Principes de base de la cinématographie : Créer des histoires cinématographiques à petit prix

1. Introduction: Films, cinéma, narration visuelle. C' est un art. Mais comment peux-tu faire en sorte que tes propres affaires soient si bonnes ? Qu' est-ce qui le rend cinématographique ? Bonjour et bienvenue. Tout d'abord, je tiens à vous remercier de vous intéresser à ce cours. Je m'appelle Fynn Badgley, et en plus d'être photographe de mode commercial, j'ai aussi eu le plaisir de travailler sur certaines des plus grandes productions en Amérique du Nord. Maintenant, bien que je n'opère pas au plus haut des rôles, j'ai quand même pu prendre et absorber ce qu'il faut pour réaliser un projet de cette envergure. Je prends ces outils et techniques, et je vous les apporte aujourd'hui pour que vous puissiez commencer perfectionner votre cinématographie et créer des histoires étonnantes. C' est le type de cours auquel j'aimerais avoir accès quand j'allais à l'école de cinéma, car cela accélérerait grandement le processus et serait capable de me permettre tous les outils et techniques qui sont là-bas et commencer à créer des histoires cinématographiques étonnantes, peu importe le budget. Que vous utilisiez un iPhone, une caméra de cinéma, un reflex numérique ou tout ce qui se trouve entre les deux, vous pouvez utiliser les principes de base de ce cours pour créer des histoires cinématographiques et visuellement captivantes. Pour la durée de ce cours, afin de le rendre facile et accessible, nous tournons sur un appareil photo sans miroir, et c'est juste pour qu'il puisse être applicable à un plus grand nombre de spectateurs et qu'il soit moins restreint sur ce que caméra que vous avez. Nous allons traiter de nombreux sujets différents, y compris comment utiliser les techniques de mouvement de la caméra et d'éclairage pour vraiment créer votre cadre et créer une histoire visuellement convaincante. Je vais vous montrer les techniques utilisées sur les ensembles industriels, ainsi que les options favorables au budget qui sont alternatives si vous n'avez pas un budget de plusieurs millions de dollars. Peu importe si vous créez pour YouTube ou pour le grand écran. Maintenant, avec tout ce qui dit, allons rouler. 2. Résumé du projet: Maintenant, tout de suite, je veux décomposer ce que vous allez faire à la fin de tout ça, ce ne sera pas seulement apprendre des techniques et des conseils. Cela va les mettre en pratique dans la création de votre propre vue. n'y a pas de limites à ce que vous pouvez créer en utilisant les outils et les techniques que je vais partager avec vous aujourd'hui. Mais pour tout démontrer, cela est enregistré pendant la pandémie de COVID-19. Dans cet esprit, nous allons filmer un court métrage inspiré de la Covid. Cela va être quelque part brouiller les frontières entre le court métrage et documentaire afin qu'il puisse s'appliquer à ce qui se passe aujourd'hui. Mais il y aura une dramatisation supplémentaire et les techniques que nous serons sûrs pimenter et de lui donner plus d'une impression narrative. Cela dit, vous n'avez pas besoin d'utiliser le même thème pour votre film que j'utilise. Vous pouvez faire ce que votre cœur désire et aller avec votre intestin et tirer tout ce qui vous fait sentir excité. n'y a aucune idée trop petite ni trop grande. Un bon rappel est parfois simple est toujours meilleur. Maintenant, avec cela dit, nous allons poursuivre le reste du cours. 3. Qu'est-ce que la cinématographie: Vous voyez beaucoup de gens ces jours-ci parler de certaines choses qui semblent cinématographiques. Mais qu'est-ce que ça veut dire exactement ? Tout simplement expliqué, la cinématographie utilise techniques de caméra et d'éclairage pour communiquer visuellement une histoire. Maintenant, rendre quelque chose cinématographique a beaucoup d'usages différents ces jours-ci, surtout si vous regardez B-roll cinématographique sur YouTube contre un film à succès hollywoodien. Bien sûr, les deux peuvent sembler cinématographiques, mais qu'est-ce que ça veut dire ? Essentiellement, il utilise la cinématographie, la caméra et les techniques d'éclairage pour attirer le spectateur sur ce qui se passe. Maintenant, cela peut être une vidéo lente de café en cours de fabrication, ou bien un film, très fidèle à la vie dans un environnement de coupe rapide et tranquille, et tout ce qui se trouve entre les deux. Les possibilités sont infinies et avec les compétences que vous aurez acquises à la fin de ce cours, vous serez en mesure de rendre presque n'importe quoi cinématographique. 4. Règles et bonnes pratiques: Maintenant, si vous êtes assez novice en vidéo et en cinématographie, vous ne connaissez peut-être pas toutes les règles et les paramètres à appliquer à votre travail et c'est pourquoi je vais les décomposer dès maintenant. Contrairement à la photographie où vous voulez que votre vitesse d'obturation soit égale à votre distance focale, vidéo et le cinéma sont un peu différents. Fondamentalement, la règle de base est que vous voulez votre vitesse d'obturation ou votre angle d'obturation si vous êtes sur une caméra de cinéma, fondamentalement ils sont la même chose, un seul est une fraction et un angle avec un nombre de degrés. Fondamentalement, vous voulez que votre vitesse d'obturation soit double quelle que soit votre fréquence d'images. En Amérique du Nord, la plupart des films sont tournés à 24 images par seconde ou 23,98 images par seconde, y compris l'image de dépôt si vous voulez être spécifique. Maintenant, c'est parce que c'est censé être naturel pour ce que nos yeux voient et ce peu de flou que vous obtenez là-bas semble très naturel. Parce qu'il est utilisé depuis si longtemps, c'est l'étalon-or et c'est ce qui semble très cinématographique. Maintenant, si vous êtes au Royaume-Uni, c'est 25 images par seconde. Maintenant, avec la règle de vitesse d'obturation, alors en Amérique du Nord, votre vitesse d'obturation serait de 148e de seconde si vous le pouvez. Si vous êtes sur un appareil photo qui ne le permet pas, 150e fera très bien. Si vous réalisez la fréquence d'images standard de 30 images par seconde, vous auriez une vitesse d'obturation de 160e, car c'est le double de votre fréquence d'images. Ensuite, lorsque vous passez à des fréquences d'images plus élevées, comme 60p, 120, 240p, etc. Vous devez continuer à augmenter votre vitesse d'obturation pour être double quelle que soit la fréquence d'images. Pour cette raison, plus la fréquence d'images est élevée, plus vous avez besoin de lumière, car votre vitesse d'obturation augmente de plus en plus et donc moins de lumière est laissée dans votre capteur. Maintenant, pour les utilisateurs de caméras de cinéma, vous voulez que votre angle d'obturation soit à 180 degrés, et c'est la même chose que d'avoir le double de votre idée de fréquence d'images. Maintenant, alors que c'est l'étalon d'or et la façon de rendre tout aussi naturel et organique que possible, il y a des situations dans lesquelles vous voudrez peut-être ajuster cela pour différentes raisons. Si vous êtes dans un environnement qui a tubes fluorescents ou a un éclairage LED moins cher, vous pourriez rencontrer des problèmes de scintillement, et c'est là que vous voudriez ajuster votre vitesse d'obturation de sorte que vous peut se débarrasser de ce scintillement. Si vous réglez votre angle d'obturateur, vous voudrez peut-être essayer 144 degrés ou aller plus haut à quelque chose comme 200 degrés, 196 degrés, quelque chose comme ça. Vous pouvez régler votre vitesse d'obturation ou votre angle d'obturation jusqu'à ce que vous vous débarrassiez de ce scintillement. Vous pouvez surveiller cela pendant que vous allez pour vous assurer qu'il n'arrive pas du tout. Une autre raison pour laquelle vous pouvez vouloir changer votre vitesse d'obturation ou votre angle est comme un choix stylistique si vous essayez de le rendre plus rêveur. Ou même si vous essayez de filmer comme une ambiance enivrée, vous abaisseriez votre vitesse d'obturation pour être plus proche de votre fréquence d'images, puis vous obtiendrez cet effet vraiment déformé et wappy et tout serait très flou. Alors que dans la plupart des cas, ce n'est pas ce que vous voulez. Si vous voulez vendre cet effet enivré, c'est une façon de le faire. Inversement, les scènes de combat à coupe rapide et très sont souvent tournées avec un angle d'obturation plus élevé ou une vitesse d'obturation plus élevée. C' est d'avoir tout cela à travers un peu plus net et un peu plus rigide de cette façon que vous pouvez vraiment sentir cette action. Maintenant, ce n'est évidemment pas ce que vous voulez pour la plupart des films, car il peut ressentir un peu de nervosité. Mais si vous faites une séquence de combat rapide, c'est parfois le regard que vous allez pour elle. Puis l'ouverture, c'est à peu près la même chose. Vous avez affaire à des arrêts F sur un objectif de photographie et à des arrêts T sur un objectif de cinéma. Fondamentalement, à toutes fins utiles, ils sont la même chose. C' est juste la quantité de lumière que l'on laisse entrer dans l'appareil photo par le trou de l'objectif. Maintenant ISO, ASA, IE, peu importe ce que vous appelez ça, tout cela fonctionne principalement de la même manière. Cependant, certaines caméras de cinéma ont une ISO native ou une double ISO native dans laquelle il est préférable de photographier, sorte que vous avez moins de grain dans votre produit final. C' est pourquoi il vaut toujours la peine de rechercher vos caméras, voir ce qu'est l'ISO natif et d'essayer d'y adhérer du mieux que vous pouvez, car cela va généralement vous donner les meilleurs résultats. Maintenant, une autre règle à respecter est la règle de 180 degrés. C' est aussi appelé l'axe. Fondamentalement, cela signifie que si vous avez deux personnes qui se parlent, disons que je parle à cet appareil photo ici alors que cet appareil est sur mon côté gauche, mais cet appareil photo est l'autre personne à qui je parle. Je peux avoir la caméra n'importe où entre moi et où elle est placée, sauf agir comme si cette caméra était le personnage à qui je parle. Cette caméra peut être placée n'importe où d'ici jusqu'à mon épaule ici. Maintenant, si ça va de ce côté, ça fait ce qu'on appelle briser l'axe. Fondamentalement, vous tracez une ligne entre vos personnages et vous restez d'un côté de cela. Il s'agit principalement de deux caractères ou d'un caractère et d'un objet important. Mais quand vous commencez à utiliser beaucoup de personnages dans une scène, cela commence à diminuer un peu cette dynamique. C' est plus vrai pour les conversations en tête-à-tête et ce genre de choses. Vous voulez rester de ce côté de l'axe parce que quand vous le cassez, tout est tout à coup retourné, et quand il est édité, si je suis ici parler de cette façon et que la caméra est de l'autre côté de l'axe, tout à coup je Je vais avoir l'air de parler de