Raconter des histoires en photos : utiliser la couleur, le contraste et l'échelle

1. Introduction: Souvent, je reçois cette question, quel type de photographe êtes-vous ? J' ai tendance à geler quand les gens me posent cette question parce que j'ai l'impression que c'est trop spécifique. Je veux photographier ce qu'il y a là-bas, ce qui reflète les cultures dans les quartiers où je suis. Salut, je m'appelle Cyn Lagos. Je suis photographe de rue et graphiste. Souvent, nous nous concentrons sur la maîtrise technique de la photographie ou d'autres métiers d'art visuel. Mais grâce à la narration, vous pouvez vous connecter avec les histoires de nombreuses personnes, et vous pouvez également vous connecter avec le public qui interprète vos images. Dans cette classe, nous allons apprendre trois techniques visuelles : la couleur, le contraste et l'échelle. Nous allons également apprendre à organiser vos coups de héros, et nous allons apprendre à éditer conceptuellement. Je pense que s'approcher de ces rues à travers une optique de technique visuelle est très utile pour moi parce qu'il me permet de porter des images d'une manière différente. Parfois, nous nous sentons très dépassés quand nous étions dans les rues dans l'agitation ; il y a tellement de choses à photographier. C' est presque comme, par où est-ce que je commence ? Mais quand vous êtes capable de penser en termes d'échelle, de contraste, de couleur, vous commencez à vous concentrer sur ces phases et à laisser de la place à quelque chose de spécial pour vous surprendre. Ce cours s'adresse aux photographes en herbe, aux artistes visuels en herbe, qui veulent améliorer leurs compétences en narration et qui veulent développer leur savoir-faire artisanal. Je suis vraiment excité de rejoindre la classe. Commençons. 2. Pourquoi utiliser le langage visuel ?: Le langage visuel est une forme de narration. En tant que photographe, vous êtes le seul témoin des moments que vous avez capturés. Mais en réfléchissant aux choix d'édition que vous faites, vous pouvez aider le spectateur à interpréter les histoires de vos photos. En considérant le moment où vous avez capturé la photo, et en la prenant vraiment dans le laboratoire de montage, cela vous aidera à faire des choix d'édition plus conscients et vous aidera à devenir un conteur plus puissant. Il est important de reconnaître le langage visuel dans le monde, car il vous aidera à porter les images lorsque vous êtes submergé par la quantité de stimuli qui est là pour photographier. Cela vous aidera également à comprendre comment vous allez prendre votre meilleur photo dans la salle de montage. Donc, en tant qu'Américain de deuxième génération, j'ai toujours été très intrigué par la diversité des cultures, donc souvent je n'étais pas toujours prêt à parler leur langue particulière. J' ai eu la chance de rencontrer quelqu'un qui parlait espagnol, mais j'avais une connexion très spéciale qui était visuelle. Quand je mets quelqu'un devant un mur que je trouvais intrigant, tout ce que j'ai à faire est de lui montrer l'arrière de mon appareil photo, et tout de suite, ils se sentent comme mon ami et non comme un ennemi et ils sont prêts à me suivre et ils eux-mêmes sont intrigués par cet équipement que j'ai devant moi, mais surtout parce que je suis aussi enthousiaste à propos de qui ils sont, qu'ils sont à propos de qui j'essaie d'être. Je pense que lorsque vous étudiez la photographie, il peut être très intimidant d'être dans un espace où vous devez vous mettre sous les projecteurs, surtout quand il s'agit de photographier des étrangers ou même quelque chose d'aussi petit que de photographier un emplacement. Alors que je continue à explorer différents quartiers, je me suis retrouvé en gardant continuellement une liste d'esprit restreinte. Ces présélection impliquaient des techniques visuelles. Cela m'a permis de trouver des espaces spécifiques qui reflétaient peut-être l'échelle, contraste, la couleur, mais pas trop précis où je ne laissais pas place à une surprise spéciale le long du chemin. Par exemple, échelle. Souvent, je suis dans un espace où je me sens tellement débordée parce que les bâtiments sont très grands, ou je suis dans un espace qui ressemble à la grandeur. Donc, je dois m'arrêter et me dire, « Quelle est cette émotion et comment puis-je traduire ça dans un espace 2D comme une photographie ? » Cela signifie parfois que je dois aller de l'autre côté de la rue et essayer de capturer la plus grande ampleur de cet espace. Donc, en gardant à l'esprit que la technique visuelle ou d'autres comme la couleur, le contraste et les motifs, je suis capable de juste comprendre ce que je dois faire à ce moment pour pouvoir capturer cela et le traduire dans mes images. Nous avons tous ressenti ce sentiment de  : « Je ne sais pas vraiment comment commencer. » Nous voulons tout planifier parfaitement avant sortir de la maison avec un appareil photo à la main, avec le meilleur soin à la main, mais il ne s'agit pas tellement de dire, « Je vais photographier une personne de ce calibre aujourd'hui, ou je vais essayer de trouver la lumière spécifique. Ce qui vous aidera vraiment, c'est de garder à l'esprit les techniques comme liste restreinte et cela vous permettra de simplement dire, « C'est une technique juste là. Je viens de trouver un projecteur et ça reflète un certain contraste. Maintenant, je