Réaliser des films avec du son en direct : Créer une vidéo rythmée avec des sons enregistrés

1. Introduction: Au fur et à mesure que la qualité augmente, fait d'être cinéaste ou « influenceur » est rapidement devenu une nouvelle tendance. Ce qui signifie que sur des plateformes comme YouTube et Instagram, il est vraiment difficile de se démarquer. Mais dans ce cours, je vais vous apprendre exactement comment faire ça. m'appelle Dan Mace, je suis un réalisateur qui vit actuellement à New York, où je travaille sur ma nouvelle émission hebdomadaire intitulée « Not Normal ». Avant ma carrière sur YouTube, j'ai eu un succès en tant que réalisateur commercial TV, remportant plusieurs prix, comme trois Young Director Awards à Cannes, ainsi qu'en 2016, j'ai été classé parmi les six meilleurs jeunes films réalisateurs dans le monde par Shots Magazine. Après cela, j'ai quitté le monde de la publicité télévisée et j'ai commencé à travailler avec Casey Neistat à New York sur un nouveau projet appelé 368. Maintenant, je suis dans cette phase de transition d'apprendre à raconter une histoire vraiment convaincante sur YouTube, puis de passer à Los Angeles, où je réaliserai mon premier long métrage. La compétence clé que vous apprendrez ici est comment utiliser le rythme et créer un montage rythmique. Cela se fait d'abord et avant tout par l'utilisation de sons diégétiques. Si vous n'êtes pas familier avec ce qu'est le son de la diégétique, c'est totalement cool. diégétiques sont les sons réels qu'un objet crée. Cela peut être enregistré par l'intermédiaire d'une caméra ou d'un appareil audio externe. J' utilise mon appareil photo avec un microphone pour enregistrer ces sons diégétiques. Pourquoi les sons diégétiques sont-ils importants ? Parce qu'ils sont bruts et réels. Ce sont les sons qui appartiennent aux objets qui les ont créés, non développés en post-production ou retirés d'une bibliothèque sonore. Cela contribue vraiment à augmenter l'authenticité de chaque vidéo que vous allez créer. Cependant, vous devez entrer dans cette classe en connaissant les bases de Premiere Pro, c'est le seul programme que nous allons utiliser, ainsi que d'avoir un ordinateur portable pour le modifier. Si vous cherchez à augmenter la valeur de production globale de chacune de vos vidéos, cette classe est faite pour vous. Ce cours est adapté à l'une de mes émissions hebdomadaires intitulée « Seeing Sound », qui ressemble à ceci. [ NOISE] Faire cela est un grand débouché créatif pour moi, ainsi que le fait que cela m'aide vraiment à expérimenter le rythme et l'utilisation des sons diégétiques. Maintenant, les compétences que vous apprenez ici peuvent être appliquées à plusieurs situations différentes et à plusieurs styles de vidéo différents, pas seulement aux sons de voir que nous allons créer ensemble. Mais en faisant les Seeing Sounds, c'est une expérience incroyable et un ensemble de compétences étonnant à ajouter à votre répertoire. Les avantages clés de cette classe, seront de trouver des sons qui vous inspirent, créer une bande sonore entière à partir de sons en direct, ou ce que nous appelons des sons diégétiques. Il est très important de filmer l'intégralité de votre vidéo en 20 minutes, éditer l'ensemble de la production dans Premiere Pro et enfin de l'exécuter en ligne. J' ai vraiment hâte de commencer ce cours avec toi. Commençons. 2. Pour commencer: Chaque film, quelle que soit sa taille ou sa taille, est divisé en trois phases de production. Pré-production, production et post-production. Bienvenue à la pré-production, qui consiste essentiellement à organiser, programmer et juste à comprendre ce que vous allez réellement tourner en premier lieu. Nous avons de la chance alors parce que nous savons exactement ce que nous allons tirer. Nous allons créer un épisode de sons de voir. Maintenant, dans cette leçon, nous allons apprendre comment utiliser votre environnement pour s'inspirer. Comment utiliser les sons de votre environnement, commencer à développer un rythme, développer une idée de la bande sonore que nous allons créer. D' abord et avant tout, il est très important d'isoler différentes chansons dans votre environnement. Je fais cela en allant à ce qui peut sembler être les zones les plus chaotiques mots sonores, et essayer d'isoler différentes chansons en fermant les yeux et en écoutant chacun des objets dont proviennent les différents sons et en imaginant comment je pourrais traverser ces chansons, par exemple, un kick drum. Il s'agit essentiellement de tout son doof ou de tout son qui pourrait créer une mélodie d'une sorte ou d'une autre, à travers une voix humaine ou un instrument et la plupart du temps, le plus difficile à trouver est une base de référence. C' est ce qui va vraiment créer le funk ou le groove, la tête de tête que vous voulez dans chaque piste que vous allez créer. Ensuite, en plus de cela, il est important de noter que l'esthétique est extrêmement importante mais esthétique, ce qui signifie qu'elle a besoin d'être belle trop pas seulement son grand. Il s'agit de fusionner de beaux visuels avec de belles chansons. Une fois que vous avez fait cela, l'étape suivante est très importante et c'est ce qu'on appelle le référencement. Il est extrêmement important de créer un document de référence bien équilibré, placer dans un système de combat bien organisé. Cela va vraiment espérer en expliquant votre idée aux autres. Tout le monde peut être sur la même page en voyant ou entendant exactement ce que vous essayez de créer. Le référencement est vraiment clé pour la création de toute vidéo grande ou petite. C' est super important. Je ne peux pas insister assez. Une fois que vous avez référencé la piste que vous souhaitez créer, il est temps de développer un BPM. Cela peut être fait super facilement en prenant la piste et en la mettant dans un générateur de BPM et en déterminant exactement ce que sont les battements par minute de cette piste. Une fois que vous aurez le tri, passons à la leçon suivante. 