Transcription
1. Introduction: D' accord, regarde cette caméra, non ? La beauté est quelque chose que vous pouvez trouver dans un coucher de soleil ou sur une plage. La beauté est aussi quelque chose que vous pouvez trouver dans les choses les plus sombres. m'appelle Joe Simon, je suis cinéaste et cinéaste. Dans la classe d'aujourd'hui, nous allons apprendre la cinématographie. Nous allons examiner le cadrage, l'éclairage et le mouvement de la caméra, et comment cela peut apporter de l'émotion dans le travail que vous faites. Je vais marcher à travers certains de mes petits projets et ensuite ce sera votre travail d'aller là-bas et d'analyser vos films préférés et de regarder la cinématographie. Vous pourrez alors voir comment cela se fait dans le monde réel et être en mesure d'améliorer vos projets. Si vous retirez une chose à cette classe, ce sera de comprendre comment l'aspect émotionnel de la cinématographie peut vous aider dans votre réalisation cinématographique. Tu devrais suivre ce cours si tu es cinéaste. cinématographie est une grande partie de la réalisation d'un film et même si vous voulez être un réalisateur ou quelqu'un d'autre dans le monde du cinéma, comprendre un aspect de la cinématographie vous aidera à mieux faire votre travail. Même si vous n'êtes pas cinéaste, cette classe sera bénéfique si vous aimez les films. Il vous permettra de voir
dans les coulisses les façons dont ils utilisent la photographie pour raconter des histoires. Je suis tellement excité que vous ayez rejoint ce cours, alors commençons et décombrons quelques films. D' accord. D' accord. Déjeunons.
2. Le pourquoi et le comment: cinématographie ne se limite pas à créer une jolie image. C' est comprendre pourquoi et comment vous le faites. Un aspect très important est que lorsque nous commençons à
pointer une caméra sur notre sujet ou que nous pointons la caméra vers n'importe quoi, nous pouvons penser que c'est cool. Nous pouvons penser que le cadrage est correct, mais vous ne savez vraiment pas avant que vous commenciez à étudier le comment et le pourquoi de cela. Nous allons décomposer beaucoup d'aspects de cadrage
différents sur la raison pour laquelle vous pourriez encadrer quelqu'un dans la règle des tiers, ou pourquoi vous pourriez encadrer quelqu'un sur le côté court, ou pourquoi vous pourriez mettre quelqu'un dans une silhouette utilisant différents types de mouvement de la caméra, faire une prise de vue, faire un tir de caméra stable, ou tout simplement donner à la caméra aucun mouvement du tout et le mettre sur un trépied. Vous voulez prendre chacune de ces décisions pour une raison. Pourquoi faites-vous ça pour ce film, cette histoire ou ce personnage ? Non seulement dire que j'ai un nouveau cardan, c'est vraiment cool, laissez-moi tout tourner avec ce projet sur le cardan. Vous voulez savoir pourquoi vous utilisez cet outil pour chaque aspect de ce film. Avec ce cours, nous allons décomposer chacun de ces trucs. Certaines personnes sont très naturelles en cinématographie. Vous venez dans une famille artistique et vous commencez à voir des choses et à photographier des choses, et vous êtes capable de le faire d'une manière agréable, mais vous ne comprenez peut-être pas pourquoi vous le faites de cette façon. Ce que je veux faire aujourd'hui, c'est vous guider à travers les éléments afin que vous puissiez comprendre pourquoi vous prenez ces décisions. Parce que quand vous êtes capable de le faire avec les informations de,
ok, je dois piéger quelqu'un et le faire sentir effrayant, ou j'ai besoin d'un cadre quelqu'un et de le faire sentir gênant ou craintif, vous comprenez les principes de ça et non Il suffit de le tirer de la même façon que vous tueriez quelqu'un dans une scène d'amour. cinématographie est unique au cinéma parce que vous créez l'image visuelle. En général, le cinéma est une collaboration entre beaucoup de gens, mais parfois, si vous venez de commencer, c'est peut-être vous-même qui le fait. sera donc très important de comprendre ce que vous devez faire pour vous aider à raconter cette histoire. Vous racontez une histoire visuelle, et vous voulez utiliser tout ce qui est dans votre capacité dans ce support visuel pour vous aider à raconter cette histoire. Donc, s'il s'agit de créer le bon éclairage ou de créer la bonne composition ou de lui donner le bon mouvement de caméra, vous voulez utiliser chacune de ces pièces pour vous assurer que la cinématographie que vous faites raconte cette histoire. Par exemple, si vous avez un mouvement de poupée et que vous poussez vers quelqu'un. Ils regardent vers le bas, la caméra pousse et pousse, puis ils regardent vers le haut et vous pouvez voir dans leurs yeux, vous pouvez voir leur âme, vous pouvez voir leurs sentiments. C' est cet aspect de pouvoir créer cette émotion ou cette tension avec le mouvement. De la même façon si vous aviez le même coup et qu'il y avait un trépied et qu'il y avait un tir plus large plus loin. Tu n'auras pas le même sentiment parce que c'est un plan plus large et que tu ne vois pas aussi près que leurs yeux, tu ne vois pas cette émotion. Donc c'est vraiment être capable de
choisir visuellement ce que vous allez faire avec la caméra et comment vous allez le faire, une décision informative, alors vous pouvez aider à raconter cette histoire. Tout d'abord, nous allons commencer par le cadrage et la composition.
3. Encadrement et composition: En cinématographie, le cadrage est extrêmement important. Votre cadrage et votre composition en diront beaucoup au spectateur sur ce qu'est l'histoire. Il y a quelques morceaux de base de composition de cadre que vous avez juste besoin de
comprendre pour vous assurer que vous créez un cadre agréable et équilibré. Ce que nous vous montrons ici en ce moment est une règle assez basique de l'image des tiers. Ce qui est, c'est qu'il crée cette ligne de grille afin vous ayez votre grille ici sur le cadre, que
vous ayez votre grille ici sur le cadre,ce serait la règle des tiers, et ce que vous créez est cet équilibre de symétrie. Vous verrez que votre ligne d'horizon est maintenant sur ce tiers inférieur, puis sur le tiers supérieur vous avez le sommet de cette montagne ou le ciel. Généralement, lorsque vous encadrez, vous voulez placer votre ligne d'horizon sur l'un de ces tiers. Ce que cela fait, c'est qu'il crée une image équilibrée. Une autre partie de la règle des tiers dans l'équilibre de votre image
sera l' endroit où vous placez vos sujets ou votre talent. Comme vous pouvez le voir ici, nous avons notre talent assis ici dans cette troisième image, nous avons notre eau ici dans le tiers inférieur, et cela crée ce cadre équilibré. Un autre aspect de l'équilibre d'un cadre et de la création des tiers, c'est l'endroit où nous avons nos sujets, vous voyez où ils regardent, leur ligne d'œil regarde dehors, donc ils regardent dans tout cet espace négatif. C' est une chose très importante à avoir, c'est une règle super de base de tiers d'image équilibrée, c'est que vous voulez que votre talent ait l'espace négatif pour regarder dans, parce que tout cet espace négatif est des informations qu'ils peuvent voir. Si nous devions retourner ça et que nous avions notre talent, disons que nous les mettons ici et qu'ils regardent de cette façon, c'est très étrange, comme pourquoi sont-ils au bord du cadre ? Ce n'est pas équilibré, ça va se sentir gênant, ça va se sentir étrange. En général, lorsque vous construisez cette règle des tiers, symétrie ou le cadrage
très basique, et c'est là que vous devriez commencer pour une image agréable normale. Avec ces deux exemples, c'est regarder une image 2.39,
qui est un écran large, quelque chose que nous photographions sur un objectif anamorphique. La plupart des projets que vous allez faire seront sur 16 par 9 que vous pouvez voir ici. Les mêmes règles s'appliquent toujours, vous faites toujours cette règle de tiers image, où vous divisez l'écran en ces tiers, et vous voulez que les choses s'alignent généralement sur ce même espace. Comme vous pouvez le voir ici, notre ligne d'horizon est juste là sur un tiers supérieur, c'est un tir en mouvement vers ce tracteur, donc ce tracteur est ici sur ce tiers ici. Si vous jouez le tir, vous pouvez voir comment la caméra pousse le long de l'herbe et comment cela maintient cette règle des tiers, et vous avez tout ce mouvement de premier plan vous donnant une image intéressante. Je pense que c'est aussi quelque chose qui est vraiment important dans votre cadrage, c'est que vous voulez avoir de la profondeur dans ces cadres. se produit de quelques façons, Celase produit de quelques façons,c'est utiliser une lentille plus large ou pousser à travers l'herbe au premier plan inférieur, mais ce mouvement de premier plan vous donne impression
que vous voyagez sur une longue distance. Donc, quand vous jouez ceci, vous pouvez voir toute cette herbe se déplaçant à travers le cadre et vous