sais quoi faire parce que ce n'est peut-être pas le sujet le plus intrigant, comme , disons, un produit très brillant ou un beau modèle. Mais parce que vous vous concentrez sur les techniques globales, vous traduisez déjà quelque chose d'un peu plus particulier et cela aide le spectateur que de parcourir vos images d'une manière plus gracieuse. Ensuite, nous sélectionnerons cinq images que nous étudierons pour voir les progrès que nous avons déjà réalisés et voir les techniques visuelles que nous utilisons déjà. 3. Étudier vos photos: Dans cette leçon, nous explorerons les normes techniques et significatives, les normes de l'industrie par rapport à votre expression artistique individuelle. Lorsque vous capturez une photo, nous pensons souvent à ce qui est correct, quelle est la bonne façon d'aborder une photo ? Ce sont donc habituellement les normes de l'industrie que nous avons tendance à appliquer. Ce que je veux faire dans le cadre de cette exploration, c'est que je veux vous encourager à considérer quelle est votre expression artistique individuelle ? Donc, je vais vous montrer cet exemple. Donc dans ce cas, cette photo a été prise à Miami, ce qui, si vous savez, nous n'avons pas de collines. Mais la raison pour laquelle je voulais faire ce changement et en fait pas avoir cette norme spécifique de l'industrie de dire que je dois aligner le paysage. Dans ce cas, je voulais déformer ce paysage. Je voulais créer l'espace où je me sentais au moins quand j'ai approché de cette photo, j'avais l'impression que ce type avait du mal ce matin là. J' avais l'impression qu'il était en panne. J' ai donc voulu y réfléchir pendant mon processus d'édition. J' ai décidé d'enfreindre la règle standard de l'industrie. J' ai déplacé le paysage pour vous faire sentir que c'était une lutte pour lui de monter. J' ai fait la même chose en ce qui concerne le processus d'édition. Donc je veux que vous pensiez à ce qui est significatif par rapport à ce qui est juste une distinction technique. Pensez à la façon dont vous voulez aborder cette idée et à la façon dont vous voulez traduire certains des sentiments importants que vous souhaitez inclure dans vos photos. Dans cette photo, eh bien, je voulais vraiment me concentrer sur l'aspect d'échelle de tout cela. Quand je suis entré dans cette scène, il s'agissait de regarder vers le haut. C' était presque écrasant. Beaucoup de gens qui étaient là avaient tendance à se concentrer sur photographier ce type en particulier ici, qui est le vaisseau. C' est une nouvelle pièce d'architecture à New York. Je voulais vraiment créer le degré de contraste que j'ai ressenti entre ce tout nouveau bâtiment et les anciens bâtiments traditionnels derrière lui. Mais aussi, comment puis-je mettre en valeur l'échelle, était ma plus grande question. J' ai senti qu'en amenant ce type, en fait, si tu étais là, tu sais que c'est vraiment, vraiment, gros. En amenant ce gars aux tiers inférieurs, j'ai senti qu'il montrait combien cet espace était vraiment grand. C' est une façon d'explorer ça. L' autre chose, c'est que vous pouvez voir ces petits gens ici, et ça vous donne un sens de l'échelle parce que nous connaissons tous l'échelle d'un crayon ou d'un être humain. Donc, en incluant ces sujets particuliers, vous pouvez mettre en valeur une échelle. Donc c'est une de ces photos où j'ai eu tendance à marcher par ce petit chemin encore et encore, et les conditions de lumière n'étaient pas tout à fait là. J' ai été très intrigué de voir l'espace tout le temps parce que c'était toujours ce beau ciel bleu vif et ce contraste rouge. Donc, quand il s'agit de la façon dont j'approchais déjà cette scène particulière, vous pouvez voir que ce n'est qu'un mur. Donc le sujet n'est pas particulièrement ce que je cherchais. J' ai été très intrigué par le contraste de couleur qui était toujours là malgré le froid du bleu et la chaleur du rouge. C' est une façon de créer de l'intrigue et de créer ce degré de contraste. Un jour, j'ai été agréablement surpris parce que quelqu'un avait laissé l'échelle là-bas, et je me suis pointé. Je voulais juste une horloge pour obtenir cet angle très frappant de l'ombre, qui a ajouté à ma valeur de contraste que je cherchais vraiment. J' ai donc pu inclure de nombreux éléments qui allaient créer de l'intrigue pour que le spectateur puisse voir plus tard. Je suis très, très friands de cette photo, et je pense que celle-ci est un exemple très juste comment en approchant les techniques visuelles, vous êtes capable de créer une photographie très intéressante. Peu importe si le sujet est le plus intéressant ou quelque chose d'aussi simple qu'un mur. Cette photographie a un peu plus de ces éléments intéressants que nous recherchons habituellement. Nous cherchons des gens, nous cherchons des choses qui sont intrigantes. Mais j'aborde encore cela avec quelques éléments, quelques techniques visuelles. Donc je vais vous dire quelques-unes de celles qui sont ici. D' un côté, je cadrais cette image. Je voulais que cette personne soit la cible principale. J' ai donc utilisé ces espaces, les parapluies ici pour encadrer mon sujet. L' œil regarde d'abord ici au centre, et heureusement elle était au centre dans ce cas. Nous avons aussi un sens de l'échelle parce que comme vous voyez le premier plan, nous avons ces parapluies. Au milieu du sol, nous avons ces autres parapluies