3. Développer votre idée: Bienvenue à l'étape suivante de la phase de pré-production, qui se divise en trois segments. Un, choisir votre emplacement, deux se développer et regarder et sentir, et ce qu'il faut surveiller lorsque vous le faites. Enfin, l'accès, la nature actuelle et la relatabilité de votre idée. Ceci est super important et vous aidera à maximiser votre audience et vos engagements si cela est fait correctement. Lorsque vous choisissez votre emplacement, assurez-vous de faire quelque chose qui respecte la loi de la ville dans laquelle vous êtes, vous ne voulez vraiment pas vous ennuyer et quand il s'agit d'endroits, il peut devenir un peu collant et pour certains des zones comme les gares ou surtout dans n'importe quel type de transport, vous allez avoir besoin d'une certaine forme d'autorisation de localisation et cela devient vraiment difficile. Il est important de s'assurer que l'emplacement sur lequel vous avez les yeux fixés peut être atteint pour tirer en un jour ou deux. Une autre chose est le son, je sais que nous avons parlé plus tôt d'être dans un endroit où il y a beaucoup de son chaotique qui était purement pour que vous puissiez écouter et essayer d'isoler les sons dans le chaos. Mais quand vous cherchez un endroit où filmer, vous allez vouloir qu'il soit minime pour presque aucun son. C' est pourquoi si vous jetez un oeil aux sons de synchronisation précédents que j'ai faits, je suis vraiment en mer, au milieu d'une forêt, dans le studio de quelqu'un ou dans la cuisine. Ces zones sont vraiment agréables et atteignables ainsi que reliables, les gens savent à quoi ressemblent ces endroits et se sentent, ainsi qu'ils sont tranquilles. Quand il s'agit de développer et de ressentir ces épisodes de sons de synchronisation, le champ est généralement assez erratique, il est partout, il y a beaucoup de coupes rapides. Assurez-vous donc que vous êtes à un endroit où vous pouvez installer un trépied ainsi qu' il y a beaucoup de distance où vous pouvez vous déplacer avant en arrière à l'intérieur de la caméra, vous ne voulez jamais déplacer la caméra, vous voulez faites le mouvement vous-même. Avec le look, il est important d'essayer de rester à l'écart du tournage au lever du soleil ou au coucher du soleil. Même si ce sont des moments très favorables de la journée pour tourner pour un cinéaste, quand il s'agit de synchroniser les sons, vous ne voulez pas trop de mouvement avec les nuages ou avec le soleil car il plonge de haut bas car cela sera très contrasté quand se déplaçant d'avant en arrière entre les sons, aussi midi est tout simplement pas le bon moment pour tirer, la lumière est beaucoup trop dure. Donc, je m'en tiendrais à quelques heures avant midi ou quelques heures après-midi serait le meilleur moment de la journée. Sauf si, bien sûr, vous tirez à l'intérieur, ce qui rend les choses 10 fois plus faciles. Enfin, s'assurer que l'emplacement que vous choisissez est intemporel, relitable et engageant, c'est très important quand il s'agit de l'adhérence de votre clip. Dites par exemple, en ce moment, ce qui est très tendance est zone 51 et les discussions autour des extraterrestres. Si vous pouvez vous rendre à l'extérieur de la zone 51 pour créer un son de synchronisation, je suis sûr qu'il deviendrait complètement viral. Assurez-vous donc toujours de regarder les tendances actuelles, de lire les nouvelles, voir ce qui se passe et d'essayer d'impliquer vos sons de synchronisation autour de quelque chose de très intéressant. Il peut aussi être intemporel, par exemple, comme je l'ai fait avec la cuisine, quelque chose que tout le monde comprend, c'est une tâche quotidienne et vous pouvez vraiment élever cela. Faites-le humoristique et juste tout le plaisir et le divertissement. 4. Votre sac d'équipement et les choses à rappeler: C' est la dernière étape de la préproduction. Lorsque vous travaillez sur un grand ensemble, ce que nous sommes sur le point de faire, est connu comme une reconnaissance technique. C' est très important. Cela permet de s'assurer que toutes les batteries de votre appareil photo sont chargées, vous avez des piles supplémentaires, que vous avez testé vos objectifs, que vous avez testé vos appareils photo, que vous avez testé absolument tout, votre son, de sorte que lorsque vous montez sur le plateau, vous n'avez rien à craindre. Si quelque chose est cassé, eh bien, alors vous pouvez blâmer quelqu'un d'autre et pas vous-même. Mais oui, sans reconnaissance technique vient des charges et des charges de stress parce que c'est la réalisation de films, et en fin