côté droit commence à prendre un peu plus de poids, et il y aura un peu plus de bleu-vert que de jaune, une touche de vert chaud. Nous allons donc avoir un peu de blues, de douceur. J'ai prémouillé le papier pour m'assurer que nous peignons mouillé sur mouillé, et je commence avec des couleurs similaires Ce jaune est un peu plus vert parce que je le mélange avec de la sienne brûlée Vous allez donc commencer à constater qu'il existe un léger contraste entre les déjà un léger contraste entre les deux faces, ce qui prépare le terrain pour les valeurs futures et les couches qui apparaîtront plus tard dans le tableau. Bien sûr, cela ne sera pas encore complètement expliqué, mais c'est le début ou cela fait allusion à des couleurs et à des expressions plus puissantes plus tard En ajoutant ce type de bleu serléen au jaune, on obtient une sorte de vert turquoise Ce n'est donc pas vraiment naturel, mais cela donne une explosion de couleur avec laquelle on peut s'en sortir à l'aquarelle Si les deux côtés étaient trop sombres tôt, le chemin central, qui sera un peu plus clair, et, bien sûr, nous allons avoir une ombre au-dessus ce chemin au premier plan Le village commencerait alors à perdre ce sens aigu de l'attention et ne serait plus aussi accueillant. Et dans un tableau comme celui-ci, les champs ne se contentent pas d'occuper de l'espace. Ils créent cette ouverture psychologique, cette verdure. Ils rendent le village douillet, cet été proche. Je pense souvent que le juste milieu d' une peinture est un élément qui enseigne à l'œil comment voyager. C'est pourquoi cette voie est très importante. Ça ne doit pas arrêter l' œil, je dois le porter. Et il y a aussi quelques traits horizontaux. J'utilise donc à nouveau ces couleurs pour créer également une sous-couche pour les arbres d'arrière-plan Encore une fois, ils ne cherchent pas à devenir le principal étalage du pinceau On s'amuse juste à jouer avec. Je vais préserver une grande partie du chemin. Cependant, j'ai quelques marques foncées ou brisées au centre, et j'aime bien ces marques parce qu'elles empêchent le chemin de paraître trop vide ou artificiel, et elles augmentent cette ligne de direction. Ils sont encore assez sobres et abstraits. Et le tracé à cet endroit est simplement plus une forme directrice qu' une surface texturée Encore une fois, nous y reviendrons peut-être à la fin du tableau. Ce qui est tout aussi important, c'est ce qui reste intact. Donc, pour le moment, nous n'avons même pas touché le ciel. Il fait toujours blanc, et les collines lointaines attendent toujours d'être terminées Nous sommes toujours dans cette phase d'expression amusante qui consiste à nous détendre et à créer cette énergie 8. Mélanger les couleurs du ciel: Maintenant que j'ai tout séché, vous pouvez voir que nous avons quelques marques expressives. C'est très biologique, rien de trop contrôlé. Et sur la gauche, je commence à suggérer ces vignobles, juste un sens de la perspective et de l'orientation , en utilisant simplement une couleur verte classique. J'ai mélangé en utilisant du Vidian et de l'ocre jaune. Ils n'ont pas besoin d' être trop propres car, encore une fois, nous reviendrons à la fin plus tard. Il s'agit de générer cette énergie en nous pour nous amuser, nous détendre, être expressifs, ne pas être trop serrés. Ce n'est toujours pas résolu. Il n'est pas urgent de remplir la page. C'est l'une des raisons pour lesquelles les premiers stades de l'aquarelle peuvent être si beaux Ils sont tellement prometteurs, potentiels et enthousiasmants parce qu'ils sont suffisamment légers pour suggérer de nombreuses possibilités, mais en même temps suffisamment clairs pour aider à orienter la peinture vers l'avant avec nos couleurs et notre structure. Et si nous sommes patients avec eux, ils conservent souvent cette fraîcheur sur laquelle les étapes ultérieures peuvent s'appuyer au lieu de lutter. Nous en avons donc terminé avec la sous-couche pour la verdure de la maison, et nous allons travailler sur le ciel Je ne fais que mélanger les couleurs ici, et je mélange beaucoup parce que le ciel va être très profond. J'utilise principalement du bleu cobot, il y a aussi du serllan et de l' ultramarine dedans Je mélange donc tous les bleus que j'ai sur ma palette. 9. Starting The Sky: Avant d'ajouter du pigment sur le papier, je répète simplement mes coups de pinceau sans aucun pigment Parfois, je prémouille tout le ciel, mais c'est le cas s'il s'agit d'un ciel très doux, mouillé sur mouillé. Pour le moment, avec cette peinture, je veux qu'il y ait des bords durs pour les nuages blancs. C'est donc un ciel un peu plus dynamique et audacieux. J'ai utilisé mes marques au crayon pour déterminer et planifier l'emplacement des nuages, mais il y aura tout de même beaucoup de spontanéité Et même pendant que j' applique ce bleu, je vais toujours toucher d'autres couleurs, comme ce violet, ce violet que j'ai là. Ensuite, je peux utiliser une brosse propre et humide qui passe entre mon réservoir d'eau pour créer des bords lisses afin qu'ils ne soient pas tous durs, peut-être une technique de brosse sèche. C'est très spontané. C'est l'un des plus grands changements toute la peinture, en fait, le moment où le ciel entre enfin et où la scène retrouve soudainement toute son atmosphère. Parce que jusqu'à présent, tout s'est déroulé discrètement dans la partie inférieure et autour de la zone focale. Mais une fois que le ciel arrive, en particulier avec ces grands nuages blancs préservés, l'image d'ensemble respire différemment Soudain, il y a un air immense au-dessus du village. Cette sensation de hauteur. coup, il y a tout ce monde au-delà du chemin et des champs. Et c'est l'une des grandes joies d'ajouter un ciel plus tard dans une peinture comme celle-ci, car cela ne fait pas que remplir l'espace, cela transforme la sensation Le bleu est évidemment le plus fort en haut, et peut-être que je vais le faire en couches séparées plutôt qu'une seule fois pour obtenir les bons tons. Peut-être qu'en haut à gauche, ce sera plus fort parce que je pense que ce sera un bon choix ici, car cela aide à équilibrer la peinture tout en permettant aux masses nuageuses de dominer le centre même. Je ne veux pas me contenter de laver le bleu à plat. Je veux beaucoup de variation, des bords cassés, de la douceur à certains endroits, un peu de texture à d'autres Les nuages ont besoin de quelque chose autour d' eux pour se sentir vivants. Et si le ciel était trop plat ou trop poli, les formes des nuages sembleront découpées plutôt que lumineuses. Bien entendu, nous réduisons le blanc du papier, nous devons donc veiller à le préserver. Il est très facile d'aller trop loin, et il est presque impossible de retrouver ces blancs purs une fois que nous les avons surpeints. Il convient donc de garder à l'esprit qu'il faut être un peu prudent. 