Pratique professionnelle de l'illustration : Suivre un dossier créatif et exécuter une mission

1. Introduction: Je m'appelle Lisa Congdon, et je suis illustratrice professionnelle et belle artiste. Je n'ai pas commencé à faire de l'art avant l'âge de 31 ans, et c'est arrivé parce que je travaillais à un travail vraiment stressant et que j'avais besoin de quelque chose pour soulager mon stress. Alors, j'ai pris un cours de peinture, et dans ce cours de peinture, je suis tombé amoureux de la peinture. Vers 2005, j'ai commencé un blog et j'ai rejoint Flickr. Tout d'un coup, j'ai commencé à avoir des questions, comme je peux acheter ça ? Vous vendez vos affaires n'importe où ? Voulez-vous illustrer cette chose pour moi ? Souhaitez-vous avoir un spectacle dans ma galerie ? J'étais genre, Oh ! Attendez une seconde. Peut-être que je deviens artiste. Je n'avais jamais vraiment pensé à moi-même de cette façon. C' était quelque chose que je faisais pour m'amuser. Puis, j'ai fini par quitter mon emploi et j'ai commencé à faire de l'art une profession à temps plein. J' étais constamment à court d'argent au début , puis j'ai commencé à trouver toutes les différentes façons de gagner ma vie. L' illustration était l'une d'entre elles. J' ai aussi commencé à enseigner les choses dans lesquelles je me douais. Donc, il s'agit de rassembler un revenu de beaucoup de sources différentes et je l'appelle dans mon livre, Art Inc. Diversifier vos revenus. Je le recommande fortement. Ce cours se concentrera sur le processus de début à fin d'un travail d'illustration typique. Attention ici, chaque travail d'illustration, comme vous le découvrirez bientôt, est très différent à bien des égards. Mais il y a une formule pour la façon dont ils fonctionnent en général. Donc, c'est de ça que nous allons parler. Cette classe est pour les illustrateurs débutants pour la plupart. Des gens qui sont formés à l' illustration mais qui commencent tout juste en termes de travail avec les clients. Vous pourriez aussi être un aspirant illustrateur, quelqu'un qui pense qu'il pourrait vouloir être un illustrateur mais qui veut savoir un peu plus sur le coût de l'illustration. Vous êtes peut-être un artiste expérimenté qui a travaillé dans d'autres parties du monde de l'art, mais il est vraiment intéressé à entrer dans l'illustration commerciale comme source de revenus. Donc, les cours vraiment pour tous ceux qui s'inscrivent dans l'une de ces catégories. Il est important de se rappeler que parfois il y a plusieurs candidats pour un emploi. Vous êtes l'une des nombreuses personnes au directeur artistique est envoyer des courriels donc vous voulez faire une très bonne impression. L' information que je vais vous enseigner dans cette classe vous aidera à savoir exactement comment communiquer avec le directeur artistique, quelles questions poser. Plus vous êtes informé, plus vous avez de chances d'obtenir le poste. En fin de compte, c'est ce que nous voulons en tant qu'illustrateurs, c'est obtenir le travail. 2. Projet : Illustrer la couverture d'un livre à partir d'un dossier créatif: Le projet de cette classe illustre une couverture de livre pour The Three Little Pigs basée sur un mémoire créatif. Ce cours vise vraiment à comprendre le processus d'acceptation, travail et de réalisation d'un travail d'illustration. Eh bien, je veux que vous vous amusiez beaucoup avec la mission et créez une illustration géniale vraiment intelligente. Concentrez-vous moins sur cela et plus sur la démonstration que vous comprenez le processus, y compris écrire un très bon courriel au directeur artistique pour poser des questions, que nous allons examiner, et comprendre comment faire croquis et de pratiquer cela si ce n'est pas quelque chose que vous faites habituellement, puis de prendre l'un de ces croquis à l'œuvre finale. Être illustrateur, ce n'est pas seulement faire des œuvres d'art cool. C' est une grande partie de cela et c'est une partie de la raison pour laquelle les gens vous embaucheront pour des emplois, mais ils vous embaucheront aussi parce que vous êtes un bon penseur critique et résolveur de problèmes, vous êtes doué avec la gestion du temps, vous êtes un excellent communicateur, vous posez de bonnes questions et vous suivez bien les directives. Toutes ces compétences sont vraiment, vraiment, vraiment, vraiment importantes pour les illustrateurs. Cette tâche vous donnera une idée de ce à quoi ressemble un travail d'illustration typique du début à la fin. Dans cette classe, vous apprendrez : ce qu'il faut faire lorsque l'e-mail du directeur artistique arrive dans votre boîte de réception ; tout sur le mémoire créatif, ce qu'il est, comment le lire et comment déterminer si vous êtes prêt pour le travail ; comment bien communiquer avec le directeur artistique ou le rédacteur en chef, comment poser des questions et quelles questions poser pour vous assurer avoir toutes les informations dont vous avez besoin pour commencer le travail ; comment commencer le travail, y compris Comprendre le devis, « phase approximative », des idées et faire toute recherche nécessaire et faire des croquis approximatifs pour le client ; comment communiquer vos concepts ou esquisses approximatives au client ; comment prendre des commentaires et comment le faire professionnellement, et pourquoi il est important de savoir que le client n'a pas toujours raison ; et enfin, de rendre l'illustration finale à l'aide de l'esquisse approximative approuvée. Tout au long de la classe, j'utilise peut-être des termes qui ne vous sont pas familiers. Certains d'entre eux sont du jargon de l'industrie ou des mots que nous utilisons habituellement, et je ferai de mon mieux pour les définir pour vous au fur et à mesure que nous parcourons le matériel. Pour ce cours, vous aurez besoin, tout ce que vous utilisez pour votre milieu artistique. Votre illustration pourrait être rendue à la main et numérisée, elle pourrait être numérique ou une combinaison des deux. Vous aurez besoin d'un scanner si vous travaillez à la main. Vous aurez besoin d'un outil de traitement de texte pour partager votre exemple de courriel au directeur artistique, vous pouvez télécharger une capture d'écran ou un PDF, et bien sûr, vous aurez besoin d'un ordinateur. Selon votre niveau d'expérience et votre milieu artistique, ce projet devrait prendre de deux heures à huit heures. L' une des principales choses que je veux que vous vous souviez de cette classe est que votre professionnalisme et excellentes compétences