Réalisation de films à micro-budget : mise en scène

1. Introduction: Salut tout le monde. C' est ma classe sur la réalisation de films à microbudget, qui est la troisième partie de ma série de films à microbudget, qui vous emmène à travers tout le processus de réalisation du film, de la création à la distribution. Dans ce cours, je me concentrerai principalement sur ce que je fais en tant que réalisateur sur le plateau. Si vous voulez en savoir plus sur le processus de scénarisation ou le processus de pré-production, alors je vous encourage à commencer au début de la classe. Donc, vous comprenez les étapes clés qui sont nécessaires avant être prêt à allumer la caméra et à crier l'action. Il pourrait y avoir des mois de travail nécessaires pour vous préparer au succès. Et bien que vous vouliez peut-être sauter l'arme et commencer à tirer, je vous garantis que vous voudrez mettre le travail à l'avance afin que vous ne finissiez pas par le début et non préparé. Si vous avez regardé mes cours précédents alors vous savez, j'ai vécu à l'époque où j'étais un enfant en tant qu'acteur enfant. À l'adolescence, j'ai commencé à créer mes propres films et même participé à des festivals internationaux, j'ai même participé à des festivals internationaux, devenant ainsi un cinéaste primé à l'âge de 18 ans. Mon travail le plus récent a été projeté au BAFTA et avant les festivals de cinéma qualificatifs, ainsi que ma pièce de passion actuelle, Samaritain étant semi-finaliste aux Oscars, Rhode Island International Film Festival . Je dirige aussi une communauté de 1500 cinéastes indépendants ici à Londres où je vis, ça s'appelle Kino court métrage. Et nous offrons une variété d'événements de projection, réseautage, de soutien à la production et le People's Film Festival. Plus d'informations peuvent être trouvées sur Kino short film.com. Assez sur moi. Ce cours est sur vous et sur la réalisation de votre film. Puisque je me concentre sur la réalisation de films à petit budget dans cette série, mon objectif est de vous amener à faire votre film indépendamment de vos limites uniques. Beaucoup de cours essaient de vous faire vous concentrer sur la bonne façon de faire les choses. Ils peuvent enseigner les normes syndicales, en supposant que vous êtes entièrement financé par un studio et que vous travaillez avec une grande équipe où chaque personne peut se concentrer sur les détails de son travail particulier. Mais pour les besoins de ce cours, je vais supposer que vous travaillez avec pas plus de dix personnes. Je comprends parfaitement que certains d'entre vous travaillent peut-être avec encore moins que ça, mais pas de soucis, des films étonnants ont encore été réalisés par une équipe de quelques personnes seulement. Dans cette classe. Je vais aborder très brièvement le processus de pré-production, reprenant là où je me suis arrêté avec la deuxième partie de cette série. Mais surtout, je vais me concentrer sur mon processus, travailler avec les acteurs, travailler avec l'équipe, rythme et l'atmosphère tout en commençant des trucs et des astuces pour réalisation de films à microbudget et quelques bases cinématographiques à garder à l'esprit. Je me concentrerai également sur les courts métrages dans mes analogies et exemples dans cette classe. Et cela ne veut pas dire que ces principes ne peuvent pas être utilisés pour la réalisation de longs métrages, mais je pense toujours que c'est une bonne idée de commencer avec un court métrage si vous n'avez pas d'expérience, vous vous mouillez trop souvent, j'ai vu gens talentueux tourner leurs roues au début de leur carrière. Ils vont chez les producteurs, ils vont chez les agents, ils vont chez les distributeurs, ils vont à des festivals de cinéma. Et partout où ils vont, les portes sont claquées au visage parce qu'elles n'ont ni le portefeuille ni l'expérience. Ce qui me passionne, c'est d'habiliter n'importe qui à faire un film comme une forme d' expression personnelle et comme un moyen de construire un portefeuille pour que vous puissiez progresser dans l'industrie. Très bien, prêt à commencer. 2. Recap: de la préproduction : Documents essentiels: Dans la deuxième partie de mon cours de réalisation cinématographique à microbudget, j'ai abordé les moyens créatifs de lever des fonds et comment décomposer votre scénario en une variété de documents administratifs qui vous aideront à organiser votre production avant votre début. Donc d'ici là, je vais supposer que vous avez créé votre horaire de tournage, votre liste de présélection, vos fiches d'appel, vos contrats et vos côtés. Si vous ne savez pas ce que sont ces documents ou si vous n'avez pas encore préparé le vôtre. Et je vous encourage à arrêter ce cours, à retourner à la classe de pré-production et à commencer tellement à devenir réalisateur. Onset est de rouler avec les coups quand les circonstances de la journée vous lancent une balle courbe, il y aura des changements constants lancés à votre chemin. Il peut y avoir des changements de temps, un acteur pourrait ne pas se présenter. Tu vas devoir trouver des plans d'urgence. Et dans de telles situations, vous allez vouloir tous vos canards d'affilée pour être prêt à pivoter sur un centime vers tout ce dont votre journée de production a besoin. Comme il s'agit d'un processus très réactif, il va être difficile pour moi de vous donner des conseils sur des questions spécifiques que vous pourriez avoir avec vos productions. Donc, si vous avez des questions, s'il vous plaît laisser un commentaire ci-dessous et je vais essayer de mon mieux pour vous aider. Ou vous pourriez être en mesure d'obtenir des conseils de d' autres personnes au sein de la communauté de partage de compétences. En tant que metteur en scène, il sera de votre travail de garder au frais pendant le début quand les choses ne vont pas à la planification. Et vous pouvez utiliser vos documents de pré-production pour les analyser et effectuer ajustements nécessaires pour vous assurer que vous partez avec tous les séquences nécessaires pour couper votre couture ensemble. Rappelez-vous que les deux tiers d'un film qui est parfaitement tourné vaut moins qu'un film complet qui raconte l'histoire complète, qui pourrait avoir des bords rugueux. Une chose que je n'ai pas couverte dans mon cours de préproduction était de répéter avec des acteurs. Et bien que ce soit définitivement un morceau de pré-production traditionnelle, je pense que j'ai décidé de ne pas l'inclure parce que c'est un luxe que beaucoup de cinéastes à petit budget n'ont pas. Si vous travaillez avec un très petit budget, vous pourriez ne pas avoir de temps de répétition et vous devrez peut-être répéter le début avant de faire les tirs. Si vous pouvez répéter à l'avance. Super. Mais dans le but de commencer, je vais maintenant commencer à vous parler à travers mon processus de travail avec les acteurs début. 3. Récapitulation de la préproduction : Casting: Même dans le plus micro budget de productions où vous portez tous les chapeaux, le scénario, la moitié de la mise en scène, la cinématographie, le son. Même dans de telles circonstances, il y a généralement une chose que vous ne pouvez pas éviter un testament besoin de trouver des collaborateurs sur et c'est vos acteurs. Bien sûr, vous pouvez trouver des amis et des familles. Certains ont peut-être plus de talent que d'autres. Mais si vous avez un budget limité à dépenser pour quelque chose, les acteurs seraient l'une de mes premières priorités absolues. Des performances étonnantes peuvent élever le film médiocre et même le film technique le plus impressionnant tombera à plat sur son visage. Si le public n'est pas investi dans vos personnages principaux, public doit suspendre son incrédulité et être convaincu que la scène que vous lui avez montrée est réelle et authentique. Évidemment, sous des contraintes budgétaires, en tant que cinéaste à microbudget, vous n'aurez probablement pas accès à des acteurs professionnels de haut niveau. Mais vous seriez surpris de voir combien d'acteurs de la classe ouvrière, très, très talentueux sont prêts à travailler avec des productions plus petites dont ils se sentent passionnés. Le fait est que vous avez juste besoin de savoir où chercher ce type de talent. Les clubs, les écoles de théâtre et les théâtres communautaires sont un endroit idéal pour trouver des acteurs. Ils sont généralement remplis de gens qui prennent leur métier très au sérieux. Aussi les sites Web comme mandy.com ou même les médias sociaux peuvent faire d'excellentes ressources pour se connecter avec les talents. Sur mon dernier court-métrage, j'ai pu lancer quelqu'un dont le générique précédent inclut la série Netflix, la couronne, juste en le rejoignant sur Twitter et lui demandant s'il serait intéressé à lire le script. Aussi, ne jamais avoir peur de rêver grand. Je ne dis pas que tu vas faire jouer Tom Cruise dans ton prochain court-métrage. Mais ce que je dis, c'est que certains acteurs avec un certain niveau de crédits que vous pourriez penser sont au-dessus de vous ou peut-être intimidés par eux et ne pas les voir était à portée de main. J' ai rencontré une actrice en réseautant. Elle a des crédits chez Amazon Prime et fait du contenu original pour eux, le contenu original Netflix. Et récemment, elle a découvert que les petites productions Indie n'ont plus accès