Trouvez votre approche créative et réalisez des œuvres d'art plus cohérentes

1. Introduction: Voulez-vous faire un travail plus cohérent et faire votre marque unique dans le monde de l'art et du design, beaucoup de pratiques créatives sont juste des essais et des erreurs. Mais avec quelques outils, vous pouvez faire un travail plus cohérent qui reflète votre style personnel. Bienvenue pour trouver votre point de vue créatif, où je vais démystifier les éléments de base de l'art et du design afin que vous puissiez facilement les comprendre, et comprendre comment vous voulez utiliser ces éléments pour faire votre propre travail unique. Je suis Carolyn, designer et illustratrice qui est allée à l'école d'art et qui continue à apprendre l'art et le design tous les jours. En fait, j'ai créé mon propre catalogue de création pour moi-même parce que j'ai trouvé que j'avais besoin d'un outil pour me guider et aider à définir mon style créatif. J' ai pensé que je pourrais utiliser ça pour faire une recette ou une formule pour mon travail créatif, ce qui m'a vraiment aidé à me concentrer. Je peux me tourner vers ma formule et cela va aider à restreindre mes pensées et m'encourager vraiment à me pousser et à faire quelque chose d'intéressant et unique. Tout au long de ce cours, je vous guiderai à travers le processus de recherche de votre perspective créative et quelques étapes simples. Nous allons d'abord apprendre du vocabulaire pour décrire ce que vous aimez intuitivement dans l'art, mais il se peut que vous n'ayez pas de mots pour cela maintenant. Nous allons apprendre les sept éléments de l'art et du design. Ensuite, nous utiliserons ces éléments et ce vocabulaire pour analyser les illustrations. Ensuite, nous collecterons des références de ce que nous aimons dans ces sept éléments et prenons quelques notes dans notre catalogue créatif. Enfin, vous choisirez quelques éléments d'art et de design à explorer dans une nouvelle œuvre. À la fin de la classe, vous serez en mesure d'exploiter votre intuition esthétique et transformer en une partie de votre propre processus créatif. Commençons par regarder les éléments de l'art et du design et commencer votre catalogue créatif. Vous ferez un travail plus cohérent dans votre propre style unique en un rien de temps. 2. Projet : votre catalogue créatif: Dans cette classe, votre projet sera de créer un catalogue créatif complètement unique, plein d'images que vous voulez imiter dans votre propre travail. Votre catalogue sera composé de sept tableaux Pinterest qui serviront d'emplacement central pour que vous puissiez constamment ajouter des images auxquelles vous êtes attirés par vos artistes préférés, designers, photos que vous avez prises dans votre vie quotidienne et même des images de votre propre travail ou des croquis. Votre catalogue contiendra également des notes sur les raisons pour lesquelles vous avez sélectionné vos images et des mots-clés qui suggèrent comment vous pouvez les utiliser dans votre propre travail. Bien que je vous apprenne un ensemble de vocabulaire de base à utiliser dans votre catalogue créatif, il sera crucial d'apprendre des autres étudiants et d'élargir notre vocabulaire créatif ensemble. N' oubliez pas de publier vos tableaux et notes Pinterest dans la galerie de projets après chaque leçon. De cette façon, nous élargissons notre vocabulaire créatif ensemble et nous nous inspirerons mutuellement à chaque étape du processus. Après avoir créé votre catalogue, vous allez créer une nouvelle œuvre d'art basée sur trois sections de votre catalogue créatif ou trois éléments d'Art et Design. Commençons par notre catalogue créatif. Si vous n'avez pas encore de compte Pinterest, obtenez un de ceux-ci car c'est là que nous allons configurer notre partie image de notre catalogue de création. Téléchargez ensuite la feuille de calcul des notes du catalogue créatif à partir des ressources du projet afin que vous puissiez être prêt à prendre des notes sur vos images au fur et à mesure que nous les traversons. Ensuite, nous allons commencer à apprendre éléments de l'art et du design, en commençant par la composition. 3. Faire une ébauche de vignette: Prenons une courte pause et regardons comment faire des croquis miniatures. Vous pouvez donc les référencer dans la section Notes de votre catalogue de création. La personne visuelle et les croquis signifient souvent plus pour moi que les mots. Si vous souhaitez créer des esquisses comme celles-ci, veuillez le faire. Je vous encourage vivement et voici quelques conseils sur la façon dont vous pouvez les faire. Donc, lorsque vous créez votre esquisse de vignettes, vous voulez vraiment commencer par créer une forme de base généralement un rectangle, qui communique la forme de la pièce globale, puis nous allons dessiner à l'intérieur de cela. Alors, à quoi ressemble le Canvas ? Habituellement, c'est un rectangle ou un carré. Donc, je commencerais juste par obtenir une règle ou juste la main libre. Esquisse la forme de base de la pièce. Encore une fois, il n'a pas besoin d'être parfait par tous les moyens, et puis vous allez trouver le sujet de ceci et commencer par dessiner cela alors, parce que vous voulez commencer avec un peu de détail et ensuite faire de cette façon plus grand que ce qu'il était censé être et gâcher toute la proportion de la pièce. Je me concentrerais tout d'abord sur les grandes lignes, et donc je vais diviser la toile, similaire à la façon dont elle est divisée dans le travail lui-même. Donc je fais ça, que je regarde le travail. Dans cette pièce est sur mon Texture Board dans mon catalogue créatif. Dans ma miniature, je vais vraiment me concentrer sur cette texture. Donc, nous allons, commençant à mettre en évidence les parties que j'aime à ce sujet. C' est une composition assez compliquée. Donc, je simplifie vraiment juste pour prendre des notes. Alors maintenant que j'ai les principaux composants, qui seraient la structure des lignes globales segmentant cette composition, j'y vais et dessine ces petites textures que j'aime. Je pense que ce motif sur le mur révélant l'éclaboussure arrière de la cuisine est vraiment intéressant et a ce beau mouvement, qui est quelque chose que je pourrais prendre avec moi. Je pourrais ajouter une texture similaire et une de mes propres œuvres, et maintenant que je l'ai simplifiée juste à ces petites lignes, je peux vraiment en faire la mienne. Cela ne ressemblera pas à l'œuvre originale parce qu'elle ne devrait pas ressembler à l'œuvre originale. Maintenant que vous avez votre croquis miniature dessiné, j'aime utiliser juste une couleur plus noire, assez neutre pour cela. Maintenant, vous pouvez aller avec une couleur plus vive et vraiment prendre des notes sur ce que vous aimez spécifiquement à ce sujet. J' ai donc mentionné plus tôt quand j'ai commencé à dessiner ceci, que j'aimais la composition de la grille de segment. J' ai vraiment remarqué cet aspect dans le travail parce que je l'ai dessiné. Quand tu dessines quelque chose, tu le comprends vraiment. Normalement, je ferais juste une grille. Donc, si c'était une composition assez centrée comme le sujet était juste au milieu, je dirais qu'en dessinant une ligne droite à travers et puis une ligne droite en face juste pour montrer que c'est vraiment, tout se croise et se réunir au milieu, et le chemin de la composition est au milieu, ou quelque chose était ici, alors je ferais un non et une ligne qu'il était hors centré. Juste pour encore une fois, souligner cela et mettre en évidence si je l'ai aimé ou non. Je pense que la bonne chose est aussi le cerveau de concepteur en moi qui sort. Je pourrais prendre des notes sur ce que j'aime à ce sujet. Alors mettez des mots à ces différents modèles. Peut-être une variété ou un motif, ou sont des textures qui se chevauchent. Donc, les vignettes ne sont pas difficiles du tout. Vous pouvez les faire ce que vous voulez pour les faire, tant que vous les comprenez et comprenez ce que vous voulez apporter avec vous dans votre propre travail à partir des œuvres qui existent. C' est comme prendre des notes dans un livre. Donc, vous ne voulez pas mettre en évidence et écrire tout le livre parce que cela irait à l'encontre du but de prendre des notes. Vous voulez juste choisir ces lignes, ou des phrases, ou des mots qui signifient quelque chose pour vous. De cette façon, quand tu regardes le livre, tu te souviens de ces grands concepts. C' est donc exactement ce que nous voulons faire dans les croquis miniatures et dans la section notes de votre catalogue créatif. Ensuite, nous continuerons à apprendre sur les autres éléments de l'art et du design. 4. La composition: Commençons à faire votre catalogue créatif en le divisant en sections en fonction des éléments de l'art et du design. Nous allons commencer par la composition, puis en apprendre davantage sur les six autres éléments dans les leçons ultérieures. Nous voulons vraiment décomposer chaque élément de l'art et design car ce sont les éléments de base de notre InDesign. Une fois que nous avons compris comment nous pouvons les utiliser et comment les artistes que nous admirons les ont utilisés, nous pouvons reprendre ces connaissances, prendre des notes sur ce que nous aimerions et comment nous voulons aborder cet élément et l' intégrer dans notre propre travail et former un perspective créative très unique, voix ou style ou tout ce que vous voulez appeler, et faire un travail plus cohérent qui reflète vraiment la façon dont vous voyez le monde de l'art et du design. Apprenons-en plus sur la composition. Vous avez peut-être rencontré ces termes dans vos cours d'art et de design, mais c'est génial de simplement les examiner, et de se souvenir vraiment du cœur de ce qui constitue l'art et le design. La composition est la disposition des éléments individuels au sein d'une œuvre qui forme un tout unifié. Pour décomposer un peu plus loin la composition, il est utile d'examiner l'équilibre, le mouvement, l'unité, la variété, la proportion et l'alignement. L' équilibre est le poids visuel d'une composition. Il pourrait être centré, par exemple, il pourrait être décentré et perturbant. Vous voulez vraiment regarder la règle des tiers, et une grille visuelle dans votre esprit lorsque vous cherchez équilibre et juste regarder vraiment ce que vos yeux ont d'abord attiré sur ce qui occupe beaucoup de la