en communication sont tout aussi importantes que vos compétences artistiques lorsque vous êtes illustrateur. L' une des choses les plus délicates de cette classe sera d'avoir la confiance nécessaire pour partager votre travail. Nous sommes en train de mettre en place une situation où vous allez probablement obtenir des commentaires sur vos croquis ou votre illustration finale de la part de certains de vos pairs et peut-être de moi, et une partie du fait d'être illustrateur consiste obtenir des commentaires et à intégrer dans les changements que vous apportez. Lorsque vous êtes illustrateur, il est vraiment important de ne pas prendre les choses personnellement et de penser à rétroaction comme quelque chose qui va aider votre travail à s'améliorer et pour que vous puissiez faire un meilleur travail à l'affectation, pas comme quelque chose que vous utilisez pour vous réprimander et vous faire sentir mal parce que vous n'êtes pas assez bon. Si vous êtes coincé, je vous encourage à aller dans le forum de la classe et à poser des questions aux gens qui prennent aussi la classe et à moi, et je ferai de mon mieux pour revenir à vous. Je vous encourage également à utiliser vos amis et votre famille pour vous aider à travailler à travers les blocs créatifs que vous avez pendant que vous travaillez sur votre illustration. Ce sont les choses que vous devez télécharger dans la galerie du projet, une capture d'écran ou un PDF de l'e-mail de réponse au directeur artistique avec vos questions sur le dossier de création, deux ébauches pour la couverture de The Three Little Cochons, et une dernière couverture pour Les Trois Petits Cochons qui est basée sur l'un de vos croquis rugueux. Ce qui rendra votre projet génial versus correct, c'est votre point de vue unique sur le dossier créatif, inflige vraiment votre créativité et votre pensée unique là-dedans, et votre démonstration d'une communication vraiment professionnelle avec le directeur artistique. Ça pourrait être intimidant, si vous ne l'avez jamais fait auparavant, poster votre travail dans la zone d'affectation, mais rappelez-vous, nous apprenons en faisant, en expérimentant et en prenant des risques, et j'ai hâte de voir ce que vous venez. avec. 3. Le dossier créatif: En règle générale, lorsque vous recevez un courriel d'un client ou d'un directeur artistique, vous obtenez ce qu'on appelle un mémoire créatif. Ils peuvent ne pas le qualifier de mémoire créatif et cela n'a pas vraiment d'importance. Ce qui compte, c'est que vous obteniez un paragraphe au moins d'informations sur le travail. Par exemple, une brève description du travail, ce qu'ils aimeraient que vous puissiez illustrer, quand c'est dû. Toute autre spécification importante concernant le travail. Par exemple, il doit être livré sous forme vectorielle plutôt que sous forme de fichier Photoshop. Peut-être des informations sur la raison pour laquelle ils vous ont choisi pour le poste, et pourquoi ils pensent que vous êtes un bon ajustement et beaucoup d'autres minutiae intéressantes. Lorsque vous recevez le mémoire de création avant répondre à l'e-mail de l'éditeur ou du directeur artistique, vous souhaitez vous poser les questions suivantes. Puis-je exécuter ce travail dans mon ensemble de compétences en fonction des informations qui m'ont été données ? Est-ce que ce travail me semble intéressant ? Vous ne voulez pas prendre un travail surtout un travail long qui ne semble pas être très amusant. Ai-je du temps dans mon horaire pour respecter la date limite ? C' est vraiment, vraiment important et enfin, suis-je à l'aise avec les frais ? Supposons que pour le bien de cette classe, les frais que nous suggérons dans le mémoire créatif vous conviennent. Bien qu'il soit important, en tant qu'illustrateur, de vous sortir de votre zone de confort et d'accepter des tâches difficiles, vous ne voulez jamais accepter un travail qui ne fait pas partie de vos compétences. Autrement dit, si vous n'avez pas la compétence artistique technique pour exécuter un travail, vous ne voulez jamais le prendre parce qu'ils comptent sur vous pour réaliser le travail et terminer la date limite. Ceci est particulièrement important pour les emplois à long terme. Rappelez-vous, l'illustration est vraiment amusante, mais c'est un travail, et c'est beaucoup de travail. Vous voulez prendre un travail qui vous semble intéressant, et qui ne semble pas horrible ou ennuyeux. respect des délais est vraiment important dans le monde de l'illustration. La plupart de ce que vous faites sont attachés à une autre chronologie plus importante de l'éditeur ou de la société pour laquelle vous travaillez. Donc, votre capacité à faire l'art et le temps qu'ils suggèrent est vraiment, vraiment important. Une fois que vous avez lu le mémoire créatif et que vous vous posez ces questions, vous voulez savoir si vous répondez déjà à ces questions, et sur lesquelles dois-je demander plus d'informations. Ensuite, vous allez composer un courriel au directeur artistique qui est poli et professionnel et rapide et par prompt, je veux dire, répondu dans les 24 heures, qui expose toutes les questions que vous avez sur la mission. Je suggère également que si vous êtes intéressé à prendre le poste, vous l'indiquiez clairement dans votre réponse initiale. Parfois et souvent, vous recevrez un mémoire créatif d'un éditeur ou d'un directeur artistique, et il n'aura pas toutes les informations dont vous avez besoin. Une chose importante à retenir est que les directeurs créatifs et les éditeurs sont généralement des gens très occupés à jongler avec de nombreux projets à la fois. Donc, leur mémoire créatif, n'a pas l'information dont vous avez besoin. Non pas parce qu'ils sont ineptes ou paresseux, mais parce qu'ils sont juste des gens très occupés, et ils n'ont pas le temps d'entrer dans les détails d'un projet au départ. Sachez qu'ils apprécieront vraiment vos questions et votre curiosité sur le projet. J' ai conçu pour vous un mémoire créatif qui n'a pas assez d'informations. Alors, commencez à penser à toutes les questions que vous avez pour le prétendant ou le directeur dans cette mission. Parlons une seconde de ce qui fait un e-mail professionnel. Vous voulez toujours avoir un ton positif dans votre email, et vous voulez commencer par une salutation. Donc, l'e-mail devrait être formel mais amical à coup sûr. Par salutation, je veux dire, cher tel ou tel ou tel. Je commence toujours par remercier la personne de m'envoyer un e-mail et de son intérêt pour