10. Façonner les nuages: Les nuages que j' essaie de peindre ne sont donc pas tous minuscules, ni même si difficiles , ni même si moelleux, en fait. Certains d'entre eux le sont. Certains d'entre eux sont cependant assez sévères. Ils ont des formes larges ou sont assez généreusement conservés Il y a beaucoup de bords texturés durs là-bas. Et c'est très important, car grandes formes de nuages donnent à cette peinture un sentiment de confiance. Ils font également écho à l'ampleur de ce paysage sous de minuscules nuages tatillons au-dessus d'une vaste scène rurale impression d'être complètement déconnectés, pas vraiment en harmonie Cela ne correspond pas au message principal ou à l'intention du tableau. J'essaie donc d'utiliser des nuages assez généreux, grandes masses, et j'ai séché le papier, et je vais y retourner encore plus audacieux maintenant Je dessine donc le ciel en différentes couches afin ne pas surpeindre accidentellement mes blancs Je voulais créer une harmonie avec les vastes champs situés en dessous et éventuellement les relier aux champs distants. Une autre raison pour laquelle le ciel doit être assez audacieux est qu'il contraste suffisamment avec la terre chaude, car nous peignons le bâtiment, en particulier , de manière négative car le ciel sera plus sombre que le bâtiment. Si le ciel était trop faible, cela ne donnerait pas assez de fraîcheur à la scène Et le bleu contribue également à définir le côté froid de la plage de température de la peinture, ce qui fait que tous les ocres éclairés par le soleil et les jaunes et les verts situés en dessous sont plus chauds en comparaison L'une des choses que je trouve le plus beau peinture des ciels, c'est qu'ils demandent un état d'esprit légèrement différent de presque toutes les autres parties du paysage. Lorsque nous peignons les bâtiments , l'arbre ou le chemin, nous pensons généralement à la forme et à l' emplacement de manière assez directe. Mais lorsque nous peignons un ciel, nous peignons souvent quelque chose de moins solide, moins fixe, de beaucoup plus émotionnel, en fait. Le ciel n'est pas un simple objet de la scène. C'est une partie qui nous indique comment nous nous sentons au cours de la journée. Cela influence vraiment l' ensemble de la scène. C'est pourquoi je pense que le ciel d'un tableau mérite un peu plus de patience ou de réflexion. Cela peut encore être fait très rapidement. Pas seulement d'un point de vue technique, mais aussi d'un point de vue mental. Parce qu'avant d'en peindre un, j'aime me demander quel genre de sentiment ou d'émotion il doit transmettre. Est-ce un ciel calme où tout semble calme et suspendu ? Est-ce un ciel changeant, où la lumière semble changer tout le temps, un peu comme celui-ci. Peut-être que nous avons plusieurs couleurs différentes. C'est un coucher de soleil. Cela commence par le bleu, puis passe au violet, à l'orange, froid. C'est presque assez poétique, en fait, fait de penser à des questions poétiques pour nous aider à définir la sensation que nous voulons donner à la peinture 11. From Sky to Hills: Maintenant, c'est à ce moment que la peinture du ciel devient un peu plus ambiguë alors que nous passons en quelque sorte du ciel à des collines et des montagnes lointaines. Au loin, les collines, étant si loin, seront bleues de toute façon. C'est donc de la même couleur que le ciel. Cependant, il s'agit en fait d'une colline ou d'une montagne lointaine. Au fur et à mesure que nous descendrons, nous allons les faire passer à une couleur plus chaude Nous allons donc apporter des violettes et d' autres choses de ce genre Peut-être qu'un peu plus de bleu vert est la différence. Le bleu est la couleur la plus cool qui existe. Donc, même si nous passons au vert, techniquement, il fait encore un peu plus chaud. Et immédiatement, cette perspective entre en jeu et le village avance un peu. C'est ce que j' essaie de capturer dans une scène de campagne où profondeur n'est pas décrite dans les détails, mais où, grâce à la température de couleur et au contrôle des valeurs, la distance plus froide, plus douce et plus reculée permet au village le plus chaud de se sentir plus proche sans effort C'est le bon moment pour parler profondeur atmosphérique, car cette étape montre à quel point il est possible de créer clairement de l'espace dans un paysage sans trop se fier aux détails. Lorsque les gens commencent à peindre des paysages , ils ont souvent tendance à penser que la profondeur provient uniquement des lignes de perspective ou du fait de réduire des objets éloignés. Bien sûr, cela aide vraiment. Mais dans la peinture, en particulier à l'aquarelle, profondeur provient souvent tout autant de la douceur, de la température et de la retenue Les objets éloignés ont tendance à perdre de leur intensité. Ils ont tendance à refroidir légèrement, ramollir un peu, à se fondre davantage les uns dans les autres. C'est pourquoi je brise une grande partie de ces arêtes relient les nuages aux collines d'eau pure. Les objets situés à proximité ont tendance à présenter contraste de valeur plus élevé et une plus forte variation de bord. Bien sûr, nous n'avons encore peint aucune de ces choses, car ce sera le cas plus tard. Nous le savons intellectuellement, bien sûr, mais le véritable défi consiste à apprendre qu' il en faut peu pour rendre toutes ces choses crédibles Ces collines en sont un bon exemple. Ils ne sont pas trop décrits, je suis assez lâche avec eux. Je détache certains bords en garder des couches larges et froides. Parce qu'ils sont larges et froids et qu'ils reculent d'une façon intéressante, ils ne demandent pas vraiment d'attention ou nous n'avons pas besoin de sortir le petit pinceau et de peindre 1 000 arbres au loin que nous pouvons à peine voir Ils créent simplement un endroit devant lequel le village peut se tenir debout. Et c'est vraiment le secret. La distance dans la peinture fonctionne généralement mieux lorsqu'elle se comporte comme un décor de scène Il est là pour fournir le contexte, l'échelle, l'atmosphère, mais il n'est pas trop défini et complet. Si les collines lointaines