cette façon, même si je suis dans la même direction. Maintenant, il y a des moments où vous pouvez briser cela, mais le faire avec parcimonie et le faire comme un choix stylistique pour transmettre quelque chose dans votre histoire. C' est à ce moment que nous voulons nous assurer qu'il est motivé par ce qui se passe dans l'histoire. façons de le faire sont que vous pouvez réellement montrer le crossover, ce que j'ai fait dans certains de mes projets que vous avez vus réalisés dans le passé, et c'est de montrer un changement dans la dynamique. Disons que s'il y a un patron qui parle à l'un de ses employés et que soudainement son employé a le pouvoir dans cette situation, vous pouvez traverser l'accès pour illustrer ce changement de pouvoir. Mais si vous ne montrez pas le mouvement, la seule façon dont vous voulez le faire est quand vous l'utilisez pour le choix stylistique, comme ils l'ont fait dans le film Psycho. C' est une façon de montrer la folie en parlant à soi-même et à ce genre de chose. Cela se fait aussi dans Le Seigneur des Anneaux quand vous voyez Gollum parler à Smeagol. C' est vraiment juste lui qui parle à lui-même, mais ils agissent comme si cet axe était brisé pour le montrer. Ce sont des façons dont vous pouvez illustrer cette folie si c'est quelque chose que vous allez chercher. Mais comme une bonne règle de base, il est toujours sage de rester d'un côté de la règle de 180 degrés car de cette façon, il ne jettera pas votre public parce que quand cet axe est brisé, votre public pourrait ne pas le réaliser, mais quelque chose va se sentir très mal et ils seront retirés de l'histoire et ensuite ils se demanderont tous ce qui se passe , puis ils se confondent et ce n'est pas ce que nous voulons. Ce sont beaucoup des règles que vous voulez respecter, ainsi que certains cas dans lesquels vous pouvez les briser, mais le faire avec prudence. 5. Types de plans et mouvements de caméra: Maintenant, alors que vous planifiez votre scène, vous allez vouloir planifier les différents plans que vous allez utiliser car cela vous fera gagner du temps et beaucoup de maux de tête quand vous êtes en tournage. Avec ça, d'abord, nous allons décomposer ce que sont les types de coups, puis à partir de là, nous pouvons réellement construire une liste de plans, sorte que nous avons pu trouver ce que nous voulons là-dedans. En termes d'explication du mouvement de la caméra et des types de prises de vue, il peut être divisé en deux catégories, et c'est ce que l'image réelle est, puis ce que fait l'appareil photo réel. En ce qui concerne ce que fait l'appareil photo réel, plusieurs fois vous entendrez parler de photos panoramiques, mais les gens l'utilisent parfois pour une variété de termes, et ne s'inquiètent pas, nous allons décomposer chacun individuellement. De cette façon, vous savez ce que c'est, et vous pouvez avoir la meilleure photo de ça dans votre tournage. Un plan panoramique, très simplement expliqué, est une rotation horizontale. C' est là que vous faites un tour et montrez la scène telle qu'elle est. C' est un tir très simple mais efficace. Si quelqu'un passait, vous pouvez être sur un trépied ou des bâtons, comme nous les appelons parfois, ils signifient la même chose, juste sur une belle tête fluide, de sorte que vous les gardez dans le cadre. Je vais avoir un graphique ici et je l'ai aussi dans le matériel du cours ci-dessous afin que vous puissiez télécharger tout cela et l'avoir pour référence. Je n'ai pas fait ça. Elles sont compilées ensemble pour votre éducation, et je vais également énumérer les sources d'où elles proviennent. Cela dit, si vous peignez horizontalement, vous pouvez également incliner verticalement, ce qui est le même mouvement, où vous êtes verrouillé et c'est juste une caméra qui tourne autour d'un point central, sauf à la place, maintenant ça va de haut en bas contre d'un côté à l'autre. De là, nous avons ce que nous appelons un mouvement de dolly, et c'est là que la caméra elle-même pousse ou sort. Si vous allez vers la scène ou loin d'elle, on appellerait ça un dolly avant ou un dolly back. Cela peut devenir déroutant lorsque vous envisagez également un zoom. Le zoom se déplace toujours vers l'avant ou vers l'arrière, mais c'est l'objectif lui-même qui effectue un zoom avant ou arrière, qui change le champ de vision, en fonction des longueurs focales entre lesquelles vous allez. Alors qu'un coup de poupée, vous êtes sur une distance focale fixe tout le temps, et la plupart des cas, sauf si vous y incorporez également un zoom, ce qui est un mouvement plus compliqué que les gens font pour donner cette distorsion ou soudaine si vous êtes poupée vers l'avant et zoom arrière en même temps, cela donne un effet de parallaxe, est ce que nous l'appelons, sorte que cela donne ce sentiment de distorsion et ce vrai sens lourd que vous pouvez sentir à travers l'écran. C' est un geste plus compliqué car il combine deux types différents là-dedans, et avec cela, nous resterons principalement à utiliser un seul mouvement de caméra à la fois que nous le pouvons. Nous avons une poupée en avant et la poupée en arrière. Et si on se déplace d'un côté à l'autre sur un chariot, ou sur un curseur, ou quelque chose comme ça, où la caméra se déplace au lieu de l'avant à l'arrière mais horizontalement ? Cela pourrait être si quelqu'un court et que vous courrez à côté d'eux, disons sur un cardan ou une caméra fixe, en les gardant dans le cadre. C' est ce qu'on appellerait un coup de camion, car vous les suivez horizontalement. Si la caméra se déplace vers le haut avec le sujet, alors c'est ce que nous appelons un piédestal, fur et à mesure que vous montez. Une version plus compliquée de ceci est si vous vous déplacez de haut en bas, mais aussi ajoutez un mouvement d'un côté à l'autre, et c'est là que vous entrez dans quelque chose comme un mouvement de flèche ou un mouvement de grue. Ceux-ci sont inventés par l'équipement réel que vous utilisez pour les utiliser. Si vous êtes sur un bras de flèche ou si vous êtes sur une grue, vous auriez ce grand mouvement de balayage, et c'est là que vous obtenez ces types de coups. Vous n'avez pas besoin d'une flèche ou d'une grue pour faire des mouvements comme ça. Vous pouvez vraiment vous en sortir sur quelque chose comme un cardan, ce que je vais faire personnellement pour ce court métrage. Donc c'est quelque chose que vous pouvez surveiller pendant que je décompose la façon dont je fais ça. Mais aller de l'avant, maintenant nous allons parler du cadrage réel et du type de tir. Probablement tout le monde a vu la prise de vue, c'est l'installateur, c'est un plan très large en se rendant dans tout l' environnement et en vous donnant un contexte quant à : c'est l'endroit, c'est l'environnement, ce est l'heure de la journée, c'est le cadre et tout ce qui se passe. Parfois, vous aurez un personnage marcher dans le cadre, mais pas toujours. En outre, le plan d'établissement est généralement utilisé comme plan d'ouverture pour un film ou une scène, mais il ne doit pas toujours être ainsi. Vous pouvez obtenir plus de créativité avec elle si vous le choisissez. Maintenant, en allant de l'avant, nous parlons du long plan. C' est un coup de corps complet, encadrant entièrement votre sujet comme ils font n'importe quelle action ils sont. C' est bon pour mettre en place une scène venant de l'installateur, quelque chose comme ça. C' est aussi bon pour ce qu'on appelle un tir de maître. Votre plan principal est fondamentalement ce qui vous sauvera si des fichiers sont corrompus ou quoi que ce soit se passe. Lorsque certains plans sont inutilisables, vous compterez principalement sur le maître, et même si cela ne vous donnera pas autant à couper dans l'édition, cela vous permet quand même d'avoir le contexte de l'histoire, qui est toujours la partie la plus importante, est de montrer l'histoire. Si tu n'as pas ça, alors tout le reste s'écroule. L' histoire vient toujours en premier. Après que nous avons le long plan, puis nous commençons à venir pour un tir de plus près. C' est là que nous obtenons ce qu'on peut appeler un tir moyen long, qui est plutôt un corps de trois quarts. Il y a aussi un terme connu sous le nom de cow-boy, et c'est là que vous allez à peu près de la taille vers le haut, puis à partir de là vous allez dans le plan moyen, qui est un peu plus haut sur votre personnage. Cela pourrait presque être classé comme un tir moyen, ce que j'ai en ce moment. De là, vous pouvez aller dans un gros plan moyen, que je vais frapper un peu sur moi-même et cet angle pour vous montrer à quoi ça ressemble. Ensuite, nous allons dans un gros plan régulier, qui est ce que j'ai sur ma caméra B ici. Si je regarde par ici, c'est ce qu'on appellerait un gros plan. Je peux aller un peu plus loin si je veux, pour rendre ça plus dramatique, mais c'est n'importe où d'ici à la tête pleine dans le cadre. De là, nous arrivons encore plus loin, et c'est ce que nous appelons le gros plan extrême. C' est si j'avais juste l'appareil photo sur mes yeux, ou tout ce qui est censé accentuer toutes les fonctionnalités. C' est vraiment bon pour montrer des émotions intenses et vraiment vous attirer dans ce que vos personnages ressentent. De là, cela dépend aussi de l'endroit où vous avez votre appareil photo pointé. Vous pouvez être au-dessus de l'épaule d'un personnage, regardant un autre personnage pendant qu'ils ont une conversation. C' est ce que nous appelons le coup d'épaule ou OTS, si nous essayons de le décomposer sur une feuille de téléphone ou quelque chose comme ça. De là, vous avez deux photos, qui est l'endroit où vous avez deux caractères dans le cadre, et puis vous aurez également un angle bas et un angle élevé, et ceux-ci se réfèrent essentiellement à regarder vers le bas ou regarder vers le haut d'un ou une perspective plus basse, soit pour donner plus de puissance à votre personnage ou en prendre un peu. Si votre personnage se sent impuissant, vous passeriez d'un coup vers le bas. Un plan vers le bas est l'endroit où vous êtes en haut en regardant vers le bas, et qui est de les diminuer et de communiquer visuellement qu'ils se sentent petits. C' est comme si on les regardait en tant que public. un autre côté, c'est là que vous voulez vraiment communiquer ce sens du pouvoir, de sorte que vous avez la caméra plus bas et regardez votre sujet, vraiment obtenir ce sens de l'autorité. Ensuite, à partir de là, un autre type de prise de vue est le bon vieux point de vue ou un PDV, et c'est là que le personnage dont il est en fait le point de vue ne se trouve pas dans le cadre lui-même, et la caméra agit comme leurs yeux. C' est une autre photo que nous allons jouer dans le film que je vais créer, alors restez à l'écoute pour ça. Voici donc les différents types de prises de vue et mouvements de caméra que vous pouvez utiliser à votre avantage. Vous pouvez combiner certains d'entre eux ou vous pouvez rester avec les fondamentaux en particulier. Comme je l'ai déjà mentionné, simple est toujours mieux. 