mon travail et cela va indépendamment de savoir si je pense que je vais prendre le poste ou non, vous voulez toujours exprimer votre gratitude et l'enthousiasme parce qu'il est plus probable que cette personne vous embauche à nouveau, lorsque vous êtes disponible ou que c'est le bon emploi pour vous, si vous avez exprimé un bon intérêt au départ. Je relais également votre courriel plusieurs fois pour les fautes de frappe, la structure de phrase et la grammaire. Lorsque vous composez votre liste de questions pour le directeur artistique, assurez-vous qu'elles sont exprimées d'une manière qui, faute d'un meilleur mot, est déférente. Donc, vous voulez traiter le directeur artistique avec beaucoup de respect et comme la personne qui a plus d'expérience et de connaissances que vous. Donc, le ton de votre courriel et de votre question devrait refléter cela. Dans cette première partie de la mission, vous allez composer une réponse par courriel au directeur artistique pour le prétendu mémoire créatif, pour la couverture du livre The Three Little Pigs. Encore une fois, vous voulez vous assurer de le taper et de prendre une capture d'écran de celui-ci, ou d'en faire un PDF. Tout ce que vous pouvez télécharger dans la zone d'affectation. Pour que vos camarades de classe et moi puissions lire votre email, et apprendre de votre point de vue. 4. Esquisse: Une fois que vous avez envoyé votre courriel avec votre liste de questions sur la mission au directeur artistique, vous recevrez inévitablement une réponse et ne vous inquiétez pas si elle ne vient pas immédiatement. Comme je l'ai dit, les directeurs artistiques sont généralement des gens très occupés. Ce n'est pas qu'ils soient ennuyés par vos questions. Une fois que vous aurez répondu à vos questions, et encore une fois cela peut prendre quelques tours de courriels avec le directeur artistique, vous pouvez décider que vous n'êtes pas prêt pour le poste ou que vous n'avez pas le temps ou que vous n'avez pas les compétences nécessaires pour livrer. Dans ce cas, vous voulez poliment décliner. Plus que probable, cependant, vous accepterez le travail et la prochaine étape consiste à commencer avec la conception et les esquisses approximatives. Il y a deux mots qui sont utilisés de façon interchangeable dans l'industrie de l'illustration qui signifient essentiellement la même chose, un est des croquis et l'autre des rughs. Je pense que nous savons tous ce qu'est un croquis, et je vais donner un peu plus d'informations dans une minute sur ce que nous entendons par esquisse en ce qui concerne l'illustration. Il y a un terme que nous utilisons aussi et il est appelé rugueux, et rugueux dans ce cas ne signifie pas désordonné ou à moitié asséché. Cela signifie un aperçu visuel de base de ce que votre concept est, et c'est comme en quatrième année quand vous avez appris à faire un brouillon de votre essai. C' est une idée similaire. Souvent, lorsque vous obtenez une mission d'illustration, le directeur artistique vous dira exactement ce qu'il veut que vous esquiviez. Cela ne se produit pas très souvent, mais c'est généralement le moyen le plus simple de compléter un travail d'illustration parce que vous n'avez pas à passer par la phase de conception, dont nous parlerons dans une seconde. J' ai eu un emploi une fois très tôt dans ma carrière où la directrice artistique a littéralement dessiné une image de ce qu'elle voulait que je dessine, et cette illustration n'a jamais fait partie mon portfolio parce que je ne l'aimais pas vraiment dessin beaucoup. Mais sachant ce que je savais alors, j'étais comme si c'était ce que je devais faire. Alors je l'ai fait et elle était satisfaite et on a fermé le boulot. Mais la plupart du temps, ça n'arrive pas. En fait, vous devez utiliser beaucoup de résolution de problèmes et de pensée créative pour concevoir ce que vous allez dessiner pour les illustrations. La plupart du temps aussi, vous allez concevoir plus d'une idée. Une partie de la raison pour laquelle ils vous embauchent est pour votre pensée créative et votre ingéniosité, pas seulement pour vos talents de dessin. Donc, ils veulent savoir comment vous pensez que quelque chose devrait être illustré. Cela est particulièrement vrai dans les emplois éditoriaux pour les magazines et les journaux. Ils vous enverront l'histoire et ils veulent que vous réfléchissiez à une façon créative d'illustrer l'histoire ou un point particulier de l'histoire. Souvent, lorsque votre travail consiste à concevoir plusieurs idées pour le client, vous devrez faire des recherches. Par exemple, j'ai illustré un livre pour un client qui était basé dans les années 1920. Il y avait pas beaucoup de photographies d'archives de cette période qu'ils pouvaient m'offrir pour le contexte du livre, donc j'ai dû faire beaucoup de des recherches sur ce à quoi ressemblaient les meubles à cette époque, ce que les gens portaient, ce qui était un moyen typique de se déplacer en ville, et cela m'a vraiment aidé à développer mes illustrations. Vous devrez peut-être aussi concevoir ce qui a déjà été fait sur ce sujet par d'autres illustrateurs ou lire sur le sujet particulier que vous illustrez, soit le matériel qu'ils vous envoient, soit faire vos propres recherches. Ainsi, la recherche est souvent une grande partie de la conception et de l'illustration. Vous pouvez aborder vos esquisses comme vous le souhaitez, mais la plupart du temps, clients vous laisseront le soin de décider si vous utilisez crayon ou un stylo ou si vous travaillez numériquement, combien de détails vous souhaitez incorporer dans votre rugueux. Mais rappelez-vous, cela ne devrait pas ressembler à une illustration finale. Vous ne voulez pas aller à la peine de développer une illustration finale qui a des détails en couleur lorsque vous devrez peut-être revenir à la planche à dessin et recommencer. Donc, c'est pourquoi nous faisons des croquis bruts, c'est comme un effort minimal pour essayer de faire passer l'idée. Une fois qu'une esquisse est approuvée, vous pouvez ajouter plus de détails avant d'aller en couleur pour vous assurer que vous disposez de tous les éléments appropriés. Mais pour la plupart, nous restons super simples. Pour cette raison, j'esquisse habituellement au crayon si c'est quelque chose que je vais finalement peindre. En fait, parfois je fais même mes croquis sur du papier aquarelle afin que je puisse littéralement faire l'œuvre finale au-dessus de mon croquis, sorte que la composition approuvée soit exactement la même