de compte, quelque chose va toujours mal. Avoir deux angles n'est pas important du tout. J' utilise parfois un second angle, mais ce n'est que l'effort fait sens pour le récit. J' aime généralement utiliser un seul appareil photo. Il lui donne l'air beaucoup plus accessible et a une sorte de regard inachevé, que les gens sur les médias sociaux de nos jours et de nos jours gravitent vers beaucoup plus. En disant cela, la qualité n'est pas aussi importante que ce que vous faites réellement devant la caméra. J' adore l'idée de pouvoir simplement tirer quelque chose sur votre téléphone portable ou un reflex numérique qui tourne 4K, qui peut faire tout un tas de réglages ridicules et haute vitesse. Vous pouvez utiliser une GoPro ici. Vous pouvez à peu près utiliser tout ce qui peut enregistrer la vidéo. Assurez-vous juste à votre emplacement qu'il y a suffisamment de lumière. Ensuite, vous n'avez pas vraiment trop de problème avec le grain etc, avec n'importe quel appareil sur lequel vous tournez. Les téléphones portables fonctionnent brillamment. Assurez-vous cependant que vous avez accès à une forme quelconque de trépied ou un moyen de garder l'appareil photo pour qu'il ne bouge pas. Mon sac pour appareil photo ressemble à ceci : une fois un reflex numérique avec trois piles supplémentaires ; un objectif zoom large. Mon choix est une série 16-35, 2.8, L ; deux cartes formatées 128 gigaoctets. Maintenant, il est très peu probable que vous utilisiez autant d'espace, mais soyez toujours plus sûr que désolé ; un micro de caméra embarqué est suffisant, et si vous voulez aller un peu plus loin, vous pouvez utiliser de microphones à revers. Je ne le fais que lorsque je suis dans une zone beaucoup plus bruyante que d'autres parce que les revers aident rarement à isoler les sons, mais cela complique les choses. Comme je l'ai dit précédemment, si vous pouvez entrer dans un endroit calme, utilisant juste un micro embarqué sur la caméra, comme je l'ai fait dans ce scénario de cuisine, vous serez en mesure de vraiment rationaliser votre processus de post-production. Ensuite, faites enfin un contrôle de qualité final avec tout, en vous assurant que tout fonctionne bien. Toutes les batteries sont complètement chargées, il n'y a pas de rayures sur vos lentilles, etc. Emballez le tout dans votre sac, puis vous êtes prêt à entrer dans la phase de production. 5. Sons clés et comment les obtenir: Bienvenue à la première étape de la deuxième phase de production, qui s'appelle la production. C' est là que l'action réelle est créée. Nous allons maintenant sortir et enregistrer vos sons. Cette partie est la plus importante et probablement la plus complexe, mais si elle est faite correctement, tout se déplacera parfaitement d'ici. Alors écoutez, c'est très crucial. Dans chaque son de scène, il est important de le diviser en trois parties : la mélodie, la ligne de base et le rythme. Donc, ce que nous allons faire, c'est prendre notre BPM, un battement par minute, qui va se fixer à 120. Exportez cela comme une piste de clic MP3 et l'obtenir sur votre téléphone ou un appareil accessible afin que vous puissiez l' avoir avec vous à tout moment lorsque vous êtes sur place. Si vous êtes toujours confus, voici un exemple de chacun. Mélodie, ligne de base, et un rythme. Nous commencerons par la mélodie car c'est la plus compliquée et la plus complexe, surtout en utilisant des sons diégétiques. Dans l'exemple de la cuisine, j'ai utilisé les casseroles et les poêles et les lumières au-dessus de moi pour créer une musique mélodique simple. Ding dong do ding dong do do do do ding dong do do do. De là, vous pouvez commencer à harmoniser. Il n'y avait pas beaucoup d'options dans la cuisine, mais j'ai utilisé le micro-ondes. La ligne de base est également toujours très compliquée, mais une grande chose que vous avez qui crée toujours une ligne de base est votre voix. Pour les femelles, vous pouvez toujours lancer votre voix vers le bas et créer quelque chose d'un peu plus profond ou si vous ne voulez pas faire cette option, cherchez quelque chose qui a des cordes attachées à elle. On peut vraiment tirer ou arracher pour créer un boing. Dans chaque scénario, il est important de faire entre huit et 12 sons différents. Tu verras pourquoi dans un peu. Enfin, une fois que vous avez fait les deux autres, créer un rythme est très facile. Cela peut être fait en frappant à peu près n'importe quoi. Dans une structure de beat simple, vous allez vouloir un kick drum, un chapeau haut et une caisse claire. Avec ces trois sons, vous devriez être capable de créer un rythme rock simple qui sonne comme ça. Le aller à est pour moi est mon pied, boom, ma main, clap, qui va comme un piège, et puis j'utilise ma bouche comme chapeaux hauts, et puis j'utilise ma bouche comme chapeaux hauts, ts ts ts ts ts ts ts ts ts ts ts ts ts ts ts ts ts ts ts ts. Donc, cette première leçon de production est de faire le tour de votre espace, frapper sur les choses, de frapper tout ce qui est possible, sans casser les choses. Sauf si, bien sûr, cela fait partie de votre vidéo et que vous avez la permission de le faire. Mais il s'agit d'avoir une idée de tous les différents sons votre environnement afin que nous puissions passer à l'étape suivante. 