ici. En arrière-plan, nous avons ce petit gars qui parachute en parachute ascensionnel. Donc maintenant, vous vous sentez comme ça autrement, l'image 2D a un degré de profondeur et nous avons un sens du premier plan, du milieu et de l'arrière-plan. Cela créera toujours une façon plus intéressante et plus agréable de revoir les éléments qui se trouvent dans une image. En plus de cela, je pense que les palettes de couleurs ici étaient très agréables pour moi parce que tout ici est déjà froid, et puis vous avez encore la chaleur, ce qui, je pense, a toujours été un moyen très utile d'aborder contraste quand il s'agit de couleurs. Quand j'approchais de cette photo, je me sentais très décevante au début parce que je ne savais pas ce que je cherchais. Je sais que j'essayais de documenter mes voyages comme nous le faisons souvent. Mais dans ce cas, j'ai senti que je voulais mieux comprendre comment je pouvais montrer ce que je ressentais d'arriver à New York pour la première fois dans ce cas particulier. Donc, quand j'étais dans la salle de montage, je me sentais très obligé par celle-ci parce que j'ai vu des techniques visuelles partout, j'ai vu un cadrage, j'ai vu des couleurs contrastées. Nous permettons au spectateur de regarder directement à travers cette fenêtre comme s'il était le spectateur de première personne. De plus, j'ai des petits indices d'où suis-je ? J' ai donc l'aile d'avion ici et j'ai cette belle ligne d'horizon qui ne peut être trouvée que dans la ligne d'horizon de New York, qui est absolument magnifique. Donc, cela a été commencé comme une lutte, mais une fois que je l'ai regardé d'un point de vue des techniques de langage visuel, j'ai pu comprendre que c'était une photo précieuse et je devrais aller plus loin et essayer de l'éditer et l'approcher de mon point de vue. Je pense qu'il est très important de revoir nos progrès, peu importe où nous en sommes. Il est bon d'étudier notre propre interprétation des raisons pour lesquelles une photo fonctionne ou ne fonctionne pas. J' aime le faire fréquemment, peu importe le stade de ma carrière photographique, car il est bon de comprendre comment le spectateur serait là et interpréterait vos photos aussi. Je veux que vous regardiez vos images et étudiiez vraiment si vous utilisez déjà certaines de ces techniques. Il y a toujours différentes parties du processus de photographe qui ont tendance à être très difficiles. L' un d'eux prend la photo, mais ensuite, parfois c'est aussi la conservation de vos images. Dans notre prochaine leçon, nous allons organiser nos tirs de héros. 4. Préparer votre photo de héros: Maintenant, nous allons sauter dans Lightroom et nous allons sélectionner notre image de héros. Donc, prise de héros est l'image qui a le plus de potentiel pour vraiment être lu par le spectateur ou être interprété par le spectateur. Cela signifie qu'il inclut plus de techniques visuelles à l'intérieur. Cela ne doit pas nécessairement être beaucoup d'entre eux, mais cela aide le spectateur à interpréter ce que vous essayez de dire avec votre photo. Donc ici, j'ai choisi trois images différentes d'une instance particulière. J' étais dans le métro d'Espagne, et je pensais que c'était très intrigant parce que j'ai trouvé trois sujets différents dans ce scénario. Donc, dans les trois images que vous avez sélectionnées, je veux que vous considériez certaines des techniques particulières que vous voulez vraiment améliorer. Dans ce cas, nous voulons nous concentrer sur le contraste des couleurs ou l'échelle, mais pensez à la façon dont l'échelle serait interprétée par votre spectateur. L' échelle peut parfois signifier des proportions et une hiérarchie. Nous avons une couleur qui pourrait signifier un sentiment de dynamisme, bonheur, ou parfois mystérieux et solennel. Donc, je veux que vous pensiez aux émotions que vous voulez que vos téléspectateurs quittent, puis concentrez-vous sur cette technique et essayez de l'améliorer dans vos photos. Au sein de ces trois images, je me suis trouvé vraiment intrigué par toutes les lignes de tête et vraiment le contraste des couleurs. Quand j'étais ici, j'étais très intrigué qu'il y avait tellement de couleur et un endroit qui serait autrement, au moins d'après mon expérience, a toujours été très plein de gens et sombre et effrayant, un métro. Mais le métro en Espagne était très coloré et certaines personnes y étaient aussi, et je me souviens de ce sentiment de vive voix, donc je voulais traduire cela ici aussi. Penser à la façon dont vous avez ressenti à ce moment vous permettra de considérer laquelle de ces images est plus forte. Parfois, une image peut avoir un sujet très intéressant qui va être votre sélection finale, mais parfois il peut s'agir de choses simples comme des lignes de tête ou un contraste très brutal. Dans ce cas, bien que j'aime vraiment les deux images alternatives, je trouve que l'image du milieu avec le gars dans le chapeau bleu ajoute à cette chaleur et les contrastes de couleurs froides dont nous avons parlé. Donc, nous allons nous concentrer sur cette image dans ce cas. Je veux que vous considériez quelle image de héros vous avez sélectionné et réfléchissiez aux raisons pour lesquelles ? Je vous souhaite la bienvenue pour partager votre image de héros sélectionnée dans la galerie du projet et des commentaires sur le héros d'autres personnes tourné. Faites-leur savoir ce que vous appréciez déjà à ce sujet, quelque chose qu'ils peuvent probablement améliorer dans la salle de montage. 