dans ma finale que dans mon croquis. Si je fais un dessin au trait ou quelque chose qui va finir sous forme numérique, parfois j'esquisse au stylo noir, puis j'ajoute couleur plus tard ou scanne et manipule dans Photoshop. Mais encore une fois, l'idée est super simple pour les croquis et les ébauches. Dans le mémoire créatif, l' une de nos tâches est d'illustrer la couverture des trois petits cochons d'une manière qui montre quelques éléments de l'histoire. Il se peut que vous ayez dans vos e-mails ou que le directeur artistique encore plus d'informations sur les éléments qu'il aimerait que vous mettiez en évidence, mais supposons qu'ils vont vous laisser le soin de vous. Ils veulent juste que votre illustration fasse référence à des symboles ou à des éléments de l'histoire, et nous le savons dans les trois petits cochons. Si vous ne connaissez pas l'histoire ou si vous ne vous en souvenez pas, il est inclus dans le mémoire de création, alors assurez-vous de le lire. Nous avons quatre caractères essentiellement, au moins dans cette version. On a les trois petits cochons et on a le grand méchant loup. Donc, ce sont des éléments symboliques que vous pourriez vouloir incorporer. Je pense que les cochons sont les plus importants. Nous avons aussi trois maisons construites à partir de matériaux divers, et illustrer ces maisons est une autre façon d'incorporer le symbolisme de l'histoire. Il pourrait y avoir d'autres façons de moderniser l'histoire dans les illustrations. J' ai vu des gens illustrer les trois petits cochons en tant qu'architectes ou d'autres façons. Alors, soyez créatif, réfléchissez hors des sentiers battus sur la façon dont vous esquissez vos idées. J' ai trouvé deux idées différentes, ne sont pas les idées les plus brillantes que j'ai jamais eues, mais elles font certainement référence à l'histoire et aux éléments de l'histoire. Donc, le premier croquis que j'ai fait, j'ai décidé d'inclure le symbolisme de la maison et d'inclure les trois petits cochons, puis j'ai divisé la maison en trois sections. Je pense que le premier cochon utilise de la paille. Je pense que dans l'œuvre finale, je veux peut-être m'assurer que cela ressemble plus à de la paille. Ce type a peint ou construit sa maison en bois, donc j'ai fait en sorte que cette section de la maison ressemble à des lattes de bois, et ce gars a utilisé de la brique et c'était le cochon qui a réussi bien sûr. Puis j'ai incorporé dans mon propre lettrage à la main, ce qui est quelque chose que vous devriez aussi faire, si vous êtes un artiste numérique, vous pouvez faire du lettrage numérique, le titre dans le toit de la maison. Quiconque connaît l'histoire des trois petits cochons, et la plupart des gens le font dans les pays anglophones, pouvait clairement voir que cela faisait référence. Je ne pensais pas nécessairement que c'était la couverture la plus intéressante, alors j'ai pris une approche différente avec mon autre croquis. J' ai aussi décidé de faire un croquis qui montrait une sorte d'impasse entre les cochons et le loup parce que je pense que c'est une sorte de cœur de l'histoire d'une certaine façon comment les derniers porcs ont surpassé le loup. Je ne savais pas comment ça allait s'adapter à trois petits cochons et un loup se regardant, alors j'ai décidé d' empiler les cochons les uns sur les autres et de les rendre légèrement différentes tailles, mais ils sont tous peu petits, puis j'ai dessiné un loup par ici. Dans le titre, j'ai décidé de l'appeler l'Histoire des Trois Petits Cochons et de ce Guy, que je croyais avoir prêté un peu d'humour. Beaucoup de fois dans les emplois d'illustration, si vous insérez votre propre humour ou votre ingéniosité même si le directeur artistique ne l'a pas demandé, ils vont vraiment apprécier et aimer, et ils peuvent toujours dire non, non, non, non. Ils ne peuvent pas dire cela, mais ils peuvent vraiment apprécier votre touche créative sur le titre ou sur l'illustration elle-même. Puis, j'ai aussi ajouté ici un vieux conte illustré par Lisa Congdon. J' ai eu beaucoup plus de plaisir à développer cette illustration, c'est pourquoi j'ai finalement choisi de l'amener en finale, que nous examinerons sous peu. Mais en fin de compte, c'est au client de décider lequel de vos concepts à prendre en terme, et ils peuvent revenir et exiger que vous apportiez des révisions à vos esquisses. Donc, ce n'est pas parce que vous mettez un ensemble de croquis qu'ils choisiront un et que vous prendrez celui-ci en finale. Parfois, cela arrive, vous n'avez pas à faire de révisions à vos esquisses. Mais la plupart du temps, vous allez être dans un processus de réception des commentaires et d'intégration des changements, et c'est de cela que nous allons parler ensuite. Une chose à noter est que la phase d'esquisse d' une affectation d'illustration est souvent la plus exigeante en main-d'œuvre. Même si vous n'êtes pas encore en train de rendre l'œuvre finale et que vous ne faites pas quelque chose de vraiment coloré et beau, cela nécessite le plus de temps et de travail. Il y a beaucoup d'aller-retour avec le directeur artistique, dont nous parlerons dans une minute, et beaucoup de recherche, de réflexion et de dessin dans cette phase. Une fois que vous avez traversé la phase de croquis, c'est en fait assez facile. Dans le cas de cette prétendue mission, on ne fait qu'une illustration. Donc, le directeur artistique a demandé deux croquis pour un dessin, un concept fondamentalement, ou deux concepts pour une couverture. Mais dans de nombreux cas, vous allez obtenir des travaux d'illustration qui sont plusieurs pièces. Ainsi, certains travaux de magazine, par exemple, vous pouvez avoir une illustration pleine page dans l'ouvreur de l'article, puis plusieurs illustrations ponctuelles, qui sont en quelque sorte de petites illustrations qui sont interjetés dans l'article au cours des pages du magazine. Donc, vous devrez peut-être esquisser plusieurs choses plusieurs fois. Donc, souvent, vous rendez, je ne sais pas, parfois jusqu'à 15 ou 20 croquis pour une mission, parfois plus en fonction de sa taille. Donc c'est juste une autre chose importante à retenir que ce n'est pas toujours un croquis ou deux croquis que vous retournez, parfois il peut être multiple. Donc, il est très important de s'assurer que vous avez le temps de faire tout cela à la date limite. 