donner cette profondeur et cet intérêt à l'intérieur. Chaque fois que je commence un tir, je regarde mon espace, je regarde ma scène et je vois, « Ok, comment puis-je créer un cadre équilibré ? » Je joue avec la caméra, tu l'auditions, tu vas de gauche à droite, haut en bas, et tu vois ce qui est juste. Vous ne voulez pas juste sortir une caméra et commencer à filmer, vous voulez vraiment réfléchir à, comment ça va marcher ? Et au-delà de ça, quel sera le prochain coup ? Que vous tirez et comment pouvez-vous vous assurer que vous correspondez à la façon dont ces cadres fonctionnent. Si on regarde cette photo de ce type, le fermier, qui sort de sa maison, il
sort et on lui coupe directement dans le camion. Avec ce cadre, si vous le soutenez, vous l'avez fait sortir de la maison, peu près centre de cadre, personnalisé ici, entrant dans le camion, et puis il y a encore le camion, toujours de ce côté de la nous venons juste d' ici,
toujours dans la même région, donc c'est la clé que vous voulez vous assurer que tout est aligné. Bientôt, tu vas couper,
ça correspond, ce n'est pas choquant parce que si on
l'avait fait ici dans la maison et qu'on passe au prochain plan ici, et puis il est là, ça va se sentir un peu nerveux. Même chose avec monter dans la voiture. Vous voulez penser à toutes vos coupes et aussi à la façon dont vous encadrez chacune de ces coupes pour vous assurer qu'elles correspondent. Maintenant que nous avons une compréhension de base de la règle des tiers et de l'encadrement, nous pouvons parler de la voie d'évitement longue par rapport à la voie d'évitement courte. Le cadre est tiré vers le haut est maintenant fondamentalement cadre traditionnel et est appelé bardage long. C' est mettre la personne de l'autre côté du cadre, et nous voyons la direction de l'endroit où elle regarde. L' espace négatif en général contient toutes les informations de votre cadre. Ce qui semble à l'envers parce que le talent est là. C' est l'information. Non, le talent est ce que vous voyez, mais quel est votre talent ? Qu' est-ce que ce personnage regarde ? C' est cette information qui est juste hors de l'écran. C' est un point où vous piégez, vous pouvez tenir ce tir, dire pendant 30 secondes, et vous ne pouvez pas dire ce que cette personne regarde. Mais en tant que spectateur, tout ce que vous pensez, c'est, qu'est-ce qu'il regarde ? Montre-moi ce truc. En ne montrant pas la prochaine image, vous pouvez garder l'attention de cette personne, vous pouvez garder son anxiété parce que vous ne lui montrez pas. Ce type entre dans un bar, c'est assez simple, il entre dans ce bar, debout ici, toujours en regardant autour, on coupe, long côté et regarde autour, un gars entre, silhouette sombre, encore une fois, il est encore long côté aussi, nous avons tout l'espace qu'il regarde. Ce qu'est le bardage court, c'est quand vous demandez à quelqu'un de regarder le bord du cadre. Ici, dans ce film, qui s'appelle Angus and the Boys, c'est une scène où beaucoup de tensions s'accumulent et quelqu'un vient d'
entrer dans ce bar qui va briser sa couverture. Ce type est maintenant, encore une fois, nous sommes toujours sur la règle des tiers ici. Mais ce qui se passe, c'est qu'on l'a à côté court. Donc, à ce stade, toutes vos informations sont de retour ici. Avec toutes les informations ici, vous pouvez voir qu'il regarde le bord du cadre alors à ce stade, ce que vous essayez de créer
est, quelque chose va venir dans cet espace ? Est-ce que quelqu'un va entrer et faire quelque chose, ou est-ce qu'on essaye juste de le faire sentir gênant ? Qu' est-ce que tu fais avec ce cadrage ? La raison pour laquelle nous faisons cela, et si vous regardez le cadre avant, c' est qu'il regarde naturellement vers son frère qui est debout là-bas. Quand on coupe son frère, il est court, et la raison pour laquelle nous le faisons c'est que le frère aîné est un méchant et le frère cadet est le bon gars. À ce stade, nous voulons faire penser à tout le monde : « Ok, il est normal, ça fait du bien, on ne le considère pas comme mauvais ou mauvais, c'est juste un personnage normal. » Mais nous voulons que tu penses déjà à ce type comme la mauvaise personne dans ce film et c'est une façon subtile de te faire sentir ça, c'est de le mettre à l'abri et de le mettre là à cet endroit. Non seulement cette dame est entrée dans le bar,
c'est essayer de trouver son fils kidnappé , ce
gars a kidnappé, donc on veut te faire sentir gênant, comme, ok, méchant, c'est lui qui fait le mal de Ce gamin qui est dans ce bar en ce moment. Avec cette image ici, elle est toujours sur la règle de la troisième, elle est juste sur cette ligne, mais elle regarde dans le bord du cadre, donc c'est ce qu'on appelle le bardage court. Au lieu de pouvoir voir tout ce secteur ici, elle regarde le bord. Ce que cela crée est une composition très maladroite, et dans ce film, elle est sur le point d'être prise par une mauvaise personne. Nous voulons donc créer un cadre qui fait ressentir de l'anxiété et de la peur, et en regardant le bord du cadre, il le fait inconsciemment. Ce n'est pas comme : « Mon Dieu, regarde ce cadre, c'est fou. » C' est juste un subconscient de très bas niveau rend les gens se sentent drôle, surtout dans le fait que ce cadre coupe d'ici, et quand on coupe à l'autre cadre, l'autre personne regarde aussi dans l'autre sens. Ils regardent aussi vers le bord du cadre ici, donc nous avons tout cet espace négatif derrière eux qui se sent gênant parce qu'il est vide. Ce sera un cadre de parement court où il est équilibré, mais il est maladroit et bizarre. Vous le faites pour créer de la tension, pour créer de l'anxiété, pour créer de la peur. Donc, dans cette scène où quelqu'un est reconduit, c'est pour ça
que nous ferions ça. Parlons de lentilles. Le choix des lentilles est très important. La longueur de la lentille que vous utilisez, disons 24 millimètres contre 70 millimètres, va rendre votre sujet très différent. Vos yeux voient une lentille de 50 millimètres, et alors que vous marchez dans la vie quotidienne, c'est ce que vous voyez. Mais une caméra ne voit pas aussi large que vos yeux le voient, nous avons une vue périphérique très large par rapport une caméra qui a une vue assez étroite à un objectif de 50 millimètres. Cela étant dit, une grande partie de ce que je fais est de filmer entre 24 millimètres et 50 millimètres. Pour moi, c'est une belle gamme qui, si vous filmez des gens en tant que sujet, va faire sentir que vous êtes là avec eux, ce que l'on appelle le cinéma subjectif. Ce que vous devez réaliser au sujet des longueurs de lentilles, c'est que si vous filmez, disons avec un objectif de 25 millimètres, et que vous entrez vraiment dans le visage de quelqu'un, ça va leur donner de la distorsion, ça va le faire se sentir un peu gênant. peut-être bon pour le bon type d'histoire que vous racontez, comme si c'était une comédie, et que vous voulez avoir la caméra vraiment dans le visage de quelqu'un pour faire quelque chose de drôle, ou si c'est un film effrayant, et que vous voulez vraiment obtenir la caméra dans le visage de quelqu'un, et le faire sentir déformé et désorientant. Mais pour la réalisation quotidienne normale, si vous prenez un objectif de 24 millimètres et faites un gros plan moyen sur quelqu'un, cela va vous sentir gênant, donc vous voulez vraiment penser à l'objectif que vous utilisez. Maintenant, dans ce cadre, ce serait une lentille de 50 millimètres que nous voyons. C' est anamorphique, donc avec une lentille anamorphique, c'est un peu différent, vous avez un cadre plus large. Mais vous pouvez voir qu'à une lentille de 50 millimètres, il y a quelques choses qui se produisent. Sur son visage, nous avons une compression, donc la compression de l'objectif à une lentille plus longue est plus flatteuse. Sur un objectif de 25 millimètres, ça va faire paraître le visage de quelqu'un beaucoup plus longtemps. vous allez à une lentille plus longue qui comprime les traits du visage, donc disons comme un nez, ou la longueur de leur visage devient plus court et plus comprimé avec une lentille plus longue. Un autre aspect de ce projet sera le contexte. Donc, l'arrière-plan que vous avez évidemment sur un objectif plus long, il va compresser l'arrière-plan. Donc, ce fond va se sentir plus proche de
la personne sur une lentille plus longue que sur une lentille plus large. Si nous faisons défiler, disons ici, c'est une lentille large
maintenant, maintenant nous sommes à 24, maintenant cette cascade est assez loin d'elle dans cet objectif,