à elle pour des pièces moulées. Elle passe beaucoup de temps à auditionner. Et oui, tu pourrais arriver à Big concert de temps en temps. Mais beaucoup d'auditions pour les acteurs, la majorité d'entre eux finissent en fait par le rejet. Les acteurs ont donc très, très faim d'avoir Onset. Le principal critère qu'ils recherchent s'ils travaillent à un taux réduit va être un Est-ce qu'ils aiment le projet ? Est-ce qu'ils ont aimé le contenu que vous leur fournissez pour exécuter ? Ils aiment la scène ? Et êtes-vous une personne intéressante avec qui travailler ? Est-ce qu'ils voient du potentiel dans votre carrière ? Allez-vous aller de l'avant et pourrait devenir la prochaine grande chose avec laquelle ils veulent avoir une relation précoce. Ce sont donc les moyens de les impressionner. Bon, donc voici mes plats à emporter. Travailler avec des gens qui sont des acteurs. Peu importe combien Hollywood est prêt à payer ces gens. C' est important à quel point ils prennent leur métier au sérieux. Même si vous avez peu ou pas d'argent, tendez la main pour établir des acteurs indépendamment, la réponse est toujours non. Si vous ne demandez jamais, approchez les talents avec confiance et même si vous leur offrez n'est pas digne de leur poste et de leur talent, vous pourriez être surpris de savoir qui vous arrivez à dire oui. 4. Travailler avec des acteurs : Auditioning: Maintenant, l'audition fait certainement partie du processus de pré-production. En fait, je me donne un peu de coups de pour ne pas l'avoir couvert dans ma classe de préproduction. Mais de toute façon, je vais le couvrir maintenant puisque nous sommes sur le thème des acteurs. L' audition a été autour depuis longtemps. Et en parlant comme quelqu'un qui était assis des deux côtés de cette expérience. Ce n'est pas un processus très amusant naturellement avec des productions plus importantes. Ainsi, par exemple, des longs métrages où d'autres producteurs sont impliqués. Donc, vous voulez leurs opinions ou vous avez des investisseurs que vous voulez impressionner dans ces circonstances, vous allez certainement vouloir tenir une audition. Mais pour une production à microbudget, ne vous sentez pas poussé à tenir des auditions simplement parce que c'est la norme de l'industrie pour le faire. Cela ne signifie pas qu'il n'y a pas de choses que vous aurez besoin de vous assurer qu'elles sont dans les capacités de vos acteurs avant de les embaucher. Tout ce que je dis, c'est que tu peux gagner du temps et économiser de l'argent en évitant le processus d'audition. Et il y a un ensemble unique de dynamiques qui peuvent rendre le processus d'audition difficile ou impossible pour certains cinéastes à microbudget. Par exemple, si vous approchez un acteur qui travaille peut rejoindre votre production en tant que faveur en faisant un tarif réduit ou gratuitement parce qu'il croit vraiment en vous et votre projet, alors vous allez vouloir le rendre aussi facile que possible pour eux de vous dire oui. Même au premier de leur tendre la main. Si vous jouez à leur ego et leur donnez le rôle de leur dire que, hé, je pense que vous allez être parfait dans ce rôle, les rôles vôtres si vous le voulez, alors cette flatterie peut aller beaucoup de chemin. Dans de tels cas, la location d'un espace pour tenir une audition est une réduction facile de votre poste budgétaire. Si vous avez des finances limitées, aussi, les auditions ne sont pas toujours la meilleure façon de juger le talent de quelqu'un. Le processus d'audition peut être très, très intimidant et souvent, les acteurs ne font pas vraiment leur meilleur travail dans l'audition. J' ai trouvé que la meilleure façon d'obtenir une image plus précise de la capacité de l'acteur est de regarder leur travail précédent. La plupart des acteurs auront des bobines de démonstration qui contiennent un tas de courts clips pour mettre en valeur leur portée en tant qu'acteur. Ce sont de grandes idées sur leur talent. En outre, consultez leurs sites Web et toute autre pièce de portefeuille qu'ils pourraient avoir. En outre, une chose clé pour moi est qu'il ne s'agit pas toujours de la capacité de l'acteur et avec qui je choisis de travailler. Parfois, c'est plus à propos de la relation de travail entre vous deux et de la façon dont vous vous entendez bien. Donc, plutôt qu'une dynamique de puissance d'une audition, qui est une entrevue d'embauche, vous êtes l'employeur là-bas, l'employé quand il y a peu d'argent, ils n'auront pas cette incitation à jouer. Donc, vous voulez vraiment travailler avec quelqu'un qui est vraiment passionné par votre film et par vos idées. Et la meilleure façon de le faire est d'entrer dans une pièce avec une personne, lui acheter une tasse de café et de demander leurs pensées sur le projet et de voir à quel point ils sont passionnés de s'impliquer dans votre projet de passion. Aussi, soyez prudent lorsque vous parlez avec un acteur. Ne fais pas trop de parler. Faites plus d'écoute, posez-leur des questions intéressantes sur le personnage, sur le film, puis obtenez leurs réactions. En écoutant, vous serez en mesure de comprendre à quel point ils comprennent votre projet et la direction qu' ils voudront probablement prendre leur performance. Évaluez ceci. Et si ça marche pour vous, alors vous venez d'engager votre acteur sans avoir à avoir une audition. Regarder le travail précédent d'un acteur vous donnera une meilleure idée de sa capacité qu'une audition. Lors de la réunion, permettez à l'acteur de partager ses pensées, pour s'assurer que vous êtes sur la même page. 5. Travailler avec des Actors: : répétitions: Typiquement, plus vous avez de temps pour parler de la performance et répéter, mieux ce sera la performance. Bien que dans certaines circonstances atténuantes, une première prise sans répétition peut en fait être plus authentique et plus naturel performance supérieure puis prendre après prise, où la répétition de ce genre de suce la vie hors de la performance dans une production à microbudget où vous tirez des faveurs et demandez une réduction des taux, répétant à l'avance, c'est peut-être un luxe que vous ne pouvez pas vous permettre. Mais quoi qu'il en soit, il n'y a aucun moyen que vous puissiez jamais vous débarrasser de ce processus de répétition même si cela se produit quelques minutes avant de crier à l'action. C' est donc mon processus quand il s'agit de travailler avec les acteurs. Je pense que ce que j'essaie de dire, c'est que si, si je laissais passer l'occasion de rencontrer quelqu'un pour me mettre une vie de courbure pour la mort, tu sais, dans un monde idéal, tu devrais commencer par une table lue dans quelques semaines avant d'être en production. Rassemblez tout le monde et lisez simplement les scripts sans donner de direction aux acteurs. Asseyez-vous et voyez ce qu'ils font. Laissez les acteurs se mettre à l'aise avec le matériel et se mettre à l'aise les uns avec les autres. Après la lecture, il est maintenant temps de mettre la scène sur pied, plutôt que de fournir aux acteurs un peu de blocage, leur dire quand et où se déplacer. Je vais souvent les laisser sentir la scène par eux-mêmes. Je vois d'abord quelles idées uniques ils apportent aux personnages, leur instinct naturel avec le blocage. Et puis j'utilise toutes ces choses et je les modifie jusqu'à ce qu'il soit dans une position où la performance est prête. C' est plus comme façonner et sculpter la performance que dicter la performance. C' est une excellente méthode car elle donne aux acteurs l'impression avoir le contrôle de leurs propres performances, ce qui les rend plus émotionnellement investis dans votre projet. Vous devriez vous réjouir dans le fait qu'un acteur apporte quelque chose à la table au-delà de ce que vous avez vu dans votre vision sont vraiment bien entraînés acteur atteint profondément dans leur expérience pour retirer une lecture émotionnelle d'une ligne qui se sent très authentique pour eux. Et bien que cette lecture ne sonne pas comme vous l'imaginiez dans votre esprit, je vous mets au défi de toujours remettre en question votre intention, voir si la direction que l'acteur tire. C' est une direction intéressante à suivre. Ne dis pas toujours, ça doit être ma façon. C' est comme ça que je l'ai entendu. Monte sur ce mot, finis sur ce mot. Vous allez avoir une performance très, très robotique, non naturelle si vous dirigez ainsi. Donc, certaines des performances les plus infructueuses que j'ai jamais vues ont toujours été basées sur la micro gestion de cet acteur pour essayer de les amener à faire quelque chose de spécifiquement techniquement que vous voulez qu'ils fassent. Dites-leur de s'asseoir d'une certaine façon et ce que leur tête de cette façon et Kauket comme ça. C' est l'équivalent d'une photo maladroite. Je crois que c'est Alfred Hitchcock, qui est célèbre pour avoir fait référence aux acteurs comme capitale et vivra massivement respecter sa contribution au cinéma. Je ne pouvais pas être en désaccord plus. Une de mes citations préférées vient de Paul Schroeder. Et si tu as regardé mon cours de scénarisation, ça devrait sembler familier. C' est vrai dès que tu as commencé à évoluer, à vivre, respirer des êtres humains dans la création, ton film, ça va prendre une vie propre. Les acteurs ne sont pas seulement des morceaux de viande pour produire ou manipuler