5. Éditer en fonction de la couleur: D' accord. Alors discutons de la couleur. En ce qui concerne la couleur, la façon dont elle est interprétée est très importante, et cela varie d'une culture à l'autre. Je veux que vous y pensiez aussi. Mais certaines des couleurs les plus vives ont tendance à résonner avec énergie, vivacité et bonheur. Les couleurs plus sombres sont un mystère, solennel, et un sentiment d'intrigue. Alors pensez à ces sentiments et considérez ceux que vous voulez adapter à votre image. Dans ce cas, on va jouer avec les deux. Nous allons essayer de voir ce qui se passe lorsque vous créez une image qui a d'une extrémité les couleurs les plus vives, et de l'autre côté les couleurs les plus solennelles. Nous allons essayer de voir quel type d'émotions pour évoquer côte à côte. Alors tout de suite, on va sauter dans les bases. Je vous encourage à pousser le curseur aux deux extrémités et à essayer de voir ce qui se passe et comment vous vous sentez quand il est complètement contrasté. Donc, dans ce cas, lorsque nous poussons le bascule à quelque chose de très froid, vous pouvez commencer à voir déjà que l'émotion est beaucoup différente. C' est très mystérieux. Il peut presque se prêter à un début très effrayant d'un film quand quelque chose de mauvais est sur le point de se produire. Au moins, c'est ma perception. Bien sûr, c'est à vous que c'est votre expression artistique, mais je veux que vous réfléchissiez à la façon dont le spectateur l'interprétera également. Que se passe-t-il quand je pousse le bascule de l'autre côté ? Quelle est cette considération ? Comment vous sentez-vous quand vous voyez les couleurs beaucoup plus chaudes ? J' aime commencer de cette façon parce qu'en poussant les extrêmes, je comprends où je veux prendre ma photo. Si un côté se sent trop accablant , bien sûr, nous allons faire des changements subtils ici à la fin de la journée, mais quand vous le regardez et que vous voyez comment il se différencie des émotions contrastées, vous êtes capable de comprendre ce que des choses que vous ne voulez pas que votre photo inclue. Vous pouvez toujours cliquer deux fois sur la température pour tout réinitialiser. Donc, dans ce scénario, j'ai deux de mes éléments de couleur préférés. Nous avons ce beau jaune. Habituellement, cette nuance de jaune a tendance à se prêter à un certain degré de prudence. C' est formellement utilisé pour ça. Mais je veux créer un contraste entre ce jaune et cette teinte bleue sur le chapeau de ce type. J' ai décidé qu'il serait mon sujet principal. J' ai quelques autres personnes ici, mais il a ce placement très intéressant où les lignes directrices sont déjà établies. Je vais donc utiliser ça à mon avantage. Commençons donc par rehausser certaines des couleurs chaudes. Je vais pousser ça un peu plus vers le plus chaud parce que je pense que ça n'a pas besoin d'être quelque chose de trop intimidant ou effrayant. Dans ce cas, le gars lui-même est prêt à une personnalité de juste, il est détendu, probablement aller travailler. On dirait qu'il a peut-être une œuvre d'art. C' est juste ma perception de ce que pourrait être sa vie. Mais il a l'air d'une personne très créative. Donc, s'il me donnait la personnalité de quelqu'un de très mystérieux, je pourrais vouloir compléter cette atmosphère de la même manière. Donc, nous allons pousser certaines de ces couleurs vers la chaleur ici. Quand il s'agit de l'exposition, si je dois penser à la façon dont les choses sont exposées ou essayer de me concentrer davantage sur les reflets et les ombres. Nous voulons que certaines de ces informations montrent, mais je pense qu'en poussant certains de vos faits saillants vers le haut ou vers le bas, vous pouvez avoir une idée de l'information qui se trouve derrière vos fondations. Encore une fois, je vous encourage à toujours pousser le bascule à chaque extrémité afin que vous puissiez voir ce qui se cache en dessous. En fin de compte, ce n'est que votre fondation et nous ajoutons des couches de couleur, d' échelle et d'autres éléments que nous approcherons bientôt. L' un de mes panneaux préférés est la courbe de ton, car il vous permet vraiment d'isoler les reflets, l'obscurité, les ombres. Toutes les informations qui se trouvent ici peuvent être sélectionnées spécifiquement. Donc, j'aime l'utiliser particulièrement pour le contraste, parce que quand il s'agit de contraste d'ombre et de mise en évidence, il y a un très beau dicton que pour voir la lumière, il faut avoir de l'obscurité à côté. Je pense que c'est vrai dans la plupart de mes images, surtout quand vous jouez avec la lumière. Donc, je veux vraiment donner plus de puissance aux zones sombres et augmenter cette obscurité afin que je puisse faire ressortir certains des faits saillants ici. Soyez toujours conscient de ne pas pousser trop. À la fin, c'est vraiment subtil. La partie où vous testez peut être poussée de chaque côté, mais à la fin, vous voulez vraiment que l'édition soit très, très subtile. J' aime la façon dont ça ressemble maintenant, alors on va passer à la couleur. Donc, dans ce domaine précis, je pense que c'est vraiment bien de pouvoir dire, ok, je veux juste que ce chapeau bleu soit isolé. Je veux que ce bleu soit quelque chose qui