5. Prendre en compte les commentaires: Donc, vous avez travaillé très dur sur vos croquis et vos concepts, et vous en avez deux à envoyer, ou selon le poste, 15 ou 20. Vous les avez tous prêts, vous les avez scannés, vous les avez sous forme numérique, vous les avez attachés à un e-mail, et vous êtes sur le point d'appuyer sur Envoyer. Avant de cliquer sur Envoyer, assurez-vous que vous, encore une fois, écrivez un e-mail pour les accompagner. Dans certains cas, vous voulez peut-être écrire une liste de ce que tous les concepts de croquis sont par écrit, décrire votre pensée derrière chacun. Tu ne veux pas trop expliquer. Parce qu'en fin de compte, en particulier dans le livre et l'illustration éditoriale, les concepts visuels devraient vraiment parler d'eux-mêmes. L' un des aspects les plus difficiles d'être illustrateur est d'attendre les commentaires de votre client. Je ne peux pas vous dire le nombre de fois où j'ai fait une mise à jour Facebook à mes amis en disant : « Il suffit d'appuyer sur envoyer pour tel ou tel travail et j'ai hâte d'entendre ce que pense le directeur artistique » ou « maintenant la partie douloureuse de l'attente ». C' est normal qu'il faut beaucoup de temps, parfois des jours, pour entendre le directeur artistique. Ils peuvent d'abord écrire et dire, « Hé, j'ai eu tes croquis. Merci beaucoup, je reviendrai vers vous dans quelques jours. » Parfois c'est parce qu'ils sont, encore une fois très occupés et qu'il leur faudra du temps pour revoir ce que vous avez envoyé. Parfois, ils doivent apporter les croquis à un comité de personnes. Nous allons nous asseoir autour d'une table, et en parler, et décider s'ils aiment l'un d'eux, et celui qu'ils aiment le mieux. Donc, attendre la réponse peut souvent être vraiment nerveuse. Je suis déjà tombé dans un trou très sombre, me disant que je détestais tout ce que j'ai envoyé, ou qu'ils sont prêts à me virer parce que je n'entends rien. Mais ça n'a jamais été le cas. En fait, les moments où j' ai été le plus inquiet ont en fait donné les meilleurs emplois d'illustration. Donc, ne vous inquiétez pas si ça prend beaucoup de temps pour qu'ils vous écrivent, c'est tout à fait normal. Parfois, vous entendrez tout de suite et cela peut se sentir tout aussi écrasant, effrayant, et intimidant. Donc, il y a quelques années, quand j'illustrais ce Field Guide de San Francisco, j'ai dû dessiner plusieurs cartes. En fait, je n' avais jamais illustré de carte, pour toute mon expérience et mes années en tant qu'illustrateur . C' est quelque chose que j'ai fait beaucoup depuis, mais j'étais totalement nouveau à ce moment-là, donc j'ai été vraiment intimidé par la mission. Il m'a donné beaucoup de liberté, de m'amuser avec l'échelle et le lettrage. Donc, j'étais vraiment excité, mais j'étais un peu intimidé. J' ai fini mon premier croquis de carte, c'était une carte de Sonoma. C' était au crayon et je l'ai eu comme je le voulais. Il y avait tous les éléments qu'il m'a dit qu'il avait besoin d'y être. J' ai frappé envoyer et littéralement, pas plus de cinq minutes plus tard, j'ai reçu une réponse par e-mail. Il disait : « Chère Lisa, appelez-moi. Voici mon numéro. De Taylor. » Comme vous pouvez l'imaginer, j'ai totalement paniqué et pas bien, comme il le déteste, il va me virer, même si j'avais déjà signé un contrat et tout. J' avais vraiment, vraiment peur. Donc, j'ai décidé d'être mature et de prendre le téléphone et de l'appeler, même si j'étais juste tenté de renvoyer un email disant : « Quoi ? Quelque chose ne va pas ? » Alors, je l'ai appelé et il a répondu, et il a  : « Lisa, j'adore ça. » Il vient du sud, donc il a un grand accent. Cela veut dire que souvent, même quand quelqu'un veut vous parler au téléphone, ce n'est pas toujours une mauvaise nouvelle. Une fois que vous aurez des nouvelles du directeur artistique, de temps en temps, vous aurez un, comme je l'ai fait, retentissant, « J'adore ça ». Il pourrait suggérer quelques petits changements ou ajustements, et ce sont les situations les plus faciles. Mais la plupart du temps, ça n'arrive pas. La plupart du temps, ils diront : « J'adore, mais » et il y aura une liste de choses qu'ils veulent que tu changes. Nous allons vous parler de la façon d'organiser ces changements et d'y répondre dans un instant. Mais la première chose que je voulais dire est que, recevoir des commentaires peut se sentir vraiment accablant, intimidant, et en fait décourageant souvent. Vous avez mis votre cœur et votre âme dans quelque chose, peut-être que vous êtes resté debout toute la nuit pour le finir, et ensuite vous entendez dire qu'ils ne l'aimaient pas, ou qu'ils veulent aller dans une direction totalement différente, et cela peut se sentir vraiment dur. Mais rappelez-vous, l'illustration est un travail, et ils vous payent. Donc, votre travail est de rendre le client heureux. Évidemment, vous ne voulez pas compromettre votre esthétique personnelle vos valeurs ou votre morale. Je ne te suggère pas de faire ça. Mais vous avez accepté le travail, votre travail est de rendre le client heureux, et c'est le travail du client d'obtenir le meilleur travail de vous. Souvent, vous travaillez pour un client qui travaille pour son client, donc ils sont comme l'intermédiaire entre l'agence de publicité ou autre. Donc, c'est leur travail de s'assurer que vous illustrez quelque chose qui représente le plus clairement quel que soit le produit, le livre ou l'article de magazine. penser que les commentaires sont constructifs et est très important depenser que les commentaires sont constructifs et utiles pour améliorer votre travail. Il est également important de ne pas être défensif, ou de prendre des commentaires personnellement, ou comme une attaque personnelle. Rappelez-vous, ils vous ont embauché parce qu'ils pensent que vous êtes génial et qu'ils adorent vos œuvres d'art. Donc, en général, il s'agit de peaufiner, changer, d'obtenir le meilleur de vous et de se souvenir, c'est vraiment important. Parfois, quand vous recevez les commentaires d'un directeur artistique, vous obtenez une liste vraiment géniale, méticuleuse et à puces de tous les changements qu'ils veulent que vous apportiez et c'est très spécifique. En fait, alors que ces réponses peuvent parfois se sentir un peu accablantes parce qu'il y a 15 choses qu'elles veulent que vous changiez. À certains égards, c'est le meilleur scénario parce que vous savez exactement ce qu'ils ont besoin que vous fassiez, et ils ont été très complets et détaillés en vous donnant des commentaires. Je trouve que ce sont souvent les changements les plus faciles à faire parce que je sais exactement ce que je suis censé