la matière. D' accord, j'aimerais prendre une minute pour parler de l'utilisation de manipulation comme outil pour obtenir une certaine performance d'un acteur. Certains des réalisateurs les plus célèbres dans le passé ont utilisé Manipulation. Peut-être que le niveau de performance n'était pas à la hauteur de la norme qu'il aurait dû être. Donc, plutôt que de travailler à travers les problèmes avec l'acteur ou le réalisateur décide de mettre l'acteur dans une situation psychologique compromettant afin manipuler l'acteur pour réagir d'une certaine manière. Ou peut-être, peut-être qu'ils n'ont même jamais donné à l'acteur l'occasion livrer une grande performance avant de jouer un jeu d'esprit avec eux, parce qu'ils voulaient faire entrer l'acteur dans ce Headspace qu'ils pensaient livrer quelque chose qui était plus authentique. Par exemple, certains des plus célèbres sont comment Oliver Stone a commencé à agir comme un sergent d'exercice sur le plateau pour donner à ses acteurs une expérience militaire plus authentique ou comment Stanley Kubrick a abusé de Shelley Duvall sur le plateau de la brillance. Depuis que le Chili devolve jouait une femme battue et il voulait que sa performance semble plus viscérale et réelle. Mais pour moi, celui qui prend absolument le gâteau comme le pire serait le dernier tango de Paris. Bernardo Bertolucci, le réalisateur, n'a pas dit à l'actrice Maria Schneider qu'il y aurait une scène de viol. Donc il a commencé et tout ce qu'elle savait c'est que Marlon Brando était soudainement sorti du script et l'attaquait. C' est parce qu'il voulait que sa réaction se sente réelle. Maintenant, évidemment, c'est un comportement professionnel extrêmement contraire à l'éthique d'avoir à l'époque, il était justifié pour des raisons artistiques. Mais je dis toujours que le bien-être psychologique de vos acteurs est toujours plus important. Et si vous embauchez de très grands acteurs, ils peuvent offrir des performances incroyables sans avoir à les manipuler. Embauchez des gens qui sont vraiment bons dans ce qu'ils font, et laissez-les guider leur performance. En tant que réalisateur, c'est à vous de diriger cette performance et de faire ces ajustements sur le plateau. Donc vous allez toujours pour la performance la plus naturelle, mais vous ne voulez pas être un dictateur. Je ne peux pas vous dire combien de fois j'ai demandé à un acteur de me livrer une performance très différente de celle que j'ai vue écrite sur la page. J' aurais pu être un dictateur et dire, non, tu dois le faire à ma façon. Mais le truc psychologique à propos de cela, alors vous leur demandez d'aller à l'encontre de leur instinct naturel. Et c'est là que vous entrez vraiment sur le territoire d'une performance. On commence à se sentir faux. Être le début est un processus de création, mais c'est aussi un processus de lâcher prise ? Oui. En tant que directeur, vous êtes responsable de la qualité de la performance. Et si la performance n'est pas à la hauteur, vous devriez toujours parler. Mais si un acteur vous présente une version différente de celle prévue, alors je vous mets au défi de vous ouvrir à la possibilité de la voir à travers leurs yeux. Souvent, le processus de collaboration offre quelque chose d'infiniment plus intéressant. Ensuite, l'embauche d'un acteur au robot B0 pour apporter la vie dans votre storyboard. De même, en tant que scénariste, une fois que vous avez commencé, je vous encourage à lâcher les mots que vous avez écrits sur la page. Oui. Vous voulez vous assurer que l'acteur reste sur la bonne voie et qu'ils ne tapotent pas le script avec un tas de mots inutiles qui vont affecter votre rythme plus tard. Cependant, votre objectif en tant que réalisateur est d'obtenir la performance la plus authentique. Donc, si les mots doivent être changés pour que cette performance soit plus authentique, et vous devriez certainement être ouvert à le faire. Et ne commande pas que chaque mot que vous avez écrit soit lu exactement de la même façon que vous l'avez écrit. Le public ne fera pas de comparaison de scénario à film. Très bien, donc Tarantino est absolument célèbre pour être un tyran quand il s'agit de s'assurer que les acteurs s'en tiennent à son dialogue qu'il a écrit. Et je pense que beaucoup de cinéastes indépendants qui ont idolisé son talent ont adopté la même philosophie et apporté le même niveau de préciosité à leurs propres scénarios. Donc, même face à un acteur qui lutte pour donner vie à ce peu de dialogue, ils doublent et disent non, tu dois le faire à ma façon. Le point que j'essaie de faire est que ce qui prend la priorité est toujours ce qui fonctionne pour fournir une performance naturelle. Sois moins précieux. Commencez par lire une table, puis mettez la scène sur ses pieds. Rediriger. La performance naturelle est que vos acteurs vous donnent contre dicter la direction ? question votre vision lorsqu'elle est présentée avec des contradictions inspirées collaborateurs de confiance et soyez moins précieux. 6. Outils pour travailler avec des acteurs: Les gens qui font des choses terribles pour préserver leur vie ne peuvent pas être pardonnés. genre de Dieu pardonne n'importe quoi et n'importe qui pour tout ce qu'ils font, peu importe comment Craven maintenant, lâche. Basé. abord, il est important de comprendre le contexte d'un acteur où ils se sont formés en tant qu'acteur de méthode. Ont-ils fait beaucoup de théâtre communautaire ? Sont-ils plus impliqués dans la modélisation et le travail commercial ? Toutes ces choses auront une incidence sur la façon dont vous communiquez avec eux et le type de travail qu'ils ont l'habitude de faire. En outre, apprenez à connaître vos goûts d'acteurs. Quels sont leurs films préférés ? Qui étaient quelques-uns de leurs acteurs préférés ? Ce sont tous des petits morceaux d'information que vous pouvez utiliser pour créer références afin de leur communiquer plus facilement des idées créatives. Dites si, par exemple, un vraiment, vraiment l'amour et le respect pour le travail de Kate Winslet. Et vous savez, dans vos références que vous avez vu le film et il y a une performance similaire que Kate Winslet a donnée dans sa géographie cinématographique. Vous pouvez utiliser ces scènes pour mettre en évidence et illustrer des idées similaires. C' est important parce que la réalisation de films à petit budget se fait à un rythme si rapide que vous voulez trouver le moyen le plus facile d'obtenir une performance le plus rapidement possible. Et comme une note secondaire, c'est aussi une stratégie qui ne fonctionne pas uniquement pour les acteurs qui travaillent avec chaque collaborateur que vous avez. Par exemple, si vous travaillez avec votre cinéaste et que vous savez que vous voulez un tir qui est très Wes Anderson. Et l'autre personne est familier avec le travail de Wes Anderson. Comme je l'imagine, la plupart des cinéastes le sont. Il y a une certaine esthétique qu'ils vont comprendre que tu chercheras. Donc je viens d'un milieu théâtral. J' ai commencé à jouer à l'âge de cinq ans et j'ai probablement participé à plus de 30 productions scéniques au cours de ma vie. J' ai joué un peu sur le film, mais surtout j'ai été intéressé par ce qui se passe derrière la caméra plutôt que de devenir acteur de cinéma. Maintenant, le théâtre et le cinéma sont deux choses très différentes. Mais il y a des choses que j'ai apprises pendant mon temps d'acteur de scène qui, je pense, m'aident à communiquer avec les acteurs lorsque je travaille sur le cinéma. Typiquement, un acteur de théâtre est habitué à exagérer sur scène. Ils doivent exprimer quelques émotions de la première rangée jusqu'à l'arrière de la maison, ce qui signifie qu'ils utilisent de grands gestes larges et une voix très forte. Mais sur le film tout est beaucoup plus confiné. Parfois, la caméra est très, très près et l'acteur peut juste être assis là et avec un mouvement très subtil, vous pouvez comprendre et l'inflexion émotionnelle que si vous le faites plus grand, il se détacherait comme étant très, très faux . Donc, si je fais affaire avec beaucoup d'acteurs de scène, ce que je vais toujours faire est de leur donner presque un baromètre de l'endroit où je veux leur performance. Et c'est toujours refusé s'ils me livrent quelque chose, c'est au-dessus. Il a agi à dix ans et je suis genre, OK, l'instinct était probablement juste, l'émotion était probablement juste, mais ça ne semblait pas assez authentique. Donc, utilisons-nous ça et puis tournons les téléchargements, composez le à un sept ou un six. Cette numérotation des performances comme en fait un, un autre outil de communication très utile que vous avez dans le travail avec les acteurs. C' est pour ça que j'insiste sur cette ligne. Sachez, exactement, toujours donner une direction avec un spin positif. Vous ne voulez pas intégrer les acteurs de la sécurité. S' ils font quelque chose qui ne fonctionne pas, dis quelque chose comme, hey, essayons-le de cette façon et voyons si ça marche. Et faites ces petits ajustements pour arriver là où vous devez aller, plutôt que de faire croire à votre acteur qu'il ne peut pas livrer ce que vous lui demandez de livrer. C' est la façon sûre de mettre complètement une bombe dans la performance et chaque prise va empirer. Je vous promets que les acteurs veulent juste que Ann m'assure qu'ils