deviennent trop contrastées, trop animées ou trop richement colorées, elles commencent à aplatir le tableau parce que l' œil commence à les considérer comme des éléments ou des participants égaux Mais s'ils restent souples et modestes, ils peuvent permettre aux formes les plus proches d'être plus présentes O. 12. Buissons de distance: Je pense également qu'il y a quelque chose de profondément apaisant profondeur atmosphérique et l'aquarelle Ces couches qui s'estompent et ces distances adoucies ou les transitions douces entre le ciel frais et les collines vers la terre chaude vois, j'utilise un peu plus Tu vois, j'utilise un peu plus de violet maintenant à mesure que nous nous rapprochons un peu, crée une couleur distincte qui n'est pas la même parce que la chaleur se rapproche évidemment. Cela crée une sorte de calme à l'intérieur du tableau, laissant derrière lui une atmosphère. On dirait que c'est immobile. impression que même s' il y a du mouvement, il y a un rythme lent parce que c'est un peu plus grand. C'est un peu plus colossal. Je dois donc me rappeler tout le temps, surtout dans un sujet comme celui-ci, surtout dans un sujet comme celui-ci, que le sentiment est tout aussi important, sinon plus, que le lieu réel et les sujets que je peins. Parce que nous ne nous contentons pas de peindre des champs et quelques bâtiments. Nous peignons le plein air, le soleil, la distance, le calme. C'est le véritable message du tableau. Je veux qu'il soit spacieux. Je ne me demande pas simplement quoi ai-je besoin pour peindre ? Mais aussi, de quoi ai-je besoin pour simplifier ou comment puis-je le simplifier autant que possible tout en transmettant ce sentiment Parce que la profondeur est souvent davantage protégée par la simplification que par l'addition. La plupart du temps, dans cette peinture, il s'agit corriger ou de simplifier choses plutôt que d' ajouter Je peins quelque chose et je le regarde, je me demande : que puis-je en modifier ? Idéalement, dans un monde idéal, il serait simplement peint sous cette forme simple, mais pas tout le temps. Donc, chaque fois que je fais des allers-retours, remorque et que je jette dans le tableau, c'est parce que je pense à des zones que je peux adoucir ou supprimer des détails Nous pouvons voir maintenant que le juste milieu gauche est également un peu plus sombre à mesure qu'il se rapproche. Il n'est pas aussi clair que les collines lointaines, surtout avec cette bande bleue plus profonde qui relie le champ de premier plan J'aime cela parce que cela renforce ce type de superposition spatiale Cela empêche le paysage de devenir un champ continu de couleur pâle. Cela crée un juste milieu entre le village et les montagnes, qui correspond exactement à l'ampleur des besoins. Il ne s'agit pas seulement de l'avant et de l'arrière, mais de quelques intervalles convaincants entre les deux. J'ai aussi commencé à me balader dans les arbres. Sur le côté gauche, il y a un cyprès subtil, qui deviendra beaucoup plus fort et plus foncé plus tard Je voulais juste ajouter un peu de vert pour une sous-couche Et puis, quel que soit cet arbre, plus touffu, plus de levain, en l'utilisant comme élément de design pour le contraste entre le toit trouver la forme du toit 13. construire des ombres: Maintenant, je l'ai à nouveau séché avec un sèche-cheveux, et je vais commencer à donner un peu plus de forme aux bâtiments en y peignant des ombres pour augmenter le contraste. Parce que les bâtiments, bien entendu, sont au centre des préoccupations. Ils sont censés être le centre d'intérêt, et de nombreuses lignes directrices guident le regard vers eux. plupart du temps, les gens pensent que le point focal se limite la plus foncée lumière la plus claire ou à la zone la plus détaillée Et parfois, c'est l'une de ces choses ou une combinaison des deux. Parfois, ils sont tous réunis. Mais ce qui fait vraiment fonctionner un point focal, c'est la relation. Un point focal n'est pas simplement un point fort. C'est un domaine rendu fort, d'ailleurs. Tout le reste le soutient. Ainsi, dans ce tableau, cette ferme, cette maison viticole, elle constitue un centre d'intérêt, non pas parce que c'est immédiatement l'élément le plus dramatique de la page, mais parce qu'elle est placée dans la composition d'une manière soutenue par le chemin. Il est réchauffé par les premières couleurs de toit que nous avons peintes auparavant, et il y a suffisamment d'espace pour respirer autour de lui C'est comme planter une graine dans la bonne parcelle de terre. Bien sûr, plus tard, nous allons ajouter un peu plus de contraste pour le rendre vraiment éclatant. Et ces ombres vont également faire beaucoup de choses pour nous. Nous peindrons également des arbres foncés, ce qui aidera à l'encadrer pour qu' une distance plus froide le pousse vers l'avant ou le tire vers l'avant Mais le point focal commence par le placement bien avant de commencer par l'intensité. Et je pense qu'il est vraiment utile de réfléchir à ce principe dans la peinture en général. Si le point focal est mal placé, aucun détail ne le sauvera. Mais s'il est bien placé, même un design très simple peut le rendre très significatif. Donc, pour élaborer ces dessins, je m'entraîne à dessiner des miniatures tous les jours, par habitude tous les jours, par habitude Et il ne faut que 5 minutes ou moins pour faire un croquis très simple, rien de trop détaillé ou défini, juste pour trouver comment arranger une composition d'une manière agréable. Et puis au bout d'un moment, en le faisant tous les jours pendant cinq à dix ans, des ronds-points Vous pouvez créer ces scènes presque dans votre imagination et simplement trouver des références étranges pour vous aider à mieux définir les détails ou la structure. Mais la composition peut être réalisée ou arrangée de différentes manières. Et, bien sûr, regarder d'autres artistes que vous aimez peut vous aider prendre des décisions et à planifier vos peintures. Si vous pouvez le calculer en miniature, l'œil peut sentir cette importance avant de vraiment comprendre pourquoi Vous en avez juste une idée à court terme avant de vous engager dans un grand tableau. 