composition. Suivant est le mouvement ou la façon dont l'œil se déplace dans toute la composition. Encore une fois, en regardant ce qui attire d'abord votre œil, puis où il se déplace ensuite. Suivant est l'unité ; différents éléments de la composition qui sont disposés de sorte qu'ils se connectent. Cela pourrait être un lien visuel qui se passe littéralement dans l'œuvre d'art. Par exemple, des lignes dessinées pour se connecter les unes aux autres, ou il peut s'agir d'une connexion implicite, où , par exemple, votre œil peut passer d'une forme à une autre et les unir les deux. Suivant est la variété, le contraire de l'unité, où différents éléments de la composition sont disposés de sorte qu'ils se déconnectent, en soulignant les éléments qui ne sont pas connectés. Suivant est la proportion ou l'échelle, qui est la relation de taille des éléments de la composition. Cela pourrait être réaliste, cela pourrait être abstrait et dramatique. L' alignement est le positionnement des éléments d'une composition qui relie les éléments. Cela va de pair avec l'unité, où certains éléments peuvent ne pas être littéralement les uns au-dessus des autres ou les uns à côté des autres, mais parce qu'ils forment cette ligne implicite, ils se connectent les uns aux autres. Maintenant que nous avons couvert certains concepts fondamentaux de la composition, commençons la section composition de votre catalogue. Commencez par collecter des images qui illustrent la façon dont vous souhaitez utiliser la composition dans votre propre travail. Voici quelques conseils sur la façon de choisir des images pour la composition. Recherchez votre artiste préféré et remarquez comment ils utilisent la composition ou se tournent vers les maîtres de la composition comme Caravage, Renoir, Georgia O'Keeffe et Degas. N' oubliez pas de toujours créditer les artistes. Lorsque vous trouvez un artiste qui aime peut-être les google et lire leur page Wikipédia ou lire leur site web dans l'histoire. De cette façon, vous pouvez vraiment comprendre quelque chose qui a influencé leur idée de la composition ou l'élément du design artistique. Par exemple, était Degas a été l'un des premiers artistes qui ont commencé à travailler avec la photographie, sorte que lui a vraiment donné une perspective intéressante sur la composition. Vous pourriez trouver quelque chose d'intéressant dans la façon dont l'artiste que vous aimez aborde cet élément, et peut-être vous pouvez garder un état d'esprit similaire. Recherchez les genres que vous souhaitez. Regardez les œuvres d'art et les genres qui vous intéressent, comme la peinture, la peinture de paysage ou la photographie de paysage. De là, vous pouvez voir comment d'autres artistes dans les genres que vous aimez traitent la composition. Une fois que vous avez des images sur votre tableau Pinterest, nous les prendrons à l'arrêt suivant et les analyserons ou les disséquerons, et prenons des notes sur la façon dont vous souhaitez utiliser la composition. 5. Analyser la composition: Voici quelques éléments à prendre en compte lors de l'analyse de vos images pour la composition. Un, où est ton oeil pour la première fois dessiné. Deuxièmement, comment sont les éléments place pour unir, souligner, ou créer le mouvement. Troisièmement, les éléments sont-ils équilibrés ? Regardons un exemple et analysons une image ensemble, en utilisant nos concepts de base de la leçon précédente et nos questions. C' est un tableau de l'un de mes artistes préférés Degas. Je pense que c'est vraiment intéressant dans la composition parce qu'il est presque divisé en deux, et il se concentre sur un angle bizarre que l'on ne voit pas normalement. Où est notre oeil d'abord dessiné, mon oeil comme probablement d'abord dessiné pour être têtes parce qu'ils sont si sombres et qu'ils prennent tellement de place sur la moitié inférieure de la composition, mais aussi la ballerine légère et sa robe au-dessus ils attirent mon œil. Comment les éléments peuvent-ils s'unir, mettre en valeur ou créer du mouvement ? Comme je l'ai dit, la composition est divisée en, presque au milieu de la composition, et c'est la ligne de scène qui la divise, ce qui met vraiment l'accent sur les hommes de l'orchestre parce qu'ils sont si grands, surtout comparés aux ballerines, et les ballerines, eh bien, un d'eux regarde vers le bas presque la fosse d'orchestre, mais les visages des hommes en bas sont juste si grands, comme presque aussi grand que tout le corps de la ballerine par rapport à sa tête plus petite. Cela semble un peu moins important, et elle se concentre davantage sur la représentation de l'orchestre. Les éléments sont-ils équilibrés ? Je dirais qu'ils sont assez équilibrés. Comme je l'ai déjà dit, la composition est divisée en deux, donc ils s'équilibrent mutuellement, mais l'homme dans l'orchestre en bas est si sombre et si lourd il se sent juste qu'au bas de la composition, mais il est encore assez lourd et prend beaucoup de poids visuel, donc je dirais que c'est peut-être un peu plus lourd sur le fond que sur le dessus. Maintenant que nous avons regardé cet exemple de pièce, voici quelques images de mon catalogue créatif, et je vais voir comment analyser plus intuitivement ces images au fur et à mesure que je les trouve et que je prends des notes à leur sujet. Quelque chose en plus du tableau Pinterest, j'aime personnellement faire juste pour être plus visuel comme faire croquis miniatures afin que je puisse les dessiner et comprendre vraiment ce que c'est que j'aime à propos de cette pièce spécifique. Disséquons deux de mes images. Faisons la première pièce par 100 et t est de cette femme qui est assise beaucoup de la composition et d'abord attirée sur son visage, puis il y a ce très beau mouvement de tourbillon, et de haut en bas son dos, puis de haut en haut et autour son bras, donc il y a ce mouvement de tourbillon que vous avez et c'est probablement ma partie préférée de cette pièce, c'est le mouvement dynamique, juste dans la composition. J' aime que c'est assez centré, mais c'est un peu plus lourd. Si nous le divisons dans cette règle de tiers grille, et puis il y a un peu plus de poids sur ce côté droit juste à cause de la couleur, donc dans l'ensemble, il est assez équilibré et réaliste proportions et le décalé, et si vous plissez vraiment et regardez, vous voyez ces belles formes en forme, qui est un autre élément de notre conception dont nous parlerons plus tard, mais ces éléments ne sont jamais isolés, ils travaillent toujours ensemble, donc les formes font un très bon travail de communiquant cette composition dynamique carrément. Regardons une illustration du maire Coleman qui fait partie de ses filles sur la pelouse, donc au début, je reconnais vraiment ces jambes qui sont presque en forme de Y avec ce corps, et vous pourriez ne pas reconnaître que c'est une fille à la naissance, parce que vous ne pouvez pas voir votre visage ou quoi que ce soit, donc j'aime que c'est une perspective vraiment dynamique et unique d'une figure, et c'est assez centré et la composition aussi, ce qui est quelque chose que j'aime aussi. Voici une approche cinématographique très intéressante, presque narrative de la composition. Ici, nous avons ce cadre qui s'estompe et présente vraiment cette figure qui est au centre de la composition. Mes yeux ont d'abord attiré vers lui, puis j'ai regardé vers le bas et j'imagine sa ligne de vue, puis je me déplace vers le haut en regardant autour de son balai, en remarquant qu'il l'aime bien. Il a une belle cheminée dans un bel appartement peut-être, et puis il a un chat, donc nous apprenons vraiment à propos de lui à travers cette composition, et puis nous remarquons, ces beaux motifs qui sont juste vraiment subtils qui composent cette cadre de fenêtre pour nous de regarder dans. Il s'agit d'une composition très équilibrée, très centrée, très forte, qui ne fait que reculer et qui ouvre le terrain pour raconter l'histoire. Maintenant, nous avons une composition qui est un peu déséquilibrée, donc nous avons cette fille ou un garçon, et ils le sont, vous allez supposer avec un parent, mais le parent est en fait recadrée. L' accent est vraiment sur l'enfant, et puis ils regardent, bien sûr, les pâtisseries dans cette fenêtre. Encore une fois avec le traçage de la ligne de vue. Votre œil se déplace d'abord de l'enfant jusqu'à la fenêtre. Regardons à quel point c'est centré. Encore une fois, je pense vraiment que la composition est un peu plus lourde sur le côté droit, mais elle est assez équilibrée dans l'ensemble, mais vraiment penchée vers le côté droit, puis nous avons une affiche de Toulouse Lautrec. J' ai adoré le mouvement diagonale dynamique dans ce domaine. Ma première chose que je regarde à nouveau, c'est un visage. En tant qu'humains, je pense que nous sommes programmés pour repérer immédiatement les visages, puis mon œil se déplace vers ces éléments plus sombres, et j'apprécie vraiment à nouveau ce mouvement diagonal et la composition, donc la figure, le sujet lui-même est sur la diagonale, puis le type imite sa direction diagonale, puis ses mains pointent toutes vers elle de cette manière dynamique. Il y a ce mouvement incroyable de genre peut-être qu'elle s'éloigne des mains et que les mains s'approchent d'elle, et puis il y a d'autres détails de confettis en arrière-plan qui s'estompent, mais donnent peut-être une idée de l'endroit où ils sont, Et si nous regardons comment cela est divisé en la règle des tiers, nous voyons son visage est assez centré, mais un peu décalé, et alors ces mains sont vraiment de ce côté gauche, mais elles finissent en équilibrant avec la figure qui est juste de ce côté droit, donc c'est une composition assez équilibrée, mais je pense que c'est un peu plus lourd en bas et le côté droit lourd, mais il crée ce mouvement incroyable pour votre œil, qui finit par être très intéressant, et raconte une histoire. Maintenant, que nous avons regardé quelques images liées à la composition et quelques exemples. Je vais sortir ma feuille de calcul de la section de notes de catalogue créatif et écrire quelques notes, maintenant que j'ai regardé quelques images. En mettant des mots dans vos catalogues, images vous aideront vraiment à définir comment vous voulez les utiliser dans votre propre travail. Alors que je parlais de mes images, de les décomposer, les analyser, de prendre des notes avec mes croquis miniatures. Je vais prendre quelques notes sur ce que j'aime. Dans ces images. Peut-être qu'un thème cohérent tous ces thèmes sont centrés, tous ceux-ci sont diagonaux, cette chose, et de cette façon je peux noter que plus tard quand je fais du travail, et cela me guidera sur la façon de faire ma propre œuvre d'art. J' ai dit que j'aime la composition centrée, peut-être un peu centrée. J' ai aussi aimé un mouvement de narration, donc ceux-ci peuvent être des mots ou ils peuvent être des phrases, je veux dire n'importe quoi tant que vous reconnaissez ce qu'ils signifient et que vous pouvez leur donner un sens plus tard une fois que vous travaillez réellement. Maintenant, je peux utiliser ces mots-clés dans mon travail plus tard. Ensuite, nous continuerons à apprendre sur les autres éléments de notre conception. 