Scénarimage pour l'animation : Comment illustrer et concevoir pour réussir un mouvement | Sarah Beth Morgan | Skillshare
Menu
Recherche

Vitesse de lecture


  • 0.5x
  • 1 x (normale)
  • 1.25x
  • 1.5x
  • 2x

Scénarimage pour l'animation : Comment illustrer et concevoir pour réussir un mouvement

teacher avatar Sarah Beth Morgan, Director + Illustrator

Regardez ce cours et des milliers d'autres

Bénéficiez d'un accès illimité à tous les cours
Suivez des cours enseignés par des leaders de l'industrie et des professionnels
Explorez divers sujets comme l'illustration, le graphisme, la photographie et bien d'autres

Regardez ce cours et des milliers d'autres

Bénéficiez d'un accès illimité à tous les cours
Suivez des cours enseignés par des leaders de l'industrie et des professionnels
Explorez divers sujets comme l'illustration, le graphisme, la photographie et bien d'autres

Leçons de ce cours

    • 1.

      Introduction

      1:37

    • 2.

      Le pouvoir de la planification

      5:20

    • 3.

      Lancement de votre projet

      6:10

    • 4.

      Réflexion sur votre concept

      3:30

    • 5.

      Extraction des références

      6:44

    • 6.

      Création d'une planche de tendances pour votre orienter style

      7:16

    • 7.

      Scénarimage : Planification de la narration

      10:24

    • 8.

      Scénarimage : Esquisser l'action

      7:07

    • 9.

      Cadre de style : Conception d'une scène

      4:16

    • 10.

      Cadre de style : Ajout de couleurs et de détails

      5:35

    • 11.

      Polissage de votre traitement

      7:18

    • 12.

      Réflexions finales

      0:45

    • 13.

      Découvrez d'autres cours sur Skillshare

      0:33

  • --
  • Niveau débutant
  • Niveau intermédiaire
  • Niveau avancé
  • Tous niveaux

Généré par la communauté

Le niveau est déterminé par l'opinion majoritaire des apprenants qui ont évalué ce cours. La recommandation de l'enseignant est affichée jusqu'à ce qu'au moins 5 réponses d'apprenants soient collectées.

12 178

apprenants

18

projets

À propos de ce cours

Apprenez à créer des scénarimages vivants et dynamiques qui traduiront vos illustrations en animation de manière transparente !

Dans ce cours facile à suivre, Sarah Beth Morgan, directrice artistique, illustratrice et motion designer indépendante, partage son processus éprouvé pour élaborer un dossier créatif que tout client serait ravi de recevoir. Les leçons portent sur le scénarimage et l'illustration dans le cadre d'un projet d'animation :

  • Élaboration d'un beau tableau d'humeur avec un point de vue clair
  • Faire passer une idée du cerveau au cadre de style
  • Ce qu'il faut prendre en compte lors du choix des couleurs pour l'animation
  • Conseils essentiels pour créer des scénarimages qui donnent vie à votre idée

Que vous soyez un vétéran du monde des travailleurs indépendants qui souhaite conserver un avantage concurrentiel ou que vous soyez un nouveau travailleur indépendant et que vous souhaitiez développer une base solide de planification créative, les démonstrations claires et exploitables de Sarah Beth feront passer vos briefs au niveau supérieur. Chaque leçon correspondant à une étape du processus, vous serez en mesure de faire passer votre concept d'une idée amorphe à un storyboard clair en un rien de temps, et d'acquérir des compétences essentielles pour réussir votre planification créative.

Rencontrez votre enseignant·e

Teacher Profile Image

Sarah Beth Morgan

Director + Illustrator

Enseignant·e


Hi, you! I'm Sarah Beth - a freelance animation director & illustrator based in Cleveland, OH. I grew up in the magical, far-away Kingdom of Saudi Arabia, where I was deprived of bacon and cable television - but was granted a unique and broad perspective. After attending SCAD and a two-year stint in LA at Scholar, I decided to move onto literal greener pastures in the PNW and join the talented folks at Oddfellows. Now, I work from my own little studio with my fluffy assistant, Bandit.

 

Join my newsletter to stay up to date on my latest thing-a-ma-bobs!

Voir le profil complet

Level: All Levels

Notes attribuées au cours

Les attentes sont-elles satisfaites ?
    Dépassées !
  • 0%
  • Oui
  • 0%
  • En partie
  • 0%
  • Pas vraiment
  • 0%

Pourquoi s'inscrire à Skillshare ?

Suivez des cours Skillshare Original primés

Chaque cours comprend de courtes leçons et des travaux pratiques

Votre abonnement soutient les enseignants Skillshare

Apprenez, où que vous soyez

Suivez des cours où que vous soyez avec l'application Skillshare. Suivez-les en streaming ou téléchargez-les pour les regarder dans l'avion, dans le métro ou tout autre endroit où vous aimez apprendre.