font confiance et que c'est votre rôle de réalisateur. Ils évaluent constamment leurs performances de l'intérieur vers l'extérieur. Donc la façon dont la performance se sent, donc ils peuvent ne pas être aussi en rapport avec la façon dont elle est perçue par d'autres personnes. Vous, le réalisateur, regardez de l'extérieur, et c'est le genre de combinaison magique de ces deux choses, l'expérience émotionnelle que l'acteur apporte et l' expérience objective que le réalisateur voit. Tu épouses ces deux-là ensemble. Et c'est là que la magie se produit. Et comme vous pouvez probablement le dire, j'adore le processus de travail avec les acteurs et je devrais probablement faire toute une classe sur le simple travail avec les acteurs une fois ma série de micro-budget terminée. Donc pour l'instant, je vais arrêter de parler de travailler avec des acteurs. Je vais passer aux autres aspects de la mise en scène parce que c'est un travail aux multiples facettes où il faut penser à beaucoup de différentes parties en mouvement. Pas seulement des acteurs, même s'ils sont l'une des pièces mobiles les plus importantes. Apprenez à connaître les antécédents de vos acteurs, Apprenez à connaître vos collaborateurs, goûts et films. Utilisez les exemples qu'ils vous donnent comme un outil pour transmettre vos idées dans un contexte qu'ils comprennent et respectent déjà et renforcent toujours la confiance dans vos acteurs. 7. Travailler avec un équipe: En tant que cinéaste à petit budget, vous pourriez être tenté de tourner votre film par vous-même plutôt que de travailler avec une équipe. Eh bien, j'ai construit mon propre portefeuille de directeurs, créant mon propre contenu micro budget. J' ai aussi été sur beaucoup d'autres plateaux de cinéma. J' ai joué et des films, j'ai produit des films pour d'autres réalisateurs. J' ai été le directeur de la photographie sur quelques courts métrages, été l'assistant réalisateur sur un clip vidéo. Et j'ai même été assistante de production et coureur sur grandes productions juste pour que je puisse être avec des gens de l'industrie qui avaient plus d'expérience que moi. J' encourage certainement tous ceux qui regardent à acquérir autant d'expérience qu'ils peuvent commencer, même si ce n'est pas en tant que réalisateur, si vous commencez à ressentir d'autres positions différentes de l'équipage, la quantité de connaissances que vous allez être capable d'obtenir ne vous aidera que quand vient le temps de réaliser votre propre film. Et vous devez communiquer avec d'autres personnes qui sont dans les postes que vous avez occupés autrefois. En réalisant mes propres productions à microbudget, j'ai souvent dû remplir les rôles d'assistant réalisateur, être mes propres cinéastes, de superviseur de script, de producteur, de monteur et plus encore. Je crois fermement que vous devez faire tout ce qu'il faut pour réaliser votre projet et que le manque d'équipage ne devrait pas vous retenir. Mais tu dois commencer quelque part. Je crois fermement que l'apprentissage par la pratique rend parfait, mais en réalisant des films par moi-même, j'ai vraiment appris mes propres faiblesses. Et je crois vraiment que les films sont améliorés quand le processus est collaboratif. Si votre autofinancement de votre propre film, vous pourriez avoir l'impression que vous ne pouvez pas vous permettre une équipe. Et si vous regardez les crédits finaux, faites un film hollywoodien, vous avez raison, vous ne serez pas en mesure de vous permettre une équipe aussi grande. Mais quand même, vous devez savoir quels sont ces postes parce que vous et votre équipe que vous avez allez faire des heures supplémentaires pour remplir toutes ces tâches afin de vous assurer que le film que vous faites est de la plus haute qualité possible. Personnellement, je pense que l'équipage minimum dont vous avez besoin pour faire un bon film est de trois personnes. Utilisez le réalisateur, le directeur de la photographie et un enregistreur de son. Je connais des gens qui ont fait de grands films avec encore moins, peut-être une équipe de deux personnes peut-être seules. Mais je sais d'après mon expérience que j'ai l'impression d'obtenir les meilleurs résultats quand je travaille au moins avec deux autres collaborateurs en coulisses. Ma recette pour un équipage de trois hommes est la suivante. Votre rôle en tant que réalisateur est de travailler avec des acteurs, trouver des angles de caméra et de dire au DOP où mettre le point final de la caméra. Faites attention à la continuité. Concentrez-vous sur la conception de la production, le costume, les cheveux et le maquillage. Réglez le rythme de la journée pour vous assurer que vous êtes dans les délais prévus. J' en parlerai plus tard. Je comprends que les forces et les faiblesses de chacun sont complètement différentes. Et c'est votre travail d'être honnête avec vous-même et de vous demander quels postes suis-je capable d'assumer de façon réaliste mes fonctions de directeur et lesquels ne suis-je pas ? Le rôle des cinéastes est de suivre votre direction et de mettre en place le plan. Vous imaginez. Vous leur dites où placer l'appareil photo, puis laissez-les monter le trépied , installer les lumières, etc. Il est particulièrement important de déléguer ce travail lorsque vous avez besoin temps pour répéter avec vos acteurs sur un grand plateau. Un directeur de la photographie travaillait avec un assistant, un gaffe, ou pour aider avec les lumières. Gaffers ont généralement de l'aide aussi bien appelés meilleurs garçons ou étincelles. Certains DOPS ne font même pas fonctionner la caméra. Ils ont travaillé avec un appareil photo. Le département de la caméra sur un grand film pourrait être énorme. Évidemment, sur les productions à microbudget les plus serrées , le directeur de la photographie, nous allons remplir tous ces rôles. Le rôle de la personne sonore est simple, mais c'est essentiellement d'enregistrer tout le son pour la scène. Et cela inclut l'utilisation d'un micro de boom et a aimé Mike pour attacher aux acteurs. Et je vais entrer plus en détail sur un peu de son dans une partie ultérieure de ce cours. Trouver un équipage est un peu comme trouver des acteurs peut aller en ligne sur les réseaux sociaux ou sur des sites spécialement conçus pour vous aider à trouver de l'équipage comme mandy.com. Et là, vous pouvez vérifier leurs vrais dans leur portefeuille pour juger de leur capacité. Une fois que vous êtes intéressé par certaines personnes en particulier, rencontrez-les en personne et voyez s'ils sont le type de personne avec qui vous pouvez vous entendre. Souvent, les DOPS et les autres membres de l'équipage sont surchargés de travailler sur des concerts d'entreprise et des travaux commerciaux. Donc, si vous leur apportez une histoire narrative sur laquelle vous leur demandez de travailler, cela pourrait être plus intéressant simplement parce que c'est plus amusant à travailler ou parce qu'ils voulaient diversifier leur portefeuille. Cependant, contrairement aux acteurs de mon expérience, très bons membres d'équipage sont beaucoup moins susceptibles de travailler gratuitement ou à un tarif réduit. C' est parce qu'ils viennent souvent avec leur propre arsenal d'équipement qui leur était très coûteux à acheter. Ils doivent donc donner la priorité aux concerts payants afin de pouvoir payer leurs propres factures. Et vous devrez respecter cela puisque vous avez besoin d'équipement pour faire un film, embauche accumulée qui possède leur propre kit. C' est juste logique. Vous dépenseriez l'argent de toute façon pour louer ou acheter l'équipement. Donc, vous pouvez aussi embaucher des gens qui savent comment tirer le meilleur parti de cet équipement. Il sera certainement moins cher que d'acheter l'équipement. Et souvent, ce sera le même prix que si vous étiez juste travaillé pour louer la tête Whitman. À emporter. Au minimum, travaillez avec un équipage de trois hommes. Réalisateur, directeur de la photographie, enregistreur de son. 8. Terminologie pour travailler avec l'équipe de caméra: Avoir confiance en quelqu'un d'autre pour gérer les aspects techniques de la manipulation d'une caméra est une charge complète lors de l'apparition. Un grand DOP prendra votre vision et se concentrera sur tous les petits détails pour s'assurer que votre film est professionnel. Ils vont se concentrer sur l'éclairage, sur le cadrage, sur les fréquences d'images, les expositions choix d' objectifs, le probablement être très opiniâtre sur la caméra qu'ils veulent filmer. Et le désir d'être impliqué dans le look final du film avec gradation des couleurs. Une fois en post-production. Sans dire que vous n'avez pas besoin de comprendre tous ces aspects techniques du cinéma. Mais avec mon style de mise en scène, j'ai toujours trouvé que c'était mon travail d'apporter une vision plus large par rapport à la micro-gestion. Si vous êtes un pavé de DO expérimenté, les prochaines choses que je vais enseigner vont sans doute sembler très, très basiques. Donc, cela est plus orienté vers les directeurs de micro-budget qui sont soit autotournants pour la première fois ou qui travaillent avec un DOP pour la première fois. Commençons par définir ces aspects. Je viens de le mentionner. Choix de lentilles. L' objectif est le morceau de verre qui permet à la lumière d'entrer dans l'appareil