6. Espace: Maintenant que nous avons examiné notre premier élément de notre composition InDesign. Passons à notre deuxième, l'espace. espace est les distances ou les zones autour, entre et à l'intérieur des composants d'une pièce. Lorsque nous examinons des pièces de travail pour l'espace, il est bon de passer en revue quelques termes différents tels que l'espace positif ou négatif, l'espace fermé ou l'espace ouvert, la profondeur et la dimension. L' espace positif est l'objectif principal ou le sujet dans le travail. Alors que l'espace négatif est l'espace vide autour du sujet. L' espace ouvert dans l'art tridimensionnel est les parties ouvertes ou relativement vides de l'œuvre. L' espace fermé dans l'art 3D est les zones remplies ou pleines de l'œuvre. Lorsque nous parlons de profondeur par rapport à l'espace, nous parlons de la distance apparente de l'avant à l'arrière ou de près à loin dans une œuvre d'art. Ceci est souvent décrit comme la relation entre l'arrière-plan et le premier plan ou la profondeur du champ dans la photographie. Vous pouvez avoir une grande profondeur de champ, ce qui signifie qu'il semble qu'il y a beaucoup de distance entre ce qui est le plus proche de vous, le premier plan, et ce qui est le plus éloigné de vous, l'arrière-plan. Vous pouvez également avoir une faible profondeur de champ, ce qui signifie qu'il semble qu'il n'y a pas beaucoup de distance entre ce premier plan et l'arrière-plan. Nous pouvons considérer la dimension dans l'espace comme une mesure de l'étendue spatiale dans une direction, hauteur, une largeur ou une profondeur. Deux dimensions peuvent être une façon de décrire un travail. Cela signifie qu'il n'a que les dimensions de hauteur et de largeur, donc il est plat. Ou nous pouvons appeler un travail en trois dimensions, ayant des dimensions de hauteur, de largeur et de profondeur. Maintenant que nous avons couvert certains concepts de base pour l'espace, commençons la section Espace de votre catalogue de création. Commencez par collecter des images qui illustrent la façon dont vous souhaitez utiliser l'espace dans votre propre travail. Voici quelques conseils pour commencer. Tournez-vous vers les maîtres de l'espace, comme M. C. Escher, Saul Bass, Salvador Dali, Thomas Cole, Ansel Adams, David Turnley et Henry Moore. Vous pouvez également rechercher les champs d'art et les mouvements que vous aimez. Regardez des domaines spécifiques de l'art comme la peinture ou la photographie et regardez des mouvements artistiques spécifiques comme le surréalisme ou le modernisme. Une fois que vous avez des images sur votre tableau Pinterest, nous allons passer à l'étape suivante et les analyser ou les disséquer pour les utiliser plus tard dans votre travail. Voici quelques éléments à prendre en compte lors de l'analyse des images pour l'espace. Premièrement, identifier les espaces positifs et négatifs. Est-ce que l'un domine l'autre ? Deuxièmement, la profondeur et la dimension sont-elles réalistes, larges ou 3D, ou abstraites, peu profondes en 2D ? Troisièmement, l'espace suggère-t-il un mouvement ou une signification supplémentaire à l'œuvre ? Analysons ensemble une image en utilisant nos questions et concepts fondamentaux de l'espace. Vous avez probablement vu ce célèbre travail de M. C. Escher. C' est un regard très intéressant sur l'espace positif et négatif. Commençons par là, identifiez les espaces positifs et négatifs. Cette pièce est vraiment intéressante parce que les espaces négatifs et positifs changent presque. Au début, vous pouvez voir l'espace positif est les oiseaux qui volent, ils sont noirs, puis le ciel derrière eux est blanc. Ce serait l'espace négatif. Une fois que vous arrivez à mi-chemin vers le bas, il passe et les poissons sont dans cet espace blanc. Cela devient l'espace positif et le noir derrière le poisson devient l'espace négatif. C' est un jeu vraiment intelligent sur l'espace négatif et positif et sur la façon dont les différentes personnes interprètent les négatifs positifs ou comment il peut changer au fil du temps. Est-ce que l'un domine l'autre ? Je dirais, non, ils sont très équilibrés et ils changent en fonction endroit où vous regardez dans la pièce ou de la façon dont votre œil se déplace à travers elle. La profondeur et la dimension sont-elles réalistes ou abstraites ? Je dirais que la profondeur et la dimension sont très abstraites. Les poissons et les oiseaux sont très plats. Ils ont un peu d'ombrage sur eux, mais il ne ressemble certainement pas à un poisson 3D que vous pouvez tenir dans votre main. Le fond est également, juste blanc uni ou noir uni. Rien n'indique qu'il y ait de l'eau sous le poisson, ou qu'il y ait un ciel avec des nuages derrière les oiseaux. Cet espace suggére-t-il un mouvement ou ajoute-t-il un sens ? Comme je l'ai déjà mentionné, je pense qu'il y a un bon mouvement ici parce que c'est un modèle très prévisible que, les poissons et les oiseaux emménagent. C' est vraiment une découverte amusante lorsque votre œil se déplace de haut en bas et que l'espace change. Voici quelques images de mon catalogue et je vais passer très rapidement comment j'analyse plus intuitivement cela dans ma propre pratique. Dans cette illustration, j'aime vraiment la planéité de celui-ci. Tout semble très peu profond dans la profondeur. Ces arbres sont tous au même niveau. n'y a pas quelque chose qui disparaît au loin. Ils ont une variation de taille, mais ce n'est pas assez cohérent pour où cet arbre en arrière-plan pourrait être vraiment petit par rapport à un énorme arbre au premier plan, tout est écarté dans ce modèle d'arbres qui sont tous, un grand arbre ici, un petit arbre ici. Il n'a pas vraiment de sens spatialement qu'il s'agisse d'une représentation réaliste d'un paysage. L' espace blanc en arrière-plan est clairement l'espace négatif, tandis que les arbres sont au premier plan et représentent l'espace positif. Je pense qu'en général il y a peu de mouvements spatialement tout au long de cette pièce. Juste parce que, comme je l'ai déjà mentionné, il n'y a pas de mouvement du premier plan à l'arrière-plan avec votre œil. Tout est sur le même terrain. Cela permet à votre œil de se concentrer sur les arbres. L' arrière-plan est tout simplement blanc. Il n'y a rien à regarder dehors. Vous pouvez remarquer toutes ces illustrations d'arbres très douces. La pièce suivante que j'ai choisi d'ajouter à mon espace était cette illustration très intéressante appelée restes et a cette planéité extrême. Comme je l'ai mentionné dans le dernier ouvrage, il y a cet espace négatif clair qui est blanc ou blanc et qui permet aux éléments colorés de l'espace de vraiment avancer jusqu'au premier plan. Mais il y a cette profondeur vraiment intéressante qui entre en jeu avec ces différents éléments ombragés. Il y a quelques couleurs primaires qui sont utilisées qui apparaissent vraiment au premier plan de ce tableau mais ils flottent parfois. Il peut y avoir ce blanc mais entre eux ils sont vraiment légers, et ce sont des zones vraiment sombres, il y a ce gris qui sort et qui ajoute à la profondeur, qui ajoute de la dimension. Vous pouvez dire que ces zones sombres sont censées représenter une ombre. Ces zones plus larges de son corps et de son chapeau sont censés représenter un sujet qui arrive au premier plan. La troisième pièce que j'ai choisie est la chambre rouge. Il a une planéité évidente, semblable aux deux pièces précédentes que j'ai regardées. Cela n'offre vraiment pas beaucoup de dimension parce que comme ce que j'ai mentionné avec les arbres, il n'y a pas de mouvement qui vous dit vraiment quoi que ce soit à propos d'être une vraie pièce dans laquelle vous pouvez emménager, dans laquelle vous pouvez revenir parce que ces éléments sont tous présentés si catégoriquement. Les couleurs se mélangent aussi vraiment, surtout dans le mur et la table qu'il fait ressortir que la planéité, par exemple, ce mur, s'il était vraiment dans une pièce, devrait probablement avoir une couleur plus foncée parce qu'il est plus loin dans l'espace. Ou il pourrait avoir une couleur plus claire, mais ce serait certainement plus différent que la couleur de la table et c'est un peu déroutant spatialement mais il rassemble cette très belle abstraction que j'ai vraiment comme personnellement. Alors cela amène votre œil à se concentrer davantage sur ces éléments plutôt que sur le fait que cela pourrait ou non être une vraie pièce. Votre œil peut bouger librement. Rien n'est vraiment plus important que l'autre chose. Vous pouvez passer du temps à explorer uniformément les éléments de cette composition. Je pense encore une fois, c'est un travail vraiment intéressant de l'espace positif qui vient avec l'espace négatif pour communiquer quelque chose de plus fort. Immédiatement, je vois ce qui prend le plus de place dans la composition, ces voitures. Ce sera notre espace positif. Alors cette zone blanche de l'arrière-plan est évidemment notre espace négatif. Le fond blanc vient pour briser l'espace positif à certains endroits. Je pense que cela est vraiment indicatif du type d' impression qu'ils auraient pu utiliser à l'heure actuelle. Peut-être qu'ils ont un budget serré, par exemple, et qu'ils ne peuvent imprimer qu'une seule couleur. Cette utilisation de l'espace positif et négatif serait vraiment important pour faire presque une troisième couleur avec juste votre couleur, c'est votre papier, puis votre couleur qui est votre sujet. Il y a presque cette troisième couleur ici. Mais de toute façon, donc c'est peut-être pourquoi