Transcription

1. Introduction: narration est la base de tout projet de mouvement. Si vous avez une bonne histoire, cela va donner vie à votre concept d'une manière beaucoup plus intéressante que si vous deviez simplement créer quelque chose qui semble joli. Je suis Sarah Beth Morgan et je suis illustratrice indépendante et directrice artistique basée à Portland, Oregon. La classe d'aujourd'hui est consacrée à la planification créative pour le design de mouvement. En tant que personne créative, vous vous demandez peut-être pourquoi ne pas faire ce que vous voulez faire ? Il y a tellement d'aspects et de parties différentes d'un projet de mouvement que le regroupement de manière organisée et la planification très approfondie est vraiment utile parce que vous arrivez à voir le projet dans son ensemble afin que le client et vous et tous les membres de votre équipe savez ce qui se passe. Si vous êtes coincé, cela peut vous aider à libérer votre créativité et votre potentiel, et vous aidera vraiment à donner vie à vos projets d'une manière beaucoup plus facile et plus fluide. Aujourd'hui, nous allons créer un nouveau deck client en faisant du brainstorming, de la recherche, de l'évaluation de l'humeur, de l'esquisse du storyboard, création d'un cadre de style et de l'ajout final poli à votre deck client. N' hésitez pas à suivre avec moi, télécharger le deck client sur votre côté, ou vous pouvez utiliser ces techniques de planification créatives sur votre propre projet. Vous devriez suivre ce cours si vous êtes un illustrateur qui veut en apprendre un peu plus sur animation ou si vous êtes un animateur qui veut en apprendre davantage sur le processus de conception et de planification créative. Par le passé, j'ai eu beaucoup de mal à concevoir et à trouver des idées. Quand je me fie à mon processus de planification créative et que je connais les étapes à suivre pour créer mon projet, je finirai par trouver de grands concepts et idées en cours de route. Je suis vraiment excité de vous apprendre sur la planification créative, alors plongons dans. 2. Le pouvoir de la planification: La planification créative peut signifier un certain nombre de choses. Mais pour les besoins de cette classe, il s'agira plutôt de planifier un projet de mouvement, mais aussi de créer un deck pour communiquer avec vos clients. Souvent, cela s'appellera un traitement créatif, qui est quelque chose que vous montrerez à votre client pour transmettre vos idées. Disons qu'un client est venu te voir et qu'il avait un scénario et une idée, mais qu'il ne savait pas comment donner vie à ces idées. C' est ce que nous allons faire ici, c'est trouver le chemin pour créer ce projet. Cette classe vous sera bénéfique si vous êtes un concepteur de mouvement, un illustrateur ou un animateur. Mais c'est aussi vraiment bénéfique pour tout type de créatif, même si vous êtes juste bousculant ou si vous êtes un créatif qui veut créer un projet de passion sur le côté. Ce flux de travail est en fait vraiment m'a beaucoup aidé avec des projets de passion, parce que les projets de passion sont quelques-uns des projets les plus désorganisés que j'ai. Beaucoup de fois, cela commencera par un concept, une émotion, ou un sentiment. C' est vraiment difficile de transformer ça en quelque chose de tangible que je peux réellement planifier et transformer en un véritable projet de mouvement. Personnellement, je n'anime pas beaucoup, mais en tant que directeur artistique et illustrateur de motion design, cela aide vraiment à comprendre comment fonctionne l'animation pour préparer mon projet à la réussite plus tard. Je vais plonger dans quelques exemples pour vous montrer ce dont j'ai besoin. Ce premier produit que je vais vous montrer était un projet de mouvement typique. C' était pour une école en ligne avec laquelle j'ai travaillé, et je créais un ensemble de cadres de style pour leur projet final. Donc, avec chaque deck client, j'aime vraiment avoir une page de bonjour qui dit : « Merci beaucoup d'avoir pensé à moi pour cette merveilleuse opportunité. » J' ai eu quelques idées conceptuelles et des réflexions sur les visuels que j'ai inclus ici, ainsi que quelques planches d'humeur de direction de style et ce projet portait sur les plantes. J' ai inclus quelques photos réelles de plantes qui ont été utilisées comme inspiration pour le projet, et ce projet était unique parce qu'ils avaient deux scripts. J' ai donc dû créer des storyboards pour les deux, ce qui était assez amusant, et vous pouvez voir ces storyboards ici. Mais ensuite, nous voyons aussi le cadre final que j'ai créé pour ces storyboards. Voici quelques façons dont certains élèves ont réellement pris les cadres que je conçois et les ont transformés en animation. Ainsi, comme vous pouvez le voir à partir de ces projets, tout ce que j'ai créé ici n'est pas interprété de la même manière. Il y a toujours une collaboration entre le designer et l'animateur. Tout ce que je prévois ici ne va pas être créé exactement au T de ce que j'ai conçu. Le deuxième projet que je vais vous montrer s'appelle Cocoon, un projet de passion à long terme sur lequel j'ai travaillé aux côtés de mon mari. Ce projet avait une sensation émotionnelle très mauvaise humeur, donc vous vouliez garder le ton assez sombre dans l'ensemble. Donc, comme vous pouvez le voir ici, très sombre et très personnalisé pour le projet. Nous avons donc une référence de style, et parfois le client demandera des choses très spécifiques comme des références de style de vie pour les personnages seulement. Donc, nous avons ici une page sur juste les personnages et potentiellement à quoi ils pourraient ressembler, différentes directions de style pour cela. La dernière pièce est quelque chose dont nous sommes vraiment fiers. Il nous a certainement fallu beaucoup de temps et beaucoup de planification pour créer. Ainsi, vous pouvez voir comment une partie de la référence de style, l'ambiance et l'émotion que nous avons mis au début de ce projet, vraiment transportée jusqu'à la fin dans l'animation finale. Comme vous pouvez le voir en regardant ces exemples, tous les traitements ou les traitements des clients ne seront pas les mêmes. Mais ils ont tous ces os nus comme le squelette qui tient tout ensemble, et c'est ce dont nous allons parler ici est savoir comment vous pouvez être flexible avec votre planification créative, mais vous revenez toujours à ces conseils et techniques pour réaliser vos projets. Donc, la première étape de ce processus est le remue-méninges. Nous allons jeter un oeil à un deck client et nous allons dire pour ce mémoire. Voyez ce qu'ils veulent pour leur projet, et commencez à réfléchir à la façon dont nous pouvons créer différents concepts pour cette idée, en cartographiant l'esprit, en tirant des références et en cherchant des indices dans le mémoire client pour voir ce que le client cherche réellement pour. À ce moment-là, nous aurons déjà tracé un chemin pour un projet. J' ai une idée dans ma tête de ce que je veux que ça ressemble, j'ai mes références d'image, j'ai mes concepts, et maintenant il est temps de commencer à entrer dans le story-board. Dans le processus de story-board, je vais diviser le script en plusieurs parties et commencer à illustrer et créer simplement des croquis de miniatures très rugueuses pour chaque ligne du script. Beaucoup de fois, si je suis vraiment excité par un projet, même si j'ai plusieurs directions conceptuelles ou de style, j'aimerais créer un cadre de style pour montrer le client. Un cadre de style est essentiellement juste un petit échantillon de ce à quoi mon projet final pourrait ressembler. Cela montrera donc au client l'ambiance et la sensation du projet, et potentiellement à quoi pourraient ressembler leurs personnages, ou quelle sera la direction du style. La dernière étape sera une fois que j'aurai déjà toute ma direction visuelle, mon cadre de style, mes storyboards, une fois que je suis tout à fait confiant avec ces trucs, je veux juste revenir dans mon traitement client et ajouter quelques touches de finition. Que ce soit une description de la façon dont je veux que l'animation bouge, ou une page de remerciement à la fin, ou un petit appel à l'action, et de l'excitation sur la façon dont le projet peut se dérouler. Donc nous allons ouvrir un deck client à partir d'un client nommé Floatie-Micffoat, et à partir de là, je vais vraiment vous guider à travers toutes ces étapes que nous venons de discuter, et donner vie à un nouveau client humain pour ce client. Vous pouvez donc suivre ce que je fais ici et télécharger le même mémoire client, et travailler sur votre propre version de ce projet. Ou vous pouvez appliquer les techniques que je vais vous enseigner ici à votre propre mémoire client ou projet de passion. Commençons donc par la première étape, le remue-méninges. 3. Lancement de votre projet: Donc, pour cette première étape du projet, nous devons vraiment nous concentrer sur le client. Comme qui est le client ? Qu' est-ce qu'ils veulent ? Qu'est-ce qu'on fait pour eux ? On doit comprendre tout ça avant d'entrer trop profondément dans la planification. Ce bref ici que je suis sur le point de vous montrer est la situation idéale de la description du budget chronologique, mais vous ne l'aurez peut-être pas toujours. Vous pourriez simplement nous demander une petite demande d'un client ou vous pourriez avoir une idée que vous êtes passionné par ce que vous voulez donner vie. La vraie clé à retenir est de prendre tout ce que vous avez et de le déballer, et de le décomposer, et de le transformer en quelque chose que vous pouvez réellement commencer à planifier. Alors que je regarde ce mémoire, je vais vraiment garder un œil sur le calendrier, le budget et l'orientation conceptuelle que le client veut suivre. Je vais aussi réfléchir à la façon dont ils ont réellement créé ce mémoire. Comme ce bref semble-t-il amusant et excitant ? Est-ce quelque chose qu'ils veulent inclure dans leur animation ? Ou un peu plus poli, sec et propre ? Donc je vais juste te guider à travers le brie maintenant. Le client est nommé flux micro flottant et qui délimitent ici sur leur première page qu'ils veulent faire un commercial plus floaties personnalisées. Donc je vais aller de l'avant et lire ça parce que ça m'aidera à déchiffrer ce qu'ils disent. J' aime vraiment tout lire à haute voix parce que ça veut dire que rien ne me manque. Si je le dis vraiment à haute voix, alors je m'assure de saisir tous les éléments clés de leur script et de leur description. Donc, si je regarde cette première page du mémoire ici, je vais juste souligner quelques choses qui me distinguent. Ce premier paragraphe est vraiment agréable parce que la ramette vraiment utile pour décrire visuellement ce qu'ils veulent voir et sentir dans leur pièce. Donc parler de plaisir d'été nostalgique qui signifie vraiment quelque chose pour moi. Cela me rappelle un peu ma propre enfance en grandissant, et ils veulent vraiment se concentrer sur la piscine communautaire chez les gens jouent dans la piscine ensemble et utilisent leurs floaties personnalisées dans ce cadre, et il semble que c'est plus sur le sentiment et la magie de tout cela plutôt que de se concentrer uniquement sur la façon dont leurs floaties personnalisées sont cool. Le deuxième paragraphe est un peu plus logistique et ils se concentrent davantage sur la durée de la période. Certains d'entre eux via une publicité animée de 30 secondes pour mettre en valeur les floaties de pool personnalisées aléatoires. Donc quand ils me disent portée, ça veut dire qu'ils veulent montrer un tas de flottes différentes. Donc, je vais avoir un peu de plaisir là-bas jouer avec différents styles de floaties, et elle aussi se concentrer sur leur marque qui est à parts égales excentrique et mémorable, et ils ont également mentionné qu'ils sont nouveaux à ce médium, qui est