6. Caméra mobile: Maintenant que nous savons quels types de prises de vue il existe et quels mouvements de caméra nous pouvons utiliser, nous allons parler de quand et pourquoi vous voudriez en utiliser certains afin que nous sachions comment les utiliser. Ensuite, à partir de là, nous commencerons à fabriquer et à créer une liste de plans pour tourner notre film. Maintenant, c'est celui dont nous voulons commencer à parler, mouvement de caméra motivé. Qu' est-ce que ça veut dire exactement ? Fondamentalement, cela signifie que votre mouvement de caméra est motivé, est lié à ce qui se passe à l'écran. Si quelqu'un passe et que vous faites un tour avec eux, vous faites un tour pour leur montrer qu'ils marchent. Alors, si vous les laissez sortir d'un cadre, ça signifie qu'ils vont aller ailleurs. autre bon exemple de ceci est si c'est une scène très émotionnelle et qu'il y a beaucoup plus de tension et de drame ramasser au fur et à mesure que la scène se construit, vous pourriez avoir un chariot lent dans ou une poussée lente de sorte que cela apporte lentement plus attention à votre personnage met donc l'accent sur le drame, ce qui serait dans un facteur de motivation pour ce mouvement de caméra. Un autre bon exemple de cela est d'utiliser quelque chose comme un coup de révélation. C' est là que la caméra se concentre sur quelque chose. Il pourrait être hors de portée ou il pourrait être axé sur quelque chose de très clair. Ensuite, ce mouvement de caméra se déplace pour révéler le personnage. En fait, nous avons eu un exemple de ce sur le plateau ici, où vous pouvez voir pour le premier plan de mon film, je voulais révéler le personnage qui sort. Je commence sur un fond neutre et ce n'est qu'une partie d'un bâtiment. Cette technique est quelque chose que j'ai vu utilisé sur certains des plus grands ensembles sur lesquels j'ai travaillé et cela fonctionne très bien d'avoir un personnage entrer. Pour cela, on a utilisé un coup de foc et ça a été fait sur un cardan. Nous avons commencé et nous sommes descendus lentement. En descendant, j' ai fait une file d'attente à l'acteur. De cette façon, vous voulez savoir venir à travers et entrer dans la scène au moment parfait. Ensuite, la scène a continué à partir de là, où ce coup s'est transformé en ce qu'on appelle un tir de suivi et c'est là que je les ai suivis sur le cardan. Un moment où ça ne marchait pas autant que si nous étions au milieu de la scène et qu'ils marchaient dans la rue et nous sommes allés les révéler, mais nous savons déjà qu'ils marchent déjà dans la rue. Cela les introduit à venir. C' est un bon facteur pour cela s'il y a un changement de lieu ou s'il y a un mouvement ou un changement de rythme, quelque chose comme ça. Cela peut bien fonctionner pour le révéler. J' ai utilisé ce cliché plusieurs fois dans le film, comme vous le verrez, mais j'ai choisi quand l'utiliser très attentivement car le réglage commence à changer et l'humeur le fait aussi. Il vous donne cette pause pour communiquer visuellement cela. Maintenant, c'est quelque chose aussi à garder à l'esprit, c'est que vous tournez, vous allez développer un langage cinématographique. Ce sont les types de prises de vue et les mouvements que le film a naturellement. Pour cela, je voulais qu'il ait une nature assez frénétique et très anxieuse au début. Puis, à la fin, je voulais qu'il ait une sensation plus douce, sûre et chaleureuse. J' utilise mes mouvements de caméra pour faire allusion à ça. Quand nous tournons dans la rue où nous voulions cette nature frénétique, j'ai utilisé beaucoup de mouvements de cardan et de poche et j'ai eu un peu de secousse de caméra là-dedans. Maintenant, le shake de la caméra n'est pas toujours quelque chose que nous voulons. Mais si elle est motivée par la scène, si elle est utilisée pour susciter cette nature frénétique, alors elle a du sens. Maintenant, ce n'est pas dire d'aller tirer sur tout ce qui est à portée de main. En fait, je déconseille à moins que ce ne soit un but stylistique d'ajouter à cette scène. Dans ce cas, tous ces mouvements sont très calculés et utilisés pour attirer le spectateur et donner vraiment ce sentiment d'anxiété et de détresse. Maintenant, il y a des moments où cela peut être exagéré. Si vous avez la caméra secoue partout et que vous ne pouvez pas dire ce qui se passe dans le cadre. Ensuite, il peut devenir écrasant pour le spectateur et vous vous sentez presque un peu C6. Utilisez certainement une technique comme celle-ci très soigneusement et avec parcimonie. Cela dit, quand je voulais donner plus de ce sentiment de terre, j'étais sur un trépied ou sur un curseur pour la majorité de tous ces coups et c'est juste pour donner ce sentiment stable comme motivé par l'histoire. Notre histoire dans ce cas est que notre personnage est dans la rue et il devient très nerveux et submergé à cause de la quantité de gens dehors, certains d'entre eux ne portent pas de masques et ce genre de choses, et deviennent trop fermer et ils sont très submergés par elle. Je connais beaucoup de gens qui luttent avec thèmes similaires à cela donc c'est quelque chose qui est très relatable et j'ai pu le transmettre en utilisant ces techniques frénétiques, portables et cardan. Maintenant, avec cela dit, quand ce personnage rentre de l'extérieur, ils prennent une profonde respiration et peuvent commencer à se détendre. C' est à ce moment que la caméra devient plus stable car elle communique visuellement ce sentiment plus stable. Si j'avais gardé le même mouvement de poche quand notre personnage entre chez eux, nous n'aurions pas le sentiment que c'est maintenant relaxant pour ce personnage. Nous aurions toujours la même tension et le public n'aurait pas de soulagement et ensuite ils seraient laissés tenir toute cette tension à la fin du film sans nulle part où aller. n'est pas vraiment ce que je voulais communiquer avec cette prise de vue, c'est pourquoi j'ai pu concevoir mes techniques de caméra pour permettre la libération de la tension que j'avais accumulée au début du film. Maintenant, bien que j'aime beaucoup de mouvement dans mes films, c'est mon style personnel. Si vous aimez que les choses soient plus verrouillées sur un trépied et plus statiques, c'est tout à fait correct. L' art est subjectif et ma façon de faire les choses n'est en aucun cas votre façon de faire les choses ou la seule façon de faire les choses. Avec cela, vous pouvez utiliser différentes techniques, comme obtenir beaucoup d'angles différents et venir lentement plus sur le personnage pour augmenter le drame. Cette augmentation du drame à travers les émotions du personnage motive cette caméra à se rapprocher. En outre, quelque chose que vous voulez éviter et il est facile de tomber dans un piège quand vous utilisez un cardan est juste de se déplacer autour de votre personnage sans véritable sens de la direction. Ce que vous voulez faire, c'est laisser votre personnage diriger le mouvement de votre appareil photo. Ne soyons pas confus, tu as toujours le contrôle de la caméra. Cependant, les mouvements de ce personnage, ils bloquent, comme on l'appelle, qui se déplace à travers la scène. Laissez cela dicter où votre appareil photo va être pointé. mouvements de came très simples et constants sont juste à suivre quelqu'un où ils viennent dans leur maison, vont à la cuisine et viennent sur le canapé. Ces mouvements sont très simples. Mais parce qu'ils sont simples, ils sont très efficaces et ne font pas sortir le spectateur de l'expérience. Ce que nous voulons faire, c'est amener le spectateur et lui faire ne pas remarquer autant les mouvements. C' est quelque chose que nous voulons juste qu'il coule naturellement et qu'il se sente organique. Je sais que les carabines peuvent être très excitantes si vous en utilisez un, je voudrais juste vous donner un mot de prudence pour m'assurer que mouvements de votre appareil photo sont motivés par ce qui se passe dans votre scène. Par tous les moyens, si c'est une scène de combat intense, vous pouvez devenir un peu plus fou avec vos mouvements. De cette façon, il met l'accent sur l'énergie et le drame qui se passe dans cette séquence. Mais si vous avez juste un plus détendu, quelqu'un entre et ça se passe conversation avec son ami, vous n'avez pas besoin de tourner autour d'eux ou de déménager tout le temps si le contenu de la scène n'appelle pas pour cela. Regardez votre histoire, regardez comment vos personnages vont bouger, puis construisez votre mouvement de caméra à partir de cela pour qu'il soit naturel, organique et fonctionne dans la scène. Nous pouvons voir comment nous pouvons vraiment communiquer visuellement comment l'histoire bouge, juste avec nos mouvements de caméra seuls. Mais il y a plus de choses que vous pouvez faire pour communiquer ces choses dans votre histoire. L' un d'entre eux est l'éclairage, qui est maintenant ce à quoi nous allons passer. 7. Éclairage mobile: Nous avons parlé de mouvement de caméra motivé et maintenant nous allons parler d'éclairage motivé. Oui, tout comme la façon dont les mouvements de la caméra peuvent être motivés par ce qui se passe dans votre scène, votre éclairage est également motivé par ce qui se passe et doit avoir un sens de la même manière. Maintenant, cela ne veut pas dire que ne soyez pas créatif avec votre éclairage, il y a certainement des façons de jouer avec. Mais cela vous donne un bon point de départ pour ensuite construire dans n'importe quelle scène dans laquelle vous êtes. Un exemple de ceci est quand nous étions sur le début de tir le point d'entrée de notre personnage entrant dans leur appartement. Comme la lumière était naturellement dans l'espace, il n'avait pas de sens pour eux d'avoir une lumière allumée déjà car il était l'extérieur de sorte qu'ils entrent dans l'appartement et il fait sombre. Maintenant, cela dit, il y a une quantité décente de lumière de fenêtre entrant, mais il est juste de les rétro-éclairage. Bien que personnellement, j'aime rétro-éclairage d'un sujet, il laisse le visage assez sombre. Un moyen que nous avons utilisé pour corriger cela était de mettre un petit tube lumineux juste dans le coin pour ajouter un peu de remplissage à un côté du visage de notre personnage et ainsi ils ne sont pas complètement dans l'ombre. Maintenant que nous tournons toujours dans l'ombre de leur visage pour créer ce drame que nous voulons pour la scène. Maintenant leur visage est un peu plus éclairé, mais il ne brise toujours pas le fait qu'ils sont éclairés par une fenêtre. On dirait qu'il s'enroule. Alors que si on avait la lumière du côté de la caméra et qu'on allume complètement ce côté de leur visage, on dirait qu'il y a une autre lumière allumée dans l'appartement. Alors ça amène le spectateur un peu en pensant, ok, il y a déjà une lumière