6. Premiere Pro : Créer des séquences à partir de vos sons enregistrés: Maintenant que vous avez suivi toutes mes étapes simples pour vous préparer 100 pour cent, cette phase devrait être prête sans couture et surtout amusant. La règle numéro un pour la prise de vue d'une scène sonne que vous ne devriez jouer que pendant 20 minutes ou moins. Si vous pouvez l'obtenir à moins de 15 minutes, vous gagnez. Dans cet épisode de cuisine frénétique, j'ai pu le faire en environ 13,5 minutes, ce qui lui a vraiment donné ce look précipité, mais cela aussi rendu le processus de post-production beaucoup plus simple. Une fois que je commence à rouler et que je sens qu'il peut dépasser les 20 minutes, j'ai coupé le rôle et je recommence à zéro . Il est très important de fixer des limites comme ça pour vous-même parce que ce qui se passe, c'est à la fin de la journée, nous sommes des cinéastes, nous sommes des artistes, nous aimons enfreindre les règles, mais si nous les plions trop loin, alors le prochain vous allez filmer 30 minutes, celle après ça, 40 minutes, avant que vous le sachiez, vous allez tourner pendant trois ou quatre heures pour terminer quelque chose qui devrait être aussi simple qu'un rouleau de 20 minutes. S' il vous plaît tenir à cette contrainte de temps. Donc, ce que vous allez faire ici est de configurer votre trépied et votre appareil photo et de vous assurer que vous photographiez le bon rapport d'aspect pour n'importe quelle plate-forme de médias sociaux sur laquelle vous mettez cela. Donc comme avec celui ci-dessus, nous l'avons fermé à neuf par 16, qui est le mode portrait sur un téléphone cellulaire, ce qui va le mieux pour la plate-forme Instagram. Nous le réduisons à quatre ou cinq pour qu'il s'adapte au mur Instagram ainsi que beaucoup plus partageable sur une plateforme comme Twitter. Assurez-vous que le centre du cadre est l'endroit où la majeure partie de l'action va se produire, puis que vous avez la possibilité de vous déplacer d'avant en arrière devant la caméra. S' assure que vous ne vous déplacez pas trop loin de chaque côté et que vous êtes toujours à l'intérieur du cadre lors de la création de chaque son. Si vous filmez vous-même et que vous n'avez pas d'ami pour vous aider, alors assurez-vous de mettre votre téléphone ou votre appareil photo, retournez l'écran en mode selfie afin que vous puissiez voir exactement ce que vous faites. Il pourrait devenir très difficile si vous essayez de regarder l'écran et essayer et l' application cadre ainsi que de créer les sons qui pourraient être un un gros gâchis. Mais avoir un ami ou un parent, ou une tante ou quelqu'un peut juste rester là et regarder et s'assurer que vous êtes dans le cadre, c'est parfaitement cool pour vous. Puis, enfin, faites une vérification sonore de plus, rejouez-la. Si tout est bon, vous êtes prêt à y aller, appuyez sur le bouton d'enregistrement et je vous verrai dans la leçon suivante où nous allons éditer l'épisode entier. 7. Premiere Pro : Créer votre piste finale: Bienvenue dans la troisième et dernière phase de production, aussi connue sous le nom de post-production. Ce n'est certainement pas la phase la plus populaire de la production, mais pour moi, j'adore le montage et c'est vraiment là que vous pouvez prendre votre travail et l'élever, pour le transformer en quelque chose qui devient unique le vôtre, pour vraiment ajouter votre signature style à quelque chose. Tout d'abord, avec la post-production, s' assure que vous avez tout classé correctement comme suit. Dans un projet comme celui-ci, où nous nous concentrons sur la rationalisation réelle du processus. Nous n'avons qu'un seul clip, ce qui rend les choses vraiment simples. Notre dossier de référence, puis évidemment un dossier de fichier de projet. Ouvrez votre Premiere Pro, assurez-vous d'enregistrer votre projet dans le fichier de projet que vous avez créé. Ensuite, procédez à l'étiquetage de votre fichier de projet. Je vais appeler le mien voir les sons épisode 8, parce que c'est mon huitième épisode. Assurez-vous que quoi que vous appeliez les clips, il suffit de les nommer en conséquence avec des chiffres. Cela vous aidera quand vous retournez en arrière et que vous voulez trouver le fichier de projet de l'épisode que vous faisiez. Une fois que vous avez fait cela, vous allez créer un paramètre de séquence. Vous allez cliquer sur fichier, nouveau, séquence. Sous les préréglages de séquence, faites défiler jusqu'au reflex numérique, cliquez sur le menu déroulant et sélectionnez DSLR 1080p, 24 images. À partir de là, nous allons aller de l'avant et cliquer sur les paramètres, où vous définissez la taille horizontale à 1280, et la verticale à 1600. Ensuite, assurez-vous de nommer la séquence quelque chose comme le clip complet. Créez ensuite un volet de projet, appelé séquences. Faites glisser cette séquence complète dans ce clip, nous allons créer trois séquences de plus maintenant. Avec les mêmes paramètres de séquence prédéfinis, allez de l'avant et créez trois séquences distinctes. L' un appelé mélodie, l'autre appelé base, et l'autre appelé beat. Ensuite, pour rester organisé, prenez toutes les séquences et faites-les glisser dans le dossier sélectionné. De là, nous allons aller à l'endroit où nous avons enregistré nos séquences, et nous allons l'importer comme suit. Aller