et ce que cela fait, c'est qu'il vous donne évidemment une vue plus grande, un plus grand regard sur ce que vous voyez, mais rend aussi les choses plus loin de quelqu'un. C' est le principe de base entre une lentille large et une lentille plus serrée. Si vous faites de l'action, du sport, une poursuite en voiture ou quoi que ce soit du genre, un objectif plus large vous donnera l'impression de bouger plus vite. Si vous regardez ce type qui fait du vélo ici, on utilise une lentille large pour lui donner l'impression de voler dans notre région. Même chose avec les photos de voiture, nous utilisons une lentille plus large pour donner l'impression que la voiture volait plus vite. Si vous voyez cette photo ici, on utilise un objectif de 20 millimètres et donne à la voiture l'impression qu'elle est juste en train de passer. Si vous juxtapose ça avec le début du même film, nous utilisons un objectif plus long et cela donne à la voiture l'impression qu'elle va plus lentement ici. Ce coup, on utilise un objectif de 50 millimètres. Tout est encore comprimé, tout l'arrière-plan, ce fond est compressé dans cette voiture, donc on dirait que nous n'sommes pas aussi loin, même chose avec la route. objectif plus long vous donne cet effet et au fur et à mesure que l'histoire se construit, nous obtenons des objectifs plus larges, mouvements
plus rapides, ce qui le rend plus excitant. Il y a une raison pour laquelle nous l'avons tourné tout le long, pour construire cette édition d'une manière qui va créer de l'excitation. Donc, nous commençons lentement au début, plus de coups compressés, plus de coups mouvement plus
lents, puis nous allons dans clichés
plus rapides et des objectifs plus larges vers la fin pour créer cette excitation. Parlons du cinéma subjectif et objectif. Une vue subjective ou un point de vue est quand on est avec quelqu'un, donc être dans la même pièce, être dans la même voiture, on a l'impression de faire partie de la conversation. cinéma objectif serait en dehors de la scène ou de la situation donc c'est sur un objectif long, vraiment large, vous voyez quelqu'un loin dans un champ tout seul, vous êtes un étranger regardant dedans, donc ce serait un point de vue objectif. En regardant cette scène de voiture rapide, ce cadre ici, c'est très objectif, nous voyons ces gens de l'extérieur. Pendant que nous jouons ça, vous pouvez voir qu'ils conduisent leur voiture, nous les voyons de l'extérieur, toujours même ici, c'est objectif, nous regardons de l'extérieur. Versus, en rentrant dans la voiture avec eux ici, on sent
qu'on fait partie de la conversation, on est juste ici avec ces gars, c'est une lentille plus large, on est dans la voiture, on voit leur conversation, on voit leurs émotions. Vous pouvez voir qu'il y a des façons très différentes d'y arriver, et la façon dont vous pouvez utiliser subjectif par rapport à objectif est la façon dont vous essayez de raconter une histoire. Donc, pour cette scène de voiture, nous présentons la voiture, nous présentons le paysage de l'endroit où ces deux frères traînent, mais ensuite nous allons dans la voiture avec eux pour que
vous puissiez voir leurs émotions et voir ce que ils le font. C' est fait pour ce but. Maintenant que nous avons parcouru la composition du cadre, il est temps de passer à l'éclairage.
4. Éclairage: Il est temps de parler d'éclairage. L' éclairage pour la cinématographie peut être fait de plusieurs façons. Quand je dis l'éclairage, cela s'applique à l'utilisation de la lumière naturelle et dans quelle direction vous utilisez la lumière pour travailler avec ou en installant des luminaires comme éclairage ou cela pourrait être marcher dans un endroit naturel avec des lampes pratiques, mais choisir où placer ces lampes ou choisir où placer votre talent. éclairage est la façon dont la lumière tombe sur le visage de la personne ou à travers l'emplacement. En général, pour l'éclairage, j'aime adopter une approche naturaliste, et naturaliste dans le sens où je veux un espace pour se sentir naturel à son environnement. J' ai passé beaucoup de temps à regarder autour des espaces, quand je suis dans un restaurant ou que je suis en train de marcher dans la rue ou quel que soit l'espace dans lequel je suis, je regarde comment la lumière tombe naturellement. C' est quelque chose que vous devriez commencer à faire parce que cela vous informera vraiment sur la façon d'allumer une scène quand vous arrivez à une scène qui a un endroit similaire. Disons que vous êtes dans un restaurant et que c'est dans l'après-midi et qu'il y a très grandes fenêtres à cet endroit, que vous voyez la lumière qui circule à travers et que vous voyez comment elle tombe sur les visages des gens et les ombres qu'elle crée et le
hotspots et les points forts spéculaires qu'il crée, vous faites attention à ces choses, puis essayez de les recréer dans la vraie vie. Il y a deux grandes choses que j'aime aborder quand j'allume ou deux façons que j'aime allumer, je pense que vous devriez le rendre aussi simple que possible ou vous le rendre aussi élaboré que possible. Parfois, quand vous tombez entre le monde, il commence juste à se sentir trop faux et trop forcé, donc généralement, si vous avez seulement vous-même et quelques personnes, essayez de garder le plus simple possible d'allumer la scène comme vous avez besoin d'être allumé. Maintenant, l'un des premiers principes dont je veux parler est
appelé l'éclairage à trois points, c'est très,
très basique, c'est la façon dont vous allumez une interview, c'est la façon dont vous pouvez allumer un talent et à peu près n'importe quel espace. C' est un endroit pour vous de commencer, mais ce n'est certainement pas quelque chose que vous avez à faire, ce n'est pas comme, j'aime les gens avec trois sources de lumière en tout point, ça change toujours en fonction de mon environnement. Quelque chose d'autre à penser à l'éclairage est l'ambiance que vous créez, quel est le personnage qui traverse à ce moment-là ? Est-ce une histoire triste, est-ce une histoire effrayante, est-ce une histoire heureuse, et utiliser votre éclairage pour aider à améliorer ce moment pour ce personnage ou cette histoire. Donc l'image que nous regardons en ce moment est un gars qui marche dans un bar, maintenant nous tournons ça dans la journée, donc le bar est fermé, donc ça vous donne un peu de liberté pour que ça ressemble vraiment comme vous le voulez. Quelques choses à remarquer ici et il entre dans l'éclairage à trois points, donc je vais vous montrer d'où viennent ces sources avant d'aller au gros plan et de vous montrer l'éclairage à trois points. Nous avons cette porte, où nous avons de la lumière qui traverse cet espace ici, c'est un luminaire, il s'appelle M18, ils ont mis ici pour pousser la lumière à travers la fenêtre. Donc ça nous donne notre source de lumière du jour. C' est aussi la température de couleur 5600, et c'est la couleur de la lumière du jour, donc la température Kelvin, vous avez 5600. Maintenant à l'intérieur, toutes ces autres lumières que vous voyez et tout autour ici dans le reste de la pièce, sont 3200 et 3200 est la couleur de l'éclairage en tungstène. Dans le plan, vous pouvez voir qu'il fait jour parce que nous
avons toute la lumière du jour qui vient dans cette fenêtre, donc il laisse cette température naturelle. Nous avons aussi eu ce super point culminant que nous créons sur le sol et votre oeil est dessiné, encore une fois comme nous avons parlé dans le cadre, ça crée ces lignes visuelles, ce type marche dans le bar, il arrive à ce poste ici et les lignes le conduisent à cet endroit. Nous avons cette lumière, nous avons aussi une installation de lumière ici qui fait aussi 3200, il va entrer, c'est une grande lumière douce, ça va être sa lumière clé. Mais alors vous voulez vous assurer que vous avez la lumière de fond, donc nous avons la lumière de fond ici, lumière de
fond ici, tous ceux qui nous aident à donner de la texture dans notre scène. Si ces lumières étaient éteintes, l'arrière-plan serait très plat et notre [inaudible] se fondrait également dans l'arrière-plan, donc vous devez avoir un rétroéclairage. Donc, vous pouvez voir sur son visage juste ici, il y a de la lumière qui le frappe d'ici, créant
ainsi un bord sur notre personnage lui-même le long de son bras, et puis les lumières arrière derrière lui obtenir un peu de texture à l'arrière-plan donner une séparation. Donc, juste en général, juste les principes de base de l'éclairage, vous voulez avoir une source de lumière qui est, un, l'éclairage de votre personnage, donc nous avons cette lumière de bord. Deux, vous voulez avoir une source vous montrant votre heure de la journée ou aider à construire cet emplacement, qui va être notre lumière du soleil à venir ainsi que nos lumières de fond de tungstène. Ensuite, notre troisième chose sera notre phare quand il entrera dedans. Donc si vous jouez ça, vous pouvez voir qu'il marche, il entre dans cette lumière clé qui allume ce visage ici et ensuite nous allons dans un peu plus près et filmer où je vais