allumée, quelqu'un est déjà à la maison ? Ils vivent avec quelqu'un ? S' ils vivent avec quelqu'un, alors c'est peut-être une bonne chose à faire, mais dans ce cas, on les fait vivre seuls et on éteint les lumières quand ils entrent. Donc, cela n'aurait pas de sens d'avoir cela sur le contraire, car cela attirera le spectateur hors de cette situation. En étant un sujet assez dramatique et non le plus léger ici, nous voulons garder un peu plus d' esthétique à cela et c'est une façon que nous avons fait cela. Si nous tournons quelque chose comme une comédie, par exemple, le niveau de lumière global serait beaucoup plus léger et l'appartement lui-même serait plus lumineux. Ce serait quelque chose où nous éclairerions très fortement la scène, mais ce film en particulier ne l'a pas demandé, c'est pourquoi nous ne l'avons pas fait. Il est important de garder à l'esprit en sachant ce qu'est votre genre et, à l'inverse, ce que vous voulez que le public ressente. Maintenant que nous commençons à entrer dans l'appartement, toutes mes lumières deviennent lentement de plus en plus chaudes et c'est pour susciter une sensation chaleureuse et confortable pour le spectateur. Tout ce que nous avons tourné à l'extérieur pour qu'il soit un peu cool en termes de température de couleur, et c'est pour susciter une sensation de froid et d'inconfort chez notre spectateur. Ensuite, quand nous entrons, cette chaleur est alors de permettre à ce spectateur de se sentir plus à la maison tout comme notre personnage se sent plus à la maison. Mais, cela doit encore avoir un sens avec la façon dont la scène est photographiée, donc en utilisant notre connaissance de l'éclairage, le soleil est d'environ 55 000 Kelvin sur l'échelle de température de couleur. Maintenant, pour que les choses se sentent plus chaudes, si j'avais ce tube lumineux sur leur visage à quelque 3 000 Kelvin, comme une ampoule de tungstène. Eh bien, ça ne donnerait pas vraiment le sentiment que nous voulons et va sortir le spectateur parce qu'alors il n'imite plus la lumière de la fenêtre. Il donne maintenant ce bourrage de tungstène bizarre sur leur visage, ce qui peut alors sortir notre spectateur pour un instant. Tu peux penser, d'accord, le spectateur ne va pas prendre ça et tu as peut-être raison, mais ça va se sentir. Nos yeux sont formés pour savoir ce qui se sent bien et si nous avons cet ensemble pour que cela n'ait pas de sens avec la scène, notre spectateur l'interprétera comme se sentant déplacé et alors il ne vendra pas le sentiment que nous voulons. Ensuite, il peut laisser notre spectateur se sentir un peu insatisfait et ne pas vraiment sûr de ce qui se passait. Ce sont ces petits réglages subtils qui peuvent vraiment faire ou casser votre film et c'est pourquoi vous voulez toujours travailler hors de la lumière qui se trouve dans l'espace. De cette façon, vous pouvez créer un film qui a du sens et qui est efficace, en particulier pour votre spectateur. Maintenant, une autre technique que nous avons utilisée, quand ils entrent dans l'appartement, nous les avons allumés une bougie. En allumant la bougie, il y a quelques façons que nous pouvons avoir cette lumière sur eux parce que la bougie elle-même pour notre scène est allumée, ne va pas leur donner assez de lumière sur le devant d'eux que nous avons besoin. Donc, pour ce film, nous avons utilisé le même tube lumineux dans la séquence d'entrée. Nous l'avons utilisé juste sur le côté, remplissant bien leur visage avec une lumière pratique en arrière-plan. Une lumière pratique est toute lumière qui est sur le plateau qui est dans votre cadre. Ça fait partie du pansement de l'ensemble, si vous voulez. C'est une lampe. Si vous aviez un tas de tubes lumineux dans un clip vidéo, ceux-ci seraient considérés comme des pratiques où vous les voyez briller dans différentes choses, allumer et éteindre dans le plan. S' il est dans le tir, il est considéré comme un pratique. Sauf si vous attrapez accidentellement une lumière dans le tir, auquel cas cela ne devrait pas être là. Maintenant, cela dit, notre tube lumineux a en fait un réglage dessus pour donner un scintillement de bougie, qui est ce que nous avons mis là. Maintenant, j'ai fait appeler ça jusqu'à 1 pour cent. En tant que scène générale, il faisait assez sombre et nous allons éteindre la lumière que nous avions là-dedans. Notre configuration d'éclairage pour cela était pratique R1, donnant un peu de rétroéclairage sur notre sujet. Puis j'ai eu un panneau lumineux rebondissant dans le coin du mur et le plafond agissant comme ce que nous appelons un co-light, presque comme un grand parapluie pour rebondir vers l'extérieur. Maintenant, ce n'était pas assez lumineux ni assez dur pour avoir l'impression que la lumière venait de n'importe où spécifiquement. Cela a juste fonctionné pour mettre en valeur l'ambiance globale de sorte que rien ne tombe dans l'obscurité complète. C' est ainsi que nous pouvons construire un schéma d'éclairage pour ajouter plus de profondeur dans un cadre, ce dont nous parlerons aussi un peu plus tard. Avec ce scintillement, si on l'avait trop brillante, ça ne serait pas naturel pour la façon dont notre scène est allumée. On dirait pas que c'était une bougie, on dirait que c'est un feu rugissant juste devant leur visage. Bien que ce soit ce que vous voulez, si vous avez quelqu'un qui regarde un feu, c'est juste une petite bougie, donc nous l'avions sur une puissance inférieure. Maintenant, il y a un moyen que vous pouvez réellement recréer ce scintillement sans utiliser quelque chose comme ce tube lumineux. C' est un moyen très peu coûteux et facile de le faire avec un budget. Tout ce que vous avez à faire est simplement de prendre une lampe domestique. Maintenant, je recommanderais quelque chose avec un équilibre de couleur tungstène, il est donc plus chaud comme votre ampoule domestique ordinaire moyenne. Maintenant, avec ça, tu veux prendre un réflecteur 5 en 1 et le mettre sur le côté or. En outre, vous pourriez obtenir du papier d'aluminium d'or, quelque chose comme ça aussi, fonctionnerait très bien. Mais, plus la surface peut parfois être meilleure, surtout si vous filmez quelque chose avec plus d'une personne. Bien qu'il s'agisse d'une petite source de lumière que nous imitons, nous pouvons la rendre un peu plus flatteuse en augmentant la taille de cette source de lumière. Tant que nous la positionnons en contexte avec l'endroit où se trouve cette bougie ou cette flamme, cela aura du sens pour cette scène et ne fera pas sortir le spectateur. Cela dit, vous pointerez votre lampe dans le réflecteur et ensuite vous agririez ce réflecteur d'avant en arrière et ensuite créer cette lumière sur votre sujet. C' est un très bon truc de bricolage que j'ai vu utilisé sur différents ensembles, surtout avant l'âge de ces tubes de lumière et c'est un moyen très économique. Tu peux t'en sortir avec ça. Toutes les techniques que je partage avec vous ici, vous pouvez utiliser avec vos propres lumières domestiques. Le tube lumineux que j'ai utilisé pour remplir devant le visage d'Abby, si vous aviez juste un morceau de papier blanc et une lampe de poche, vous pourriez briller ça et donner un peu de remplissage là-bas. Maintenant, je dis morceau de papier blanc parce que les lampes de poche peuvent être un peu trop lumineuses pour la scène que nous créons en fonction de la puissance de votre lampe de poche. Moi-même, j'aime utiliser ceux avec un peu d'umph pour eux, c'est pourquoi ce morceau de papier couperait assez cette lumière et rendrait cette source plus grande, la rendant plus flatteuse et adoucissant la lumière que nous mettons sur leur visage. Une autre façon de le faire si ce morceau de papier est trop fort, est de prendre quelque chose comme un rideau de douche ou papier de soie et de le mettre plus loin de cette lampe de poche, cette lampe que vous utilisez, et puis créer une belle source de lumière douce à partir de cela. C' est ainsi que vous fabriquez quelque chose comme un diffuseur DIY pour votre lumière. Il y a aussi du gel de diffusion que vous pouvez obtenir, mais c'est un moyen bon marché et bricolage facile de le faire. Ne pensez pas que vous avez besoin de lumières coûteuses pour avoir un schéma d'éclairage motivé qui convient à votre configuration, utilisez ce que vous avez et obtenez des choses créatives bricolage si vous le devez. Vous pouvez certainement le faire sur n'importe quel budget. Pour vous donner une idée de cet éclairage motivé et comment le faire avec un budget. J' ai pu allumer une scène de conduite de nuit où nous avions la voiture à l'arrêt, mais nous avons fait croire qu'elle bougeait la nuit. Nous l'avons fait avec quelques outils simples. Nous avions quelques lampes lumineuses, certaines que nous avons rebondi de sources et d'autres que nous avions comme lampadaires. Ensuite, nous avions une lampe de poche sur un pivot pour travailler comme une voiture passant devant pour imiter ces phares. Ensuite, pour notre lumière clé, une de ces lampes vient de rebondir sur une surface réfléchissante. Ensuite, à partir de là juste pour créer un peu d'ambiance, nous avons eu une petite lumière dans la voiture elle-même juste pour donner cette ambiance globale là-dedans. Ensuite, pour les lumières qui passent, nous avons utilisé un projecteur projeté à travers un rideau de douche pour obtenir l'effet que vous verrez ici sur l'écran pour vous montrer comment nous avons fait cela. Nous avons eu un peu de notre équipe pour cela car ils étaient tous des lumières en mouvement individuellement, mais cet exemple est de vous montrer comment vous pouvez vraiment créer un système d'éclairage motivé, quel que soit votre budget. 