au fichier, importer. Sélectionnez votre dossier de l'épisode 1 de sons de visualisation. Allez au métrage et tirez votre clip. Assurez-vous maintenant de créer un volet appelé métrage et de le faire glisser dans ce volet. Enfin, nous allons importer notre piste BPM pour des conseils. Importez-le dans le projet comme suit, et nous allons créer un volet appelé extras, où nous pouvons faire glisser tous les sons supplémentaires si nous décidons de les télécharger et de les importer. Ceci est juste pour garder notre projet propre et tout dans les tirages en conséquence. Maintenant, ce qu'on va faire, c'est ouvrir les quatre séquences différentes sur la chronologie. Nous allons ensuite diviser le clip complet en trois séquences différentes. Assurez-vous que lorsque vous sélectionnez une section à partir du point culminant de son Internet dans la séquence complète du clip, que vous la copiez et la collez dans la séquence correcte et que vous ne coupez pas et collez pas. Il est toujours important de s'assurer que vous avez le clip complet là au cas où quelque chose se produirait et que vous deviez revenir en arrière et peut-être allonger le clip, et cetera, ou regarder d'autres sons. Une fois que tu as rompu ta mélodie. Copiez le métrage à partir de la ligne de montage complète du clip et postez-le dans votre séquence mélodique, puis fermez les espaces. Rejouez-le pour vous assurer que vous avez les bonnes prises de sonorité. Votre ligne de base, et votre rythme. Vous devriez vous retrouver avec une séquence d'échantillons avec vos sons préférés qui finiront par faire votre rythme. Nous allons créer une nouvelle séquence appelée Final Edit, avec exactement les mêmes paramètres de séquence que les autres séquences. Maintenant que toute cette organisation est terminée, nous sommes prêts à passer à la phase suivante, qui est en fait éditer ensemble tout ce voyant sons. Maintenant qu'il n'y a aucun doute que nous allons terminer cela, et ça va être génial. 8. Premiere Pro : Édition le montage en commun (partie 1): Je fais les sons de voir un maximum d'une minute. De cette façon, vous pouvez les mettre sur votre mur Instagram et il jouera tout le chemin. Mais la piste dans son intégralité devrait s'asseoir autour de 55 secondes, juste pour que vous ayez des points d'entrée et de sortie à la fin, ou des moments amusants, si vous voulez la déconnecter, ou vous connecter à vos sons de vision. Je vais juste vous jouer rapidement une version passionnante de l'édition que nous faisons. Ensuite, nous allons le décomposer et créer une édition beaucoup plus simple. C' est après beaucoup d'expérience avec la musique et le rythme. Je suggère fortement que si vous voulez vraiment développer votre flux et votre style avec le rythme, participer à d'autres tutoriels Skillshare basés sur la production musicale. Dans cet extrait que je suis sur le point de vous montrer, vous verrez que le fichier audio est d'une couleur différente. C' est basé sur le fait que j'ai réimporté et mixé et maîtrisé le fichier audio. [ MUSIQUE] Tout cela se fait avec des sons bruts. [ MUSIQUE] Alors ce que j'ai fait avec ce clip est enregistré quelques voix. J' aime le faire de temps en temps, ça augmente la valeur comique de la pièce. [ MUSIQUE] remontant au début, ce que nous allons faire d'abord, c'est de nous concentrer uniquement sur la création d'une chronologie d'une minute. Il s'agit de la chronologie que vous pouvez utiliser sur votre flux mural Instagram. Maintenant, ce que vous allez faire est de créer une séquence appelée édition complète. C' est exactement les mêmes paramètres de séquence que ce que nous avons précédemment, 1280 par 1600. Nous allons prendre ça, nous allons le mettre dans notre dossier de séquence. On va l'ouvrir. Il est là. Nous allons prendre notre point de départ et le prendre à une minute juste pour que lorsque nous le regardons visuellement, nous puissions avoir une idée de la durée que vous avez prise. Le contrôle sonore dans son intégralité que nous allons créer est probablement assis autour de 52 secondes. Cela nous donne trois ou quatre secondes à la fin et cinq secondes au début pour l'intro. Si vous avez enregistré un clip où vous étiez sur le point de commencer, ou où le cadre est clair, utilisez-le dans les cinq premières secondes. Je mets toujours le début et la fin là-dedans, à l'avance. Si vous allez à notre clip complet, j'ai fait toute cette séquence où je posais le fromage, le beurre et les oranges. Puis je sors et jette les œufs. On va juste aller de l'avant et couper tout ça. Assurez-vous d'utiliser le son ici deux de chacun, car cela aidera vraiment le spectateur à comprendre ce que nous sommes sur le point de faire. Ce que j'aime faire dans une séquence comme celle-ci, c'est que je prends juste le clip et je le tire sur le calque ci-dessus, juste pour que je n'ai pas à le copier et le coller et le copier et le coller dans. Je peux tout faire en une seule fois avec une sélection de lots. Je peux voir ce que j'ai fait en l'ayant juste dans la couche ci-dessus. Ce style d'édition est super simple. C' est très basique. Mais il a rarement un impact lorsque vous mettez en scène, découpez une scène très rapidement et il y a beaucoup de sons bruts riches et c'est [inaudible], même si vous ne comprenez