complète le jaune qui l'entoure. Donc, vous pouvez voir comment en poussant ce bleu, vous détectez même des bleus en arrière-plan. Si je l'ai fait un bleu plus foncé, et c'est une chose de préférence, je pense personnellement que le rapprocher d'un plus chaud, plus vert-bleuâtre complète le jaune de l'autre côté. Pensez donc au spectre des couleurs quand il s'agit de cela, et les couleurs complémentaires amélioreront toujours la façon dont les couleurs se marient ensemble. Alors nous allons sauter sur le jaune pour pouvoir isoler cette couleur. Donc le jaune ici, comme je l'ai dit, au début, c'était une sorte de jaune très pointu qui semblait être prudent, mais je ne veux pas ça. Je veux que ce soit une image agréable. Donc je vais le pousser un peu plus près des couleurs orange et faire ressortir la luminance. Ce que fait la luminance, c'est qu'elle fonctionne avec des lumières, donc si vous la poussez vers le bas, elle supprime presque la lumière qui existe dans cette couleur spécifiquement, et elle l'amène aussi si vous la déplacez dans l'autre sens autour. Vous pouvez toujours appuyer sur la barre oblique quatre, pour voir votre avant et après et avoir une idée de l'endroit où vous allez. Split toning est également un moyen très intéressant d'ajouter couleur plutôt que de sélectionner les couleurs qui sont déjà ici. Vous pouvez inclure quelques couleurs supplémentaires. C' est presque comme brosser un peu de lumière ambiante, comme s'il y avait un faisceau de lumière jaune ou de lumière bleue quelque part autour de l'image. J' aime créer le sens de la nostalgie en ajoutant ces éléments de rouge, bleu ou de vert qui existaient dans photographies de films afin que je puisse lui donner une valeur historique. Même si cette image a été prise avec un appareil photo numérique, qui n'a pas ce type de structure, ces imperfections ont été enracinées dans le public. Je pense que ce sont d'excellentes façons d'améliorer votre photographie, créer et d'ajouter ce degré de symbolisme. Donc, en jouant ici, vous pouvez voir comment il juste ajouter, il crée un tout autre humeur. Si nous sommes passés au vert, il semble très, très différent. Donc j'aime beaucoup ce bleu, il complète presque tout le jaune qui est ici. Donc je vais le laisser ici pour l'instant. Vous pouvez également jouer avec cette section pour voir comment il peut mieux être intégré dans l'image, et vous laissez juste le programme faire son truc en découvrant quelle teinte de bleu fonctionne vraiment mieux avec l'image. J' aime ça ici. Donc, en revenant ici, je pense que je perds une partie de ce contraste les ombres et la zone de lumière qui est ici, et je veux vraiment créer un contraste parce que cela va permettre à ces couleurs plus vibrantes de passer. Revenons donc à la courbe de tonalité et ajustons. Vous n'avez pas toujours à suivre cela dans l'ordre. Ça ne commence pas ici et ne finit pas ici. Il s'agit vraiment d'analyser votre photo et comprendre où vous pouvez ajouter et soustraire. J' aime la façon dont ça a l'air. 6. Régler le contraste: Une chose que nous pouvons faire pour améliorer certains des contrastes et pour que l'œil aille directement à notre sujet, c'est que nous pouvons choisir l'outil de brosse ici et tirer vers le haut cette flèche ici. Vous pouvez vous concentrer spécifiquement sur l'une de ces fonctionnalités. J' aime regarder peut-être les ombres et de cette façon, vous pouvez brosser certains de ces détails ici et juste vous concentrer sur cette zone par opposition à l'image entière. C' est presque comme esquiver et brûler dans Photoshop, mais c'est un peu plus subtil et c'est vraiment juste ramasser les informations d'ombre qui sont déjà là et vous permettre de simplement déplacer d'avant en arrière et de vous laisser décider si vous veulent garder ça. Lorsque vous créez des ombres et des reflets dans votre sujet, cela les rend presque un peu plus tridimensionnels, car ils créent maintenant ce projecteur presque spécifique sur eux. Dispersez ça un peu plus. Toutes ces ombres sont déjà là. Ce n'est pas peindre le taureau sur quelqu'un, c'est juste sélectionner spécifiquement les ombres dans la citation que vous voulez qu'elles soient plus claires ou plus foncées. Donc, vous pouvez voir là ce qui se passe si je pousse dans l'autre direction opposée, et déjà il se distingue beaucoup plus qu'il ne l'était avant. 7. Utiliser l'échelle: Rappelez-vous avec l'échelle, nous allons déterminer l'aspect le plus important de votre image. Nous allons également déterminer la proportion de votre image. Commençons donc par utiliser l'outil de recadrage. Il y a beaucoup de rapports différents. Je n'aime pas être plus précis sur les ratios. J' aime jouer avec mais je veux que la hauteur soit, et être plus ludique avec elle. Donc on va sauter ici et essayer de voir à quoi ça ressemble si je mets mon sujet au centre. Eh bien, dans ce cas, on a tendance à perdre un peu cette hauteur. Vous pouvez appuyer sur ce bouton ici pour déverrouiller le ratio, et nous pouvons le faire, cette section un peu plus haut et plus grand. Alors à quoi ça ressemble si je fais ça ? Ce n'est pas aussi agréable à regarder et le fait d'être au centre n'est pas aussi intéressant parce que vous avez tous ces autres sujets au premier plan, ce qui les rend plus importants. Alors jouons avec un autre type de composition. Et si je l'avais à