8. Ajouter de la profondeur à votre cadre: Maintenant, nous allons parler d'ajouter de la profondeur à votre cadre et de quand le faire ainsi que de la façon de le faire. Il existe plusieurs façons d'ajouter de la profondeur à un cadre. Il y a quelques cas dans lesquels vous voudriez, si vous photographiez dans un environnement sombre et que vous avez un mur noir, il pourrait simplement apparaître comme un trou noir qu'il n'y a aucune information là-bas. Une façon d'ajouter de la profondeur est d'y ajouter un ensemble de pansement. Si vous ajoutez une lampe ou si vous ajoutez des plantes ou quelque chose comme ça. Une autre façon de le faire est d'ajouter une petite lumière. C' est pourquoi j'aime avoir ces petits panneaux lumineux de petite ouverture autour. De cette façon, je peux les prendre à différents endroits pour ajouter un peu d'intérêt visuel. Si j'ai un gros trou noir dans mon cadre, ça fera ressortir ça. Donc, ce n'est pas seulement un grand point de néant, qui est généralement ce que nous ne voulons pas dans un cadre. Cela dit, il y a quelque chose d'utilisé sur beaucoup de productions à gros budget qui ajoute beaucoup de profondeur et d'humeur à votre tournage. Il élève l'ambiance générale et aide simplement à créer la sensation globale et l'ambiance. Maintenant, c'est en fait un élément de base et fait dans beaucoup de productions différentes, surtout celles sur lesquelles j'ai travaillé. C' est l'utilisation de brume ou d'une machine à fumée. Maintenant, il y a différentes façons de le faire. Lorsque vous le faites à l'intérieur, il est toujours préférable d'être prudent et d'avoir un peu de ventilation autour car il peut être facile d'en faire trop. Bien que nous utilisions de la fumée et de la brume sans danger, il peut également être nocif pour les poumons si vous en avez trop parce que vous ne respirez pas suffisamment d'oxygène, alors soyez certainement prudent lorsque vous l'utilisez. Une autre option est quelque chose qu'on appelle aérosol atmosphérique. C' est juste une petite boîte de cette brume qui est très sûr à utiliser et vous venez de la pulvériser dans l'air et cela crée cet environnement brumeux agréable. En fait, dans ce film, quand nous sommes à l'intérieur, quand nous faisons les bits intérieurs, j'utilise cet aérosol d'atmosphère pour ajouter à l'aspect général. Ce ne sont que quelques conseils sur la façon dont vous pouvez vraiment créer votre cadre et le construire pour être la meilleure chose possible. 9. Élaboration d'une liste de plans: Maintenant, il est temps de construire notre liste de shotlist et planifier comment le tournage se déroulera quand nous serons sur le plateau. Maintenant, il y a deux façons d'organiser ceci en termes de chronologiquement par la scène, ou alors vous pouvez aussi le réorganiser en fonction de ce que vous allez filmer quand. Si vous avez plusieurs scènes qui se déroulent au même endroit, il est parfois avantageux de tirer tout ce qui se trouve à cet endroit avant de vous déplacer à un autre endroit et d'avoir besoin d'obtenir autre chose plutôt que d'aller et venir. Pour le film que je crée, je compte seulement avoir environ trois lieux différents sur 2-3 scènes différentes, et pour cela, je vais planifier le tournage chronologiquement, même si c' est souvent ce que nous ne ferons pas, surtout s'il s'agit d'un projet plus vaste. Nous allons filmer toutes les scènes dans un endroit, puis passer à l'endroit suivant, filmer tout là-bas, et ainsi de suite, et ainsi de suite. Quand j'ai été sur de grandes productions, c'est comme ça que nous le faisons presque toujours. Mais encore une fois, c'est juste en termes de construction dans la shotlist. Quand tu iras le filmer, tu feras tout ce qui est sensé. Maintenant, il y a un tas de modèles de shotlist là-bas que vous pouvez trouver, il y a quelques grandes ressources, mais aux fins de cela et du contenu original et tout, j'ai fait ma propre feuille de calcul et je serai en incluant ceci dans les notes de cours ci-dessous afin que si vous le souhaitez, vous pouvez passer par là et le remplir comme vous le souhaitez, et de cette façon vous êtes déjà familier avec elle. Cela dit, je vais également joindre quelques liens pour différents modèles de shotlist que vous pouvez trouver aussi bien à travers ces autres sources. J' en ai utilisé beaucoup auparavant, et juste basé celui-ci sur ce que j'avais besoin d'avoir pour cette photo, et basé sur ce que j'ai appris de ces modèles dans le passé. Vous pouvez voir ici, hors de la chauve-souris, nous avons un modèle de shotlist assez simple. C' est juste quelque chose de très basique que je voulais jeter ensemble pour que je puisse vous montrer comment je construis une shotlist, et puis de cette façon, vous pouvez savoir ce que je cherche quand je construis ceci et ce que je prévois. Nous voulons avoir notre membre de la distribution et le personnage pour les besoins de ça, ils n'ont pas vraiment de nom, donc nous allons juste les appeler Sam. J' ai un 1 à côté de Sam, car c'est notre premier membre. Si nous avions quelqu'un qui était un acteur de soutien, nous les placerions en tant que numéro 2, et en gros, en bas de la liste comme ça. feuilles d'appel shotlistsing sont généralement le casting en fonction de qui est le personnage principal, puis qui est le plus important au-delà de cela. J' ai vu les chiffres aller jusqu'à des centaines, surtout quand vous obtenez différents membres de la distribution juste pour un jour ou deux à la fois, puis les ramener quelques épisodes plus tard juste pour un autre jour ou deux. Maintenant, avec cela dit, nous avons juste notre seul personnage, en gardant les choses simples. C' est Sam, et on peut laisser le numéro 1 pour le reste. Nous avons notre première scène ici, et les différents clichés que nous allons obtenir. Ensuite, à partir d'ici, nous allons énumérer une description approximative de ce que nous attendons de la prise de vue. Notre premier coup, je voudrais que ce soit un coup de foc révélateur. L' action pour cela, c'est notre personnage qui marche dans le cadre, donc nous dirons, Sam entre dans le cadre révélé par la caméra. Framing, nous allons être à propos d'un tir moyen long, donc nous pouvons mettre ML pour ça. Habituellement, surtout dans ces types de choses, vous voudrez essayer d'utiliser autant d'acronymes que possible. C' est là que vous entrez dans l'ECU, si vous faites un gros plan. Fondamentalement, vous prenez la première lettre de chaque plan différent, combinez-les ensemble, et vous avez votre acronyme. Maintenant, le mouvement, nous allons faire un mouvement de flèche pour ça donc c'est tout ce qu'on a à dire. Notre angle est assez au niveau des yeux. Nous commençons en haut, puis nous commençons à regarder vers le bas un peu sur le personnage. Je vais mettre un léger vers le bas. Maintenant, tu pourrais juste écrire, mais je suis juste en train d'écrire ça alors je l'ai quand on sort et tire. Ensuite, à partir de là, pour rester dans l'émotion très intense, nous voulons essentiellement être liés à l'émotion du personnage et ne pas avoir vraiment trop de place pour élargir à partir de là. Donc je vais rester assez serré pour la majorité de ce tir. Pour cela, j'écris en fait que nous faisons un jib dans un tir de poursuite, et c'est juste pour montrer que le mouvement de la flèche ne se termine pas. Le tir ne se termine pas lorsque le personnage entre dans le cadre, et le mouvement de la flèche se termine. De là, nous suivons le personnage tout en continuant à marcher dans la rue. Ensuite, notre deuxième tir sera un traqueur Sam marchant en détresse à cause des gens. C' est juste une façon très simple d'expliquer que Sam est en détresse à cause de tant de gens dehors, donc ça va être un tir de suivi qui les suit alors qu'ils se promènent, regardent autour, et ce truc. Ça, je vais vouloir que ce soit un gros plan, donc je vais marquer ça comme CU. Ça va être un coup de pistage. Ce sera probablement sur un cardan car nous tournons cela sur caméras sans miroir pour vous donner la meilleure idée d'une option économique conviviale. Vous n'avez pas besoin d'une caméra de cinéma coûteuse pour créer des visuels cinématographiques. Vous pouvez l'exécuter sur votre téléphone, DSLR, n'importe quel appareil photo que vous avez fera très bien car les principes fondamentaux sont les mêmes quel que soit votre équipement. A partir de ça, nous allons être au niveau des yeux, je pense, et de cette façon nous pouvons rester avec et de cette façon nous pouvons rester avec le personnage et il n'y aura pas trop de choses drôles en cours. Ensuite, nous aurons un tir de suivi inverse. Maintenant pour ça, Sam va être affligé et regarder par-dessus leur épaule, et nous voulons l'indiquer ici. Pour cela, nous allons avoir un gros plan qui est aussi un par-dessus l'épaule. Ce que ça veut dire, c'est que je vais suivre derrière eux sur le cardan, et ensuite on verra l'arrière de leur tête, un truc sur l'épaule. Voici la caméra, voici leur tête. Nous suivons ensemble, et de temps en temps, ils regarderont en arrière, et je vais l'attraper dans le gros plan. C' est juste quelque chose pour avoir plus de variété et nous donne plus à jouer quand nous entrons dans le montage, et de cette façon j'ai différents points de coupe et ça fonctionnera très bien. Ce sera aussi un mouvement de suivi. Encore une fois, nous serons à peu près au niveau des yeux pour cela. Ensuite, nous ajouterons un autre coup avec Sam. Cette fois-ci, nous allons les faire arrêter un instant en ayant l'air très affligés, et ensuite nous allons passer de les voir à voir un tas de gens traîner de l'autre côté de la rue, puis revenir à un gros plan de leur visage. On aura deux photos pour couvrir tout ça, on en ajoutera un autre ici. Sam s'arrête, affligé en regardant les foules. Ensuite, cela va aussi être un gros plan. Pour cela, nous aurons un léger dolly en avant afin que nous puissions augmenter le drame là-bas. Maintenant, c'est juste la façon dont j'aime faire cela, encore une fois, vous n'avez pas besoin d'utiliser ces termes spécifiques et tout ce que j'utilise si cela fonctionne pour vous, cela fonctionne pour vous, c'est juste un bon point de départ. Maintenant, nous allons voir Sam regarder la foule, sauf que ce coup va être un long coup sur la foule, donc nous allons faire un long coup sur l'épaule en regardant du point de vue de ce personnage. Nous voyons par-dessus leur épaule les foules de gens, sorte que cela donne le contexte de ce qu'ils regardent. Cela va, pour la plupart, être à portée de main, nous aurons un peu de secousse là-dedans pour que ce mouvement frénétique continue. Encore une fois, nous allons être au niveau des yeux ici. Ensuite, je veux un coup d'eux qui nettoie leurs mains. Sam entre dans les désinfectations et s'en va. Ce sera plus un tir moyen, peut-être moyen gros plan, donc je vais mettre MCU là. On appellera ça un coup de Steadicam comme on est sur le cardan. Vous pouvez mettre cardan Steadicam, quelque chose comme ça, va l'expliquer assez bien. Ça va avoir un peu baissé alors qu'on les regarde désinfecter leurs mains et s'en aller. Maintenant, une photo supplémentaire que je veux avoir dans la scène est ce que nous appellerons insertion de gens qui passent par là. C' est quelque chose que tu pourrais appeler B-roll. B-roll est plus vrai quand vous faites un style documentaire et que vous avez quelqu'un qui parle de quelque chose et ensuite les images qui jouent. C' est plus un insert où nous avons l'intention de mettre cette chose spécifique ici donc nous insérons juste ce plan. Beaucoup de fois, c'est des gros plans extrêmes, mais dans ce cas, ce sont juste des petits morceaux à couper d'avant en arrière. Pour ça, ce sera probablement un tir moyen là-bas. Alors tout cela sera porté à la main pour vraiment capturer cette nature. Je ne vais même pas utiliser le cardan pour cela, je veux que ce soit un coup de vue de style POV d'eux regardant autour comme les gens passent, donc je veux que ce soit un peu plus secouant, l'angle en tant que PDV. C' est juste de leur point de vue. Cela va à peu près finir