14. Dry Brushing Dark Tones: Donc, quand je pense à la ferme d'ici, je ne me demande pas seulement comment puis-je en faire le point central. Je me demande également comment puis-je laisser toute la peinture mener à cela ? C'est ce que fait le chemin, comme je l'ai déjà mentionné, les bandes de terre horizontales le font également. Certains nuages se courbent également en ce sens. C'est ce que font les champs de plaine ouverts. En faisant reculer un peu les arbres éloignés, cela aide aussi. Peut-être pourrez-vous augmenter le contraste un peu plus tard. Je peux voir qu'autour des toits de la maison, nous pouvons assombrir un peu les collines situées derrière la maison pour la faire ressortir un peu plus. Avec ces ombres, j' utilise juste un ton très neutre. Le gris fera très bien l'affaire, mais vous pouvez mélanger vos propres gris avec de la Sienne brûlée C'est ce que j'ai tendance à faire. J'utilise n'importe quelle couleur de ma palette pour obtenir une couleur neutre. Mais si j'ai l'impression qu'il fait trop chaud, j'y ajoute de l' ultramarine pour le refroidir et si je trouve qu'il fait trop froid, j'ajoute de la Sienne brûlée pour en faire chauffer Je n'utilise pas vraiment le rouge parce que c'est trop puissant et parfois peu naturel pour une ombre Le marron a tendance à être une belle couleur pour réchauffer les ombres sans en abuser Maintenant, j'ai une consistance pâteuse très épaisse sur mon pinceau Et c'est un brun très foncé, un vert foncé, désolé. Je vais donc utiliser du ridian avec un peu de marine chaude dedans Juste pour profiter de cette obscurité. C'est la première fois que nous avons la partie la plus sombre de la gamme tonale de notre peinture utilise également un peu de bleu serléen, mais il est si épais qu' il ressemble presque noir lorsqu'on le contraste avec le fond C'est ainsi que je vais peindre le feuillage et les buissons autour de l'arbre. Je commence avec ce pigment très épais, puis je reviendrai plus tard pour l'agiter, le réactiver, créer de jolis effets Je veux dire, techniquement, le pigment est encore humide, même s'il a une consistance très épaisse, il est toujours humide. Cela crée des effets intéressants car les particules, les pigments et les granulés interagissent avec l'eau Lorsque nous y ajoutons de l'eau pure, comme nous le ferons dans une minute, il faut ces granulés épais qui pénètrent dans les petites crevasses et les textures du papier pour créer leurs propres formes intéressantes Je ne vais donc pas directement peindre le feuillage moi-même. Je manipule l' aquarelle pour le faire à ma place. Peindre dans ce cyprès. Cela crée une sorte de ponctuation verticale. Il y a beaucoup d' horizontalités. Ces cyprès sont donc également placés plus à droite par la suite , ce qui est une bonne contradiction avec cela, un bon contraste Il y a quelque chose d'agréable sur le plan visuel avoir des verticales et des horizontales claires Et finalement, le premier plan sombre, l'ombre, deviendra une forte horizontale Et d'une certaine manière, cela fonctionne comme un cadre. Nous ne l'avons pas peint, mais vous pouvez voir les lignes au crayon. Nous avons le cyprès qui descend sur le côté gauche du bâtiment, et il va presque se connecter aux stores situés en dessous pour encadrer les bâtiments 15. (arbres et buissons ): C'est pourquoi, dans de nombreux tableaux, le point focal n'a pas besoin d'être trop détaillé. Si la composition fonctionne correctement, elle est déjà entourée d' une sorte d'aura. Il possède déjà une gravité visuelle, et les détails ressemblent davantage à du raffinement qu'à du sauvetage. Je peins cela un niveau de détail que j'ai envie d'exprimer, et j'y trouve en quelque sorte mon propre plaisir. Mais c'est parfaitement compréhensible si les gens ont leurs propres goûts et qu'ils ne veulent peut-être pas peindre leurs propres détails, ils peuvent être un peu plus lâches, un peu plus abstraits Peut-être qu'ils ne veulent pas y consacrer autant de temps. C'est parfaitement bien aussi. Donc, comme nous avions appliqué un peu de vert épais auparavant, maintenant j'applique de la sienne brune brûlée épaisse Et maintenant, vous pouvez voir que je mets de l'eau presque pure dessus. Je ne vais pas tout couvrir. Je permets quelques espaces pour préserver cette verdure Il y a donc du vert viridien pur, surtout en haut, car si vous imaginez que la lumière, bien sûr, est réfléchie par les feuilles du haut, pas par les feuilles du bas Il fera donc toujours plus sombre en bas qu'en haut. Mais il va y avoir des buissons superposés dessus. Nous allons donc avoir quelques points forts dans le noir, mais je ne me concentre pas encore sur ces points forts. Je suis juste en train de le bloquer pour commencer. Définir le bord de ce toit et la façon dont il relie le mur. Nous peignons donc ce mur de manière négative avec contraste. Donc, cette zone est actuellement sans doute le point focal central. C'est pourquoi nous avons le contraste le plus net. Parce que l'ensemble des bâtiments est le point central. Mais en augmentant la texture et le contraste entre l' la plus foncée et la lumière la plus claire, il est très clair que c'est là que l' œil veut se diriger Construire également dans le cyprès avec plus de pigment. Les cyprès sont plutôt de couleur viridienne. Vous pouvez donc voir que nous avons déjà une large gamme de greens différents. Nous avons plus de légumes verts à base de jaune, certains verts à base de bleuâtre, d'autres verts apparence plus artificielle Ce n'est pas du tout une peinture réaliste. Il utilise la licence artistique de manière assez libérale. Certains d'entre eux sont assez fluorescents. Mais chaque fois que j'utilise des légumes verts, j'essaie ou j'aime y créer de la variété. J'utilise rarement du viridian pur. Parfois, je ne touche même pas le viridien. Je prépare mes légumes verts en utilisant bleu cerrillan avec Et souvent, celles-ci sont un peu plus naturelles. Mais je n'opte pas pour le naturel dans ce tableau. Je suis presque inspiré par Van Gogh dans ce tableau. Nous avons des champs tourbillonnants, des arbres, des cyprès et des nuages 16. Perspective Lines: Remarquez que le feuillage et les arbres de cette zone intermédiaire forment essentiellement une seule grande forme. Bien sûr, il y a beaucoup de texture et quelques zones de séparation légèrement différentes, mais si vous plissez les yeux, tout est fondamentalement lié Maintenant, j'utilise ces lignes directrices utilisant le bout de mon pinceau, encore une fois, pour aider à diriger le regard vers le village ou la zone de la ferme. Maintenant que nous avons refait le bâtiment et les arbres qui l'entourent, vous pouvez constater le bâtiment et les arbres qui l'entourent, que ce n'est pas très détaillé. Ce n'est certainement pas réaliste. C'est un bon exemple