bon à savoir parce que cela signifie qu'ils ne savent peut-être pas grand-chose sur l'animation, donc je pourrais avoir besoin de les guider un peu à travers ce processus. J' aurais peut-être besoin d'être un peu plus clair avec mes storyboards, et j'aurais peut-être besoin d'avoir un paragraphe dans mon deck qui indique comment le processus d'animation va fonctionner. Ils ont aussi brièvement mentionné qu'ils sont excités quelques transitions amusantes et des scènes surréalistes, et sur cette page ici à propos du script et de leurs informations sur leur chronologie, ils disent fondamentalement un autre chronologie vraiment flexible et ils ne s'inquiètent pas trop du budget, ce qui est assez insensé honnêtement. Plutôt génial. C'est un projet de rêve qui signifie essentiellement pour moi que je pourrais avoir une plus grande équipe, je pourrais avoir mes designers et animateurs sélectionnés dessus parce que j'ai plus de choix là-bas, je peux travailler avec des gens avec qui je suis excité de travailler. Ils savent aussi à quelques reprises qu'ils n'ont pas peur de devenir bizarres. Donc je vais vraiment garder cela à l'esprit alors que je travaille ici sur mes transitions et mes storyboards. Ils me donnent aussi quelques idées pour ce que les floaties pourraient ressembler un cigare pour grand-père et une vague géante de 100 floaties. Ils sont donc ouverts à présenter leurs floaties de différentes manières , ce qui est aussi vraiment génial. Pour cette page avec leurs références d'image, c'est vraiment utile d'avoir. J' aime vraiment quand un client synchronise ses références d'image parce que cela signifie que je peux vraiment vous voir quel est mon point de départ et je peux voir à quel point ils sont ouverts aux choses, et cette page est vraiment génial parce qu'ils montrent un peu de parce que je vais certainement avoir des personnages ici. Si je présente des floaties, je vais devoir montrer aux gens qui les utilisent. Il s'agit aussi de souvenirs et de nostalgie. Donc, je dois aussi me concentrer sur les gens qui vivent ces souvenirs. J' adore ces personnages qu'ils ont mis ici parce qu'ils sont juste vraiment stupides et maladroits et ludiques et cela me rend excité de jouer avec différents styles pour cela, puis dans la deuxième image, ils disent qu'ils sont ouverts à des formes et des couleurs audacieuses. Donc, c'est quelque chose avec lequel je peux jouer. Ils n'ont pas fourni une palette de couleurs qui parfois un client fournit une palette de couleurs de marque. Mais ici, comme ils ne l'ont pas fourni, je peux utiliser les indices de ce tableau de référence d'image pour créer ma propre palette de couleurs. Ensuite, dans cette dernière image, ils sont ouverts à devenir bizarres. Je peux aussi dire dans l'ensemble qu'en regardant toutes ces illustrations ensemble, ce sont tous des styles assez différents. Donc, cela signifie que j'ai une certaine flexibilité dans ma direction de style que je peux aller, et vous n'allez pas toujours obtenir un mémoire parfait d'un client comme j'ai ici. C' est assez idéal. Beaucoup de fois, vous recevrez simplement un e-mail avec une demande et vous pourriez avoir besoin de demander plus d'informations, et s'ils n'ont pas cette information ou s'ils ne savent pas ce qu'ils veulent, vous pouvez toujours aller sur leur site Web ou vous peut consulter les projets qu'ils ont réalisés dans le passé pour voir s'il y a plus d'information sur ce qui les intéresse. Beaucoup de fois, si un client ne me donne pas quelque chose, j'irai sur son site web pour voir qu'il a une animation d' un ancien projet et que cela me donne une idée de ce à quoi ils étaient ouverts. Si c'est quelque chose qu'ils ont publié en ligne, cela signifie que c'est quelque chose avec lequel ils sont à l'aise et j' espère pouvoir pousser ça et jouer avec ça un peu plus dans ma propre animation. Donc, après avoir parcouru et déchiffré le mémoire mis en évidence, quelques choses que je pense sont intéressantes et que je peux garder à l'esprit tout en travaillant. J' aime aussi aller dans Photoshop et résumer tout dans mes propres mots. Pour moi, c'est vraiment sympa parce qu'il garde tout dans un seul document. Il devient également un bref aperçu que je peux regarder lorsque je crée mes storyboards et mes illustrations plus loin. C' est un endroit où je peux juste noter des choses que je pense. Peut-être que le client a un objectif différent et qu' il veut vraiment jouer avec un autre type d'animation, donc je vais garder cela à l'esprit ici. Ou cela pourrait être des objectifs personnels comme peut-être que je veux utiliser ce projet pour essayer un nouveau style auquel j'ai pensé. Donc, j'essaie juste de garder tout cela consolidé en un seul endroit pour que je puisse le faire plus tard. Après avoir résumé tout dans mes propres mots, j'aime garder ce même dock ouvert et créer une nouvelle couche où je vais commencer à écrire une carte mentale. 4. Réflexion sur votre concept: Ma carte est fondamentalement comme un endroit sûr où je peux simplement écrire toutes les idées que je veux, les connecter visuellement juste pour que je puisse planifier où je vais aller ensuite. Donc, généralement, je commence juste avec le nom du client au centre du cadre, puis commence à écrire ce que je sais réellement sur le projet. Cela n'a pas besoin d'être joli, ça peut être aussi désordonné que vous le souhaitez. Je sais donc qu'ils veulent mettre en valeur leurs produits, qui sont des flottes de piscine, donc ce sera un appel. Un autre appel pourrait concerner le script et ce que j'ai déchiffré du script. Un troisième appel pourrait concerner l'essence et l'humeur de la marque qu'ils veulent dépeindre. Ensuite, un autre pourrait être sur les différents moments que je veux voir se passer dans la piscine. Ils ont l'impression qu'ils veulent vraiment se concentrer sur ces moments mémorables amusants et excentriques que vous avez eu comme un enfant dans la piscine, et je veux les rendre uniques et se démarquer. Je veux donc me concentrer sur ce qu'ils pourraient être ici. Peut-être qu'il s'agit de bronzer à la piscine quand vous êtes adolescent, ou d' avoir une bagarre de poulet avec vos amis dans la piscine quand vous étiez petit, ou de faire un poing. Donc je vais juste écrire tout ça ici juste pour avoir une meilleure idée de ce que ça pourrait être. Donc ici, j'ai la marque et le script, et les différents styles visuels avec lesquels je pourrais jouer. Une fois que j'ai ces principaux concepts généraux, je peux commencer à me ramifier dans des parties plus petites de la carte mentale. Chaque fois que j'ai une idée de quelque chose qui peut fonctionner là, je note juste ça, ce n'est pas nécessairement une bonne idée, mais je peux toujours y revenir plus tard et l'utiliser dans mon projet. Donc, je voulais vraiment d'abord me concentrer sur leur produit, et je voulais montrer qu'ils peuvent avoir une gamme de flottations de piscine personnalisées différentes. J' ai donc réfléchi un peu à ce que ça pourrait être. Je pensais aux formes cool qui pourraient jouer dans tout ça. Donc peut-être qu'une pizza floaty serait cool, ou même une licorne pourrait être intéressant à jouer avec. Juste différentes formes et tailles et couleurs de floaties que je peux potentiellement inclure dans mon storyboard. Puis, comme je le disais tout à l'heure, nous voulons nous concentrer sur ces moments de piscine amusants. J' en ai inclus quelques. Peut-être qu'on joue avec le sauveteur et qu'il est impliqué, ou la natation synchronisée pourrait être vraiment cool, et ça pourrait être une façon vraiment amusante de jouer avec la symétrie dans ma pièce. Ça pourrait être une façon vraiment cool de faire la transition. Donc nous allons garder ça à l'esprit pendant que nous travaillons. Alors en ce qui concerne l'essence de la marque slash humeur va, je sais qu'ils sont ouverts à être humérus, et ludique, et excentrique, de sorte que cela va vraiment jouer dans mon style aussi bien. Donc, je passe juste en revue et encerclant toutes ces choses qui, à mon avis, pourraient être essentielles à mon projet afin que je puisse voir ce que j'ai mis en évidence plus tard et les incorporer dans mon storyboard. Enfin, j'ai décomposé le script en différentes parties que je pensais intéressantes à jouer. Alors l'anniversaire de grand-père, que pourrais-je utiliser là ? Eh bien, ils ont parlé de cigares, donc j'ai fait un petit appel pour ça. Peut-être qu'on fait quelque chose avec Oreos parce que mon grand-père aimait Oreos, peut-être juste quelque chose qui le rend un peu plus humain. Alors pour la rencontre du chiot, que pouvons-nous faire là-bas ? Peut-être que tous les chiots sont sur des flottes de chat, ou ils sont tous à la poursuite d'un écureuil, ou quelque chose, essayant de penser à des moments amusants qui peuvent vraiment donner vie à ça. Cela met également en valeur leurs flottes en même temps. Maintenant que tu as vu comment j'ai fait ça, c'est à ton tour de faire la même chose. Prenez votre propre mémoire client, ou même le même flottant rendre le flux bref et commencez à l'interpréter à votre manière. Vous n'avez pas besoin de le faire exactement comme je l'ai fait, juste ce qui fonctionne le mieux pour vous, mais commencez juste à déballer toutes ces informations pour une utilisation plus tard. Maintenant que nous avons parcouru et fait toute cette cartographie d'esprit, et que nous déchiffrons le mémoire du client, nous allons prendre cette information et l'utiliser pour rechercher des indices visuels. 5. Extraction des références: Donc maintenant que nous avons fait notre carte d'esprit, et que nous avons un peu déchiffré le mémoire client, je vais commencer à extraire des références d'images visuelles d'Internet. J' ai toujours aimé fournir au client un tableau d'humeur, car cela leur donne une idée de ce que je pense visuellement pour leur projet. Cela m'aidera à mieux orienter le projet vers ce que je veux qu'il ressemble et ce que je suis capable de faire, et cela leur donnera aussi des images à pointer et à être comme, je n'aime pas ça, ou je fais comme ça, ou cela fonctionne pour mon projet ou ma marque et ce n'est pas le cas, donc cela ouvre la conversation entre le client et moi pour commencer à s'entendre sur un style visuel. Donc, si nous regardons en arrière le mémoire du client ici, nous pouvons voir qu'ils ont fourni quelques références. En regardant cela, je remarque qu'il y a deux styles différents émergent ici que je pense que ce serait vraiment amusant de prendre ce projet dans. Le premier style que je vois est plus de ce sentiment organique fait à la main. Il y a ces personnages excentriques qui utilisent moins de formes géométriques ou plus dessinés à la main. Je peux dire qu'ils ont utilisé différentes techniques dessinées à la main pour cela. Mais à droite, c'est un peu plus audacieux et géométrique. Je vais prendre cela dans différentes directions de style. J' aurai un style un peu plus organique et fait à la main, et j'aurai un second style plus géométrique, graphique et audacieux. J' aime vraiment donner au client plus d'une option. Je voudrais leur donner au moins deux à trois directions de style, parce que cela leur donne vraiment des choix différents avec lesquels ils peuvent jouer. J' aime aussi vraiment avoir deux directions de style, car cela montre que je les considère et que je passe un peu de temps supplémentaire à développer ces idées pour eux. Maintenant que j'ai ces deux idées dans ma tête, je vais commencer à chercher des références pour vraiment affiner ce à quoi ressemblent ces styles. Donc, pour tous mes projets, j'aime vraiment tout organiser dans mon Finder juste pour que j'aie tout mis en place pour moi. Donc, comme vous pouvez le voir à gauche ici, j'ai une section pour le brainstorming, pour le deck client et le design. Maintenant, on va se concentrer sur la