faire. Cependant, la plupart du temps, vous allez recevoir un e-mail plutôt vague qui décrit vaguement ce qu'ils aimeraient que vous changiez, ou décrit vaguement ce qu'ils n'aiment pas ou n'aiment pas sur l'illustration. Donc, c'est votre travail d'en prendre autant que possible et d'essayer de comprendre tout ça. Parfois, je sépare littéralement chaque phrase et fais ma propre liste à puces de ce qu'ils demandent. Ensuite, je reviens et je dis, « Merci beaucoup pour vos commentaires réfléchis. Je veux m'assurer que la prochaine série de changements reflète tout ce que vous recherchez et voici quelques questions que j'ai à poser. » Ils pourraient être des questions sur les commentaires qu'ils ont donnés, « Êtes-vous en train de dire que vous voulez que je change cela par rapport à ceci » ou « Je suis un peu confus à ce sujet. Toute clarification que vous pouvez me donner serait formidable. » Ceux-là, ce genre de langage. Encore une fois, tu es vraiment professionnel. Vous pouvez voir que l'illustration inclut beaucoup de questions. Donc, trouver comment poser des questions est, obtenir l'information dont vous avez besoin est une partie vraiment importante du processus. Vous pourriez avoir l'impression d'être vraiment sale, embêtant , et ennuyeux, mais vous ne l'êtes pas. Vous obtenez en fait l'information dont vous avez besoin pour faire le meilleur travail possible. Normalement, dans le monde de l'illustration, il n'y a pas plus de deux à trois tours de modifications à vos esquisses. Parfois, c'est plus, mais je vous recommande fortement d'exposer, ou d'être très clair sur le nombre maximal de changements ou de tours de changements que vous acceptez dans votre contrat. Si vous ne le faites pas, vous pourriez entrer dans des séries infinies de changements. Si vous n'avez rien dans votre contrat stipulant que ce n'est censé être que trois tours, ou cinq tours, ou six tours, vous pourriez finir par avoir un rapport interne avec le client. Donc, c'est juste quelque chose à savoir. Lorsque vous avez obtenu toutes les réponses à vos questions sur les changements qu'ils aimeraient, vous voulez aller de l'avant et apporter ces changements. Si vous travaillez au crayon ou numériquement, des changements mineurs sont vraiment faciles à faire. Ainsi, par exemple, lorsque je travaille au crayon, s'il y a des changements faciles à faire, je prends littéralement ma gomme et efface certaines parties de l'esquisse, puis je redessine certaines parties. C' est la belle chose à propos du crayon. Le travail numérique est similaire, vraiment facile à effacer ou à supprimer, ajouter et déplacer des choses. Parfois, les changements sont si drastiques, ou ils veulent que vous commenciez à partir de zéro, ou ils n'aiment aucun de vos croquis, donc vous devez commencer par de nouveaux concepts. Parfois, vous pouvez manipuler ce que vous avez numérisé numériquement. Par exemple, il y a quelques semaines, j'ai fait un travail publicitaire pour Enterprise Rent-A-Car. J' ai fait un montage d'un dessin qui était essentiellement, un montage de monuments de l'Oregon, l'état où je vis. Ils aimaient tous les éléments, sauf deux, qu'ils voulaient que je retire, et ils voulaient que je les réorganise d'une certaine façon. Donc, au lieu de sortir un nouveau morceau de papier et de redessiner au crayon ce que j'avais déjà dessiné, j'ai pris ma numérisation, puis supprimé les deux dans Photoshop, et j'ai déplacé tout le reste. Il a été approuvé. Puis, quand je suis allé à l'œuvre finale, je suis allé à l'effort de tout redessiner une fois que j'ai su que nous étions sur la même page au sujet de l'arrangement. Donc, beaucoup de façons différentes d'aborder apporter des changements qui parfois ne nécessitent pas beaucoup de travail, ce qui est génial. Lorsque vous êtes en train de passer par toutes vos révisions et modifications avec le client, vous voulez être clair à chaque fois que vous effectuez une révision et transformer une nouvelle version révisée de ce que vous faites que vous comprenez quand il est dû. Parfois, ils pourraient avoir besoin des changements d'ici le lendemain et cela pourrait nécessiter de rester debout tard ou de rester debout toute la nuit, dans certains cas, ce qui est, espérons-le, très rare. Mais parfois, vous avez une semaine entière parce que le directeur artistique part en vacances, ou c'est un projet avec une longue chronologie et ils veulent que vous preniez votre temps. Donc, pas besoin de mettre l'accent sur la mise en place de quelque chose suite ou d'apporter les changements immédiatement si ce n'est pas nécessaire. Donc, demandez toujours quand est ce prochain tour de changement est dû. 6. Réaliser la maquette finale: À présent, vous avez composé un courriel décrivant vos questions pour le directeur artistique, vous avez terminé deux ébauches pour la couverture des Trois Petits Cochons et vous choisissez l'un d'entre eux pour prendre la Final Oeuvre. Vous ne voulez jamais passer à l'illustration finale sans la direction explicite du client. Vous voulez par écrit, quelque chose comme, ce croquis a été approuvé ou le concept approuvé, le temps de passer à l'œuvre finale et parfois je dirai même, ok, je pense que je suis prêt à être sur l'œuvre finale. Sommes-nous sur la même page ? Parce que souvent ils reviendront avec deux autres changements, et ils veulent voir un autre croquis. Mais parfois, ils ont encore quelques changements, mais ils diront, il suffit de les incorporer dans l'œuvre finale. Alors, indiquez simplement si vous êtes prêt ou qu'ils pensent que vous êtes prêt à passer à la couleur et aux détails dans votre travail. Votre croquis a été approuvé par le client, en raison de la composition et des éléments du dessin ou de la peinture ou de tout ce que vous allez faire. Vous voulez donc vous assurer que dans votre œuvre finale, vous vous en tenez à cette composition de base. Je pense avoir mentionné plus tôt que parfois je dessine mon croquis sur le papier ou sur le substrat que je vais utiliser pour faire mon œuvre finale. Je peux simplement travailler sur cela et je n'ai pas à redessiner, sorte que tout est exactement comme je l'ai présenté et comment il a été approuvé à l'origine. Parfois, les travaux d'illustration deviennent si intenses et ce qu'un client veut de vous devient tellement plus grand que vous ne l'imaginiez. Que vous ayez peur de ne pas être en mesure de terminer le travail à la date limite. Et non, tout d'abord, c'est vraiment normal. Mais c'est aussi à vous qu'il