de la façon dont certaines personnes, les peintres, ont du mal à faire la différence entre clarté et détail. Moi aussi. Les gens utilisent souvent ces mots comme s' ils signifiaient la même chose, mais en réalité, ce n'est pas le cas. Parfois, un passage ou une zone de peinture peuvent être très détaillés tout en restant flous. Et d'un autre côté, un passage peut être très simple mais magnifiquement clair et compréhensible. Bien sûr, cela dépend vraiment du sujet que vous peignez. Parfois, il est facile de simplifier les sujets, parfois c'est vraiment difficile, et j'ai toujours du mal à le faire. Nous devons donc le décomposer en concepts. La clarté est une question de lisibilité. Il s'agit de savoir si l'œil comprend la forme, la structure et les relations entre les valeurs ou la hiérarchie. Les détails ne sont que des informations supplémentaires. Parfois, ces informations supplémentaires améliorent la lisibilité, mais souvent ce n'est pas le cas. C'est plutôt une distraction, ça devient une faiblesse, ça affaiblit la structure Dans ce village et dans les buissons qui l'entourent, ce n'est pas parce que chaque bâtiment est entièrement détaillé au maximum qui fait fonctionner l' espace vocal . 17. Le côté droit expressif.: Ce qui fait que les bâtiments fonctionnent, c'est que les formes du toit se lisent clairement ou les murs présentent ce type de structure d'ombre et de lumière qui est assez convaincant, mais qui n'est pas trop complexe. Les cyprès apportent ce fort accent vertical. Et il y a de la végétation sombre autour des bâtiments qui les encadre. C'est donc ce qui le montre clairement, et non pas qu'il y a beaucoup de détails là-dedans. Si je commençais à ajouter des tas de petites marques simplement parce que je pensais que le point focal devrait être occupé, il pourrait facilement perdre cette clarté. Les toits peuvent devenir un peu tordus ou les ombres peuvent être brisées en trop petits morceaux, et l'œil peut avoir plus mal à comprendre la zone C'est pourquoi je pense qu'il est utile de se demander si le passage a besoin plus de détails ou s'il a simplement besoin de plus de clarté. Et en général, bien sûr, il s'agit de clarté, d'une forme d'ombre plus forte, d'un bord plus net, d'une silhouette plus délibérée. Un groupe simplifié de sombres essayant de garder toutes les ombres peu près de la même couleur, par exemple Un petit accent au lieu de plusieurs accents moyens. Ce sont ces éléments qui renforcent le domaine d'intervention. Bien sûr, il y a une tentation de trop détailler, surtout lorsque vous commencez à vous sentir un peu anxieux ou stressé. À mi-chemin d'un tableau, on ne sait pas où il va mener. Vous ne savez pas si ce sera un succès ou non. Et cette pression peut affecter ce genre de choses. Encore une fois, c'est ce que je ressens aussi. Nous craignons qu'un tableau ne soit pas assez révélateur, c'est pourquoi nous souhaitons naturellement ajouter plus d'informations. Mais les peintures deviennent rarement plus convaincantes simplement parce que nous alimentons le plus de faits. Ils deviennent souvent plus convaincants lorsque les informations déjà présentes sont bien organisées. Encore une fois, c'est pourquoi je fais autant de croquis miniatures chaque jour, car si vous pouvez les réaliser au crayon et au papier, vous pouvez le faire beaucoup plus facilement avec Tout est décrit pour vous, simplifié pour vous. Très rarement, je ne pense pas que je fasse une peinture sans avoir d'abord fait un croquis pour le comprendre. De nombreux croquis. Aujourd'hui encore, j'ai plus de contrôle avec un crayon qu'avec de la peinture et un pigment. Le crayon aide à concevoir la structure. Et je ne parle pas seulement du dessin au crayon pour cette peinture en particulier, mais des dessins préliminaires, des croquis miniatures que je pratique tous les jours Cela explique en gros les cartes et l'ensemble de la peinture. Et puis, bien sûr, nous faisons avec l'aquarelle ce que nous ne pouvons pas faire avec le crayon Nous créons ces marques expressives amusantes, en particulier maintenant en utilisant du mouillé sur du mouillé, expérimentant avec différents bords, laissant tomber différentes consistances de pigment, un pigment très dilué avec un pigment extrêmement épais ou de l'eau pure En utilisant un peu de pinceau sec pour marquer, puis en faire pivoter une partie. Ainsi, une partie de cette trace de brosse sèche devient très humide, tandis que d'autres parties simplement traversées par l'eau, laissant de petits îlots de papier entre les deux. C'est donc à ce moment-là que je pense que la peinture en vrac fonctionne vraiment si l'on a un plan solide au départ. 18. Travailler vers le premier plan: Maintenant, je vais continuer à créer les tons sur le côté droit. Ce sera un très bon exemple de la façon dont une masse noire peut faire bien plus que simplement décrire quelques arbres ou un groupe d'arbustes. Ce n'est pas juste là pour nous dire que quelque chose de sombre pousse à côté de la maison. Il fait également un peu de travail de conception dans l'ensemble de la peinture, dans son ensemble. Lorsque nous pensons aux ténèbres et au paysage, il est très facile de ne les considérer qu'en termes littéraux Nous voyons un arbre à l'ombre, alors nous peignons un arbre foncé, ou nous voyons un buisson dans l'ombre, alors nous peignons un buisson foncé. Mais les formes sombres remplissent généralement deux fonctions à la fois. Ils décrivent le sujet, oui, mais ils organisent également le tableau. Elles créent du contraste. Ils retiennent l'œil dans certaines zones. Ils détruisent l'espace ouvert. Et ils donnent aux passages les plus légers qui les entourent de quoi s'opposer. Et c'est exactement ce qui se passe ici. La forme sombre sur la droite que nous sommes en train de peindre aide à contenir centre lumineux du tableau, les bâtiments. Sans cela, l' ensemble de la scène semblerait beaucoup plus ouvert de ce côté, peut-être trop ouvert. Les bâtiments seraient toujours là. Le chemin nous conduirait toujours et le ciel resterait vaste, mais la composition n'aurait pas le même sentiment de soutien. J'aurais l'impression que la section lumineuse centrale s' éloigne un peu trop facilement dans l'espace Ce passage plus sombre donne la peinture une sorte de poids visuel de ce côté. Il agit presque comme un rideau ou une toile de fond, ce qui permet aux bâtiments plus clairs et aux toits plus chauds de s'asseoir plus confortablement. C'est l'une