tracer l'éclairage à trois points lui-même. Maintenant, en général, je dis que quand vous commencez, c'est bon de connaître ces principes d'éclairage à trois points, mais ce n'est pas quelque chose que je veux m'assurer qu'il arrive toujours, comme je l'ai dit plus tôt, c'est quelque chose qui arrive parfois dans mon travail, mais beaucoup de fois il peut être juste deux sources de lumière, cela dépend juste de la scène et de la façon dont je veux le rendre naturel. Donc ce que nous faisons ici, dans cette scène, c'est que
nous avons notre lumière clé, qui est par ici, c'est
ce que nous appelons un Kino Flo, c'est
ce que nous appelons un Kino Flo,
c'est un quatre de Kino Flo qui arrive. Je pense qu'à ce stade, nous avions une demi-grille, donc c'est un appareil qui mesure environ quatre pieds de long
, qui sort beaucoup de sources, qui passe par une source ramollissante aussi, donc nous utilisons le chiffon de diffusion devant c'est cela qui crée notre clé. Vous pouvez dire que c'est doux, parce que si vous regardez son ombre de nez ici, cette ombre est douce, ce n'est pas comme une ombre dure sur son visage. Maintenant, nous avons aussi notre deuxième lumière, donc c'est la lumière une, qui est notre clé, donc vous avez besoin de votre lumière clé. Maintenant, notre deuxième source va être notre lumière de bord ici, vous pouvez voir,
qui éclaire son bord et qui vient de la lumière de la fenêtre que nous avons vu plus tôt. Mais à ce stade, n'
est pas aussi dur que nous l'avons vu avant, dans l'image que je vous ai montrée la dernière fois, vous voyez une lumière dure qui circule. À ce stade, vous l'avez adouci pour que ce n'est pas trop distrayant, si une lumière rétro-éclairage quelqu'un et que c'est trop d'un halo dans certaines scènes, cela peut sembler exagéré, vous voulez le rendre aussi naturel que possible. Donc ici, nous adoucissons la lumière pour nous assurer que ce n'était pas trop dur, donc c'est notre rétro-éclairage. Ensuite, la troisième lumière sera le remplissage, donc le remplissage est tout ce qui touche ce côté de son visage ici, donc la lumière de remplissage arrive, ce qui n'y a pas beaucoup, mais il y a un peu. Parce qu'une chose dont vous devez vous rappeler est que si vous avez zéro remplissage dans un espace sombre, alors vous aurez probablement un taux de contraste trop élevé. Donc, pour que sa peau apparaisse sur la caméra, vous devez avoir un remplissage. Mais ce que nous avons utilisé ici est juste une planche de perles très simple, un panneau de perles est un carré de quatre par quatre et c' fondamentalement quelque chose que vous pouvez acheter comme un magasin de loisirs. C' est comme un noyau en mousse, c'est ce qu'on appellerait dans le monde réel, mais dans le monde du film, on l'appelle une planche à perles, et une planche à perles crée un beau rebond doux. L' autre aspect lorsque vous faites de l'éclairage en général est, avec la scène et ceci étant un drame ou un thriller et qu'il est dans un bar sombre, vous voulez vous assurer qu'il correspond à l'environnement dans lequel il est, et donc cet environnement qui est dans, cela est logique pourquoi il est allumé de cette façon, vous voulez avoir ce contraste. Un autre aspect vraiment important de l'éclairage est l'éclairage extérieur et la façon dont vous aborderiez cela. Je pense que la plupart des gens qui sont dans une situation de groupe d'un seul homme ou dans
une équipe plus petite, beaucoup de temps vous êtes dehors et vous essayez de faire fonctionner la lumière le mieux pour vous. Il y a deux principes clés que je veux vous faire savoir et réfléchir pour m'assurer que la prochaine fois que vous le ferez, vous réussirez. Le premier est le moment de la journée où vous filmez, il est vraiment important de tirer lorsque la lumière dans le ciel est inférieure à 40 degrés. Il y a beaucoup de ce soleil à la recherche d'applications qui vous permet
essentiellement de voir où le soleil sera dans le ciel. Donc, quand vous partez et que vous repérez votre position, vous pouvez voir à quelle hauteur le soleil ira. Donc, en été,
le soleil sera à un angle beaucoup plus élevé parce que c'est l'été. Ainsi, vous ne pouvez avoir que deux à trois heures le matin, deux à trois heures le soir où le soleil sera un angle optimal pour vous donner une belle lumière. En hiver, vous aurez de meilleures conditions car le soleil ne se lève jamais aussi haut. Maintenant, quand vous planifiez votre tournage, vous voulez essayer de planifier des choses dehors le matin ou le soir, en milieu de journée, le soleil est si haut que ce qu'il fait c'est qu'il crée une ombre sur quelqu'un, c'est vraiment peu flatteur. Même chose pour tout votre arrière-plan, la lumière en arrière-plan sera très dure et surélevée, au lieu de créer des ombres plus longues et avoir plus de stries de lumière qui seront beaucoup plus agréables. Si vous jetez un oeil à cette scène ici avec ces filles, vous remarquerez que tout ici est rétroéclairé et si je joue pour
vous, vous pouvez voir que vous avez toujours la lumière à l'arrière d'eux et derrière eux, mais aussi le s'allume à un angle de degré inférieur qui le rend plus flatteur. Vous pouvez voir même ici sur le sol, vous avez ces stries de lumière entrer, derrière elles, les ombres sont très longues et ça le rend plus agréable. Mais aussi en gardant la lumière derrière eux, il vous permet de ne pas avoir de tons de peau vraiment durs sur leur visage et vous donne également un contraste automatique. Donc, si vous regardez son visage ici, la lumière revient de cette façon et cela nous donne ce contraste sur le côté du visage, qui est plus agréable. Si la lumière revenait dans la direction opposée, elle se sentirait très plate et vous n'auriez aucun contraste ou profondeur du tout. C' est quelque chose que je fais tout le temps et si vous regardez vos films préférés ou le travail que
vous aimez, vous verrez toujours que la lumière est derrière le sujet ou derrière le sujet de 45 degrés. Donc, en gros, si c'est votre sujet et que vous filmez ça, vous filmez le sujet ici, vous voulez avoir la lumière derrière eux quelque part à moins de 45 degrés derrière la personne elle-même ou la voiture ou quoi que ce soit que vous êtes tournage. Si je joue un peu plus à travers ça, tu verras, la lumière est encore loin de son visage. Le prochain coup, le côté éloigné de son visage, il le garde toujours du même côté pour vous donner ce regard. Une autre chose que vous obtenez quand vous tirez avec le soleil derrière vous est que les arbres, toute cette zone ici sont plus sombres. Donc, ça vous donne plus de séparation de votre talent à l'arrière-plan plutôt que de nouveau, si la lumière vient de l'avant et qu'elle vient vers les gens eux-mêmes, tout cela sera super lumineux en arrière-plan et ensuite ça
va pour mailler avec l'arrière-plan, donc il n'y a pas de séparation. Je voudrais également noter que tous ces trucs qui sont tournés ici, nous utilisons juste un panneau de perles quatre par quatre, donnant un peu de filtre les visages, mais sans utiliser quoi que
ce soit de gros, c'était une configuration de pistolet assez courante de notre tournage lui-même ici. vois, tu as un peu rempli leur visage juste avec une planche à pain, c'est tout
ce qu'on utilise, et la même chose ici. Toutes les règles s'appliquent, c'est très important, garder le soleil derrière les gens et tirer au bon moment de la journée. Apprendre à la lumière prend de la pratique, c'est certainement un type de situation d'essai et d'erreur. La meilleure façon de le faire est de prendre une capture d'écran d'un film que vous aimez ou du travail de quelqu'un que vous aimez et d'essayer de le reproduire à la maison. Trouvez une pièce similaire, extérieur
ou à l'intérieur, peu importe ce qui va être et essayez de configurer l'éclairage pour qu'il corresponde. C' est vraiment la meilleure façon d'apprendre, vous pouvez mettre en place des lumières et juste jouer autour de vous-même aussi. Mais il est beaucoup plus facile de regarder le travail de quelqu'un d'autre et d'essayer d'imiter cela au début avant de vous lancer dans vos propres efforts créatifs. Parce qu'alors vous pouvez voir ce qu'ils ont fait, ce qui fonctionne, ce qui ne fonctionne pas plutôt que simplement le faire vous-même et ne pas comprendre les principes de la façon dont la lumière tombe sur le visage de quelqu'un. Vous ferez des erreurs et vous aurez des échecs, c'est juste une partie de l'apprentissage et je pense qu'il est vraiment important d'échouer, parce que par les échecs que
vous avez, vous comprendrez vraiment comment le faire correctement la prochaine fois. Ce ne sont que quelques petits morceaux d'éclairage, je pourrais littéralement parler de l'éclairage pendant des semaines parce qu'il y a
tellement impliqué dans la création du bon type de lumière pour différentes situations, mais ce sera un excellent point de saut pour vous et si vous pouvez pratiquer ces étapes et faire un peu d'échec et faire un peu d'apprentissage, alors vous ferez bien. Ensuite, on va sauter dans le mouvement de la caméra, alors on y va.