section « Mood Board ». Ici, vous pouvez voir que j'ai décomposé cette section d'humeur en trois parties. Nous avons le mouvement, le style A qui est ce style audacieux dont je parlais, et le style de B qui est le style plus fait à la main. Donc, j'ai déjà parcouru Pinterest ici, et j'ai tiré un tas de références. Pour le style A, ce sont toutes les choses qui se sont distinguées pour moi, car je naviguais sur Pinterest, soit si elles se rapportaient à l'objet du projet. Donc, comme peut-être que c'est lié à la piscine ou au flotteur ou même à l'eau, et ils montrent des façons intéressantes de comment je pourrais manipuler mon image avec de l'eau, peut-être, ou ils ont juste un style intéressant. nous puissions voir ça ici. C' est juste un personnage vraiment amusant. Peut-être quelques manipulations intéressantes qui se produisent avec les formes géométriques. Certaines couleurs vraiment audacieuses, et beaucoup d'entre elles que j'ai ici impliquent mouvement qui me donne une idée de la façon dont mon équipe va animer les choses, et toutes ces images ne doivent pas se rapporter au sujet. Ils peuvent être complètement indépendants. Beaucoup de fois, je vais juste garder quelques références d'image séparées de moi-même pour référence et ne pas montrer au client les. Par exemple, cette image ici est une image du visage d'un gars frappé avec un bol de nouilles. Je ne pense pas vraiment que cela va aider mon sujet ou mon projet de quelque façon que ce soit, mais j'aime vraiment le travail en ligne. J' adore les couleurs audacieuses. J' aime la composition et la façon dont vous pouvez sentir le mouvement implicite dedans, mais ce n'est peut-être pas nécessairement quelque chose que je montre au client. Pour la deuxième direction de style, j'ai tiré beaucoup plus de références d'image faites à la main, beaucoup plus de références d'aspect organique illustratif qui avaient beaucoup de texture. Donc ce premier ici, j'adore la composition audacieuse. J' aime voir les personnages d'une manière différente, et celui-ci que nous voyons un gros plan de la chemise et un peu de détails là-bas, et peut-être que c'est quelque chose que je peux jouer avec dans ma propre animation. Je pensais que cette référence d'image était vraiment cool car ils utilisent beaucoup d'espace négatif, et il joue plus avec les travaux de ligne et les remplissages. En outre, je peux dire qu'ils ont créé la texture en colorant littéralement dans certaines de ces formes au lieu de simplement les remplir avec l'outil de remplissage dans Photoshop. Parfois, j'aime vraiment tirer des GIF aussi pour mes clients, car cela leur montre comment quelque chose pourrait être animé. Il donne vie à votre deck si vous pouvez inclure des images en mouvement aussi. Surtout pour ce client, je voulais tirer un tas de références de motion, parce qu'ils ont mentionné qu'il y a un peu nouveau dans l'industrie de l'animation, donc il pourrait être un peu plus difficile pour eux d' imaginer à quoi ressemblera le produit final. Donc, pour moi, le meilleur endroit pour trouver des références d'animation commence généralement par Vimeo, donc je parcoure Vimeo. Beaucoup de fois, je vais chercher des studios d'animation que je sais que j'aime leur travail, ou si j'ai trouvé un studio d'animation ou un animateur sur Instagram ou sur les réseaux sociaux, je vais regarder où ils travaillent, les trouver sur Vimeo, puis juste commencer parcourir ces vidéos à partir de là. Vimeo est également très bon pour vous suggérer du contenu supplémentaire. Donc, si vous trouvez une vidéo que vous aimez vraiment, il pourrait être vraiment facile de trouver l'autre qui est similaire. Donc, j'aime vraiment ce titre Camp 2018, parce que nous voyons des personnages vraiment fins et ludiques, vraiment comme excentrique, et le mouvement est très steppy, qui est cool pour ce projet parce qu'il se sent un peu plus à la main. J' aime aussi vraiment ce film de lancement de Goldi parce que nous avons ce style d'usine plus audacieux, mais aussi juste un sentiment global très ludique et maladroit à elle. C' est aussi une façon totalement différente d'utiliser les caractères. Comme nous l'avons vu dans les titres Camp 2018, ils se sentaient beaucoup plus dessinés à la main. Mais ce que ce Goldi Lancement Film ici, je peux dire qu'ils auraient pu être animés et séquelles. Cela dépend aussi de mon équipe, comme peut-être que j'ai un animateur After Effects et pas un animateur de cellules. Peut-être que c'est quelque chose que j'envisagerais plus à fond, eh bien, de l'envoyer au client. Cette vidéo Random Acts of Kindness est un exemple vraiment génial de la façon dont nous pouvons utiliser des textures organiques et des mouvements organiques pour créer une pièce vraiment cool. La grande chose à propos de celui-ci, est que je vois qu'ils ont beaucoup de coupes et de coupes de correspondance qui pourraient être intéressantes à incorporer dans mes storyboards, car cela pourrait signifier que je passe moins de temps à créer ces transitions et en fait, passer plus de temps à développer mes cadres et développer plus de l'action du personnage plutôt que des transitions. Dans cette dernière pièce, j'ai tiré est une casserole verticale vraiment cool, ambiance très estivale. Je pense qu'il peut être vraiment intéressant de montrer au client, parce qu'il a une sensation vectorielle pour lui aussi. Maintenant que je vous ai montré un peu ici sur structure des dossiers et la recherche de vos propres références d'image, allez-y et faites-le vous-même pour votre propre projet. Vous pouvez utiliser toutes les ressources que vous voulez, si vous avez un site d'inspiration préféré, ou si vous voulez aller dans un musée près de chez vous, ou même vous vouliez simplement parcourir Pinterest comme je l'ai fait ici. Le but ici est vraiment de tirer un tas de références d'image, autant que vous le pouvez, et commencer à les diviser et à créer deux styles visuels distincts. Ensuite, nous allons commencer à mettre ça ensemble dans un tableau Mood. 6. Création d'une planche de tendances pour votre orienter style: Donc nous avons tiré un tas de références maintenant. Nous devons commencer à regrouper ceux et à les organiser pour les montrer au client. C' est vraiment important car cela vous aide, vous et votre client, à vous aligner sur une voix créative. Donc, pour créer ces tableaux d'ambiance, je dois me poser quelques questions pendant que je regarde mes références. Le client a-t-il travaillé sur quelque chose comme ça dans le passé et le style va-t-il les effrayer visuellement ? Ou sont-ils excités et ouverts à repousser les limites créatives ? Peut-être que le style et les rendus de caractère que vous avez dans vos références d'humeur sont en fait à quoi vous voulez que votre projet ressemble, ou cela peut simplement créer une ambiance générale ou un sentiment pour votre projet. Peut-être que vous voulez juste montrer cette humeur où dans son ensemble au client afin qu'ils puissent voir comment tout va s'emboîter ensemble plus tard. Au fil des ans, j'ai utilisé un tas de programmes différents pour créer mes decks pour mes clients. Je suis vraiment venu à aimer Google Slides et Google Slides est vraiment génial parce que c'est quelque chose que je peux éditer en temps réel. Donc, si j'envoie quelque chose au client et que je me rends compte que j'ai fait une faute de frappe ou que je voulais ajouter une autre référence d'humeur dans, alors je peux facilement changer ça très rapidement avant qu'ils ne le voient. Mais parfois, si le client m'a envoyé un PDF pour commencer, je peux dire qu'il aime vraiment les PDF, donc j'exporte mon modèle Google Slides en PDF, je peux le télécharger et l'envoyer par e-mail de cette façon. Voici le modèle que j'ai mis ensemble. C' est un aperçu assez approximatif d'un projet de mouvement de base, mais je commence généralement avec mon logo ici et ensuite j'écrirai le nom du client et sur la deuxième page j'ai généralement une page d'introduction comme, « Hey, merci beaucoup d'avoir pensé de moi pour cette merveilleuse opportunité », et résumez en quelque sorte ce que je vais leur montrer dans la pile. Ensuite, à partir de là, je vais dans mes Concepts visuels et c'est là que je vais garder mes tableaux d'humeur. Je vais généralement nommer chaque concept, juste lui donner un petit nom pour que le client puisse en parler facilement, ce n' est pas seulement le concept A et le concept B, lui donne un peu plus de personnalisation, puis après cela, j'écrirai une petite description à ce sujet , puis inclure les références d'humeur à la page suivante. Vous pouvez télécharger ce modèle dans les ressources de la classe. C' est là que je trouve les images que je vais mettre dans mon tableau. Je n'aime pas ajouter trop d'images, si j'avais comme 10 images sur cette page, cela deviendrait un peu accablant, il pourrait y avoir trop de détails et d'informations et cela pourrait ne pas mettre en évidence les choses comme nous le voulons. Donc, je vais commencer à passer par mon style audacieux A référence et y ajouter des images. Habituellement, je vais juste commencer à tomber dans ceux qui me parlent pendant que je travaille, donc comme celui-ci j'aime le style de personnage et ça me rappelle certains de ces personnages qu'ils avaient dans leur deck, et tous ceux-ci sont géniaux mais j'essaie pour varier un peu les choses. Donc, je ne veux pas ajouter trop de caractères parce que je ne veux pas que ce soit seulement sur les personnages, j'ai besoin que ce soit sur le style aussi. Je pense que celui-ci est assez cool parce qu'il me donne vraiment ce sentiment de vintage et nostalgie, mais il est aussi très graphique en même temps. Celui-ci a juste un style vraiment cool et j'aime vraiment ces références parce qu'il montre comment je pourrais jouer avec les effets de l'eau dans mon animation mais toujours en utilisant un style vecteur audacieux u. Donc maintenant je vais juste commencer à les organiser et essayer de les assembler sur la page, quelque chose à paraître compositionnellement sonore pour qu'il n'y ait pas trop d'obscurité d'un côté ou trop de lourdeur de l'autre. J' essaie de garder ma composition ici un peu équilibrée pour le tableau d'ambiance. Cette image en bas ici en bas à gauche, comme vous pouvez le voir, je l'ai effectivement recadrée parce qu'elle ne correspondait pas vraiment à la page, mais je ne voulais pas submerger la page avec cette image parce que si j'utilise toute l'image, il serait juste prendre tout le côté gauche de la page et je voulais inclure plus de quatre images. Donc, pour le deuxième concept, je suis allé de l'avant et j'ai juste ajouté quelques références que j'avais déjà et je les ai organisées un peu. Ici, vous pouvez voir que j'ai réellement ajouté dans ce GIF animé que j'ai vraiment aimé. J' ai adoré comment il se sentait une sorte d'étape B et organique et comme il était fait à la main et quelqu'un vraiment style l'a animé, donc c'était vraiment cool d'inclure, sorte de donne au client une idée de la façon dont un personnage pourrait être animé. J' ai aussi vraiment aimé comment la plupart de ces couleurs se sentaient très nostalgiques. On a des teintes très chaudes qui délavent toute cette palette ici. Nous avons différentes exécutions de styles, donc nous avons un travail de ligne ici. Nous avons aussi des moments où les formes sont remplies à la main. J' ai donc essayé de le garder vraiment équilibré et j'ai ajouté un gros morceau de rouge sur la gauche et un gros morceau de rouge sur la droite afin qu'il la gauche et un gros morceau de rouge sur la droite afin qu'il n'y ait pas trop d'un côté de la page. J' ai également essayé de garder les références d'image variées afin que je puisse voir comment je pouvais prendre ce style à la main sur quelques directions différentes, mais oui, dans l'ensemble, je ne voulais pas les