cette scène et nous continuerons avec le reste de la liste restreinte où nous continuons le numéro de tir, mais le numéro de scène est juste cogné là-haut. La scène suivante va juste être qu'ils viennent et commencent à entrer dans leur espace de vie. On va juste marcher dans la ruelle. La promenade vers le bas va commencer comme un tir long et ensuite il va passer à un tir moyen là-bas. Nous indiquerons que ça va être un long coup. Ce coup sera un foc et un chariot à l'envers. Nous commençons à les révéler en sortant au coin de la rue, puis à revenir un peu avec eux. Avec cela, cela va être plus à un angle de niveau des yeux encore. Ensuite, à partir de là, nous aurons un insert d'eux déverrouillant la porte. Ce sera juste à peu près un gros plan moyen là-bas. Ça va être sur un Steadicam et ça va aussi être un tir vers le bas. Vous remarquerez beaucoup de cela jusqu'à présent, c'est soit le niveau des yeux, soit le regard vers le bas. Autrement dit, comme nous en avons parlé avec un mouvement de caméra motivé, c'est pour les rendre plus petits et plus petits comme c'est actuellement ce que ressent ce personnage. C' est une façon que vous pouvez utiliser pour illustrer cela. Ensuite, nous passons à notre dernière scène, la scène numéro 3. Je pense que nous allons avoir quelques photos différentes ici, je suppose que cinq fois. Nous allons les ajouter. Notre première photo de cette scène va, les faire entrer dans l'appartement et enlever leur masque. Que nous allons être sur un curseur et avoir un dolly en arrière. Nous allons commencer par un gros plan moyen et passer à un tir moyen long. Ça va être une poupée de retour. La raison pour laquelle nous sommes en train de revenir est de diminuer la tension. Maintenant, ils prennent une grande respiration, la laissant sortir pour qu'on diminue la tension qui s'est accumulée. Avec cela, notre angle de caméra va maintenant commencer à changer un peu là où nous allons en fait avoir un peu vers le haut en les regardant. Maintenant, ils sont plus en contrôle et ils ont un peu plus de pouvoir, alors qu'avant ils se sentaient un peu impuissants. De là, ils vont entrer dans l'espace de vie, déposer un manteau et ramasser une bougie. Avec ça, nous allons commencer par un long tir, nous verrons leur corps entier entrer. Ensuite, alors qu'ils s'assoient, nous nous retirerons et nous terminerons autour d'un gros plan moyen. Ça va être un, un autre dolly à l'envers. Encore une fois, nous apaisons beaucoup de tension ici. Nous aurons un autre léger angle de montée juste de cette façon, encore une fois, ils sont la source d'énergie ici. Maintenant, le pouvoir est passé de se sentir impuissant à eux ayant plus de contrôle. Notre prochaine photo sera un insert de ceux qui déposent leur veste. Mettre la veste sur la chaise. Avec ça, je dirais autour d'un gros plan ici, et ce sera en fait un coup de camion qui les suivra latéralement quand ils entrent, et cela va être assez niveau des yeux à l'endroit où il est réellement mis vers le bas. Maintenant, nous allons en avoir une insertion, de Sam allumant la bougie. Ça va être un autre gros plan, et ça va aussi être un coup de camion, nous allons suivre pendant qu'ils se déplacent là-bas. Peut-être qu'on aura un peu d'ajustement à suivre, mais je pense que ça devrait être plutôt bon. Encore une fois, cela va être à peu près niveau des yeux. Notre dernière chance ici va être Sam expirant, se sentant soulagé. Cela va commencer à un gros plan moyen et aller à droite dans un gros plan, c'est un dolly avant. Ce que nous voulons vraiment faire ici, c'est pousser et commencer lentement à augmenter l'importance dans le personnage, nous commençons à ressentir beaucoup pour eux et que émotion est en train de se construire, puis ils prennent juste une grande expiration, et qui terminera notre film. Je vais avoir un peu plus haut, et puis nous sommes prêts à y aller, c'est notre liste de sélection ici. Je vais mettre ce modèle dans les notes de cours afin que vous y ayez accès. Je vais également montrer ce que j'ai écrit pour cela, sorte que vous pouvez faire référence à cela. En bref, nous allons parler du storyboard et de la façon dont vous pouvez le faire, et à partir de là, nous allons réellement aller à la construction de la scène elle-même. 10. storyboarding: Maintenant, on va parler de storyboard. La façon dont je vais storyboard c'est juste dans Procreate ici sur mon iPad et j'ai un modèle de storyboard de storyboard que encore une fois, ces différentes ressources que je vais énumérer dans les notes de cours ci-dessous. Pour cela, je vais aussi vous montrer les différentes façons identifier ce qu'est le mouvement de la caméra. Maintenant, je ne suis peut-être pas un illustrateur professionnel et vous ne devez pas non plus l'être, vous avez juste besoin de pouvoir communiquer à quoi ressemblera le plan. de suite, nous allons dessiner quelques symboles pour vous de sorte que vous pouvez voir comment dire quels sont les différents coups de feu. Si on veut s'incliner, on va avoir une flèche avec un petit gars qui s'en sortira. Si nous voulons incliner vers le bas, nous ferons de même avec une flèche là et vous les mettrez à chaque point différent de votre cadre. Encore une fois, j'inclurai également tous ces symboles différents afin que vous ayez cela comme référence pendant que vous êtes en storyboard, si vous choisissez de le faire. Maintenant, nous avons eu quelques avants de dolly et des dos de dolly dans notre tir. Avec ça. Nous aurons une grande flèche montrant la perspective là-bas, entrant et si nous devions revenir en poupée, nous aurions une grosse flèche qui reviendrait comme ça. Ensuite, autant que si nous faisons un zoom avant, c'est quand vous voyez ces petites flèches dans les coins ici, et c'est ainsi que vous savez que vous allez zoomer. Si vous effectuez un zoom arrière, les flèches pointent dans l'autre direction. C' est une bonne façon de dire entre un dolly avant, dolly arrière et zoom avant et zoom arrière comme l'un pointe vers l' avant et les autres sont les coins qui entrent. Dans l'effort de garder cela concis, je vais juste dessiner une scène pour vous donner une idée. Pour cela, nous allons faire celui de quand notre personnage entre dans l'appartement ici. En fonction de l'endroit où il se trouve, nous savons déjà à quoi il ressemble. Cela nous donne donc un bon point pour le tirer. Nous allons tourner dans un coin, donc nous garderons cela à l'esprit pendant que nous dessinons. Nous aurons tout juste sous un angle, car c'est juste quelque chose d'important à garder à l'esprit lorsque vous construisez votre cadre ici. On aura des manteaux accrochés sur un porte-manteau ici. C' est ce que ce gars est là et là, nous avons notre fenêtre et ensuite nous avons toutes ces fentes de la fenêtre là-bas et il y a de la lumière qui coule. Maintenant, nous aurons notre personnage principal, Sam , ici, qui portera un masque. On tirera ça et on dessinera ça autour de leur visage. Je crois qu'ils portent un chapeau pour cette scène alors on va dessiner ce chapeau là-dessus. Avoir leurs yeux regarder dehors, puis voici eux qui prennent une grande respiration profonde dedans. Encore une fois, vous pouvez voir que vous n'avez pas besoin d'être le meilleur artiste pour faire cela, vous avez juste besoin d'avoir une idée de ce qui se passe dans votre cadre. Ensuite, à partir d'ici, nous allons donner notre flèche pointant vers l'arrière pour que nous puissions montrer que c'est un coup de dos là-bas. Cela dit, je ne suis pas une énorme personne de storyboard, mais si cet outil fonctionne pour vous, alors par tous les moyens, utilisez-le au mieux de vos capacités et je laisserai ces ressources dans les notes de cours ci-dessous et j'espère que vous les trouverez comme très utile. Maintenant, avec cela dit, sortons et tournons sur notre scène. 11. Extérieur du plateau: Maintenant que nous avons discuté des principes fondamentaux, des règles, quand les briser, et que nous avons préparé notre tournage, maintenant il est temps de sortir et de le faire. Lorsque nous tournons les bits extérieurs, vous verrez, parce que c'était plus une configuration de pistolet en cours d'exécution, je ne voulais pas avoir à me soucier de la mise en place plusieurs caméras car c'était principalement moi et l'acteur, donc j'ai une GoPro attaché ici moi, sorte que vous pouvez voir le processus de la façon dont tout cela se passe. Ce que je vais faire, c'est que je parlerai Avi, l'acteur pour ça à travers la scène, et ensuite on tournera deux fois, peut-être avec quelques ajustements au fur et à mesure. De cette façon, nous avons quelques options différentes pour l'édition. Vous verrez sur la base de la liste que j'ai créée, nous avons essayé quelques coups de Gibb différents dans quelques endroits différents. Il semble que celui-ci ait fonctionné le mieux. Nous avons eu quelques personnes qui marchaient, ce qui a bien fonctionné pour le coup global que nous voulions. Vous pouvez voir en dirigeant Avi, ils ont été en mesure de vraiment illustrer ce sentiment de panique et submergé très bien et cela se traduit très bien sur la caméra. Ensuite, ce sont ces techniques que nous avons parcourues qui me permettent traduire encore mieux quand nous allons dans les gros plans ici, c' était le suivi des coups et comment ils regardent par-dessus leur épaule, et comment cela se traduit très bien. Maintenant tu réalises qu'il n'y a pas beaucoup de gens dans le coin et c'est bon, on peut faire quelque chose qu'on appelle la tricherie. La tricherie est essentiellement lorsque vous utilisez ce qui est configuré et que vous le modifiez un peu afin que cela ait du sens et cela fonctionne pour l'histoire, et cela fonctionne mieux pour la façon dont il va réellement se présenter à l'écran. De là, j'ai eu un tas de coups de main qui marchaient dans la rue. C' est juste faire passer les gens. De cette façon, ça a l'air très frénétique alors qu'ils se tournent, je vais couper quelqu'un qui passe. De cette façon, cela ajoute à ce sentiment chaotique global de tout. Maintenant, pour les coups d'épaule, les coups de fouet, etc, de ceci est fait sur un cardan et c'est pour avoir un peu de mouvement lisse, mais je le déplace un peu plus que je ne le ferais régulièrement, juste pour donner un peu de cette nature frénétique et ce style de poche là-dedans. Parce que quand je coupe à leurs PDV où je fais ce travail de poche, ça aura du sens avec la façon dont il est encore assez fragile. C' est vraiment quand nous entrons dans leur tête et c'est un point de vue qu'ils regardent les gens qui passent. Ensuite, nous avons coupé à leur regard et c'est un peu plus stable, mais c'est bon parce que leur point de vue à travers leurs yeux, tout est très fragile et très écrasant. Couper entre tout cela va créer une très belle séquence qui illustre vraiment ce qu'est cette scène. Ensuite, nous avons