photo. C' est la fenêtre des caméras afin qu'il puisse voir et capturer la scène que vous jouez devant elle. Différentes lentilles ont différentes longueurs focales. Un objectif grand angle est essentiellement une fenêtre plus large pour capturer une plus grande partie de la scène. Et un téléobjectif est essentiellement une petite fenêtre qui peut faire ressembler un plan rapproché, même si l'appareil photo est loin. Toutes les lentilles ont un certain nombre de millimètres attachés à eux. Plus le nombre est bas, plus l'objectif est large. Encadrement. Un cadre est les coins de vos caméras. Fenêtre. cadrage est le placement et la position des sujets dans vos plans. Les clichés sont une question de composition, peu comme un tableau, plutôt que de pointer la caméra sur le sujet et de voir ce qui se passe. Vous devez avoir un plan et composer un plan d'une manière esthétiquement intéressante. Le film de cadence a été créé par une série d' images fixes jouées rapidement pour donner l'illusion du mouvement. La fréquence d'images est le nombre de ces images fixes prises par seconde. Exposition. Le film consiste à laisser entrer la lumière à travers la fenêtre de l'objectif de votre appareil photo. L' exposition fait référence à la quantité de lumière que vous laissez entrer. Si l'objectif de l'appareil photo est un œil, l'exposition correspond à la largeur de l'éclairage de l'IA. C' est exactement ce que ça ressemble. Il peut impliquer l'éclairage naturel du soleil si vous photographiez à l'extérieur, il peut inclure l'équilibre, qui n'est pas une lumière, mais plutôt un dispositif pour rediriger la lumière du soleil. Et bien sûr, il y a un mélange de différentes lumières électriques et de gels colorés. Nivellement des couleurs. Une fois le film terminé, il sera coloré classé en post-production. C' est là que vous pouvez vraiment mettre un regard cinématographique spécifique sur le film. Il y a beaucoup, beaucoup, beaucoup d'autres choses que vous pouvez apprendre sur les aspects techniques du travail avec une caméra. Mais pour l'instant, je vais juste te laisser avec ces bases. 9. Choix de caméra et d'objectifs: La première chose dont je vais te parler, c'est la fréquence d'images. Le film traditionnel a été enregistré comme 24 images fixes jouées en 1 seconde pour donner l'illusion du mouvement. L' esthétique de 24 images par seconde est si fortement enracinée dans l'histoire du cinéma que si vous utilisez autre chose, il est susceptible de sembler soit comme une production amateur ou un feuilleton avec les consommateurs ont commencé à acheter des caméras vidéo maison, avait une fréquence d'images de 30 images par seconde. Et donc l'esthétique se sentait très, très différente d'aller regarder un film. Aujourd'hui. À peu près chaque appareil photo avec lequel vous travaillez aura au moins ces deux options, 2430. Même si vous travaillez sur quelque chose comme un iPhone, ils auront ces deux options. Assurez-vous toujours de tourner à 24 images par seconde pour vous assurer que vous obtenez le look le plus cinématographique. Bien sûr, il y a toujours des exceptions à la règle et des caméras haut de gamme incertaines que vous pouvez souhaiter photographier à une fréquence d'images différente, tant qu'il peut ensuite être transféré à 24 images par seconde en post-production, si votre objectif est de vendre votre film de certains marchés internationaux, exiger un taux d'images autre que 24 images par seconde. Ainsi, votre directeur de la photographie peut vous conseiller de photographier avec une cadence différente. Si c'est le cas, assurez-vous d'avoir cette conversation avec votre directeur de la photographie. Donc, à la fin de la journée, vous aurez au moins une version du film qui est la plus cinématographique pour correspondre à votre vision. Parlons maintenant brièvement des choix de l'appareil photo. Vous pouvez photographier sur tout, d'un iPhone à une caméra de cinéma et comme un rouge ou un Alexa aéré, les caméras sont en constante évolution et la technologie étonnante devient moins chère et moins chère. Plutôt que de vous donner mon opinion sur des caméras spécifiques, je vais laisser ça comme une conversation pour que vous ayez avec votre directeur de la photographie ou pour que vous puissiez faire vos propres recherches en ligne. Rappelez-vous que l'appareil photo le plus cher ne signifie pas nécessairement que vous allez faire un meilleur film. Le cinéma est une question de créativité. C' est à propos de la façon dont vous utilisez cette caméra. Ainsi, même un appareil photo étonnant peut faire un film terrible, et même un iPhone peut faire quelque chose qui est incroyable à regarder. Je vais décomposer les caméras en trois groupes. Téléphones, appareils photo reflex numériques et caméras de cinéma. À ce stade de ma carrière, je mets toujours la main sur une caméra de cinéma. Cependant, j'ai connu des prises de vue sur ces trois, je recommande d'utiliser un téléphone photo seulement si c'est votre seul choix ou si cela fonctionne mieux pour des raisons narratives. Par exemple, vous faites un film d'horreur trouvé comme Blair Witch. Oui, le téléphone est déjà dans votre poche. Oui, il y a quelques applications étonnantes là-bas qui font de leur mieux pour essayer de vous donner un regard cinématographique hors du téléphone. Mais d'après mon expérience, je n'ai jamais été entièrement satisfait de mes résultats provenant d'un appareil photo. Si vous avez un budget appareil photo qu'un reflex numérique est beaucoup mieux. Ils sont livrés avec des lentilles amovibles, sorte que vous aurez beaucoup plus de polyvalence. Une grande lentille peut même rehausser la qualité d'un petit Canada. Même si un iPhone tire et 4K et un vieux reflex numérique pourrait ne pas, je choisirais toujours le reflex numérique à cause de ce fait. Et bien sûr, si l'argent n'est pas un problème, alors les caméras de cinéma sont incroyables. Ils sont très compliqués, c'est pourquoi j'utilise toujours un DOP quand je travaille avec eux. Mais les résultats que vous obtenez sont différents de nuit et de jour en faisant votre film d'un look amateur à un look professionnel. Parlons maintenant des choix de lentilles. Si vous photographiez sur un appareil photo doté d'un objectif intégré, il se peut que vous n'ayez pas beaucoup de polyvalence. Cependant, ils font même petit clip sur les lentilles pour iPhones ces jours-ci. Si vous travaillez avec un appareil photo, sachez que le zoom avant via l'application de votre appareil photo dégradera la qualité de votre image. Alors ne fais pas ça. Si vous avez besoin d'un gros plan. Il y a tellement de choix là-bas. Mais la vérité est que vous pouvez faire un film avec une seule lentille si vous êtes si incliné. Idéalement, je recommande la prise de vue avec trois types d'objectifs différents, un objectif grand-angle, un objectif milieu de gamme et un téléobjectif. Si vous êtes attaché pour de l'argent et que vous avez besoin de couper quelque chose que ce téléobjectif serait le premier objectif que je coupe parce que j'utilise généralement le moins. Voici un exemple de ce à quoi ressemblent ces trois types d'objectifs différents. Maintenant, je n'ai pas bougé l'appareil photo dans aucun de ces exemples, tout ce que j'ai fait était de garder la caméra au même endroit et de changer d'objectif. Tous les lentilles ne sont pas créés égaux, mais d'après mon expérience, les lentilles de cinéma de premier plan m'ont toujours donné mes résultats préférés. Un objectif principal ne fait pas de zoom avant ou arrière. Il a juste une distance focale unique définie. Et pour cette raison, c'est généralement une qualité supérieure parce qu'il n'a pas à offrir cette diversité. emporter utilisent toujours 24 images par seconde pour une fréquence d'images. Les appareils photo avec objectifs amovibles sont supérieurs à ceux qui ne le sont pas. Et mon idée LensKit aurait trois longueurs focales différentes, un large, un milieu de gamme, et un téléobjectif. 