l'intersection du coin le plus éloigné ? Peut-être qu'on peut effacer ce type au premier plan pour qu'il ne soit pas aussi distrayant. Nous devons penser au recadrage comme un moyen d'ajouter ou d'effacer des éléments qui peuvent aider le récit ou parfois supprimer ces distractions. Alors jouons avec ça et voyons à quoi il a l'air s'il est si loin. Je pense que ça me plaît beaucoup plus. Alors pensons à ceux du côté de la ligne de tête. Nous sommes très intéressants au tout début. Donnons-leur un certain niveau d'importance aussi. J' aime inclure les lignes de début quelque part sur les bords mêmes de mes sections de recadrage, sorte qu'il semble qu'elles continuent. J' aime ça. Il y a une petite partie inférieure ici qui est plus sombre et qui est distrayant. Ce n'est pas aussi égal que les autres éléments de l'image. Alors je vais essayer de découper ça. Cela me semble déjà beaucoup plus agréable. C' est très minimaliste et tout de suite l'œil est attiré par les lignes qui semblent me dire de regarder vers le ciel et le chapeau. Donc maintenant, nous avons créé un sentiment de profondeur et importance et aussi un sens de proportion parce que nous n'avons pas effacé toutes les zones en haut de l'image en essayant de nager dans cette personne en particulier. Nous laissons cette personne être dans cette atmosphère. Cela accueille le spectateur non seulement pour voir votre sujet principal, mais aussi les atmosphères dans lesquelles il est assis. 8. Mettre tout en œuvre: Alors nous allons tout rassembler et nous allons faire quelques ajustements et créer nos presets. Comme nous sommes arrivés à quelque chose que nous aimons, je pense qu'il est important de revoir certains de ces paramètres et essayer de revisiter et de créer plus de subtilités. Je vais donc jouer un peu plus avec mon contraste ici avec les reflets et les ombres, et je veux aussi que ce jaune passe un peu plus. Je vais donc augmenter cette vibrance et visiter aussi la section jaune en couleur. Le HSL, et le faire ressortir un peu plus à, ok, j'aime ça beaucoup plus, et puis notre split toning, on avait du bleu. Vous pouvez voir ici en appuyant sur la touche Y, quoi il ressemblait avant et après. Nous pouvons également faire le bouton barre oblique avant pour voir votre avant et après, et vous verrez comment nous avons augmenté beaucoup de contraste, et fait ressortir certaines de ces couleurs, et nous avons plus d'accent sur notre sujet. L' une des raisons pour lesquelles nous voulons créer une édition conceptuelle est parce que nous pouvons traduire mêmes modifications dans les autres instances de cette même image. Donc, par exemple, si nous voulions l'inclure dans certaines de ces photos, il doit déjà voir mes conditions, donc cela va bien jouer et inclure toutes les décisions que nous avons prises sur notre photo précédente. Commande C, copie, puis commande V pour coller, et vous pouvez voir comment cela ajoute la même couleur aux autres images, augmente le contraste, il ajoute certaines de ces valeurs de couleur. Une fois que vous êtes arrivé à vos modifications finales, vous pouvez toujours la revisiter et faire vos derniers réglages pour ajuster l'éclairage et le contraste à votre goût. Rappelez-vous, c'est votre expression individuelle. Donc, essayez toujours d'inclure cette finesse finale qui va en faire la vôtre. C' est donc ma finale et je pense que cela rassemble vraiment beaucoup des idées initiales que j'avais sur mon sujet. Je voulais qu'il envoie, je voulais que les lignes directrices passent vraiment et soient la première chose que le spectateur interprète. Mais je voulais aussi rendre l'ambiance beaucoup plus dynamique car ce que j'ai perçu de ce personnage particulier était quelque chose de très créatif et excitant. Il est sur un chemin ou un voyage vers quelque part, et je veux que le spectateur fasse l'expérience et ait la même humeur et le même sentiment. Donc, nous pouvons faire maintenant est de sauvegarder nos presets de toutes ces modifications et une façon nous pouvons faire cela est que nous pouvons aller ici pour les presets chercher cette section ici, et nous pouvons appuyer sur le bouton plus et il fera apparaître cette boîte de dialogue, créer un préréglage. C' est toujours la partie amusante parce que vous pouvez voir beaucoup de modifications que nous avons faites et aussi, vous pouvez le nommer le vôtre, non ? Donc, je vais nommer celui-ci Spain Journey, appuyez sur « Créer », et maintenant, vous êtes en mesure de le trouver ici ou vous pouvez également appuyer sur la commande C, copier, et nous pouvons coller ces réglages exacts dans d'autres images qui ont les mêmes conditions d'éclairage. Donc, commandez V pour coller et vous pouvez voir que ces mêmes décisions sont maintenant appliquées à vos autres images. Le contraste, la couleur, les éléments que vous espérez, sauf le recadrage. Donc, vous voulez traiter ces pièces individuellement, copier-coller, et vous pouvez déjà voir le contraste sur cela. En appuyant sur la touche Y, vous pouvez voir l'avant et l'après. Vous pouvez voir les couleurs sont beaucoup plus améliorées, le contraste sur les ombres et les reflets sont très prononcés. Je vous encourage donc à continuer à éditer vos images. Considérez l'histoire que vous racontez. Considérez l'humeur que vous voulez vraiment que votre spectateur s'éloigne et aborde chaque photo individuellement. Il est très important de penser à l'histoire derrière vos photos. Il va faire ou casser vos photos, mais plus important encore, il laisse cet élément, c'est-à-dire votre propre style, vos propres empreintes digitales qui deviendront uniques à votre voyage. Au fur et à mesure que vous modifiez, pensez à la façon dont la couleur changera l'humeur d'une photo, façon dont les contrastes créeront vraiment un degré de drame, et à la façon dont l'échelle détermine les proportions et l'importance de vos sujets. 