cet espace négatif mange dans l'espace positif. Il communique aussi très efficacement cet objet ou ces deux voitures qui retournent dans l'espace. Bien qu'il s'agisse d'une image assez plate dans l'ensemble, il n'y a qu'une seule couleur, et tout ce qui est cette couleur est sur le même champ. Il y a cet aspect de dimension et de profondeur qui intervient parce que tout se déplace vers ce coin supérieur. Parce qu'il se rétrécit, cela suggère qu'il retourne dans l'espace comme ce que j'ai mentionné avec les arbres plus tôt. Ce qu'il y a à l'arrière serait plus petit que ce qu'il y a à l'avant. Le type est inclus sur ce, ce qui est quelque chose que j'aime vraiment personnellement. Toute cette composition bouge ensemble et je pense que c'est vraiment intelligent. Maintenant que nous avons regardé quelques images, passons à l'étape suivante et écrivez des notes dans notre feuille de travail sur les notes. J' ai été cohérent dans tous mes dessins, illustrations, peintures que j'ai regardé était cette planéité, qui a également créé une abstraction. Je vais prendre des notes à ces deux, j'ai fait un premier plan dynamique, arrière-plan ou une relation spatiale positive et négative. Suggestions de profondeur. Je ne pense pas que dans l'ensemble j'aime beaucoup de profondeur. Je n'aime pas qu'il soit super réaliste ou je ne veux pas au moins me concentrer sur cette profondeur et ce réalisme. Je veux me concentrer davantage sur des choses comme la couleur, donc je devrais maintenir cette planéité afin de me concentrer sur d'autres choses et d'élever ces autres choses et presque oublier l'espace. Nous avons appris les concepts fondamentaux de l'espace. Nous avons collecté et analysé des images pour l'espace. Nous avons pris quelques notes dans une feuille de travail notes. Passons à notre prochaine leçon, qui couvrira la forme. 7. Forme: Maintenant que nous avons couvert nos deux premiers éléments, la composition et l'espace, passons à notre troisième forme. La forme ou la condition dans laquelle un objet existe ou apparaît est la forme. Ce qui semble très technique. Répartissons en quelques termes plus simplifiés. Nous avons la forme géométrique, la forme organique, la dimension et la forme à considérer pendant que nous analysons pour la forme. forme géométrique est définie en mathématiques et ont des noms communs. Par exemple, les cercles ou les carrés, et l'opposé de la géométrie serait des formes organiques, donc des formes sans noms, sans définir d'angles ni de normes. Ça suggère la nature. La dimension par rapport à la forme indique comment une forme peut être bidimensionnelle, ne montrant que la longueur et la largeur ou qu'elle pourrait être tridimensionnelle avec des reflets et des ombres qui montrent plus de profondeur. La forme est une forme en 3 dimensions. Maintenant que nous avons couvert certains concepts de base pour la forme, commençons la section Formes de votre catalogue. Collectez les images qui illustrent la façon dont vous voulez utiliser la forme dans votre propre travail. Voici quelques conseils sur la façon de collecter des images si vous avez besoin d'un point de départ. Découvrez comment vos artistes préférés utilisent la forme ou se tournent vers des maîtres comme Mondrian, Le Corbusier, Kandinsky, Gauguin, Kara Walker, Claes Oldenburg et Paul Klee. Vous pouvez également simplement rechercher vos formes préférées que vous appréciez déjà et que vous travaillez. Après avoir rassemblé quelques images sur votre tableau Pinterest, nous passerons à l'étape suivante qui consiste à analyser ces images pour extraire ce que vous voulez emporter avec vous dans votre propre processus. Voici quelques éléments à prendre en compte lors de l'analyse de la forme des images. Premièrement, identifiez les grandes formes. Sont-ils géométriques ou organiques ? Deuxièmement, les limites de la forme sont-elles définies par des lignes, des valeurs, des couleurs ou des textures ? Troisièmement, les formes sont-elles réalistes ou expressives ? Complexe ou simplifié ? Analysons une image ensemble en utilisant nos questions et concepts de base, parce que ce sont vraiment une image amusante d'un gâteau et des morceaux de gâteau. Parlons des formes et identifions-les. Au début, nous voyons un tas de cercles dans le gâteau et dans les assiettes uniformément réparties. Ensuite, il y a un tas de triangles et de prisme rectangulaire dans les tranches. Dans l'ensemble, les formes sont assez géométriques. Comment les limites des formes sont-elles définies ? Il y a quelques petits morceaux de contours, mais il y a aussi des ombres. C' est une représentation assez réaliste du gâteau. Les formes sont-elles réalistes ou expressives, complexes ou simplifiées ? Je pense que dans l'ensemble le ton de cette pièce est assez simplifié, mais en ce qui concerne la forme, je pense que c'est assez réaliste. Il ressemble à ce que vous imagineriez un gâteau et ses tranches ressemblent. Je ne pense pas que rien soit trop abstrait ici, mais dans l'ensemble, cela semble assez simplifié. Les formes se répètent tout au long de la composition qui crée ce beau rythme. J' aime vraiment ce rythme et je pense que c'est une technique que je pourrais peut-être utiliser dans mon propre travail. Voici quelques images de mon catalogue et je vais vous parler de la façon dont je les analyse plus intuitivement dans mon propre processus de création. Cette première illustration de Paul Rand, est une représentation très abstraite de quelques animaux. Tout de suite, je reconnais que c'est probablement un chat et que c'est peut-être un chien. Mais ce n'est pas en fait à quoi ressemble un chat ou un chien dans la vraie vie. Ils sont très équarris. Ils sont de forme très géométrique. Eh bien, juste quelque chose que j'aime et qui apporte une qualité abstraite ludique à apprendre. Les formes sont très plates et ne sont que des blocs de couleur, ce qui représente encore une fois cette simplicité et l'abstraction que j'aime. Ensuite, nous avons une illustration du lait. J' aime le mélange des formes plus géométriques avec les cartons plus organiques du lait. Encore une fois, cela illustre l'abstraction et la simplification. Vous voyez que les ombres ne sont que des formes. En réalité, il y aurait plus de profondeurs représentées dans cela. Il y aurait un ombrage plus clair, par exemple. Ensuite, ce n'est qu'une forme simplifiée. J' aime que ce soit juste cette forme simplifiée et vous n'avez pas besoin de toutes ces informations supplémentaires. Ensuite, les formes soulignent simplement la forme de l'ensemble des cartons de lait. Il y a tellement de petites formes dans la plus grande forme, brisées par le rectangle soudain presque au milieu de la composition. Ensuite est ce merveilleux dessin d'un vase. C' est encore super simplifié. C' est vraiment juste ce vase de forme organique avec bien sûr ces feuilles de forme organique. Ensuite, il y a cette table ronde et des cercles ronds et un fruit rond qui soulignent le cercle ou comme la qualité ronde. J' adore quand différentes formes font écho aux autres formes de la composition. C' est une illustration conceptuelle vraiment amusante d'un château. Ceci, bien sûr, a ces petites formes dans les formes à l'intérieur des formes dans les formes. Cela pourrait continuer encore et encore. Ce super organique, super ludique. Aucune de ces lignes et formes n'est parfaite. J' adore cette interprétation super simple, mais vraiment ludique et amusante du château. Ensuite, nous avons ces illustrations de femmes qui sont en maillots de bain. Encore une fois, c'est assez réaliste à l'endroit où c'est comme le corps d'une femme. Tout comme nous, il n' y avait pas de fin de voiture, mais ils sont abstraits et super simplifiés. Celui-ci est vraiment moins sur le rempli et les formes, vraiment seulement leurs maillots de bain sont remplis. Il s'agit vraiment de ces lignes qui se rassemblent pour faire un ovale ou un triangle. Juste cette simplification est quelque chose que j' aime vraiment et je sais que je veux vraiment imiter dans mon propre travail. Je pense que ces quelques images que j'ai choisies ont fait un très bon travail d'illustrer quelques façons différentes pour moi de le faire. Maintenant que nous avons regardé quelques images, revenons à notre feuille de calcul. J' ai certainement dit un million de fois que j'aime la forme imparfaite. Les formes dans les formes sont quelque chose que je viens de dire beaucoup. Simplifié. Vous pouvez aussi dire que c'est la troisième fois que j'écris dans ma section de notes, et j'ai certainement dit quelque chose dans le sens de simplifié, imparfait et résumés un million de fois. Je sais déjà que ce devrait être la direction que je vais dans mon propre style. Je vais écrire évident. Parce que parfois, dans la vraie vie, vous ne voyez pas immédiatement les formes dans les formes lorsque vous regardez un objet. Mais dans mon œuvre d'art, je veux vraiment sortir et m'amuser avec ces formes qui interagissent, peut-être juste dans un objet. Nous avons abordé les concepts de base de la forme, recueilli et analysé des images, et écrit quelques notes sur la forme et la façon dont nous voulons l'utiliser dans notre propre travail. Passons à notre prochaine ligne de leçon. 