submerger avec trop d'options parce que le style peut être assez détaillé. Donc je l'ai gardé à environ six images ici. Une fois que j'ai ces deux planches d' humeur faites et que je peux réellement regarder toutes mes images ensemble, disposées ensemble, je veux revenir en arrière et en fait simplement les nommer. Je ne pense pas trop dur à ces noms, je veux juste qu'ils soient quelque chose d'unique que le client peut pointer pour qu'ils n'aient pas besoin d'être quelque chose de fou, c'est plus juste pour les besoins du deck. Donc j'ai nommé celui-ci Go hardiment parce qu'il résume juste toute la direction du style. Si vous regardez ces images ici tout ce que je peux penser est des variables grandes formes blocky, couleurs audacieuses, donc je pense que Go Hardly est un nom très approprié pour celui-ci. Ensuite, pour la deuxième direction de style, je pense que ce serait bien de l' appeler Made by Hand parce qu'il se sent très touché par la main humaine. Nous voyons beaucoup d'éléments pratiques ici et ce sera vraiment mémorable lorsque le client le pointe. Quelque chose que j'aime vraiment faire parfois juste comme un petit bonus pour le client est d'ajouter des palettes de couleurs dans, et ce n'est pas inutile, mais puisque ce client ne m'a pas vraiment fourni une palette de couleurs, je veux leur donner quelques options, et je pense que cela va vraiment ajouter à la personnalisation de mon deck. Pour ce premier concept, le concept Go Hardly, je voulais jouer avec ces couleurs vraiment audacieuses et j'ai vraiment aimé l'interaction de ce rouge et bleu ici et j'ai pensé qu'ils étaient vraiment beaux ensemble. Ils ont des valeurs légèrement différentes, il y a un aspect chaud et cool pour eux. Donc, en règle générale, j'aime vraiment inclure une queue chaude et une teinte fraîche dans mes palettes. J' aime aussi inclure les neutres, donc comme un noir ou un gris foncé ou une autre couleur foncée que je peux utiliser pour les ombres , puis j'inclus aussi une couleur blanche ou claire qui est comparable au blanc ici, et puis pour celle-ci, je viens d'ajouter quelques couleurs supplémentaires parce que je pensais que toutes ces couleurs graphiques vraiment audacieuses fonctionnaient bien avec cette palette. Comme ils voulaient qu'il se sente nostalgique, je voulais aussi le ramener sur Terre avec un peu plus de couleur organique chaude ici avec cette orange. Ensuite, j'utilise la même base que la palette de couleurs pour le concept B, mais j'ai changé les couleurs un peu pour correspondre à ce que j'avais dans le tableau d'ambiance ici. Parfois, je vais vraiment aller dans mon tableau d'humeur et choisir la couleur, mais je n'aime pas toujours le faire parce que je ne veux pas m'approcher trop d'une référence, donc je vais généralement dans Photoshop et peaufiner ces couleurs un peu, mais comme vous pouvez le voir ici cette palette Made by Hand est juste un peu plus chaleureuse sensation. Il a plus de cette sensation vintage parce qu'il est si chaud dans l'ensemble. Donc, tout en créant une palette de couleurs et en incluant une palette de couleurs dans votre deck de traitement est totalement facultatif. C' est bien d'avoir cette étape supplémentaire car une fois que vous commencez à aller de l'avant avec le projet, si le client aimait réellement la palette de couleurs, vous avez déjà fait un peu de travail à l'avance, ou cela donne aussi à votre client des choses ils peuvent pointer et dire qu'ils ne l'aiment pas ou qu'ils l'aiment et cela vous aidera vraiment à commencer créer la direction de style spécifique pour votre projet. Allez-y et commencez à assembler vos planches d'humeur dans un deck, amusez-vous avec elle et décidez quelles références d'image fonctionnent le mieux pour votre projet. Ensuite, nous allons passer ces styles au niveau supérieur et commencer à les intégrer dans un storyboard. 7. Scénarimage : Planification de la narration: Nous sommes donc en phase de storyboard. C' est l'une des parties les plus stressantes, mais passionnantes et essentielles d'un projet de mouvement. Donc, au niveau de base, un storyboard est fondamentalement les os ou le squelette de votre projet d'animation. Il va vous montrer la carte ou le chemin d'accès à votre produit final. Il vous montrera ce dont vous avez besoin pour concevoir, mais aussi montrer aux animateurs comment les choses vont bouger. Il vous met en place pour créer des transitions sympas et il associe également le script du client avec vos visuels. Donc, le storyboard peut être assez stressant parce que vous pensez à tout ce que vous avez déjà trouvé et il y a beaucoup d'informations à prendre et à assembler, puis créer quelque chose de nouveau avec. Mais c'est aussi vraiment excitant parce que c'est là que vous voyez tout se rassembler et que vous commencez à voir un vrai projet d'animation se former à partir de votre storyboard. Donc, j'aime vraiment storyboard et quelques étapes. Je commence par importer le script dans mon modèle de storyboard, et à partir de là, je vais commencer à penser aux actions. Donc, je pourrais juste écrire et noter quelques notes de ce que je veux vraiment arriver dans les cadres. Ensuite, à partir de là, je vais créer des croquis super, super rugueux au point où ils ont probablement l'air mauvais. Puis une fois que j'aurai fini par les trouver là où je les aime, j'irai les affiner pour le client. Donc, quand je commençais à travailler dans le monde du graphisme, je ne savais pas vraiment comment faire le storyboard pour l'animation. Je connaissais un peu les animations graphiques de l'école, mais je ne savais pas vraiment comment les transitions fonctionnent et j'étais plus illustrateur qu'animateur. Souvent, j'allais voir quelqu'un de l'équipe d'animation pour lui demander si ce que je créais pour mon storyboard était réalisable avec la chronologie et le budget. Donc, si vous ne trouvez pas d'animateur, essayez de trouver des animations comparables en ligne pour vous donner une idée de ce que vous devriez faire avec votre projet. Si vous êtes serré sur la chronologie ou le budget, vous pouvez essayer quelques options de raccourci comme utiliser coupes ou des coupes de correspondance au lieu de transitions folles fluides. Vous pouvez envisager de ne pas utiliser de caractères car l'animation des personnages prend beaucoup de temps et de soin supplémentaire. De plus, il sera très utile de garder vos designs, globalement, vraiment simple, y compris moins d'arrière-plans à animer, vraiment simple, y compris moins d'arrière-plans à animer,si vous avez un calendrier serré ou un budget. Lorsque je crée une illustration éditoriale, je dois penser à encapsuler une humeur ou un sentiment dans une image. Mais ici, pour l'animation, nous devons réfléchir davantage à la façon dont nous capturons une humeur ou un sentiment tout au long d'une pièce. Vous ne voulez pas vous attacher trop à quoi que ce soit ici, car si l'on change en fonction des commentaires des clients, vous devrez peut-être tous les changer. Une fois que vous vous habituez à ce processus, il est en fait libérant parce que vous pouvez être vraiment rude avec votre storyboard et être ouvert aux changements et créer de nouvelles compositions passionnantes. Donc, j'ai en fait un modèle de storyboard que j'utilise souvent et je viens de créer cela à partir de zéro dans Photoshop. Mais c'est essentiellement juste un tas de rectangles de format vidéo 16 par neuf, que j'ai inclus dans un document Photoshop ici. C' est vraiment juste des nombres et des endroits à ajouter dans le script. Donc en ce moment, j'ai ce modèle de storyboard qui est d'environ 24 images de long. Je pourrais l'étendre si je le voulais, je pourrais copier ces rectangles pour le rendre un peu plus long, si j'ai une animation vraiment longue. Mais pour ce projet en ce moment, je vais juste commencer à ajouter dans les lignes VO et commencer à les séparer par ce que je pense pourrait être comme une action. Donc, par exemple, si je regarde le script ici et que je vois la première ligne, peu importe l'occasion, Floaty McFloat a votre dos. Cela pourrait donc être une ou deux lignes. Peut-être que « Peu importe l'occasion » est une ligne et « Floaty McFloat a votre dos » est une deuxième ligne. Je veux juste commencer à sentir le flux et le rythme du projet ici quand j'ajoute ces lignes VO à mon storyboard. Donc, pour apporter ces lignes dans Photoshop, je vais en fait simplement faire une capture d'écran ou copier et coller mon script ici, afin que je puisse le référencer lorsque j'ajoute ces lignes dans. Donc ce script était assez naturel pour briser les lignes. Chaque ligne était ses propres pensées distinctes. J' ai donc gardé cette première ligne « Peu importe l'occasion », « Floaty McFloat a votre dos » comme on le pensait parce qu'il semble que tout pourrait fonctionner ensemble dans un seul cadre ici. Puis l'anniversaire de grand-père, l'adorable chiot, meetup, vengeance, tout cela semble qu'ils pourraient mener à des visuels différents et des moments différents. Donc j'ai gardé tout ça séparés et nous pouvons trouver des façons sympas de faire la transition entre eux. Ensuite, la grande chose à propos de cette histoire modèle Word est que je peux en fait simplement aller et le recadrer à la taille de mon projet. Donc je n'ai pas besoin de tous ces cadres supplémentaires. Je peux simplement le recadrer dans Photoshop à la taille dont j'ai besoin pour que je puisse l'importer plus facilement dans mon deck sur Google Slides. Maintenant, je vais juste aller de l'avant et commencer à écrire quelques idées que j'ai pour ce projet. Cela peut changer au fur et à mesure que je travaille, mais c'est génial d'avoir ce petit contour avant de commencer à esquisser. Donc, disons dans la première pièce que nous sommes comme ouvrir sur une piscine communautaire. Je vais écrire ça ici, mais ensuite je vais peut-être écrire sur la façon dont nous allons passer à la prochaine image. Je pense à la façon dont j'apporte mon tir, peut-être que ce premier tir est un tir moyen. Je pense à des termes de film ici parfois comme un plan moyen, ou un gros plan, ou un plan large. Ensuite, je vais aussi pointer sur ce que sera la transition. Alors, ce sera une coupure de match ? Y aura-t-il une transition folle ? C' est là que je commence tout juste à penser à toute la façon dont les choses vont bouger. Pour ce faire, je vais créer un nouveau groupe dans mon document Photoshop, juste pour que j'aie tous mes croquis ensemble sur un calque différent. Parfois, je vais les diviser en différentes parties aussi, alors peut-être que tu auras le cadre 1, le second. C' est vraiment juste pour moi comme une référence. Je pense que ce serait vraiment cool dans ce premier coup de s'ouvrir sur le dos d'un gamin. Peut-être qu'il est notre personnage principal. Peut-être qu'on a un héros. Peut-être qu'il regarde toute l'action qui se passe dans la piscine. Donc, cela peut juste être super rude et n'a pas besoin d'être joli, parce que personne ne va voir cela et cela peut juste être une base vraiment d'une idée. Ça n'a même pas besoin d'être aussi approfondi. Ce que j'ai écrit ici est juste ouvert sur le dos d'un gosse, face à la piscine, portant un tube flottant, il saute dedans. Alors peut-être juste penser un peu à l'avance sur les transitions ici. Peut-être qu'il y a des éclaboussures qui nous amènent à la prochaine image. Peut-être que je vais écrire des éclaboussures entre ces images. C' est bon si ce n'est pas ce qui se passe plus tard, mais c'est bon d'avoir cette pensée là-dedans, penser à la motion. Ensuite, dans la prochaine ligne, l'anniversaire de grand-père, une chose sûre. Peut-être qu'on suit le gamin alors qu'il éclaboussure dans la piscine et qu'il flotte sous celle de grand-père. Il dégustait un cigare et du whisky sur son flotteur. Alors peut-être qu'il glisse devant lui. Il est agréable d'utiliser parfois des verbes visuels ici pour donner à vous-même et à l'animateur une idée de la façon dont cette action va bouger. Comme vous pouvez le voir ici, j'écris la description de ce que nous allons voir, comme le cadre visuel de ce que nous allons voir. Mais j'ajoute aussi quelques indices pour l'animation. On voit que les enfants portent un tube flottant, mais ensuite il saute aussi dans l'eau, et il y a des éclaboussures, et puis il glisse sous le cigare de grand-père flottant. Nous allons juste ressentir cette action quand j'écris ici, et ce ne sera pas nécessairement l'action que nous montrerons au client. Mais cela me donnera une idée de comment illustrer mon cadre et comment mettre en place ma composition. Donc pour l'instant, je viens de l'installer avec les visuels qui vont se produire dans chaque image, mais je n'ai pas parlé de la façon dont nous allons atteindre chaque image. Donc ici, je vais indiquer ce que chaque tir devrait être. Donc peut-être que ce premier coup est moyen. On voit le gamin à genoux, peut-être, et il regarde la piscine. Ensuite, pour la deuxième image, je pourrais écrire un petit mot sur la façon dont nous allons être sous l'eau. Donc peut-être que c'est un plan plus large et nous voyons une certaine distorsion de l'eau. Pour passer entre ces deux coups, je pense qu'il serait intéressant de jouer avec une transition de l'eau plus fluide. Entre ces deux cadres, je vais juste dessiner une petite flèche et la transition de l'eau droite. Peut-être que quand le gamin saute dans l'eau, l'eau éclaboussure et prend le contrôle du cadre et qu'on se rend compte que nous sommes déjà dans le cadre suivant. Une fois qu'on voit grand-père et qu'on voit le gamin flottant sous lui, peut-être qu'on découpe notre personnage émergeant de l'eau et qu'il est entouré d'un tas de chiots adorables, et ils flottent tous sur des petits flotteurs. Ça va être super mignon. Donc peut-être qu'on a juste coupé là pour sauver un peu de temps à l'animateur. Nous ne voulons pas avoir de transitions folles pour tout le spot, parce que ça va devenir un peu accablant. transitions sont géniales, mais elles peuvent aussi prendre beaucoup de temps. Donc, nous voulons passer à travers ce script dans les 30 secondes. On veut s'assurer que les choses bougent. Celui-ci sera juste une coupure. Alors peut-être que c'est un autre plan plus large où nous voyons toute la scène avec tous les chiots. Le prochain coup, je pensais, qu'on pourrait avoir quelqu'un qui lance une balle, et donc tous les chiens se distraient et ils suivent la balle. Nous suivons ces chiens jusqu'au prochain cadre. Donc il y a plus d'une caméra panoramique qui se passe ici. Donc peut-être que c'est moins une coupure et on va juste de l'autre côté de la piscine. C' est quelque chose que nous devrions garder à l'esprit pendant que nous travaillons parce que si nous avons quelque chose comme une caméra panoramique, nous allons vraiment avoir besoin de construire notre plan vraiment long au lieu de simplement des images individuelles individuelles, parce que cela facilitera la tâche de l'animateur lorsqu'il a besoin de créer une parallaxe plus tard ou que nous avons besoin de voir d'autres éléments entre les images. On va voir maman qui se prélasse sur un flotteur d'ananas, et les enfants nagent devant elle et lui tirent dessus avec des pistolets à eau. C' est comme le moment embarrassant pour maman. Donc pour le cadre 5 ici, je pensais changer un peu la composition. Dans ces images précédentes, nous voyons beaucoup de clichés de taille moyenne où nous voyons les côtés de tout et je pensais, il serait intéressant que le cadre 5 joue plus avec comme une vue de vers. Peut-être qu'on voit maman sur son ananas ou même comme un flotteur de coquillage et qu'on la voit d'en dessous. Donc nous avons vraiment cette belle vue sur le flottant. Eh bien, alors on peut aussi voir les enfants se faufiler et faire sauter maman avec un pistolet à eau. Donc, même si je l'ai déjà fait ici, et que tout se passe assez bien, je veux juste savoir que pendant que je faisais ça, j'ai vraiment regardé ma carte d'esprit et toutes les recherches initiales que j'ai faites. J' ai choisi les éléments qui m' excitaient et les ai incorporés dans mon storyboard ici. Ça ne va pas toujours se réunir si facilement. Cela prend beaucoup d'essais et d'erreurs. Ce n'est pas super facile tout le temps de commencer à noter les choses et d'être comme, ok, c'est génial. La plupart des fois, je vais devoir revenir et effacer les choses, et je suis genre, cette transition ne fonctionnera certainement pas ici ou même au-delà de cette étape. Parfois, j'écrirai les choses et elles sonnent bien, puis je commencerai à dessiner, et ça s'effondrera complètement. J' ai donc besoin de repenser quelques choses et c'est tout à fait normal, et cela fait partie du processus de remue-méninges et de planification créative. 8. Scénarimage : Esquisser l'action: Alors maintenant que j'ai déjà eu mes idées, j'ai compris mon récit, je veux vraiment voir si ça marche. Je ne suis pas sûr si ce que j'ai écrit ici va créer quelque chose qui semble cool. Donc, je vais entrer et en fait juste faire des miniatures super, super rugueuses de base. C' est là que ça peut devenir super désordonné, et je peux manipuler les choses et effacer les choses. C' est vraiment juste pour la preuve de concept ici. Donc normalement, je vais juste éteindre cette feuille d'idées et je peux la garder là juste pour me référer quand je veux. Mais je vais juste commencer par illustrer ce dos d'un gamin, face à la piscine, en portant le tube flottant. Ici, je ne pense pas encore trop à la conception de personnages. Je me concentre vraiment sur la composition et sur la façon dont les choses seront disposées. Peut-être que j'illustrer le gars trop petit et que tu ne vois pas son flotteur. Alors je dois changer ça au fur et à mesure que je vais. Voici où je peux commencer à penser à une perspective, peut-être que nous voyons le personnage est plat et perspective, mais nous avons des trucs cool, comme un point qui se passe en arrière-plan. Peut-être que nous voyons plus de ce qui se passe dans la piscine, comme les chaises. Évidemment, on peut aller à travers et ajouter tout un tas de détails plus tard. C' est vraiment juste pour voir comment tout est encadré. Si je regarde ma feuille d'idées ici et tout ce que j'ai écrit pour cela, je mentionne les transitions et je veux impliquer ces transitions dans mon storyboard. Mais je ne veux pas illustrer complètement ces transitions parce que je veux laisser certaines choses ouvertes à l'animateur, et peut-être qu'ils auront une perspective différente à ce sujet. Peut-être qu'ils voudront faire quelque chose de fou ou que je n'ai même pas pensé parce que mon cerveau ne fonctionne pas toujours comme ça. Les animateurs ont certainement une façon de penser différente et peuvent apporter une nouvelle vie au projet plus tard. Donc ici, puisque je ne dessine pas explicitement la transition, je suis juste en train de montrer comment nous pouvons arriver à la prochaine image en illustrant le personnage nageant. Si je regarde de nouveau sur ma feuille d'idées, j'ai mentionné un plan plus large déformé par l'eau et cette distorsion est quelque chose que nous pouvons ajouter plus tard dans la conception. Mais peut-être que nous montrons le fond du cigare de grand-père flottant parce que c'est ce dont ils parlent dans cette ligne. À ce stade du processus, je n'ai pas vraiment besoin de m'inquiéter de ce que tout soit séparé sur des calques séparés parce que ce n'est pas comme si quelqu'un allait animer ces storyboards. Donc j'ai fini mes esquisses ici et je veux juste noter quelques choses. De mes idées brutes originales que j'avais écrites aux croquis de vignettes brutes réelles, quelques choses ont changé, notamment dans le cadre 5 quand nous voyons la maman lire sur son ananas flottant, j'ai changé que pour un coquillage flottant parce que je pense juste que cela a une meilleure silhouette dans l'illustration. Je pense que ce sera beaucoup plus beau à jouer avec, et va vraiment mener gentiment aux cygnes dans le prochain cadre parce qu'ils ont beaucoup de ces courbes organiques. Donc, la phase suivante serait de prendre ces miniatures brutes et de les rendre prêts pour le client. Je veux qu'ils soient plus digestes. Je veux que le client puisse mieux voir la composition. Mais je tiens aussi à leur dire que les compositions peuvent être modifiées par le design et que nous pouvons leur appliquer ces deux styles conceptuels différents. Il s'agit donc du niveau de raffinement que je montrerais à un client. Je ne veux pas être extrêmement détaillé. Mais je vais parfois commencer à m'amuser avec la composition ici. Donc, s'il y a un cadre dont je suis vraiment excité, j'aime vraiment quand je fais dans le cadre 3. Je pourrais passer un peu plus de temps là-bas pour rendre la composition cool. Vous pouvez également voir ici que je n'étais pas super heureux avec le cadre 4 dans mon storyboard rugueux. Mais quand je l'ai pris et l'ai affiné, j'ai un peu changé l'angle. J' y ai ajouté un peu plus de personnalité. Cela m'a plus excité d'apporter dans le design. Donc, à partir d'ici, je vais réellement enregistrer ceci en tant que JPEG et le télécharger sur mon deck client dans les diapositives Google. Alors enregistrez ceci en tant que JPEG sur mon bureau. Ensuite, je passe dans mon traitement client que j'ai créé dans Google slides, et j'ai déjà configuré cela avec mes modèles de storyboard. Donc, je vais juste aller de l'avant et remplacer l'image et télécharger cela à partir de mon dossier. Vous devrez peut-être faire quelques ajustements pour vous assurer qu'il s'intègre correctement là. Donc, une fois que vous avez téléchargé ceci, cela signifie que vous avez déjà vos lignes V0 écrites ici, et nous avons juste besoin d'ajouter les descriptions d'actions de tout. Ainsi, le client peut mieux comprendre ce qui se passe dans chaque image. Ici, j'ai écrit toutes les descriptions, et je veux juste noter qu'elles sont très différentes de ce que j'ai écrit dans mon document Photoshop ici. Ce n'étaient que des idées brutes très initiales pour moi. Mais je prends soin d'écrire quelque chose de plus intéressant et engageant pour le client. Je décrit également comment l'animation va fonctionner et comment nous allons couper et faire la transition et potentiellement comment chaque personnage va se déplacer. Donc, dans le premier cadre, nous avons ouvert sur le dos de nos enfants protagonistes. Il fait face à la piscine du quartier avec un tube flottant. Il saute et les éclaboussures d'eau nous font passer au cadre suivant. Pour le deuxième cadre, nous suivons le gamin comme il glisse sous l'eau. Au-dessus de lui, son grand-père écrit un char de cigares personnalisé et boit du whisky heureux. La description réelle que j'ai écrite ici pour la deuxième image n'est pas trop différente de ce que j'ai réellement écrit dans mon idée approximative. Mais j'ajoute des choses, comme joyeusement et glisser juste pour qu'il y ait plus d'humeur évoquée à travers ces mots. Nous voulons nous assurer que nous insistons sur le fait que les gens s' amusent tout en utilisant floaty mcfloats flottants, et qu'ils s'amusent vraiment et cela signifie qu'ils créent des souvenirs, qui est ce que le tout le concept est à propos. Juste quelques choses à garder à l'esprit pendant que vous travaillez sur vos storyboards ici. Numéro 1, c'est que nous voulons juste nous assurer que tous nos storyboards sont assez universels. Si nous regardons en arrière les directions visuelles que nous avons créées ici, je veux m'assurer que je peux traduire mes storyboards dans les deux styles qui vont de l'avant. Donc, si le client aime vraiment le concept A et qu'il veut rendre ce style vraiment audacieux et vectoriel, je veux m'assurer que les storyboards que j'ai créés ici fonctionneront avec ce style. Puis numéro 2, est que vous voulez vous mettre dans les chaussures d'animateur. Si vous n'avez pas vraiment d'animateur pour montrer vos storyboards, essayez simplement de réfléchir à leur processus ici. Donc, avec mes storyboards, je ne veux pas être trop imbécile sur la façon dont les transitions vont fonctionner. Je veux laisser un peu de place à l'animateur. Je veux aussi m'assurer que les transitions sont réalisables. Donc je ne veux pas en faire trop avec les transitions folles, sauf si c'est l'objet de la paix. La troisième chose à garder à l'esprit pendant que vous travaillez sur vos storyboards est de penser au client, se mettre à la place du client. Donc je pense à toutes ces transitions cool et à quoi ressembleront les personnages, mais ils vont vraiment penser à leurs floaties. Ils vont penser à la variété et à la gamme de flottations que nous voyons ici. Ils ont également mentionné qu'ils sont nouveaux dans le monde de l'animation. Donc, je veux juste m'assurer que mes descriptions sont super claires ici et que je montre l'action autant qu'ils le peuvent à travers mes storyboards. Alors allez-y et appliquez ceci à votre propre projet ici. Commencez vraiment rude et pensez à l'action de votre storyboard global. Pensez d'abord au récit. Ensuite, commencez à créer des miniatures brutes. Finalement, terminez cela avec des croquis raffinés et en écrivant quelques descriptions pour votre client. Ensuite, je vais prendre un de ces cadres ici que j'ai créé mon storyboard et le construire dans un cadre de style. 9. Cadre de style : Conception d'une scène: Je vais donc vous guider dans la création d'un cadre de style pour le mouvement. Je ne vais pas entrer trop dans le minutieux parce que ce n'est pas une question d'illustration. Mais je veux parler un peu de la façon de penser au mouvement lorsque vous créez votre cadre de style. Un cadre de style est comme un échantillon visuel ou une collation visuelle pour les clients afin qu'ils puissent avoir un peu une idée de ce que leur projet pourrait ressembler lorsqu'il est introduit dans l'animation. Bien sûr, cela ne va pas bouger, ce sera un cadre fixe, mais cela leur donnera une meilleure idée de l'endroit où leur projet pourrait aller. Je vais choisir le cadre qui m'excite le plus dans mon storyboard, mais je vais aussi choisir une direction de style que j'aime le mieux. Donc pour moi, j'adore ces deux styles et je pense qu'ils seraient tous les deux super à mettre en animation. Mais je suis beaucoup plus attirée par ce style dessiné à la main qui est fait à la main concept B. J'ai juste adoré les textures organiques. J' ai un peu plus de flexibilité avec mes formes, et je peux être un peu plus fluide, et je veux vraiment mettre l'accent sur la création de quelque chose qui vous passionne ici parce qu'il brillera vraiment dans votre deck lorsque le client le voit. J' ai donc mon storyboard ouvert et mon document de Brainstorming est ouvert au cas où je voudrais les référencer à nouveau. Mais je vais en fait créer un nouveau document ici. La norme et l'animation est de créer quelque chose qui est 16 par neuf. Donc 1920 pixels par 1080 pixels qui est écrans standard yeux, et par standard ce serait 72 DPI qui est la résolution de l'écran. Mais je veux en fait faire cela en 300 DPI qui est résolutions d' impression est beaucoup plus haute résolution et vous obtenez un peu plus de détails dans vos pixels. Donc je vais juste créer ce document 1920 par 1080 à 300 DPI et avant de faire quoi que ce soit d'autre, je vais juste enregistrer cela pour que je ne finisse pas par perdre tout mon travail, et la façon la plus simple pour moi de commencer à créer ceci, est en fait prendre mon croquis pour mon storyboard et l'apporter dans mon nouveau document, et pour moi, je suis vraiment excité de travailler sur ce cadre chiot, cadre numéro trois, juste parce que je pense que ce sera vraiment amusant à illustrer. Il y a aussi un mouvement intéressant qui se passe avec l'eau ici. Nous voyons encore notre héros, notre protagoniste au centre du cadre, et nous voyons aussi un certain nombre de floaty. Donc je garde le client à l'esprit n'a pas choisi mon cadre ici. Je veux m'assurer que c'est un moment d'action de pointe. Nous voyons beaucoup des éléments clés de la pièce. Donc, je vais juste copier ce cadre de mon storyboard et aller dans mon document de cadre de style et le coller là-dedans, et je vais juste augmenter la taille de cela et commencer à affiner ce croquis là, et cela peut finir par regarder complètement différent de votre croquis de storyboard ou il pourrait être vraiment similaire et vous voulez juste affiner certains des personnages. Peut-être comme pour ce cadre en particulier, je pense que mon personnage principal semble assez durfee. Il a l'air un peu effrayant. Tu as des trucs comme des lunettes bizarres qui se passent. Donc, je vais réparer cela et puis je vais aussi affiner les chiens un peu et mettre en valeur le flotteur est un peu plus. J' ai aussi l'impression qu'il manque quelque chose dans le haut du cadre. On dirait qu'il a besoin d'un élément de marée ensemble. Donc je pense peut-être que je vais ajouter un soleil en arrière-plan pour ajouter cette chaleur que le client cherche. Je suis tombé dans mon cadre de storyboard. Mais en plus de cela, je vais créer un nouveau groupe et nommer ce croquis raffiné, et je vais réétiqueter mon ancien croquis rugueux, juste pour garder tout organisé et beaucoup de fois j'aime garder mon croquis rugueux comme 10% opacité, sorte que je puisse voir pendant que je travaille, mais ce n'est pas dépasser le cadre. Donc, pour mon personnage principal, je vais les changer un peu, et c'est là que je peux un peu plus entrer dans le détail de ce à quoi ressemble chaque personnage parce que je raffine tout. Donc maintenant que j'ai la composition, je n'ai pas autant à m'inquiéter de ce que ça ressemble et je peux me concentrer sur le détail, et j'utilise tellement la commande Z donc c'est correct si vous ne l'obtenez pas correctement la première fois. Je suis allé de l'avant et j'ai nettoyé quelques choses et j'ai fini mon croquis raffiné ici, et j'ai ajouté un peu plus de structure à l'eau. J' ai créé le soleil de retour ici comme je l'ai mentionné plus tôt et je pense que ce sera vraiment beau dispositif de cadrage pour toute la scène. Il va en quelque sorte lier toute la composition ensemble et permettra des interactions de couleurs intéressantes en haut du cadre. Donc, en parlant de couleur, ma prochaine étape est généralement un blocage de couleur. 10. Cadre de style : Ajout de couleurs et de détails: Donc, l'objectif principal du blocage des couleurs ici est juste vraiment de voir comment toutes les couleurs interagissent. Dites que j'ai créé un de ces chiots d'abord et que je les ai complètement vidés et j'ai ajouté tous les détails, et toute la texture, et toute la coloration, et puis j'ai réalisé que je voulais le changer pour un chien bleu au lieu d'un chien blanc, alors je devrais aller et ajuster tous les détails sur lesquels j'ai déjà travaillé. Donc, j'aime vraiment savoir où vont toutes mes couleurs avant de commencer à remplir tous les détails supplémentaires. Depuis que j'ai décidé d'aller avec le concept B, ce style plus dessiné à la main, je vais en fait utiliser la même palette de couleurs que j'ai ajoutée dans mon deck client ici. Donc je vais juste faire glisser cette palette de couleurs dans mon fichier et c'est assez massif, donc je vais juste la mettre à l'échelle et la mettre dans le coin supérieur droit. Je peux utiliser l'outil pipette pour cela très facilement pour simplement capturer la couleur avec laquelle je travaille en ce moment. Tout comme je l'ai fait avec mon croquis rugueux, je vais mettre mon croquis raffiné au-dessus de tout et réduire l'opacité à environ 7% peut-être. Donc super faible ici, et cela m'aidera juste à voir les formes globales de tout pour commencer à bloquer tout le reste. Je vais créer un nouveau groupe. Voici aussi où je veux commencer à penser à la façon dont j'organise mon fichier. Pour l'animation, nous devons tout garder très séparé et étiqueté très clairement, car l'animateur va devoir entrer dans votre fichier et utiliser tous ces calques individuels dans des effets d'après ou n'importe quel programme que vous utilisez. Quand j'ai commencé à travailler dans l'industrie de l'animation, je n'ai pas réalisé à quel point cette partie du projet était cruciale. Donc, beaucoup de fois je faisais tout mon cadre, quelque chose qui m'excite, et ensuite nous donnions à l'animateur et je me rendais compte à quel point j'avais mal établi mon fichier. J' avais des couches supplémentaires là-dedans qui n'avaient rien sur eux. J' avais aplati quelques textures, et je viens de réaliser assez tôt que cela ne va pas être utile en aucune façon pour l'animateur. En plus de cela, parfois ils ont dû retourner dans mes fichiers et réétiqueter tout et les rendre plus clairs pour l'animateur parce que je n'ai pas fait un bon travail depuis le début. Donc, pour le blocage des couleurs, je vais juste faire une toute nouvelle structure de calque et juste nommer cette couleur, et là dedans je vais commencer à tout casser en fonction de ce que je dessine. Donc, je vais probablement commencer avec quelques éléments d'arrière-plan d'abord, puis calquer sur le dessus. Je vais probablement choisir la couleur de la lumière juste parce que le client veut que cela se sent brillant, et résumé, et nostalgique. Donc je vais avoir ce câlin chaud lier tout ensemble en arrière-plan. Une autre chose à noter ici est que je veux m' assurer que toutes mes formes sont complètes, et ce que je veux dire par cela est qu'un animateur pourrait venir dans mon fichier et déplacer un de ces chiens autour, et réaliser qu'il n'y a pas informations derrière le chien, ou le chien est seulement à moitié fait, ou le flotteur est seulement à moitié là, parce qu'il est couvert d'eau. Je veux m'assurer que je dessine complètement les formes de ces objets, de sorte que l'animateur puisse utiliser cette information pendant qu'il travaille sur l'animation plus tard. Voici ma dernière étape de blocage des couleurs, où j'ai veillé à ce que tout soit équilibré. J' ai des couleurs claires en haut et en bas. Nous avons le rouge partout comme un accent et le bleu pour l'eau. J' ai vraiment pensé au placement de toutes ces couleurs, mais je veux aussi vous montrer ce que je veux dire en m'assurant que tout est complet. Si on part de rien, on peut voir que j'ai le plein soleil derrière l'eau. Donc, disons que l'animateur voulait réellement montrer le soleil levant ou couchant, ils auraient cette information supplémentaire là pour déplacer le soleil autour. Ensuite, on a l'eau et les chiots. Donc chacun d'entre eux est dans leurs groupes séparés il sera vraiment facile de manipuler et de se déplacer. Nous avons notre personnage qui est en quelque sorte au milieu du terrain, puis nos chiots au premier plan. Si l'animateur voulait déplacer le flotteur sur l'écran ou qu'il voulait le faire bouger de haut en bas avec l'eau, il aurait un peu plus d'informations visuelles à utiliser dans les effets post-effets. Donc, c'est là que le blocage des couleurs avancé est vraiment utile parce que tout est déjà commandé et superposé correctement, donc ce sera vraiment facile pour moi de comprendre où tout va, et je vais m'assurer de garder tout mes calques de détail dans le même groupe que les calques de blocage de couleur afin que l'animateur puisse facilement saisir ces groupes et les traiter comme un tout. Dans la phase de détail, je peux commencer à ajouter de l'ombrage, je peux ajouter un travail de ligne qui va vraiment commencer à donner vie et ajouter un peu de personnalité à ma pièce. Donc, comme vous pouvez le voir ici avec ma dernière illustration détaillée, j'ai vraiment changé quelques choses pendant que je travaillais. La phase de détail est vraiment un bon moment pour ressentir les choses et voir comment les différentes couleurs fonctionnent. Donc évidemment, vous pouvez voir ici je change la couleur de l'oreille de ce chien, parce qu'il se sentait juste un peu trop contrastant l'arrière-plan là-bas. J' ai aussi changé la taille du soleil parce que je pensais qu'il fonctionnait mieux sur le plan de la composition. Il y a moins de tangente bizarre qui se passe ici avec le chien à gauche et le soleil. Alors gardez juste à l'esprit que tout n'a pas besoin d'être parfait. Au fur et à mesure que vous allez, vous pouvez facilement revenir en arrière et changer et affiner les choses plus tard. De là, je vais simplement enregistrer mon image comme un jpeg et la déposer dans mon deck client. Mon modèle n'a en fait pas de section de cadres de style. Je vais juste dupliquer cette diapositive 9 ici et la personnaliser à mes besoins. Je vais juste le nommer concept être cadre de style. Je vais supprimer la palette de couleurs, et juste insérer mon nouveau cadre de pile. Donc, je peux simplement faire glisser cela depuis le Finder, c'est la beauté des diapositives Google. Alors maintenant, c'est à vous de créer votre propre cadre de style et de le faire glisser dans votre traitement client. Maintenant, à la toute dernière étape qui consiste à ajouter un peu de vernis à votre deck de traitement. 11. Polissage de votre traitement: Maintenant que j'ai traversé, et j'ai créé mes croquis de storyboard, mes concepts, et même un cadre sol. J' ai créé quelque chose que j'aime vraiment. Mais je dois vraiment m'assurer que le client aime ça aussi. Je dois leur présenter d'une manière qui soit facile digérer et qui parle de leur projet et de leur produit. Même si le client n'est pas vraiment aller avec votre idée originale ou qu'il veut que vous alliez avec une nouvelle direction ou un nouveau cadre de style, au moins la présentation a été présentée de manière professionnelle et vous avez construit un peu d'une relation de confiance entre vous et le client. Donc, tout d'abord, je dois m'assurer d'inclure le nom du projet et une description de celui-ci et même la date sur la première page juste pour que tout soit mis dans le contexte correct. Je vais juste nommer ce Custom Floaties-Concepts parce que c'est la première phase du projet que je veux juste identifier où nous en sommes au stade du projet. J' aime vraiment ajouter la date parce que cela donnera le contexte du projet. Si le client se rend compte qu'il voulait quelque chose d'un deck plus tôt, il peut simplement dire : « Ce deck que vous m'avez posé le 2 mai, j'ai vraiment aimé ce que vous aviez là et j'aime l'inclure dans notre projet. » Sur la deuxième page, j'aime toujours avoir cette page bonjour et juste une description de ce que nous allons montrer au client dans le deck. Comme vous pouvez le voir sur beaucoup de pages, j'ai ajouté cette petite boîte en bas à gauche qui indique le nom du client, donc je veux juste m'assurer que c'est partout parce que je ne voudrais pas vraiment les envoyer quelque chose qui dit juste nom du client en bas à gauche. Je peux juste vous lire ce que j'ai écrit ici juste pour vous donner une meilleure idée de ce que je vais dire au client. Cela commence par : « Merci beaucoup d'avoir pensé à moi pour cette merveilleuse opportunité. Je suis super excité de faire partie du processus d' animation pour Floaty McFloats nouvelle campagne de flottations personnalisées. » les pages suivantes, vous trouverez quelques références, concepts et explorations visuelles de la façon dont j'envisage d' aborder la création d'un récit qui parle le mieux à votre marque. J' ai également inclus un ensemble de storyboards initiaux pour aider à visualiser comment j'imagine que le script prend vie. Que nous choisissions d'aller avec des bols, des formes en blocs ou une approche plus élégante, mon design prendra en considération un large éventail de possibilités de narration. Créer cette page bonjour est en fait quelque chose que j'ai appris à l'un des premiers endroits où j'ai travaillé. Chaque fois que nous créions des plateaux de pitch pour les clients, nous voulions simplement exprimer notre enthousiasme à l'égard d'un projet. Il leur a juste fait savoir que je pense à l'avance. Sur les concepts visuels, la grande chose à propos d'avoir ces descriptions ici est qu'il mettra le style visuel que j'ai fourni dans les contextes de leurs projets. Donc, pour le concept A, j'ai dit : « Grâce à cette direction visuelle audacieuse, je vais affiner l'originalité et l'enjouement de votre scénario. Chaque moment du storyboard sera exagéré et élargi. Les formes graphiques vont avaler l'écran et hypnotiser le spectateur alors que nous suivons les flottes de piscine sur leur voyage. Alors que le style sera plus graphique et élégant, les personnages seront toujours surprenants et mémorables. Les couleurs seront teintées d'un vert nostalgique. » Concept B Made by Hand dit « Le deuxième concept visuel se concentrerait sur l'un des éléments clés de votre marque : la nostalgie. Rien n'est plus nostalgique que quelque chose dessiné à la main. Made by Hand regorge de texture et de charmants personnages illustrés. Ce traitement prendra vie grâce à l'animation cellulaire image par image , ajoutant encore plus à la sensation faite à la main. » Comme vous pouvez le voir ici, je suis allé dans un peu sur l'animation et comment cela va ajouter au style visuel. Je peux aussi ajouter quelques adjectifs pour expliquer brièvement les tableaux d'humeur. Alors qu'ils regardent ces tableaux d'humeur, ils verront peut-être trois adjectifs en bas qui décrivent ce style. Plutôt que de lire tout le paragraphe que j'ai écrit, il y a une description un peu plus succincte en bas. Donc, pour le concept A, je peux dire que ses plis, excentrique, et graphique. Pour le concept B, je peux développer ce que j'ai dit dans la description et dire que c'est fluide, fait à la main et nostalgique. En outre, il est vraiment génial pour le client de regarder en référence car ils regardent les visuels, ils peuvent voir ce que j'ai écrit et les visuels ensemble à la fois. Avant que le client ne voit réellement un storyboard, il est agréable d'avoir un peu de blurb sur les animations qu'ils peuvent penser à cela pendant qu'ils lisent et digèrent à travers mon storyboard. Surtout pour ce client Floaty McFloat, ils ont exprimé qu'ils sont nouveaux dans le monde de l'animation. Je veux juste donner une description plus détaillée de ce qui va se passer. Peut-être que le storyboard ne suffit pas, peut-être qu'ils veulent en savoir plus sur le processus réel ou qu'ils veulent en savoir plus sur le type d'animation que j'utiliserai, et qu'il s'agisse d'animation cellulaire ou d'animation après effets, cette page ici est où je peux développer un peu cela. Une note sur l'animation. Quel que soit le concept visuel que vous choisissez, l'animation finale de cette pièce coulera en douceur, rappelant l'eau fraîche circulant dans une piscine. Il sera animé à la main, ce qui lui donnera un peu de toucher. Dans les pages suivantes, vous trouverez une référence de storyboard et d'animation. Bien que le storyboard présente des concepts et des idées généraux, ce n'est pas une représentation précise de l'apparence des conceptions finales. Dans la phase de conception après avoir choisi un style, je reviendrai et donnerai vie à chaque cadre grâce au raffinement en détail. Maintenant que j'ai donné au client un avertissement avec une petite note sur l'animation avant le storyboard, ils peuvent regarder le storyboard avec de nouveaux yeux et comprendre comment le processus va fonctionner après cela. Donc, après que le client a ajusté le storyboard et qu'ils ont réellement vu toutes les directions visuelles que nous prévoyons de prendre ce projet ou que vous pouvez potentiellement prendre ce projet, j'aime aussi terminer avec une petite référence d'animation page. J' ai l'impression que si un client voit une animation qu'il aime vraiment au début, il pourrait se verrouiller dessus et ensuite comparer toute la direction visuelle que je lui ai donnée à cette animation. J' ai fini par aller avec deux directions différentes pour ma référence d'animation, et j'ai choisi une qui se sentait comme un style vectoriel plus audacieux que j'ai pour mon concept A, et j'ai choisi une seconde qui a plus d'une sensation artisanale organique comme le concept B. Pour le film de lancement de Goldi, je dis, cette pièce maladroite a plus de sens vectoriel, rappelant notre concept A. Alors que le style est raffiné, le personnage agissant dans des situations stupides apporte une histoire sur terre. La fréquence d'images inférieure aide aussi. Il pointe sur l'aspect réel de l'animation ici. Donc, pour le second, les actes aléatoires de l'animation de gentillesse, je dis que ce récit émotionnel intègre une très belle, steppy sensation faite à la main qui se marierait bien avec constante B. Cette dernière page est vraiment juste une note d'adieu personnelle. Je veux dire au client que je pense toujours à eux et que je suis excité d'aller de l'avant avec cela, peu importe leurs commentaires. Dans l'ensemble, je suis ravie de plonger dans le design sur ce récit bizarre pour votre équipe. J' adore collaborer avec des marques uniques comme la vôtre pour concocter la recette parfaite de nostalgie, d'humour et de caractère. J' aime créer quelque chose de mémorable pour votre marque que les gens ne peuvent pas arrêter de regarder. J' ai hâte d'entendre ce que tu penses. Juste une signature finale ici, j'aimerais juste avoir une page de remerciement et je n'ai pas vu que le client avait une page de remerciement dans son deck. Donc c'est vraiment sympa de refléter ça ici. Pour le personnaliser un peu, je pense que ce serait bien d'ajouter une de mes photos de référence ici juste comme une personnalisation, juste leur rappeler que je fais ça à nouveau pour eux. Une fois que j'ai fini d'ajouter tout ce que je veux ajouter et que je me suis assuré que tous mes tableaux d'humeur sont là, tous mes storyboards, et toutes mes descriptions visuelles sont là, j'aime m'assurer que tout est centré et tout semble juste bon et très cohésif dans l'ensemble. J' ai inclus ce modèle de projet dans les ressources de classe afin que vous puissiez l'ouvrir et le dupliquer et l'utiliser pour vous-même. C' est vraiment juste un squelette osseux nu de quelque chose que vous pouvez faire le vôtre et insuffler votre propre personnalité dans. Donc, à ce stade, je me sens vraiment bien à propos de ce traitement client et je suis prêt à l'envoyer à mon client, Floaty McFloat. 12. Réflexions finales: Ok, donc nous voilà, nous avons terminé notre projet, et nous avons parcouru toutes les étapes pour obtenir un mémoire client, le déchiffrer, le remue-méninges, la création de tableaux d'ambiance, l' esquisse, la création de storyboards et la création d'un cadre de style . Nous avons mis tout cela ensemble dans un deck client facile à digérer. C' est quelque chose qui fonctionne très bien pour moi et mes clients dans mes projets d'animation au fil des ans. Mais vous voudrez peut-être prendre quelque chose que vous avez appris ici et l'appliquer d'une manière différente à votre propre projet. Il s'agit vraiment de créer un cadre pour que vous puissiez mettre en place vos projets créatifs pour réussir. J' espère donc que prendre cette classe vous a donné la confiance nécessaire pour aborder n'importe quel projet créatif. Si vous avez suivi votre propre projet, s'il vous plaît partager cela dans la galerie de projet, j'aimerais voir ce que vous faites. Merci beaucoup d'avoir suivi ce cours. Bonne planification créative. 13. Découvrez d'autres cours sur Skillshare: [ MUSIQUE].