5. Utilisation des mouvements de caméra: Parlons du mouvement de la caméra. Le mouvement de la caméra est extrêmement important pour ce que vous faites en tant que directeur de la photographie. façon dont vous déplacez la caméra et quand vous ne bougez pas la caméra, dit beaucoup au public, fois sur le personnage mais aussi sur la scène. Je pense qu'il est facile en
tant que cinéaste débutant d' entrer dans ce rôle et de vouloir simplement déplacer les caméras partout. De nos jours, les cartouches sont super bon marché, la technologie est super bon marché en général donc vous pouvez mettre un appareil photo sur un cardan et juste vouloir tout tirer de cette façon. Mais il est vraiment important de comprendre pourquoi vous déplacez la caméra et est-ce qu'elle ajoute à la scène ou est-ce qu'elle est retirée de la scène. Je pense que le plus gros problème que vous allez rencontrer est que le spectateur distraire le public par la façon dont la caméra bouge, vous allez les sortir de l'histoire et c'est la dernière chose que vous voulez faire. Je sais, en tant que jeune cinéaste, que j'ai bougé la caméra tout le temps. Il était soit sur la caméra de glissement, qui est un outil ancien à ce stade, soit sur un curseur et la caméra était constamment en train de se déplacer d'avant en arrière. Mais quand j'ai commencé à apprendre plus, j'ai commencé à utiliser un trépied autant que je pouvais. Parce que tout ce temps pendant la scène et vous voulez que l'action ou l'histoire ait lieu devant l'objectif et que cela raconte l'histoire, au lieu de la caméra essayer de raconter l'histoire. Nous allons donc décomposer certains outils différents que vous pouvez utiliser et pourquoi et comment j'utiliserais ces différents outils dans différentes scènes. Je dirais en général que l'utilisation de bâtons ou d'un
trépied, comme vous voulez l'appeler, est probablement votre outil le plus important. J' approche de chaque scène que si je n'ai pas besoin de déplacer la caméra, ne
laisse pas bouger la caméra. Beaucoup de travail narratif que je fais, les films, ceux que je vous ai montrés jusqu'ici, comme Angus et les garçons sont à marée basse, beaucoup de ça juste sur trépied parce que ça n'a pas de sens de déplacer la caméra. Vous voulez laisser l'histoire se dérouler, laisser la conversation se dérouler sans que la caméra ne soit distraction. Laissez-moi vous montrer un bref exemple de cela. Donc, si on regarde la marée basse, on sort d'un montage. C' est un tas de coupe rapide et je vais vous montrer un peu ce
montage pour que vous puissiez avoir une idée de la façon dont tout cela se coupe ensemble, parce que c'est évidemment important, c'est d'un coup à l'autre, comment ça marche. Donc, vous pouvez voir un montage et c'est un montage amusant de ce couple s'amuser et c'est un flashback de leur vie et de ce qu'ils avaient fait. Tout ça est à portée de main. C' est une section portative parce qu'elle montre l'excitation et le plaisir qu'ils ont et donc la caméra se déplace, on dirait qu'elle est vivante et c'est avec eux. Je noterais que nous utilisons tous les lentilles plus blanches est un tir très subjectif. Donc ça fait ce montage, on s'est amusés avec eux. Ensuite, il va dans une poupée lente. Alors qu'on est avec eux, on les amène dans la scène suivante, ça les pousse dans la balançoire dans cette scène. Alors que nous entrons dans la conversation, la caméra se verrouille sur le trépied pendant que nous avons cette conversation a lieu. Donc je vais juste le jouer d'ici de toi. Donc, vous voyez que c'est le montage tout à portée de main. Vous pouvez voir les mouvements de la caméra intelligente qui se déroulent. Amusant, excitant, utile, authentique est un mot qui est beaucoup trop lancé ces derniers temps, mais qui donne une sensation authentique où vous êtes. Ensuite, vous verrez qu'on s'efface de cette scène et qu'on irait dans une scène de poupée. Un dolly est une belle introduction à la caméra en douceur nous déplaçant avec eux dans la scène des jeux de swing elle-même. Ensuite, ils ont la plupart du temps une conversation. Alors vous voyez qu'on commence à parler ici et c'est juste sur la conversation, c'est tout ce
qu'il a lieu à ce stade, c'est qu'il n'y a pas de caméra qui bouge autour d'eux, pas de poupées, rien, c'est juste laisser cette histoire se raconter. Vous êtes concentré sur ce qu'est l'histoire, ce que les gens disent. Vous n'êtes pas dérangé par la caméra qui se déplace constamment d'
avant en arrière ou qui coupe nous dessinons une partie du mouvement. Donc vous vous êtes concentré sur ce qui se passe et je pense que c'est important. Si vous n'avez pas besoin de déplacer la caméra, ne déplacez pas la caméra. Laissez l'histoire se dérouler devant l'objectif. Parlons un peu d'un coup de poupée ou d'un coup de cardan. Ils sont assez semblables et un peu différents, mais ils font la même chose. Maintenant, Dolly shot est comme un trépied. Il est verrouillé, mais il bouge aussi, donc c'est un peu plus lisse. Une caméra stable ou un coup de cardan est un peu plus libre mouvement, mais toujours très lisse coups de suivi avec un personnage. Maintenant, la raison pour laquelle vous utiliseriez n'importe laquelle de ces choses, une poupée ou un cardan, c'est quelques choses. Premièrement, vous introduisez une scène ou un lieu. Vous suivez un personnage. Donc la caméra bouge avec le personnage, donc vous l'utilisez pour suivre cette personne. Ou peut-être que c'est une transition hors d'une scène et que vous quittez un endroit. Maintenant, avec cet exemple ici,
voici le premier plan de ce film intitulé Everything is a Feeling. Ce que nous faisons, c'est que nous révélons notre emplacement, notre talent, et ce qui se passe en un seul coup. Pour ce faire, nous avions besoin d'un cardan. C' est fondamentalement un coup de poupée à révéler. Donc si on joue ça, tu verras qu'on commence ici sur le phare, tu commences à dire, c'est une moto. Quand tu regardes, c'est comme, il y a une personne dans un parking sombre sur une moto. Donc, vous commencez à recevoir toutes ces informations, ce n'
est pas vraiment en traitant avec un trépied, vous auriez pu avoir un tir sur le phare, puis découper en un plan plus large et un plan plus large. Mais ça ne va pas être aussi lisse que de le faire avec le cardan. Donc, en utilisant le cardan ou la came stable, c'est un excellent moyen d'introduire un personnage, d'