8. Ligne: Maintenant, nous sommes prêts pour le prochain élément de l'Art et du Design, qui est la ligne. Voyons ce que signifie la ligne et certains termes qui s'y rapportent qui nous aideront à décrire la ligne à utiliser dans notre propre travail. Ligne est un tracé identifiable créé par un point se déplaçant dans l'espace. Voici quelques mots que vous pouvez décrire ligne avec, horizontale, verticale, diagonale, courbée, qualité de ligne et contour. Au niveau de base, les lignes peuvent être horizontales, ce qui suggère le paysage, l'espace ou le repos. Il peut aussi y avoir des lignes verticales qui suggèrent la hauteur, la spiritualité ou le pouvoir. Il peut également y avoir des lignes diagonales qui suggèrent un mouvement, et un morceau de travail. Il y a des lignes courbes, qui suggèrent une énergie ou peut-être un calme ou une douceur, ou une nature, similaire aux formes organiques. La qualité de la ligne peut être utilisée pour décrire la nature d'une ligne créée par un outil ou une technique. La qualité de la ligne peut être décrite comme mince, épaisse, variée, droite , courbée, zigzag, courte, longue, croisée ou pointillée, entre autres. contour est le bord apparent d'un objet. Le contour n'existe généralement pas dans le monde réel, mais c'est souvent la façon dont les gens interprètent les objets dans l'art. Maintenant que nous avons couvert certains concepts de base pour la ligne, commençons la section ligne de votre catalogue. Commencez à collecter des images qui illustrent la façon dont vous souhaitez utiliser la ligne. Si vous n'êtes pas sûr, voici quelques conseils sur la façon de choisir des images pour votre section de ligne de votre catalogue de création. Une des choses les plus faciles que vous pouvez faire est de rechercher artistes célèbres qui sont connus pour leur grande utilisation de la ligne. Leonardo Da Vinci, Henri Matisse, Jackson Pollock, Pablo Picasso, et la peinture au lavage à l'encre ou l'art chinois sont tous de grands exemples de façons uniques d'utiliser la ligne. Vous pouvez également rechercher les outils et les médias que vous connaissez comme vous le souhaitez. Recherchez des images utilisant les outils et les supports qui créent le type de ligne que vous aimez. Si vous aimez le dessin au crayon, par exemple, recherchez des illustrations au crayon, ou si vous savez que vous aimez la peinture, puis regardez, des peintures. Après avoir rassemblé quelques images sur votre ligne, tableau Pinterest pour votre catalogue créatif, nous allons passer à l'étape suivante et analyser ces images afin que nous puissions les disséquer et comprendre comment nous voulons les utiliser dans notre propre travail. Voici quelques éléments à prendre en compte lorsque vous regardez vos images pour la ligne. Premièrement, identifier les lignes, quelle est leur direction et leur qualité ? Deux, est-ce que la ligne mène votre œil autour de la composition ? Est-ce que les lignes créent une forme ou ajoutent un sens ? Troisièmement, la ligne est-elle évidente, suggérant la simplicité et l'enjouement, ou les lignes sont-elles subtiles suggérant la réalité ? Analysons une image ensemble pour passer en revue ces questions et voir comment nous pouvons utiliser nos concepts de base pour décrire une image. Ici, nous avons une image très puissante de Pablo Picasso. Identifions les lignes et parlons de leur direction et de leur qualité. C' est une peinture très dynamique avec beaucoup de lignes. Ils sont surtout, je les décrirais comme un contour. Ils sont assez solides et sombres pour la plupart. Leur direction est partout, ce qui rend cette peinture si intéressante et dynamique. Il y a des lignes qui se déplacent ensemble et organiquement vers le bas de la page dans les cheveux de cette femme. Mais il y a aussi des triangles très géométriques et choquants au milieu de son visage, ce qui est bouleversant parce que vous savez qu'il n'y a pas triangles aléatoires et de formes géométriques bizarres au milieu de votre visage. Tu sais que c'est une pièce abstraite. Tu sais que c'est un peu troublant. Est-ce que le leader de ligne votre oeil autour de la composition ? Est-ce que les lignes créent une forme ou ajoutent un sens ? Comme nous venons de le dire, il y a ce mouvement vraiment dynamique autour de toute la composition parce que la ligne solide et audacieuse vous emmène tout autour de la composition. C' est comme ces montagnes russes d'une ligne, et cela crée ce mouvement vraiment dynamique. Comme je l'ai déjà mentionné, les formes géométriques déchirantes qui sont au milieu du visage ajoutent un sens ou une histoire que quelque chose n'est clairement pas juste ici. Si nous regardons même le titre de la pièce, « The Pleueping Woman », que l'utilisation de la ligne géométrique au milieu de la phase organique souligne vraiment qu'elle pleure, il y a quelque chose qui ne va pas et aussi le spectateur devrait peut-être se sentir contrarié comme Eh bien. La ligne est-elle évidente suggérant la simplicité et l'enjouement ? Ou la ligne est-elle subtile, suggérant la réalité ? Comme je l'ai souligné presque immédiatement, cette ligne est clairement un tracé. Ce n'est pas censé être réaliste et ce n'est certainement pas subtil. Je ne l'appellerais pas ludique dans ce cas, mais je pense que c'est très évident et met l'accent sur la destruction et le visage. Maintenant que nous avons analysé le Picasso ensemble, une fois que vous avez quelques images, je veux que vous vous posiez ces questions et utilisiez nos concepts de base pour décrire vos propres images. Je vais vous montrer quelques exemples d'images dans mon catalogue créatif dont je vais passer par mon analyse et comment je choisis de façon plus intuitive ce que je veux écrire dans mon catalogue créatif. Ces lignes sont vraiment expressives, sinueuses et organiques tout au long de la pièce, ce qui est quelque chose que j'aime vraiment. Il y a beaucoup de mouvement dans toute la pièce parce qu'il y a une telle variation dans toutes ces lignes qui vous déplacent facilement à travers les plantes, et même vers le bas dans le vase. Vraiment toute l'action se passe dans les fleurs et les plantes, parce que le contour du vase est juste cela, un contour. Cette moitié inférieure est super simplifiée et pas très intéressante à regarder. J' aime la qualité ludique de cela et juste la qualité immanquable des lignes. Cette pièce suivante, j'aime à cause des contours de cette femme, de son visage. Encore une fois, la qualité imparfaite de la figure. J' aime comment le sujet, la femme au milieu est super organique et sinueux dans ses lignes et ce qu'elle est assise et cette verdure en arrière-plan, souligne sa courbure. Il y a très peu de lignes horizontales géométriques ou droites dans cette pièce. Mais j'aime comment il y a une utilisation subtile de cette grille en arrière-plan, qui semble un peu plus géométrique et artificielle alors qu'elle est juste assis en face de lui. J' aime comment la courbure des éléments qui l' entourent souligne la courbure de ce sujet ou de la femme. Notre prochaine pièce est une très belle illustration de concept. J' ai choisi celui-là pour Line parce qu'il y a tellement de lignes dedans. Il y a ces lignes subtiles en arrière-plan, brisant l'espace et divisant les différentes figures au premier plan. Il y a aussi une belle utilisation de la ligne dans les vêtements des figures. Ensuite, il y a une utilisation différente et plus subtile de Line en arrière-plan, avec ces danseurs qui se balancent autour. Ces lignes sont un peu plus diagonales. Ensuite, il y a des lignes très serrées dans les zones sombres. Ensuite, il y a des lignes plus tourbillonnantes, pour représenter différents instruments et différents composants de la composition. Je pense qu'il y a une très bonne variété de travail en ligne là-dedans. Dans chacune de ces lignes sont de communiquer une chose différente et de penser qui rend la pièce très ludique dans l'ensemble. Ces lignes ajoutent également une très belle quantité de texture à la paix et communiquent une belle dimensionnalité. Ce croquis de certaines figues est vraiment agréable et expressif. J' aime à quel point ces lignes ont l'air pressé. Il semble vraiment fait à la main et n'est pas parfait à nouveau, mais communique ce qu'il est censé communiquer. C' est très ludique et a beaucoup de mouvement. Vous pouvez presque imaginer les artistes, griffonnant leur stylo pour faire cela, ce qui est vraiment amusant. Ensuite, notre dernière image est une représentation amusante vraiment abstraite d'un visage. J' aime comment la ligne est assez droite. Mais tout d'un coup, il y a ces courbes vraiment belles qui vous aident à vous déplacer, et presque rassembler le tout pour que vous puissiez dire que c'est un visage. C' est vraiment ludique et un peu plus géométrique et simplifié que les autres pièces que je vous ai montrées. Mais je pense que c'est une utilisation très simple et agréable de Line pour communiquer exactement ce que vous voulez communiquer avec peu d'informations. Maintenant que nous avons regardé une poignée d'images, revenons à notre feuille de calcul de notes pour terminer la dernière étape de cette section de notre catalogue, qui est d'écrire des notes. Dans l'ensemble, j'ai vraiment aimé la variation dans le travail de ligne. J' aime les lignes pour communiquer quelque chose. Ensuite, j'aime l'utilisation du contour, qui revient à nouveau à ces concepts abstraits que j'aime. Je pense que l'esquisse représente une simplification. J' aime le travail de ligne qui crée une forme. Comme cette pièce de concept avec un tas de chiffres je pense que c'était une très belle utilisation de la ligne, créant des choses comme un instrument ou comme les cheveux de quelqu'un. C' est un peu plus intéressant que d'avoir une forme là-bas. Nous avons tous fini de passer en revue les concepts de base, les définitions et l'analyse de la ligne. Passons à notre prochaine section, qui est la couleur. 