des manières les plus utiles de considérer les masses sombres en général, non pas comme des objets isolés, mais comme des supports. Ils soutiennent la structure du tableau. Ils soutiennent les formes plus claires et l'ambiance générale, le mouvement de l'œil. En ce sens, une masse sombre est souvent moins une question de détail qu'une question de placement, car vous pouvez le constater en ce moment, je ne peins pas vraiment quelque chose de raffiné. C'est assez abstrait, en effet. Et c'est l'emplacement de cette obscurité qui compte. Je ne voudrais pas le peindre sur le côté gauche. S'il se trouve au mauvais endroit, il peut bloquer le mouvement du tableau ou le rendre trop lourd. Mais s'il est placé au bon endroit, il peut créer exactement la bonne quantité de confinement et de contraste Ici, cela permet d'empêcher l'œil de trop s'éloigner vers la droite Cela permet de tourner doucement le regard vers l'intérieur et de donner l' impression que cette zone centrale du village est retenue plutôt qu'exposée Une autre chose que j'aime dans cette section, c'est que le noir n'est pas simplement un noir plat. Il est très important que votre soirée reste excitante. Il ne s'agit pas simplement d'un mélange mort avec une couleur ou une couleur générique, foncé, vert ou bleu, car cela le rendrait moins solide ou trop inanimé. Quoi qu'il en soit, c'est sec et nous passons à autre chose. Nous relions maintenant la route au premier plan, la maison au premier plan, en utilisant la Et bien entendu, en perspective, les détails seront plus petits au loin, de sorte qu'ils seront à peine perceptibles J'utilise donc de petites lignes horizontales fines sur le sentier qui se connectent aux herbes en bordure et qui prennent progressivement de l' ampleur au fur et à mesure que nous nous rapprochons Peut-être aussi quelques marques de pinceau droit sur le côté droit. 19. Ombre de premier plan: Je vais maintenant passer à la zone principale de premier plan, et nous allons appliquer cette ombre audacieuse qui traverse le chemin et les herbes au premier plan Je mélange donc ici quelques couleurs profondes. Je ne nettoie pas ma palette, je suis tellement forte avec le bleu qu'il couvre en quelque sorte tout. Le bleu outremer, c'est ça. Mais je ne veux pas qu'il soit si éclatant, donc cela ne me dérange pas qu'il soit un peu contaminé par d'autres couleurs. Je vais peut-être y ajouter un peu de noir de toute façon pour le neutraliser Ou j'ai ajouté un peu de rouge camium et un pourpre d'isarin pour le rendre un peu plus Parce que je ne veux pas que ce soit un lavage ennuyeux. Je peux plonger dans certaines zones bleues ou violettes pour le rendre un peu varié. J'utilise un pinceau plus gros, bien sûr, pour cela. Et je veux qu'il y ait des trous dans le papier, alors j'utilise de fortes marques de pinceau verticales, désolée, horizontales. Et je fais une petite marque de pinceau sèche temps en temps, juste pour préserver une partie du papier situé en dessous et au milieu également. Je commence juste à le masquer d'une manière assez organique, assez abstraite. Cela peut sembler assez spécifique, mais essayez d'être très expressif et de ne pas trop y réfléchir Lorsque j'applique un trait très rapide, cela favorise l'effet pinceau sec. Et s'il est trop sec, je peux simplement y retourner et le remplir un peu plus. Ensuite, au centre, j'utilise un beau vert vif alors qu' il est encore mouillé sur mouillé, donc il n'y a pas ou pas beaucoup de bord dur. Et en reliant ça au bleu. Jusqu'à présent, cette partie inférieure était assez ouverte, mais c'est en ajoutant cette grande ombre fraîche que le chemin commence réellement. C'est l'un des aspects de valeur les plus importants de l'ensemble de la peinture, en fait, car il transforme l'image d' un arrangement principalement ouvert et aéré en quelque chose beaucoup plus solide, beaucoup plus profond. Ce lavis de premier plan est recouvert de bleu-violet, avec quelques tons verts Ce faisant, cela ajoute de la fraîcheur au premier plan Encore une fois, cela fait ressortir cette maison avec de la chaleur au milieu. Parce que, comme je le disais tout à l'heure, les couleurs froides s' estompent, mais les ombres sont également agréables, tout comme les couleurs froides Je vais donc ajouter de la chaleur sur les côtés pour les associer à ces couleurs froides que nous venons de peindre. Cela a donc été assez rapide à faire. Presque immédiatement, la moitié inférieure gagne en substance. La plupart du temps, il n'y a plus de blanc au premier plan. Au lieu de cela, il commence à se déplacer dans l'ombre avec une bande centrale plus claire légèrement préservée et quelques fissures dans l'ombre. Cela ajoute à ce sentiment de perspective. 20. Avant-plan gauche: Maintenant que c'est sec, je vais commencer à peindre de petites herbes. J'utilise une variété de légumes verts différents, commençant par le vert jaune cerrillan et cavium classiques , en utilisant le bout de mon pinceau juste pour indiquer la direction de ces herbes au niveau des Et au fur et à mesure que nous descendons, ils s'épaissiront. Et nous utiliserons l' effet mouillé sur mouillé pour le relier à l'ombre Même si l'ombre sur la route est sèche pour le moment, nous la mouillerons à nouveau et la mélangerons pour qu'elle soit homogène, que tout soit connecté et fluide. C'est un élément important du modèle de valeur. Nous avons ces verticales en marche. Ce grand lavoir au premier plan de la route sera relié à ces buissons situés sur le côté, les herbes Et, bien sûr, c'est plus que tout ce qui concerne la peinture, chaque élément. Il ne s'agit pas simplement d'y mettre une ombre pour le plaisir. Cela redéfinit l'ensemble de la lecture du tableau. Le modèle de valeur est un autre aspect important toute peinture, car avant d'admirer la couleur, avant de remarquer la texture, avant même d' interpréter correctement les détails, nous répondons à la valeur dès le départ. Nous répondons à la façon dont la lumière et l' obscurité ont organisé la page. Et dans un paysage comme celui-ci, le design axé sur la valeur est ce qui crée le sentiment d' être attiré, tenu et guidé. Auparavant, le tableau avait une belle fraîcheur, mais il était encore relativement ouvert dans cette partie inférieure. Maintenant, avec cette ombre de premier plan plus forte, la progression est beaucoup plus claire Premier plan sombre, plan intermédiaire clair, zone focale riche et distance froide Ce type de progression est