10. Les bases de la direction et de la composition des prises de vue: Dans mon cours de préproduction, je t'ai aidé à créer ta liste de photos. Donc je vais supposer que vous avez déjà fait ça. Si vous ne l'avez pas fait, vous savez où regarder dans cette classe, je prends une scène d'un de mes films et je disséque tous les clichés que j'ai utilisés pour assembler cette scène. Maintenant, je voudrais me concentrer brièvement sur le cadrage et la composition. Maintenant, comme dans ma section sur le théâtre, je pourrais probablement enseigner à toute une classe sur la façon de diriger la caméra. Mais pour l'amour de ce cours, je vais laisser ça à quelques conseils de haut niveau. Bien sûr, ce sont vraiment des options infinies lors de la mise en place d'un tir, mais une bonne cadrage ne consiste pas seulement à trouver l'angle le plus joli. Vous devez penser à l'image d'ensemble et à la façon dont ces photos s'adapteront une fois assemblées dans la baie d'édition. À titre d'exemple, je vais prendre une scène pour mon court métrage, La dernière confession pour illustrer quelques points. Désolé m longueur. Le trafic en front livre à cette époque de l'année quand on essaie de patients d' un site ou d'un père apparaît, je ne suis pas encore mort. C' est très Duncan ici. Dois-je dessiner les rideaux ? C' est un bel après-midi d'hiver là-bas. Merci. Laisse-moi au moins ouvrir la fenêtre. C' est terriblement étouffant. Tu veux que j'attrape mon bureau de code ? Si vous avez chaud, enlevez votre veste. J' ai tourné ce film d'une manière très classique. Je me suis concentré sur la performance et je n'ai déplacé la caméra que lorsque cela était absolument nécessaire. Ce qui fonctionne non seulement dans le style du drame d'époque, mais il rend également la production extrêmement économique. Plutôt que de me concentrer sur une pléthore de clichés, j'ai travaillé avec mon directeur pour perfectionner une petite poignée de clichés et garder le cadre intéressant avec les performances. Remarquez comment les caractères se trouvent sur les côtés opposés du cadre. Le prêtre prend le côté gauche du cadre et l'homme dans le lit prend la droite. Maintenir cette cohérence tout au long du film, même lorsque vous changez de clichés subliminalement donne au public et à la compréhension de l'espace similaire à regarder les acteurs sur scène, les yeux du public rebondissent entre les personnages comme ils ont une conversation de gauche à droite. Bien sûr, cela semble incroyablement simple et basique, mais vous seriez surpris du nombre de cinéastes à microbudget. cinéastes pour la première fois ne font pas attention à ces règles. public est habitué à diffuser des films en utilisant la même technique. Donc, si vous ne l'utilisez pas, il est très probable que le public le saisira inconsciemment, même s'il ne comprend pas pourquoi, commencera à sentir qu'il regarde un film amateur plutôt qu'un film professionnel. Bien sûr, vous n'avez pas toujours à suivre cette règle. Vous pouvez utiliser le cadrage central, par exemple, où les caractères sont toujours au centre du cadre. Et cela donne généralement un look plus humoristique que vous trouverez dans quelque chose comme un film de Wes Anderson. Une fois que vous avez une compréhension de la façon dont les audiences traitent les informations visuelles, vous pouvez commencer à enfreindre certaines de ces règles et vous amuser un peu tant que vous avez un motif pour le faire. Mais l'orientation gauche et droite des personnages pour les scènes de dialogue est un outil simple et efficace pour commencer. Maintenant, je vais partager deux trucs simples qui peuvent vous aider à encadrer. Le premier est la règle des tiers. Pensez à votre cadre d'appareil photo comme une série de neuf boîtes, une grille comme ça. Maintenant, cette grille a quatre lignes qui se croisent à quatre zones différentes. Ces intersections, ou vos points doux pour l'action. Pensez à mettre les yeux, la bouche, etc. de votre personnage dans ces sections transversales du cadre. Typiquement, cela se traduit par des coups plus intéressants. Maintenant, il y a beaucoup de vidéos sur la règle des tiers. Et je vous encourage à plonger en profondeur dans certaines de ces autres vidéos si vous voulez en savoir plus. Mais pour les besoins de ce cours, c'était plus juste une technique dont je voulais vous faire prendre conscience. La deuxième chose est cette règle de 180 degrés. Rappelez-vous quand je parlais de garder les personnages sur le côté du cadre, même si le Shan ne change pas. Eh bien, un moyen facile de le faire est de suivre la règle de 180 degrés. Imaginez qu'il y ait une ligne tracée sur le terrain entre vos deux sujets. Si vous gardez toujours votre appareil photo placé d'un côté de cette ligne, vous êtes plus susceptible de suivre cette règle. Encore une fois, je vous recommande d'aller regarder une classe complète dédiée à la règle de 180 degrés. Et certains de ces cours vous donneront même des idées créatives pour savoir quand et comment enfreindre cette règle efficacement. De plus, si vous êtes à la recherche de recommandations de livres, les cinq C de la cinématographie sont un excellent livre que je lis quand j'étudie le cinéma. Étant américaine, j'ai décidé de ne pas aller à l'école de cinéma maintenant parce que je ne pensais pas que je n'y apprendrais rien, mais parce que je ne voulais pas passer le reste de ma vie dans la dette étudiante. Ce que j'ai fait, c'est que j'ai commencé à faire des recherches sur les écoles de cinéma que nous enseignons dans le cadre de leur programme d'études. Et j'y suis allé et j'ai acheté certains de ces livres. J' ai lu ces livres moi-même et j'ai commencé à comprendre certaines de ces bases. C' est donc une façon économique de vous offrir l'expérience semi-professionnelle de l'école de cinéma. Une chose que j'ai ratée en ne allant pas à l' école de cinéma , c'est plutôt les liens d'autres professionnels de l'industrie que j'ai rencontrés. Cependant, il y a beaucoup de façons intéressantes de réseauter au sein de la communauté créative. Des festivals de cinéma, des clubs de cinéma, à un éventail de choses que beaucoup des grandes villes du monde offrent. Je pense que l'important est d'être un étudiant tout au long de la vie et de toujours progresser et de toujours grandir. Même si vous en savez beaucoup, vous pouvez toujours en savoir plus. Mais je n'ai pas besoin de prêcher à la chorale ici parce que tu es ici en train de prendre le cours. Donc mes plats à emporter sont la règle des tiers, la règle des 180 degrés. Prenez en charge votre propre éducation. 11. La psychologie des choix de caméra: Maintenant, j'aimerais vous montrer quelques extraits de certains de mes films afin que je puisse illustrer comment certains choix de caméra peuvent affecter l'état psychologique de votre public. Maintenant, beaucoup de choses que je suis sur le point d'illustrer vont sembler très simples et donc très faciles à voler. Mais je vous recommande vivement de voler tout cela qui, selon vous, serait utile dans votre propre cinéma ? Je l'ai fait. Ce sont toutes des techniques que j'ai volées aux cinéastes précédents. Et ils ont bien fonctionné pour moi. Voler comme un artiste. J' ai entendu dire que c'était des passagers temporaires sur ce vaisseau spatial. La nature va continuer à se rétablir sans soft.com. J' ai l'intention d'être un bon compte d'actif. Celui qui ne met pas le vaisseau de chasse le faisant s'infiltrer. Assez d'applications, cette chronologie, la vie et la vie dans la ville. Mais cette prise de vue se termine dans le cadre du montage, que vous photographierez fondamentalement différente d'une scène de dialogue comme l'exemple précédent. Comme il s'agit d'un montage, il n'y a pas besoin de continuité ou de suivre la règle des 80 degrés. C' est juste un tas de photos aléatoires pour montrer le passage du temps et construire le caractère. Ceci, bien sûr, nous libère pour être beaucoup plus ludique en termes de cadrage et en particulier avec le mouvement de la caméra. Beaucoup de coups de feu dans cette séquence sont ce que j'appellerais des coups spéciaux. Donc, des photos que je n'accorderais pas de priorité au début de ma journée de tournage parce que si le calendrier était serré, il y a des façons plus rapides et plus faciles de raconter l'histoire dans ces photos. Les coups de Gimbal ou voyants, mais plus que ça, ces coups racontent une histoire. Souvenez-vous d'abord de l'histoire. Je crois que le mouvement de la caméra doit toujours être motivé. Donc, pour moi, mon tir par défaut est toujours un tir fixe, et je ne choisis de déplacer la caméra que si je pense que je dois le faire à des fins émotionnelles ou narratives, le tir que je voudrais signaler dans la séquence est le tir de Gimbal qui tourne autour du personnage principal. Le mouvement du tir plonge vraiment le public dans le monde du personnage. Nous voyons sa réaction à vivre comme un ermite dans la nature, qu'il est satisfait de cette vie. Et puis nous révélons la nature qu'il admire. Immédiatement, nous sommes plongés dans la rude juxtaposition de la vie de la ville, le personnage jadis conduit. C' est le contraste de ces deux clichés qui en fait une transition psychologique si puissante. Dans le premier coup, vous avez la beauté et le mouvement lisse pas la dimension, la belle partition. Et dans le prochain coup, c'est à la main et agité. Et il y a ce terrible bruit criant. Le mouvement de la caméra a un effet psychologique sur le public. Donc, avant de choisir de déplacer une caméra, assurez-vous de comprendre les effets psychologiques que ce mouvement aura sur vos audiences. Et est-ce l'effet psychologique que vous voulez qu'ils aient en tant que cinéaste à microbudget qui pourrait avoir besoin de couper les coins, ne bougez pas la caméra si vous n'en avez pas besoin. Voici un autre clip du même film, Samaritain, et j'espère qu'il se traduira en dehors du contexte. Parfois, le manque de mouvement crée de la tension pour cette scène, qui concerne un personnage qui s'échappe de la maison. Je voulais garder le public sur le bord de leur siège quant à savoir s'il serait pris ou non dans ce qui est autrement, je suis un film relativement rapide. C' est la seule séquence où la scène entière est un tir qui dure presque deux minutes. Le choix de jouer la scène de cette façon suscite l'anxiété au sein du public. Ils veulent la coupe cambrienne. Ils veulent le temps d'aller plus vite. Ils sont nerveux pour le personnage et comme lui. Ils veulent échapper à la pièce en ne leur fournissant pas l'évasion, vous bâtissiez la tension au sein de ce public. Voici un troisième exemple parmi toute cette horreur, il l'a laissé entendre. Un acte rédempteur. Parle-moi de ça. C' était septembre 1944. Les prisonniers de Hongrie avaient été amenés ici comme toujours, prisonniers, mais les écoles dans le changement dans les chambres, ils non adressés préparation d'un braquage et D Laozi veut que la chambre a été scellée. Cela serait introduit. Combien de temps ça a pris ? 