9. Couleur: Parlons de notre cinquième élément de l'art et du design, la couleur. couleur est la teinte perçue d'un objet. Nous pouvons décrire la couleur en quelques termes différents, la teinte, la valeur, la saturation, contraste, le schéma de couleurs d'un morceau de travail, ou l'humeur et la signification qui vient avec la couleur dans un morceau de travail. teinte est la couleur, par exemple, le rouge. Certaines catégories de teintes de base sont les couleurs primaires, les couleurs secondaires et les couleurs tertiaires. La valeur de la couleur est la légèreté ou l'obscurité. Par exemple, le rose est une version plus claire du rouge tandis que le rouge marron est une version plus foncée du rouge. saturation est l'intensité de la couleur, par exemple, pastels qui sont plus légers en intensité, et les couleurs primaires qui sont super intenses. contraste est la séparation des valeurs entre deux ou plusieurs couleurs. Par exemple, si le jaune, qui est plus clair en valeur, est à côté du bleu, qui est plus sombre en valeur, cela va apparaître très distinct. schéma de couleurs est la combinaison de couleurs utilisées dans une œuvre. Il y a un tas de différents types de couleurs dont nous pouvons parler, mais je vais juste mentionner les principaux schémas de couleurs qui sont couramment discutés, monochromatique, analogue, gratuit, split-complémentaire, triadique, neutre, pastel, sourd, chaud, frais, léger et sombre. Vous pouvez utiliser l'un de ces termes pour vous aider à décrire ce que vous aimez dans un jeu de couleurs. Ensuite, il y a de l'humeur et du sens, quand une couleur évoque une émotion ou des associations culturelles au sein d'une œuvre. Par exemple, les couleurs sombres peuvent souvent se sentir troublantes, blanc peut souvent représenter l'innocence et la culture, et le rouge peut être associé à la marque Coca-Cola. Maintenant que nous avons couvert certains concepts de base et les descripteurs de base de la couleur, commençons la section couleur de votre catalogue. Collectez des images qui illustrent la façon dont vous souhaitez utiliser la couleur dans votre propre travail. Voici quelques conseils sur la façon de commencer à collecter vos images pour la couleur. Si une image ne vous saute pas immédiatement à l'esprit pour votre planche, vous pouvez toujours vous tourner vers les maîtres. Cherchez des artistes comme Henri Matisse, Cezanne, Monet, regardez le Pop Art, regardez la période bleue de Picasso, cherchez le travail de Mark Rothko, ou Helen Frankenthaler, ou Josef Albers était vraiment grand dans la théorie des couleurs. Si vous connaissez les couleurs qui vous attirent et que vous gravitez vers elles, les couleurs de recherche sont des combinaisons de couleurs qui créent le type d'art que vous aimez. Adobe Color est une excellente ressource. C' est une application et un site web. Vous pouvez créer vos propres jeux de couleurs, ou si vous avez besoin d'inspiration, vous pouvez rechercher leur bibliothèque de jeux de couleurs. Après avoir recueilli des images sur votre tableau Pinterest, nous allons passer à l'étape d'analyse et extraire ce qu'il y a sur ces images que vous voulez emporter avec vous dans votre propre travail. Certaines des questions que vous pouvez considérer en regardant vos images et en les analysant pour la couleur est : Une, quelles couleurs ou nuances voyez-vous ? Deuxièmement, comment décririez-vous les couleurs et les couleurs de l'œuvre d'art ? Troisièmement, quelle humeur le schéma de couleurs évoque-t-il ? Est-ce que les couleurs ajoutent du sens ? Analysons rapidement une seule image ensemble avant de commencer sur votre propre catalogue créatif. C' est une belle image lumineuse par Henri Matisse. Nous commencerons par les couleurs ou les teintes que vous voyez. Je vois certainement une variété de teintes. En utilisant nos concepts de base que nous avons appris plus tôt, je vois une couleur pourpre bleuâtre, il y a certainement du rouge, il y a du jaune très saturé, il y a cette couleur rose clair sur sa robe, il y a de l'orange, et puis il y a aussi une couleur verte assez saturée. Comment décririez-vous les couleurs et le schéma de couleurs ? Je décrirais cela comme un schéma de couleurs très saturé. Il y a cette couleur bleu pâle, mais généralement les rouges, les jaunes, les oranges, et même le vert sont très saturés. Je pense que, dans l'ensemble, c'est un schéma de couleurs assez équilibré. Il pourrait même se pencher un peu vers le chaud, mais je pense que le vert fait un bon travail d'équilibrage des couleurs plus chaudes. Je ne dirais pas qu'il est clair ou sombre. Il est, encore une fois, équilibré avec certaines des couleurs plus sombres de l'arrière-plan et les couleurs plus claires au premier plan. La figure est assez légère, puis la base est assez légère. Quelle humeur le schéma de couleurs évoque-t-il ? Est-ce que les couleurs ajoutent du sens ? Pour moi, les couleurs évoquent cette qualité ludique. Nous savons que, de façon réaliste, la pièce de la scène n'a probablement pas l'air aussi brillante et aussi colorée, mais l'artiste a pris quelques libertés et a fait cette peinture arc-en-ciel. Je ne sais pas si cela évoque vraiment un sens, mais je pourrais l'interpréter comme un scénario onirique. Une fois que vous avez quelques images sur votre tableau Pinterest pour la couleur, je vous encourage vivement à utiliser ces questions et nos concepts de base pour analyser les images. Je parlerai à travers mon processus de la façon dont j'extrait et disséque les images pour la couleur. Ce premier est juste une peinture super simple dans un carnet de croquis, mais j'aime comment il est si simple et juste des blocs de couleur. Les couleurs sont assez muettes dans l'ensemble, mais il y a cette variété vraiment amusant dans les couleurs. Je peux voir qu'il y a noir, bleu, cette couleur de saumon, un rose plus foncé, un rose clair, une couleur olive, une couleur sarcelle, une couleur pourpre plus foncé, puis une couleur orangée à l'aspect rouillé, ce qui le rend plus amusant et ludique. Cette image suivante j'aime vraiment parce qu'il est si lumineux et coloré. Les couleurs ici sont toutes très saturées. On dirait que quelqu'un a peut-être juste utilisé les couleurs de la boîte de crayon, et qu'ils ne les ont pas dilués du tout, donc ils sont super lumineux et saturés. Nous avons cette couleur rouge rose qui occupe une majorité de la composition et crée un visage, ce qui est vraiment magnifique, ce qui est vraiment magnifique, et évidemment pas sa couleur de cheveux réelle ou la couleur de la peau, mais c'est vraiment amusant et expressif. Ensuite, nous l'avons tenant des fleurs ou des plantes bleues et vertes, ce qui est un très beau contraste avec la couleur rouge et presque cette couleur complémentaire. Puis, sa main a un très bon mélange de bleu, qui communique presque une ombre, et de rosace, qui communique sa peau. Cette prochaine illustration d'un lion est vraiment amusant parce que c'est vraiment juste deux couleurs, jaune et bleu, mais ils se chevauchent dans le processus d'impression, donc ils créent un vert où ils se chevauchent, ce qui est vraiment amusant, et expressif, et ludique. Cette très belle peinture d'une femme a tant de couleurs et c'est presque comme un arc-en-ciel. Ils sont assez saturés mais peu tonifiés et sourds. Ils ne sont évidemment pas une expression réaliste de ce à quoi cette femme ressemble dans la vraie vie, mais c'est une très belle représentation de la femme et super expressive. Ce melon j'aime vraiment parce qu'il n'a que quelques couleurs, le violet, le jaune, le bleu foncé, puis quelques roses et violets se rassemblant à l'intérieur du melon. Encore une fois, c'est super simplifié et n'a vraiment que quelques couleurs, mais ils se mélangent à certains endroits, ce qui est vraiment beau. Au lieu d'être leur propre bande violette séparée ou cercle rose, ils se rassemblent un peu sublimes. Maintenant que nous avons regardé une poignée d'images, il est temps pour vous de regarder vos images, voir ce que vous voulez retirer et d'utiliser dans votre propre travail créatif. Nous pouvons le faire facilement en franchissant notre prochaine étape dans cette section de notre catalogue, qui consiste à écrire quelques notes dans notre feuille de travail de notes. Saturé. Puis, j'ai remarqué que j'ai vraiment gravité vers schémas de couleurs qui comprenaient peut-être quatre couleurs au moins, trois ou quatre couleurs, je dirais, et puis jusqu'à peut-être 10 couleurs. Cela va, encore une fois, aider à guider ma palette de couleurs à prendre des décisions lorsque je vais peindre ou dessiner à l'avenir. Se chevaucher, mélanger les couleurs comme dans le fruit, se chevauchant comme dans le lion, comment vous pouvez vraiment utiliser deux couleurs, mais vous pouvez les mélanger ensemble de différentes manières pour créer couleurs différentes subtiles qui vont tous ensemble parce que c'est vraiment juste les deux couleurs. Je vais ajouter des abstraits ici à nouveau, juste parce que j'avais quelques portraits qui étaient super colorés et qui ne représentaient pas nécessairement de façon réaliste les femmes qui sont représentées. Je suppose que je ne gravite pas vraiment vers une couleur spécifique, mais je pourrais écrire du rouge ici ou de l'orange. Maintenant que nous avons terminé avec nos concepts de base, notre analyse et notre section de notes de couleur, passons à notre prochaine section de notre catalogue créatif, qui est la texture. 10. Texture: Parlons de la texture ou du sixième élément de l'art et du design. La texture est la sensation visuelle d'une pièce. Cette texture peut être réelle ou implicite. Vous voulez penser aux matériaux, aux outils et aux techniques qui sont tous derrière cette texture. Lorsque nous parlons de matériaux par rapport à la texture, nous parlons du champ visuel créé par les matériaux utilisés pour réaliser le travail. Par exemple, une toile ou un métal. Quand on pense aux outils par rapport à la texture. Nous parlons du champ visuel créé par les outils utilisés pour faire le travail. Par exemple, une brosse plate ou une brosse de ventilateur en peinture. Vous pouvez également penser aux techniques. La sensation visuelle créée par les techniques ou les processus utilisés pour faire le travail. Par exemple, une technique de type brosse sèche ou une technique de hachurage croisé qui créent des textures différentes. Maintenant que nous avons couvert les concepts fondamentaux de la texture, commençons à rassembler des images qui illustrent la façon dont vous souhaitez utiliser la texture dans votre catalogue créatif. Démarrez votre tableau Pinterest et commencez à rechercher toutes les images qui reflètent la façon dont vous pourriez vouloir utiliser la texture dans votre propre travail. Voici quelques conseils pour vous aider à choisir des images pour votre tableau de texture. Tourne-toi vers les maîtres. Certains artistes connus pour leur utilisation de la texture sont Vincent van Gogh, Robert Rauschenberg, Andy Goldsworthy et des artistes du mouvement du réalisme. Recherchez également les médias que vous aimez. Recherchez les matériaux, les processus et les outils qui créent le type d'art que vous aimez. Après avoir rassemblé quelques images, vous allez passer à l'étape suivante qui est l'analyse de votre planche de texture. Certaines choses à prendre en compte lors de l'analyse de la texture de vos images ne sont qu'une Décrivez comment le travail se sent, deux , quels matériaux, outils et techniques, selon vous, contribuent à la texture ? Vous pouvez également savoir quels outils, matériaux et techniques les artistes utilisent si vous faites plus de recherches sur l'image. Troisièmement, la texture suggestive quelque chose dans le monde, une période temporelle ou une culture ? Y a-t-il plus de contextes derrière le travail et la texture que vous pourriez