aucune forme de valeur rythmique, sons bruts riches et c'est [inaudible], même si vous ne comprenez aucune forme de valeur rythmique, est vraiment logique pour beaucoup de gens d'entendre les sons des objets et il vous attire vraiment dans le clip. Ensuite, une fois que vous serez satisfait de tous ces clips, vous allez les sélectionner tous comme ça. Nous allons cliquer sur Apple C, qui est copie. Nous allons passer à l'édition complète, puis Apple V, qui est coller. Ensuite, nous allons aller par ici et nous allons juste onduler la suppression entre les deux. C' est en cliquant avec le bouton droit, boom, ondulation, qui rassemble juste tous les clips. Ensuite, nous devons redimensionner juste pour nous assurer que notre cadre est au bon endroit. Ensuite, si vous filmez 1080 d'ici 1920, qui est portrait, et que vous réinitialisez dans un rognage de quatre par cinq, déplacez simplement votre clip. Je vais te montrer maintenant. Nous allons sélectionner le clip. On va voir les contrôles des effets. Nous allons utiliser la position ici, puis nous allons sélectionner les points x et y et juste déplacer le clip vers le haut. Vous sélectionnez Motion, puis vous sélectionnez Commande C pour copie. Vous sélectionnez tous les autres clips, puis vous appuyez sur Commande V, et cela va simplement coller la position sur tout. Maintenant, nous allons passer par là, nous allons juste le couper bien et court. L' astuce ici est de vraiment le faire regarder vos formes d'onde en bas. Vous avez seulement besoin d'avoir ce point du clip. Ripple supprime, arrive-le au début, boom. On en est heureux. Comme je l'ai dit, le rythme n'est pas trop important ici. Nous ne sommes pas encore en train de créer un rythme musical, mais nous allons y arriver. Voyez ce bon son du bacon là-bas. Cela pourrait être utilisé comme un piège, lequel nous allons entrer plus tard. Voir édition pour un clip, c'est un peu plus long comme ça. Il suffit de l'atterrir. Coupez là et le prochain son n'arrive vraiment qu'ici. Maintenant, ce que j'ai est ce que vous appelez une séquence de titre miniature que j'aime mettre en avant tous ces épisodes. Ce n'est pas vital d'en avoir un. Je vais juste le piquer et te montrer où il est assis. Donc idéalement, quand je viens et commence à crier, ce sera ce point culminant dans la goutte de la chanson que nous allons créer. Donc je veux que ma séquence de titre soit assise juste avant ça. [ MUSIQUE] Allons chercher une fin. Donc on peut le mettre en place. Ensuite, nous pouvons tirer dans notre BPM et voir exactement combien de temps ce clip devrait durer. [ MUSIQUE]. J'aime ce clip, donc je vais juste le copier Apple C. Je vais passer dans l'édition complète et je vais à Apple V, qui est de le coller. Tu vas le mettre à la fin ici. Laissons tomber juste une minute juste pour encadrer avant. Maintenant, nous allons importer notre piste BPM, je vais guider, qui est connu comme une piste de clic. Nous allons descendre ici, sélectionner le clic check. On va le faire et on va y mettre fin juste avant. Voir des sons intro. On va entrer directement. Donc c'est vraiment là que nous allons faire avancer ce processus, c'est que je vais vous apprendre les étapes les plus simples pour créer une piste rythmique. 9. Premiere Pro : Édition le montage en commun (partie 2): Ce que nous allons faire, c'est que nous allons commencer par ce que nous appelons le rythme, qui est divisé en trois parties. D' abord, nous avons notre tambour, puis nous avons notre caisse claire, et ensuite nous avons ce que vous appelez vos chapeaux hauts. Nous allons les construire. Je vais vous expliquer exactement dans une structure quatre par quatre, quatre par quatre par quatre, quatre par quatre par quatre, quatre par chaque barre. Super. Nous allons commencer à développer un rythme, et nous allons commencer par un kick drum. En parlant de quatre par quatre, ne vous inquiétez pas trop à ce sujet, nous pouvons simplement compter. Avec votre piste bpm, votre piste de clic ou votre pièce de guidage, et c'est très important car ce sera essentiellement votre compteur. Nous allons compter un, deux, trois, quatre, un, deux, trois, quatre, un, deux et ainsi de suite. Comme vous pouvez le voir, j'ai ajouté des marqueurs en bas ici. Vous pouvez le faire en appuyant simplement sur M, et c'est juste pour compter vos barres. Quatre battements signifie ci-dessus fondamentalement. Un rythme rock simple consiste à avoir votre son duff, qui est votre kick drum dans le premier temps de chaque barre. On va juste y aller et faire ça. On a notre duff, duff, duff. Apple c pour copie, nous allons aller en édition complète. Nous allons sélectionner « A1", « V1", et quand nous le laissons tomber et boum, ça va tomber comme ça. Maintenant, vous voyez les formes d'onde, assurez-vous que cette forme d'onde ici se connecte à cette vague formée en bas, nous allons couper ce clip un peu plus court. Ensuite, nous allons aller ici, voir les formes d'onde commencer un peu trop loin devant. Ce que nous allons devoir faire, c'est de déménager ici. On a encore un duff 2, 3, 4 ici. Maintenant, nous allons entrer et ajouter notre piège, notre piège se produira toujours au troisième temps. Ça ira duff, duff, [inaudible], duff, un, deux, dush, un, deux, dush. Nous allons passer à