introduire un emplacement, il révèle lentement toutes ces informations. Si bon usage de cet outil. Vous auriez pu aussi faire quelque chose de similaire, disons avec une inclinaison vers le bas, vous aviez comme un grand tir de trépied et vous commencez par le ciel et vous inclinez vers le bas dans la scène. Donc, si vous n'avez pas le budget pour un cardan ou une poupée, vous pouvez vous en sortir autrement. Vous pouvez révéler une scène avec une inclinaison vers le bas ou un panoramique sur. Maintenant, d'autres parties de ce film que nous utilisons un cardan, c'est quand nous suivons. Donc on fait quelques photos de moto, on la suit au volant de sa moto. Il aurait été vraiment difficile de se passer d'un cardan parce qu' un ordinateur de poche serait un peu trop fragile et sans le cardan, il est trop difficile de tirer hors d'un véhicule en mouvement. Donc, vous pouvez voir ici à nouveau est une excellente raison d'utiliser cet outil parce que alors nous pouvons lui montrer conduire la moto et obtenir quelques coups de suivi lisse. Maintenant, laissez-moi vous montrer un autre coup de cardan, une caméra stable à cardan. Donc, juste pour que les gens comprennent, une came stable est fondamentalement un type d'appareil plus ancien utilisé pour déplacer une caméra. Ils font tous les deux la même chose, ça a l'air un peu différent selon le type de projet que vous tournez. La plupart de mon travail se fait sur un cardan parce que c'est rentable. films de studio plus grands que vous verrez dans les films utilisent principalement caméras
stables parce qu'ils ont une sensation plus organique, mais c'est aussi plus cher d'avoir ces photos. Cette scène peut expliquer pourquoi nous l'utilisons comme maman est très occupée, sa vie est très chaotique, et elle essaie d'écrire à ces enfants des
notes et des instructions pour quand elle sera hors de la ville. Donc elle est en route pour sortir de la ville, elle écrit des notes, elle essaie de prendre un coup de fil. Tout cela se passe en même temps. Donc, au lieu d'utiliser un trépied ou d'aller à la main, nous utilisons le cardan pour
suivre pièce et donner l'impression que nous tournons dans la pièce, rendant le film plus chaotique et désorientant. Donc tu verras la fille entrer, on est sur la mère, puis on a coupé la fille, et maintenant elle s'en va, c'est là que tout le chaos commence à se produire. On suit, on prend la mère ici et on tourne avec la mère, elle écrit des notes. On continue à tourner vers l'autre fille. C' est donc un tournage en mouvement constant, tout comme sa vie est comme constamment en mouvement et chaotique, et aide à vendre ça au public pour que nous
ayons juste une photo statique de ça ou un coup de main. Nous avons choisi ça spécifiquement pour cette photo. Donc je pense que c'est penser à chaque scène, penser à chaque personne que vous suivez et comment vous pouvez le rendre adapté à l'histoire. Plongons dans la poche. Handheld va être le moyen le plus rentable de tirer, mais aussi le moyen le plus rapide de tirer. Vous voulez vous assurer que vous filmez à main pour la bonne raison. Mais pour beaucoup de gens, c'est peut-être le seul moyen de tirer parce qu'ils n'ont peut-être pas de bâtons, ils n'ont peut-être pas de cardan, ils n'ont peut-être rien d'autre à utiliser sur le projet. Mais en même temps, assurez-vous que vous le faites de la bonne façon. Il y a certainement un portable où il est vraiment fragile et il y a une poche
qui est beaucoup plus stabilisée et réfléchie . Je ne fais jamais vraiment des images super tremblantes à moins que ça ne soit destiné à une certaine scène, c'est une scène de guerre, une poursuite en voiture ou autre et que vous voulez ajouter un peu plus d'excitation à l'ambiance. Mais pour la plupart, je suis vraiment bercer mon appareil photo. Je le tiens assez serré à mon corps, donc ça fait partie de mon noyau. Ce type de prise de vue à main le rend plus naturel et organique, ce n'est pas comme un appareil photo fragile. Si vous utilisez un reflex numérique et que vous le
tendez dans vos mains comme ça et que vous essayez de filmer, cela devient plutôt fragile, par rapport à si vous utilisez, disons, un monopode. Je considère toujours un film portable monopode parce qu'un monopode est connecté au sol, mais vous le tenez toujours entre vos mains. Mais en le tenant et en le berçant avec le monopode, au
moins il vous donne des séquences de remplissage plus fluides, il est plus naturel pour les séquences portatives que les séquences portatives tremblantes. Lorsque vous commencez à utiliser des caméras plus grandes, je tourne principalement avec un mini ALEXA, c' un appareil photo plus grand, je vais utiliser quelque chose qu'on appelle un engin facile. C' est cet engin qui vient au-dessus de ta tête. C' est ridicule. Il y a un cordon qui se connecte au haut de la caméra. Il aide à stabiliser la caméra afin que je puisse ensuite tenir la caméra et être berceau. Mais accolade vient du haut, au lieu d'un monopode venant du bas. Mais cela me permet alors de l'utiliser et d'obtenir vraiment de belles images. Donc ce projet s'appelle Everything has a Feeling, est un projet personnel que j'ai fait avec un photographe. Elle a eu des incidents tragiques tout au long de sa vie et ça l'a vraiment tuée de façon créative. Elle ne voulait pas faire de photographie pendant un moment. C' est l'histoire de ramener cette inspiration et de
retrouver cet amour pour la photographie. Etant donné que c'était une histoire si personnelle pour elle, je voulais le faire d'une manière que ça me semblait naturel et que nous étions là avec elle, comme si nous étions une autre personne qui l'observait, mais nous y sommes. Donc je ne voulais pas que ce soit dehors, je voulais être très subjectif. Donc, nous avons utilisé de meilleurs objectifs, eu un peu de mouvement naturel avec l'appareil photo pour qu'il se sentait authentique et organique. Donc je vais jouer un peu ça pour toi et je peux parler de certaines pièces. Vous pouvez voir un peu de secousses naturelles avec la caméra, mais ce n'est pas quelque chose qui secoue trop. On dirait que vous êtes là avec elle, que vous la regardez passer par le processus et en fait elle prend ces photos et se souvient de ce que c'est d'être amoureuse de la photographie et de ce que c'
est que vous la regardez passer par le processus
et en fait elle prend ces photos et se souvient de ce que c'est
d'être amoureuse de la photographie et de ce que c'
estque se sentent vraiment inspirés par ce qu'elle fait. Donc le tout est tourné avec la photographie de poche, sauf pour les scènes de moto que nous suivons avec elle parce que nous avions besoin de suivre et panneau n'aurait pas fonctionné. Mais c'est un cas comme, nous voulions être avec elle, nous voulions que ce soit une histoire personnelle, nous avons choisi portable pour le faire. Si on faisait ça sur des bâtons ou on faisait ça sur cardan tout le temps, ça ne ressentirait pas la même chose. Ce sont les moyens de base sur la façon de déplacer une caméra. Sortez, pratiquez-les. Regardez vos films préférés, voyez comment ils déplacent la caméra, et analysez ces mouvements. Ensuite, nous allons parler de la façon d'obtenir une grande valeur de production dans vos histoires.
6. Tournage pour une valeur de production plus élevée: Certaines de ces choses semblent assez simples, mais elles sont extrêmement importantes pour obtenir une meilleure valeur de production sur vos tournages. Une chose vraiment importante, ce sont les lieux. Je pense que l'emplacement et
les acteurs sont probablement quelques-uns des aspects les plus importants de votre projet. Donc, choisir le bon emplacement est très important. Il y a deux choses :
une, beaucoup de fois j'irai chercher des endroits avant de commencer à construire mon histoire. Pour que je puisse trouver un endroit, je serai peut-être dehors en errant. Je vis à Austin, Texas, donc je suis sur le terrain, et je trouve cette grange cool, et ensuite je peux écrire une scène avec mes personnages dans cette grange pour la placer dans cet endroit qui semble déjà incroyable. Donc je n'ai pas besoin d'aller chercher tout un département d'art pour construire cette grange, nous l'avons déjà trouvée, et ça a l'air cool de commencer. Donc, trouver des emplacements qui peuvent avoir une histoire construite autour d'eux, ou trouver des emplacements qui correspondent vraiment à votre histoire déjà avant le fait ou super important qui ont cette valeur de production intégrée. L' autre aspect de cela est l'heure de la journée que vous filmez à ces endroits. Donc sortir et faire des recherches sur les lieux, en
regardant l'éclairage. Regarder et voir quand le soleil est parfait pour filmer à ces endroits est super important. Si vous vous pointez à 12 heures et que vous filmez à une station-service, et tout à coup vous voyez que la lumière est terrible, mais vous devez filmer de toute façon, votre production va avoir l'air assez terrible. Mais si vous deviez repérer quelques jours avant et voir que 18h00 la lumière est parfaite pour tourner la scène, nos acteurs sont rétroéclairés, l'arrière-plan est superbe. On devrait le tirer à ce moment-là, vous y retournez et vous tirez à ce moment-là et ça donne l'air beaucoup mieux qu'il n'aurait pu l'avoir. Il est donc très important de penser à votre histoire. Pensez à ce que l'éclairage devrait ressembler. Pensez à la façon dont vous pouvez tirer à cet endroit
au bon moment de la journée et planifiez-le de cette façon. Dans l'éclairage, nous avons abordé un peu le tournage au bon moment de la journée. C' est vraiment important lorsque vous faites scènes
en plein air de la photographier avant que le soleil ne devienne trop haut dans le ciel. Pour moi, je ne filme pas quand le soleil est plus haut que 40 degrés dans le ciel. J' utilise une application et je peux voir exactement quand ça va être. Donc, quand je repérerai l'endroit, je saurai que soit, A, le matin ou le soir sera l'endroit où je devrais tourner. Donc, si le soleil va rétroéclairer mon talent le matin, je veux aller à cet endroit dans le tournage du matin. Si le soleil rétroéclairait mon talent le soir, je ferais un tournage du soir là-bas. Il est donc très important de comprendre où
sera le soleil et comment vous pouvez l'utiliser à votre avantage. Si vous venez juste de vous présenter à midi et aussi quand la lumière semble terrible, votre production va avoir l'air terrible. Donc, vous devez vraiment penser à quand vous allez le filmer, le
faire dans votre horaire et ne tirer qu'à ces moments par jour. Avec la plupart des caméras que nous utilisons de nos jours, vous pouvez avoir une profondeur de champ vraiment peu profonde. C' est certainement quelque chose qui a été surutilisé, mais parfois, vous devez vraiment l'utiliser pour améliorer votre valeur de production. Si vous êtes à un endroit et que l'arrière-plan n'a pas l'air si génial, ou si vous n'avez pas de directeur artistique ou de budget pour vraiment habiller l'arrière-plan et le faire ressembler si vous êtes dans un garage et que vous n'avez pas tous les outils que vous voulez mettre en arrière-plan pour le faire ressembler à un banc d'outils et quelle que soit la configuration que vous auriez là. Si vous tirez à une profondeur de champ moins profonde et que vous faites tout hors de l'attention derrière son talent, vous n'aurez pas besoin de le faire. C' est donc un excellent moyen de couper des coins dans un sens et de tirer une profondeur de champ moins profonde. On le fera tout le temps si on manque, disons, de temps sur un tournage lui-même et qu'on a besoin d'attraper une scène, on n'a pas assez de temps pour tout mettre en robe,
on ira juste à 1.5 F stop, jettera tout hors de la concentration, Gardez notre talent au centre, et c'est tout, vous passez à la prochaine photo. Donc, un excellent moyen de conserver une valeur de production élevée. Une autre grande astuce pour une valeur de production élevée est d'utiliser la filtration sur votre appareil photo. Beaucoup des caméras les plus bon marché là-bas, et je pense que juste les reflex numériques en général ont une très grande netteté pour eux. Leurs points forts soufflent assez rapidement. Ils n'ont pas un bon roll-off, et un roll-off est essentiellement là où le ciel serait très blanc. Au lieu d'être un bord dur où ce blanc va de l'obscurité au blanc et a plus d'un dégradé à elle, une belle roll-off, ce qui fera une caméra d'extrémité supérieure. Mais pour vous aider, si vous utilisez un reflex numérique, ils fabriquent des filtres de diffusion qui sont vraiment super pour vous aider à donner un roll-off plus naturel comme un film. Certains de ces filtres de diffusion sont que vous pouvez utiliser notre Hollywood Black Magic ou Pro Mist ou Super Mist, mais vous voulez obtenir une saveur qui est d'environ un huitième. C' est juste assez pour prendre le dessus et aider à mettre en évidence le roll-off, mais ce n'est pas trop pour donner l'impression que vous filmez un film des années 80. J' aime vraiment le Black Pro Mist un huitième. Il aide à adoucir tout juste au toucher, vous
donne une belle fleur de surbrillance et c'est un filtre vraiment, vraiment agréable. Un autre filtre qui est vraiment important est d'avoir un polarisateur circulaire. Souvent, cela peut devenir difficile sur le plateau parce que vous bougez si vite, et vous allez de l'intérieur vers l'extérieur et ajouter un autre filtre à votre caméra prend du temps. Mais tu veux vraiment prendre ce temps. Un polarisateur circulaire aidera à rendre les verts plus verts, rendre votre ciel bleu plus bleu. Donc c'est vraiment, vraiment génial d'avoir. Cela fera, une, les couleurs pop plus, mais ça fera éclater votre talent à partir de l'arrière-plan aussi. Donc, un polariseur circulaire est un excellent filtre à avoir. L' autre filtration, vous devriez porter sont des filtres ND. Si vous utilisez un reflex numérique, ils font un bon filtre de filtration appelé ND variable. C' est essentiellement un filtre ND que vous pouvez tordre, et il va changer le nombre d'arrêts ND que vous avez sur l'appareil photo. Un filtre ND est très important parce que vous voulez garder votre obturateur à 150e ou 148e, selon le type de caméra que vous avez, et garder ce 150e réglage
rendra le flou de mouvement naturel et normal à la façon dont votre vision voit. Maintenant, un signe révélateur pour voir que quelqu'un ne sait pas ce qu'il fait ou n'a pas valeur de production élevée est manivelle leur vitesse d'obturation retardée cinq centièmes ou un millième parce qu'il est juste trop lumineux à l'extérieur, et donc ils font monter la vitesse d'obturation à ce niveau. Maintenant, le filtre ND vous permettra de rester à 150e en tout temps. Ce sera plus agréable mouvement à l'œil et
il aura l' air plus naturel et vous donnera une valeur de production plus élevée. Un dernier conseil que j'ai pour vous, dont nous avons parlé brièvement, mais en gardant la lumière derrière votre talent. Donc, si vous filmez dehors en plein jour, vous voulez toujours garder votre soleil quelque part derrière votre talent. Donc ça leur donne plus d'une lumière de bord au lieu de les éclairer avant. C' est un excellent moyen d'avoir une valeur de production élevée. Ça te donnera plus de contraste avec ta scène, ça me donnera plus de profondeur à ta scène. Donc, je le recommande fortement. Allez là-bas et essayez-le, rétro-éclairez quelqu'un, puis allumez-les avant et voyez la différence par vous-même. C' est très, très cool.