les gros plans où ils regardent et vous pouvez voir que j'emménage un peu et qu'ils me donnent des émotions différentes. En regardant autour, ça marche très bien. Ensuite, je viens sur les coups d'épaule d'eux où vous pouvez voir qu'on se concentre sur les gens de l'autre côté de la rue bondés, et ensuite on peut couper entre ça et ces gros plans. De cette façon, vous sortez cette émotion de là. Ensuite, nous avons aussi le coup de désinfectant ici. Ce qu'on a fait pour ça, c'est qu'on voulait qu'ils s'arrêtent pour faire une pause, qu'ils mettent du désinfectant pour les mains, qu'ils se frottent les mains. Ensuite, comme mentionné précédemment, nous avons encore un coup de révélation qui coupe à quand ils commencent à sortir de cet environnement écrasant. C' est alors qu'ils commencent à faire la transition dans leur maison. C' est pourquoi cette revue a été utilisée. Sinon, s'il s'agissait simplement d'une continuation de la même chose, il ne serait pas utile d'utiliser un tel tir révélateur, mais cela les révèle s'éloigner de cet environnement, ce qui, à mon avis, est très efficace. Vous pouvez voir dans la façon dont ils sont dirigés dans le langage corporel qu'ils ont, ils commencent à devenir un peu plus calme quand ils sortent par le tir là-bas. C' est quelque chose que j'aime toujours les faire est complètement entrer et sortir complètement. De cette façon, j'ai ces points de coupe que je peux couper sur l'action et ensuite couper à ma prochaine pièce. À partir de là, nous avons eu notre plan en bas les regardant, déverrouillant la porte, ce qui était un simple insert. Encore une fois, je suis juste sur le cardan dans les escaliers. Il y a quelques escaliers juste en dehors du cadre. Ils entrent dans le cadre, déverrouillent la porte, et ça marche très bien. Maintenant quelque chose à noter pour tous ces bits extérieurs, j'utilise un filtre de densité neutre. Parce que nous sommes sur un appareil photo sans miroir avec des objectifs de photographie, j'utilise un fil sur un filtre ND variable, sorte que je peux garder ce cadre doublé juste là et avoir toujours une profondeur de champ assez faible. Si j'avais trop de concentration, pas assez d'attention serait juste sur notre personnage ici, ce qui briserait ce sentiment isolé. Parce que tout le reste est très soufflé de focus, c'est comme ça que vous obtenez toujours ce personnage isolé, seul et submergé. C' est pour ça que j'ai mis ça ici. De cette façon, je pourrais avoir mes paramètres là où j'en ai besoin et l'image serait plus sombre. Si vous n'êtes pas familier avec ce qu'est un filtre à densité neutre, c'est essentiellement comme des lunettes de soleil, mais pour votre appareil photo. Vous le mettez et il assombrit l'image d'un certain nombre d'arrêts. De cette façon, vous pouvez ouvrir votre ouverture, vous pouvez fixer vos vitesses d'obturation afin qu'il soit au même rythme que ce que vous en avez besoin. Sinon, mon ouverture aurait été un peu baissée ou j'aurais dû augmenter ma vitesse de braquage, qui n'aurait pas fonctionné pour cette scène. C' est pourquoi j'ai utilisé cet outil à mon avantage. 12. Intérieur du plateau: Ici, nous sommes dans la section intérieure de ce. Fondamentalement, ce que nous faisons c'est continuer à partir de leurs voyages à l'extérieur alors qu'ils entrent par ici et ça va être plus calme. Vous remarquerez aussi que nous avançons dans la scène, à mesure que nous entrons ici, nous devenons de plus en plus chauds pour montrer qu'ils deviennent plus confortables se retrouvent un peu aussi. Maintenant, vous remarquerez dans cette scène que nous avons beaucoup de lumière qui arrive à l'arrière, et c'est d'où viendra une source principale de lumière. Maintenant, comme ils rentrent à la maison dans cette scène pour avoir cette lumière être motivée, nous ne voulons pas vraiment avoir une grande lumière dans la majorité de leur visage, car cela ne fonctionnera pas vraiment avec l'ambiance que nous voulons. peu près nous allons tourner dans le côté ombre de leur visage, alors peut-être ajouter un peu de lumière juste sur la caméra droite ou sur le côté gauche de leur visage. Avec ça, on a juste un petit tube lumineux caché ici. Ces choses sont très faciles à glisser dans un coin et ajouter ce peu de lumière. Nous ne sommes plus sur un cardan, nous ne faisons plus aucun mouvement de poche car le personnage est de plus en plus ancré et plus stable, donc nous voulons que notre configuration de caméra reflète cela. Pour la majorité de tout ce que nous allons filmer ici, nous allons être verrouillés sur un trépied ou sur un curseur. Abby, ce que je vais te faire faire, c'est probablement commencer dehors et ensuite juste rentrer, et on va filmer ça quelques fois et voir comment on peut ajuster le cadre. Je vais allumer ce gars juste pour ajouter ce petit peu de remplissage : donc étincelle. Voici quelques-unes des choses que vous devez garder à l'esprit lorsque vous tirez sur place. S' il s'agissait d'une production à gros budget, nous aurions en fait un directeur adjoint avec moi et un directeur adjoint à l'extérieur pour leur dire quand l' action est engagée et ainsi ils pourront suivre leur file d'attente et entrer. Mais comme nous faisons juste une petite installation ici, je vais juste appeler l'action pour Abby, ils m'entendront par la fenêtre et ils viendront ensuite. Sur les grands budgets, ce que nous ferons habituellement c'est que nous marquerons les acteurs pendant le blocage, mais ici comme nous faisons une configuration assez simple, je vais juste marquer Abby avant d'aller filmer, et ainsi ils savent où ils sont va être et je peux piéger leur visage aussi, sorte que nous pouvons le frapper à chaque fois. Je vais probablement passer à la mise au point manuelle juste pour le verrouiller, et de cette façon il n'y aura pas de hoquet quand on ira tirer. La façon dont nous marquons l'acteur est juste avec un petit t-mark qui couvre presque les deux pieds, de sorte qu'ils savent exactement où se tenir. Maintenant, quelque chose que j'ai remarqué dans ce cadre que je voudrais peut-être changer un peu : il y a une quantité décente de profondeur, mais je pense que nous pouvons fabriquer un peu mieux, et c' est quand vous apportez quelque chose comme une machine à fumée, brume, ou dans ce cas quelque chose comme ça. C' est ce qu'on appelle aérosol atmosphérique et c' est juste une version en conserve d'une machine à fumée ou quelque chose comme ça. C' est un moyen très sûr d'avoir un peu d' atmosphère dans votre cadre et ensuite vous pouvez obtenir des rayons lumineux, et dans l'ensemble, il apporte un peu l'ambiance et rend les choses un peu plus sombres et dramatiques. C' est actuellement sans aucune de la brume, et puis je vais juste faire [inaudible]. Vous pouvez voir la différence immédiate que cela a fait. J' ai fait un petit tour quand je suis venu verrouiller la porte. Est-ce que c'était bien ? Oui, j'ai vraiment aimé ça, ça a bien fonctionné. Je vais te demander de le faire encore une fois. Je voulais juste vérifier ça. Merci. Il est toujours bon de clarifier et de garder une ligne de communication ouverte, sorte que tout le monde sait ce qui se passe et sait comment le plan va être planifié et comment il va fonctionner. Je suis piégé, d'accord, et de l'action. Fantastique, laissez la coupe là. Parfois, j'aime toujours offrir à l'acteur la possibilité de revoir la lecture au cas où il voudrait voir comment il va. Je vais bien. Nous obtenons ces petits morceaux de rayons lumineux. Je ne pense pas que ce soit trop, et je pense que ça marche pour ça. Parfois, vous voulez juste garder un œil sur votre arrière-plan pour voir à quoi il ressemble. Je peux en fait, juste pour ça, mettre un manteau ici juste pour que ça rende tout uniforme et se mélange un peu. Alors je pense qu'on va prendre ça une fois de plus, et je pense que ce sera la bonne. C' est juste quelque chose que vous voulez garder à l'esprit, surtout lorsque vous fabriquez votre cadre. Nous voulons nous assurer qu'il n'y a rien de trop distrayant en arrière-plan, et s'il se passe quelque chose là-bas, que cela fonctionne pour le tir et que cela a du sens, puis vous pouvez l'ajuster pour fonctionner pour ce que vous cherchez. Action. Avec le mouvement de la caméra là-bas, vous pouvez voir comment il diminue la tension et permet de tirer vers l'arrière, autant plus qu'ils vont sortir du cadre. Je commence très près de leur visage car c'est cette réaction émotionnelle intense. Ils font un soupir profond et puis je réfléchis ça en tirant vers l'arrière avec la caméra. Maintenant, nous allons continuer la scène dans la zone principale, et ensuite nous allons vous montrer les techniques à partir de là. Ce qu'on va faire ici, ils vont entrer, déposer leur veste, et ensuite ils vont allumer une bougie et ramasser le livre. Maintenant, au début de cette scène, il va faire assez sombre. L' idée ici, c'est qu'ils vivent seuls, donc ils entrent dans un appartement et naturellement, il va faire assez sombre quand ils entrent. Nous illustrons qu'avec eux entrant dans l'appartement quand il était encore assez sombre, sorte que nous pourrions exposer pour l'extérieur et l'intérieur aussi bien. Mais cela fonctionne que nous l'avons un peu plus sombre et puis ils entrent, ils deviennent à l'aise, et tout se soulève un peu, il devient un environnement plus chaleureux et accueillant. Nous l'aurons un peu plus lumineux avec une ambiance globale plus grande. Ensuite, ce sera un beau, chaleureux, livre final et de la scène. Quand ils entreront, on va leur faire allumer une petite lampe ici pour deux choses. Premièrement, juste pour leur montrer un peu éclaircir l'espace, mais aussi, cela égayera notre scène afin que nous puissions voir ce qu'ils font. Je pense en ce qui concerne le mouvement de la caméra motivé que nous allons garder ce mouvement de retrait lorsque la tension diminue continuellement. C' est ce que nous essayons de faire ici est le début du film est très tendu et très fragile, mais maintenant il est plus stable. La tension diminue et nous voulons le montrer dans notre mouvement de caméra. Maintenant, nous avons à peu près notre cadre compris ici, pour l'ambiance globale quand c'était juste la lampe qui était allumée, je pensais que c'était juste un peu sombre, donc nous avons un panneau lumineux qui rebondit dans le plafond, créant un peu d'un beau rebond doux à venir, et j'ai que refusé un peu de quand nous tournons réellement et qui est juste pour donner un joli remplissage doux. Ce serait le même genre de chose si vous aviez un peu de lumière venant de l' extérieur et c'est juste pour ajouter un peu de niveau de lumière. Il crée un peu d'ambiance globale et ajoute un peu plus de profondeur dans le cadre, puis quand ce pratique est activé, il va agir comme un beau rétro-éclairage. Ensuite, ils descendront à la table ici, s'asseront et allumeront une bougie