incorporer dans votre propre processus ? Voici un exemple d'image que nous allons analyser ensemble pour réitérer nos concepts de base et montrer comment vous pouvez prendre ces concepts de base avec vous dans votre propre processus. Je suis sûr que tout le monde est familier avec ce tableau, Nuit étoilée de Vincent van Gogh. Premièrement, décrivez ce que ressent le travail. Pour moi, ce travail se sent cahoteux peut-être et tourbillonnant. Une texture implicite serait cette mondaine parce que nous savons que la peinture n'est pas vraiment tourbillonnante. Ce sont juste les effets que vous obtenez du mouvement dans les lignes et la forme. Ensuite, la texture réelle semble que la peinture pourrait effectivement être construite sur la surface de la toile, donc c'est une vraie texture cahoteuse. Quels matériaux, outils et techniques contribuent, selon vous, à la texture ? C' est une peinture à l'huile. Nous savons pour un fait que Van Gogh a utilisé cette technique impasto, donc c'est pour ça que ça a l'air cahoteux. Il a construit la peinture sur la surface de la toile pour obtenir un aspect superposé. Je suppose qu'avec impasto, il a probablement utilisé comme un couteau à palette ou quelque chose aussi bien sur une toile, donc si je voulais créer un travail qui ressemblait à ça, je garderais ça dans mon esprit, la technique impasto, Toile, peinture à l'huile. La texture suggestive-t-elle quelque chose dans le monde, une période temporelle ou une culture ? C' est certainement suggestif de quelque chose dans le monde. C' est ce qu'il s'appelle, une nuit étoilée. Mais c'est un peu abstrait parce qu'une nuit étoilée ne ressemble pas exactement à ça. Il y a de la place pour l'interprétation que Van Gogh a utilisée. Ensuite, nous savons aussi parce que nous connaissons la date à laquelle cette pièce a été créée, que cela faisait partie du mouvement Post-Impressionnisme dans l'art moderne. Encore une fois, si nous sommes intéressés à créer une œuvre comme celle-ci, nous pourrions faire des recherches plus approfondies sur l'artiste moderne ou l'art post-impressionniste. Maintenant, je vais passer par quelques exemples de morceaux de travail que j'ai dans mon propre catalogue créatif pour la texture. Je regarde ce merveilleux morceau avec peut-être une mère et son fils. Peut-être qu'il s'agit d'une impression ou simplement d'un travail numérique. Il semble assez lisse dans l'ensemble, mais j'aime l'utilisation des nombreuses textures tout au long de cette pièce. Il y a un peu de texture de ligne dans le ciel, dans l' ensemble, le ciel semble assez lisse et plat. Mais alors cet arrière-plan semble plus loin que cet arrière-plan parce qu'ils sont séparés par ces deux textures différentes créées par ces lignes qui se déplacent partout. Ensuite, ces lignes frappent cette forme, qui a encore une autre texture avec encore plus de ces lignes, mais elles sont plus remplies dans la création d'une texture différente. Ensuite, il y a cette texture à carreaux qui vient créer un autre élément dans la pièce. Ensuite, il y a ce banc plat, qui est un peu pas intéressant et juste une forme simple. Ensuite, il y a toutes ces feuilles plates qui viennent dans qui sont plates comme le bouquet et pas super intéressant, mais ils font un très bon travail de briser toutes ces autres textures. Ensuite, vous avez des petits détails comme les rayures sur leurs jambes. Je pense que c'est vraiment intéressant pour moi parce qu'il y a une variation de textures créées avec ces formes simples et cette pièce. La pièce suivante est déjà un peu balisée. Mais c'est de l'impression linocut. Encore une fois, il n'y a qu'une seule couleur ici et c'est juste une encre. Vous devez vraiment créer de la profondeur et de la dimension dans une pièce quand vous avez juste une encre de couleur à travers différentes textures. Il y a plusieurs techniques différentes utilisées ici. Je ne suis pas une imprimante d'écran, donc je ne connais pas les termes techniques pour eux, mais il y a cette très belle texture que nous avons ici en arrière-plan à partir de beaucoup de ces formes qui se réunissent. Ensuite, il y a ce whispier, une texture plus lâche ici dans le cabinet. Ensuite, il y a une autre texture de vérification dans cette serviette séparant du four qui est plus sombre et plus rempli ici. Ensuite, il y a les différents outils de cuisine qui sont séparés par leurs propres textures. Les lignes se relâchent à certaines parties comme ici sur l'armoire, puis resserrent les autres parties ici sur le coin et qui communique les différentes formes et les différents objets qui sont dans cette composition unique. J' aime vraiment cette variété de textures utilisant la texture pour communiquer la profondeur et raconter une histoire dans cette composition. Ensuite, nous avons ce chat égratigné. On dirait que cela a été créé avec de l'encre. Parfois, il peut sembler assez lisse lorsque l'encre est répartie plus uniformément et plus entièrement distribuée sur ces parties plus sombres, puis elle semble rayante quand elle tombe des contours qui ont été créés. On dirait que quelqu'un a créé ce contour du chat et ensuite ils voulaient exprimer cette colère sur le visage du chat et pousser vraiment cette colère et expression de sentiment en devenant fou avec cette encre. Je pense que c'est un travail vraiment cool de communiquer l'humeur et peut-être la colère de ce chat. Peut-être qu'il y avait une technique de brosse sèche utilisée pour créer ces rayures et regarder si peu non poli et infini, mais cela fait un très bon travail de communiquer un sens plus profond. Cette image suivante de ciseaux se sent vraiment rugueuse et presque cram comme. J' adore la façon dont il se sent peu clair et ouvert et bouge. Peut-être que c'était une texture créée par un crayon. Ça se sent vraiment gribouillé, ce qui est amusant. Vous pouvez toujours dire ce que c'est. C' est évidemment une paire de ciseaux et une main, mais simplifié. C' est vraiment juste souligner le contour de base de la forme de la main et la plus grande forme des ciseaux, mais communiquer cette forme d'une manière vraiment expressive avec la rapidité des marques. Ces marques suggèrent un mouvement et vous pouvez à nouveau sentir le crayon bouger et le regarder. Après avoir pris une minute pour regarder toutes mes images ou peut-être juste mes images préférées. Je passe à la dernière étape de cette section de notre catalogue de création en notes ou en construisant ma formule créative dans ma feuille de travail de notes. Je vais dire varié, parce que j'aime cette variété dans les textures pour raconter une histoire et aider à séparer les objets. Je vais également écrire que des objets séparés slash composants. Je vais écrire décoratif, parce que beaucoup des œuvres que je viens de montrer la texture ne communiquaient pas vraiment beaucoup. Par exemple, c'était une texture rayante qui communiquait l'écorce sur un arbre. C' était comme ce mouvement rapide, exprimant de la colère ou simplement griffonnant pour faire une paire de ciseaux. Je devrais dire simplifié et outils et matériaux parce que ce n'était pas un média vraiment mixte que je sortais dans mon catalogue. C' était juste un linocut. Il s'agissait d'un support, un outil et d'un matériau utilisés pour créer cela, mais à l'intérieur d'un outil ou d'un matériau, il y avait une variété de textures créées par ce simple outil ou matériau. Maintenant que nous avons couvert certains concepts de base et définitions de la texture, rassemblé certaines de nos images dans notre section de texture de notre catalogue créatif, les analysons et pris quelques notes, il est temps de passer à notre dernière section, qui est un sujet d'étude. 11. Le sujet abordé: Tout comme ça, nous sommes sur notre dernier élément de l'art et du design, le sujet. sujet n'est pas techniquement un élément de l'art et du design, mais j'aime vraiment l'avoir comme section dans mon catalogue de création parce que, sujet est énorme, c'est ce que vous dessinez, c'est ce que vous photographiez. sujet est l'objet visuel ou narratif d'une œuvre d'art. Déterminez ce que vous voulez communiquer à travers votre travail, car ce sera le cœur de votre travail. Alors maintenant, il est temps pour vous de rassembler quelques images pour votre sujet Pinterest tableau , puis d'écrire quelques notes dans la dernière section de votre feuille de calcul de notes. Qu' est-ce que vous aimez dessiner, tirer, filmer, peindre, concevoir, broder, quoi que ce soit que vous faites. Comment d'autres artistes dépeignent-ils ces sujets ou ces récits ? Cela vous aidera à aller de l'avant et à concevoir votre propre histoire. Qu' est-ce que tu veux dire de ton art ? Il est très important d'avoir un message clair dans votre art. Vous ne voulez pas que les gens ne comprennent pas ce que vous essayez de dire ou pensent que vous dites le contraire. Vous devez utiliser vos outils visuels pour pouvoir communiquer clairement avec votre public. Maintenant, regardons quelques exemples de ce qu'il y a dans mon sujet Pinterest board. Donc j'ai ce portrait vraiment amusant de cette femme, j'aime juste la composition globale de ça, et comment ce n'est pas juste ce visage dans une tenue typique, c'est vraiment amusant avec un tas de ces bulles dessus, Et puis, sur le dessus de sa tête, sont ces fleurs pour la zone de résumé, et peut-être qu'elle aime vraiment les fleurs et je pensais que, c'était une façon vraiment amusante et ludique de peut-être communiquer quelque chose à son sujet. Peut-être qu'elle est jardinière et ce sont ses fleurs, et elles sont juste sur sa tête pour une raison quelconque. J' ai une autre couleur abstraite bloquée, peinture en forme de cool de deux femmes en maillots de bain. J' aime comment abstraite mais simple c'est. J' aime comment il y a ces petites formes dans les formes. C' est presque comme un puzzle qui se réunit, et j'adore la façon dont les femmes sont au centre du puzzle. Ils ne ressemblent pas à des femmes typiques, ils sont plus abstraits, mais aussi peut-être plus réalistes, ce ne sont pas seulement des figures collantes. Ils sont peut-être même plus réaliste représentation des femmes que les magazines. Cette merveilleuse pièce qui, je pense que c'est une affiche en fait, mais il montre juste l'alphabet et différentes personnes interagissant avec les lettres, je pense juste que c'est tellement