7. Équipement et paramètre de l'appareil photo: La meilleure caméra est celle que vous avez sur vous. La technologie a évolué jusqu'à présent que les caméras sont devenues si bon marché et vous pouvez littéralement pratiquer avec n'importe quel appareil photo que vous avez. J' ai un iPhone et ils ont quelques grandes applications pour le téléphone qui vous permettent de l'utiliser comme une caméra vidéo. Vous pouvez contrôler tous vos paramètres en mode manuel, et cela fait un très bon travail, et il peut vous permettre de faire des films et de pratiquer vos compétences de narration assez simplement. Vous pouvez également acheter un appareil photo d'occasion en ligne pour un couple de 100$ avec un objectif et l'utiliser pour commencer votre vie cinématographique. Il y a donc beaucoup d'options et je pense que la chose la plus importante à comprendre est que, il ne s'agit pas de la technologie, il s'agit de vous apprendre la compétence et pratiquer afin que vous puissiez savoir comment le faire de la bonne façon. Il est vraiment important de comprendre et d'apprendre la caméra que vous avez. Vous voulez plonger dans les paramètres, plonger dans ses avantages et ses inconvénients, et vraiment apprendre ce qui le fait cocher. Quand vous obtenez quelque chose de nouveau, il est facile de vouloir sortir et juste commencer à l'utiliser. Mais vous devez passer un peu de temps à la recherche pour vraiment déterminer quels paramètres sont les meilleurs, quel codec tirer, quelle fréquence d'images prendre, quelle est la portée dynamique de la caméra ? Toutes ces choses différentes qui vous aideront à comprendre comment obtenir de meilleurs coups avec elle. Il y a des tonnes de vidéos YouTube sur chaque appareil photo disponible. Donc, je le ferais, y aller, fouiller votre appareil photo, et passer du temps à apprendre comment le configurer au mieux pour le cinéma en particulier. Les paramètres que vous utilisez sur votre appareil photo sont extrêmement importants, beaucoup de caméras sont faites pour la photo et la vidéo. Donc, quand vous obtenez cet appareil, il est probablement configuré pour un appareil photo au lieu d'une caméra vidéo, donc ce n'est pas la priorité avec un reflex numérique ou un appareil photo sans miroir. Assurez-vous donc que vous disposez des paramètres appropriés pour le mode de réalisation de films dans votre appareil photo. L' un des aspects les plus importants de ce sont ne pas tirer sur « AUTO ». L' appareil photo va faire ce qu'il pense qu'il doit faire pour l'image de votre prise de vue plutôt que de régler l'appareil photo pour votre scène et de s'assurer qu'il est configuré pour ce que vous voulez qu'il fasse. Il y a quelques éléments clés que vous voulez installer sur votre appareil photo pour la prise de vue. Un, est de filmer à 24 images par seconde, 24 images par seconde est la même fréquence d'images que vos yeux voient. Il crée un flou émotionnel, il se sent naturel, il se sent organique. Ainsi, le tournage à 24 images par seconde vous donnera automatiquement une valeur de production plus élevée pour vos films et vous aurez l'impression que tous les films que vous verrez là-bas. Une autre partie importante est de vous assurer que votre vitesse d'obturation est à 148e ou 150e, 148e serait le nombre réel parce que c'est le double de votre fréquence d'images. Donc, si votre fréquence d'images est de 24, 148e serait le double de cette vitesse. Mais certaines caméras ont seulement un réglage de 150e, donc c'est le numéro le plus proche, donc vous voulez faire correspondre ça. Que se passe-t-il quand vous avez cette vitesse d'obturation ? C' est la quantité de flou que tu vas avoir. Donc, si vous deviez mettre votre main devant votre visage et la déplacer, vous remarquerez qu'il y a un flou de mouvement quand vous le regardez. Ce n'est pas parfaitement mis au point, il n'est pas parfaitement net, il a un flou de mouvement, et vous voulez que votre appareil photo fasse la même chose. Donc, en le réglant à 24 images par seconde, en le réglant à la vitesse d'obturation 150e vous donnera le même effet, donc il est naturel. La prochaine chose que vous voulez configurer est la balance des blancs. Vous voulez vous assurer que votre balance des blancs est en mode manuel, la sélection sera à température Kelvin et cela ira de 1 800 à 10 000. La plupart des paramètres typiques vont être trois choses ; une, 3 200, qui sera le réglage de l'éclairage intérieur. Donc, les ampoules à incandescence et le tournage à l'intérieur d'une maison, vous l'utiliserez à 3 200. Le prochain gros sera 5 600 pour le tournage à l'extérieur. Donc, la lumière du jour sera 5 600. Donc, si vous tirez quelque chose dehors, vous voulez le tirer à 5 600. Si vous photographiez dans un espace à température mixte, disons, que vous obtenez un éclairage de fenêtre, que vous utilisez des ampoules pratiques à l'intérieur de la maison, vous pourriez le régler à 4 300, ce qui est exactement le milieu entre 3 200 et 5, 600. La clé est de regarder votre écran, jouer avec la température Kelvin, et de voir ce que vous obtenez. Fondamentalement, ce que vous voyez sur votre écran est ce que vous allez avoir. Alors regarde la température Kelvin, ça ne se sent pas naturel ? Les problèmes si vous le laissez allumé automatiquement lorsque vous épinglez l'appareil photo autour, il va automatiquement changer la température sur vous. Donc, quand vous allez sur le poste plus tard et que vous essayez de couper des scènes ensemble, elles ne vont pas correspondre parce que la température a changé pendant que vous filmez des choses. Donc, vous voulez vous assurer que vous avez cela sur manuel et vous savez exactement ce que la prise de vue et quelle température de couleur ce sera. La prochaine chose importante avec les paramètres de l'appareil photo est votre qualité d'enregistrement. Vous voulez vous assurer que vous photographiez au codec le plus élevé disponible pour l'appareil photo. Chaque appareil photo est différent, donc je ne vais pas appeler de codecs spécifiques, mais regardez dans le manuel, regardez sur YouTube pour les meilleurs paramètres des gens et cela vous donnera un bon endroit pour commencer. Mais en général, vous voulez avoir le maximum d'enregistrement de mégaoctet possible, donc vous allez obtenir l'image la plus propre avec le moins de bruit ou d'artefacts. Ce sont deux choses que je veux vous montrer,
pourquoi vous enfreindriez les règles de la balance des blancs et de la vitesse d'obturation. C' est quelque chose que vous feriez pour aider à créer un autre type d'émotion. Voici un projet que j'ai fait, c'est un clip vidéo, et il s'agit de deux frères, un des frères est mort dans une guerre et le frère retourne l'
enterrer et il est un voyage à travers ses souvenirs et amène 10 de ses frères là-bas avec lui et c'est une histoire vraiment cool. Mais une partie de cela était de pouvoir filmer une scène de guerre et comment rendre cela réel, mais aussi d'y ajouter plus d'intensité ? Donc il y a quelques choses. Premièrement, vous avez les scènes de flashback de leur entraînement, où l'entraînement est amusant et il est chaud et vibrant. Je vais jouer un peu pour toi ici. Donc, vous voyez comme les scènes d'entraînement un très chaud. Voici donc une scène d'entraînement, nous le faisons sentir au chaud et passer un bon moment à l'entraînement. Lumière chaude du soleil comme vous pouvez le voir. Mais quand ils vont réellement à la guerre, au lieu d'utiliser 5 600 température de couleur à l'extérieur comme vous le feriez, nous tournons à 3 200 température, donc nous faisons la lumière du jour pour le faire sentir très bleu, parce que la couleur bleue concerne également la tristesse ou la peur. La couleur chaude vous donne plus d'amour et de bonheur. Donc, en l'ayant, cette couleur plus bleue vous donne ce sentiment négatif. Nous avons également augmenté la vitesse d'obturation beaucoup plus élevée. Donc, nous l'avons tourné à une vitesse d'obturation de 500 au lieu de 50 vitesses d'obturation pour le rendre plus choquant et [inaudible], la même chose qu'ils ont fait,
et si vous regardez Saving Private Ryan, c'est à une vitesse d'obturation très élevée, donc se sent très staccato, il est très déchiqueté. Donc, c'est la scène d'entraînement normalement tournée, et vous verrez comment nous entrons dans ces scènes bleues ici, les flashbacks très rapides, mais c'est, encore une fois, une température
plus bleue, une fréquence d'images très élevée. Toutes ces scènes bleues ici, elles sont assez rapides, mais vous pouvez voir que c'est comme une cadence plus élevée, couleur
plus bleue, ça vous aide à donner ce sentiment qu'elles traversent dans cet espace. Donc, ce serait une raison pour laquelle vous voudriez photographier cette température de couleur et utiliser une fréquence d'images plus élevée pour la bonne raison, pas seulement parce que vous n'avez pas de filtre ND. Donc, vous devez monter votre vitesse d'obturation, ou vous avez oublié de changer la balance des blancs et c'est exactement à
quoi ça ressemble maintenant parce que ça va confondre le public, ça va confondre votre spectateur et leur donner des sentiments inconscients qu'ils n'auraient pas dû rejoindre ces scènes. C' est quelques trucs cool à utiliser et si vous regardez le cadre, vous pouvez le voir réglé à une température de 3 200 Kelvin ici, c'est très cool. prise de vue à une vitesse d'obturation plus élevée rend également tout plus net, sorte que l'image est beaucoup plus nette. Cela vous aide à créer ce sentiment et cette émotion que vous voulez que les gens aient pendant qu'ils regardent ces coutures. Voici quelques conseils et suggestions, mais il est vraiment important pour vous de sortir votre appareil photo, prendre un équipement là-bas, de le tester, utiliser, de regarder les séquences de votre ordinateur et de voir à quoi il ressemble parce que c'est comme ça que tu vas
vraiment apprendre, c'est en regardant ce que tu as tiré.
8. Réflexions finales: Félicitations. Tu l'as fait à travers la classe. Nous avons parlé de composition et de cadrage, nous avons parlé d'éclairage, nous avons parlé du mouvement de la caméra et de tout ce qui concerne la cinématographie. S' il vous plaît partager vos exercices dans la galerie de projets et j'ai hâte de vérifier votre travail.
Joe Simon, Director of Photography