avant de lire leur livre. Maintenant, ici, j'ai un petit tube de lumière qu'on a utilisé pour ajouter un peu de remplissage à leur visage quand on a tourné la scène de la porte. Cela va servir d'éclairage motivé pour la bougie ici. Dans l'éclairage motivé avec le tube ici, ce que nous allons faire est de le faire agir comme si c'était la lampe de bougie elle-même. Vous pouvez voir quand vous l'allumez, qu'il a ce beau scintillement là-bas. En fait, ce que nous pouvons faire maintenant puisque nous avons ajusté la position de cette façon, nous n'avons pas besoin de la lumière ici. Il vaudrait mieux être éteint de l'autre côté, sorte que nous obtenons une belle lumière sur le devant du visage d'Abby, et puis de cette façon, il n'agit pas comme ce feu avant que nous avons actuellement. Je vais changer de position et vous montrer à quoi ça ressemble. Vous pouvez voir en fonction de l'endroit où la lumière est positionnée, cela fonctionne beaucoup mieux. Nous avons quand même réussi à tirer un peu dans ce côté de l'ombre du visage d'Abby, ce qui rend toujours le drame plus intense, et ajoute un peu à la prise de vue. Nous avons la lumière similaire à celle de la bougie, donc de cette façon, pour une personne nous avons une position, donc vous n'allumez pas complètement la bougie elle-même. Nous obtenons toujours la lumière de cela, mais nous allumons toujours Abby juste un peu puisque c'est la position dans laquelle se trouve la bougie, et c' est pourquoi il est logique d'appliquer de cette façon. Habituellement, nous ne voulons pas appliquer personne parce que cela rend les choses un peu effrayantes et non naturelles. Mais pour cela, c'est logique. Mais aussi c'est une source de lumière assez grande, qu'elle ne les allume pas complètement, donc cela ne nous donne pas ce sens mal à l'aise, que nous aurions autrement. De cette façon, c'est une lumière agréable et flatteuse. Nous avons cela pratique en arrière-plan et nous obtenons juste assez d'ambiance de notre panneau de lumière leur pour créer une belle photo. Maintenant, je pense que ce qu'on va faire ici c'est ajouter un peu de brume juste pour que tout soit un peu plus agréable et ensuite on sera bien pour avoir le tir. Depuis que je concentre manuellement le tir, quelque chose que les extracteurs de mise au point font avec lequel j'ai travaillé est qu'ils marquent la distance de l'endroit où ça va être. Maintenant, nous ne sommes pas en train de se concentrer sans fil. Je le fais juste sur l'objectif, donc je vais mettre quelques marques pour m'assurer que je suis en mesure de les garder au point. Maintenant, nous avons aussi changé notre objectif car il est un peu plus sombre ici par rapport à l'extérieur, sorte que cet objectif a un arrêt F plus bas afin que nous puissions l'ouvrir jusqu'au haut. De cette façon, nous sommes en mesure de capturer l'ambiance agréable que nous avons créée dans la scène ici. Nous commencerons avec cette lumière allumée et la caméra roule, et l'action. Belle, et cela nous donne juste un joli petit point de coupe là-bas, changer un peu l'action, et le mouvement de la caméra est motivé par eux qui descendent et s'assoient, donc ce n'est pas comme si je faisais un mouvement de caméra inutile ce qui serait très facile à faire. Je vais commencer sur la bougie elle-même. Nous obtenons une belle petite lumière qui revient de notre lumière pratique là-bas, donc il y a un peu d'ambiance qui se passe et puis, quand ils allument la bougie, j'allume notre lumière ici et puis, ce sera bon d'aller . Je peux en fait élever un peu ce gars et le faire tourner autour, juste pour que ça rebondisse et arrive sur leur visage assez bien. Même si nous n'avons pas vraiment leur visage dans le coup, il va juste tomber sur leur corps assez bien. Je vais ajuster un peu mon cadre, donc faire un mouvement comme celui-ci pour suivre leur main alors qu'ils attrapent la bougie là-bas. La caméra roule et l'action. Vous remarquerez que je commence mon mouvement de caméra juste avant que je leur dise l'action, donc ce n'est pas de l'action et il y a un saut. C' est bien commencer à déplacer l'action et puis tout coule bien plutôt que d'avoir ce petit peu de saut là-dedans. Action. Parfait, et c'est tout, coupe. On l'a fait. Avec ça, ça termine notre tournage de la scène, alors maintenant nous allons la mettre ensemble. Nous allons éditer le tout, puis je vais vous parler de la façon dont le montage s'est réuni et des différentes choses dont nous avons parlé et comment il se traduit à l'écran. Merci d'avoir veillé jusqu'à ce point. On se voit de l'autre côté de ça. 13. Visualisation du tournage: Ici, nous avons tous nos derniers morceaux de scène édités. Si vous voulez voir comment éditer quelque chose comme celui-ci, je peux certainement aussi faire un cours d'édition complet. Mais pour que cela reste concentré sur la cinématographie, je veux juste vous montrer le produit final et comment nous y avons travaillé. Une nouvelle étude du CDC suscite l'alarme sur les variantes du coronavirus qui se propagent à travers le pays. Ils ne peuvent pas suivre. Il y a un gros arriéré de cas, donc les gens... Super propagation d'événements et d'épidémies. Ce virus a le potentiel de rendre beaucoup d'entre nous malades de fièvre, de toux ou même de mort. Elle évolue maintenant d'une manière qui pourrait réduire l'effet des vaccins existants. COVID-19. Je sais... Vous pouvez voir du côté audio, j'ai ajouté des reportages différents sur le virus et ce genre de choses, juste pour ajouter à cette nature chaotique globale. Vous pouvez voir que je fais des allers et retours assez vite ici, de cette façon, ça maintient ce sentiment chaotique, ce qui rend cette humeur vraiment chaotique. Vous pouvez voir que j'ai ajouté quelques coups tels que les gens marchant en toussant, etc, juste pour ajouter à ce sentiment chaotique global de tout. Vous pouvez voir comment ces plans de PDV et ces gros plans coupés ensemble fonctionnent vraiment bien quand vous allez entre les deux. Ils ajoutent vraiment à cette nature frénétique. Ensuite, nous les faisons arrêter, désinfecter leurs mains. Ensuite, nous les coupons en regardant loin. C' est normal, parce que c'est juste ce sentiment qu'ils ont. Parfois, tu voudrais jouer toute cette ombre. Mais ici, nous y avons réduit. Alors, voilà. Ça pourrait même être quelque chose où ils regardent comme ils le font, mais ça a la photo. Ensuite, voici ce coup de révélation, où vous pouvez voir la caméra bouge et ils commencent à entrer. C' est ce genre de chose où je commence à bouger et ensuite je leur appelle l'action, donc le mouvement est déjà en marche et puis au moment où ils entrent dans le cadre, j'ai déjà bougé, mais je n'ai pas trop attrapé un cadre vide avant leur arrivée, et c'est comme ça qu'un beau coup de révélation fonctionne. Ensuite, vous pouvez voir qu'ils commencent à se rapprocher de la caméra et à sortir complètement du cadre. Là, j'ai coupé l'action de sorte qu'ils sortent du cadre et ensuite ils marchent directement jusqu'à la porte. Ici, nous avons ce beau plan. Encore une fois, couper l'action et nous avons cette belle photo ici basée sur cet éclairage motivé. Sans ce tube de lumière, nous aurions juste ce côté du visage complètement dans l'obscurité, mais avec juste un peu plus, il donne une belle lumière de capture dans les yeux là-bas ce qui est très agréable. Vous voyez cette vie dans les yeux d'une personne. Si vous n'avez pas ça, parfois une personne aura l'air morte ou sans vie et ce n'est pas ce que nous voulons ici. Cela fonctionne juste, il ressemble presque juste à cette lumière de fenêtre elle-même qui est exactement ce que nous voulons ici. Vous pouvez voir comment cela s'est bien traduit de ce que nous avons écrit à la photo réelle ici. Vous pouvez voir sortir à mesure qu'ils expirent, ils sortent d'un cadre, puis nous les avons allumer la lumière pratique pour éclairer la scène là-bas. Nous avons un peu de cette ambiance globale à partir de ce panneau lumineux qui y coupe à notre coup de camion. Ensuite, nous continuons ce coup de feu en marche arrière. Alors qu'ils allument la bougie, j'allume ce tube de lumière et nous obtenons ce beau scintillement là et ça fonctionne brillamment. Voici notre dernier tir qui arrive. Ils inhalent, lèvent les yeux, expirent, et on y va. C' est un beau coup de livres. Vous pouvez les voir juste prendre une charge. Ils vont juste aller dans leur livre, profiter de leur bougie, et essayer d'oublier le stress de la journée. Là, nous l'avons. 14. Conclusion: Si vous avez suivi jusqu'à la fin de ce cours, vous avez maintenant les principes fondamentaux de la création d'un beau film cinématographique. Qu' il s'agisse d'un documentaire, d'un film de mariage ou même d'un long métrage, que vous le filmez sur un iPhone, un appareil photo sans miroir ou une configuration d'une caméra de cinéma de 100 000$, ces principes fondamentaux fonctionnent partout quel que soit votre budget, peu importe votre appareil photo. Cela dit, merci beaucoup d'avoir regardé ce cours. J' espère que vous en avez gagné beaucoup de valeur. Si vous l'avez fait, n'oubliez pas de suivre Skillshare car je téléchargerai d'autres cours couvrant la photographie, vidéographie, la cinématographie et tout ce qui est créatif. plus, j'ai aussi une chaîne YouTube où je vais télécharger différents projets sur lesquels j'ai travaillé, différents tutoriels et tout ce qui est du genre. C' est un peu plus de taille de morsure et plus facile à consommer. Avec cela, merci beaucoup d'avoir regardé jusqu'à la fin de ce cours et j'ai hâte de voir les films que vous créez ci-dessous. 15. Le tournage définitif: Une nouvelle étude du CDC suscite l'alarme sur les variantes du coronavirus qui se propagent à travers le pays. Ils ne peuvent pas suivre. Il y a un gros arriéré d'affaires. Super propagation des événements et des flambées épidémiques. Ce virus a le potentiel de rendre beaucoup d'entre nous malades de fièvre, de toux ou même de mort. Elle évolue maintenant d'une manière qui pourrait rendre les vaccins existants moins efficaces. COVID-19. Je n'ai jamais eu un patient aussi proche de la mort dans ma carrière. Lavez-vous fréquemment les mains pendant au moins 20 secondes. Selon le suivi de cas COVID-19 du CDC, il y a maintenant plus d'un million de cas confirmés de virus dans ce pays. Parce que cela prend plusieurs jours pour montrer les symptômes et la plupart des gens ne savent même pas qu'ils l'ont encore. Il y a des masques de qualité supérieure qui peuvent mieux filtrer. Nous devons tester, nous devons tracer, nous devons isoler ; les principes fondamentaux de la lutte contre les épidémies. Anxiété croissante ce matin à propos de la tendance COVID-19. Concentrez-vous sur la protection des gens qui tombent malades de ça. La variante COVID-19 à propagation rapide. Le nombre de cas par habitant suscite également des inquiétudes.