incroyablement puissant car il aide l'œil se déplacer en profondeur presque inconsciemment Et pendant que j'applique ces traits, je suis assez aléatoire. J'ai les légumes verts dedans. J'ai le blues, j'ai les violettes. J'ai juste mis les bruns dedans, mais vous pouvez voir que je vais y retourner. Il a l'air détaillé parce que je veux juste créer un petit détail, presque comme une sous-couche, mais je vais en passer beaucoup en revue pour l'adoucir Vous n'avez donc pas besoin de le faire correspondre exactement tel quel Vous pouvez regarder le résultat final de la peinture et voir comment il passe de ceci à cela , puis interpréter comment vous voulez le faire. Je pense souvent que les ténèbres du premier plan sont le seuil du tableau Ils sont comme la porte que le spectateur franchit. Et cela ne fait pas nécessairement partie d'une peinture de paysage. Je n'encourage pas toujours ce type d'élément de composition. Mais s'ils sont trop faibles, le tableau peut sembler un peu trop éloigné ou intouchable Et s'ils sont trop lourds, peuvent même bloquer l'entrée si je fais un peu trop sombre. Il s'agit donc de trouver cet équilibre. J'essaie de bien le juger. Il faut un peu de va-et-vient pour bien faire les choses. 21. Right Foreground: La partie inférieure commence donc à être un peu plus immersive, car la structure de valeur devient un peu plus complète maintenant. Je vous conseille d'y déposer un peu d'ocre jaune pur dans le noir pour l'éclaircir Nous avons donc un mélange de tons sombres et de tons moyens. Mais pour ce qui est de l'ensemble du tableau, il est assez sombre. Il y a de la turquoise dans le coin inférieur gauche. Les buissons, bien sûr, ne sont pas encore complètement détaillés. Mais l'œil comprend déjà leur masse. Nous avons les points épineux en haut. Le bon côté reste encore à faire, bien sûr, mais nous allons l'égaler de la même manière. Soyez un peu plus expressif sur la droite, je pense. C'est l'une des raisons pour lesquelles je trouve la valeur si apaisante quand on y pense, en fait. Beaucoup de gens peuvent s'ennuyer ou stressés en essayant de réfuter ces théories, mais la couleur peut parfois sembler écrasante Même si la couleur est souvent ce qui excite la plupart des gens, je peux en fait me sentir bouleversée quand il s'agit de le faire Mais la valeur est beaucoup plus fondamentale car elle pose des questions plus claires Cette zone est-elle plus claire ou plus foncée ? Ce passage devrait-il être avancé ou reculé ? Est-ce que je veux un peu d' ouverture ou un peu de poids ? Où doit reposer l'œil ? Doit-il rester ici passer à autre chose ou être dirigé ailleurs ? Et une fois toutes ces questions répondues, Waouh, alors la couleur prend réellement sa place. Il devient un peu plus libéré parce qu'il possède une structure solide dans laquelle vivre Donc, lorsque vous placez cette ombre forte, en particulier la fraîcheur, c'est ce qu'elle transmet au départ, cette Une fois que nous avons déterminé la valeur, cette vague et froide couche de premier plan, il ne s'agit pas simplement d'assombrir le bas de la Je donne à l'ensemble du tableau un squelette plus solide. Une dimension de lumière et d'obscurité. Maintenant que nous avons pratiquement terminé le côté gauche, cela indique en quelque sorte comment je veux faire le côté droit Je n'ai donc pas vraiment besoin de passer autant de temps. Je pourrais simplement faire correspondre les valeurs. Avec la gauche, nous n'avions pas beaucoup de contexte, nous avons donc dû le faire petit à petit. Mais je sais que sur le côté droit, je peux tout de suite utiliser du pigment pur, et c'est ce que j'ai fait Peut-être un peu de violet de ce côté. Parce qu'il y a de petites touches de violet tout autour, et c'est toujours en harmonie. Ce pigment n'est pas autorisé. C'est assez sourd. Donc ça correspond en quelque sorte à cette ombre, à ce pigment de lavande. J'aime beaucoup appliquer marques de pinceau épaisses et sèches, puis utiliser un pigment très dilué et voir ce qui se passe. Peut-être quelques mouvements horizontaux. Juste une façon amusante d' entrer dans le tableau, permettant à l'œil de voyager à l'intérieur. Préparer le sol pour toutes les herbes de premier plan et la texture qui pousseront entre ici et la maison 22. Herbes de premier plan: Maintenant que nous avons accumulé cette masse, nous pouvons commencer à réfléchir à la texture, dernière étape de la transformation de cette peinture. Et c'est là que je commence à enthousiasmer d'une manière différente car le plus gros du travail est fait maintenant et nous approchons de la fin. Cela fait donc partie du processus qu'il commence à se sentir presque physiquement habitable Jusqu'à présent, le premier plan la scène étaient essentiellement une sorte de modèle de valeurs, mais maintenant nous y créons un peu plus d'atmosphère Je suis en train de gratter mon couteau à palette pour faire ressortir la légèreté qui se trouve en dessous Je suis simplement très expressive, j' essaie de créer des textures intéressantes, d' appliquer des éclaboussures, d'essayer de les transformer en herbes, en buissons, interruptions, en ces riches textures superposées qui permettent au spectateur de se sentir beaucoup plus près du sol Les herbes et les buissons des deux côtés du tableau essaient donc du tableau essaient d'être assez forts et audacieux, c'est la partie la plus abstraite du tableau, question, car tout le reste est un peu plus direct. La maison a évidemment des détails un peu plus directs. Les nuages sont peut-être assez abstraits, mais ils contiennent tout de même une certaine précision. Les zones sombres de ces zones de premier plan sont très abstraites, mais la plupart d'entre elles sont des traits vers le haut, bien sûr, mais des marques légèrement brisées et moins linéaires Ils ne sont pas très propres. petites mèches, de petites interruptions, tous ces signes de vie qu'un gros lavage ne peut apporter. Vous pouvez donc voir que je suis vraiment en train de poignarder et de tordre mon pinceau sur ma palette pour créer plein de petits points Et je veux qu'il soit assez sec, ça ne marchera pas s'il est très humide. Je le fais tourner et il crée, comme vous pouvez le voir, de très petits points Ensuite, je peux simplement le faire glisser sur le papier pour créer l'illusion de nombreux brins d'herbe. Je peux juste le développer petit à petit. Le premier plan à gauche est donc un peu plus chaud au-dessus de l' herbe, un peu plus varié Nous y avons donc des ocres, des oranges, des bruns. Nous introduisons cela par-dessus les ténèbres plus froides en dessous. Cela empêche le premier plan de ressembler à une ombre froide continue Il y a une sorte de séparation là-dedans. presque comme s'il y avait des coups de soleil ou du froid, parce que c'est une scène estivale, en fait J'ai cette chaleur contre le charbon, ce qui est toujours agréable d'exagérer. Ensuite, sur le côté droit, le premier plan se développe également avec un peu plus d'abstraction, mais peut-être qu'il met davantage l'accent sur les couleurs bleutées, et nous avons une sorte de division légère Donc, sur le côté droit, nous avons l'herbe et il y a une zone claire, puis une zone sombre, puis une zone encore plus foncée. Nous avons donc différentes couches et niveaux à différentes profondeurs. 