notre rythme. On y va, on a notre piège juste là. [ inaudible] formes d'onde à relier. Maintenant, ce que nous allons faire est, juste pour ajouter à cela. Comme nous allons ajouter dans ce que vous appelez vos chapeaux [inaudible]. Ce qui fait un excellent son pour cela, c'est le score du chapeau de bacon sur chaque battement de chaque barre, frappé sur les rythmes. Nous allons avoir, ce que nous avons ici. Maintenant, ce que nous allons faire est, nous allons sélectionner nos couches au-dessus de V2. Nous allons regarder ici et sélectionner V3, désélectionner cela. C' est juste pour que lorsque nous le collons, il ne tombe pas juste au-dessus de notre clip dans ce calque. Laisse-moi partir. Assurez-vous que c'est la taille exacte ici. Ensuite, vous pouvez simplement copier et coller et tout va se synchroniser. Maintenant, ce que vous allez faire, c'est que vous allez passer par là. Ça a l'air assez ennuyeux. Ça commence à paraître cool, on a quelque chose de constant. Quelque chose que tu irais mieux, en train de frapper. Nous allons regarder les visuels ensuite, en ce moment, ça a l'air un peu désordonné, c'est partout. Assurez-vous simplement d'avoir tous les clips et tous les calques dont vous avez besoin. Ensuite, nous pouvons passer à travers et l'échelonner, et utiliser les plus esthétiques et nous assurer que nous ne sommes pas répétitifs et peut-être tirer des clips d'autres pots qui fonctionnent juste là. Ils aimeraient une certaine zone, assurez-vous de vous enregistrer vous-même en créant le son dans toutes les différentes zones devant la caméra, certains de loin, d'autres de près. Cela enlèvera l'air répétitif. Ici, c'est sur les quatre bars. Maintenant, nous allons vouloir commencer à développer notre mélodie. Notre mélodie entrera alors, et après cela, nous allons introduire une base de référence. Ensemble, nous sommes en train de régler à 20 secondes en ce moment, mais ce que je vais faire à la fin est ensuite une panne rapide d'une piste plus percutante. Je vais créer, disons, 30 secondes de cette version plus simple et simple. Ensuite, je vais aller présenter juste un morceau de musique très avancé à la fin. Passons à la mélodie, jetons un coup d'oeil. On va copier ça. Nous allons passer à l'édition complète. Il est très important de commencer au début d'un nouveau bar. Encore une fois, nous ne sélectionnerons pas « V3" et « V4". Cela va juste la couche bien. On va faire ça pour quatre bars. Le deuxième bar, le troisième bar. Il va simplement copier et coller ces deux barres. On va descendre, on va sélectionner ces deux barres, juste les fichiers audio. Maintenant, c'est plutôt sympa en fait. C'est imprévu. Mais j'ai lentement retiré le rythme de ça, et maintenant ce que nous allons faire, c'est nous allons tout présenter avec notre base de référence. Si nous passons à notre dossier de référence maintenant, par ici, et nous avons un coup d'oeil et de voir. Cela dure déjà deux barres, ce qui rend notre vie un peu plus facile. Je vais aller au montage complet, nous allons venir ici. Tout devrait se synchroniser pour nous. Une fois de plus, nous allons maintenant sélectionner « A5", « V4". Nous sommes assis sur différentes couches. Boom, voyons si ça s'insère. Ce qu'on va faire, c'est recommencer. Nous pouvons faire ce que nous voulons ici, je pense que nous devrions peut-être présenter quelques chapeaux d'abord. Assurez-vous que nous sélectionnons le droit de rouler. Ensuite, par ici, nous pouvons nous décharger de notre coup de pied et de notre piège à pleine force. Assurez-vous juste que tout atterrit sur le rythme. [ inaudible]. Maintenant, si vous supprimez votre piste de clic et que vous écoutez ce que vous avez. Maintenant, nous allons y aller, et je vais juste vous montrer rapidement comment ajouter de la variété et plus de sons ici. Mais tu n'as pas besoin d'aller aussi loin. moment, il s'agit juste de se concentrer sur le bon timing juste pour un rythme rock simple. Ensuite, nous allons commencer à ajouter des éléments supplémentaires et des séquences vidéo supplémentaires. Mais pour l'instant, laissez-moi vous montrer rapidement comment vous pouvez prendre ces outils. Du jus d'orange. Bonjour. Maintenant, nous pouvons tout ramener à un calque similaire, juste pour resserrer et [inaudible] ou éditer un peu. Ensuite, il s'agit de chercher le noir [inaudible] dans votre édition à, vous voulez remplir avec différents sons. Si nous voulons chercher différentes chansons de friture, nous allons passer à notre clip complet, et nous allons regarder n'importe quoi où nous avons le poêle ou juste quelque chose qui va nous donner cette idée de friture. On y va. Laisse-moi prendre ça, copie. Rappelez-vous simplement avec des vidéos comme celle-ci, vous avez besoin d'une désélection de l'audio, qui est appelé délier. Vous faites un clic droit, vous descendez ici à « Unlink » accueil, vous faites défiler vers le bas jusqu'à l'audio, cliquez dessus et supprimez. On y va. Jetons un coup d'oeil ici, utilisons-nous ceci pour combler les lacunes vides. [ inaudible]. Une fois que vous êtes satisfait de votre clip et que c'est terminé ici, juste avant l'exportation, nous allons sélectionner ce que nous appelons une vignette. C' est ce qui attirera essentiellement les gens à venir regarder votre