9. Réflexions finales: Félicitations, vous avez amélioré vos compétences en narration. Aujourd'hui, nous avons appris à étudier le langage visuel dans nos photographies. Nous sommes devenus de meilleurs conservateurs des coups de héros, et nous avons appris trois techniques visuelles essentielles : la couleur, l'échelle et le contraste. Merci de traîner avec moi, continuer à explorer les histoires du monde et de les partager avec nous dans la Galerie de projets. On se voit de l'autre côté. 10. Bonus : retour de Cyn sur le projet: Salut, tout le monde Cyn ici. Je suis vraiment excité. Aujourd'hui, nous allons créer une classe bonus où je vais passer en revue mes projets préférés et vous donner tous les commentaires. Je pense que cette classe vous sera très utile pour voir comment autres ont pu créer des histoires à partir de leurs points de vue, et aussi pour que vous puissiez obtenir quelques conseils sur la façon dont vous pouvez réinventer la façon dont vous visualisez l'échelle, la couleur et le contraste. Bon, commençons. Nous avons ce projet ici. Ça s'appelle la beauté du désert et tout de suite, ça m'a attiré l'attention. Je l'ai trouvé vraiment intéressant dans la façon dont les couleurs monochromatiques se distinguent. La plupart du temps, nous pensons à créer teintes très saturées et nous ne pensons pas souvent à faire le contraire. Si vous avez pu créer un contraste dans cette image, vous pouvez voir immédiatement le sujet au milieu. Ce n'est pas parce que la personne est au milieu, mais parce que la personne est la plus contrastée, toute la teinte de couleur. La composition est si bien pensée. Je peux dire qu'il y a eu une décision qui a dû être prise de choisir de mettre en valeur plus du ciel ou plus des dunes de sable. Je pense que dans ce cas, le photographe a pris une grande décision en montrant plus de dunes de sable, parce que ça vous donne juste l'impression d'être là et que c'est un sujet si spécial et ainsi de suite. Celui-ci vous fait presque incliner un peu la tête et réfléchir, que se passe-t-il ? C' est l'horizon ou c'est une colline ? Il met vraiment l'accent sur le sens de l'escalade et je pense que, en soi, raconte l'histoire un peu plus loin. Quand vous êtes dans un endroit où vous devez vraiment vous interroger, quel est le sentiment que je ressens de cette expérience ? Peut-être que le photographe, dans ce cas, était juste très conscient de la sensibilité de l'escalade et comment puis-je le mettre en valeur dans une image 2D ? Je pense que cette image le fait vraiment, vraiment bien. Cette image est radicalement différente des autres images qui composent cette série. Vous êtes série est beaucoup plus forte en se concentrant sur les dunes de sable. J' ai pu voir tant d'angles différents. Je ne veux presque pas pouvoir quitter cet endroit. Je pense que l'image finale n'est pas aussi forte que les autres, pas sous l'angle et pas dans le contraste non plus. C' est alors que nous devons être très sélectifs de nos choix. On prend tellement de photos, et je sais que c'est déchirant d'en laisser partir parce qu' on était là, on prend cette photo, et on est heureux de pouvoir attraper l'avion. Cela pourrait être sûr pour une série différente, quelque chose à considérer quand il s'agit de créer une série de photos. Nous regardons des gens de Georgetown et j'ai vraiment eu beaucoup de plaisir à regarder ces images parce qu'elles sont très proches de mon style de photographie. Ces photos ne sont qu'une capture de la vie quotidienne. Il n'y a pas beaucoup de manipuler le paysage, mais au lieu de cela, il s'agit de capturer la photo, de la conserver. J' ai vraiment trouvé ça encore plus spécial que Jensen, dans ce cas, revisite sa ville natale. Donc c'est l'endroit où il était peut-être déjà allé, et je pense que beaucoup de nos frustrations viennent souvent de ce que je peux photographier ? Parfois, tout ce que vous pouvez faire est de photographier quelque chose qui est déjà en face de vous recentrer votre œil et de penser à une façon différente de raconter cette histoire. Une de mes photos préférées de cette série est en fait la première, et je suis vraiment, vraiment heureux que Jensen ait pu reconnaître qu'il s'agit d'un tir de héros. Ce que j'apprécie vraiment dans cette photo, c'est la façon dont elle utilise l'échelle d'une manière différente. Ce n'est pas vertical, ce n'est pas horizontal, mais plutôt vers l'intérieur. Vous avez ce sujet ici au premier plan, puis vous avez l'échelle vous indiquant à quel point cette image est vraiment profonde et elle devient de plus en plus petite. Je pense que c'est vraiment une technique très inutilisée en soi. Mais j'aime aussi qu'il y ait un sentiment de lignes directrices qui vont vers l'intérieur. Je pense qu'il aurait été plus fort si, à la fin de cette ligne de conduite, vous aviez un sujet