vous incombe de communiquer vos craintes ou vos soucis de ne pas respecter la date limite au directeur artistique. Chaque fois que je suis nerveux à propos de ma capacité à exécuter la mission à temps, j'écris toujours un e-mail plus tôt que tard, exprimant ces préoccupations, disant que je veux faire le meilleur travail pour vous. Cela s'avère être un peu plus gros que je ne l'avais imaginé, n'importe quelle chance que je pourrais avoir encore 24 heures ou deux jours, ou bien plus de temps que vous pensez avoir besoin ? La plupart du temps, les travaux d'illustration, l' exception peut-être des travaux éditoriaux pour les journaux ou les magazines, sont rembourrés avec un peu plus de temps et ils les remplissent au cas où ils en auraient besoin ou si vous en auriez besoin. Donc, souvent vous direz, puis-je avoir une extension et ils diront sûr. Parce que le planning a un peu de place à l'intérieur. Mais parfois, ce n'est pas le cas comme je l'ai dit avec les emplois éditoriaux. Les journaux en particulier publient pour la plupart tous les jours. Ils ont besoin d'un délai d'exécution très rapide, ce qui rend l'illustration éditoriale plus difficile, mais aussi vraiment amusant pour beaucoup de gens. Mais demander une date limite, une avance ou une prolongation est tout à fait normal et tout à fait correct, mais soyez prêt à ce qu'ils puissent revenir et dire non, et que vous pourriez avoir besoin de rester debout toute la nuit. J' ai mentionné cela plus tôt, mais l'une des choses que vous voulez travailler initialement est le format de fichier. Donc, le format de fichier devrait-il être un fichier vectoriel, s'il s'agit d'un fichier photoshop, ou s'ils veulent un TIFF. Certains éditeurs ont des règles vraiment strictes dans leurs entreprises sur le format de fichier pour les personnes qui vont réellement utiliser le travail pour mettre dans le produit ou le livre et vous voulez être clair à ce sujet à l'avance. Tant parce que, il doit être un fichier que vous vous sentez à l'aise ou un format avec lequel vous vous sentez à l'aise de travailler. Par exemple, j'ai une fois reçu une offre d'emploi pour un livre, mais ils avaient besoin d'illustrations vectorielles et, à l'époque, je n'avais aucune expérience dans Illustrator. J' ai dû refuser le travail parce que je n'avais pas les compétences nécessaires pour exécuter le travail. Parce que je n'ai pas pu livrer le travail dans le format de fichier dont ils avaient besoin. J' ai rapidement appris illustrateur après cela, sorte que je n'ai pas eu à refuser d'autres emplois basés sur des vecteurs. Mais il est important d'être clair à ce sujet au début. Ensuite, lorsque vous terminez le travail, vous voulez vous assurer de livrer le fichier dans le même format qu'ils ont demandé et il existe plusieurs façons pour les clients d'utiliser les fichiers à télécharger. Donc, si c'est un fichier assez petit, vous pouvez simplement l'envoyer par e-mail au directeur artistique. La plupart du temps, vos fichiers seront volumineux et ils auront parfois plusieurs couches en eux. Donc, souvent ils voudront que vous utilisiez une sorte de système de transfert de fichiers. Comme WeTransfer, qui est un système de messagerie électronique ou Web ou Dropbox, beaucoup de gens ont, et si vous n'avez pas Dropbox, je vous encourage à vous y inscrire. C' est vraiment facile et je l'utilise beaucoup dans ma collaboration avec les clients. Souvent, les grands éditeurs auront des systèmes de protocole de transfert de fichiers qui sont appelés FTP en bref et il y a beaucoup de logiciels de transfert FTP téléchargeables gratuits, que vous pouvez télécharger sur votre ordinateur. Vous vous connectez essentiellement via le FTP à leur système, et littéralement glisser vos fichiers vers leur système de fichiers, puis ils les ramassent là-bas. Alors, expliquez clairement par le client comment ils veulent que les fichiers soient livrés et dans quel format Pour ma dernière illustration pour la couverture des Trois Petits Cochons, j'ai décidé d'aller avec ce second croquis que j'ai fait. J' ai eu le plus de plaisir à le faire. Je pense qu'il a en quelque sorte le plus d'humour et intrigue en elle et est le plus visuellement intéressant. Je vais donc vous parler un peu de la façon dont j'ai créé cette illustration du croquis à la finale. C' est la taille réelle que vous êtes censé faire. Je pense que le Creative Brief dit six sur sept pouces et si jamais vous obtenez un Creative Brief qui ne vous indique pas la taille de l'Oeuvre finale, ou quelles sont les dimensions, ce qu'est le fond perdu. Si vous ne savez pas ce qu'est le fond perdu, le fond perdu est la quantité d'espace autour du bord qu'il va être coupé. Par conséquent, en général, vous ne voulez pas que des mots ou des parties importantes de l'illustration se trouvent dans la zone de fond perdu. Donc, c'est le vrai six sur sept. C' est assez petit format de livre typique pour enfants. Mais, j'ai fait une plus grande copie, sois plus facile pour toi de voir. Donc, vous pouvez voir que c'est vraiment similaire à mon croquis sauf qu'il est en couleur et comment j'ai créé ceci était, j'ai pris mon croquis réel et j'ai posé un morceau de papier calque dessus, et j'ai tracé les principaux éléments. Je le fais beaucoup, soit en utilisant un papier calque ou une boîte lumineuse. Une boîte lumineuse est un excellent outil à avoir si vous êtes un illustrateur. Comme vous pouvez tracer vos esquisses, vous pouvez créer des esquisses révisées, uniquement en traçant les pièces approuvées, puis en redessinant les autres pièces sans avoir à revenir complètement à la planche à dessin ou à gratter. Donc, je vous encourage à vous procurer un tampon de papier calque et une boîte lumineuse. Bien sûr de retracer votre propre travail, pas celui de quelqu'un d'autre. Donc, je trace puis j'ai scanné ceci dans mon scanner, et en noir et blanc, et je l'ai recadrée à la bonne taille. Et puis en couches, j'ai enlevé tout l'espace blanc dans le fond et mis en couches dans quelques couches de peinture aquarelle que j'avais précédemment peint. Donc, cela ne montre pas le bleu mais il montre toutes les autres couches. J' ai scanné ceci en couleur, puis j'ai enlevé dans Photoshop certaines sections de ceci, et les ai posées derrière les parties du dessin. Et j'avais une aquarelle bleue déjà scannée, et j'ai utilisé ça pour le ciel. Et essentiellement, tout le reste était déjà dessiné. Donc, c'est essentiellement le dessin au trait avec de l'aquarelle posée. C' est donc une façon de faire une illustration qui combine la technologie numérique et le dessin à la main. Je ne suis pas allé physiquement peindre ceci, mais j'ai peint des éléments puis les ai ajoutés à l'aide d'un outil numérique dans Photoshop. Si différentes techniques d'illustration comme celle que je viens décrire brièvement ou d'autres techniques numériques en particulier sont nouvelles pour vous et que vous voulez en savoir plus sur façon de créer des illustrations numériques dans Photoshop ou Illustrator, Je recommande fortement d'aller à Skillshare. Il y a une liste de classes, et ils ont un large éventail de classes utilisant outils numériques pour créer à la fois la conception graphique et l'illustration et obtenir votre boîte à outils pleine est un excellent moyen de vous assurer que vous avez toutes les compétences dont vous avez besoin pour devenir un illustrateur professionnel. 