20 minutes jusqu'à ce que le cri de l'écran disparaisse. Les maris tremblant ou sans épouses, les mères debout sur le dessus de ce que les enfants fait sur un emmêlement commando, pyramide mélangée des torses des membres. Et ce matin de septembre a commencé différemment. Encore une fois, c'est une scène très simple. Ce qui le rend intéressant, c'est les effets sonores et la performance est, avez-vous remarqué le zoom lent et presque imperceptible ? Cela aide vraiment à attirer le public. Il leur dit que c'est quelque chose qu'ils doivent faire attention. C' est important. Je voulais garder le public sur le bord de leurs sièges. Plutôt que d'attendre qu'ils se penchent de plus près, j'ai choisi de rapprocher le personnage d'eux en faisant un zoom subtil. Il a également remarqué les coups de réaction. Ces clichés, dont je parlerai plus en cours de post-production, ont vraiment aidé à dire au public ce qu'ils sont censés ressentir par rapport à la scène qu'ils regardent. Il leur donne un point de référence pour se rapporter quand le personnage parle de quelque chose qui est si clairement horrible. C' est comme quand quelqu'un commence à rire dans une salle de cinéma, soudainement d'autres personnes savent que c'est normal de rire dans la file d'attente. Et maintenant, voici un quatrième exemple. Maintenant, cette scène vient d'un film à venir, donc c'est encore un peu rude sur les bords. y a pas eu de classement des couleurs sur la scène et le son n'a pas été mélangé correctement. Mais je veux te montrer ce que je fais ici. Hey, je sais de toute façon, ok, eh bien, j'allais manger un morceau et j'ai pensé, eh bien peut-être qu'on pourrait le faire. Gates et assez fatigué, donc je vais juste cliquer dessus. Et j'ai pensé qu'on pourrait passer par la présentation. Vous savez, dans l'interview, vous semblez avoir du mal à répondre à ces formations. Tu le fais. M. la promotion ? Pourquoi je pense que moi était au-dessus de toi ou quoi que ce soit ? Bien ? Est-ce que c'est oui. Nous n'avons pas trouvé ou la vie nocturne indique que ce dont vous avez besoin est un vrai homme se tenait devant vous et lavait la vaisselle. Cette scène parle d'une invasion de l'espace personnel. Ai-je suivi les règles de cadrage traditionnelles ? Eh bien, oui et non, les personnages commencent par maintenir les côtés de leurs cadres. Mais comme le personnage masculin envahit agressivement l'espace des personnages féminins, je lui demande aussi d'envahir le cadre. Il envahit l'espace du public et rend le champ du public aussi mal à l'aise qu'il fait le champ de l'héroïne. Ceci est un exemple de la façon dont vous pouvez briser le cadrage et les règles pour une raison narrative psychologique très spécifique. Donc, mes plats à emporter sont, toujours déplacer la caméra avec motivation, soit émotionnelle ou narrative motivation. Comprenez l'effet psychologique de votre cadrage et de votre mouvement de caméra. Connaissez les règles avant d'enfreindre les règles. Et n'enfreignez pas les règles sans savoir pourquoi. 12. L'oreille du directeur: Des prises de vue autofocus, des problèmes de continuité , etc., et comment toutes ces choses sont des erreurs. Mais la vérité est toutes ces erreurs sont des choses que la plupart des membres du public pardonneront ou ne remarqueront même pas par rapport à des erreurs sonores qui sont uniques impardonnables dans l'esprit même amateur. dialogue bien capté, mêlé professionnellement aux effets sonores, à l'atmosphère et à la musique peut transformer un film grossier et bon marché en un film de classe mondiale. Cela dit, vous ne devriez pas déléguer le son à un colocataire qui veut s'impliquer dans votre film, mais qui ne sait pas ce qu'ils font. Capturer le son est une forme d'art et quand il est fait correctement, c'est une aubaine absolue en post-production. Parfois, j'ai dû tourner mes propres films alors que j'avais restrictions budgétaires et que je ne pouvais pas embaucher un cinéaste. Mais la seule chose que je n'ai jamais pu contourner, c'est un bon gars du son. Bien que j'apprécie le son génial, je sais que capturer le son et éditer le son n'est pas mon quatre tag. Ce n'est pas mon ensemble de compétences. Donc je ne prétends pas t'apprendre quelque chose que je ne me sens pas qualifié pour le faire. Mais en tant que réalisateur, il est absolument essentiel que vous compreniez ce qu'il faut rechercher chez une bonne personne du son pour s'assurer qu'elle fait son travail et qu'elle délivre le son dont vous avez besoin pour votre film. Voici quelques choses que vous devriez vous assurer que votre personne sonore est en train de faire. Évidemment, il devrait aller sans dire que vous avez besoin d'un bon microphone. N' utilisez pas le microphone sur l'appareil photo lui-même. Un bon enregistrement sonore utilisera une flèche aérienne, un micro d'amour attaché aux acteurs, et peut-être même des micros supplémentaires placés autour de différentes zones de la pièce pour capturer plusieurs couches d'audio pour la scène afin qu'il puisse être mélangé correctement. Le micro de la flèche se rapproche le plus du sujet, il enregistre le plus possible. Le micro de la flèche doit être à peine hors du cadre et son angle doit être directement pointé sur l'action ou la bouche des sujets. Si vous capturez le dialogue, vous voulez enregistrer le son naturel de la plus haute qualité possible pour éviter quelque chose appelé ADR. Adr est quand vous allez dans un studio après la réalisation du film et demandez aux acteurs de synchroniser leurs lèvres avec leur performance. C' est une chose très difficile à obtenir, et cela rend généralement la performance, il semblait très faux. Assurez-vous également que votre enregistreur audio capte quelque chose appelé tonalité de la pièce. Kelvin, trois secondes. tonalité de la chambre est le son du silence dans l'atmosphère particulière que vous filmiez. Mais il n'est jamais en fait silencieux. C' est le petit buzz de l'appareil, la nature, les oiseaux , le vent, etc. Ce sont les sons subtils de faible volume qui sont toujours présents en arrière-plan. Donc, le plat à emporter est, approchez les micros. Utilisez plusieurs micros et capturez la tonalité de la pièce. 13. L'ampleur du rythme: Si vous partiez seulement avec un seul conseil, ce serait ça. Perfectionner. Un seul coup n'est jamais aussi important que de partir avec une série de plans réalisables pour regrouper votre scène. À la fin de votre journée de tournage, vous voulez être capable de décaler avec confiance que vous avez tout tourné dans la boîte dont vous aurez besoin pour regrouper votre scène. Si j'ai appris une chose à propos de la post-production, c'est que souvent vos clichés préférés sont ceux qui finissent sur le plancher de la salle de découpe. Pourquoi ? Parce que dans la création de ces clichés trop souvent, nous nous concentrons sur les rendre flashy pour que nous puissions avoir quelque chose de cool pour nos réalisateurs, Peut-être que c'est un tir de gimble ou peut-être un tir de drone. Mais dans ces cas, vous êtes très souvent moins susceptible de vous concentrer sur l'avancement de votre histoire. Tu donnes plus juste une texture pour impressionner. Et quand quelque chose doit aller au magasin, il n'ira pas. Le tir de drone inutile va s'en aller. Si vous pouvez presser dans un grand coup de poupée en même temps, nous allons alors plus de puissance pour vous. Mais souvent, ces coups finissent par être non essentiels et ils prennent tellement plus de temps à mettre en place que si vous vous concentrez sur eux, vous pourriez très facilement prendre du retard dans votre rythme de la journée et vous ne pouviez pas partir avec les tirs essentiels que vous besoin de raconter votre histoire. D' accord, donc le premier coup de la journée prend généralement le plus de temps. Il faut du temps pour s'installer. Et typiquement, je commence la journée un peu en retard, mais pas de soucis. Je me rattrape une fois que je commence à entrer dans le courant de la journée, typiquement, quand tu casses pour le déjeuner, tu casses ce flux. Donc, quand tu reviendras du déjeuner, il y aura un peu de lol. C' est pourquoi j'essaie toujours d'emballer le plus grand nombre de photos que je peux avant le déjeuner et de rendre mon après-midi un peu plus facilepour mon après-midi un peu plus facile moi-même en termes de quantité de photos que j'essaie de capturer. En outre, l'une des choses les plus rapides que vous pouvez faire est déjà penser à la façon dont la scène va être éditée ensemble avant même de la photographier. Trop souvent, les réalisateurs débutants ou amateurs ne savent pas comment ils vont regrouper la couture. Donc, ils tirent un tas de matériel qui finit sur le sol de la salle de découpe. Ils peuvent commencer à filmer toute la scène quand ils n'ont besoin que des cinq premières secondes de la scène pour établir l'espace. C' est le cinéma à petit budget, il est probable que vous serez l'éditeur. Ainsi, vous pouvez économiser énormément de temps si vous visualisez le montage avant le tournage et ne tirez que les photos, vous savez, vous allez utiliser. Si vous ne savez pas comment structurer une scène à l'aide de l'édition , le temps d'apprendre cette compétence est maintenant avant votre début. Analysez comment d'autres films ont coupé des scènes ensemble et utilisent leurs structures comme plan directeur. Une fois que vous comprenez les principes fondamentaux de l'édition, vous pouvez créer vos propres structures et enfreindre ces règles. Un autre outil de gain de temps pour aider au rythme de la journée est celui du tir non linéaire. Ce que je veux dire par là, c'est que certains réalisateurs filment une scène exactement comme ils l'envisagent. S' ils savent qu'ils veulent commencer par un plan large du côté gauche de la pièce. Ils auront cette photo et ils passeront à la prochaine photo, qui est un médium du côté droit de la pièce. Et puis ils savent qu'ils veulent voir un gros plan de l'autre personnage. Donc il sera tourné du côté gauche de la pièce et ensuite continuer rebondir d'avant en arrière comment ils voient la scène se dérouler dans leur tête. Ce que vous essayez de faire l'apparition est de minimiser la configuration de la caméra et la configuration de l'éclairage. Chaque fois que vous devez déplacer la caméra et déplacer les lumières, cela va coûter du temps. Alors tirez tout ce que vous pouvez d'un côté de la pièce. Même si cela signifie que vous êtes hors de l'ordre dans le script, cela peut signifier que vous demandez à vos acteurs de sauter une partie de la scène, peut-être filmé l'ouverture, sauter quelques lignes de la fin de la scène. Et tant que vous avez fait votre répétition, les acteurs professionnels savent comment le faire. Ils savent où se trouvent leurs arcs dans la scène et ils peuvent entrer et sortir de ces émotions selon le besoin. D' accord, donc mes plats à emporter sont prioritaires. Des plans d'histoire essentiels sur des plans de tours flashy. Réservez des tirs non essentiels pour la fin de la journée au cas où vous courriez derrière et avez besoin de couper votre liste, planifiez votre premier tir de la journée pour prendre le plus longtemps, attendez-vous à un Lowell après le déjeuner, puis gagnez du temps en comprenant comment vous prévoyez d'éditer le film avant de le filmer. Et en tirant tout d'un côté de la pièce avant de passer à autre chose, même si cela signifie tirer hors de l'ordre. 14. Atmosphère sur plateau: Il est depuis longtemps admis dans l'industrie cinématographique que l'apparition de l'atmosphère est très stressante. Mais je suis là pour te dire que ça n'a pas à l'être. Si vous pouvez favoriser l'apparition d'un environnement rapide, productif, positif, encourageant et amusant, alors les collaborateurs s'accrocheront à vous. Au départ, il est probable que vous allez faire beaucoup de travail avec beaucoup de gens qui travaillent gratuitement ou pas cher simplement pour construire leurs portefeuilles. Donc, si vous n'êtes pas agréable de travailler avec vous, vous n'allez pas ramener ces gens à travailler sur vos projets. Et ce que j'ai trouvé, c'est généralement quand vient le temps d'obtenir un concert payant, votre porte d'entrée dans ce concert payant est à travers les relations que vous favorisez l'apparition au cours de l'établissement du portefeuille. Et si tu n'es pas agréable de travailler avec quand le gain payant arrive, tu n'auras pas l'appel. En tant que réalisateur, vous êtes responsable de donner le ton sur le plateau. Certains réalisateurs choisissent de jouer de la musique entre les prises pour que tout le monde s'amuse et qu'ils puissent se détendre. D' autres réalisateurs choisissent de rester très, très concentrés et de s'assurer que tout le monde ne soit pas distrait afin qu'ils puissent rester dans la zone. Les décisions qui dépendent vraiment de vous, quelle que soit votre approche, un élément important est la confiance en direction. Toujours exsuder l'apparition de la confiance, peu importe si vous vous sentez confiant en interne ou non. n'y a rien de pire qu'une équipe qui sent que leur directeur n'a pas de vision. En l'absence de cette vision, bien que probablement commencer à dépasser avec plus de suggestions. Il y aura probablement plus de jeux de puissance. Les membres de l'équipe pourraient essayer d'être le réalisateur que vous n'êtes pas, et ils pourraient faire des fesses et l'ensemble de la production peut rapidement spirale la hiérarchie créative avec un réalisateur sur le dessus est là pour une raison. Et c'est probablement avec une production à microbudget que vous serez aussi le producteur. L' industrie. Souvent, le producteur est la hiérarchie absolue, même si le réalisateur a le contrôle créatif sur le projet. Cela ne veut pas dire de ne pas prendre de suggestions, juste être prêt à diriger, avoir un plan. Et quand votre plan ne fonctionne pas, soyez confiant dans le plan auquel vous passez, plutôt que de laisser cette insécurité se détacher toute la journée de tournage de l'année. Un autre aspect important pour maintenir une bonne ambiance sur le plateau est d'équilibrer les pauses pendant que les passions sont fortes et les gens sont excités de travailler sur un projet créatif, il est courant que les gens oublient de la nourriture. Je veux dire, si c'était à moi un jour de tournage, je ne mangerais probablement rien. Précédemment. J'ai mentionné deux des trois domaines qui étaient les plus importants à prioriser en termes de budget. son des acteurs. Et maintenant, je vais ajouter un troisième aliment. Si vous tirez des faveurs avec les taux des gens, vous ne pouvez pas lésiner sur votre budget alimentaire. bonne nourriture rend le casting et l'équipage se sentent très appréciés pour leur travail très acharné. Et je ne parle pas seulement des repas, je parle d'avoir des collations et des boissons disponibles aussi. Idéalement, ce serait génial si quelqu'un pouvait se concentrer uniquement sur la nourriture pour que vous puissiez vous concentrer sur les choses créatives, mais ce n'est pas toujours le cas. Il y a beaucoup de fois que j'ai tourné toute la journée et puis cuisiner le dîner de pâtes pour tout le monde veut tirer le jour a été fait. Tu dois faire ce que tu dois faire. Donc, mon plat à emporter pour celui-ci est simple. C' est juste un autre centré, pas un égomane. 15. Enregistrer vos séquences d'images... NOW! !: D' accord, donc j'édite tous mes films et dans ma prochaine partie de la série micro budget, je vais vous enseigner mon processus de montage. Donc la chose dont vous avez besoin pour éditer un film, c'est bien sûr, vos séquences. Selon la façon dont vous capturez des séquences, il est probablement judicieux de programmer plusieurs pauses tout au long de la journée pour transférer ces séquences sur plusieurs disques durs afin de s'assurer que vous les sauvegardez et que vous ne perdez rien. Un grand ensemble hollywoodien, il y a une personne dont le seul travail est d'être un wrangler de données et de transférer des images sur des disques durs. Maintenant, sur un micro-budget, ça va être vous-même ou peut-être vous êtes DOP. Si vous avez assez d'espace pour capturer tous les séquences sur Peut-être une carte SD ou tout ce que vous filmez sans avoir à faire de vivres pendant la journée. Assurez-vous toujours que vous jetez des séquences à la fin de la journée. La dernière chose que vous voulez faire est de vous sentir confiant dans la petite carte SD et de l'oublier. Et quand tu vas monter ton film, tu réalises que quelque chose lui est arrivé. J' ai déjà perdu des images à l'occasion, et ce n'est pas une bonne position pour y être. Transférez immédiatement vos séquences sur votre disque dur et sauvegardez toujours les séquences sur un deuxième disque dur, puis renvoyez ce deuxième disque dur chez vous avec quelqu'un d'autre. Ils ne sont donc pas stockés au même endroit. Aussi, ne soyez pas paresseux dans le transfert audio vers les mêmes disques durs. Le transfert de séquences peut parfois prendre des heures, mais l'audio prend quelques minutes. Assurez-vous donc toujours que toutes vos pièces sont sur le disque dur pour séparer les disques durs, séparer les endroits. 16. Conclusion: Merci d'avoir regardé. J' espère vraiment que vous avez trouvé cette classe utile quand il s'agit de cinéma. Vous pourriez continuer et encore parce que c'est un processus si complexe. Mais j'espère que mon processus unique au moins assez d'un aperçu pour commencer et vous inspirer à aller là-bas et faire votre film indépendamment des ressources limitées dont vous disposez. Une fois que ma série de micro-budget en cinq parties sera disponible en ligne, je vais probablement commencer à créer plus de classes qui plongent dans certaines minuties de la production. Alors gardez un œil sur eux. Si vous avez trouvé cette classe utile, s'il vous plaît envisager d'écrire un commentaire pour cela afin que d'autres puissent le trouver. Et j'ai promis de ne pas prendre trop de temps avant de créer ma prochaine partie de la série et de la mettre en ligne, qui va être en post-production. Donc si tu regardes ce cours et que ça fait quelques mois que je l'ai posté. Vous voudrez peut-être regarder autour de cette classe, peut-être disponible. Si ce n'est pas le cas, ça arrive bientôt. Merci d'avoir regardé.