vidéo sur votre mur Instagram. Maintenant, la façon dont les vignettes fonctionnent avec les vidéos, est la toute première image, est ce qui devient votre miniature. Ce que je fais est juste frotter le clip jusqu'à ce que je trouve quelque chose qui semble intéressant, quelque chose peut être drôle, quelque chose sur lequel je cliquerais. Je vais et je sélectionne une capture d'écran de ça, que je vais vous montrer comment faire maintenant et le mettre et juste en faire un cadre vaut la peine. C' est très important ou bien quand vous le téléchargez sur Instagram, il va juste sélectionner son propre visuel, et il peut ne pas convenir à votre flux. Ce que tu fais, c'est que tu trouves le clip que tu aimes. J' aime ce clip de moi qui jette un œuf. Ça a l'air très intéressant, où c'est comme s'éclabousser comme ça. Je vais sélectionner cette petite caméra chauves-souris et « Exporter le cadre ». Je vais l'enregistrer dans mon fichier en tant qu'exportation de vignettes en tant que Jpeg. Boum. Fait. Maintenant, nous allons mettre ça directement, et tout ce que vous avez besoin d'être une valeur de cadres , voilà, nous avons notre cadre. Maintenant, ce que nous allons faire est, nous allons exporter le fichier, « Exporter », « Media », sélectionner. Super. Nous allons nommer ceci, « Seeing Sounds Skillshare ». Super. Nous allons le mettre dans notre dossier racine. Nous allons sélectionner « Enregistrer ». C'est génial. Ici, il correspond déjà à vos paramètres de séquence pour vous. C' est si bon, et « Exporter ». Boum. C'est ma partie préférée. Prenez une profonde respiration. Vous avez terminé votre projet. Incroyable. Bien joué. 10. Synthèse: Bien joué pour avoir terminé votre leçon de chant avec moi. Juste pour résumer, nous quand à travers cela toute production de film de n'importe quelle taille. Toute création d'un film se compose de trois phases. La pré-production, qui est l'organisation, la courte liste, et la programmation, ainsi que plus tard lorsque vous réalisez films plus importants mettront la budgétisation dans cela aussi. La deuxième phase, la production tourne tout et en fait l'enregistrement et l'ensemble, et la phase finale de la production, la post-production, qui est l'édition de tout ensemble et l'exécution en conséquence. Assurez-vous que vous faites toujours référence. Presque tout ce que vous allez faire, assurez-vous de regarder un clip ou d'écouter un son ou une chanson qui se rapporte à ce que vous essayez de réaliser. Cette chose devrait être pliée très systématiquement et il devrait être facile de la trouver et de l'étiqueter correctement. Une fois que vous sortez pour enregistrer vos sons de chant, assurez-vous de ne faire qu'une seule prise de 20 minutes ou moins. Assurez-vous ensuite de créer différentes séquences, chacune contenant la section qu'elle remplit dans la piste globale. Une fois que vous avez tout exécuté, assurez-vous de sélectionner une vignette convaincante. Cela se fait sur Instagram en prenant votre miniature et en la plaçant comme première image. De cette façon, quand il va dans votre mur Instagram, il mettra en valeur ce premier cadre comme une image et il ne rendra pas votre mur collant, et juste recueillir quelques capture d'écran aléatoire de votre pièce. Ensuite, vous le sous-titrez en conséquence. Assurez-vous d'écrire quelque chose qui est engageant. Poser une question ou parler de certains événements actuels. Maintenant, regardons le projet. Pour ce projet, j'aimerais que vous créiez votre premier projet de sons de chant d'une minute dans le confort de votre propre maison. C' est le meilleur endroit pour devenir à l'aise et gagner en confiance avant de sortir dans de plus grands endroits où vous pourriez avoir à faire des performances devant la caméra, ils peuvent être d'autres autour, et ça commence à devenir un peu plus compliqué. Vous pouvez créer une mélodie à partir de zéro ou essayer de copier une référence exacte, puis prendre 5-10 objets différents de votre maison qui crée soit un rythme, une mélodie ou une ligne de base. L' activité de prendre une maison et l'utiliser comme votre concept global. Pour mon exemple, je fais usage de la cuisine du petit déjeuner. Je vous ai fourni mon document de préparation pour ce genre de tournage. Assurez-vous de le remplir avant de commencer, puis de le charger dans votre espace de travail de projet. Il n'a pas besoin d'être parfait, c'est juste une façon soignée de pouvoir griffonner vos idées et votre genre de flux de pensée consciente avant d'aller de l'avant. Alors, comme moi, prenez ceci avec vous quand vous sortez et vous cherchez des endroits et vous pouvez griffonner des notes et assurez-vous que vous avez ceci quand vous allez dans le tournage, parce que vous oublierez toujours une ou deux choses si vous ne gardez pas de notes. Votre résultat final devrait être un son de chant d'une minute entièrement enrichi de bande son rythmique. J' ai vraiment hâte de voir vos projets. Enfin, c'est une chose assez compliquée à retirer, alors ne soyez pas sombre avec vous-même si ce n'est pas parfait la première fois. Il faut beaucoup de pratique. Mais vous ne pouvez vous améliorer à quelque chose que si vous décidez de commencer. N' oublie pas ton génial. Je suis Dan Mace, et j'ai hâte de voir vos projets.