23. Making It Pop: Alors maintenant, nous avons pratiquement tout cartographié. Il nous suffit de nous ressaisir ou de faire ménage avec quelques touches car nous n'en sommes qu'aux dernières étapes Et, bien entendu, la partie inférieure du tableau a finalement gagné en richesse par rapport au reste des zones. Et c'est là que l' ensemble de la scène commence à paraître un peu complet sans qu'aucune nouvelle invention dramatique ne soit nécessaire. Nous avons la variation du chaud et du froid en cours. Et les bords du chemin deviennent un peu plus naturels. J'ajoute également un peu plus de texture au milieu. Quelques touches sombres, pas trop, pour essayer d'obtenir cet effet de pinceau sec pour faire une grande partie du travail à ma place. Il suffit donc de petites marques ici et là pour aider à lier la texture du premier plan à la masse de valeurs plus large située en dessous C'est à ce moment-là que nous prenons du recul et que nous évaluons un peu. J'essaie de m'assurer que l'ensemble du tableau a maintenant une structure très claire mais très naturelle voir si quelque chose en particulier ne semble pas correct. Nous avons donc le premier plan à texture foncée, le plan intermédiaire éclairé par le soleil pâle, les bâtiments focaux qui attirent le plus l'attention au milieu et, bien sûr, la distance atmosphérique plus froide et le ciel lumineux au-dessus Et cette progression est très satisfaisante car elle est à la fois visuelle et émotionnelle. Nous commençons, nous entrons dans la scène dans l'ombre et la texture et nous voyageons dans la lumière. Ici, utilisez de la gouache avec un peu de vert pour faire ressortir des accents nets, des reflets sur cette zone d'ombre car même dans l'ombre, peut qu'il y ait une petite parcelle de terre ou d'herbe qui capte la lumière Je n'ai jamais pensé à la cause cette ombre, car je l'utilise essentiellement comme outil de composition, mais peut-être que c'est un arbre et qu' il y a des trous dans l'arbre , de petites étincelles de lumière le traversent et attrapent ces différentes attrapent C'est quelque chose que je ne fais qu'avec parcimonie, mais ces petites touches lui donnent un peu plus d'éclat Mais j'ai l'impression que cette peinture avait vraiment besoin de cette ombre au premier plan, car sans elle, elle ne serait pas aussi immersive Cela semblerait tout simplement vide. Cela semblerait également un peu inachevé. Alors maintenant, je vais simplement parler de quelques vignobles. Je ne sais pas comment on appelle ces petites pointes en bois qui deviennent un peu plus petites et moins détaillées au fur et à mesure que l'on s'éloigne Il s'agit d'un autre élément vertical de la peinture, petits détails pour lui donner un peu plus de netteté, pas nécessairement des détails, mais de la clarté. Et c'est tout. 24. Réflexions finales !: Bon retour. Et félicitations pour avoir terminé ce cours d'aquarelle sur la peinture d'une scène de campagne Nous avons exploré comment un point focal clair peut se trouver à l'intérieur d'une peinture beaucoup plus souple et comment les toits chauds et les champs ensoleillés peuvent briller sur des collines fraîches et lointaines Nous avons également vu comment les bords variés aident à séparer le premier plan, le demi-plan et l'arrière-plan, tout en préservant la fraîcheur et l'unité de l'ensemble Ces mêmes idées peuvent être transposées dans de nombreux autres paysages où vous souhaitez équilibrer atmosphère et design. N'oubliez pas que la peinture à l'aquarelle n'est pas seulement une question de compétences techniques, mais aussi d'expression votre créativité et de votre style personnel Je vous encourage à continuer à explorer, à expérimenter et à repousser vos limites pour créer vos propres chefs-d'œuvre d' aquarelle uniques À la fin de ce cours, j'espère que vous vous sentirez plus en confiance et aise avec vos capacités de peinture à l'aquarelle La pratique est essentielle pour améliorer vos compétences, alors continuez à peindre et à expérimenter Je tiens à exprimer ma gratitude à chacun d'entre vous. Votre passion pour la peinture à l' aquarelle est tellement inspirante et je suis honorée d'être votre professeur Si vous souhaitez avoir des commentaires sur votre peinture, je serais ravi de vous en faire part. Veuillez donc partager votre peinture dans la galerie de projets étudiants ci-dessous, et je ne manquerai pas de vous répondre. Si tu préfères, tu peux le partager sur Instagram, en me taguant sur Will Elliston, car j'adorerais le voir Skillshare aime aussi voir mes étudiants travailler, alors taguez-les également sur Skillshare Après y avoir consacré tant d'efforts, pourquoi ne pas partager votre création ? Si vous avez des questions ou des commentaires sur cours d' aujourd'hui ou si vous souhaitez des conseils spécifiques concernant l'aquarelle, veuillez me contacter dans la section de discussion Vous pouvez également me faire part de tout sujet sur la faune ou scènes sur lequel vous aimeriez que je donne un cours. Si vous avez trouvé ce cours utile, j'apprécierais vraiment de recevoir vos commentaires à ce sujet. La lecture de vos critiques me remplit le cœur de joie et m'aide à créer la meilleure expérience pour mes étudiants. Enfin, veuillez cliquer sur le bouton de suivi en haut pour pouvoir me suivre sur Skillshare Cela signifie que vous serez les premiers informés lorsque je lancerai un nouveau cours ou que je publierai des cadeaux J'espère que ce cours vous donnera de nouvelles idées pour peindre des lieux calmes et pleins d'atmosphère. J'ai hâte de vous voir tous ensemble dans les prochains cours d'ici là, bonne peinture et au revoir pour le moment.