7. Réflexions supplémentaires sur le freelancing: Je suis souvent demandé par des illustrateurs qui viennent juste de commencer. « Que dois-je facturer pour mon travail ? Comment puis-je savoir ce qu'est un juste prix ? Quand un client vient me voir et me dit : « Quels sont vos frais ? » , je n'ai aucune idée de quoi leur dire. » Et c'est super commun. Je pense que l'un des plus grands points de blocage, surtout au début de la carrière d'un illustrateur est la tarification. Ça peut aussi être un point de blocage quand tu fais ça depuis 10 ans comme je l'ai fait. Donc, sachez juste que c'est normal, et qu'il y a toujours un peu de devinettes impliquées. Plus vous pouvez arriver à avoir des prix standard dans l'ensemble est génial, mais au début c'est difficile, et sachez juste que c'est difficile. Mais il y a de grandes ressources et je voulais les partager avec vous. Il y a une petite section dans mon livre, Art Ink, sur les prix, qui traite des différentes façons d'entrer dans la conversation sur les prix. Souvent, un client vous dira quel est son budget dans l'e-mail. Ils diront comme le faux courriel que nous examinons aujourd'hui dans le mémoire créatif. Les frais pour ce travail sont de 2 000$, ou les frais pour ce travail sont de 350$, ou quoi que ce soit. C' est toujours génial quand cela arrive parce que vous savez quel est leur résultat, et vous savez que vous pouvez soit l'accepter, soit vous pouvez essayer de négocier. Mais souvent, et le plus souvent, ils n' auront pas de prix fixe pour vous. Alors, ils diront, « Quels sont vos frais pour ça ? » ou « Qu'est-ce que vous factureriez pour ces ? » Et c'est là que l'anxiété s'installe souvent, surtout si vous n'en avez aucune idée, ou si c'est le genre de travail que vous n'avez jamais fait auparavant. Donc, ma ressource préférée pour la tarification et la recherche de prix, ou ce que la norme de l'industrie est pour certains types de travaux d' illustration et de licence est ce livre, et il s'appelle The Graphic Artist Guild Handbook for Pricing and Lignes directrices éthiques. Non seulement il parle de prix, mais il a aussi des exemples de contrats de licence, d'illustration et de conception graphique. C' est une ressource incroyable, et je pense qu'ils sont mis à jour tous les quelques années, la Guilde des artistes graphiques le met en ligne. C' est comme une bible chez moi. J' avais un agent, et les agents sont parfaits pour vous aider avec la tarification, évidemment, ça fait partie de leur travail. Mais je n'ai plus d'agent. Je suis mon propre agent maintenant, et donc, j'ai souvent besoin de me référer à ce livre. Mais dans de nombreux cas, j'ai aussi ma propre idée de ce que j'aime facturer pour certaines choses, ou combien certaines choses valent pour moi, ou certains emplois valent pour moi, en fonction de mon horaire et de mon l'expérience d'un type particulier de travail qu'ils veulent que je fasse. Donc, les heures supplémentaires, vous allez construire votre propre répertoire de tarification, et comme des compétences de négociation, et toutes les choses qui viennent avec la tarification, mais au début, cela peut se sentir intimidant. Donc, ce livre est une excellente ressource. 8. Conclusion: Il y a deux endroits où vous pouvez discuter et discuter avec les autres personnes de cette classe. première est la zone d'affectation où vous affichez des images de votre travail et il y a des endroits où les gens peuvent commenter et les gens vont probablement vous donner des commentaires ou poser des questions, alors assurez-vous de vérifier là-bas. L' autre est le forum de discussion. Dans l'intérêt de ce cours, mettons à profit toutes les compétences professionnelles et polies de communication que nous voulons utiliser dans le monde réel lorsque nous donnons des commentaires à nos camarades et lorsque nous recevons des commentaires de notre camarades de classe. Imaginons que nous sommes dans une situation réelle et que nous sommes soit directeur artistique et illustrateur, et utilisons le langage et le niveau de respect et de professionnalisme que nous utiliserions dans le monde réel. Je vous encourage à poster toutes les questions que vous avez ou tout ce que vous avez des difficultés dans le forum de discussion, mais sachez que je ne serai peut-être pas en mesure de répondre personnellement à la question de tout le monde. Je ferai de mon mieux pour atteindre autant d'entre eux que possible. Mais, vos camarades de classe sont une excellente ressource et peuvent répondre aussi et je vous encourage donc à discuter des choses les uns avec les autres. Le but de cette classe n'est pas de créer la couverture de livres la plus étonnante, belle et primée, vous finissez par faire ce qui est génial. Le but est vraiment de creuser dans le processus de création d'une illustration comme vous le feriez dans le monde réel. Donc, assurez-vous que vous faites attention à une communication par courriel vraiment excellente, polie, respectueuse et professionnelle. Que vous pensez à des questions intelligentes à poser pour vous assurer que vous pouvez créer le meilleur travail. Que vous répondez réellement au mémoire créatif réfléchi et peut-être même en insérant vos propres morceaux de créativité et de fantaisie là où vous vous sentez approprié. Puis, enfin, pour créer quelque chose que vous pouvez présenter au client dont vous êtes fier. Merci beaucoup d'avoir participé à cette classe. J' ai hâte de voir ce que vous créez et n'hésitez comme toujours à me faire savoir si vous avez des questions sur la mission. 9. Plus de cours créatifs Skillshare: