Transcription
1. Introduction: Salut, je m'appelle Jesse LeDoux. Je suis illustrateur depuis plus de 20 ans. Pendant ce temps, j'ai travaillé sur un large éventail de projets tels que Murals. Celui-ci fait trois étages, et celui-ci est à Tokyo. J' ai créé une ligne de jouets, et j'ai eu des dessins animés et du développement dans les grands réseaux. J' ai créé des œuvres d'art pour des festivals internationaux et des canettes de bière et une tonne d'emballages musicaux, dont un qui a été nominé pour un Grammy. Donc, ce que je voudrais faire avec cette classe est, jeter un oeil à la façon dont vous créez des images et explosez celles-ci, les démonter, vraiment disséquer ce que sont ces éléments et ensuite regarder comment vous pouvez le remettre ensemble et venir avec quelque chose qui fonctionne toujours avec votre travail actuel, tout en se sentant frais, excitant et nouveau. La meilleure façon de pousser à travers les blocs créatifs est de trouver de nouvelles méthodes de travail. De nouvelles façons de travailler vous amènent à nouvelles découvertes qui peuvent ouvrir de nouvelles avenues pour la créativité. L' ajout de nouvelles approches à votre travail vous permet de garder le travail intéressant et frais pour ceux qui le voient. Alors, allons y entrer. Élargissons vos horizons d'illustration.
2. Présentation générale: Pour commencer, regardons la grande image, les choses qui composent une image. Vous avez des formes, vous avez des lignes, vous avez votre palette de couleurs, vous avez la densité visuelle, vous avez de la texture. Toutes ces facettes sont des facettes de votre création d'images. La façon dont chaque personne utilise ces choses, c'est ce que j'appelle votre langage graphique. Beaucoup de gens utilisent le mot style, mais je trouve une légère différence entre les deux. Je me sens comme votre langage graphique plus votre intérêt et la façon dont vous voyez le monde est votre style.. Vos langages graphiques sont plus attachés à l'esthétique. Une fois que vous prenez votre esthétique, puis vous calculez sur vos intérêts et votre processus de pensée, puis cela crée finalement votre style. Tous ces éléments sont très importants. Avec ce cours, nous allons avant tout regarder la partie esthétique de ce grand tableau. Les formes, les lignes, palette de
couleurs, la densité visuelle, la texture. Il y a d'autres choses aussi, j'en suis sûr, mais ce sont celles sur lesquelles nous allons surtout nous concentrer dans cette classe.
3. Les formes: Jetons un regard plus approfondi sur les différents éléments qui composent un langage graphique. Tout d'abord, ce sont des formes. formes géométriques, sont les plus basiques. Vous avez un carré, un cercle, un triangle. Vous pouvez étirer un carré et vous avez un rectangle. Ou vous pouvez couper un cercle et vous obtenez des quarts d'arcs et de dômes. Les formes géométriques sont proches et chères à moi. Je les ai beaucoup utilisés tout au long de ma carrière. Le monde est un endroit occupé, chaotique et ayant la capacité de simplifier ce monde occupé et
chaotique en quelques formes simples, m'
aide à mieux comprendre le monde et à trouver le calme au milieu de ce chaos. Par exemple, la nature est sauvage et je l'aime,
mais j'aime aussi l'ordre et j'aime une image centrale forte. Être capable de réduire un arbre sauvage en juste un triangle empilé au sommet d'un rectangle est un moyen pour moi de mieux le comprendre. C' est logique pour moi maintenant. Transformer le soleil en un cercle avec quelques triangles autour lui rend cette puissante boule de feu dans le ciel accessible. Un arc dans le dos devient un arc-en-ciel. Un triangle derrière ça, une montagne. Certains rectangles en face deviennent des bâtiments. Réduire le monde sous quelques formes simples comme une façon de dire que nous faisons tous partie de ce monde et que nous sommes tous dans ce monde ensemble, nous sommes tous faits de la même chose et nous avons les mêmes besoins et désirs fondamentaux. Ensuite sont des formes angulaires et fractales. Je ne les utilise pas beaucoup dans mon travail, mais j'ai vu les gens les utiliser de façon vraiment étonnante. Cette façon de dessiner des formes vous permet de créer quelque chose de plus représentatif de la vie réelle. Pourtant, la façon dont vous choisissez de fractionner l'image peut conduire à des résultats vraiment convaincants. Ici, je dessine des feuilles d'une plante. La façon dont la plante se plie et se plie est facile à réduire à des formes angulaires. Les montagnes sont aussi une chose amusante à dessiner de cette façon. La façon dont la lumière frappe les différents visages de la montagne définit facilement vos formes. Dessiner avec des formes angulaires fonctionne mieux si vous avez un fort sens de couleur et la possibilité d'utiliser un spectre complet de couleurs. Il y a une nuance dans le choix de la couleur avec des formes
angulaires qui rend vraiment l'image ensemble lorsqu'elle est bien faite. Bien sûr, je les dessine rapidement maintenant en noir et blanc donc je vous exhorte à jouer avec la couleur par vous-même. La dernière chose que j'ai à dire sur formes
angulaires en plus de combien ce dessin est terrible, est que l'image fonctionne mieux quand il y a des formes de différentes tailles. La combinaison de certaines grandes et de certaines petites formes rend l'image plus percutante. Maintenant, pour les formes sinueuses, c'est la forme la plus ouverte et sans contrainte. C' est fluide et amusant. C' est comme prendre les bases de formes géométriques, mais ensuite briser toutes les règles. Les cercles peuvent se transformer en bulbes, les arcs peuvent se transformer en haricots déformés, des rectangles transformés en ovales tendus. C' est vraiment sobre et gratuit. Dessiner avec des formes sinueuses et donne un look ludique et potentiellement penché sur un territoire psychédélique ou cartoon-y. Une grande partie de mon travail vient d'un lieu émotionnel qui n'est pas basé dans la réalité. Pour cette raison, les formes sinueuses me conviennent parfaitement. Comme je disais sur les formes géométriques, où elles aident à simplifier le monde. Les formes sinueuses sont un moyen pour moi de créer un monde unique, léger et amusant. Dois-je dessiner une langue ? Ouais, je devrais dessiner une langue.
4. Lignes: abord, ce n'est pas une nouvelle pour personne, mais les lignes peuvent être minces, les lignes peuvent être épaisses, et les lignes peuvent être quelque part entre les deux, nous le savons tous. Mais l'épaisseur de votre ligne peut changer radicalement l'apparence de votre image. Vous pouvez même choisir de créer une image sans aucune ligne, où tous les éléments de votre image peuvent être constitués de formes solidement remplies. Au-delà de l'épaisseur de vos lignes, pensez aussi à la longueur de vos lignes, sont-elles courtes ou longues ? Les traits courts peuvent sembler rugueux et croquis, tandis que les lignes longues sont généralement plus fluides et gracieuses. Si vous dessinez des cheveux, les coups
courts créeront un look bien différent des longs coups. Autre chose à considérer avec vos lignes, c'est de savoir si votre forme extérieure est tracée ou non. Un contour, qui est parfois appelé une
ligne clé autour de la forme, peut fournir un contraste agréable avec son arrière-plan. Les contours ont tendance à rendre les choses un peu plus cartoony, ce qui peut ou non être une bonne chose dans votre cas, selon votre projet. Excusions pour le travail diable sur la coloration de ce, ce stylo est beaucoup trop grand pour la taille de la forme que je colorie en ce moment. La dernière chose à penser avec les lignes est l'orientation des lignes, vous pouvez faire un dessin entier et juste des lignes verticales, ou simplement horizontales. La direction dans laquelle vous tracez les lignes peut changer
radicalement l'aspect général de votre pièce. Vous pouvez également choisir de crosshatch, ce qui est dans l'ensemble un look différent. Certaines personnes aiment le crosshatching, autres le détestent, tout a son but.
5. La palette de couleurs: La couleur est un élément très important lors du développement d'un langage graphique. Marchons à travers quelques façons différentes la couleur peut être utilisée. La première et probablement la plus évidente est pleine couleur. Pleine couleur est génial car il n'y a pas de limites. Vous avez un spectre complet à votre disposition, mais parfois les limitations sont bonnes. L' échelle de gris est fondamentalement l'opposé exact de la pleine couleur. Vous avez du noir, du blanc, et tous les gris entre les deux. Travailler en échelle de gris peut être un excellent moyen de construire initialement une image. Il vous donne l'occasion de comprendre l'éclairage et contraste sans vous enliser avec la couleur. Si vous pouvez faire quelque chose bien paraître en échelle de gris, ajouter de la couleur ne fera qu'un meilleur. Mono-chromatique est essentiellement la même que l'échelle de gris, mais votre noir devient une couleur. Dans ce cas, c'est bleu foncé. Si vous prévoyez d'utiliser des nuances de la couleur, il est préférable que votre couleur la plus sombre soit assez sombre. De cette façon, il y a une plus large gamme de nuances à votre disposition. Si votre couleur la plus sombre était un bleu clair, alors il n'y a pas assez d'intervalle entre elle et blanc pour que vous puissiez en obtenir beaucoup de couleurs. Une palette de couleurs limitée est l'une de mes façons préférées de travailler. Si vous êtes à la recherche d'une esthétique graphique audacieuse, une palette de couleurs limitée est la voie à suivre. En utilisant seulement une poignée de couleurs dans votre pièce, cela crée une limitation amusante. C' est une solution moins c'est plus, c'est le meilleur des deux mondes. C' est plus engageant que quelque chose d'échelle de gris ou de mono-chromatique. Pourtant, limiter les couleurs peut empêcher votre image de ressembler à une fête de confettis Lisa Frank encombré. Mes excuses à Lisa Frank. Je suis sûr que votre fête de confettis est une vraie lumière, mais les palettes de couleurs limitées sont plus ma vitesse. En passant, un palais de couleur chaude peut aider à définir un mode ensoleillé ou intense et l'utilisation d'un palais frais peut aider votre pièce à se sentir détachée
émotionnellement ou simplement froide.
6. Densité visuelle: La densité visuelle par pièce fait référence à la quantité d'espace vide que vous laissez dans votre image. J' ai créé cette impression popsicle il y a plusieurs années. Je l'utilise comme exemple parce qu'il est à la fois clairsemé et dense. La grande popsicle est assez clairsemée. Il s'agit d'un poster 18 sur 24, et il a juste un gros popsicle remplissant la feuille. Cependant, quand je l'ai créé, je voulais qu'elle ait une plus grande densité visuelle, donc j'ai rempli la forme rouge de la popsicle d'une illustration très dense. Si je savais que cela ne serait vu que de loin, ou serait imprimé à petite échelle, je n'aurais pas ajouté le dessin dense à l'intérieur de la popsicle. Cependant, je voulais que cette pièce soit efficace à distance et de gros plan. De loin, c'est juste un popsicle absurde qui remplit toute la feuille et à mesure que vous vous rapprochez, vous réalisez qu'il y a tout un monde d'été à explorer dans la forme de popsicle.
7. Texture: La texture peut changer radicalement l'apparence de votre pièce. Les bords sont-ils propres et nets ? Sont-ils rudes et incohérentes ? La méthode que vous utilisez pour créer votre image déterminera en grande partie la texture de votre pièce. Si vous voulez quelque chose de propre et précis, il est probablement plus facile d'utiliser un programme de dessin vectoriel comme Illustrator. Si vous aimez la cohérence avec la petite imperfection, essayez de dessiner des stylos comme des microns ou quelque chose comme ça. Si vous préférez une ligne incohérente mais lisse, sorte qu'il va d'épaisseur à mince d'une manière très lisse, dessinez avec un pinceau, ou si vous aimez les choses vraiment incohérentes, essayez un stylo à pinceau ou peut-être même un stylo à plume corbeau. Un stylo à pinceau à faible teneur en encre est très incohérent et très rugueux et assez amusant à dessiner. Vous pouvez même utiliser des ciseaux pour dessiner. Le résultat est un bord propre, mais légèrement agité et incohérent, ce qui donne à vos formes une belle chaleur.
8. Il est temps de passer au projet !: Maintenant que nous avons parcouru les différents éléments d'une image, commençons à décider quel sera notre langage graphique. Commençons par combiner quelques-uns de vos éléments préférés que nous venons de discuter. Vous n'avez pas à choisir quelque chose dans toutes les catégories. Il suffit de choisir deux ou trois choses qui semblent intéressantes, et nous les utiliserons pour créer une image. Maintenant, ce que je veux faire est de trouver une image à recréer. La meilleure façon de pousser à travers les blocs créatifs est de voir le monde à travers de nouveaux yeux. Pour cette raison, choisissez quelque chose qui vous est familier. Peut-être que c'est votre espace de travail ou la vue de votre fenêtre avant, le morceau passé que vous voulez redessiner dans une autre langue. Peut-être que c'est votre pièce préférée que vous avez créée, ou peut-être que c'est une pièce dont vous n'avez jamais été satisfait. Quoi qu'il en soit, nous créerons cette image en utilisant un nouveau langage graphique basé sur les idées que nous venons de parcourir. Donc, pour récapituler ; choisir une image, choisir quelques éléments de langage graphique et dessiner l'image avec ces contraintes. Alors voici mon image. C' est une photo rapide que je viens de prendre de la vue à l'extérieur de mon studio. Beaucoup de plantes. Mais si tu plaies, il n'y a vraiment pas grand-chose qui se passe, ça devient juste un gâchis de vert. Cependant, c'est une excellente occasion d' utiliser une partie de ce que nous venons de parcourir pour comprendre ce gâchis. Je vais dessiner ceci deux fois en utilisant un langage graphique différent à chaque fois.
9. Projet 1: Pour le premier dessin, je choisis les attributs suivants pour mon langage graphique. J' ai l'intention d'utiliser des formes géométriques parce que je veux simplifier le chaos du vert. Je veux avoir une texture rugueuse parce que je veux que mon dessin soit toujours sauvage et lâche. Je veux qu'il ait une densité moyenne parce que l'image est déjà très dense. J' utilise un stylo pinceau pour cela parce que j'aime comment la texture est avec ce stylo. C' est plutôt rude. Je vais commencer par dessiner des rectangles pour le chemin. Juste des lignes droites simples. Ajoutez un autre rectangle pour la main courante. Maintenant, ajoutons de la variété en ajoutant des formes circulaires. Un dôme pour cette plante, un dôme pour cette roche. Un autre dôme pour ce rocher. Le cerisier est un autre rectangle. J' ajouterai quelques triangles pour cette rangée d'arbres et quelques dômes pour chacun des autres buissons au loin. Sur la photo, il est difficile de discerner où un buisson se termine et où le suivant commence. En les dessinant comme des dômes simples ou des demi-cercles. Il leur donne de l'ordre et rend l'image plus facile à comprendre. Les lignes angulaires des triangles aident à
donner à la pièce une certaine variation et lui ajoute plus de vie. Les formes principales du dessin sont désormais bloquées. A partir de là, j'ajouterai quelques lignes et points pour donner plus de densité à la pièce. Certaines lignes de l'étape sont comme un tas de rectangles minces les uns à côté des autres. Certains points pour l'agrégat de la passerelle ont aidé à désigner ces deux formes sont similaires. Je vais ajouter quelques lignes pour quelques plantes minces ici. Une texture cohérente dans les trois arbres triangulaires les saisit visuellement ensemble. Un arc-en-ciel d'arcs donne ici à cette roche une variation graphique. Changer l'angle des lignes sur cette roche l'aide à se démarquer des autres dômes qui l'entourent. Pour cette plante, je vais faire quelques petits points pour symboliser la nature délicate de cette plante. Ce buisson est un buisson copieux et
fort, donc je vais lui donner ces coups de fossettes. Ces traits expressifs audacieux me permettent d' ajouter de l'obscurité derrière la main courante en augmentant la quantité de fossettes. Je veux que le buisson derrière lui soit différent, donc j'ajouterai des lignes diagonales plus minces. En haut il y a un arbre, donc je vais ajouter quelques coups de fossettes plus expressifs, mais cette fois aller dans la direction opposée pour définir cette forme. Puisque nous n'avons pas encore utilisé de courts traits verticaux, je vais les ajouter pour ce buisson. Maintenant, pour unifier l'espace négatif au-dessus des buissons, je vais ajouter des lignes horizontales dans l'espace vide, sorte qu'il se lit comme un ciel unifié. Je veux qu'elles soient minces pour qu'elles se sentent récessives et qu'elles ne rivalisent pas avec le premier plan. Comme ça a l'air un peu lourd, j'ajouterai quelques cercles ici parce qu'il y a des rochers sur le côté de la passerelle. Cela donne au fond plus de densité visuelle. Pour récapituler, cette image est créée avec des formes géométriques simples. L' image entière est vraiment juste quelques rectangles, triangles et quelques arcs circulaires. La texture rugueuse du stylo brosse correspond au relâchement
des plantes et l'image entière a une densité moyenne. Les plantes sont un peu plus denses parce que je veux que la nature soit mon objectif et que je reste assez clairsemée avec la passerelle. Maintenant, sur la suivante.
10. Projet 2: Pour le deuxième dessin, je choisis les attributs suivants pour mon langage graphique. J' ai l'intention d'utiliser des formes sinueuses parce que l'image est principalement des plantes, et les formes sinueuses fonctionnent bien avec la nature. Je veux qu'il soit coloré juste pour faire quelque chose de différent du premier dessin, et je veux qu'il soit très dense. Je vais essayer de remplir chaque centimètre carré de la page. J' ai ces quatre marqueurs colorés à portée de main, donc je vais les utiliser. Encore une fois, en utilisant la même image de référence, je vais commencer par dessiner la passerelle, sauf cette fois avec des formes sinueuses. Puisque la passerelle est un élément artificiel, j'utilise le brun, en sauvant les couleurs plus vives pour la nature. La main courante est aussi fabriquée par l'homme, donc elle sera brune aussi. Vous pouvez utiliser la couleur pour organiser visuellement une image. Cette roche au milieu est rose, celle derrière elle sera verte, donc les deux roches ne ressemblent pas. J' essaie d'alterner les couleurs de chaque élément, afin qu'ils puissent chacun paraître indépendants les uns des autres, donc si une pierre est verte, je ferai la suivante en rose. Comme ces trois arbres sont tous de la même nature, je les regroupe en les rendant tous les trois verts. Maintenant, pour ajouter un peu plus de buissons en alternance verts et roses. Le jaune est une couleur assez claire, donc je l'utilise pour les buissons très éloignés. Une fois que j'ai dessiné des formes pour tous les éléments, je vais commencer à ajouter des motifs pour rendre l'image visuellement dense. Je vais ajouter des cercles pour l'agrégat. Quelques petits points pour le côté de la passerelle. Ensuite, je remplirai les arbres avec des pattes de fourrure ondulées en couches. Ensuite, en ajoutant de la texture au tronc du cerisier, je vais essayer d'ajouter suffisamment de détails pour qu'il semble visuellement dense. Pour la roche massi, je veux ajouter de courtes lignes diagonales, ce qui me permet d'aller plus dense là où la roche est plus sombre, et d'avoir moins de lignes où la roche est légère. Puisque le but de ce dessin est d'être visuellement dense, j'ai encore besoin de remplir le reste de la passerelle. En remplissant ces cercles, cela me donne une pause mentale pour réfléchir à ce que je veux faire ensuite. J' ajouterai des lignes texturées en bois à la main courante, puis je travaillerai sur le buisson derrière elle. J' aime l'aspect grumeleux et ondulé des sapins verts, donc je vais faire quelque chose de similaire sur ce buisson rose. Je ne l'aurais probablement pas fait s'ils étaient tous les deux verts, mais puisque celui-ci est rose, ils ressembleront à des plantes différentes. De même, je vais donner à ce buisson vert derrière lui un traitement similaire à la roche rose au centre. Comme ce sont des couleurs différentes, il ne semblera pas que je les regroupe visuellement. L' arbre en haut devra être très dense pour le différencier du buisson rose en dessous. Bien que la roche et le buisson adjacent soient tous les deux verts, je vais rendre la texture de la roche beaucoup plus clairsemée, donc ils ressembleront immédiatement à des objets différents. J' ajoute quelques petites plantes à la base de la passerelle pour apporter un peu de couleur au fond, en raison de la densité visuelle de ce dessin, je dois différencier les deux niveaux de la passerelle. Sinon, cela ressemblera à un plan continu, mais puisque les deux parties de la passerelle sont le même matériau, elles doivent ressembler, donc ce que je vais faire est de dessiner des cercles étirés. Cela le rend différent du côté droit et cela donne un certain mouvement à cette partie de la passerelle. Le jaune est assez léger pour que je puisse ajouter des arbres verts dessus, sans qu'il soit super perceptible. Ajouter un peu de rose au fond aide à remplir la partie inférieure, et apporter un peu plus de couleur au fond, ce qui aide à équilibrer la couleur utilisée dans le dessin. Ce dessin est censé être visuellement dense, donc nous devrons remplir la zone du ciel. J' utilise le jaune, car c'est une couleur claire et va reculer visuellement. J' utiliserai également le jaune pour ajouter des surlignements à divers objets du dessin. Ajouter du jaune dans toute la pièce aide à unifier l'image, et comme le jaune est si récessif, je peux être assez bâclé avec la façon dont je l'applique. Maintenant que j'ai fini, je vais passer par et ajouter de la couleur à quelques endroits pour équilibrer la couleur. De l'herbe verte ici, de l'herbe rose là-bas, et une roche rose pour briser le vert des sapins et le tronc des cerisiers. Avec ça, j'en ai fini, les formes sinueuses ont vraiment aidé à renforcer la nature dans ce dessin. J' ai utilisé la couleur pour organiser les éléments du dessin, le rose et le vert étant utilisé pour les éléments naturels, et le brun pour les éléments artificiels. J' ai utilisé le jaune pour tout rassembler et mon but final du langage graphique était de rendre le dessin visuellement dense, ce qu'il est. Même un endroit léger comme le ciel, a
encore beaucoup de lignes remplissant l'espace négatif.
11. Synthèse du projet: Voici mes deux dessins côte à côte. Bien que les deux dessins soient de la même image, comme vous pouvez le voir, simplement en changeant quelques variables dans le langage graphique, vous pouvez obtenir des résultats très différents. C' est à vous de décider combien de temps vous adhérez à un langage graphique spécifique. Peut-être que vous verrouillez la seule chose qui fonctionne vraiment pour vous, et vous le faites seulement, ou vous choisissez un langage graphique différent pour chaque projet. C' est très adaptable. Par souci de cohérence dans votre carrière, je vous suggère de ne pas changer radicalement votre langage graphique trop fréquemment. Il est bon d'avoir du tissu conjonctif dans votre travail, mais lorsque vous commencez à frapper des blocs créatifs ou que vous sentez que votre travail est périmé, commencez à changer certaines choses. Essayez quelque chose de nouveau et voyez où il va.
12. Conclusion: Eh bien, nous voilà à la fin. Grâce à cette classe, nous avons examiné divers éléments que vous utilisez pour créer une image et essayé différentes approches pour créer cette image. A partir de là, j'aimerais que vous créez une image, plusieurs images en utilisant différents aspects de votre langage visuel. Essayez de supprimer certaines choses de la façon dont vous travaillez généralement et ajoutez quelque chose de nouveau. Ensuite, continuez à essayer différentes choses et enlever et enlever, et enlever et enlever pour garder constamment votre valeur fraîche et amusante et engageante. Merci d'avoir regardé. J' espère que ça vous a plu et s'il vous plaît continuer à essayer. Merci.
Jesse LeDoux, Illustrator, Artist, Designer