amusant et ludique, et les couleurs sont vraiment brillantes, il est juste dans l'ensemble vous rend vraiment heureux, et je suis un designer, donc, j'aime les lettres et l'arrosage, donc, j'apprécie ce mélange de lettrage avec illustration. Puis ce dernier morceau que je pense est vraiment mignon et doux et amusant. C' est cette fille qui mange une énorme pile de crêpes. Bien que les crêpes ne soient que des gribouillis, ce qui est vraiment amusant et ludique, j'aime ça, c'est super simple , c'est juste cette chaise, puis cette autre chaise, et les filles dessus. Il y a encore cette petite idée que ce sont crêpes parce qu'il y a du sirop d'érable sur le côté, et puis elle a l'air tellement débordée par toutes ces crêpes sur le tampon. J' adore que c'est une histoire, même si c'est juste une scène, mais j'aime la forme des chaises, puis l' enjouement de son visage, de sa tenue, et de ses pieds qui entrent l'un dans l'autre. Sortons ma feuille de calcul pour remplir la dernière section. Un de mes mots-clés va être les femmes, les lettres, chiffres de slash corps sont venus beaucoup et juste cette poignée d'images que nous avons regardé, ludique, donc, non seulement est-il important qu'il ya des femmes et des lettres peuvent être impliqués dans l'un de mes pièces, un élément de ludique devrait probablement être impliqué. Alors bien sûr, l'abstraction revient encore et encore. Honnêtement, je suppose que c'est le mot que je cherche, donc, c'est honnête et véridique de la façon dont je vois le monde. J'aime vraiment cette liste. Une fois que vous avez quelques phrases et idées pour votre sujet de la partie de votre feuille de travail, pourquoi ne pas en choisir une ou deux et la réduire vraiment afin que vous puissiez créer votre nouveau travail en fonction de votre choix de sujet dans votre catalogue créatif, puis nous allons faire un nouveau travail qui est entièrement basé sur vos notes de votre catalogue créatif. 12. Utilisez votre Catalogue : un élément: Passons de parler du travail des autres et de se concentrer sur vous et votre style. Je sais que nous avons passé beaucoup de temps à apprendre sur les éléments de notre InDesign, et j'espère que vous avez maintenant une idée de la façon dont vous voulez aborder chacun de ces éléments et les utiliser dans votre propre style créatif. Nous avons donc passé en revue tous les éléments de l'art et du design et avons fait votre catalogue de création pour vous de référence. Maintenant, mettons ce catalogue créatif en service et faisons quelque chose. Dans cette leçon, je vais juste vous montrer rapidement comment vous pouvez vous concentrer sur un élément de notre InDesign et créer dans cet esprit. Ensuite, nous passerons à notre projet actuel pour la classe, qui impliquera la combinaison de quelques éléments différents et l'utilisation de votre catalogue créatif pour inspirer cette nouvelle œuvre d'art. J' ai choisi notre composition pour commencer, et je vais peindre ces jolies fleurs que j'ai à côté de moi. Mais d'abord, je voulais retirer quelques notes de mon catalogue créatif. Je veux que ce travail soit centré, concentré et simple. Ce sont deux autres mots que j'ai tirés de mon catalogue. Comme je l'ai mentionné plus tôt, ces mots que vous pouvez considérer comme une recette ou une formule pour votre travail créatif. Dans ce cas, c'est ma recette centrée, concentrée, simple. Ce sont les trois principales choses auxquelles je vais penser quand je fabriquerai ces fleurs. J' ai ici un petit croquis miniature que j'ai fait très rapidement, juste pour que je puisse faire une note de la façon dont exactement je veux encadrer cette composition. De cette façon, je n'irai pas en aveugle quand j'aurai mon drap vierge. Je pense que se concentrer sur un ou deux éléments au début est génial juste pour avoir l'habitude d'écrire votre formule et de faire référence à cela, et de voir comment intégrer cela dans votre processus créatif. Mais c'est aussi agréable de simplement expérimenter avec des choses. Par exemple, j'ai cette composition centrée écrite dans mes notes, mais peut-être que j'essaie cela et peut-être que je vais essayer un peu plus et je finis par ne pas vraiment être intéressé par nous sous composition. Je peux supprimer cela de mon catalogue créatif et je n'ai plus jamais à y penser. réalisant ces petites pièces rapides, étude d'un ou deux éléments de notre InDesign vous aidera vraiment à trouver votre voix et votre style rapidement et facilement. Maintenant que nous avons commencé avec ce petit article d'entraînement, passons à notre travail final basé sur votre catalogue de création. 13. Utiliser plusieurs éléments: Maintenant que nous avons commencé avec ce petit article d'entraînement, passons à notre travail final basé sur votre catalogue de création. Vous devriez déjà avoir votre médium en tête. Ensuite, vous auriez déjà dû choisir un sujet que vous aimeriez explorer. Avec ces éléments en tête, choisissez trois éléments différents de l'art et du design dont nous avons discuté. Regardez-vous vos notes, regardez en arrière vos tableaux Pinterest et donnez vous une direction de l'endroit où vous voulez aller avec ce nouveau travail. Pour ma dernière œuvre d'art, je vais faire une peinture basée sur l'illustration conceptuelle de Mary Blair qui est dans mon catalogue, puis une photo que j'ai prise d'une serre dans un jardin. Pour m'aider à rendre mes œuvres cohérentes, je vais choisir mes trois éléments sur lesquels me concentrer : la composition, la forme et la couleur. Sujet ici, je mets une serre ludique et abstraite dans un jardin parce que c'est littéralement ce que je fais et je me concentre sur. Ce n'est pas vraiment son propre élément, mais je l'ai mis là juste pour que je puisse rester concentré. Il est utile d'écrire deux mots ou phrases différents pour chacun de vos trois éléments d'art choisis pour créer votre formule créative. En regardant mon catalogue pour la composition, j'ai tiré des histoires centrées. Shape, j'ai choisi des formes imparfaites dans des formes. Couleur, saturée et chevauchant avec un point d'interrogation parce que je pourrais vouloir explorer cela ou je ne veux pas le faire. Je reviendrai à cela quand je fais ma pièce et je prendrai évidemment les décisions que je crée. Votre formule n'est pas votre livre de règles fini. C' est un guide que vous pouvez expérimenter et ajuster vos mots pendant que vous travaillez à tout moment. utilisant tous ces mots clés, je vais pousser cela sur le côté tandis que je crée pour l'inspiration et que je leur retourne chaque fois que je me sens perdu ou que j'ai besoin de plus de directives ou de conseils. Cela m'aidera également à limiter mon train de pensée quand je fais, sorte que je ne suis pas trop submergé, comme devrais-je utiliser des couleurs pastel ? Non, je me réfère à la feuille. J' utilise des couleurs saturées. Je l'ai déjà décidé. Maintenant, je peux juste me concentrer sur mon travail. Quand j'ai dessiné ma peinture pour la première fois. Je voulais vraiment me concentrer sur cette composition centrée que j'ai écrite et donc j'ai littéralement centré la serre et commencé à la rendre vraiment abstraite. Puis avec mes éléments de forme, j'ai dit que je voulais avoir des formes dans les formes. J' ai vraiment essayé de pousser cela et puis de le pousser encore plus loin avec le thème du jardin de plantes et de faire les formes de feuilles ou de fleurs formes. Je n'ai pas vraiment fini par chevaucher les couleurs autant, mais les couleurs semblent se chevaucher de la façon dont je les ai mélangées. Par exemple, j'ai utilisé le bleu plus clair en arrière-plan, puis tonifié ce bleu dans le bleu un peu plus sombre, moins saturé dans la maison. Je pense que les formes florales, naturelles et organiques de la maison prêtent vraiment cet élément narratif. Après avoir peint mes formes de base et vraiment concentré sur le clouage de ma composition, forme et de la couleur qui étaient les trois éléments que j'ai choisis, j'ai pensé que je pourrais me référer à d'autres éléments de conception comme ligne et ajouter ces détails qui mettront l'accent sur mon mot de narration que j'ai choisi pour ma formule pour améliorer la pièce finale. Félicitations, nous avons créé votre propre formule créative basée sur votre catalogue créatif et une toute nouvelle œuvre d'art. Publiez votre nouveau travail et la formule que vous avez utilisée pour le faire dans la galerie de projets pour montrer comment vous avez développé votre catalogue créatif en quelque chose que vous pouvez utiliser dans votre processus chaque fois que vous créez. Finissons avec quelques derniers plats à emporter. 14. Pratique des tirages: Félicitations pour la création de votre catalogue créatif et l'apprentissage d'une autre technique que vous pouvez utiliser dans votre propre processus créatif. Merci beaucoup d'avoir rejoint moi. J' espère que vous avez un outil vraiment utile que vous pouvez consulter tout au long votre processus de création pour faire un travail vraiment cohérent qui est dans votre propre style unique. Un plat vraiment important de cette classe est, vous avez tout ce dont vous avez besoin pour exprimer votre propre voix unique, perspective, style, quoi que vous vouliez l'appeler, vous avez juste besoin de prendre des notes et de garder trace de ce que ces ce sont des choses qui composent votre style et votre point de vue. Ensemble, nous avons appris les éléments de base de notre conception, comment les reconnaître dans l'art, et les utiliser dans votre propre travail créatif, comment développer un outil pour créer des œuvres d'art plus cohérentes qui vous appartiennent, votre création , et nous avons appris que trouver votre perspective créative, votre style, votre voix, quel que soit votre nom, est vraiment plus facile que vous ne le pensez si vous venez de le décomposer en étapes et de créer des outils pour vous aider à réaliser facilement un travail qui reflète votre style. Vous devez télécharger votre catalogue de créations ainsi que vos notes et votre nouveau travail dans la Galerie de projets. Je suis tellement excité de voir quelles images vous avez choisi, quelles notes vous avez qui composent votre formule, et comment vous avez mis tout ça ensemble dans un nouveau morceau. Assurez-vous de laisser des commentaires et s'il vous plaît me suivre pour les cours futurs. Merci.