particulier, quelqu'un ou quelque chose qui était très intéressant et légèrement étrange et qui vous a vraiment attiré l'attention. Je pense que ça aurait rendu cette photo encore plus puissante. Nous vous avons ici labyrinthe d'été, pris en Inde. C' est un endroit si beau, je peux déjà le dire. Mais je pense que quand j'ai vu cette photo pour la première fois, je n'ai pas vu le sujet du tout. Mon oeil a été attiré par les modèles de toutes ces différentes normes allant dans des directions différentes. On va essayer d'accentuer le sujet. Tout de suite, je pense que l'une des meilleures façons de le faire est de reconsidérer votre rapport d'aspect. Ce que je veux vraiment faire est de le rendre vertical afin que vous puissiez appuyer sur la touche Maj X et que cela se décalera horizontalement, verticalement. Quand il s'agit de regarder jamais tiers, le point de croisement est le point qui va angle la tension musculaire. Nous voulons que ce point de passage soit juste au-dessus de notre sujet. Je pense que juste ici est juste à peu près juste. Si vous remarquez, nous faisons exactement la même chose qui met encore en valeur l'environnement, un peu de l'eau, et maintenant nous avons le sujet avec beaucoup plus d'importance. Une autre chose que je veux faire est d'essayer de créer un peu plus de contraste ou peut-être moins de contraste dans certaines sections. Quand vous pensez au contraste, j'y pense en termes d'ombres et de lumières, mais aussi en termes de couleur. Une des choses que je veux faire est d'abattre la chaleur de l'escalier parce qu'il se fond presque avec sa couleur de peau, et c'est pourquoi il est camouflé et vous ne pouvez pas vraiment le voir. Ça va être délicat. Cela nécessite un peu plus d'amour et de soins et un peu de temps investi, mais je vais faire un montage rugueux juste pour vous donner un exemple. Nous voulons aller ici où nous pouvons être très spécifiques et ne sélectionner que les jaunes et les oranges. Je voulais saturer un peu cette couleur. Vous pouvez voir comment cela va retirer toute cette couleur. Mais ce qui est malheureux, c'est que dans ce cas, il retire aussi sa couleur de peau et cela semble un peu étrange. Au lieu de cela, je vais utiliser l'outil Pinceau car il me permet d'être plus spécifique. C' est le même effet, mais je vais être sélectif sur quels domaines j'applique l'effet. Nous allons chercher la saturation et nous allons faire la désaturation. Ça va être du côté inférieur. Parfois, j'aime pousser la barre vraiment loin pour que je puisse juste la voir visiblement et ensuite je peux l'ajuster plus tard. Je vais désaturer l'espace, puis il va se démarquer un peu plus. Vous allez pouvoir voir sa couleur contrastée par rapport au fond. J' ai déjà l'impression que ça va nous aider à mieux faire connaître notre sujet. Ensuite, nous avons cette photo de Wendy. J' apprécie vraiment le fait que pendant que je descends, cela attire mon regard directement sur le sujet. Bien sûr, la seule couleur qui sépare ce sujet de tout le reste ici est ce vert. Il n'existe nulle part ailleurs dans l'image que sur son bonnet. Je pense que c'est aussi une autre belle façon d'attirer l'œil sur la chose que vous voulez et de regarder d'abord. Je pense que ce que j'aime vraiment, c'est qu'il y a ce sentiment d'être entouré. Nous sommes entourés de tous ces bâtiments. Il y a aussi un sentiment d'isolement, et je pense que c'est peut-être quelque chose que la personne vivait. Vous pouvez le voir dans leur langage corporel. J' aime vraiment que le photographe ait choisi de le souligner en agrandissant l'espacement. Une des techniques les plus courantes qui sont utilisées dans la cinématographie, ou dans ce cas, photographie est de se retirer pour créer ce sentiment d'être plus loin du sujet. Quand tu es loin de ton ami, tu te sens seul. Donc, quand vous êtes loin du sujet, vous pouvez augmenter cet espace tellement qu'il peut presque sentir que cette personne peut être seule, et c'est une très belle façon d'exécuter dans cette image particulière. Mais encore une fois, avec les motifs des fenêtres, nous sommes obligés de regarder directement notre sujet, nous sommes obligés de descendre, permettant à l'œil de naviguer vers le bas, confiner notre sujet. C' est une image vraiment bien faite. Je suggérerais seulement de recadrer certains de ces secteurs un peu mieux. Je pourrais peut-être recadrer dans cette section et je pense que cela nettoierait l'image un peu plus. Vous pouvez voir là qu'il est déjà beaucoup plus étreint et supprimant ce mauvais morceau d'information qui n'est peut-être pas ajouter à l'image. C' est tout le temps qu'on a aujourd'hui. J' ai beaucoup apprécié ce processus, et je vous remercie beaucoup d'avoir envoyé tous vos projets. Je vous encourage à continuer à partager votre processus et si vous avez appris quelque chose aujourd'hui, je vous souhaite la bienvenue pour éditer vos projets ou peut-être si vous vous sentez inspiré de continuer à créer de nouveaux projets et je vous donnerai encore plus de commentaires dans la galerie de projets . Bien sûr, la meilleure façon d'élargir vos compétences est de continuer à apprendre. J' ai abandonné certaines classes qui m'ont inspiré sur les ressources de la classe. Merci encore d'avoir regardé. Je suis heureux d'avoir fait partie de votre apprentissage du langage visuel. On se voit de l'autre côté.